美术专业课十篇

美术专业课篇1

毕业创作是高校美术专业教学的重要环节，是全面考核毕业生的专业知识、专业技能、综合素质及独立解决专业问题能力的重要依据，也是学生在校期间学习成果的总检验。通过毕业创作，学生能够对自己的专业水准有全面、系统、准确的认识，能够展示绘画专业学科基本理论、专业技巧等综合能力，促进艺术思维的发展，因此教师对学生毕业创作的指导具有重大的意义，在毕业创作课的教学过程中如何了解学生的心理以及他们对创作的认识，因势利导、因材施教地实施教学方案，是教师必须积极探索和潜心研究的重要课题。 一、毕业创作中易出现的不良倾向及应对措施 由于现阶段美术基础教学与创作教学普遍存在脱节现象，学生的艺术理解能力和创作经验的局限，以及其他因素的影响，致使学生在毕业创作的过程中，往往表现出几种典型的不良倾向，教师要做好防范工作。 （一）消极应付 面临毕业，学生心理波动较大，往往无法专心进行毕业创作，一部分学生错误认为毕业创作好坏无所谓，只要及格就行，对老师提出的修改要求敷衍搪塞，最后应付了事。这种情况极大阻碍了创作教学的顺利进行，不利于学生自身艺术熟知的提高和发展。 针对这种情况，指导教师不能放任自流，要尽可能地多和学生沟通，端正学生的学习态度，多布置一些和创作相关的具体任务，把学生的注意力集中到毕业创作中。 （二）依赖迎合教师 一部分学生在创作过程中缺乏自信，为了得到老师的欣赏，获得比较好的评价结果，处处迎合教师的喜好，让老师帮忙拿主意出构思，甚至要求老师动手帮其修改。这与创作的指导精神相违背，不利于培养学生的创造性和自主性。针对这种情况，教师要注意教学方法，多采用启发式的指导，避免填鸭式的生吞硬塞，主观、武断的教学作风，要善于抓住学生在创作中的优点，鼓励独立创新，培养他们的自信心，发挥他们的主观能动性。 （三）脱离现实 在创作教学中应该鼓励学生勇于创新，张扬个性，发挥艺术想象力。但学生在追求独创性的过程中，有时会脱离自身的生活感受和认知范围，一味去求新求怪，主观臆造荒诞怪异、不可理喻的画面。 这种脱离生活感受、脱离现实的创作态度完全背离了艺术创作的原则和标准，根本谈不上所谓的创造性。针对这种情况教师要指导学生认识到现实生活对美术创作的重要作用，培养学生观察、再现生活的能力，从自己熟悉的生活中汲取艺术的灵感，做到有感而发、言之有物，这样才能引起观众的共鸣，提升作品的艺术感染力。 （四）抄袭模仿 借鉴和吸收是学生学习过程中不可或缺的方法，但在创作过程中，生搬硬套某件名作的创作模式和表现形式，或不加取舍、不经提炼地摸摹照片，则不利于学生探索多样的表现形式，不利于创造思维和创造能力的培养，不利于艺术个性的形成。针对这种情况，教师要指导学生对名作的创作模式和表现形式进行分析，了解其内在的艺术构成原理，并利用这些原理结合自己的创作主题，有选择地灵活运用。还要指导学生对素材进行分析、归类、概括和提炼，经过创造性思维处理过的新图像，就不是素材的简单再现，而是与创作主题紧密结合的统一体，有利于学生形成自己独特的风格。 二、毕业创作各阶段的指导要点 毕业创作一般包括教师下达创作任务、学生搜集素材和其它创作资料、教师指导学生确定构图和创作方案、学生创作实施这四个阶段，根据这四个阶段的不同特点，教师指导的侧重点和方法也有所不同。 （一）教师下达任务阶段 指导教师向学生宣布毕业创作的要求、规范及有关管理规定后，阐述创作课题的目的、性质、内容要求，要求学生在一定时限内确定选题的方向。这个阶段要求学生，根据自己对生活的体验，确定选题的方向，让学生把可能的选题方向罗列出来进行筛选。在这一过程中不必急于要求学生把这些模糊的概念具体形象化，只需要学生用文字把创作意图及表现这种意图所能用到的构图、色彩关系、表现形式描述出来即可。这种方法有利于学生理性地考虑构成画面的各种因素，使之相互关联更具条理化，为下一步收集创作素材奠定基础。在这一阶段教师要帮助学生判断提出的创作方向，选出最优方案进行深入探索。 （二）学生搜集素材和其它创作资料阶段 学生确定创作方向后，要着手查找、收集各种素材,设计草图与方案。这个阶段，教师应从以下几方面启发学生对所选择的创作方法进行全方位的思考：（1）发掘事物的象征性以及不同事物重新组合后形成的新的象征性；（2）借助约定俗成的经验用隐喻的方式形成画面；（3）用抽象组合的方法形成自己独创性的视觉语言；（4）将自己喜欢的成品样式重新组合形成新的具有逻辑关系的画面；（5）发挥想象，把一些事物重新组合形成新的逻辑关系的画面等。 学生创作初期往往带有一定的盲目性，对素材的选择还不能很好地和创作内容相对接，这时需要一些外来因素、经验的补充和积累，教师和学校要尽可能地为学生提供资料以及查阅资料的场所，让大量好作品的信息直接作用于学生的潜意识,并不断碰撞，使其重组形象。创作的过程，正是这些意识和形象从模糊到清晰的过程。 （三）确定构图和创作方案阶段 第三阶段学生根据创作课题，拟出几种总体方案，教师指导学生对各方案进行分析比较，指出其优缺点，提出修改意见，确定最佳方案，为下一步工作奠定基础。这个阶段教师要指导学生结合绘画样式和绘画观念去理解创作，并了解造型语言的几个来源，如：民间艺术、传统绘画形式、现代绘画形式、相似图形的运用等。选择与表现主题最贴切的绘画样式，找准自己作品的定位，使作品具有具体的形色、情节和可操作性。#p#分页标题#e# （四）毕业创作的实施阶段 毕业创作的主要工作将在这段时间完成。教师必须做好指导工作，定期检查学生的工创作作进度和质量，及时解答学生提出的问题，并帮助解决在制作方面出现的困难。 这个阶段教师的工作重点是指导学生在创作中把握画面效果，把构成画面的各种因素协调起来，及时地发现画面问题并进行调整，使其吻合最初的预期效果。随着创作的深入，需要调整的部分越来越少，也就越接近创作的完成。另外在创作过程中可能会出现一些比预期更具表现力的偶然效果，此时要把这种效果放大到整个画面。创作不是对最初构想和预期效果的简单的复制与拷贝，而应在此基础上探索甚至重建。这是学生艺术手法、艺术观念升华的过程，只有经历这一过程才能对整个艺术活动有完整的认识，同时成为他们今后从事艺术活动的起点。 毕业创作指导是美术教学中最复杂的综合教学阶段，对教师自身素质提出了很高的要求，要求教师不断加强自身艺术修养，在教学过程中积极探索及时总结，把这项工作做好。

美术专业课篇2

论文摘要：中专美术专业课要从素描几何形体教学抓起，目的是让学生掌握造型的基本规律，为以后的素描等学习打下良好的基础。所有的物体造型无外乎三大类：方类、圆类、组合类。不难看出，方类和圆类是最基本的类型。它们的代表就是正方体和球体。画好了这两个最基本的几何形体，再画其他任何形体都可举一反三、触类旁通。

美术又称造型艺术，素描是造型艺术的基础，而素描几何形体是素描教学的重要组成部分，是中专生美术专业课必开的基础课，目的是让学生掌握造型的基本规律，为以后的素描学习打下良好的基础。本人在教学实践中有如下几点思考。

一、兴趣是最好的老师

兴趣是学习动机中最活跃、最现实的要素。没有学习兴趣，就没有内在的动力，就没有学习的自觉性。这样的美术教学、美感的培养就成为无源之水、无本之木。

美术教材中的作品，对学生来说仅是一幅幅陌生的画面而已。要循序渐进地向他们展示教材内容的美，从造型、构图、内涵多方面来讲解，使学生体会其中寓含的深层的美，使美育深入到每个学生内心深处，触动其心弦，引导他们去思想、去领悟、去深思，才能逐渐培养学生的爱美情感、爱美情趣，吸引学生的注意力。

初入中专的学生专业课水平参差不齐。怎样在短时间内让差点的学生绘画水平很快赶上来?素描教学是最有效的方法，几何形体教学又成了最有力的教学手段。怎样才能把学生的兴趣吸引到几何形体教学中来?大自然是培养情感的最好导师。在美术教学中，我就带学生到大自然中，通过对自然的写生，陶冶学生的情操，使学生热爱生活，能够发现美、鉴赏美、表现美；使学生体会到自然界的物体造型无外乎三大类：方类、圆类、组合类。自然环境是引发学生丰富情感活动的一个重要因素，能引起他们的联想，从而激发其特定的情感，不同的自然环境影响学生不同的情感活动。

二、美术专业课要重视素描几何形体教学

我在中专生入学阶段的教学思路是：先画素描石膏几何形体，再画素描静物和石膏挂面；而速写，作为一门重要课程，开始训练得越早越好。

1　素描几何形体教学中存在的问题

①目的不清。认为石膏几何形体比较简单，学生容易画，把素描几何形体与普通的素描静物同样看待，失去了素描几何形体教学的意义。

②无重点。让学生把所有几何形体都画一遍，不分重点，花同样的精力去学。

③开始写生时每组几何形体摆的数量过多。学生把过多的注意力放在了构图、明暗、画面效果等方面。

④写生时没有合理安排顺序。有些环环相扣的内容没按合理的顺序安排，很难收到好的效果。

⑤造型规律讲得不透。每种几何形体都有它自身的造型规律，掌握它是我们学习素描几何形体的主要目的。造型规律讲得不透，教学目的也就很难达到。

以上这些问题的出现表现出一些师生对素描几何形体教学的认识不清。

2　正确认识素描几何形体教学

几何形体是从自然形体中概括出来的最简单、最基本的形体。我们掌握了它的造型规律就可以举一反三，去描绘自然界中的其他任何形体。法国画家保尔塞尚指出：“一切物体的形态，无论构造多么复杂，都可以概括为几种几何形体，即球体、圆柱、圆锥和立方体的结构形式。”把具体的形象概括为单纯的几何形体，再用抽象的几何形体去认识具体对象，以此掌握形体变化的基本规律。画几何形体的目的是在于培养、训练初级入门者的最简单、最概括的形与体的观念，并能掌握它们之间的有机联系。可以说，素描是造型艺术的基础，素描几何形体是素描教学的基础，因此说它是重中之重。

3　怎样使学生学好素描几何形体

①归纳分类，明确任务抓住重点。几何形体的种类有很多，我们泛泛地去画就会浪费很多时间。有些学生几何形体画了很多，仍然没有解决最基本的问题，如基本的透视问题、明暗规律问题等。究其原因，就是没有抓住重点。重点就是将几何形体归归类。所有的几何形体无外乎三大类：一类是具有方形特征的(由各种平面构成的体)方类，如立方体、长方体、棱柱、棱锥等；一类是具有圆形特征的圆类，如圆球体、圆柱体、圆锥体等；还有一类是由两个或两个以上简单几何形体组合而成的组合类，如圆锥体和圆柱体的组合等。其中立方体是方类几何形体的代表，因为它具备了所有方类几何形体的主要特点，即都是由平面组合而成的立体，棱角分明，面与面之间的明暗是突变而没有过渡。其中圆球体是圆类几何形体的代表，因为它具备了所有圆类几何形体的主要特征，即都是由曲面或主要由曲面构成的立体，明暗是渐变的，过渡自然。所以立方体和圆球体就是素描几何形体教学的重点。对这两个几何形体的造型规律应讲清、讲透、讲彻底。学生也应对这两个几何形体进行研究，写生时不要草草了事，要强调画的越具体越深入越细致越好。至于组合类几何形体，都是由基本几何形体组合而成，它的造型基本规律在基本几何形体中都可以找到，只不过比基本几何形体更为复杂些罢了，所以不能作为几何形体素描教学的重点来研究。

②确定先后顺序，必须先讲立方体，其次才是圆球体、圆柱体、圆锥体等。就写实绘画而言，不论我们画什么，都会遇到透视问题。以立方体为例，最容易讲清透视的基本规律。也许有人认为先从圆球体人手也可，我说不可以。表面上看，我们只要把轮廓画圆，再画上明暗，就可以把圆球体画好，并不涉及透视问题。其实不然，圆形物体的明暗可以分为亮调子、灰调子、明暗交界线、暗调子和反光五个基本层次，简称五调子。这五个调子多以环状分布在球体之上，我们从不同的角度来观察描绘它，能不涉及圆形的透视变形吗?有人又会问，我们直接以圆球体或圆柱体为例来学习透视不行吗?从多年的教学经验和大量的研究资料来看，这样做几乎是不可能的，所以应从立方体人手，把立方体的学习放在素描几何形体教学的首位。

③各个击破，不能贪多。我曾见过一些老师，认为几何形体很简单，一开始就给学生摆许多几何形体画，学生的作业很容易出效果，画面也较丰富，有的还能参加习作展等，于是乎学生高兴，老师也高兴。但在以后的素描作业中，会经常出现一些最初级的错误，纠正起来很困难，影响到他们的进步，原因是一开始让学生画的件数太多，学生把注意力更多地放在了构图、明暗、画面效果等方面，忽略了画几何形体的真正目的是掌握素描造型规律。我的做法是按照立方体、圆球体、圆柱体、圆锥体的顺序，有步骤地加以学习，把每一个几何形体的透视规律、明暗规律等讲清、讲透。教学实践证明，这种方法是行之有效的，可以收到事半功倍的效果。

三、细节决定成败，这些细节不能忽视

1　形体结构。最开始的素描课，从基本功做起，最重要也是最难掌握的是透视知识。要让学生熟知透视最基本的规律——“近大远小，近实远虚”。画圆柱体时，要讲椭圆的画法，要讲到圆柱体的顶面和底面由于离视平线的远近不同，圆面的透视缩形变化就不同。要多给学生做示范，把范画挂在墙上，只有让学生知道好的作品是什么样，他们才可能画得好。万事开头难，一定要让学生打下坚实的基础。

2　明暗调子。等学生能较快地画出较准的形体结构时，就可以让他们尝试打明暗了，让结构和明暗结合起来表现。让他们了解两大部、三大面、五调子，还要讲立方体、球体的明暗造型规律等，但最主要的还是形体结构。

近年来，美术教学的改革在逐步深化，

“教师教什么、如何教”已经成为美术教学的一个热门话题。我认为，要让学生在较短时间内学好素描，一定要把基本功夯实。教师除了自身应具备良好的专业技能外，还应该是一个情感丰富的人，对学生动之以情方能晓之以理，科学、感性的教学才能使技法和理论生动、有机地融合在一起。

参考文献：

美术专业课篇3

关键词：高职院校；学前教育；美术课程；教学研究

随着我国幼儿教育发展水平的逐步提高，幼儿教育师资力量的提升至关重要，而高职院校学前教育专业，作为幼儿教育教师培养的重要基地，必须重视全面性教学工作推进，尤其是对美术艺术内容的知识融入，对提高幼儿教师教育能力及儿童沟通能力均有不可替代的重要作用。

一、高职院校学前教育专业美术课程教学关键点

高职院校学前教育专业美术教育，是学前教育专业人才培养的重要内容，为更好地提高学前教育专业人才培养能力，推进学前专业学生的全面发展，必须充分掌握美术课程教学关键性节点，从通俗易懂的美术表达形式塑造，到声情并茂的美术课堂教学环境营造，均应充分发挥学前专业美术教学的导向优势，使高职院校学前专业美术课程教学意义得以进一步展现。

（一）通俗易懂学前教育专业美术教学，其根本目的是通过美术课程学习，使学生具备幼儿美术教育能力，运用美术艺术图像传递，更好加强幼儿教育人才培养。因此，美术课程教学通俗易懂，不仅对高职院校提高其综合教学质量意义重大，同时亦是推动幼儿教育工作实施的核心关键。图像信息的传递准确性相对较高，对处于幼儿阶段的儿童也便于理解，通俗易懂的美术课程教学运用，将直接对学前教育学生未来阶段的幼儿教学方式产生影响，使其更重视对幼儿教育知识理解能力的提高，采用美术绘画教学弥补幼儿教育信息沟通不足，一方面能为高职院校学前专业学生自我提升提供实际帮助，另一方面也为学生未来的学前教育岗位工作做进一步铺垫。

（二）声情并茂幼儿阶段儿童对具象、抽象图画信息的理解能力有限，为更好地开展儿童学前教育，在学前专业教师培养阶段，要以意象美术艺术形式为主体，开展拓展性的美术课程教学，从而保障教学工作安排合理性，利用循序渐进的教学方法，逐步引导学生对更深入的美术课程内容进行理解，以便提高高职院校学生学前教育专业美术绘画与鉴赏能力。声情并茂，并不单指幼儿课堂教学氛围与环境，同时也指在教学方面内容的设置，是否具备良好的多元性特征，以美术育儿方法提升教育信息传递能力，以此确保学前教育专业性，实现高职院校人才培养及学前教育能力稳步提升。

二、高职院校学前教育专业美术课程教学核心内容

学前教育专业美术课程教学学习，主要分为文化学习及艺术教育两个方面。文化学习意义在于培养学生丰富的文化底蕴；而艺术教育则是帮助学生更好地解读美术艺术内涵，通过不断地提高自身艺术、文化素养，增强教育的感染力，为学前专业学生未来岗位工作奠定坚实基础。

（一）围绕美术文化教学推进学前专业美术教育工作高职院校学前教育专业美术课程设计，必须围绕美术文化教学进行推进，究其原因，主要有以下两点。第一，美术课程教学虽在短期内，即可有效掌握绘画要点内容，但如何运用美术绘画进行有效的知识传递，方才是高职院校学前教育专业开展美术课程教学的关键所在。因此，培养学生良好的美术文化功底，将改变学生美术绘画文化内容表达不足，从根本上提高绘画的环境意境，帮助学生更好地运用美术绘画，与幼儿教育群体展开心灵沟通。第二，美术课程内容涉及多项教学标准，不同的标准对学生美术表述能力要求不尽相同，对此，必须以文化推动教学的方式，将美术文化内涵充分在学前专业美术课程教学方面展现，在提升美术艺术鉴赏水平的同时，也为学前教育专业学生培养美术文化底蕴夯实基础。

（二）以美术艺术教育为中心设计学前专业美术教学课程美术艺术不同于美术文化，文化的根本在于对内涵的展现，艺术的关键则是对意境的呈现。因而，美术艺术与美术文化应相辅相成，通过合理安排教学课程，在培养学生文化知识内涵的基础上，通过美术艺术分析与欣赏水平的提高，弥补学前专业学生多元层次空间不足。传统意义上的学前专业美术课程，多以彩绘、素描画等为主，课程设置目的是由于幼儿儿童不具有良好的知识文化分析能力，对艺术的理解也受年龄的限制无法进行准确表达。但随着近年来儿童对知识内容的接触愈发丰富，学前教育也应不断做好教育革新。例如，对美术课程教学艺术表现力的提高，将在不同层次与阶段，丰富学生意象空间，使其在未来的岗位工作方面，能充分地针对不同幼儿儿童教育需求，制定科学的工作策略，以此利用美术艺术对学前教育专业学生思想内涵的间接影响，提高幼儿阶段的儿童教育水平。

三、高职院校学前专业美术课程教学现状及问题

美术课程教学虽对高职院校学前教育专业学生人才培养意义重大，但在教学工作推进方面，仍面临诸多问题有待解决，尤其是高职院校学生生源差异、教育针对性不足问题，是现阶段困扰高职院校教育发展的重要根本，也是美术课程教学推进的主要阻碍，需通过对问题成因的分析，逐步地制定科学的问题解决方案，为学生更好地接触美术课程专业知识，创造有利条件。

（一）高职院校学生美术水平参差不齐学生生源问题，始终是困扰高职院校教育发展的根本所在。由于受家庭环境、教育环境等因素影响，学生个体美术学习能力的差异，将对美术课程教学工作的实施产生一定的负面影响。例如，通过美术艺术专业招生进入高职院校的学生，其绘画水平自然相比于专业调剂学生而言基础更为扎实，在美术学习方面也更具有实际优势。而高职院校的本质，则是做好专业化人才教育培养，本着不抛弃不放弃的教育理念，全面推进教育工作。所以，对于统一美术教学工作的进行，处于不同阶段的学生，对美术的理解与鉴赏能力自然有所差异，使教学课程的设置更为困难，也不利于美术教师统一教学进度。长此以往，学前教育专业美术教学效果必将大打折扣。

（二）高职院校学前专业美术教育缺乏针对性高职院校由于长期背负教育能力不足、教育专业化水平差的恶名，使其在开展针对性教育工作方面，容易造成一定的学生误解与家长曲解，并不利于专业教育沟通，周而复始，高职院校即便具备良好的教育专业素质，也难以被外界公众良好认知。受此影响，类似美术类教学科目，便长期无法得到充分重视，使美术教学工作常被其他专业课程所替代，无法从根本上为学前教育专业学生提供良好美术教育保障，使高职院校学前教育专业美术课程，始终未能针对教育个体开展教学布局，导致高职院校美术教育最终流于形式。

四、高职院校学前教育专业美术课程教学策略

近年来，学前教育专业美术课程应用越发受到实际关注，为更好解决教育中的实际问题，必须从细节角度出发，做好教育细节优化，并积极地进行教学策略改进，适应多种美术教学环境，以学前教育专业学生美术解读能力培养为根本，不断拓展美术课程教育专业范围，实现多项教学内容的有效互通，为后续阶段的学前专业美术教育创新提供多层次教育帮助。

（一）加强学前专业美术课程教学细节控制加强美术课程教学细节控制，使美术课程教学内容更便于理解，通过教学知识的细致化分析，避免学生出现美术学习无从下手的情况。细节控制要求教师能从不同的维度、知识层次，对美术绘画进行进一步解析。例如，在对某幅画作的分析方面，教师应从绘画的细节上进行分析，讲解美术作品的创作背景、作者心理意境、画作的艺术内涵等，帮助学生从自己喜好的角度更深入地进行美术学习，一方面可有效地引起高职院校学生美术学习兴趣，另一方面也使美术课程教学更好地发挥实际教学意义，提供切实的教育保障。另外，加强专业教育细节，也是一种现代化教学应用形式，在美术绘画教学方面，长期的细致化教学工作开展，能对学前教育专业学生产生潜移默化的影响，使其充分学习细致化教学的精髓，为其未来岗位工作做有效助推。

（二）改变学前教育专业美术课程教学策略教学策略的改变，一定意义是为更好地满足高职院校学前教育专业学生的学习需求。传统美术教学方法应用，学生对美术绘画知识兴趣偏低，不利于更深层次地开展美术教学工作。改变教学策略，则是指美术教师，应在现有的教学条件基础上，丰富教学内容，并充分地整合教学资源，进一步调动学生学习积极性，同时，针对美术知识匮乏与学习能力不足的学生，制定有针对性的教学方法，使学生能充分与当前美术学习环境融为一体，通过美术教学氛围及学生学习积极性的提高，将有效改变高职院校教育针对性不足现状，实现高职院校学前美术教学的现代化推进，为学前教育的与时俱进，奠定良好根基。

（三）培养学前教育专业学生美术解读能力美术艺术解读能力培养，是运用美术课程教学的便利，使学生能独立地进行美术艺术分析，并对关键性美术艺术内容提出自己的见解，帮助学生更好地理解美术教育的含义。学前教育专业学生美术艺术解读能力培养，主要分为以下三点内容。首先，是确保学生对美术知识有正面理解，能充分将美术绘画中所表达的内容进行阐述，引导学生逐步进入正确的美术学习方向。其次，要重视对多元化美术元素的运用，从美术作品的构成方面展开分析，强化学生美术艺术的多元素整合能力。例如，在美术课程教学材料选择方面，可以选用内容色彩丰富，知识内涵充盈的画作进行分析，使学生与多元美术元素进行分析接触，继而提高学生美术艺术欣赏能力。最后，要采取导向教学策略，以学生学习导向为基础，布置具备趣味性的教学内容，尊重学生美术学习爱好，从学习兴趣方面着手逐级递进的培养学生艺术解读能力，以此，使美术艺术成为学前教育专业学生岗位工作的重要组成部分。

（四）创新学前教育专业美术课程教学新模块高职院校学前教育专业美术课程教育创新，是推进学前专业美术艺术学习的核心关键。从理论层面分析，学前教育专业的美术知识运用，实际上是更多维的知识表述，运用对现阶段学前教育人才培养，使学前教育专业学生在岗位工作后，能全面地融入幼儿教育圈子，为学前教育专业幼儿教育人才，创造更好的主动性教学条件。而从实践方面进行分析，美术课程学习，综合周期较长，且多涉及专业性知识内容，知识结构环环相扣，如若未能积极地开展高职院校学前教育专业美术课程创新，则容易形成学生美术知识结构不完善，以及知识内容缺失的问题，不利于后续阶段开展实际的专业教育工作。因此，必须从教育需求、社会发展需求、儿童培养需求等多个方面，做好学前教育专业美术课程创新，并重视对单元性知识结构与系统化知识内容的整合，为高职院校学生营造更有利的美术课程教学条件。

美术专业课篇4

关键词：美术学；课程体系；特色；实践；创新

1 建设完善专业课程体系，课程教学以能力和素质培养为主线

在美术学专业长期的教学过程中，通过总结以往的专业教学经验，以及毕业生及用人单位的信息回馈，调研其他院校美术学专业的课程体系和培养模式，经过各种类型的教研活动和教师交流探讨，明确美术学专业的课程体系必须走特色化的发展道路，通过逐步调整和制定本专业的人才培养方案，以体现其课程体系中的主要特色。

1.1 专业教育课程设置讲求基础统一，方向有别

美术学专业一般有多个专业方向，各个专业方向既有共性，又有明显的专业个性。在课程设置上，我们把各个方向都必须掌握的课程，进行了归类整理，分为学科基础课――造型和色彩基础、专业基础课――绘画技法基础、专业核心课――专业理论和创作三部分，这些课程是专业特色课程的基础，要求每个专业方向必须学习。

专业特色课程是各个方向根据自己的专业特色进行的课程设置，课程设置必须方向明确，目的性强。在分学期课程设置上，强调课程模块和课程群教学，各门课程之间不再是独立的存在，而是强调课程之间的连贯性和系统性。

1.2 整合、理顺课程关系，增加实践教学的内容和课时

适当压缩单一课程的课时，不是少上课，而是留下更多的时间让学生参与专业技能的训练。美术学专业面广，学生的美术基础很薄弱，原有课程设置中理论课程比例居多，现在我们培养方案中要求大部分课程都要与实践环节结合、承接，进行必要的技能训练，不仅能提高学生动手能力，还能激发学生的学习兴趣。

1.3 专业课程的设置，以培养学生创新能力和动手能力为教学核心

课程设置在加深学生专业基础的同时努力促进课堂成果的转化。专业课程致力于文化创新与经济发展互动关系的研究与实践，将资源优势转化为文化和经济优势。在具体的实施过程中，将积极组织学生进行专题创作、参加比赛，宣传、推广、有偿转让美术成果，鼓励学生的美术创作以产品的形式进入市场，努力实现校园文化成果向创意文化产品的转换，在学校形成了浓郁的创新氛围。

1.4 选修课程丰富多样，体现学科的交叉互补和协调发展

美术学涉及到诸多学科的内容，并形成一个多样文化现象的复合体，在许多方面，都需要更深层次的研究和探索。我们尝试把各专业方向的课程和教师等资源进行有效的整合，将各专业方向的学科进行交叉互补、协调发展，以培养出更多适应性的美术专业人才为宗旨。做到现有资源合理利用，将美术学专业的长远发展落到实处，从而提高人才培养质量。

2 优化学科资源，实现课程体系改革与复合人才培养的全方位匹配

美术学专业是艺术类各专业中开设时间较早，专业方向种类较多的专业之一，现在的美术学专业教育已初步建立起一个相对完整、系统、合理的专业发展体系。在学分制体系下，我们根据市场对高素质复合型人才的需求特点，在各专业方向课程建设方面，充分利用自身学科优势，注重加强各专业基础课程的相互渗透、整合与优化，构建灵活、连贯、系统的课程体系。

通过与人才培养模式的匹配，基本形成了学科基础课、专业基础课、专业核心课、专业实践课、专业选修课等五大课程群。它们相互连接，相互支撑，构建了从基础知识、美术思维、美术技法到美术创作的多层次的专业训练体系。新体系打破了学科界限，进一步理顺了专业关系，完善了专业架构，丰富了专业内容，彰显了专业特色，增强了学生的竞争优势，满足了社会对于应用型、复合型人才的需求。

3 注重实践环节，通过多种方法对准实践抓教学

美术学的专业特点和社会要求决定了实践能力是学生专业素质的核心内容，也是检验我们教学效果的重要指标之一。我们把培养学生动手实践能力作为本科教学工作的重要内容，始终坚持美术教育、科研与社会实践三者紧密结合，扎实构建多层次的学生实践能力培养体系。

3.1 精心设计教学内容，强化学生实践意识

积极鼓励教师在课余积极参加社会上的专业实践活动，并将鲜活的专业知识带入课堂，积极进行教学内容和教学手段的革新。并且切实加强教学实践环节与社会的对接、与科研的对接、与市场的对接。组织学生参加各种调研实习，增强教学内容的时代性和实践性，更好地适应美术学专业的动态发展。

3.2 充分提供锻炼机会，增强学生实践能力

首先，积极搭建校外实践平台。本专业与社会共同建设实习、实践基地和就业基地，由教师带领学生在教学或实习基地进行专业实践，逐步形成了教学实习基地、社会实践基地和毕业生就业基地“三基合一”的新模式，大大提高了资源的有效利用。此外，还非常注重学生实践技能培训，为增强学生动手实践能力，除正常教学活动，还安排专业教师有针对性地为学生进行相关技能培训，培养起自主学习的能力。

其次，大力组织承办专业赛事。围绕课程教学内容，参加各级美术专业画展和比赛，或承办校内各种美术活动。还将这些校内活动和教学活动与国内较有影响力的专业赛事相结合，使教育教学更加贴近社会和专业动态，更加贴近学生创新需求，学生的创新意识、参与意识、竞争意识和自我成才意识突出。对准实践抓教学，有利于学生在实践活动中，更好地掌握知识和技能，既巩固和发挥了专业的优势和特色，也为专业发展注入了新的动力与活力。

4 建立创新机制，改变传统模式化教育，对准创新育人才

创新是民族强大繁荣的动力，也是美术学专业发展的源泉。在教育务实精神的长久熏陶下，本专业必须改变传统教育的思维定势，积极探索新时期育人工作的新模式，努力培养出具有创新精神的高素质人才。

4.1 创新教育与课外学术相结合

围绕两个课堂建设，本专业坚持有计划，有组织地开展丰富多彩的课外学术活动，启发学生的科学精神、探索精神和团队精神，增强学生的主体意识、创新意识和成才意识，努力构建一个追求真理、鼓励创新、和谐进取的学术环境。

立足于专业发展实际，聘请知名的美术专业学者，以及发掘校内专业教师潜力，举办专业学术讲座，课外还举办师生课程习作和美术创作展览。对于学生的专业交流活动，通过提供活动场所、给予经费支持、委派指导教师等方式，最大限度地为学生提供锻炼的机会，有力促进了美术学专业学习的氛围和环境。

4.2 创新教育与服务社会相结合

社会既是学习实践的载体，也是艺术创新的源泉。我们密切关注美术动态和行业发展，针对性组织专业创新实践活动，增强学生“了解社会、适应社会、服务社会”的意识，提高学生运用学科知识进行实践和创新的能力，尽力为地方的文化和经济发展做出贡献。这种服务社会的过程也是我们

把握专业动态、适应社会需求、融入社会发展的过程，为培养社会适用的高素质的美术类人才奠定了坚实可靠的基础。

总之，围绕“培养什么人”和“如何培养人”这两个恒久的问题，遵循高等教育教学规律，认真践行“诚实做人、踏实做事、扎实做学问”的教育理念，积极培养学生创新意识、创造能力和创业本领，教、学、研紧密结合，占领学生创新发展的主阵地，为地方文化建设与社会发展积极输送了大批优秀的美术专业人才。

参考文献：

[1] 张道森.美术教育学[M].上海：上海三联书店出版社，2012.

[2] 杨德广.高等教育学概论[M].上海：华东师范大学出版社，2010.

[3] 奚传绩.美术教育丛谈[M].杭州：浙江人民美术出版社，2012.

[4] 骆.中美教师教育实践课程比较研究[M].北京：中国社会科学出版社，2012.

[5] 钱初熹.当达国家艺术教育理论与实践[M].上海：华东师范大学出版社，2010.

美术专业课篇5

关键词：中职；美术专业；课程教学

中图分类号：G718文献标识码：B文章编号：1672-1578（2017）04-0149-01

1.案例说明

美术专业基础课，即素描色彩课的教学一般是让学生在画室里写生、临摹，但很多学生都对这种陈旧老套的教学方法感到枯燥、乏味，也不知道学了素描色彩有什么用。很多时候学生都坐在画室里耗时间，一段时间下来专业水平进度缓慢，从而对美术也失去兴趣。于是我在想是否能结合我校办学特点和美术专业班的实际情况，让我们的课堂走进社会，让学生在实践中快乐、自主地学习。近年来，市政府提出了"美化家园，加强新农村精神文明建设"的口号，这对我们来说是个很好机会。于是，我将美术课堂搬入社，组织了一次"我为家乡添彩"的绘制壁画的美术课堂活动。

1.1前期准备。给学生介绍壁画的发展并欣赏著名的壁画作品，如法国的拉斯科岩画、西班牙额阿尔塔米拉岩画、米开朗基罗的《创世纪》、永乐宫壁画等。根据实际，准备各色丙烯颜料、不同尺寸的画笔、卷尺、墨斗、水桶、调色板等。在选材上，选择义乌有代表性的自然风光照片；写意花鸟、人物画图片；有关日常生活常识、安全生产、文明礼貌行为的卡通动漫素材等。每人一件白色T恤，让学生用涂鸦的方式在自己的衣服在上面画有创意的图案。

1.2活动过程。首先进行工作小组分工，根据学生专业水平、个性将其分成若干小组，每组负责两幅壁画。组内合理分工，并设一名组长，一名管理员，一名记录员。而后，要求教师示范，教师示范绘制壁画的一般步骤、讲解基本要点；针对不同的题材，教师进行不同示范的和要点的讲解。学生分工合作，老师进行现场指导。

2.成效分析

2.1提升了学生专业能力，培养了学生专业兴趣。本次活动使学生对专业基础课产生了新鲜感，是对平时在画室中所学的素描色彩一次很好的巩固与运用。活动中学生轻松、愉快地学到了专业知识，提高了实际操作的能力，锻炼了学生专业技能，提高了学生对专业课学习的积极性。例如在打形的时候，因为墙面比较大，有些学生难以把握物体的正确比例和整幅画面的构图，经过老师的指导和同学的帮助，他们用上了素描打形中的"几何化归纳法"，经过反复修改和调整完成了打形。在勾轮廓线的时候老师请学生结合书法课中所学的运笔方法，感受画线条时的起笔、运笔、收笔的过程，学会国画白描中的勾线方法，克服勾线中出现线条断断续续、松散无力、没有起伏变化的现象，提高线条的质量。还有在上色的过程中学生巩固了色彩的调配方法，直观感受到了色彩搭配的学问，提高了对色彩的感受能力。

2.2较好地进行了思想品德教育，德育方面。本次活动美化了苏溪镇环境，愉悦了公民心情，促进了公民生活常识、道德法规、安全生产方面的教育，对精神文明建设做出了不小的贡献。通过活动学生为社会做出了贡献，意识到了自身的价值，增强自信心，并且在此期间学生的责任心、耐心、合作精神都得到了提高。这实际上是一次很好的、无形的德育教育，和以往的德育教育相比它更直接、更自然、更深刻。

3.案例启示与思考

3.1让课堂走向社会，突出职校姓"职"的特点。从我所从教的两个美术专业班的学生实际来看，我们职校学生大多来自农村或城郊，没有受过很好的教育，素质普遍都较低，很少有学生在初中或小学接触过素描色彩，基本上没有美术基础。当时选美术专业的时候他们也只是随便选了个专业，并不知道自己所选的专业今后是干什么的，更不知道素描色彩在美术学习中的重要性。经过一段时间的学习，只有较少的几位学生对美术产生了兴趣，专业技能上有一定的提高，而很大一部分学生都是在老师的督促下无奈的"瞎画"。我想这也是职校美术专业班普遍存在的问题。解决问题的关键在于改变传统的课堂教学模式，突出职业教育的特点，让学生对美术基础课感兴趣，并让他们体会其重要性。因此，我们职校的美术专业基础课堂要大胆的走入社会，主动接轨社会，主动发掘周边可用的美术资源，激发学生学习积极性，提高学生的专业技能和社会实践能力，突出职校姓"职"的特点。

3.2展现绘画的多样性，使学生更全面地了解美术。在本次活动中，大多数绘画在墙上完成，还有一部分是在T恤上作画，涉及的绘画种类较多，有风景画、写意人物画、写意花鸟画、卡通漫画、涂鸦等。学生在绘制的过程掌握了不同工具的使用和不同的绘画技法的表现，让学生更全面的了解绘画、了解美术，改变学生以往认为美术就是在纸上画素描色彩的狭义理解。

参考文献：

美术专业课篇6

    美术欣赏是一个观察、体验、品味艺术作品的过程,在这个过程中,人们进行感受、体验、分析、判断,从而获得审美享受以及一定的美学知识。通过不断的欣赏学习可以提高人们的审美趣味,陶冶人们的高尚情操,直接或间接地接受教育,从而发挥其社会功能。普通高校加强和实施美术欣赏教育,是抓好学生素质教育的重要环节。一般来讲,素质不单单是专业知识的技能,还包括很多直面人生的能力和各方面的修养,如道德素质、生存能力、应变能力、潜在能力、动手能力、审美能力、艺术修养等等。特别是在心理素质方面的能力的培养,在感觉、知觉、记忆、思想、想象等心理活动中所体现出来的各种能力的倾向,如逆反、好奇、注意力、兴趣、情感、动机、意志等这些将构成心理素质的总体,而这些又直接影响着创造力的发挥。

    人的视觉认识是从自然主义开始的,尽管一个立体的自然场景不像是一幅图画,而一幅平面的图画都被看作是一个真实的世界,公众要求艺术家在一块想象的舞台上把生活的故事表现得栩栩如生。教师经常听到学生说:“我看懂了这幅画”,或是“我看不懂这幅画”,他们也许是仅限于理解了画的表面画了些什么内容,而不会欣赏画面内在的表现手法和含义。在这种认识方法中,丝毫没有审美气息。艺术是以感知为基础的,人们认识美、发现美、鉴别美、创造美都离不开感觉,这种感觉决不是依靠某些逻辑推理或者数字计算,比如对画面物体和人物的比例关系的把握就是如此,比例本来是数字形态的东西,我们可以依据数理逻辑变换出多种方案,但是,只有使数字形态视觉化以后,才能靠感觉来比较、推敲、判断出美与不美。而对艺术的感受力的加强,就会迅速找到它的美的所在,再从色彩上来分析,色彩的构成要素十分复杂,色彩的生理效应更为微妙,色彩美感的个性特征更强,尽管有着十分详尽的色彩理论,有着各种色表,色立体和各种配色宝典的工具手册,也只能对色彩的学习与使用起一定的指导作用,最后如不能落实到视觉感觉上来,总是不行的。正如音乐家对乐感的感受、舞蹈家对肢体语言的感受、书法家对笔墨挥毫的感受一样,他们无一不是凭借着一种强烈的艺术感觉来实现着艺术的升华。

    具体到普通高校的美术欣赏课,教师要通过审美教育来丰富与开阔学生的审美天地,让学生感受到全面与完善的艺术教育,对于非艺术专业的学生来说,并不要求他们了解太多的绘画技能,通过美术欣赏课的教学使其学会一些美术常识及学会如何欣赏。如通过中国美术史论的欣赏,懂得各门类画种的美感特征与技法特点,懂得其透视上的高远、平远、深远和散点的运用,用墨上的浓、淡、干、湿、焦所产生的艺术魅力和创境达意的艺术手法。美术作品及美术现象的种类繁多,比如从种类上分:油画、中国画、水彩水粉画、版画、雕塑、建筑、民间美术、现代美术等;从时间上分,外国美术有:原始与古希腊、古罗马美术……欧洲文艺复兴时期的美术……18、19世纪欧洲美术直至现代抽象艺术等,中国美术有:新旧石器时代的美术、商代青铜器、秦汉石雕、魏晋壁画以及唐以后的绘画;从作品的内容上分:人物、风景、静物、风俗画、宗教画、装饰画等;从艺术流派上分:西方古典主义、浪漫主义、现实主义……以及后面的印象派、野兽派和立体主义、超越现实主义等;中国画中顾恺之的《传神阿睹》,吴道子的《吴带当风》,范宽、郭熙的《高山仰止》……这些美术欣赏的内容,可自成体系,但也有局限,教师要将这些内容有机地联系起来,寻找切入口,达到最佳效果。

    首先,教师应引导学生从各种角度建立“真实”的概念。在不同的时代、不同的文化背景下,人们对真实有不同的理解。米开朗基罗的“大卫”,安格尔的“古典主义”,毕加索的“立体主义”,以及非洲的木雕,中国的农民画等等,于创作者来说,都是真实的。因为每位艺术家都以自己内心中的“真实”的尺度来描绘对象。但是它们之间在观念上、风格上的差异却是相当大的。同样,作为欣赏者来讲,每个人也会因修养、知识、性格的不同而对“真实”的体系标准做出不同的判断。那么我们教师应该教给学生什么呢?

    英国的艺术家和批评家艾瑞克·牛顿曾十分形象地将艺术品比作一层层剥开的洋葱,表皮是“再现层”,表皮之下一层为“诠释层”,再往里一层称为“审美层”,也就是讲,看一幅画,首先我们看到的是画面表现的内容:人物、场景或是一些抽象的符号。其次,再看一看画家是用何种方法来表现,如构图、线条、色彩、笔触以及总体的表现符号等等。最后,综合以上两点,想一想作品给你一种何样的意境,强烈程度如何,是否领悟到了一种以语言、文字所不能表达的体验,如果有了,那应该是基本上看懂了。

    现在我们拿达·芬奇的《蒙娜丽莎》来作为欣赏对象,第一眼的印象是一个安详、温和、完美的女性形象,然后知道艺术家在应用了科学的方法在绘画观念、技能上采用的独特方法。然后,将其和以“神”为主导的中世纪作品相比较,《蒙娜丽莎》那传神的眼睛和会心的微笑,是对人生的充分肯定,是对人性的赞扬,从而表达了作者的人文主义思想。类似的表现技法,在今天屡见不鲜,但在那个年代,那个历史环境下有如此成果,确实是相当有艺术价值的。

    我们再以毕加索的现代作品《格尔尼卡》来欣赏,画面中的各种奇怪造型令初见者费解,然而那种具有张力的感觉是每个人都感受得到的。接下来,如果我们了解了牛头是残暴与黑暗的象征,马是民众的象征,孩子的哭号挣扎的形象以及立体主义的基本造型方法与法则,那我们就会知道毕加索在画中表现了人民受到各种苦难而造成的暴烈恐怖的气氛,画家用犀利的笔触表达了他对法西斯的仇恨与宣泄,而立体主义就是他观察、表达事物的一种表现方法。

    在美术欣赏课中教师在教学中要让学生懂得,美是具有多样性的,但又有一定的内在联系。艺术的价值并非在于精确地摹写事物的表象,而在于表现出事物的本质以及传达作者对事物的理解和情感。艺术史告诉我们,艺术的发展有一个从低级到高级、从外部世界向内心精神状态发展的过程。从每个时代所留下的作品中可以看出,他们对前人的成就都有所发展,有所创新并和时代紧密结合在一起。仅看懂一幅作品或是几幅作品并无太大的意义,只有通过大量的、不同风格的作品欣赏,并且使这些作品在脑子里串起来,形成一定的概念和框架,逐步建立起学生自己的审美价值系统,这才算真正地学会了欣赏。

    美术是一门与千家万户息息相关的艺术,非艺术专业的美术欣赏教学又是人生感知美术审美教育和美术技能教育的重要阶段。让美术从美术家的小天地中解放出来,“飞入寻常百姓家”,让大学的美育教学工作立足于审美能力的培养,激发学生广泛地参与审美活动,从被动地接受美育变为主动地需要美育。逐步形成健康的审美观念,使学生在审美活动中实现自身精神意识的升华,对造就一代人的高尚情操和社会风气也是大有益处的。

    参考文献:

    [1]《中国美术史》 高等教育出版社

美术专业课篇7

关键词：美术教育；审美能力；学习兴趣；动手能力；心理健康

中职学生主要来自没有考上高中，或是家中困难的边远山区农村的孩子。他们大都文化基础知识薄弱，没有自信心，学习兴趣不高，在常人眼中他们是后进生、问题学生，美术专业教育能让这些学生找到自尊和自身价值。他们可以通过美术学习进入社会上的各个工作岗位。但这也需要中职教师付出更多的精力和心血。如何实现这一目标，我认为可以从以下几点来准备。

一、中职美术专业课教材选择

选择好的教材很重要。在当前中学阶段的美术课主要是美术欣赏课，对于文化基础薄弱的中职生来说，美术欣赏课内容太深奥，例如，我教学学校烹饪班的食品艺术雕刻，讲到鸟的羽毛时，有飞羽、初级飞羽、三级飞羽等。学生听完都不理解，后来我改成通俗易懂的口语“短的羽毛”“中等的羽毛”“长的羽毛”后，他们就全明白了。所以教材要选步骤多、文字通俗易懂的，不然学生会失去学习的兴趣和自信心。因此，中职美术教育应结合教材再联系学生实际能力开展美术专业课。

二、中职美术专业课教学的方式方法

当前学校教学方式方法主要有以下几种，第一种：以语言传递信息为主，包括讲授法、谈话法、讨论法、读书指导法等。第二种：以直接感知为主的方法，包括演示法：参观法等。第三种：以实际练为主的方法，包括练习法：实验法、实习作业法。第四种：以欣赏活动为主的教学方法，例如陶冶法等。第五种：以引导探究为主的方法，如发现法、探究法等。中职美术专业课在教学中以实际训练法、演示法为主，不同于普通中学的讲授法和欣赏法。主要培训学生的动手能力和实操能力。如我在美术手工课上的折纸教学，既能提高学生的动手能力，也能提高学生学习的兴趣，当学生把折纸作品完成的时候，他们的脸上露出了幸福的笑容和难以掩饰的成就感。一堂课的好坏标准，不应当是这一堂课多热闹，教师讲了多少内容，而是看教师的教学方法是否符合学生心理，是否让学生和老师互动起来产生共鸣，学生是否在进行积极思维。

三、中职美术专业课的教学目的

首先，中职学生是一个有主体地位的人，我们要努力让他们拥有健全的人格。《中国教育改革和发展纲要》中指出：美育对于培养学生健康的审美情操和人文素养，提高学生综合素质，培养全面发展的人才，具有重要作用。过去美术专业课过于强调学科为中心，把学生置于被支配的地位，扼杀了学生学习美术专业的兴趣，不适应现今社会的发展。这要求我们改变过去偏重知识传授，使学生在智力、道德和人格上获得发展。其次，注重培养学生的美术兴趣，充分激发学习潜能。美术教育对促进学生智力发展能力培养功能巨大，具有无可替代的作用。因此，在中职开好美术课有着重要的意义，中职生由于受到应试教育的影响，大多数人在初中并没有受到过良好的美术教育，他们认为美术专业课就是简单地照着老师的示范去操作，有很多同学甚至认为学习美术专业课需要天赋，没有天赋就怎么学也学不好，从而导致了对美术学习的生疏和恐惧。人们常说，兴趣是最好的老师，兴趣是可以培养的，美术自然也可以培养。最后，提高学生的专业水平和综合能力，国家比拼的是综合国力，学生比拼的就是专业水平和综合能力。要鼓励学生多参加各种有益的实践活动，使之感受生活、体验生活、学以致用。“实践是检验真理的唯一标准。”在我们学校就经常性举办各种技能大赛，以赛代练，促进学生专业技能的提高。例如，烹饪雕刻大赛、绘画习作展等。由于他们在比赛过程中，作品得到充分展示，自身价值得到体现，有助于培养他们为社会作贡献，为个人创造财富的思想。

四、中职学生的心理特点

作为中职教师，我们还要了解学生的心理，这样有助于美术教学活动的开展。首先，自主性与依赖性相结合，青年初期的自我意识少年时大为增强，开始把自己看作成年人，渴望与成人一样具有平等的社会地位与权利，反对从属地位与权威式的干涉。他们已经意识到自己长大了，追求内心世界的自我判断，决定在心理上摆脱父母，但经济上不能独立，不得不对家长形成依赖性，一些重要的事情还得要家长来解决。其次，竞争性与过激性相结合，具有一定的主动、自信心，但也存在被动性与自卑感。由于学习成绩不佳，上了中职学校，承受老师、家长较多的指责和同学的歧视，缺乏科学的教育和真诚的关爱，难免形成抑郁自卑心理，遇到学习困难就往后退，用过激的行为掩饰自己受到的伤害。最后，思想意识活跃与学习动机缺失相结合，学习没有压力不紧张，思想又活跃，但学习基础较差并缺乏刻苦学习，怕困难的精神，从而产生厌学的心理和行为。在学习上没有养成好习惯，找不到适合自己的学习方法，学习动力不足。还有一些不懂礼貌，以自我为中心，心理承受能力差等。教师要了解中职生的特点，调整自己心态，使自己积极乐观，以旺盛的精力、丰富的情感、健康的情绪投入美术教学工作中去。

五、中职美术学生作品点评

美术是比较主观性的学科，怎么评价学生的美术作品，确实是个问题。有的时候老师的喜好就成了“标准”，这样就不利于学生个性化的发展。这就要求老师不断地提高自己的专业技术水平，以实事求是的精神，公正、公平地来评价学生的作品，形式上要百花齐放，要将学生在创造过程中表现出来的想象力、创造力、表现力、完整性作为评价依据，给学生人性化的空间，在教学中，如果这样来评价学生就能比较好地保护学生的求知欲、自信心和自尊心。探索促进学生发展的多种评价方式，激励学生乐观向上，自主，努力成为社会有用之才。“青出于蓝而胜于蓝。”老师要有宽广的胸襟，甘当人梯，当学生学问水平超过老师时，老师应该发自内心的高兴。

美术教育是全面素质教育的重要组成部分，素质教育不是光靠嘴来说的，而是一个长期的艰巨的不懈奋斗的过程，是靠全体老师脚踏实地干出来的。美术教育的根本目的是培养人，而每个学生情况又不大一样，所以要求我们教师在实际工作中找到适合学生发展的方法，为社会建设输送人才。

参考文献：

美术专业课篇8

（浙江省江山市第五中学，浙江江山324100）

摘要：教师的专业成长在很大程度上受教师所处环境的影响，但更重要的还是取决于自己的价值取向。本文以本地区美术教师为研究对象，通过文献研究、问卷调查等方式对不同学校的多位美术教师进行调研、访谈，探讨了美术教师的专业发展之路，即努力提高自己的专业技能、学科素养和教学能力，积极参与教育实验，在反思中成长。

关键词 ：新课改；美术教师；专业发展；学科素养

DOI：10.16083/j.cnki.22-1296/g4.2015.03.054

中图分类号：G635.1文献标识码：A文章编号：1671—1580（2015）03—0119—02

收稿日期：2014—09—10

作者简介：周振华（1969— ），男，浙江江山人。浙江省江山市第五中学，中学一级，研究方向：美术教育。

教师专业发展是指教师的知识技能、学科素养和教育能力的持续进步。［1］美术教师作为学生美术学习的引导者，传播的是人类创造的灿烂的美术文化。所以，美术教师的教育思想、知识技能以及教学能力决定了教学效果的好坏。本文通过对江山市多位美术教师进行调研，同时参考了国内外大量的专业杂志文章，提出了自己的一些观点。笔者认为，美术教师要与时俱进，努力提高自己的教育教学技能与水平，才能推进教师专业化发展。

一、注重专业技能训练

绘画技能是美术教学的核心，是一个合格美术教师持续发展的根本保障。伴随着新课程改革的进一步推进，学生对教师的专业技能要求也不断提升，要求教师能在美术课堂上更准确、更熟练地进行示范，打动学生，让学生充分地感受艺术，激发学生的学习欲望。因此，作为美术教师，应持之以恒、深入地进行绘画基本功的训练和创作，提高自己的专业技能。

在美术教研员的组织下，我们在全市范围内开展美术教师专业培训已有三年，每学年举行一到两次风景写生活动，并请相关专家进行现场指导，参训教师的专业技能、创作能力得到了很大的提升。每年还举行基本功比赛，促使教师平时加强基本功训练。通过几年的努力，美术教师的基本功都有了较大的提高，许多教师重新拿起画笔进行创作，营造了很好的艺术氛围。

二、具备全面的学科素养

视觉艺术的发展就是视觉问题不断被提出、被解决的过程。视觉问题所包含的内容远远超出了纯艺术的范畴，还包括哲学、宗教、文学、历史、音乐，乃至科技。［2］当今的学生生活在无处不在的文化氛围中，他们从上学的时候起就沉浸在一个与现实教学环境有极大反差的世界中，视觉上的丰富多彩是不可否认的。网络、媒体、影像、广告所提供的视觉图像的诱惑力大大超出了我们的预期。因此，给学生提供正确的引导是至关重要的，这将决定学生在今后的审美中接受怎样的视觉理念。

新的课程标准“强调创新精神、培养解决问题的能力”，［3］要求引导学生逐步形成敏锐的观察力和乐于探究的精神，培养学生的想象力、创造力和勇于实践的精神，用美术这种特别的语言来表达自己的思想和情感，这就要求美术教师首先要具备这些能力和文化素养。

三、掌握先进的教育教学理论

美术教师应该不断更新教育观念，在现代人才观、质量观和以人为本促进主动发展的教学观的指导下，逐步提高教育教学质量。

教师应不断学习教育教学理论，努力提高教育教学研究能力，善于在教育教学中发现问题、分析问题和解决问题。在科学理论的指导下，针对问题进行深入研究，并争取将研究实践中获得的经验和总结上升为理论，掌握其基本规律，用于指导课堂教学活动，提高教育教学质量的实际效果。要结合教育教学实际，进行教学迁移，创造性地加以运用，提高课堂教学效率，追求教学的质量与效益。要重视培养学生良好的学习习惯和学习技能，有意识地培养学生养成反思学习的习惯，使其在反思的过程中提高发现问题、解决问题的能力。

先进的教学理论是教师必须掌握的，这对教师的课堂教学有重要的指导意义。美术教师作为人类艺术的传播者，必须终身学习，不断吸取先进的教育方法和教学理念，丰富教学手段，从而使自己的专业得到更好的发展。

四、成为教学方法的创新者

前苏联教育家苏霍姆林斯基说过：“如果你想让教师的劳动能够给教师带来乐趣，使天天上课不至于变成一种单调乏味的义务，那你就应当引导每一位教师走上从事研究的这条幸福的道路上来。”［4］

未来教师成长的道路应当是创新教学方法的发展道路，所以，教师的教学科研能力显得特别重要。为了上好每一堂美术课，教师必须根据教学内容和教学目标做好课堂设计，但这些教学设计不应成为限制教师和学生探索与创造的绊脚石。教师面对的是一群具有独特思想、不同生活方式和体验的学生，要促进学生的发展，就不能忽视学生个性的存在。但在传统的美术课堂教学中，教师往往将教学行为理解为就是讲授基础知识、造型技法、基本概念、创作原理；学生将学习误认为就是背诵知识、临摹画作。教师应发挥美术课程的创造性因素，积极探索新的教学方法，发挥自己的独特优势，找到一条更加适合美术教学的新路子。

五、勇做课改的探索者

从传统意义上看，教师只是知识的传播者，教师不必考虑教学方法的改进，不必有创新，只要传授课本已有的知识即可。这使得教师愈来愈像传话筒。

新课程的实施要求教师“创造性地使用教科书，根据学生、学校和当地的特点对教学内容进行选择、改变和再创造；积极开发校本课程”，［5］明确了教师不应只作为课程实施的执行者，还应该成为校本课程的开发者和设计者。在课程开发、教育教学、教育研究的过程中，教师不断地获得专业成长与发展，不断地提高知识更新能力和教学能力，提高了职业乐趣和幸福指数。教师较强的科研能力有助于新课程的本土化、校本化，并形成自己的特色，同时也使教师自身的潜力得到更大限度的挖掘。

六、勤于教学反思

教学反思是指教师以自己的教学活动为研究对象，对自己在教学过程中的亮点、存在的问题、采取的教学方法和教学效果等进行总结。［6］通过教学反思能及时发现教学中的优点与不足，及时改变教学策略。

美术教师的教学反思可分为三个阶段：教学前反思、教学中反思和教学后反思。教学前发思可使教学更有目标性，做到有的放矢；教学中反思可以及时发现教学过失，提高教学效率；教学后反思可以及时总结教学优缺点，使教学经验理论化。反思不应仅仅停留在“想”的层面上，更应该是一种教学态度，并转化为不断调整、改进、提升自己教育水平的行为。

具体来说，教学反思有助于教师逐步积累自己对课堂教学的组织、把控和分析能力，从而为进一步丰富自己的教学手段、形成比较系统的教学理论提供有效依据；有助于教学创新，充分发挥教师的主动性和创造力，并为其专业发展提供帮助和保障；能使教师的团队协作能力大大提升，将教学过程中发现的亮点和暴露的问题毫无保留地呈现在同事面前，让专家给予指导与点评，优点要给予表扬，不足之处要指出并给出改进方案。通过这种协作，可以发挥团队的力量，使美术教师的教学能力共同得到提高。

美术教师的专业发展是一项系统工程，不是短期突击就能见效的，要自始至终贯穿于教师的教学生涯当中。因此，美术教师要树立终身学习的理念，不断地接受教育，不断地学习，这样才能更好地发展自己。

［

参考文献］

［1］郝艳青.走出“求生期”的困惑——新教师面临的困境及解决策略［J］.师资培训研究，2003（3）.

［2］常锐伦.美术学科教育学［M］.北京：首都师范大学出版社，2000.

［3］钱初熹.美术教学理论与方法［M］.北京：高等教育出版社，2013.

［4］孙乃树.新编美术教学论［M］.上海：华东师范大学出版社，2006.

美术专业课篇9

【关键词】中职 美术专业 水彩画

【中图分类号】G71 【文献标识码】A 【文章编号】2095-3089（2014）10-0201-02

水彩画课程作为中职美术专业中的一门基础课程，对学生的美术基础素质具有重要影响。在这门课程的教学中教师的教学方式和科学性对于教学效果也具有重要影响。当前中职阶段的水彩画课程教学还存在一些问题制约教学效果的实现，教学体系依然陈旧，课程结构单一、重视技巧训练而忽视了创新意识和艺术思维的培养。这种教学模式下培养出来的学生只能绘画不懂设计，这些都对学生综合素质的提升产生了不良影响。为此本文着重探讨了水彩画课程教学从技术层面到理念思维层面的提升策略。

一、运用照片和复印技术

中职美术专业水彩课程的教学中应当注重运用照片和复印技术加强对学生基本素质的训练。但是再利用这一技术进行教学训练的过程中应当注重对学生创新模仿能力的启发性训练，若辅导不当极有可能造成生搬硬套的极端现象，使得作品失去了最宝贵的个人特色。复印技术在水彩画课程教学中发挥着重要作用，复印可分为彩色复印和黑白复印，这两种复印技术对学生素质的强化重点是不同的。复印机在完成了彩色照片的复印之后，原彩色照片中的色彩转化为黑白灰三色，颜色之间的对比被弱化，这样实现了对原来色彩关系的提炼，使得原来的照片之间的层次感更加鲜明。同时，这种黑背对比的复印件使得主体的明度更加鲜明，原来那些杂乱的色彩细节都被概括为黑色或者白色。学生在水彩画课程学习的起步阶段充分利用方式学生能够更好的把握水彩工具的特性，因为这一时期，学生刚刚接触水彩画的制作，他们对各种绘画工具使用还不是很熟练，其中影响他们熟练程度的一个最重要因素就是对这些工具的特性把握的不是很具体。而这些经过复印技术处理后的作品基本都是单色，这大大降低了学生的训练难度，在他们的水彩画功底逐渐的增长中再逐渐的增加难度。另外，对于一些色彩复杂的图像进行黑白处理之后，能够最大程度的滤去那些繁琐细节，能够将作品的主题直接呈现出来，这样有利于学生在最短的时间内把握描绘对象的框架结构和总体特征。因此，利用复印技术对照片进行黑白化处理是水彩画教学中对初级阶段学生开展有效教学的一项重要措施。

另外，合理利用照片进行写生也是一项非常重要的教学手段。中职美术专业水彩画课程的教学应当充分考虑学生在初级阶段学习中遇到的种种困难，合理的使用照片强化他们的色彩表达能力。这对于增强他们在把握事物形体，准确用色等方面发挥着十分重要的作用。

二、强化水彩的民族化

水彩画是西方绘画中一门课程，关于水彩画教学在我国的发展历程并不是很长，在绘画理论和教学理论上也都是借鉴西方经验。经过一段时间的长期发展，我们在这方面已经积累了丰富的经验，但是水彩画教学与传统民族绘画教学的融合还存在一些不足之处。为此在教学中应当积极探索水彩画教学民族化的发展方向。学生的创作也应当体现出明显的民族化特征。而若要使作品呈现一定的民族化特征仅仅靠技术的训练还是远远不够的。在水彩画教学中我们应当充分结合古今中外优秀作品的点评[1]。学生在对名家作品的欣赏和研读中深刻体会水彩画创作的理念上的异同，创作手法上的差别以及整体风格的特色等等。中国画虽然和西方水彩属于不同的绘画门类，但是对于美术绘画来说也具有一定的共性。中国画伴随着几千年的华夏文明发展史形成了自己独特的精神内蕴和艺术风貌。大师徐悲鸿曾说“中国之绘画，妙在似与非似，极似则易流为媚俗，不似又难脱欺世。”这一段点评深刻揭示了中国画意象造型的精髓所在。当前我国水彩画的创作受传统文化影响，在构图、用色、意境等方面都融入了中国传统画的似与非似的意境创造中，有力的推动了水彩画的创作和中国画的融合。因此，在中职水彩画教学中也应当向学生介绍这种创作理念上的新进展，鼓励学生大胆创新，给水彩画的创作不断增添新元素，首先以水彩画与中国画的结合为切入点，不断探索新元素的融合趋势。当前，随着社会对人才综合素质要求得到不断提升，美术教育已经不再是单纯的技能教育。学生不仅要掌握相关的绘画技能，同时还应当更加深入的把握各种绘画理念之间的不同。惟其如此才能根据市场和社会需要拿出更加精彩的作品。总之，水彩画教学应当以培育学生的美术素养为源泉，增强学生对中西文化的敏感度，让他们对绘画与文化之间的关系有一个更加清醒的认识。

三、启发创新思维

现阶段我国中职院校水彩课程教学在教学观念上长期得不到更新，教学内容重技艺轻理念，对学生创新性思维的启发不足。这些都影响了水彩画教学的深入开展。对于中职学生来说，水彩画教学是为提升学生职业技能服务的。美术专业水彩画教学应当以提升学生整体职业素质为理念。一个良好的职业素养不单单是熟练的技能，该包括创新的精神、过硬的职业道德等内容。创新精神的培育应当紧密结合题材内容方面的创新。题材的创新对于水彩画内容上的创新既有十分重要的影响。当前我国中职阶段的水彩画教学主要还是沿用了传统的题材内容，例如静物、风景和人物写生等[2]。这些题材内容长期得不到更新，束缚了学生的创新性思维的培养。为此在实际的课程训练当中，应当鼓励学生大胆尝试新事物，不断拓宽绘画题材，学生可以选取自己感兴趣的事物，或者更富美学价值的事物作为自身水彩画训练和创新的方向。例如可以打破常规的对某个具体物品的临摹，也可以结合自己的创新思维，对作品的原型进行合理的修改和发挥。只要符合艺术真实和艺术规律可以适当对客观事物进行变异。打破传统往往能够取得更加良好的效果，而且在这样的基础上我们还应当更加重视想象力的塑造，启发学生对各种事物大胆的进行天马行空的想象。

参考文献：

美术专业课篇10

关键词：学前教育；学前美术教学；课程观；基本目标

一、明确目标

在高等师范学前教育专业的美术教学中，如何改善教学方法，如何体现创造精神性，进而达到育人的目的，这对我们提出了更高的要求。当前高等师范学前教育专业的美术课教学，以注重实践性为主，虽然课程结构较合理，但是还不能达到体现创造精神的育人目的。如何改善高师学前美术教学方法，重建美术课程观，是我们当前要做的首要任务。教学中，积极调动学生主动性、激发学习美术兴趣、锻炼学生动脑动手能力，让学生获取审美感受，获得丰富的知识与能力，转变了教学观。教学观的重建，改善高师学前美术的教学方法，完善了学生的学习兴趣，开拓了学生的学习视野，教学取得了良好的效果，达到育人的目标。教学中学生的认知事物的能力得到了提高。欣赏美术作品的能力得到了提高。通过欣赏作品提高了学生的想象力，丰富的美术视野。学生总是会这样认为“我明白了这幅画”，或是“我看不明白这幅画”，他们认为的“明白”，也许仅仅局限于明白画上的内容是什么。他们的这种对画的认知方法缺乏审美的气息，也不符合对艺术品的创作方式及审美观念。在常规的美术教学中，我们应该让学生领悟到美是多样性的，并且各个多样性之间又有着不可分割的联系，是局部与整体的统一。艺术的价值并不是对某一事物或景色的准确地临摹，而是在于作者通过这一摹写揭示出这一事物的内在本质并且以此抒发作者的情感。艺术的发展历史向我们揭示了这样的一个道理：艺术不是一层不变的，它随着时代的发展而发展，是传统与现代的结合。所以只能看懂一幅作品或是几幅作品并不能说明你形成了审美观，只有通过对不同时代，不同风格的作品进行反复观摩、研究、欣赏才能在头脑中建立对作品的框架结构，逐步形成自己的审美观念。

二、精选内容

学前美术教学中的一个关键性的内容，是合理选择教学内容。它决定了教学内容，教学方法和教学效果。1）从种类划分：分油画、中国画、水粉、水彩、版画、雕塑、建筑、民间工艺、设计等。2）按时期划分：外国：原始、古希腊、古罗马、文艺复兴、十八、十九美术等。中国：新石器时期、旧石器时期、商代时期、秦汉时期、魏晋时期、唐代时期等。3）按派别划分：西方国家：古典、现实、印象、浪漫、立体等。中国：有青铜器的神秘、狞厉、有陶佣雕刻的雄厚有力，有顾恺之的“传神阿褚”有吴道子的“吴带当风，有范宽”郭熙的“高山仰止！”，也有徐青藤的水墨大写意等。上述的教学内容，有各自规律性。教学中紧密就精选的教学内容，联系学生实际，合理利用现代化教学媒体，利用科学的教学观，是高师学前美术教学达到最优化。

三、重构课程观

教学中根据学生现有的水平，将教学内容进行有规律的排列，做到科学有序，由简到繁，由有易到难。通过美术教学拓宽了学生的艺术视野，使学生受到美的熏陶。以学生为主体，以教师为导向，引领美术欣赏能力。要理论联系实际，不能因受时间、教学设备或师资等因素的制约，就把理应教授给学生的各个内容走马观花似的一带而过，如果这样做的话，学生对所学的知识得到的只是一些模棱两可的影像，没有较深层面上的理解，不利于培养学生的审美能力，达不到理想的教学效果。美术教学的内容之间都有着这样或那样的联系，他们之间有很多共同之处。当一个人的某种知识水平达到了一定的程度，就会在头脑中建立起这个知识的一个基本框架，同时会对其他知识的理解能力增强。一个打排球的运动员，学打篮球，就比其他人要相对容易。学生对新科学的理解认识就比学文科的人强。还有，专业各不相同的美术工作者，面对当今令人眼花缭乱的，各种视觉现象，却有着相对一致的，高于其他人的评判，其原因也就在于各种艺术的规律之间审美价值系统有很多的相似之处。因此，我们的教学内容组合，必须要有一定的系统，以组建学生的知识框架为目的。在课堂教学时，合理利用数字媒体艺术，将所教的美课程内容向学生开放，发挥学生学习的个性化，让美术课程知识活灵活现。充分体现了教师的主导，体现了学生的主体地位，是老师和学生主宰美术课程内容。高师学前美术教学中，由于重建课程观，合理利用数字媒体艺术，使学生拥有了更合适的学习氛围，使学生学习新知识更加便捷，增加了学生的感性认识，丰富了学生的情感，学生端正了学习的态度，进而达到美术教学目标。通过现代化媒体，使美术教学的课程观得以重建。

作者:刘长胜 单位:北华大学师范分院美术系

参考文献:

[1]《基础教育课程改革纲要》中华人民共和国教育部文件，2001年第17号。

[2]钟启泉等主编，《基础教育课程改革纲要（试行）》解读，华东师范大学出版社，2001年8月第一版。