钢琴作品范文10篇

钢琴作品范文篇1

舒曼是一个双重性格的人，他的双重性格是理解钢琴作品的重要线索，他的双重性格几乎贯穿了所有的钢琴作品。舒曼曾自称自己为“耽于幻想的音乐家”，认为音乐即心灵的表现，感情的流露。舒曼要用音乐写出自己对世间一切事物的体验。他具有浪漫情怀钢琴作品体现于30～40年代，如《阿贝格主题变奏曲》（Op.9，1834～1835），包含一组小品的《蝴蝶》（Op.2，1829～1831），两组《帕格尼尼随想主题音乐会练习曲》（Op.3，1832、Op.10，1833），《大卫同盟曲集》（Op.6，1837），《狂欢节》（Op.9，1834～1835），《童年情景》（Op.15，1838），《克莱斯勒偶记》（Op.16,1838），《C大调幻想曲》（Op.17，1836）等。舒曼的创作涉及交响曲、协奏曲、室内乐，但占舒曼作品很大比例的、有短小乐曲连成的钢琴套曲以及歌曲则集中体现了舒曼的独创性风格。《蝴蝶》、《大卫同盟曲集》、《狂欢节》、《克莱斯勒偶记》等作品，都是将各首形象各异、情绪迅速变换的独立小曲编织在一起，成为舒柏特声乐套曲式的钢琴套曲。下面就综合以上来进一步的浅析一下舒曼的钢琴作品的创作特点。

1.旋律上。舒曼钢琴作品的主要特色，仍在于其深度的个性化的诗意表现，而旋律是呈显其特色的主要媒介。旋律的特点大致有如下几个：①以相同的旋律语法，使用在不同的作品中，而成为特有的笔调。②偏爱以上拍开始的旋律。③绝少使用附加的装饰音。④常以对位手法卡农或赋格处理旋律。这是舒曼孜孜钻研巴哈作品所获得的理念。⑤常以模进手法处理旋律。进而达到转调、简化或扩展的目的。

2.节奏上。舒曼的钢琴作品在节奏上是多变的。他常用“赫米奥拉“（hemiola）节奏型，从而产生了“舒曼风节奏”所特有的飘逸性。这种飘逸性的不安定内涵，明显地是经由重音的拖延所造成，而这种重音的不规律出现，大多来自切分音的大量使用，当节奏重音和拍子重音无法同时落下时，节奏韵律就失去了惯有的重量感，因而呈现出强烈的不安定个性。舒曼惯用的节奏规律，大体有以下几种模式：等节奏、互补节奏、纠缠节奏以不等分节奏相互遇合的旋律与伴奏，在舒曼的钢琴作品中，较常以2：3的形态出现于内敛的乐段。这种节奏或多或少呈显了舒曼在现实与理想的冲突中，潜藏于灵魂深处的自我挣扎。

钢琴作品范文篇2

巴赫无疑是这一时期的佼佼者，他的音乐艺术是世界文化最重要组成部分之一。苏联的音乐学家阿萨菲耶夫说：“巴赫是这样的伟大，他使人感到他不是一个人，而是一个强大的创作实验室，其中锻炼着当时所有音乐上的创作技能、风格、倾向和尝试。”由于他卓有成效的继承和概括了十七世纪以前欧洲各国的音乐体裁形式、具体写作技巧和各国音乐风格等音乐现象，所以创造了永恒的音乐艺术。而巴赫也被人成为“欧洲音乐大师”、“古典大师”。

巴赫的钢琴复调作品非常多，对于他的复调作品，评论家们这样评论：“谁要是不研究巴赫，那么对他的音乐中蕴涵着的那种用来表达我们最深思想和情感的巨大可能性，是不可能理解透彻的。”“没有研究过巴赫，就不能理解欧洲音乐，没有深入的研究过巴赫的复调作品，一个严谨的作曲家、钢琴家就不可能精通他的专业”。

若想演奏好巴赫的作品，关键是掌握好巴赫的作品风格。具体的说，有以下八个方面：

1.巴洛克的速度，相对的缓慢：它是决定风格最重要的因素之一。在弹奏平均律中速度应当和当时乐器(古钢琴等)相吻合，与当时的时期(巴洛克时期)想吻合。十八世纪属于节奏较缓慢的时代，如果我们在钢琴上把这套曲目弹的很快，显然是不合适的。所以平均律的弹奏应当是相对较缓慢的。

2.严谨的节奏，适当的自由：巴赫作品以节奏严谨平稳而著称。由于作品属于巴洛克时期音乐范畴，所以不能允许有类似浪漫派演奏手法常用的自由地、时慢时快的节奏。巴赫作品从开始到结束，都应处于一个基本节奏之中。但严格的说，在巴赫的作品中有严格节拍与自由节拍的两种不同形态。严格的节拍需要自始自终的统一律动。不能忽快忽慢。另一种则是自由而即兴性的部分，这部分音乐因突出其炫技的性质，因此需要适当的自由速度。

3.存在的线条，自然的流动：这是巴赫作品中又一极为重要的特点。在弹奏巴赫的复调作品前，我们应该对线条在脑中有一个初步的设计，使其自然而流动。当然巴洛克时期的音乐线条起伏不能像浪漫主义音乐中的线条起伏那么大，但它一定是存在的。正确的使用渐快与渐慢往往会给人一种舒服的感觉，但滥用则会另人厌烦。

4.清晰的声部，条理的展现：平均律属于复调作品，也就是多声部的音乐作品。我们要通过这些曲目的训练使手指控制声部和耳朵辨别声部的能力得到大的提高。在学习中，要强调保持声部层次的清晰，主题声部要尤为突出，而其他各声部要让位于主题声部，手指要做适当的控制。

5.不同的触键，相同的典雅：钢琴的触键方法有许多不同，但在弹奏平均律时，触键应和巴赫作品的风格相一致。一般来说，在快速乐曲中，用非连奏法或手指断奏来模仿古钢琴上的清脆效果比较合适。而在缓慢的抒情歌唱性乐曲中，则要把力量由肩部传送到指尖，手腕平稳，音与音的连贯要均匀，贴键出声，保持音色的圆润饱满，这样才能获得古朴典雅的音响效果。

6.分层次的力度，细致的变化：总的来说，巴赫作品的力度变化幅度较小，基本趋于平稳。但是这并不排除某些段落里的强弱力度的变化。另外，巴赫作品的力度应在按照乐曲的内容、结构来改变的同时，也要把力度总体放轻。著名德国钢琴家吉泽金说：“所有的巴赫作品的力度记号都要按比例降低一级，绝不要超过中强，因为当时的乐器与现在是大不相同的……”无论如何，强弱分明的格式决不能用到所有的前奏曲与赋格曲上去。

7.柔和的装饰，自由的表现：巴赫的装饰音种类繁多，有回音、逆回音、颤音、下波音、上波音等等，他们各有自己特殊的弹法，也可以根据自己的个人判断，有一定程度的自由。每种装饰音往往可以用好几种方法来弹，而且都是正确的，可以被接受的。巴洛克时期演奏家们在弹奏所标出的装饰音时必须有一定的自由来发挥想象。今天我们演奏巴洛克时期的音乐时，也可以根据前人总结出的规则在一定范围有所变化，这取决于我们对特定时期的演奏风格和装饰音运用方面的知识，以及好的音乐审美能力。另一方面，因为适合于古钢琴轻巧、柔和音色的装饰音，并不一定适合现代钢琴上较厚实的声音，所以，巴赫的装饰音切不可弹的太急、太强、太断和太华丽。

8.节约的踏板，恰当的使用：一般来说，巴赫的作品中很少用踏板，所以有不少人都认为踏板在巴赫的作品中似乎是不重要的，但事实上极为重要而且极难把握的，由于踏板没用好而导致演奏失败的例子随处可见。在巴赫的作品中，踏板用的多了，会使声音含糊不清，用少了又会使声音干涩无味，这两个极端都有损于巴赫的风格。我认识踏板的运用应当根据乐曲的不同来决定。著名前苏联钢琴家捏高兹就认为：“弹奏巴赫音乐时应该运用踏板，但要用得恰当、小心、极其节约，当然有很多地方是不适宜用踏板的。但是，如果再我们现在钢琴上弹奏巴赫的作品而完全不用踏板，那么比起羽管键琴来，钢琴在声音方面多么贫乏啊!”所以，根据不同的情况，我们在弹奏中遇到手难以连接或慢乐曲中需要延长的地方等，是可以使用踏板的，但我们要用耳朵仔细的倾听，然后小心的进行。

掌握好以上八点，我想，对我们弹好巴赫作品是有很大帮助的。

总之，在我们学习巴赫钢琴复调作品的过程中，无论在速度、节奏还是触键等各个方面都要严格按照巴赫的风格来学习，在每一首曲子中都要通过刻苦、严谨、细致的训练。一定可以演奏出好的作品。对于巴赫钢琴复调作品的理解与学习，我所知甚少，随着时代的发展和深入的研究，定会有更准确的理解和更先进的方法。

参考文献：

[1]赵晓生.时空重组.上海音乐出版社.

[2]林华.我爱巴赫.上海音乐出版社.

[3]图雷克.巴赫演奏指南.人民音乐出版社.

[4]赵晓生.钢琴演奏之道.世界图书出版公司.[5]周广仁，吴斌.钢琴艺术.人民音乐出版社.

钢琴作品范文篇3

【关键词】布格缪勒；钢琴作品；《再会》；艺术特征

一、布格缪勒钢琴作品《再会》的结构特色

根据相关数据调查可知，布格缪勒钢琴作品《再会》采用了钢琴节奏形式中最常见的四四拍，在一定程度上不仅体现了钢琴曲之间的句子关系，通过借助演奏技巧还能充分地表达作品情感，为后期作品情感的发挥营造了良好条件。图1《再会》的结构特色通过上图分析可知，《再会》为带有引子和结尾的单三部曲式，调性从引子部分a和声小调转至B部分的C自然大调，最后在转到a和声小调，其中A部分为主旋律，通常右手为三连音形式的伴奏，在情感方面能带给人无尽的想象，至于B部分则与之相反，其主要是左手转而为三连音伴奏，两者在交互中体现了“Allergomoltoagitato”的表情术语，给人一种严谨中又不失优美和抒情的感觉。

二、布格缪勒钢琴作品《再会》的情感内涵

（一）相聚时的激动。经大量数据分析可知，在当前城市化、工业化建设进程不断加快的产业时代背景下，人们生活在一个高度紧张的社会环境中，音乐作为舒缓人们心情的重要艺术门类，加紧对其的研究是极为重要的，其中布格缪勒钢琴作品《再会》A部分刚开始时，聆听者可感受到作者的快乐激动，而后到第六小节以后，此时再去聆听音乐则有一种紧张的小情绪，能充分体现那种见到老友的激动心情。A部分的主旋律采用的是右手三连音演奏方式，并且在演奏过程中三连音联系不断，在一定程度上不仅给人一种紧张的情绪，将作者惴惴不安的心情表现得淋漓尽致。此外其左手通常为单音，其与右手三连音的首音相呼应，并且在第九小节时，通过属七和弦连接三度音程的表现方式，不仅掀起了另一股小高潮，与此同时还能将作者想要表达的情感酣畅淋漓得表现出来，给作品增添一种其它的艺术魅力。此外通过借助强音演奏，着重突出重点音节，则可有效地将情绪融入到音乐中，提高了作品的感染力。（二）离别时的留念。与A部分不同的是，《再会》中的B部分表现的是一种离别时的场景，即从第十八小节进入，作品由最初的a和声小调开始慢慢转变为C自然大调，此时右手由最初的三连音转换为单音，左手由单音变为三连音，在表演效果方面，这种转换在弹奏时不仅更加具有表现力，同时也显著地提高了作品的艺术魅力，进而为后期人文内涵的熏陶创造了良好条件，同时这种转换方式也充分体现了在离别时两个人的留念情感，因此在弹奏方面，这部分其更加松弛且自然，还具有一定的回忆性。通常来讲，在表情术语方面，B部分术语由“p”到“sf”，有效地增强表现出了一种不愿意与友人分离之情，然后从二十四节到二十五节，曲调由C自然大调重新转变为a和声小调，这种转化也强调了作者内心的依依不舍之情。（三）分别时的思念。在尾声部分，其主要是由第三十四小节第二个音开始到曲子最后部分，通过赏析分析可知光第三十五小节，《再会》找那个就用了两个“sf”，这种应用从某方面来讲不仅表现出了作者在分别时的那种依依不舍、情绪的高涨，此外再通过右手的分解和弦，表现出了相见的尽头就是离别。“p”这种狐妖是在第三十八小节中出现的，而后在《再会》乐章的后半部分，其主要是左右两只手在交替中完成演奏的，这种反复交替不仅体现了作者对于此次相会的无限回味，也是一种对于未来的无限憧憬。

三、布格缪勒钢琴作品《再会》的演奏艺术

（一）《再会》节奏的把控。《再会》这首作品，从最初的A部分，到B部分在转回A部分，其全部采用了三连音的弹奏方式，但两者不同的是，A部分三连音的弹奏主要是右手，B部分三连音的弹奏则主要是左手，通过不同的三连音弹奏从某方面来讲不仅能打破原有节奏的均衡感，同时在拓宽乐曲发展空间等方面也发挥了重要作用。通常来讲，三连音的演奏需要放松地弹奏，且在表现时手型要保持圆弧形，且在弹奏时不能光抬手指手腕也要跟着动，进而为确保音色的顺畅圆润创造良好条件。但在实际弹奏过程中，由于人们习惯右手，因此在B部门演奏时，为突出《再会》的情感寄托，演奏者需专门学习一些左手三连音的弹奏方式，以确保演奏的顺利。（二）《再会》弱奏的处理。从某方面来讲，弱奏相比强奏，不仅具有显著的锻炼性，且在后期的演奏过程中，其需要花费更多的心思，只有如此才能从根本上确保后期在演奏过程中作品情感的抒发和表达。就像与人轻语一般，就个人而言弱奏并不是没有声音，而是“弱而不虚”，换言之，就是在演奏过程中其表现的量较小但却也存在，为从根本上表现出上述的演奏效果，在弱奏时演奏者不仅要高度集中注意力，同时还要投入一定的想象和情绪，确保后期聆听者能够体会《再会》所要表达的情感，为人们艺术文化素养水平的不断提高奠定良好基础。通篇而言，《再会》引子部分其主要采用的是“弱起小节”，具体来讲就是在演奏过程中，其最初是由弱部分开始的，而这种曲子也被称之为“弱起乐曲”。经大量科研数据分析可知，“弱起”的存在主要目的是为了突出乐曲的情感，即演奏者在“弱起”一段时间后，其通过转换强音，从而给人一种强烈的听觉冲击，在激起人们聆听兴趣的同时也为后期弹奏的顺利开展打下了坚实基础，与此同时，采用“弱起”的方式还能为后面主题部分做好铺垫，而后为作者在作品创作时情感的抒发奠定良好基础。（三）《再会》细腻的弹奏。在进行基础演奏过程中，钢琴的弹法主要有三类，即连奏、断奏和跳奏，其中布格缪勒钢琴作品的《再会》中，其主要用的演奏手法就是连奏，为从根本上提高演奏质量和演奏效率，演奏者需从根本上提高对“落滚”的重视，而作为的“滚落”，其实简单来说就是在进行钢琴弹奏过程中，演奏者将注意力集中于一个手指上，朝着一个方向自然滚动到琴键的过程。在《再会》的演奏过程中，通常来讲为，从根本上提高弹奏效果，当遇到带连线的一整串音符时，演奏者可采取这种“滚落”的演奏方式，从而增强音乐的感染力。此外，在B部分左手三连音弹奏时，为确保“落滚”目的的实现，除了与右手“第一个音手臂轻柔落下、中间音带动手腕动作弹奏”之外，还要加大练习频率，让避免“滚”的轻巧“跳音”问题的产生。

四、结语

总而言之，作为著名的德国音乐学家，布格缪勒的作品大多以钢琴为主，在创作风格方面不仅继承了古典传统，还带有一定的浪漫色彩，其中作为出名的就是《再会》，故此对其艺术特征进行全面探析，这是大家学习布格缪勒作品的重要基础和根本前提。

参考文献

[1]吴宗奎,张建东,李敏.布格缪勒《钢琴进阶练习25首》的艺术特色与教学价值探析[J].湖北科技学院学报,2015,12(23):103-105.

[2]曹晖,侯媛,韩志远.布格缪勒《钢琴进阶25曲》弹奏技法浅析[J].贵阳师范高等专科学校学报(社会科学版),2015,12(22):111-114.

[3]张帆,李卫华,周媛.布格缪勒《钢琴进阶25曲》弹奏技法浅析[J].北方音乐,2015,12(21):111-112.

[4]苏凤,李美华,赵宇.布格缪勒《二十五首练习曲OP.100》作品分析[J].黄河之声,2015,25(11):114-116.

钢琴作品范文篇4

莫扎特的钢琴音乐以优美、流畅、明朗、乐观为主要特征。莫扎特在歌剧中表现的非凡旋律天才，也充分显示在钢琴音乐中，如钢琴乐曲中不仅慢板主题气息、宽广、悠扬、婉转，恰似歌剧中的咏叹调，甚至那些轻捷绮丽的华彩经过句，也都是发自心底的歌唱。莫扎特钢琴演奏风格，以典雅，精致，纤巧，细腻而著称于世。莫扎特创造性继承、发展了阿尔贝梯低音写作手法，增强了低音的旋律性，既吸取了法国库泊兰古钢琴音乐中装饰音的曲雅趣味，又大大地改变了装饰音的形式，使装饰音不再仅仅装饰作用使之为旋律的组成部分。这种新的钢琴语汇创造，不仅形成了莫扎特钢琴音乐所特有的纤巧、优雅的风格，而且对19世纪波兰钢琴家肖邦也有很大影响。

《第十一钢琴奏鸣化曲》创作于1778年。1772年莫扎特结束旅行演出后，回到家乡萨尔斯堡任当地大主教宫廷乐长，为了摆脱大主教专横、粗暴、野蛮的压制，希望到别的宫廷谋求职位，于1778年随母亲再度赴巴黎旅行演奏，可是这位当年红极一时的“神童”，如今在巴黎上层社会却受到冷遇，谋求职位落空了，母亲在巴黎又去世了，尽管遭到这种种不幸，但他仍写下了5首优秀巴黎钢琴奏鸣曲，这些乐曲情感内容深刻，大都乐观、明朗，带有一种启蒙时期特有的自信和乐观，然而乐曲中却不时流露出悲哀的阴影笼罩着。这5首钢琴奏鸣曲也标志着莫扎特钢琴奏鸣曲创作的完全成熟。

《A大调钢琴奏鸣曲》就是其中最典型的一首乐曲，而上述莫扎特钢琴音乐创作手法及其特征，也充分体现在这首奏鸣曲中。《第十一钢琴奏鸣曲》，第一乐章，是由“主题和6个变奏曲目组成的变奏套曲”。主题：带有再现二部曲式主题的体裁风格，近似意大利西西里舞曲民谣特性，旋律朴实，明朗富有歌唱性。在性格_L更为内在而抒情，音乐的安详情绪接近了莫扎特的精神，而表现出温暖情感的深度是空前的。主题优美的行板，6/8节拍，A大调，附点的节奏，音乐时值基本上一拍一音，旋律有意简化，同音反复也为后面变奏留有余地。在主题的4个乐句中，前半段为8小节，后半段为10小节：每句前半旋律流畅抒情，每句后半音响加厚是和弦式陈述。而每乐句开始都以西西里舞曲特性节奏开始。主题的呈示部分与再现部分是歌唱性，中间部分主要是舞蹈性。整个主题是歌唱性与舞蹈性相互渗透各有侧重。从总的来看“莫扎特的钢琴奏鸣曲，不能同贝多芬32首钢琴奏鸣曲抗衡，尤其不能同悲枪，月光，热情比肩。但是在今天世界成千上万架钢琴，莫扎特和贝多芬的钢琴奏鸣曲乐谱，永远是放在一起的，肯定还要继续到下个世纪，只要人还是人，保有基本的人性……”莫扎特和贝多芬的曲子总是互补的，就像大阳和月亮、树林和飞鸟、天空和大海、永远是互补的那样。在我们这个星球上，哪里摆着钢琴，哪里就一定有两位作家的钢琴奏鸣曲乐谱放在琴上，这叫做不朽。

演奏他的作品必须把握既含蓄、典雅，又玲珑剔透的音乐风格。具体地说，应当注意以下几点。

1.旋律性极强。莫扎特的作品主旋律往往是简单而极富歌唱性的。弹奏时，应清晰突出，不能草草了事，每一个音符都必须弹得透而不燥，实而不硬，富有一定的韵味。

2.要弹出晶莹透亮的音乐。在指触上要以nonLegato为主，用指尖触键，快速而不生硬，奏出均匀清晰的音粒。

3.注重乐句的处理，强弱的对比。莫扎特的作品很少有大起大落的强弱对比，却差不多每一句都有渐强渐弱的曲线。其作品中很少出现f-PPP的强烈变化，但乐句与乐句之间却经常出现前后照应，强弱对比。有如对话一般，一问一答，错落有致。有时，短短的两个乐句，要弹好都并不容易。首先，每个乐句本身必须要有渐强渐弱的曲线。其次，句与句之间，必须形成强弱对比。如第一乐句可以演奏得稍微弱一点儿，像是在提出间题。第二乐句，可以演奏得较第一乐句稍强，以达到回答问题的效果。当然，还有其它的处理方法，但都必须有所变化，形成前后力度和强弱的对比。

4.重视谱面上的所有标记。弹奏莫扎特的作品不允许演奏者有太多的自由处理，而应较严格的按照谱面上的所有标记及提示进行演奏。如跳音、连音、休止等。这样，才能较准确的表达作者的意图。

钢琴作品范文篇5

一、20世纪初的钢琴作品创作

20世纪初期，中国社会发生了巨大的历史变革，五四新文化运动的开展，使当时爱国进步青年在思想意识上产生了重大转变，在推动中国文化界发展的同时，也促进了中国音乐文化事业进入了一个全新的历史时期，音乐教育和音乐文化活动全面展开，音乐创作开启了新的篇章。此时的音乐家从学堂乐歌时期的师法日本，将目光完全转向了欧秒H音乐，开始尝试用西方先进的音乐理论和作曲技法，突破中国传统以单音体系为主的创作手法，注重和声、旋律、调性布局的运用，与中国独特的古典诗词和韵律伴奏相结合，创作出富有中国特色的钢琴曲。1915年，中国钢琴音乐创作先驱赵元任先生在《科学》杂志上发表了《和平进行曲》，作为我国第一部正式出版的钢琴创作，赵元任在作品中有意识地将欧洲和声与中国民族音调有机地结合起来，迈出了中国钢琴音乐创作的第一步。赵元任的创作具有中国化的特点，作品大多选用徐志摩、胡适、刘半农等创作的新诗，富有生动鲜明时代气息的同时又具有浓郁独特的民族风格。在保持中国传统音乐文化特色的基础上，善于借鉴西方近代多声部音乐的创作手法。同时，他非常注重歌词与歌曲自然妥帖的高度结合，创作的曲调既流畅优美，又能琅琅上口，1926年创作的钢琴伴奏曲《教我如何不想他》就是他最具有代表『生的作品。同时期另一位重要音乐家，现代专业音乐教育的开拓者与奠基者萧友梅先生也陆续发表了《哀悼引》、《新霓裳羽衣舞》、《夜曲》等作品。1916年发表的《哀悼引》是为了纪念黄兴、蔡锷的逝世而创作的，以管弦乐曲的形式创作，以钢琴曲的形式正式，在当时的历史条件下，作品在旋律和声等方面都力求中国化，这点非常难得。《新霓裳羽衣舞》在保留中国化的同时，在和声音调技法上的运用也更为专业。萧友梅将西方音乐中的诗歌、旋律、钢琴三位一体的艺术形式融合于中国民族音乐的创作实践中，对中国后来的钢琴音乐创作有较大影响。值得一提的是，萧友梅还致力于编写音乐教材并在1925年完成《钢琴教科书》，1927年时与蔡元培等人创办中国第一所专业音乐学院——上海国立音乐学院，将中国的钢琴水平提高到一个崭新的高度，开辟了由高等音乐学校来培养音乐专业人才的新道路。2O世纪初是中国钢琴艺术起始阶段，钢琴作为舶来品的音乐艺术，在表现中国风格时必然会经历一个由试探摸索到成熟的尝试过程。这时期的中国钢琴作品创作处在一个学习阶段，创作手法相对较为简单，风格略显平淡，在曲式结构、和声构思和艺术风格上带有明显的模仿西方音乐创作的痕迹，尚不能与中国传统文化完全融合，但仍散发着耀眼的艺术光芒。

二、20世纪3o年代至建国前的钢琴作品创作

20世纪30年代至建国前，中华民族经历了抗日战争与解放战争两个重大的历史时期，中国一直处在动荡不安的局面，时代种体裁的音乐创作之中，这时期音乐家所创作的钢琴作品，在中国化的原则上，将中国传统与民族音乐运用得更加纯熟，并充分发挥西方音乐技法的优势，使这时期钢琴作品大多富有时代精神并得到了新的发展，创作出了一批质量非常高，真正意义上的中国钢琴作品，从而成为中国钢琴音乐创作中一个重要的历史时期。同时，由于上海国立音乐学院的成立，我国的专业音乐教育得到了一定的发展，出现了以黄自、贺绿汀、丁善德为代表的学院派作曲家。30年代美籍俄国著名钢琴作曲家齐尔品来到中国，为中国传统音乐深深吸引，并于1934年委托萧友梅征求有中国风味的钢琴曲。这次比赛的获奖作品包括贺绿汀的《牧童短笛》《摇篮曲》；老志诚的《牧童之乐》《摇篮曲》；俞便民的《小调变奏曲》；江定仙的《摇篮曲》6首作品。其中，贺绿汀的获奖作品《牧童短笛》以简洁、层次分明的创作手法和简约、清新流畅的音乐词汇，将旋律和节奏紧密结合，成功地模仿出了中国民间乐器笛子的特色，犹如一幅意境悠远、清新淡雅的中国水墨画，描绘出宁静美丽的乡村生活。这部作品运用西方的音乐理论，却使之完全融合于中华民族艺术内涵之中，将西方音乐理论与中国本土艺术文化作了完美的结合，是中国近代钢琴作品创作中的重大突破，可以说是我国第一部真正意义上的，完全意义上的中国风格的钢琴作品，极大地推进了中国钢琴音乐的创作发展，具有深远的历史意义。与贺绿汀同在上海国立音乐学院学习，并首演过其作品《牧童短笛》及《摇篮曲》的著名音乐家丁善德在40年代时创作出《春之旅》、《中国民歌主题变奏曲》等具有代表性的钢琴作品。《春之旅》是丁善德正式出版的第一部作品，在西方传统的作曲技法与中国民族音乐相结合的基础上进行了大胆的创新，使之在具有鲜明的民族特征的同时充分显示了独特鲜明的音乐个性。1948年丁善德又根据藏族民歌谱写了具有浓郁中国特色的《中国民歌主题变奏曲》，这些作品都表达作者向往光明和乐观向上的爱国思想，在当时颇具影响力。1946年在鲁迅艺术文学院音乐系任教的瞿维，根据民间舞蹈及戏剧等艺术形式改编创作出的钢琴曲《花鼓》，成为40年代一部重要钢琴曲。这部作品以安徽《凤阳花鼓》为旋律，用锣鼓的节奏贯穿全曲，表现了民间热烈、欢腾的歌舞场面，用钢琴这种西方乐器成功地表现了深厚的中国乡土气息，开拓了钢琴创作的新局面。无论是质量上还是数量上，中国钢琴作品创作都有了空前的发展四m。

钢琴作品范文篇6

关键词：中国钢琴作品;教育;重要性

一、我国钢琴作品在钢琴教学中的现状和原因

（一）中国钢琴作品在钢琴教学中的现状。在近几年的钢琴教学中，利用中国钢琴作品进行教学才得到某些部门的重视。目前艺考和很多的钢琴比赛，都硬性要求在考试和比赛过程中需要有一定比例的中国钢琴作品，利用这种方式来引起国内的学生和老师对本土钢琴作品的重视。然而，针对实际教学情况，中国钢琴作品却被师生忽视。目前国家应该制定一些政策，来鼓励钢琴作品的出版。来解决目前能用来教学的钢琴作品少的现状。比如教案制定过程中，就要求一定要把中国钢琴作品加入其中，毕竟单凭喊口号还是很难解决问题的，得要靠实际行动。可以明确一些可行性的目的：例如要求学生在每学期的练习阶段弹奏一些中国的钢琴作品和在考试和比赛的时候应该加入中国钢琴品等等。中国钢琴作品在教学中出现了被冷落的局面，根源在于钢琴民族化这一点我们没有真正的去理解，还是存在重视外国作品的现象，让传承和创新中国钢琴作品这个方面被搁置一旁。（二）造成现状的原因。1.教学用的作品稀缺。钢琴的发源地在国外，引进到中国的时间仅有百年时间左右，成型的钢琴作品的数量中国明显比西方数量要少，这就导致了钢琴学生在学习作品时没有更多的选择性。我们从小学习时候，接触的都是西方的教学课本，比如《约翰汤姆森现代钢琴教程》《拜厄钢琴初级教程》《车尔尼练习曲599》等等，这些都是钢琴启蒙初期的教材，后期也多用贝多芬、莫扎特、肖邦、李斯特或者一些俄罗斯民族乐派的作品，而中国的这些启蒙教学的系统书籍却几乎没有，我们还是一直沿用西方国家钢琴的教学模式，自己却没有创新。虽然西方钢琴的教学模式经历了很多年，在演奏技巧、作品创作和教学体制等等是很成熟的，但是钢琴已经进入多元化的发展，要去融合与创作出新的作品，而不是仅仅吸收外来钢琴的文化。在立足于国家民族的基础上，创作出优秀的民族教材，能提高孩子的爱国热情，进而发扬本民族的文化。2.没有国内独立创造的作品。在中国钢琴的作品中，原创的钢琴作品比较少，许多都是经过其他器乐曲所改编的作品，但经过了多年的发展，目前出现的优秀中国钢琴作品还是有一些的，但大部分作品还是根据中传统乐曲和民间音乐改编的，缺乏创新。像《十面埋伏》《浏阳河》《绣金匾》《山丹丹花开红艳艳》等，从音乐的表现手法和演奏技巧上来看，是融合了中国传统音乐的特征和西方音乐的美感，但还是没能走上国际，与西方国家创作出的乐曲还是无法有相同的影响力，在作品的质量和数量上都有不足。西方国家在很早之前就形成了自己的演奏学派，并创作出许多具有其民族特点的钢琴作品，而像弗里德里克•肖邦、巴托克和李斯特等一些国外的钢琴大师的崭露锋芒，使得外国的钢琴作品得到了广泛的推广。正是如此，想要打造出具有深远意义的本土钢琴作品，需要利用上我国的民族文化，然后创造出能代表民族特色的钢琴作品。3.对本土民族音乐文化没太高的热情如果连教师自己都不具备相应的文化修养，怎么能教好和要求自己的学生去弹好中国作品呢？因为充分的知识储备量和自身的文化修养是一个钢琴老师的基本素养，还要从思想上认识到学生学习本土钢琴作品的重要。中国钢琴作品的核心是特色的民族文化，因此当今钢琴教学的重中之重是加强对中国民族音乐文化的弘扬，完善中国民族音乐文化观念。

二、中国钢琴作品在钢琴教学中的重要性

自钢琴音乐在我国兴起至今，足足有百年光景，这百年来，很多具有中国民族特色的优秀钢琴作品在我国的钢琴家手中悄然出世。这些拥有民族特点的音乐在表现形式和展现手法方面。相较于传统钢琴音乐都有所改变，与此同时都将中国民族特有的韵味融合在其中。前人留下的那些作品为今天的学生提供了大量的具有学习价值的参考资料。给今天的学生提供了一个很好的学习中国钢琴音乐的平台。（一）能够进一步宣扬我国民族文化。教学过程中应该注重培养学生对本国民族音乐的认知和热爱，但是如果长期利用国外的钢琴作品来进行教学，会使学生缺乏对本民族音乐了解，进而会丢失民族文化精神。每一件钢琴作品的风格都是独一无二的。比如王建中老师改编的《山丹丹花开红艳艳》，作为民歌音乐的钢琴作品，在旋律、节奏、曲调等中都表现出陕北民歌的韵味。此外，作曲家还展示了陕西北方民歌的艺术特色，以发挥民歌的特色，在创作中不仅融入中国传统音乐的创作特点还与西方的创作手段结合起来了。民歌是将地区中耳熟能详的顺口溜等具有地方特色的素材整编出来的，是独具地方特色文化，能促进钢琴音乐作品朝着民族化，群众化的方向发展，并且有着深远的意义和影响。钢琴协奏曲《黄河》是根据《黄河大合唱》改编而成，乐曲气势雄伟，音调简单有力的抗日战争题材的作品，在曲式上融入了船夫号子等中国民间传统音乐元素。我们通过学习这些钢琴艺术作品，对于中国的历史文化和民族特点有了了解，在演奏过程中就懂得其作品的精髓，向全世界传递中国的钢琴艺术文化，培养爱国主义也是钢琴教学的主要任务。（二）能够加强学生的学习热情和创造能力。现今的钢琴基础教程几乎都是国外的教材，使得中国学生不能很好的理解乐曲中的韵味，让学生失去学习的兴趣。音乐是通过以民族特点为基础的出发点，然后散播到其他国家的每个角落。要想在中国发展钢琴音乐，这其中不可缺少我国的传统音乐，应在传统音乐的基础上来进行发展和升华，其中涵盖了我国的历史文化和民族精神，正是因为中国的钢琴音乐作品具有一定的民族特点，所以能够更好的被学生所理解，从而激发学习兴趣。学生们在接受中国钢琴作品相关的教育时，可以切真的感受到中国传统音乐的底蕴味道，加深了学生对于中国民族的艺术美感，还能充分调动学生的想象力与创造力，让教与学充分的体现出来。这样在了解中内外的钢琴作品时，学子们会对国内的作品有一个更全面的认识，可以更好的掌握作品的特点，感受到作者的心里和创作背景，让学生有了自己的感悟，才能加强创新。（三）学习中国钢琴作品对于发展中国钢琴艺术的意义。到目前为止，我国的钢琴学生接受的音乐教育大都以欧洲音乐作品为主，作为中国钢琴学习者对国外作品的风格把握和音乐情感的表达方式（如古典乐派、浪漫乐派等）一般都已具有不同程度的能力，这也可以说从一个方面对我们的教学予以了肯定。国内有很多的钢琴学子对我国民族音乐文化的了解十分匮乏，这就直接导致了这些学子在弹奏本国的钢琴作品时会表现出缺乏表现力的现象。如果只用国外的音乐体系训练学生，而忽视民族传统音乐文化在教学中的使用，那民族音乐的美及中国传统的美学思想和民族精神必将在他们心中逐渐丧失。可以想象出来，如果一个学子连本民族的音乐文化都不了解，要想更深层次的更加全面的去吸收其他民族的音乐文化，几乎是不可能的。传统的民族音乐文化就是国内钢琴音乐的核心，更是钢琴教育的初始点和民族文化教育的立足点。（四）推动钢琴教育的运行。音乐类院校的学生们，大多数是从钢琴的基础性教育开始的，他们拥有的音乐知识和专业文化以及专业能力都会对我国的钢琴教育工作的构建和发展起到重要的作用，大部分学生对于课堂上的民族民间音乐、中国音乐史等内容不感兴趣，觉得枯燥无味，对优秀的中国作品了解也不全面。这种现象的产生，主要因为基础的音乐教学中对于中国民族音乐的教育宣传力度不够，所以在高校中应该多加一些关于民族音乐的课程，来促进中国钢琴音乐在学生之间进行广泛的传递。

参考文献：

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[2]陈卉.中国钢琴曲中的装饰音运用探微[J].交响(西安音乐学院学报),2015,(03).

[3]丁璐.试论中国钢琴作品在钢琴教学中的重要性[J].黄河之声,2015,(03).

[4]刘洋.浅析中国民族钢琴作品在当今钢琴教学中的地位与处境[D].天津:天津师范大学,2015年.

[5]徐丹.对中国钢琴作品在教学中重要地位的再认识[D].长春:东北师范大学,2005年.

[6]金茗.从音乐本体与民间音乐学角度解释钢琴音乐的中国化[J].解放军艺术学院学报,2008,(02).

[7]韩亚嵌.谈中国风格钢琴作品的教学[J].音乐大观,2012,(05).

钢琴作品范文篇7

关键词：柴科夫斯基钢琴作品风格

在俄罗斯钢琴文艺作品中，尤其是在19世纪七八十年代，有相当多的地方开始关心和学习柴科夫斯基及其作品。他的作品在最大程度上满足了使本国深广的钢琴领域变得更加成熟的要求。在俄罗斯文学水平发展的前提下，柴科夫斯基所处的那个年代乐器已从地主家的客厅中走了出来，并在人们的生活中得到了相当广泛的普及，乐器演奏越来越多的主宰了音乐会的舞台。毋庸置疑，柴科夫斯基已经非常清楚的认识到钢琴在此中间所起到的重要作用。他不但具有天才般的音乐感觉和高超的作曲技巧，而且他的艺术兴趣不同寻常的广泛，这些帮助了他在创作中所面临的问题得以解决，在各种不同的音乐体裁中鲜明的显现出他那惊人的创作才能。

在19世纪，众多音乐家已经创作出了大量的钢琴作品，可是却还没有人能够从中充分的刻画出关于俄罗斯社会现实生活的典型艺术作品形象。而在柴科夫斯基的作品中处处闪现着现实主义激情的光辉，他从真正意义上运用了现实主义的创作手法，在作品中醒目的体现出了最为贴近现实生活的创作特征。

19世纪的艺术家们常常以幻想的形式为手段来描绘艺术作品，抒情幻想的主题贯穿了从普希金到契诃夫的整个19世纪的俄罗斯艺术史。这是人民大众所期待的最美好的最明亮的生活的回声，特别是在19世纪的最后几十年里表现得尤为集中。而在俄罗斯的钢琴音乐作品中柴科夫斯基是对它进行深入研究的第一个人。

这个时期的艺术氛围促进了以描写家乡自然风光为素材的音乐作品的发展。在整个19世纪特别是下半叶，抒情性作品中关于自然的主题越来越多地吸引着俄罗斯作家、诗人、艺术家的注意。在这些创作中应首先提到的是画家萨乌拉索夫于1871年所创作的抒情风景画《白鸦飞来了》，它为俄罗斯民族画派在俄罗斯美术史上翻开了崭新的一页，而柴科夫斯基的钢琴套曲《四季》则是它在艺术史上的一条平行线，在钢琴创作领域中占有开创性的历史地位。在《四季》诞生之前，其他作曲家所创作出的以大自然为主题的钢琴作品都被包含在欧洲浪漫主义传统中，这些作品“或是不具有明显的民族色调（鲁宾斯坦语）或是献给生活的某一方面（格林卡语）。”而大自然的美丽同样唤起了柴科夫斯基心中的激情和对幸福的向往。在《四季》中作者深刻而真挚的表达出了自己对大自然的热爱，而他的表现手法不仅仅是创作出了抒情的热情四溢的主题，更是在主题色调的运用上表现出了浓厚的民族色彩。

柴科夫斯基在年轻时接受了正规而扎实的钢琴技巧训练。“他可以很好很敏捷很漂亮的演奏最难的乐曲”（卡罗施语），常被邀请在音乐会上弹钢琴伴奏。他深知若想淋漓尽致的表现出钢琴作品来就必须对演奏技巧进行合理的使用，因此这样的钢琴演奏经验就不能不在他的钢琴作品中表现出来。

与伟大的音乐家鲁宾斯坦的持久交往深深地影响了柴科夫斯基的创作思想和创作风格。柴科夫斯基为鲁宾斯坦写过很多钢琴作品，令人难以置信的是柴科夫斯基在自己的作品中能够比鲁宾斯坦更加明显的表现出鲁宾斯坦的钢琴作品风格的重要特点——强壮的气魄和富有表现力的旋律感，仿佛他的意识能够毫无阻碍的穿越这位伟大钢琴家的艺术灵魂。而鲁宾斯坦则能够比同时代的任何一位演奏者更好的理解柴科夫斯基的创作意图，甚至有时在演奏过程中表现出了连作者自己都没有察觉出的音乐之美。可以说与鲁宾斯坦的交往在很大程度上激发了柴科夫斯基的创作灵感，增强了柴科夫斯基的音乐感悟力；并且在他们由音乐创作而产生的友谊中表现出了对任何一首器乐作品创作都至关重要的东西——音乐大师出色而独特的天才所形成的艺术积累。

在柴科夫斯基不同题材的钢琴作品中有很多乐曲的曲式结构都带有浪漫抒情诗对其影响的痕迹。有时候我们甚至可以在钢琴和声乐作品中感受到旋律的变化和抒情诗音节及感情的起伏有着明显的吻合。例如以乐曲《温柔的指责》中的第5~7小节与浪漫曲《在喧闹的舞会中》相比较,我们并不难发现它们是非常相似的。人们也常常能够在柴科夫斯基的钢琴作品中找到四重奏和交响乐对其的影响，特别在他的《大奏鸣曲》中表现的尤为突出。柴科夫斯基创作交响乐的思维方式经常在小型体裁的乐曲里表现出来，人们总能在这样的作品中感受到交响乐的音乐色彩，它通常是弦乐的和管乐的。

柴科夫斯基喜欢在钢琴作品中表现出俄罗斯民族乐器的声音，在带有这种风格的乐曲里,他巧妙模仿了木笛（《在乡村》）、手风琴（《谢肉节》）、三角琴（《特列帕克的邀请》）、手铃（《在马车上》）等等，这些器乐的色彩增强了音乐作品的民族情调并为音乐带来了一种独特的美。

无论是俄罗斯人民的生活还是各种形式的艺术题材的创作，都无不受着民族歌曲和舞蹈艺术对其的深远影响，而柴科夫斯基的钢琴作品风格的形成也与此有着重要的关系。

钢琴作品范文篇8

关键词：中国钢琴作品音乐表现

众所周知，演奏中国钢琴音乐作品，必须具有良好的音乐素质，娴熟地掌握中、外钢琴演奏的基本技术和技巧，但是，仅仅掌握技术性的东西还是不能够准确表现出中国钢琴音乐的风格与特征的，要想演奏好中国钢琴作品，还应在非技术方面多下功夫。

一、演奏思维的把握

“思维是意识的核心，是最高水平的心理活动。演奏思维是一种对音乐演奏的整体构想，可以看作是指导演奏的内在洞察力。”①

“全方位思维”是一种纵横相结合的综合的思维方式，演奏时，强调音的纵向结合的变化（如和声、织体等），同时也强调横向的流动方式（如旋律声部的进行），讲究清晰的层次感，着重于结构的整体性、均衡性和统一性，具有建筑式的严密性。

中国钢琴音乐作品，其进行的渐变性、织体运用的单声性和以旋律表现为主的特点都决定了中国的钢琴作品强调横向的多层织体流动性，构成连绵不断向前传递的线形轨迹式的思维。许多中国钢琴作品都是从单音旋律的古曲改编而成的，同时继承了民族音乐的传统，主题旋律和音乐结构都着重于音乐横向的流动与变化，讲究线条的流畅和结构的连贯。但是钢琴本身的多声特点使作品具有典型的多声性，横向的旋律、纵向的和声及多变的节奏所构成的丰富的钢琴织体，仿佛是一个“立体化音乐造型的缩影”，这就要求演奏者具有“全方位思维”，从演奏思维的宏观控制上准确地理解音乐的特点，表达音乐的内容与韵味。

如《梅花三弄》第一次主题乐段的演奏，就需要建立“全方位思维”的演奏思维特点（见谱例1）。这段音乐由四个声部组成：持续的低音和弦构成统一的背景；十六分音符的平均陪衬；主题旋律的进行；高八度音程的点缀。要准确地演奏这段乐曲，除了要清晰地表现主题旋律外，还必须把其他三个声部交代清楚。

因此，演奏中国钢琴作品，必须具有“全方位”的思维方式，在和声织体进行中注重旋律线条的美；在旋律的流动中注重多声结合的变化。努力做到“多线条思维”和“全方位思维”相结合。这样才能准确而完美地表现出浓郁的中国民族特色和风格。

二、音乐情绪的表达

对作品的深入理解，弹奏出作品特有的情绪，恰当地把握和传递真挚的情感和诗意，表达作品的音乐思想，是演奏乐曲成功的关键，也是演奏中难掌握的一部分。

如《夕阳箫鼓》就表达了真挚、深刻，具有诗意的情感。乐曲先用随意性较强的引子引出主题，而后随着主题音乐的发展、旋律的进行、表现手法的越来越丰富，音乐的情绪也就越来越高涨，乐曲达到高潮后又都归于平静。乐曲的演奏情绪都是按着“舒缓（酝酿）——开放——高潮——收束（尾声）”的次序进行的，在逐渐变化的过程中，实现乐曲结构的浑然一体和平衡统一。

在《夕阳箫鼓》中，作曲家着重表现了江南水乡风光的秀美和恬静，在作品的内部，通过音区、节奏、声音、力度等各方面因素的变化，把音乐情绪表达得起伏有致。通过起伏跌宕的主题变奏，从夕阳西下、泛舟江上，箫鼓齐鸣的情景开始，用江风吹拂、水波荡漾；浪花飞溅、水鸟嬉戏；江浊浪涌、连绵起伏表现音乐的高潮；而后描写渔夫摇橹，畅游月夜等情景。作品运用多种方法把情绪表现得非常准确。

三、音乐神韵的表现

如果说情绪是作品内容的特定人生感受与体验，那么神韵就是作品所蕴含的风格与魅力。

中国音乐之优点在于其悠远的内在神韵。神韵是决定音乐风格特征的决定因素。“以韵传神”，即表现乐曲的内在神韵，是演奏中国传统音乐时体现民族音乐精神的内核。“韵，是一种总体上令人回味的感觉”，“它建立在技巧与作品内容、风格的高度统一上。中国传统音乐的神韵主要体现在旋律的线性美及音色与‘音势’的丰富变化上。”②由古曲改编的钢琴作品《梅花三弄》主题的第三次出现（见谱例2），就继承了这一特点。作品跌宕起伏、委婉流畅的旋律，虚实相间、刚柔相济的音色，抑扬顿挫、轻重缓急的音势，整合在一起蕴含了一种特殊的韵味，准确地表现出作品的艺术美。要演奏出中国钢琴作品的“神韵”，除了通过理解乐曲的旋律、节奏、和声等音乐形式因素的组合和变化而产生的特殊风格与魅力外，还要运用美学思想来揭示作品的深刻内涵，从而使作品富有神采且韵味无穷。演奏者主体意识中的音乐体验其实是一种联想体验，在这种体验中，音乐激起了视觉的想象，主体意识内的反应不是唤起某种对生活的具体联想，而是唤起某种幻象。如在作品《梅花三弄》中，作曲家以物咏怀，以梅花傲雪而不屈、耐严寒更高洁的形象来推崇人们对人性品质、高雅格调的追求。南宋诗人陆游《卜算子·咏梅》这样写到：“无意苦争春，一任群芳妒。零落成泥碾作尘，只有香如故。”诚如《伯牙心法》所云：“以梅为花之最清，琴为声之最清，以最清之声写最清之物，宜其有凌霜高韵也。”

同样，听《夕阳箫鼓》这首作品，仿佛也能看到一幅美丽的风景画，画面中似有“夕阳西下，水波荡漾，箫鼓齐鸣，渔舟唱晚”的景象。音乐激发出人们大量的思想活动，也激起了进一步联想。《夕阳箫鼓》是借景抒情，它更注重表现了江南水乡风光的秀美和恬静，其作品中的许多情景与白居易的《琵琶行》有着千丝万缕的联系，仿佛就是“大弦嘈嘈如急雨，小弦切切如私语，嘈嘈切切错杂弹，大珠小珠落玉盘”的真实写照。诗人白居易以“嘈嘈”模拟粗弦发音的厚重、喧响，以“切切”模拟细弦音响的尖细、急促，以“嘈切”的交替来表现不同音高、色彩之对比、变化，使语言之声模仿乐器之声，结合的是那么巧妙。而作曲家也是在作品中模仿了琵琶扫弦的音响，使弦律、和声、节奏等融为一体，营造出了诗中所描写的意境（谱例3）。

可见许多中国钢琴作品都体现了音乐当中的美学观点，通过美学观点对音乐的影响，大大丰富了音乐的艺术表现力，以此来真正表现出作品中的“神”与“韵”，体现了中国传统音乐“天人合一”的美学思想。

注释：

①②《根据传统音乐改编的中国钢琴曲的演奏特色》代百生《音乐研究》1999.3第1期

参考文献:

[1]《中国钢琴文化之形成与发展》卞萌/著华乐出版社1996.8

[2]《根据传统音乐改编的中国钢琴曲的演奏特色》代百生《音乐研究》1991.1

[3]《音乐教育的哲学》（美）贝内特·雷默/著熊蕾/译人民音乐出版社2003.5第1版

[4]《音乐与文学》罗小平/编著人民音乐出版社1995.12

[5]《钢琴曲〈夕阳箫鼓〉音乐分析》李西安《中国音乐》1982

钢琴作品范文篇9

【关键词】中国钢琴作品；高校钢琴教学；应用

一直以来，我国的高校钢琴教学都是以西方的钢琴作品为主，中国钢琴作品的应用是非常低的。这就导致了高校教师和学生对中国钢琴作品知之甚少，甚至出现漠视中国钢琴作品的现象。而高校钢琴教学作为培养钢琴音乐人才的重要阵地，将中国钢琴作品作为重要的教学内容进行推广和应用是非常重要的。因此，本文主要从以下两个方面进行了论述：

一、中国钢琴作品应用在高校钢琴教学中的必要性

（一）有利于激发学生学习钢琴的积极性。目前，我国高校钢琴教学仍旧是从枯燥的拜厄、哈农等基本的练习曲开始，这对于初学者而言非常乏味且深奥的。但如果将中国钢琴作品作为高校钢琴教学中的基本练习曲，就不会出现这种现象。这主要是因为以下几个方面的原因：第一，从音乐的本质来讲，音乐最初应是民族的，然后才是世界的。也就是说对于不同的人而言，只有从本族出发，学习本地的音乐才会具有天生的亲和力。这也就使得钢琴音乐的学习简单易懂，进而激发了学生学习钢琴的兴趣。例如，在演奏《春江花月夜》的过程中，学生会非常容易地联想到江水、明月等，也会因为旋律的熟悉而感到亲切，进而激发学习的欲望[1]。第二，中国钢琴作品可以让学生相对比较容易地理解作品中所蕴含的创作背景，文化内涵等等，进而把握好作品的情感。（二）有利于提高学生钢琴的演奏技巧。中国钢琴作品的大量涌现，从某种程度上来说，极大地丰富了钢琴演奏的技巧。因此，在高校钢琴教学过程中，运用中国钢琴作品教学对于提高学生的钢琴演奏技巧是有重要意义的。这主要是由于中国钢琴作品大部分是在原有作品的基础上进行改编和创新的，而为了更好地展现原有作品的内涵，运用多样化的方法来展示就是必经的过程，进而直接导致演奏技巧的变化。例如，在演奏《十面埋伏》的时候，为表达出琵琶轮指长音，应注意弹音要坚定，同时注意左右手音响效果的平衡[2]。总之，钢琴一个触键的变化都会引发方向和力度的变化，进而导致不同韵味和效果的出现。因此，将中国钢琴作品应用到高校钢琴教学过程中，不仅能够培养学生的创新意识，更能够提高学生钢琴的演奏技巧。（三）有利于提升学生的音乐素养。在高校钢琴教学过程中，指导学生理解并掌握一定的钢琴技巧是十分必要的，但高校钢琴教学并不仅仅局限于这一个目的，更重要的是高校钢琴教学应注重学生音乐素养的提升。而将中国钢琴作品应用到高校钢琴教学过程中更容易实现该教学目标。这主要是由于学生在学习钢琴作品的过程中，是从整体的角度来看待该作品的，进而能够很好的理解和掌握该作品所要表达的真实情感。例如，在演奏《春江花月夜》的过程中，学生首先会在头脑中形成该作品的画面，然后运用听觉和视觉，深刻感受该作品的优美，最后从内心深处开始欣赏该作品，进而达到提高学生音乐素养的目的。

二、中国钢琴作品在高校钢琴教学中的应用策略

（一）分析钢琴作品的背景、风格及要领。中国钢琴作品的诞生与其所处的社会背景是紧密相连的，中国钢琴作品的风格更是与其所处的文化潮流密切相关。因此，高校教师在钢琴教学过程中，首先要让学生对所要学习的中国钢琴作品进行背景和风格上的了解，只有如此，才能为使得学生更好的理解和把握该钢琴作品的内涵。其次，教师要指导学生掌握中国钢琴作品的要领，如民族调式和五声调式等等，进而有效的区分中国钢琴作品和西方钢琴作品，有效控制弹奏的速度与力度，以达到恰当的处理乐段，正确的学习和欣赏中国钢琴作品。（二）制定适宜中国钢琴作品的教学计划。高校在开展钢琴教学过程中，制定适宜的中国钢琴作品教学计划对于学生科学、有效地学习具有重要的意义。具体应主要从以下几个方面着手：第一，理论课中尽量多地开展中国钢琴作品鉴赏课，技能课中要明确中国钢琴作品演奏的数量和标准；第二，在中国钢琴作品时，应注意形式的多样化和风格的差异性，以加强学生对中国钢琴作品的认识，进而培养学生的音乐理解能力和弹奏能力。如经典作品《平湖秋月》，中国现代风格作品《山泉》以及协奏去作品《黄河》等[3]。（三）注重中国钢琴作品的技巧性练习。相比于西方钢琴作品，中国钢琴作品在音乐元素、弹奏技术、表现手法以及指法运用等方面有显著的差别，这种差别不仅可以让学生更好地诠释钢琴音乐，还可以激发学生多方位练习的趣味性。然而，从某种程度上来说，也增加了学生理解中国钢琴作品音乐意境和情感的难度。结论总而言之，在当今社会，在多元文化并存的今天，保有我国民族文化的不断发展和壮大是十分必要的。因此，在高校钢琴教学过程中，将中国作品合理应用其中，不仅有利于激发学生学习钢琴的积极性，还有利于提高学生钢琴的演奏技巧，更有利于提升学生的钢琴音乐素养。所以，本文探讨了中国钢琴作品在应用高校钢琴教学过程中要注意分析其作品产生的背景、要领以及风格，在此基础上，制定适合中国钢琴作品的教学计划和技术，让学生能够进行多方位的练习，进而促使更多的人认识中国钢琴作品的价值，推动中国钢琴教育的发展，传播中国的独特的音乐文化。

参考文献：

[1]李昕.中国钢琴作品在高校钢琴教学中的应用[J].艺海,2016,09:131-132.

[2]胡曈曈.中国钢琴作品在高校钢琴教学中的重要性探析[J].兴义民族师范学院学报,2016,04:90-92.

钢琴作品范文篇10

关键词：高校；钢琴教学；钢琴作品；应用

随着社会的不断发展，人们对于精神娱乐的要求越来越高，各大高校对于学生的音乐学习与鉴赏能力的要求也越来越高。在音乐教学的过程中，钢琴艺术的讲解又占据了很大一部分。为了让学生们更加深刻的感受钢琴艺术的魅力，也为了让他们对不同形式的钢琴作品有更为深刻的了解，我们将钢琴作品巧妙的引入到了钢琴艺术的教学中。下面，我们将从不同的角度对钢琴作品应用于钢琴教学的作用进行细致的分析。

一、促进学生了解不同类型钢琴作品

在传统的钢琴艺术教学过程中，教师只是按部就班的将谱子、弹奏手法和技巧等教给学生，课上的大部分时间都被用来识谱、记谱和进行手法练习，因此，学生的作品鉴赏能力受到了极大程度上的忽视，长此以往，他们会丧失基本的钢琴作品欣赏和鉴别能力，而且也会拉大与钢琴作品的距离，失去对基础的钢琴作品的了解。因此，我们非常有必要将钢琴作品应用到高校的钢琴艺术教学中去。随着近年我国钢琴艺术的飞速发展，我国的本土钢琴作品的质量也得到了很大的提高，其更加贴近人们的实际生活，也更加细致的表达了人们的真实感情，因此，如果能够巧妙地将这些钢琴作品应用到日常的钢琴教学中去，能够让学生更加真实地感受到钢琴作品的亲和力。同时，在教学的过程中，教师会引用不同类型的钢琴作品，这就引领学生们领略到了不同类型钢琴作品的魅力，使得他们能够更加全面而且深刻的了解不同类型的钢琴作品和钢琴艺术。

二、激励学生练习钢琴创造钢琴作品

任何学科的学习都需要有引导者和领路人，钢琴艺术的学习也不例外，想要让学生更加积极的学习钢琴的弹奏，就要进行有效的引导，而将钢琴作品应用于钢琴学习中就能起到非常有效的引导作用。在钢琴作品的熏陶下，学生们能够更加真实地感受到钢琴艺术的巨大魅力，因此产生学好钢琴艺术、进行钢琴作品创作的巨大兴趣。由于受到西方钢琴艺术的影响，很多学生对民族钢琴作品的兴趣不是很大，因此，我们要将民族钢琴作品引入钢琴教学的课堂，让学生感受到民族钢琴作品蕴藏的深刻内涵，以此激起他们对于民族钢琴作品的兴趣，从而不断地进行钢琴演奏的练习，并不断的进行钢琴作品的创作。钢琴作品都隐含着精深奥妙的内涵，只有将这些作品真正的应用到实际的钢琴教学中去，才能让学生感受到钢琴艺术的魅力，促使他们积极的进行钢琴艺术的学习，以便于创作出更加优秀的钢琴作品。比如:教师在上课时，可以以翟维的《花鼓》、孙以强的《谷粒飞舞》为例子，向学生们展示民族钢琴文化的博大精深，以这种贴近人们日常实际生活的钢琴作品为例，能够打动学生的内心，激发他们的创作灵感。同时，他们也愿意更加主动地进行钢琴的练习，以此来达到手法娴熟的目的。

三、树立学生音乐意识促进音乐教育

在基础音乐教育的领域，钢琴艺术占据了非常重要的一部分，如果能够抓好钢琴艺术的教育，我国的基础音乐教育将会得到很大的提升。因此，我们要利用好现有的资源，努力发展好钢琴艺术的教学。尤其重要的一点是，从目前的调查数据来看，高校音乐专业培养出的音乐人才大部分都选择了出国留学深造，这就对他们的音乐素养和音乐意识有了很大的要求。如果只是单一的灌输钢琴知识和培养音乐意识，学生们会逐渐感到厌烦，因此，我们要巧妙地借助钢琴作品进行音乐意识和素养的培养。每一部钢琴作品都是经过了斟酌和精挑细选后得到的结果，其中蕴藏了大量的钢琴知识和技巧，同时也包含了创作者的心理活动，因此，钢琴作品能够给学生们的心灵带来很大的触动。大部分钢琴作品都蕴藏着一些弹奏技巧，这对于教授学生钢琴弹奏技巧和培养学生的音乐意识有很大帮助。比如：在著名音乐教育及音乐理论家汪立三的钢琴作品《梦天》中，十二音技法和中国民族音调得到了非常完美的结合，这种创新的演奏方法使得原诗的意境得到了淋漓尽致的展现。这种创新的钢琴演奏方法可以将钢琴艺术更加完美的展现给人们，同时，其也能促进学生们钢琴艺术意识的培养，使得基础音乐教育得到更好的发展。

四、结语

总而言之，钢琴艺术有着独特的魅力，我国的音乐教育事业是离不开钢琴艺术的，作为教育机构，各大高校都应该积极的进行钢琴艺术教育方法的创新，将有个性、有代表意义、有民族风情的钢琴作品应用到钢琴教学中，激发学生们的学习乐趣，为他们创造良好的学习氛围，在最大程度上提高他们进行钢琴艺术学习的效率。

[参考文献]

[1]郝洁.关于在钢琴教学中选用20世纪作品的几点思考[J].黄河之声,2017,17:14-16.