声乐初学十篇

声乐初学篇1

【关键词】声乐；气息；方法；教学

普通中学的音乐教育，内容丰富多彩。作为一名中学音乐教师，不仅要懂得基础知识，有一定的欣赏能力和键盘乐器的使用能力；在演唱方面不仅自己能唱，也要使青少年懂得歌唱生理及歌唱心理，歌唱的技能上也要适当掌握。本人就从心里、方法、基础训练三部分浅谈我工作这几年的声乐教学经验。

一、注重心理教学

当代心理学家普遍认为，人的心理素质的形成既含有先天遗传的因素，亦有后天锻炼的因素以及环境影响的因素等，正是因为每个学生的先天遗传气质不同，因此在教学过程中，就要根据学生的不同特征，因材施教。

初中阶段的学生大多在变声期内，上课时会提醒学生这是成长阶段的一个重要过程，不必担心及烦恼，只要适当的保护和正确的用嗓就行。如遇到高音上不去，低音下不来的现象，就把歌曲适当降调，使用正确的唱歌技巧等，来消除学生对自身嗓音的疑虑。教师要做到动脑教学，让每一位学生爱唱歌。我们学校的百灵社团，是针对爱唱歌的孩子开的一个社团，孩子们都愿意唱歌，非常不错，但我的要求是，不允许大声唱，不允许用最大的力量唱。起初孩们不懂，可经过一段时间后，这些孩子的声音有了一定的共鸣力，其他同学听到后都觉得很美，她们都受到了影响，现在在音乐课堂上几乎所有学生都愿意唱歌，因为他们认为不用大的声音也能唱好歌。在教学中我不断鼓励他们，我会说：“某某同学，你的声音不错，很有特点，加油啊！”具体什么特点他们不知道，这个时间段的孩子希望与众不同，所以他们愿意用他那与众不同的声音唱歌。现在在我的课堂上除了爱唱歌的学生之外就是有很多与众不同的唱歌者。只有愿意唱歌，他才能去学习唱歌，才能在这个堂上讲述关于唱歌的知识。

二、注重方法教学

学习歌唱并不是一件容易的事。我们歌唱的器官小部分暴露于体外的在歌唱时可直接受大脑支配外，其余大部分必须通过科学训练才能达到间接控制生理功能的目的。所以要想立刻改掉歌唱时的弊端，需要科学的方法和时间的磨练。

发声是根据发声生理学研究，人的嗓音的整个音域中，最自然、最容易发出的又最省力的，是人们用于说话的一段音区的声音。声乐上称为“自然声区”，也叫“中间声区”。发声是建立良好歌唱状态的基本手段，是有效改善与发展嗓音、提高歌唱能力的必不可少的途径。

变声期嗓子的明显变化就是哑嗓，这是一个正常的生理变化反映，合唱队中有位女同学这种现象非常明显。在一次练习中发现这位学生的牙关并没有打开，偶尔一次打开声音状况还不错，我让她单独演唱了两遍。第一遍，不予她说方法，让她用自己的方法唱，可唱到一半她停下来说老师我高音唱不出来。确实牙关没打开怎么唱都觉得压抑，怎么能唱上去，怎么能有好的声音，在鼓励下她吃力的唱完了一遍。第二遍的演唱我要求她每个字都要打开牙关，要撑住气息。这位学生也挺聪明，看着我的嘴形带着气息很轻松的唱完了第二遍。而同学们也惊奇的发现，这位同学第一遍的演唱声音是沙哑的，高音上不去，而第二遍的声音却是非常干净。所以接下来的集体演唱中，几乎所有的学生也能够尽量的打开牙关。我把这个例子在每个班上音乐课时讲出，现在学校每一位学生都知道唱歌要打开牙关。

抓住一些特殊的学生，让他们成为一个典型的例子，不予学生讲空话，在实践中让学生自己得到概念，获得方法。让学生用脑袋去思考音乐，去实践音乐。

三、注重技能训练及基础训练

歌唱的方法很重要，呼吸却是重中之重。歌唱呼吸是一门广泛而深奥的学问。在意大利美声学派中就有着这样的说法：“呼吸是歌唱的基础和动力，谁懂得呼吸谁就懂得唱歌。”而在我国古代的声乐理论里也有说到“善歌者必先调其气”和“气动则声发”。今天，我们强调呼吸是发声的源泉，是歌唱的动力，是歌唱的生命。不仅是对呼吸重要性的深刻认识，而且更加突出了呼吸在歌唱中的重要作用。正确的发声，良好的共鸣乃至对歌曲思想感情的表达都与呼吸密切相关。因此，在歌唱时只有掌握最自然、最深长、最正确的呼吸，才能具有丰富表现力的歌唱物质动力，才能更为自如地进入歌唱艺术创造的境界，达到精神和身体的和谐，声音形象和角色形象的统一。

初中阶段的学生练习声乐不能够用喊嗓的方式进行，尤其是男生更不行。必须要用气息带动，这样才不会造成嗓子受损。到底怎样运用气息，实际上很复杂、很难。在教学过程中我模仿迪里拜尔教学中的弯腰找腰部气息的方法，效果很明显，学生找到了腰部的气息位置。要把气息保住我让学生在腰部系一条绳子，用力绷住腰部，要求学生把握好吸气的状态，顶住气息。这个效果也很不错。有充足的气息，可以更好地抓住音准，可以让你的声音更佳的有质感。

合唱队中只有一位男生，嗓子一般，音乐感觉也并不是特别好，唱歌老走调，在社团课中一半以上的时间都是走调或找不到调。很想劝其退出，可怕打击他的积极性。再说，有个差点的同学在内，可以给其他同学做个反面例子，这样所有同学进步可以大一点，起初我的想法就是这样。可上了一段时间后，发现这学生并不是天生条件不行，而是后天的培养不够，我开始每节课特意在他身上花了一点时间，从练气息开始，还不错，小孩抓住了气息点。因社团中男生较少我让他坐在了钢琴旁边，盯着他唱谱，在气息的带动下，现在音准抓得还不错，进步不少。该男生有个优点，每次唱歌都会把嘴巴张得大大的，所以现在即使不让他唱大声，他在同学中的声音还是挺明显的。他从一个反面教材的学生通过气息、方法、音准的训练现在都成了每次正面示范的学生。音乐教育是素质教育的一个重要组成部分，对人才的培养有着积极的意义。声乐艺术又是音乐教育中最容易普及的一门艺术，它不依赖其他乐器，而能提高学生的音乐文化素养和修养，因此成为音乐教育中一种最简洁、最广泛的实施手段，所以在初中课程里也应当重视学唱的科学教育。

以上所述都是一些简单实用的教学经验，在实践运用当中还有待探索、提高。总之，初中音乐课声乐教学，还是应该给学生以深入浅出的技能方法，轻松和谐的环境气氛为学习的基础，使学生想唱歌、爱唱歌、能唱歌。

参考文献：

[1]张重辉.声乐基础通用教程[M].浙江大学出版社，2003

[2]邹初本.歌唱学―沈湘歌唱学体系研究.北京：人民音乐出版社，2012

[3]周小燕.声乐基础[M].北京高等教育出版社，1990

声乐初学篇2

关键词：初中学生；声乐教学；因材施教

呼吸是歌唱的基础，在正确的歌唱中起着极其重要的作用，它直接决定着歌声的流畅度。所以，在说到声乐教学时，所有声乐教师都会把歌唱时如何呼吸作为教学重点，因为只有掌握了呼吸的方法，歌唱才有了发展的基础。

我们在歌唱时，呼吸要有一个立足的地方，这个立足点就是当横膈膜下沉和两肋向外扩张、小腹微收时所形成的歌唱的发力点。我们在咳嗽或笑的时候，可以直接感觉到它的支撑作用。但很多学生并未真正掌握如何呼吸、如何找到气息的支撑点。这就要求教师在教学中要反复举例，让理论的东西变成生活中看得见摸得着的事物，并让学生根据这些事例去摸索其中的原理，然后经过大量的反复训练，达到运用自如的程度。下面，让我们以受到惊吓时的身体反应为例来说明如何才能找到气息支撑点。首先，当受到惊吓时，你会身不由己地用口鼻把气快速吸到腰的周围，此时我们的腰间会有明显的膨胀感，更重要的是，这时你的小腹也已经是微收的，也就是吸气的状态，请你反复训练这种状态。要想做到保持吸气时的状态，就必须在歌唱的过程中一直保持小腹微收。最后，在小腹的支撑下，腰周围就会向外持续扩张，气息就会被很有根基地慢慢呼出，从而使你的歌声能收放自如。当然，要想找到小腹支撑气息、腰周围膨胀的感觉，还有其他办法，如闻香喷喷的饭香或走进百花园中闻花香时的状态，或者要让我们抬比较重的东西时，你做准备时的状态，这些都是能找到正确的气息支撑点的方法。不管怎样，这都是一个枯燥的训练过程，学生不是每一个人都具有音乐天赋的，他们的声乐素质往往也千差万别，有的甚至根本不具备任何音乐方面的优势。因此，声乐教师不能搞一刀切，而应针对不同条件的学生，采用不同的教学方法，进行因材施教。这就要求声乐教师“打铁还需本身硬”，自己首先要有扎实的基本功，只有这样才能在学生出现发声错误时准确判断并模仿学生出现的错误，同时对错误的和正确的发音进行对比，直至让学生掌握正确的发音为止。

歌唱是一件非常轻松愉快的事情，它需要歌唱者先对歌曲进行深入发掘和认真体会。比如，对于一些古典歌曲和革命歌曲，必要时我们要追根溯源，了解它们的创作背景和创作动机。这样你才能在歌唱时将歌曲所要表达的情感完全地呈现出来，使听众有身临其境、置身其中的感觉，使自己的演唱对听众起到感染和熏陶的作用。但历来在声乐表演时都会出现这样一些情况，有的学生太注重自己发音的正确与否，而忽略了情感的表达，演唱时面无表情，精神紧张呆板，只是一味地为唱歌而唱歌，却没有丝毫的情感注入。有的学生拿到歌曲就唱，连这首歌的词曲作者都没注意，也不了解歌曲的时代背景以及词曲作者的写作初衷，更没有用歌声表达出这首歌的内涵和灵魂所在。所以，当学生歌唱时，教师要进行细致的观察和领会，必要时可以用表情或肢体语言提示他们不要只追求发音的正确，要更注重情感的表达。在学生演唱前，教师可以找一些这首歌唱得较好的学生进行示范，或者借助一些视频或音频让学生仔细聆听，认真领会别人的表达方式和演唱效果，从而让他们由模仿到内化，然后再去表演，这样的效果会更好，这也是好多名人之所以能够成功的方法之一。比如，李玉刚唱《贵妃醉酒》、大衣哥唱杨洪基的《滚滚长江东逝水》等。而对于历史歌曲，如《黄河大合唱》《东方红》等，教师要先让学生查资料，了解作品创作的时代背景。在学生完成了这些任务后，教师再对作者当时的创作动机进行生动的讲解，这样学生就真正成为了歌曲情感的传承者。

有些学生总是认为自己天赋高人一等，因此经常和别人比，总嫌教师给自己留的歌太少、太容易，或者不好听，时常主动向教师提出自己要学唱什么样的歌。稍有心得，就回去辅导别人，听到他人的高音超过了自己，便争取别人的辅导。这种主动学习的精神是好的，但不能急躁，应实事求是，保持谦虚的态度，在不断摸索中找到一条适合自己的路子。同时，教师也不能把自己的方法强加于学生。否则，学生只能从厌学走到弃学，彻底丧失对声乐学习的兴趣。

很多学生不喜欢教材上的民歌、爱国歌曲和革命歌曲，一味地热衷于通俗歌曲、流行歌曲。但不管怎样，我们不能扼杀他们的兴趣爱好，而应正确地引导他们去认识和演唱流行歌曲、通俗歌曲，如校园里唱的非常红火的《真心英雄》《冰糖葫芦》《中国娃》等。再者，因为学生自身歌唱条件和兴趣的不同，我们不能强迫学生只能唱校园歌曲或革命歌曲。俗话说，授之以鱼，不如授之以渔。只要我们教给学生一套正确的歌唱方法，他们就可以不拘一格，纵横放歌，雅俗共进。

合唱是练习声乐的有效方法之一，它对表演者的要求不是很高。学生只要懂得基本的歌唱技能，有较好的视唱练耳功底，能在实践中看出指挥者抑扬顿挫的意图所在，那就完全可以成为一名合唱人员。所以，教师不一定要把所有学生都培养成独唱者或歌唱家，这很难实现。但完全有可能把自己的学生培养成一名合唱者，这既能成就一般学生，又能满足好学生的发展需求，何乐而不为？而且，大部分学生对合唱的喜欢远远超过独唱，因为合唱能够掩盖他们的不足，使他们能平等地展示自我，让他们有一种成就感。当然，在合唱歌曲的选择上，难度不能太大，声部不能过多或过于复杂。例如，《大海啊故乡》《采蘑菇的小姑娘》等，都可以作为我们的合唱练习曲目。

另外，有的学生听过不少歌唱家的歌曲，对某一位歌唱家的声音非常欣赏，总想有一天唱出和他一样的歌声。为此，他也不管自身条件是否能达到这个层次，也不了解这位歌唱家之所以唱得好的磨炼过程，只是盲目地要求教师帮他达到预期目的，否则便牢骚满腹，不愿接受教师的引导。要满足这样的学生的要求是非常困难的，如果他认为你的教学方法和他想象中的不一样，不能按照或满足他的要求，他就会对教师的话置若罔闻。如果教师不去从正面开导他，让他先信其人再行其道，教师很快就会发现这个学生的声乐学习已经越来越偏离了正确的发展方向。

参考文献：

声乐初学篇3

随着我国教育改革的逐步深入，初中音乐教育已逐渐得到大众广泛的关注。为了更好地适应素质教育的发展，初中音乐课堂教学应该积极探索有效的教学策略，以实现培养学生音乐艺术素养的基本目标，并且有效的促进素质教育的实施。本文主要对初中音乐有效的声乐课堂教学方法进行了一定的探索研究，以促进音乐教育事业的发展。

【关键词】

初中音乐课堂 声乐教学 有效策略

在传统的初中音乐教学过程中，部分教师主要注重音乐理论知识的讲解而忽视对学生音乐基本素养的教育；或者一些教师过于偏重于叫唱，即教师唱一句，学生跟唱一句的教学方式，进而导致学生在音乐创作欣赏等方面仍极度匮乏。因此，在素质教育不断实施的阶段下，学校教育应认真领会音乐教学思想，并在教学方法上进行一定的创新，以学生为主体培养学生的学习能力，提高音乐教学的有效性。以下主要提出了几点关于提高声乐教学质量的策略，希望对音乐教育事业的发展能够起到一定的帮助。

一、激发学生学习的兴趣

在初中声乐教学课堂的过程中，学生学习的兴趣对于有效课程的开展起到决定性的作用。只有在课堂上激发学生学习的热情，才能充分调动初中学生学习的积极性，使学生关注并乐于参与音乐教学活动中，从而也有利于教师进一步开展音乐教学，提高学生的音乐创作和鉴赏能力。在传统的音乐教学过程中，教师没有充分认识到声乐教学的重要性，从而缺乏正确的讲解与教导。因此，在新课程的教育过程中，教师应多在教学的设计上加以创作，认识到丰富多彩的教学设计可以激发学生学习的兴趣。例如，在声乐教学课堂上，为了吸引学生上课的注意力，教师可以开展一些学生比较喜欢的、感兴趣的活动来调动学生上课的情绪，比如在课堂上临时开展小游戏“击鼓传球”，即鼓声停止的时候，球传到哪位同学就由该同学演唱一首歌曲。通过这个游戏，不仅可以凝聚学生上课的注意力，还可以调动学生学习音乐知识的兴趣，从另一程度上感受声乐的魅力。由此可见，在课堂教学中激发学生学习的兴趣是非常重要的一项策略。

二、丰富教学课堂的内容

改善声乐教学的质量，课堂学习的内容在一定程度上也起到关键性的作用，丰富课堂的内容对于教师来说至关重要。教师在授课前应认真规划好所教的内容，所学内容需与学生的兴趣、生活紧密相关，确保在一定程度上能够引起学生的共鸣，实现有效教学的目的。例如，在进行音乐教学课程时，教师可以通过引进民族传统乐器教学改善教育质量。这一方面是由于在现代化教育时代下，人们对孩子综合素质教育的培养较为重视，大部分家长也都希望孩子可以掌握一两种乐器；另一方面也可以增强学生对音乐乐器的了解与认识，培养学生的音乐素养。在课堂上，二胡、钢琴、笛子等乐器都可以与传统民族课程资源相结合，通过教师讲解，学生可以充分理解我国音乐的历史和传统，了解民族的乐器，激发学习民族乐器的兴趣。因此，从另一层面上来说，充分利用我国优秀的民族音乐文化传统资源，可以有效地改善音乐教学质量，促进学生综合素质的培养。

三、利用多媒体教学设备

随着社会的进步与发展，现代科学技术已逐渐发展到教育事业中。在现代教育时代下，多媒体技术已得到了广泛的关注与应用。在声乐教学课程上，多媒体应用可以做一些教师力所不能及的工作，从而使音乐知识更加明确，教学目标更加清晰，学生接受知识的途径也更加方便，这种教学方式很好地符合了学生学习的心理特点。因此，在素质化教育下的音乐教师，应充分做到教育的时代性，使教学内容满足学生、社会发展的需求，并且应充分利用多媒体技术的灵活性进行有效地教学。例如，在教学音乐《长江，长江》一课时，教师可将多媒体引入课堂以辅助教学，可先让学生通过多媒体观看一段长江滚滚而来的景象，感受江水的浩瀚与汹涌，然后进行歌曲的学习。传统的音乐教学方式使学生失去学习音乐的热情，但运用多媒体技术可以使学生产生浓厚的学习兴趣。音乐课程一开始，学生学习的积极性便被多媒体视频调动起来，同时对音乐的背景也有了一定的认识与了解，这对于音乐的学习有着极大的帮助。

四、加强声乐课堂与生活的联系

在素质教育化的时代下，任何教学都与实际生活有着密切的联系。音乐创作本就源于实际生活，因此音乐教育也离不开生活。在学校中，音乐课堂作为学生和教师在学习生活中的重要场所，联系着教师教学和学生学习的中间桥梁，从而对于音乐课堂与生活的联系也需加强。在音乐课堂教学过程中，教师应关注学生所具备的审美能力，并不断开阔学生的音乐视野，将生活与教育紧密联系在一起，促使学生关注和热爱音乐生活。同时，教师应将音乐教学贴近学生生活，使学生能够在生活中不断加强音乐学习。例如，教师在教学音乐课程时，可以进行野外创作学习，带领学生走进户外，通过开展聆听活动，如聆听生活中的鸟叫声、风声、说话声、走路声等多种声音，促使学生结合户外所听、所见、所闻、所感的事物进行音乐旋律创作，将自己认为好听的旋律串联在一起以完成作品。该教学模式一方面可以加强学生与教师之间的沟通与交流，另一方面还可以增强学生的音乐创作能力，提高学生的音乐素质水平。通过学生自主参与到现实生活中，贴近实际音乐活动，使学生学会探寻与领悟，也更加充分地理解与掌握音乐知识。

五、结束语

综上所述，音乐作为初中教育中的重要内容，应随着时展的步伐不断地进行改善，通过转变教学思路、改进教学方法、应用多媒体技术等多种措施，创建一个和谐的音乐学习课堂氛围，从而实现音乐课堂教学的有效性，提高学生的综合素质与音乐能力，进一步推动音乐教育的发展。

作者：孙小芬 单位：江西省赣州市于都县第二中学

参考文献

声乐初学篇4

关键词：声乐教学；改革；音教专业

中图分类号：G64 文献标识码：A

文章编号：1005-5312（2012）23-0235-01

高校音乐教育专业是以培养合格优秀的中小学音乐师资为目标，在专业课程设置中，声乐课是音教专业的主干课程，占有举足轻重的地位。然而随着高校扩招及中小学音乐课“新课标”理念的不断深入，高校的声乐教学必须进行改革方能适应新形势下音乐教育的发展。笔者尝试从更新教学观念、创新教学模式、借鉴“曲艺精华”、融合“教学资源”四个方面对高校音教专业声乐教学提出改革意见，以便抛砖引玉，集众之智，切实解决好高校音教专业声乐教学发展的瓶颈问题。

一、更新教学观念

近年来，随着中小学“新课标”的出台，为我国音乐教育的发展明确了方向。“新课标”明确提出了以“审美”为核心的教育理念，在培养学生审美能力的同时又强调人文素质的全面提高。然而多年来的高校音乐教育的声乐专业基本上都是沿袭专业音乐院校的教学体系，过于强调技术技能的训练，而忽视对学生审美能力的挖掘及培养，与“新课标”的要求相去甚远。高校音乐教育的培养目标就是培养合格的中小学优秀师资。因此，高校声乐教学必须以“市场”为导向，把以“审美”为核心的教育理念贯穿声乐教学的整个过程，让学生在学唱的过程中认识美、感受美、体验美。让传统的“声乐技能课”转型为新颖的既能传授技术，又能享受艺术的“声乐美育课”。

二、创新教学模式

近年来随着高校艺术类招生的不断扩招，高校的招生门槛相对较低，自然会导致生源质量的大幅下滑。如音乐类考生，有大部分学生缺乏对音乐的热爱，自身音乐素质和文化修养都不高，只是有幸成为高校扩招的“幸运儿”。然而，面对这样的培养对象，高校声乐教学必须打破传统的“一对一”声乐教学模式，尝试小组课和集体课交替进行的教学模式来应对当下的声乐教学困境。目前，高校普遍存在生源较多，师资相对缺乏的现象。“一对一”声乐教学模式在高校音乐教育专业，基本上已成为历史，或者是极少数人享受的“特权”。以湖北高校音乐教育专业声乐教学模式为例，基本上是以“一人课”和“小组课”最为常见。然而“一人课”肯定是极少数优秀学生的特权，“小组课”不言而喻。笔者认为，这种模式的存在，还没有摆脱传统声乐教学的烙印，不能很好地体现以“审美”为核心的声乐教学理念。然而，小组课和集体课交替进行的教学模式，不仅减轻了教师的工作量，而且能最大程度上整合教学内容，扩展专业知识，是提高教学效率的有效措施之一。目前湖北高校音乐教育专业声乐教学，“小组课”为最为常见的教学模式。如果在学期内，任意周次安排二至三个小组课一起上“集体课”，这些学生不仅能得到两三个学时的知识量，更重要的是让他们融入一种积极向上的学习、研讨的氛围。集体课一般会讲授声乐基础理论、声乐教法或技能技巧课学习中的共性问题，同时，还可以在集体课中观摩名师名家的声乐教学录像及全国声乐比赛录像等。教师以学生为主体，引导学生积极思考，通过教学互动，激发学生们的学习兴趣，必然会增强学生的审美能动性。“小组课”是以小组为单位进行声乐授课的一种模式，一般3-4人最为合适，教学中，教师既可以解决学生在声乐学习中存在的共性问题，也可根据每个学生个性进行个别指导。“小组课”教学，教师要引导学生认识词曲的“美”，体验声音的“美”及欣赏肢体语言的“美”。让“审美”理念贯穿“小组课”声乐教学的整个过程。笔者认为，“集体课”的优势在于解决声乐学习中的共性问题；“小组课”则更注重学生个性问题的解决与提高。如二者结合在一起，相得益彰，既能调动学生的学习积极性，又能优化教学效果，应该是《新课标》背景下高校声乐改革的明智之举。

三、借鉴“曲艺精华”

目前我们师范类高校音教专业的声乐学生普遍存在“重讲台轻舞台”的现象。不是不愿意登台，而是登舞台缺乏自信。俗话说“心里没谱，打不得锣鼓”。舞台表演是一门综合艺术，不仅需要较好的专业基本功，还要有较好的舞台表演功底。然而我们音教声乐学生平时只注重讲课能力、示范能力、教育教法等，却忽视了舞台表演能力的培养，这也是传统声乐教学的一个薄弱环节。因为声乐是一门表演艺术，离开了表演，它变成了无本之木，无源之水。

普通高校音乐教育专业声乐教学不同于专业院校声乐表演专业教学，其根本区别在于一个注重“师范性”，一个注重“表演性”。然而在当下音乐专业总体就业极不乐观的形势下，高校音教专业声乐教学在稳操“师范性”的前提下，更要注重学生的舞台实践能力的培养。笔者认为普通高校音教专业声乐学生，在提高表演能力方面可以大胆向地方曲艺和戏曲借鉴。南阳师范学院音乐学院已经开启地方曲艺进课堂的先河，而且取得了良好的办学成效。高校作为文化阵地，既传承了民族文化，又汲取了曲艺的精华。曲艺表演艺术讲究“四功五法”即：“唱、念、做、打和手、眼、身、步、法”。单就“五法”而言，它是协助“四功”完美演员的肢体语言。我们说一个演员在舞台上的表演有没有功夫，主要就是用“手、眼、身、法、步”来做出衡量。而观众是否能获得审美满足，也取决于演员对“五法”尺度的掌握。所以高校音教专业的声乐教学，要大胆向校外的“优秀资源”借鉴，利用自身优势，丰富专业特色，增强音乐艺术的审美功效，培养出既能站稳讲台，又能站好舞台的优秀音乐教师。

四、融合“教学资源”

声乐艺术是一门综合性的学科，声乐的审美活动离不开音乐的相关学科及音乐艺术以外的文学、戏剧、舞蹈、曲艺等相关学科的知识积累。特别是声乐与文学的联系甚为密切。声乐是文学（歌词）与音乐的结合体，透过对歌词的理解和分析，便能找到其中的情感基调，再与歌中的旋律结合，并能达到词曲合一，相得益彰，达到完美的境地；声乐与舞蹈、戏剧、曲艺的联系也比较直接，上文所讲的声乐教学在表演方面向曲艺“五法”借鉴就是一个很好的例子。过去的声乐教学仅注重歌唱技术技巧的训练，而忽视其他学科的联系，导致学生成为一个“发声机器”，不懂的艺术性的歌唱。正如著名声乐教育家周小燕先生所讲“歌手不具备一定的艺术修养和文化修养，就不能实现艺术性的歌唱，只能说是发声器官在做广播体操”。试想，我们的音教声乐学生，如果乐理知识学的比较扎实，其对作品曲式结构的分析也会比较透彻；如果视唱练耳好，其读谱能力肯定不错；如果文学修养好，其对作品主题思想及风格的把握也会很到位；如果学生经常观摩戏剧、曲艺及全国声乐大赛的视频或录像，那么学生在肢体语言表达方面也会游刃有余、自然得体。笔者认为，高校音教专业声乐教学改革，务必要融合各种“教学资源”，提高学生的审美能力，促进学生的全面发展。

综上所述，高校音乐教育专业声乐教学改革是一项系统工程，需要声乐教师的积极参与，也需要时间和实践的检验。在以“审美”为核心的教育理念指导下，声乐教学只有更新教学理念，创新教学模式，大胆向姊妹艺术借鉴，融合“优秀资源”促进学生的全面发展，才能培养出具备较高艺术修养和专业水准的优秀音乐人才，才能促进高校音乐教育专业的可持续发展,才能为祖国文化大发展大繁荣贡献力量。

参考文献：

[1]邹本初.歌唱学—沈湘歌唱学系统研究(第一版)[M].北京：人民音乐出版社,2007.

[2]赵梅伯.歌唱的艺术（第一版）[M].上海：上海音乐出版社，1997.

声乐初学篇5

一、夯实基础，做好起音训练

初中学生只有不断地强化自身的基础能力训练才会熟能生巧，具备较高的发声技巧，才能达到既定的学习目标。起音方法和技巧是发声的基础，也是有效发声训练中的必备环节。通过广泛的理论学习和实践练习，我们知道精准的起音是准确呼吸、气息运用恰当、实现声带闭合等技巧瞬间完成的声响。针对初中生的起音教学，需要做很多的艰苦训练和技巧实践。通过实践证实，在起音的训练中，要想实现较好的效果，好用a母音进行，因为它音域空间大，比较饱满，对声音的形成、变化和发展有着很大的优势。当然，我们不能不切实际，实行一刀切，有的学生可能由于受到各种因素的影响，不能有效地利用a母音发声，甚至用不来，这就需要教师走进学生，了解学情，真正做到因人而异、因材施教。有效的发声起音练习最好以中声区为开端，用单音二度或三度的连音逐半音向上练习。起音练习是个系统的工程，需要用循序渐进、逐步推进的方法进行实践练习，在中声区的起音方法训练好，学生具备了正确的起音技巧之后再进行高声区的发声训练，一步-个脚印地慢慢来，千万不要急躁冒进。起音时气息要平稳均匀、集中柔和，要防止用过多的气息去冲击声带，同时也要注意气息的支持无力或不够用。在训练的过程中，要找准声音的高度和位置，不能过高也不宜过低，防止不规范声音的出现。我们一直强调的是起音时声带必须及时闭合，如果没有及时完成规范的要求，发出的声音就会苍白无力，松散而不平整。起音作为歌唱声音的起始环节，对魅力声音的产生、发展和婉转都有十分重要的决定作用，所以我们必须要加以重视，在平时的教学和练习过程中要做到要求严格、格式规范、技巧恰当，这样唱出柔和圆润、灵活自如的完美声音就不是很难的事情了。

二、讲究方式方法，巧用呼吸技巧

呼吸对我们个人来讲，尤为重要，他是我们生命延续的保障之一，但歌唱呼吸和我们日常生活中的呼吸是完全不同的，它需要一定的频率、技巧和方法，只有具备正确的呼吸方式才能保证产生优美的音符，呈现出好的声音。歌唱是有生命的，需要一定的变动，在歌唱的时候我们的呼吸必须随着音乐的节拍、词曲的情感去调整自身的呼吸方式，做到情感和情绪的升华。歌唱中的呼吸需要一定的变化，需要人们有意识的调控，要带有一定的专业和方法。人是有情绪的，并且随意性主观性较强，所以歌唱中的呼吸一味地依赖个人的发声是很难做到的，现在声乐教学和训练领域，专家和学者比较认可的呼吸方法就是胸腹式呼吸方法。这种呼吸方法，在吸气的状态下，练习者的脸部呈半打哈欠的状态，而下巴自然松下，此刻喉咽腔同时打开，喉头也随之放下来，这样就呈现出了完美的声音。其实，不难发现，在国内，胸腹式呼吸法也备受追捧，得到了很多音乐爱好者和专家的青睐，这种方法是以练习者的深呼吸为基准的，胸腔自然挺立，实现呼吸肌肉群和膈肌的协调运作，呼吸时隔阂膜对吸入气息有控制的吐出、均匀呼气隔阂膜在呼吸中起着重要的作用。在发声的练习中，巧妙地运用胸腹式呼吸法可以有效缓解发声时对喉部的压力，使喉腔自然积极地运动。从而达到声音流畅、灵活的目的，同时增强了对气息运动的总体控制能力。在发声练习的过程中，长期坚持这种方法就会收到良好的效果，久而久之，在歌唱中就会呈现魅力的声音。

三、追求卓越，强调咬文嚼字

在初中的教学过程中，声乐教师必须强调口咽的重要性，口咽才是他们表演歌唱时候的嘴，任何母音都应由咽腔做型唱出来，这样才能发出优美婉转的声音。对我们普通的个人来说，声音十分重要，而对于初中生来说，声音和语言才是他们表达音乐艺术的真正形式和表现手段。在声乐教学中，教师一定要让学生明白，语文的咬文嚼字不同于我们平常时候的讲话，它需要个人气息、音色和词曲音调有效的整合，焕然天成、融为一体才能取得完美的效果，这就要求初中学生必须在日常声乐教学课堂上和现实的生活中，注重自己的咬文嚼字的正确练习，强调歌词句子中的主语和谓语，行腔要咬在标汉拼音四声音调的那一个韵母上，坚持长期练习，才会达到既定的效果，取得较好的成绩。

声乐初学篇6

【关键词】音乐；声乐教学；感知力

一、现代音乐教育对感知力的要求

在现代音乐教育教学中，学生对音乐的感知力主要有四个方面：一是是否具有感受与鉴赏能力。要求学生在音乐表现要素、音乐情绪内涵、音乐的体裁与形式、音乐的风格与流派等方面做出初步的判断与评价，是最基本的音乐感知力，其基本程序是初期阶段的感官欣赏――中级阶段的情绪欣赏――高级阶段的情感欣赏。二是是否具有表现音乐的能力。即通过演唱歌曲、演奏乐器、进行综合性的艺术表演（包括合唱、合奏、歌剧等），来达到受教育的目的，是受教育者直接参与音乐活动的初级层面，要求学生进行认读乐谱、歌唱技能、演奏技巧等方面的训练。三是是否具有创造音乐的能力。即对不同类型乐器、乐队、合唱队音响、声音组合的探索，对伴奏或演奏的即兴创作尝试，对声乐、器乐作品的创作实践，是对学生表现音乐的更高层次的要求。四是是否对音乐与相关文化基本掌握了。这包括音乐与社会生活、音乐与相关艺术的关系，音乐与艺术之外的诸如社会科学、人文科学、自然科学等其他科学的联系。

二、声乐教学中学生感知力提高的有效途径

1.让兴趣成为撬动音乐的支点

贝多芬曾经说过：“音乐，有人将它比作花朵，因为它铺满在人生的道路上，散发出不绝的芬芳，把生活装饰得更美。”音乐能使人插上想像的翅膀遨游蓝天，会唤起人们对生活的强烈热爱和理想追求。从这个意义上来说，完全不懂音乐的人，肯定不是幸福的人生。因此，音乐教育教学要想确保课堂教学质量的有效性，首要的途径就是要给教学寻找一个合适的支点――重视培养学生的音乐兴趣。把集声音、图像、文字于一体的多媒体技术引入音乐课堂，让学生在一个生动可感的影音环境里去感受音乐、学习音乐，便是一种激发学生兴趣的良好做法，这样可以使学生在欣赏时，不仅情趣盎然，而且易于理解。

2.通过欣赏教学训练音乐的耳朵

德国著名音乐家舒曼说过：“发展听觉是最重要的事情。要早点学会辨别调性和个别的音。”这里显示了耳朵在音乐教育教学中的重要功能，基于这一点，马克思说的最明确：“对于不辩音律的耳朵，最美的音乐也毫无意义。”所以，引导学生欣赏音乐的美，首先应训练学生拥有音乐的耳朵。换而言之，听觉感知能力是学生必须具备的基本素质。毋庸置疑，教师训练学生拥有音乐的耳朵的最重要方法是引导学生注意聆听，去感受美、理解美、体验美，最终提升鉴赏力，使音乐感知力在美的欣赏中不断提高。

3.通过律动和节奏训练提升学生对节奏的感知力

近年来，随着对外文化交流的不断发展，国外较新的音乐教育体系传入我国，应用最广的就是体态律动与节奏训练。

律动，是人体随着音乐做各种有规律的协调动作。节奏，泛指均匀、有规律组织起来的音的长短关系，在音乐指音的长短、强弱有组织地进行。二者各有特点，又相互依赖，相互作用，其共同的特点都是以“动作”作为表现的基本特征的。

在体态律动与节奏训练的教学中，依据循序渐进的教学原则，可以从以下几个步骤进行。

首先，从走开始。按照音乐的节拍、速度、强弱，走出不同风格的脚步，如快走、慢走、轻走等，应尽可能地变换形式，避免单调乏味。

其次，可以以走为基本单位，探索人体与音乐有关的其他节奏。如自然迈步（一拍）、转体（四拍）、进退步（三拍、三步舞步伐）、摇步（二拍）、跑步（半拍，双替小跑的动作）、碎步（1/4拍，用脚尖快速交替的动作）、跑跳步（符点八分音符，跛脚跑步动作）、走跳步（符点四分音符，跛脚走的动作）等。由老师用手拍出节奏，学生跟着做各种动作，由易到难，由生疏到熟练。

最后，可以进行节奏练习，老师给出一段音乐，要求学生用手拍出音乐的节奏，或用脚走出音乐的节奏。

通过以上律动与节奏的练习，不仅能让学生通过自身的动作对音乐节奏有更直观、更具体的体验，而且可以有效消除学生的胆怯、害羞心理，为提高音乐感知能力打开突破口。

4.把器乐教学与音乐教材紧密结合，以奏激情，以情激趣

在教学中，我们可以尝试将器乐教学与音乐教材紧密结合，听、唱、弹结合，充分调动学生耳、口、手、脑的协调能力和合作意识，启发鼓励学生主动参与和展示自我，提高学生学习音乐的兴趣。如可以“老师击鼓，学生听辨节奏变化”，“老师让学生挑一件自己喜欢的乐器去自由感受”，从而生动地将学习内容呈现在学生的面前，以激发学生主动参与的兴趣。在唱、奏、想、动的过程中开发对音乐的感知力，让不同形式的音乐实践活动内容成为师生共同分享彼此对音乐审美的理解、认识与表现，不断加深学生获得审美的感受、体验与表达的深化过程。

参考文献：

[1]贾俊萍.谈教学中教师的作用[J].中国音乐教育，2005（5）.

声乐初学篇7

随着经济建设步伐的加快，社会对学前教育专业应用型人才的需求日益凸显。用人单位需要有一定理论知识底蕴并且具备基本专业能力的实用型人才。而声乐课是学前教育专业课程中的核心课程，它担负着重要使命。大家知道声乐不同于其他学科，是用人声表现的音乐；它是一门特殊的、实践性较强的艺术学科。声乐教学法就是研究如何使不同性别、不同生理条件、不同接受能力和不同文化水平的受教育者，在一定时间内，即保留自己天赋的声乐特色，又掌握科学的发声方法、准确的咬字归韵的技巧和运用声音表现声乐作品内涵，提高其歌唱能力和艺术修养的一个具体实施过程[1]。

学前教育专业的性质决定了学前教育专业的声乐课是专门培养幼儿音乐教育教学工作者的专业技能课，进一步确立了它的声乐教学目标是：使我们培养的学生在幼儿音乐教育方面有较高的符合幼儿教育所需要的音乐素养、歌唱能力、表演能力及组织教学能力的人才[2]；使我们更加明确了学前教育专业的服务面向、培养规格以及课程体系建设的问题。

由于近几年学前专业用人的需要，招生政策有所放宽，高职学前教育专业的学生大多数来自普通高中，学生音乐基础起点不同，个别差异性大。根据学前专业的性质与学生的实际情况判定：学前教育专业的声乐教学不同于高等音乐专业院校的声乐教学，需把握好学前专业与声乐教学两方面的关系，声乐教学中要相对降低对声乐技巧难度的要求，而要注重学生的全面的、持续的发展，制定一套适合学前教育专业学生的、行之有效的声乐教学模式与方法。因此，作者针对学前专业的声乐教学，从以下几个方面将传统教学与教学改革加以对比，阐述具体的改革措施。

一、声乐教学模式的确立

（一）传统声乐教学模式

长期以来，声乐课教学的模式一般都是个别课教学或叫作“一对一”教学，这种授课方式已有数百年的历史，是世界各国声乐教学中的主要授课方式，无疑这是经过无数声乐教师在实践中总结出的声乐教学的基本方式，在人们心目中已根深蒂固。其优点是：专业性强，教师可根据每个学生各自不同的生理条件和个性特征进行有针对性的具体指导，遵循因材施教的原则。

一对一教学模式一般有两个步骤，第一步发声练习，第二步歌曲练习与处理，以提高演唱能力为目的，注重技能的培养，声乐理论的传授在教学过程中是无序的、不全面的。另外，随着素质教育的全面推进和不断深化，声乐教学不只是培养专业人才的，更大的功能是促进和提升全民的素质，所以，声乐教学完全用一对一的教学模式是远远不够的。从声乐教学的组织形式、教学内容等方面进行改革，探求适合学前教育专业声乐教学的新模式。

（二）创新声乐教学模式

根据学前专业的性质与学生的实际情况，要为学生精心设计符合学生认知规律的、适合学生认知程度的课程模式，以声乐大课、小组课和个别课相结合的教学方式进行授课，有助于取长补短。同时更注重了声乐教学原则：将理论与实践相结合、统一要求与因材施教相结合。

声乐大课是由教研组所有老师集体研究解决学生共性的问题，具系统性。主要从基础的、共性的方面去提高学生的专业理论知识和专业技能水平，遵循循序渐进的原则，利用实物、人体解剖、多媒体等多种手段帮助学生理解理论部分，更好地为技能训练打好基础。大课教学极大发挥了声乐教师的主导作用，教师要不断提高自身的专业理论水平及教学水平，才能上好声乐大课。小组课：由任课教师开展组内的观摩学习与典型辅导，也以解决学生的共性问题为主，但要求比大课教学细化，学生的歌唱状态容易行成，互相学习共同进步，避免了重复教学，可极大地调动学生学习的积极性。个别课教学，教师可根据每个学生各自不同的生理条件和个性特征进行有针对性的具体指导，在前面已有详细介绍。

实践证明，单一的教学模式不利于学前声乐对学生全面的培养，教师在新形势下就必须转变观念，用全新的教学方式手段去培养学生，以声乐大课为主，小组课和个别课相结合的教学方式进行授课，这就符合幼儿教育所需要的音乐素养、歌唱能力、表演能力及组织教学能力的人才的成长。

二、以声乐理论为支撑的实践教学方法

（一）构建先进的声乐教学理念

声乐教学发展至今，倡导科学与自然的发声理念。传统的“三种唱法”的思想已有被打破的趋势，学前教育专业在教学中要结合学生实际，构建先进的教学理念，努力探索科学的训练方法，以遵循循序渐进和因材施教为原则，帮助学生修饰自己的声音，使其具备自然歌唱的能力。

（二）了解科学的发声体系

科学的发声体系，是通过前人在声乐教学中的不断探索总结出来的，是一个使嗓音永葆青春的秘诀。学前教育学生大多是初学者，了解科学的发声体系，就要利用实物、解剖理论，运用形象易懂的语言讲解清楚发声器官的构造及发声原理。

人的发声器官大致有声带、胸腔、喉腔、咽腔、口腔、鼻腔、头腔构成。其发声原理是声带在气体的冲击下产生振动发出声音，经过共鸣腔体发出响亮、悦耳的声音。歌唱时要形象地提出建立“两个反向”的理论，即声音在前人在后，声音向上气息向下的反向提法[3]，才能够引导学生正确了解发声时气息、肌肉群的运动方向，掌握科学的发声方法。

（三）声乐有效教学方法

声乐有效教学方法，是指在教学中以先进的理念为基础，广泛吸取和借鉴世界先进性的声乐艺术加以有效教学的方法来体现[4]。在有限的课时内，师生密切配合，最大限度地挖掘到声音的潜能，加大声乐的有效教学量，提高声乐教学的效率。

1.口腔体操训练

任何一种运动要想达到即省力又高效，都需要一个准备过程，就像我们在长跑之前做一做肢体伸展运动，腿脚就会比较利索、有力，关节和韧带也就不容易受伤，说话也是一样的，发音的清晰主要取决于口腔肌肉的灵活协调，因此，学前教育专业的学生，非常有必要对口腔的开合和下巴的放松进行训练，便于歌唱时口盖的调节。

张嘴训练有助于颌关节的打开，“抬头张嘴”有利于下巴和舌面的放松，“哈欠张嘴”有利于喉咙的打开，牙关松开，“惊吓张嘴”有利于收紧小舌扩充呼吸通道；唇肌的训练用“咧（收拢双唇再伸展成一条横线）”、“撇（撮拢噘唇向上下左右撇伸）”、“转（撮拢噘唇向上下左右转圈）”三项练习，锻炼嘴唇的活动能力，使双唇灵活，可使字音变得清晰富有弹性；舌肌训练利用“舔（舌尖抵上齿龈往软腭深处舔向小舌）”、“顶（舌尖顶推两颊）”、“伸（张嘴将舌头伸出）”三项锻炼舌肌的弹性力量和放松能力[5]。

2.适度打开喉咙的重要性

“打开喉咙”是歌唱基本功训练的前提，是歌唱者声乐技巧能否顺利发展的关键之一，同时，它也直接影响到声音的好坏。打开喉咙将口盖积极向上收缩成拱形，舌根放松，平放在下牙齿后，喉头自然向下，保持叹气的状态，喉外肌肉不能紧张，下颌不能僵硬，下巴要自然放松。每一句开头都应注意打开的状态，有利于气息调整。在歌唱练习时，声乐学习者往往盲目追求声音的音量，忽视内口腔的建立，因而出现捏喉、挤压的毛病，这种违背科学练声的歌唱状态，最终导致声音憋在喉部，听起来觉得声音出不来，这时，我们如果采用边打哈欠边进行哼鸣的方法练习，就有助于喉部的肌肉放松，让声带自由振动，产生具有泛音的效果。

3.“哼鸣”练习确立声音位置、改变音色

在声乐学习中，哼鸣练习是指用柔和的半声带感情的哼唱练习，是一种很重要的训练方法，它是用鼻腔发出“m”音来练习发音的方法，长期练习可改变音色和确立声音的位置、扩展音域、提高歌唱的能力以及对喉头、气息的稳定等都有不可忽视的重要作用。哼鸣练习有三种方法，即闭口、小开口和大开口哼鸣。哼鸣练习能较好使喉部肌肉放松，进而有助于打开喉咙；有助于体会声音共鸣的感觉，进而获得高位置的“头声”；有助于“换声区”的解决，进而扩展音域；有助于控制气息与声音的平衡，进而获得歌唱器官协调自如的运动；有助于声音集中，进而获得良好共鸣"；有助于疲劳、受损伤的声带得到休息、恢复。

伟大的歌唱家卡鲁索说过：“许多歌唱家每天都练习哼鸣，我的亲身经验可以证明这种练习的好处，哼鸣使嗓音增加灵活性，而又使声带得到休息”[6]。哼鸣练习时，应以轻声小声为主，放松喉头，集中气息，闭合好声带，让集中而又有支持控制的气息使声带发出柔和、轻声地哼鸣，然后逐渐慢慢增加练习时间，使声带得到必要的保护、休息与恢复。声乐学习者如果歌唱方法不正确，如喉咙过度用力，力量太重等等，都将会造成对声带的破坏，这种情况可用哼鸣练习来调整、修复。哼鸣练习在声乐学习中是一种重要的训练方法，只要能正确的掌握并运用它，就能帮助我们获得流畅灵活、清晰明亮、集中结实、优美圆润的歌声。

4.运用多媒体教学作为补充

声乐初学篇8

声乐钢琴伴奏与艺术指导作为声乐演出及教学的辅助学科，它包含了声乐钢琴伴奏与艺术指导两个方面的内涵。这两个内涵之间既有紧密的联系又有本质的不同。一般来说，声乐艺术指导都有进行声乐钢琴伴奏的能力，但他们还有作为教师的工作任务：对声乐家或声乐学生在作品风格、音乐处理、语言掌握、声音运用等等方面进行指导。[1]因此它的教学也应围绕这些方面来进行，我将这些总结为以下两个方面：

一、理论层次的知识点突破

这主要包括了对声乐作品词曲作者、时代背景、主题思想的了解及对作品风格、曲式结构的分析两个不同的层次。第一个层次属于基础面的知识点，可以让学生自己查阅相关文字资料及视听资料而获得。第二个层次属于有点难度的知识点，可以在课堂中以引导方式为主，共同分析，得出结论。

以《绿树成荫》这首曲目举例说明，学生通过预习，已经明确了此曲选自作曲家亨德尔的三幕歌剧《塞尔斯》的第一幕《广板》。因为亨德尔是巴洛克时期的代表作曲家之一，那么这首曲子就应该具备了巴洛克时期音乐多采用流利酣畅的多声部旋律、鲜明的强弱对比、华丽而繁复的装饰音这些音乐创作风格。

谱例一：《绿树成荫》

再通过以上伴奏谱例的分析，观察到此曲的伴奏风格除了采用通奏低音之外，还以复调写作手法为主，采用柱式和弦伴奏织体，旋律线条精雕细琢，每小节的节奏有时不均衡，音乐庄重、虔诚。其实这也正是巴洛克时期的伴奏风格。

二、演奏过程中的技巧训练

应该说学生作为钢琴独奏所学习的所有知识，包括技术训练在声乐钢琴伴奏中都用得上。但因为我们面对的是人声，就要求钢琴伴奏中的音色变化更加细腻、丰富。因此，在教学中应侧重以下几个方面的技巧训练：

1.掌握不同的触键方法，让音量、音色根据歌曲内容及歌唱者的需要而变化

决定作品音量、音色的因素基本可分为两类：一类是谱面上的所有跟音量、音色有关的标记，例如力度标记、情绪标本文由http://收集整理记、奏法标记等等；另一类是谱面以外的，主要靠积累大量的曲目，在与歌唱者的合作中逐渐感受得来。在这一点的学习上，要具备比学习钢琴独奏更强的灵活性和更丰富的想象力。

以《昭君出塞》这首曲目举例说明，下面是前奏的一部分谱例：

谱例二：《昭君出塞》

此曲为描述了一位不满二十岁的弱女子王昭君，为了国家的和平，民族的安宁远嫁异族的和亲壮举。第一个和弦是在低音区出现一个包含着大二度音程的民族调式和弦，有着不谐和的音响。仿佛是在敲响历史的钟声，把人们的思绪推回到秦汉末年战火纷飞的年代。犹如一部历史剧开场前沉重的大锣的敲击声，预示着一个历史故事将要上演。演奏这个和弦时，所有的情感要在发声前酝酿到位，做到“未有曲调先有情”。要凝聚所有的情感和想象。手指贴住琴键，准备好键盘位置，用手臂的重量，从外往里“钩起”这个和弦，同样“钩起”了听众的思绪。演奏时，需由慢到快，由轻到强，两组六连音的处理要用好手腕使乐句一气呵成，尽可能地模仿出琵琶演奏的韵味。[3]

2.学会让心中的旋律从指尖流出，让钢琴替你“歌唱”

一个经常弹伴奏或是经常和伴奏的人，也许都有这样的一种感受。当伴奏者与一位音乐感觉非常好的演唱家合作，他会带给你很多音乐上的启示和灵感，同时用他的演唱感染着你；而当一位歌者与一位资深的艺术指导教师合作时，反过来也会被这位艺术指导指尖流露出的点点滴滴的情绪所带动。这一技巧点的训练，基本包括了如下几个方面：

①掌握不同语言的基本发音规律，了解正确的发声方法

对于任何一首声乐作品而言，旋律与歌词都是相互统一、密不可分的。许多经典作品都是语言与旋律的完美结合。对语言的了解与否将直接影响到作品音色的处理、音量及整体风格的把握。无论是意大利语、德语、法语、英语还是中国作品，不懂这些语言的特点又怎么可能完美地配合旋律、表现旋律。作为一名声乐艺术指导， 一定要熟悉合作对象的这些专业特点，另外包括发声方面都要有一个基本的判断力，这样伴奏的过程才会由最初的磨合达到最后的融为一体。[2]

②歌唱着弹奏，与演唱者共呼吸

声乐作品中的气口是会随着音乐的节奏、情绪的变化而发生长短、深浅变化的；而反过来不同的气口处理，也会直接影响到演唱者的气息调整。因此，一个好的钢琴伴奏者不仅要熟悉和感觉到演唱者的呼吸, 而且应该和演唱者共呼吸，在“ 心”中和演唱者一起唱。只有这样，气口才可能给得恰到好处，乐句才可能合作得更为默契, 从而使演唱者在声音、感情上得以充分发挥。

3.正确理解休止符的含义，将它与音乐融为一体

休止符作为无声的音乐，是任何有声的音符所不能代替的。它对塑造音乐形象、提高音乐的艺术表现力，有着不可低估的重要作用。不同时值的休止符出现在不同风格的乐曲中，它向听众传递的音乐情绪是不一样的。因为它是作曲家精心设计和艺术灵气的自然流露。[4]

4.努力提高视奏能力

对于视奏能力的培养，首先就是要掌握科学的读谱方法，例如：五线谱音程级数快速读谱法。其次，就是要在短时间内进行乐谱“轰炸”，其实，就是音乐中的题海战术。最终学会看三行谱，并且演奏中眼睛始终走在手的前面，最好在弹出乐谱的同时，情绪也能基本把握准确。

5.注重训练腕关节和掌关节的桥梁作用

因为我们合作的对象是人声，因此对于弹奏的连贯性、歌唱性要求比较高。在演奏中既要做到很好的颗粒性，更要注意手位的整体感，达到横向与纵向的连贯和通畅。既不能为了颗粒性，而将作品的自然乐句分割开来；也不能为了乐句的连贯，而失去了通透的音色。

对于这一技巧的训练，需要在实际弹奏中以情带腕，以气撑掌，再通过耳朵对音色的辨别来具体调整。

声乐初学篇9

《国务院关于大力发展职业教育的决定》的出台以及中等职业学校资助政策的执行，使得报考职业学校的学生大增，特别是幼教专业学生。职业学校招收的是初中起点的学生，大多数学生在声乐的学习上基本上是空白，如何提高音乐课的教学质量，完成教学任务，是摆在教师面前的亟待解决的问题。这就要求教师在声乐教学时要运用合理的教学模式进行教学，根据学生实际情况和各个阶段的情况选择合适的教学方式，分别是初级阶段的声乐集体课、中级阶段的小组课和拔高阶段的个别课的“三课”的结合，此模式对于提升教学效果、提高中等职业学校声乐教学质量是一个很好的尝试。

一、第一阶段：集体课为主――全面学习、基础阶段

中等职业学校的生源主要是初中毕业生，这些学生只是觉得音乐课挺好玩的、挺轻松的、没有压力、唱唱歌而已，并且自己还挺喜欢流行歌曲的，所以就选择了音乐专业。但学生们在声音条件上参差不齐，且没有受过正规的训练，声乐技能水平较差，对声乐基础理论更是不了解，这些是中等职业学校学生入学时存在的共性问题。针对这些普遍存在的基础性问题，有必要在最初学习阶段给学生安排集体课统一讲授，用半年或再多一些时间进行声乐的基础教学，让学生在声乐学习中掌握必需的理论知识，通过运用多媒体技术，拓宽学生视野，为后面的声乐学习打下基础、做好铺垫。

具体知识的学习为：介绍分析发声器官的结构，使学生了解和体会呼吸、发声、共鸣、吐字咬字等发声器官和发声原理，体会歌唱的姿势；唱歌生理的了解，使学生注意合理使用嗓子，不可盲目使用嗓子，注意对嗓子的保护；歌唱心理的学习，对基础理论的学习，使学生了解在声乐演唱中调整心理状态的重要作用，这样自己在演唱时能够很好地调整心理状态；歌唱语言的学习，学生对唱歌中咬字、吐字的基本理论进行学习；听、看名家名段的演唱，使学生在听觉上感受正确的声音概念，从视觉上观察歌唱时的外部状态，激起学生的模仿欲望，并提高学生对歌唱声音的鉴赏力和审美力；网上观看声乐权威的声乐教学，让学生根据这些大师的指导，并结合所学理论知识尽量去体会。

通过声乐集体课教学，使学生做到歌唱姿势基本正确，有积极的歌唱心理状态，呼吸方法基本正确的，体会到气息对声音的支持感觉，建立基本正确的声音概念，初步具备辨别发声正误的能力，咬字吐字基本清楚。

集体课的优点是通过教师平时的提问、学生的演唱，使学生自己能够和其他学生进行对比，了解别人的长处，学会弥补自身缺点的办法。学生之间相互学习，相互促进，相互影响，相互之间进行竞争学习，对以后的声乐学习起到积极的作用，为后面小组课和个别课的学习打下良好的基础。同时用较好的师资、较少的时间将歌唱发声和教学中普遍需要了解掌握的基本理论和基本方法这些“共性”的知识传授给学生，避免在个别课上教师还要耗费时间讲授基础理论，大大提高了教学的效率。

集体课的不足之处是针对性差，教师对学生的具体情况掌握不全面，指导不能到位。这就要求教师在学生打好基础的情况下，开展下一步的小组学习。

二、第二阶段：小组课为主――分层合作、提高阶段

小组学习实际上是一种合作学习。合作学习是一种新的教学形式，分组分层教学中的合作学习是指几位同质性的学生组合在一起互相合作、互相支持、共同进行学习活动，共同完成学习任务。基本要求是小组中成员要对自己的学习负责，同组成员之间通过合作交流、相互帮助完成学习任务，各小组成员必须为提高组内共同的学习效率进行合作学习。声乐教学中实施分组分层合作――小组课教学，是声乐集体课的延伸和补充，是在声乐集体课学习之后，学生有了基本的理论知识、基本正确的歌唱方法、声音概念后，把程度大致相同、声音条件相似的学生编成小组，人数4～6人不等，在小组课中针对同一进度的学生教授相关内容，布置同级作业，以利于学生相互对照、取长补短。实质上是把相同层次的学生进行同质同组组合，加强相互沟通，共同学习，逐渐改进集体课中的不足，把各层学生的共性问题集中解决。

在声乐小组课的学习过程中，由于是同一声部、同一程度、同一音色，老师能够对不同小组采取不同的示范、指导，对本组学生的指导更有针对性，能较好地体现因材施教的原则。所以相对来说，对解决各组学生出现的共性问题又能够省时、省力，并且教师在指导同组学生时，其他学生在旁边观摩，学生之间通过互相学习也能够较快领会老师的指导。由于老师的示范、指导更具体，和学生交流方便，所以学生容易把握要领，对正确的和错误的知识能够及时对照，问题能够及时解决。

声乐小组课的优点：声乐小组课教学基本上能够做到“因组施教”，对不同层次的学生进行有针对性的指导，省时、效果好，并且同层次的学生互相合作、互相交流，能较快进步。小组学习还可用小组带小组，给成绩好的学生布置任务，结成一对一帮辅小组，实际上好学生对成绩落后的学生进行帮助，也是对自己学习的提高，而学生之间的交流比老师上课时的辅导效果要好得多。这样学生就能共同学习、共同进步，并且小组之间互相竞争，也能较好地促进学生学习，为学生进行“一对一”真正意义上的因材施教的个性化教学打下很好的基础。

声乐小组课教学的缺点：由于教师每次指导时间有限，学生的问题多少不一，可能导致小组差别加大，这就需要老师在指导时尽可能照顾全面，在备课时要尽可能周全。

三、第三阶段：“个别课”（小课）――因材施教、个性发展阶段

在经过集体课、小组课系统学习之后，大多数学生已经具备了较为系统的理论知识和技能。一部分学生需要实习，一部分学生需要继续学习以迎接更大的挑战――参加对口升学。对于需要参加高考的学生来说，要想高考考出好成绩，必须实行一对一的教学模式，也就是“个别课”或经常说的声乐小课。声乐小课是几百年来声乐教学活动形成的一种特有的教学模式。因为声乐是一门个性极强的学科，每个学生都有自己的特点。因此，它根据不同的声音功能和声音特点、不同的声音感受和理解、不同的音乐素质和条件进行有针对性声乐训练，也就是常说的“因材施教”。

上小课的优点是能因人而异、因材施教，面对面、有针对性地采用不同的方法对不同的学生进行训练指导，使学生的个性得到发展，因此学生的声乐演唱技能能够提高得较快，甚至能解决有些学生在以前一直解决不了的问题，大大提高教学效率。这是学好声乐必须采取的方式。

声乐初学篇10

声势律动是一种十分有效的音乐教学方法，通过这种方法能够使学生更加深刻地体会音乐，从而提升学习兴趣，提高教学质量。因而，教师应灵活运用这一教学方法，充分发挥其作用，以达到教学的目的。

一、声势律动教学法简述

声势实质上就是通过不同的人体动作而产生的各类声音。声势律动教学法则是将身体律动作为乐器，从而对学生进行节奏训练的教学方法。这一教学法最早出现在二十世纪初，又称为“体态律动”[1]。初中学生由于具备一定的音乐学习基础，因而很容易便能够通过变换身体姿势来呈现出不同节奏，对学生学习兴趣和创造能力的提升有显著效果。同时，这一教学方法能够使学生在不断的身体律动中熟悉节奏感，获得注意力的集中，使他们的记忆力和整体音乐素养得到提升，并在音乐和律动中获得情绪的抒发和情感的表达，促进其身心健康发展。目前，我国很多初中音乐教师也针对这一教学方法开展了深入研究和实践，并取得了一定的成就。

二、声势律动在初中音乐教学中的应用

1.以声势律动增强学生兴趣

与传统教学中枯燥乏味的课堂相比，学生更喜欢丰富多彩的音乐活动[2]。且当前初中生个性飞扬，自我表现欲十分强烈，教师运用声势律动教学法能够更好地增强学生学习兴趣。例如，在学习《青春舞曲》的过程中，教师可以在教学前，运用现代化教学手段，为学生播放节奏轻快的音乐，并展示飞翔的鸟儿、舞动裙摆的少女等图片，使学生在正式学习前，情绪便能得到充分调动。在这一过程中，教师也可以要求学生闭上眼睛，根据音乐节奏自由做出符合节拍的动作，沉浸在音乐之中，感受音乐的美好，从而提起对接下来学习内容的兴趣。在教学过程中，教师需要在学生身体律动时，对学生的节奏特点、发声特点等进行指导，使学生切身体验教师所讲解的节奏知识，掌握正确的学习方法，实现学习成绩的提升。同时，在声势律动实践中，学生的律动美感也十分重要，教师应采用示范等方式，向学生展示具有美感的律动动作，使学生感受到音乐所带来的美感，从而激发起其对音乐学习的兴趣。

2.以声势律动培养学生听觉

音乐学习的关键在于学生对音色、音高、旋律的记忆。学生的听力直接影响着学生对音乐的感悟和音乐学习的效果，教师可以通过声势律动教学方法，对学生的听力进行训练。在教学过程中，教师需要以乐谱为基础，乐谱能够将乐曲中的音高等充分展现出来，有助于学生理解记忆，因而，在正式训练前，要求学生能熟记乐谱。在训练过程中，教师首先要求学生进行浅唱练习，并要求学生根据自己所掌握的节奏和感觉，适当地律动身体。学生亲自演唱能够增强对音乐的敏感度。在学生逐渐熟悉这一教学模式后，教师则可以增加难度，直接播放音乐要求学生做出相应的身体动作。经过长时间的训练，学生会对音乐节奏、音色等更加敏感。

3.以声势律动激发学生情感

音乐具有激发人内心情感、发泄心中情绪的作用，往往在欣赏一首乐曲时，人们会不由自主地受其影响而产生不同的情绪。初中音乐教学的重要任务之一就是使学生感受音乐情感，提升其音乐欣赏能力。在教学过程中，教师可以运用声势律动教学法达到这一目的。这一教学法往往会与舞蹈结合运用，借助舞蹈的激情，带领学生迅速进入音乐情景中，从而激发出其内心的情感。在这一过程中，教师应先根据音乐节奏，为学生示范简单动作，使学生产生一定的兴趣，随后要求学生一同做出动作，并向学生讲解动作要点和音乐中蕴含的情感，能在做出动作时联想到情感，将所产生的情感表现在动作中，从而实现两者的充分结合，从内心深处感受音乐中蕴含的丰富感情。

三、结语

初中生活泼好动，对音乐十分感兴趣。教师可以根据学生这一特点，将声势律动教学法引入初中音乐教学中，使学生在身体的律动中，获得节奏感、音乐素养、审美水平等的提升，获得更好的教学效果，从而促进学生身心健康发展。

参考文献：

[1]刘 杨.声势律动在初中音乐教学中的运用研究[J].读与写（教育教学刊），2016，（4）.