表演艺术人才培养方案十篇

表演艺术人才培养方案篇1

关键词：高校音乐　专业培养　民族艺术人才

随着诸多的综合高等院校相继开办音乐专业，越来越多的院校有“音乐教育、音乐表演专业”，但是一些院校往往师资缺乏、教学设备缺乏，有些学校甚至先招学生再找老师，大量的外聘教师，没有系统的教学次序、统一的教学要求，更没有合理的《人才培养方案》，导致专业课设置与实践脱节，缺乏规范的教学管理。各个专业老师的音乐技能课主观随意，性大，师资缺乏实践经验，教学活动多数围绕理论与书本，或者沿袭陈旧的教学方法，不注重教法更新，导致培养的毕业生毕业后眼高手低，很难适应当今社会对音乐艺术人才的需求。笔者长期在民族艺术院校从事专业教学工作，参与制定了《专业培养方案》，对于“培养人才”与“人才就业”的关系做出如下解析：

高等院校《人才培养方案》是高校人才培养的纲领性文件，是本科人才培养目标的实施方案。在民族高校里的综合艺术学院的《音乐专业培养方案》，则是培养民族艺术人才的重要实施指南。总体培养目标是“坚持为少数民族服务、为民族地区服务”的“二为”方针，培养具有良好的道德品质的音乐专业教师以及专业表演人才，本专业为祖国各地、尤其为西部民族地区培养和输送从事表演、教学及研究工作的专门人才。《方案》通过四个模块：“通识平台”、“文理平台”、“专业平台”、“实践平台”实现这一培养目标。

《方案》以贯彻“以学生全面发展为本”为核心，充分体现“教书育人、育德育魂”的育人理念，依托民族院校深厚的人文底蕴，通过多学科的综合平台学习，为学生提供优质的教育资源。通过“通识平台”的课程，培养民族高校学生的素质，其课程目标是使学生获得必要的价值判断能力以及综合探究能力，获得正确敏捷的思维方式、真诚的情感沟通能力、清晰的语言表达能力。通过“文理平台”，培养民族高校学生全面宽泛的知识体系以及严格的学科基础知识。通过“实践平台”，培养学生就业能力的核心技能(包括团队合作能力、沟通能力、适应能力和管理时间能力)，为将来立足社会、服务社会打好基础。本文就《方案》里的“专业平台”进行详细解读，对民族综合艺术学院的音乐专业人才的培养课程计划进行详细分析，从教学理念、教学思路、教学方法、教学手段等方面进行详细阐述：

一、《方案》里的“专业平台”分为：专业必修课和专业选修课，根据教育部制定《专业课程指导方案》的基本思路：“必修课程学科化、选修课程类型化、地方和学校课程特色化”。本平台的课程设计着力体现了“创新性”、“应用性”、“综合性”、“特色性”的音乐专业教育特色，不但要强化学生专业技能、技巧训练，而且要拓宽学生艺术综合能力，有以下特点：

1、创新性：科学合理使用“学分制”方案，明确的、直观的、预见性的课程体系，在知识与技能结构上必须符合人才市场的要求。

根据《方案》，要求学生从进校就开始设计出自己的“专业规划”，明确自己本科四年的修读目标与主攻方向，自己制定出明确的修读计划。针对音乐专业的特殊性，《方案》进行了有别于其他系科的“学分制”的制定、管理，采取一些特殊的措施，因材施教，促进学生音乐专业能力的个性发展。如：对于音乐专业主干学科：声乐、钢琴、器乐等学科都是技术类学科，这三科的学分比重较大，这些学科需要教师在规定的时间内才能完成教学任务，学生则需要在老师的引领下，需要足够的时间才能够真正掌握声乐或器乐的技能技巧。对于含技术性的专业学科，《方案》采取的是“隐藏式学年制”，即所有的专业必修课都是按学期计划开设，学生是不能够跨年级修读的，这些学科都是每期必上的专业课程，其教学目的是为最大限度的夯实学生专业技巧能力。但在专业选修课里就充分体现“因材施教”，特色化的学分制，学生可以根据自己的“专业规划”选择专业选修课，例如：手风琴专业的同学可以修《手风琴重奏与合奏》、民乐专业的同学可以修《民乐重奏与合奏》，音乐学专业在第四学期可以在三门主干技术学科(钢琴、声乐、器乐)里“三选二”，从而获取相应的学分，充分体现专业选修的灵活性、多样性、科学性。

2、应用性：注重“实效性”，加强了“可操作性、实践性”的课程设置，避免空洞的、抽象的理论课程。

《方案》设置一系列的加强学生专业合作能力的艺术实践专业选修课程：《声乐表演与重唱》、《民乐重奏与合奏》、《手风琴伴奏与重奏》，以上课程强调艺术专业能力的实践性、合作性、应用性，通过大量的艺术实践平台，给予音乐专业的同学更多的多声部重唱、重奏、合唱、合奏训练，通过这三门选修课程教学目的之一：让学生在日常教学中获取更多的声乐、器乐的表演能力，储备更多的合唱、合奏、重唱、重奏的作品，多数是民族特色的音乐作品，这些作品能够参加各级各类赛事，为各级各类演出服务，为社会服务；目的之二：这一系列的教学活动让大学生队伍“创新人才培养”规范化、系统化，同时学生们可以积累更多的“创新实践项目”；教学目的之三：让学生们在各种赛事中、各种演出中获得艺术实践能力体验，不但学会表演作品，还会排练作品，把教室当舞台、把舞台当教室，给学生们这样的训练，从而获得真正的实践艺术能力。通过以上一些特色课程的开设，许多的民族艺术作品已在国际、国内比赛中喜获佳绩，增加了学生们毕业后的就业竞争力。

3、综合性：细化“宽口径”，强调综合技术能力，从而获得宽泛的就业能力。

在2010年教育部即将在厦举行的《全国普通高等学校音乐学本科专业学生基本功比赛活动》，其参赛项目为“综合专业基础理论知识和教育基础理论”与“音乐教育技能”，技能比赛就包括“钢琴演奏、歌唱与钢琴伴奏、自弹自唱、中外乐器演奏”，这一赛事项目出台，更加明确了音乐学专业的培养导向一“宽口径”，强化学生们综合的应用技术能力。民族艺术院校更应抓住这一重要纲要，充分利用自身优势培养出适应市场需要的优秀的民族人才。如将《器乐辅修》则将民族乐器(胡琴、马头琴、琵琶、古筝、唢呐、民族打击乐器)等多种民族乐器作为专业辅修，即人人都可以选择一门除钢琴以外的民族乐器，通过对民族乐器的技法学习，其目的是对民族文化的了解与传承。

4、特色性：利用综合艺术院校的专业优势，合理设计两个专业的艺术技能、技巧课，培养出在知识和技能结构与人才市场需求相统一的毕业生。

综合性艺术院校在音乐方向几乎都开设了两个分枝专业：“音乐学专业与音乐表演专业”，其共性：在民族高校里更需强调的是不管哪个方向的人才培养，都要保护民族音乐、弘扬民族艺术，多演绎、传唱民族乐曲，多创作民族作品，在这个基础上尊重、理解、学习世界的多元文化。所培养的学生必须有深厚全面的民族音乐文化素养，或精、或专、或全面多能，来适应当代飞速发展的社会。其特色性体展现在《方案》里，对于“音乐表演”专业的学生，在专业技术层面上的训练是以专业音乐院校的培养目标为参照，给予严谨的、科学的专业技术训练，采取“一对一”专业小课，要求他们在音乐表演领域的技能、技巧运用娴熟，以“专业、精深”为目标，大力倡导多演绎民族民间音乐，成为“民族音乐演绎者”。对于“音乐学”专业的学生则从“基础性、专业性、师范性”进行培养，此目标就是“培养音乐教育工作者”，多数专业课是“一对三”小组课，在课堂教学中同样多学习民族、民间音乐。这样的专业课最大的好处是：学生不但可以学习到本专业的“唱法、奏法”，而且还可以学到本专业相关的“教学法”，因为这样的“小组课”有利与学生相互观摩学习教师的教学语言、教学方法、课堂设计、作品选择等等，为将来更好地进行由“学生到老师”这一角色的转换。这两种专业是两种不同的行业，即有着不同的规格要求，又有相似的教学目标一“民族性、应用型、实战型”的人才。

二、《方案》充分了体现民族高校对艺术人才培养方法的特性，从以下几个层面解析：

1、“人才培养”的始终贯穿着民族音乐历史与文化。

综合民族艺术院校的音乐专业所培养的人才现肩负着对本民族或其他少数民族的音乐文化保护与传承。在专业培养过程中，要保护他们天生的艺术资质，再给予合理的专业训练，通过专业技能学习，能够更好地从祖辈的口中传承音乐文化；通过专业学习，懂得走向“山间原野”收集整理原生态音乐，会用音乐技术的耳朵，在舞台上展现、传承原生态音乐；懂得舞台上的原生态艺术作品，除了遵循艺术作品的客观规律(规范的音色、音准、节奏以及自己民族的乐音体系)，还需遵循作品必须源自生活，体现少数民族的生活情趣，具备鲜明的民族性，能够体现了一个民族的性格特征以及历史文化内涵；在专业培训过程中，扩大对其他民族音乐文化的学习了解与传承意识。对专业声乐作品、器乐作品的选择上也应体现56个民族的融和与包容。

2、多开设民族器乐课程，对民族乐器的学习目的是学习乐器的技巧以及学习与乐器相关的民族文化：

民族乐器在我国是最为普遍的乐器。通过高校民乐专业的学习，对民族传统文化、民族历史、民族风情会有进一步的学习。民族高校的毕业生具备民族乐器的技能才能更好服务于各级各类机构，尤其可以在西部民族地区从事表演、教学及研究工作。例如“二胡”作为专业辅修，通过这一号业的技能学习，要求学生了解“胡琴”更宽泛的性能、演奏技艺和文化背景，了解到它们时常都担任各种民族器乐合奏以及伴随着戏曲、曲艺、歌舞、民歌等艺术形式。学习这类擦奏弦鸣乐器的演奏技巧，实则是对民族音乐文化艺术进行研究学习。

3、民间音乐采风、民族语言的音乐教育实践以及民族音乐教学研究：

表演艺术人才培养方案篇2

关键词：地方高校；音乐专业学生；应用能力

中图分类号：G642.0 文献标志码：A 文章编号：1674-9324（2016）22-0258-02

地方高校音乐专业学生的应用能力是指音乐专业学生运用所学的音乐理论和专业知识，为地方学校、社会文艺团体等服务的能力，包括演唱能力、演奏能力、舞蹈创编能力、即兴伴奏能力、节目排练能力、晚会策划、导演、组织能力等。转型后的地方高校仍是我国高等教育体系的重要组成部分，承担着服务区域经济社会发展的重要使命。因此，在应用型本科高校建设背景下研究音乐专业学生应用能力的培养问题，对提高地方高校音乐专业人才培养质量具有重要的意义。

一、当前地方高校音乐专业人才培养现状分析

关于音乐专业人才培养问题，每一所地方本科院校都有自己的人才培养方案，但是绝大多数学校的课程设置、培养方案、培养目标等基本都是照搬传统本科高校的。因此，培养出来的学生既无学术型的专精，也无应用型的技术，很多学生毕业后由于没有具备基本的分析问题、解决问题的能力，根本无法满足用人单位对人才的要求。2013年，中国教科院课题组对欧洲应用科技大学和国内新建地方本科院校的办学理念、体系构建、师资队伍、人才培养、经费保障等方面进行初步研究，先后前往陕西、江西、福建、成都、浙江和哈尔滨等地区30多所学校进行深入调研，专家们发现，转型高校的发展基础与诉求虽存在差异，但人才培养目标基本一致，都是培养为地方经济和文化服务的应用型高级专门人才。如何提高地方高校学生的应用能力，使学生能更好地服务社会，为地方经济文化发展做贡献，成为转型后高校在目标定位和人才培养方面应该思考的问题。地方高校音乐专业是理论性和实践性或应用性很强的专业，学校对音乐专业学生培养的标准，主要是看音乐专业学生毕业后在自己的工作岗位上能否充分运用自己所学的专业知识、掌握的应用能力去发现问题、分析问题和解决问题。然而，在地方高校转型阶段，要培养和提高音乐专业学生的应用能力仍面临着许多问题：

1.培养目标不够明确。地方高校作为应用型人才培养的摇篮，要有明确的培养目标，这就需要各学校领导、各二级单位通过充分地调查研究，认真制定好人才培养方案。然而，随着高等教育改革后高校不断扩招和艺考的持续升温，全国各地音乐专业的本、专科毕业生和从业人数迅速增多，并且不断地迈向了饱和。而地方高校尤其是新建本科院校作为研究型大学和高职院校中间的夹层，办学定位、培养目标成为他们心中的困惑，并长期存在着。以音乐专业人才培养为例，一方面是专业性、技术性与音乐院校和重点院校有较大差距；另一方面是俯不下身子，接地气方面没有高职院校做得好。因为矛盾于这种高与低的选择之中，导致人才培养质量没有明显实效。

2.实践课程设置不够合理。在音乐专业人才培养过程中，许多地方高校理论课程偏多，实践课程偏少，没有建立一套实践环节的质量保证体系或相关措施，或虽有一些保证措施，但不够完善，存在许多漏洞，且执行时没有很好地实施。教师对实践教学的积极性不高，教师在课外指导学生排练时花费的时间比课堂教学时间多得多，但得到的报酬却远远低于课堂教学的报酬，有时甚至没有报酬。学校在评优评奖中不重视实践教学的全部环节，缺乏相应的鼓励或激励措施，这必将对音乐专业学生应用能力培养产生一定的影响。

3.校企合作、产教融合难开展。校企合作、产教融合是学校创新办学模式、提升学生应用能力的重要路径。但是从目前来看，地方高校能够真正深入开展校企合作的并不多。尤其是音乐专业类的校企合作，有时候学校很难找到恰当的突破口，因为学校与行业企业各自在资本投入、风险承担、价值创造等方面存在不同之处，双方在利益诉求方面存在较大的差异。这种差异将导致各地众多校企合作流于形式，未能实质上使包括音乐专业在内的学生真正到行业开展校企合作、产教融合，阻碍着音乐专业学生应用能力的提升。

二、提高音乐专业学生应用能力的必要性

1.是音乐专业学生就业的迫切需要。从我国高等教育的现状看，目前很多地方存在着大学生“就业难”和行业企业“用工荒”现象。据报道，2011年，地方本科院校的初次就业率仅为75.8%，是三类高校中最低的。同时，各地的调查又显示，很多地方的企业难以找到所需的大量高素质人才。这说明高等学校培养的毕业生与社会对人才的需求之间存在较大差距。其主要问题不是人才培养的数量，而是人才培养的质量问题。人才供给与需求在人才培养规格上的错位对接，出现大学毕业生的结构性失业。音乐专业的毕业生主要表现在工作中往往不会唱一首完整的歌曲、不能伴奏歌曲、不能编导和排练节目、不会策划和导演晚会等，缺乏运用所学的音乐知识解决实际问题的能力。所以在提高音乐专业人才培养质量方面，地方高校必须在学生应用能力培养上下功夫。只有学生应用能力提高了，他们才能更好地为地方经济文化发展做出自己应有的贡献。

2.是地方高校转型发展的必然要求。2014年2月26日，国务院常务会议做出“引导部分普通本科高校向应用技术型高校转型”的战略部署。面临转型的地方本科院校主要是新升本的地方高校。本次会议指出，“地方本科院校转型，目的是培养本科层次的职业技术人才，使毕业生既接受系统的理论训练，又具备一定的技能和较强的应用能力。有了本科层次的应用技术人才，就连接了已有的中职、专科层次的高职和侧重应用性的专业硕士，构建起各个层次的技术技能型人才培养体系，为技术技能型人才打通上升通道，使职业教育的‘断头路’格局得以打破”。转型后的地方高校音乐专业人才培养必须要适应地方经济发展，必须能为地方经济文化建设服务，这不仅是国家和地方经济产业结构转型升级对高素质人才的需要，而且是地方本科院校走内涵式、特色化发展道路的迫切需要。因此，在应用型本科高校建设背景下培养提升音乐专业学生的应用能力更符合党中央和国家教育部对现代教育的战略部署。

三、提高音乐专业学生应用能力的措施

1.调整人才培养方案。人才培养方案是高校提高人才培养质量的基本依据，人才培养方案中课程设置的好坏直接影响着人才培养质量的优劣。在音乐专业人才培养方案制定过程中要着眼于“应用型人才培养”的新要求，注意吸纳新成果，使音乐专业学生应用能力培养方案得到不断优化。2015年，河池学院遴选了8个专业作为转型发展试点专业，其中艺术学院的音乐表演专业是其中一个试点专业。作为转型发展试点专业，艺术学院在音乐专业人才培养方案制订过程中，充分发挥了全体教师的积极作用，鼓励教师热心参与修订人才培养方案，对方案的修订工作提出宝贵的意见，最终形成了通识教育模块、学科专业基础课程模块、专业技能课程模块、行业企业选修模块，充分考虑了学生应用能力的培养问题。

2.强化实践教学环节。实践教学或者艺术实践活动是提高音乐专业学生应用能力的重要途径。任何一位音乐专业学生，不通过实践锻炼是不可能提高自己的应用能力的。学校在2015年音乐表演专业人才培养方案修订中，加大了实践教学力度，增加实践课程的教学内容，鼓励学生参加各种艺术竞赛活动，如参加河池市每年一次铜鼓山歌艺术节演出、参加宜州市刘三姐文化旅游节文艺演出、参加学校每年的迎新晚会、毕业晚会演出，参加艺术学院每年举行的音乐五项全能比赛、河池学院的才艺大赛等等，使学生在实践中得到更多的锻炼，并不断提高学生的专业技能和应用能力。

3.扩大学生选修空间。大学生自主学习时间相对较多，因此，地方高校在课程设置方面应开设更多的适合学生专业发展的选修课程，让学生根据自身的特长进行选修。河池学院2015年人才培养方案增加行业企业选修课程模块共包括排练类、表演类、服务类、教学类、创作类、综合类等6项，其中排练类开设舞蹈编导、合唱重唱排练、器乐合奏、管乐排练，表演类包括声乐表演、钢琴表演、器乐表演、戏剧小品表演，服务类包括灯光音响运用、晚会策划、节目主持、钢琴调律、舞台道具制作，教学类包括教学法、歌曲弹唱、多媒体制作，创作类包括歌曲写作、配器等，让学生根据自己的爱好和特长，有针对性地选择自己所喜爱的课程，并通过这些课程的学习提高自己的应用能力。

4.加强校地校企合作。地方高校要培养应用型音乐专业人才，必须要开展校地校企合作，学生在地方文艺团体或者中小学校得到实践锻炼。2015年河池学院强化了音乐表演专业的人才培养与地方行业、企业合作问题。例如，方案中设置认知实习，即第二学期就要求学生到行业企业学开展调研活动，撰写调查报告并给予1个学分，目的是促进学生走进行业企业，初步了解这些单位的基本行情和人才需求情况。同时，艺术学院还与湖北宜昌柏斯音乐集团和宜州市辰泰文化传播公司取得联系，争取与柏斯音乐集团的钢琴厂和宜州市辰泰文化传播公司合作，通过长期的合作探索音乐表演专业学生的人才培养质量问题，不断增强学生的实践能力，提高学生的综合应用能力。

参考文献：

[1]张桂仙.转型发展背景下音乐学专业应用型能力的培养[J].中国市场，2015，（12）.

[2]卢雪珊.音乐教学法课程中学生应用能力培养的思考与实践[J].西昌学院学报，2015，（12）.

表演艺术人才培养方案篇3

［关键词］高校教育培养模式民族音乐表演

［作者简介］莫晓文（1967-），女，广西南丹人，广西艺术学院民族艺术系副主任，副教授，研究方向为声乐表演与教学。（广西南宁530022）

［中图分类号］G642［文献标识码］A［文章编号］1004-3985（2012）27-0121-02

高等艺术院校民族音乐表演人才的培养是在国家对非物质文化遗产保护日益重视的今天应运而生的。高等艺术院校教育对非物质文化遗产中所包含的民间文学、传统音乐、传统舞蹈、传统戏剧、曲艺等都肩负着重要的保护、抢救、利用及传承发展的责任和义务。因此，如何建立一个完善、科学的民族音乐表演人才培养模式，使之能承担起对民族音乐挖掘、整理、传承和创新的大任；适应社会发展的需要，是各高等艺术院校当前亟待思考和解决的问题。

一、高等艺术院校民族音乐表演人才培养现状

高等艺术院校虽然在音乐表演人才培养方面经过多年的发展，有着丰富的经验和相对完善的理论体系，这些年也为繁荣我国的音乐文化艺术事业立下了汗马功劳。但我们也看到，我们音乐的教学一直是以欧洲古典音乐体系作为主要教学内容，同样也以欧洲古典音乐教育体系的评判标准评判教学成果。欧洲古典音乐教学体系虽然对我国音乐教育的规范化和系统化曾起到过巨大的推动作用，但由于在教学中过分强调其价值，导致我们的教学效果也存在很多弊端。突出的一点就是我们教育出来的学生，不了解、不喜欢自己民族的艺术文化，更不会欣赏自己民族的文化艺术，更别提在这之上的继承、发扬和创新。学生们只是教条地学习了别人的技能、技巧和一些表面上的知识，却把自己最应该学的、最应该掌握的放弃了。因此，当国家发展到开始进入强国之列时，我们却不能在自己民族的音乐领域，有一套属于自己的、完整的音乐教育理论体系。以声乐教学为例，教学中所依靠和应用的发声技能技巧及最后的评判标准都是以西洋美声唱法为基础和样本，呼吸、共鸣、位置的强调，淋漓尽致地体现了西洋美声唱法的技能要求，我们完全放弃了自己的京剧、昆曲中经典的唱腔特点、行腔韵味，使得整个声乐领域充斥着洋腔洋调，听到的都是别人的曲调、别人的语言、别人的行腔，即使是听到我们的曲目，那也是很大程度上变了味的，已经失去原有风格特色的唱法，从而形成了全国上下一致的评判标准：没有共鸣的声音不是好声音，没有统一的歌唱位置就不叫唱得好。使声乐教学走进了一个不中不西，不土不洋的怪圈。再就是由于我们在教学中过多地忽视了本民族艺术文化的存在，整个欣赏、评价、舆论的导向都偏离了我们最初的方向；我们的评价标准也处于极不健康的状态，这不能不说是我国高等艺术教育的失败。面对这样的现状，政府部门及艺术工作者也意识到并开始予以重视，非物质文化遗产保护名录项目的公布就是在向全社会宣布了对民族文化重视的这一重要信息，同时也对我们的教育及高等艺术院校办学提出了新的方向及新的思考。

二、高等艺术院校民族音乐表演人才培养模式探索的必要性

探索一个适合在高等艺术院校培养“民族音乐表演人才”的模式，这一做法在全国上下的艺术院校已经铺开。如贵州大学艺术学院的“侗族大歌”进课堂；新疆艺术学院的“木卡姆”进课堂；内蒙古大学艺术学院的“呼麦”“长调”进课堂以及近两年来广西艺术学院直接成立的民族艺术系，为挖掘整理原生民歌设置专门的系部，把挖掘、整理、传承广西原生民歌作为主要培养目标等做法，这都是为了适应社会发展对民族音乐表演人才的需求而设立。这些院校都在尝试转变过去传统、单一的教学。在制订培养方案时打破其原有的固定不变的框架重新调整，不再墨守成规；培养方案突出和强调本土艺术内容及特色课程的进入；把挖掘、整理民族艺术中的“原生”部分，使那些濒临灭绝、失传的民族民间音乐艺术得到有效的保护、整理、传承放入教学内容。尤其广西艺术学院在把“原生民歌”作为声乐教学主要教学内容的同时，大胆地改变其原有以西洋唱法为评判标准的审美习惯，以当地的审美习惯作为主要评判依据，使学生们通过学习，逐步建立以本土的审美习惯作为艺术评判标准；对自己的民族文化、艺术文化有更深的了解与认识。这一大胆的尝试，得到专家们的肯定，希望通过这一尝试，探索出一个有自己特色的、符合中国国情、有科学理论价值的适合在中国高等艺术院校中推广的民族音乐表演人才的培养模式。

三、高等艺术院校民族音乐表演人才培养模式探索

1.制定合理的人才培养目标，是民族音乐表演人才培养模式建立的重要前提。科学、合理地制定培养目标是人才培养模式能否成功建立的前提。广西艺术学院民族艺术系民族音乐表演人才的培养方案就特别强调其培养目标是：本专业培养具有民族音乐表演相关知识技能，并具备较强的本土民族音乐表演、传承及文化解读能力，综合素质高、专业能力强，德、智、体全面发展的复合型专业人才。另外，其毕业生的就业主要面向各专业文艺团体、艺术院校、文化馆（站）、非物质文化遗产保护机构、文化产业及旅游服务等行业，从事民族音乐表演、教学、研究及保护工作。这就意味着所有的教学环节必须围绕着这一目标制定和实施教学。

2.构建合理的课程设置，开设特色课程。民族音乐表演人才培养目标强调培养学生的本土民族音乐表演、传承及文化解读能力。课程设置的合理构建是完成这一目标的重要环节。首先，在教学课时、教学内容上应科学、合理地分配和安排，把某些在以往都是出现在选修课环节的课程重新定义；合理开设像民族语音、本土艺术、地方戏曲、民间音乐、民歌排练、民歌演唱等特色课程。在专业必修理论课、专业技能课和选修课环节更多地考虑民族课程内容的介入。其次，重视社会实践教学环节，努力重现20世纪五六十年代，中央音乐学院请民歌手张天恩、朱仲禄等教唱陕北、山西民歌和青海花儿，上海音乐学院请京韵大鼓艺人王秀卿传授曲艺唱法，请民间艺人丁喜才教榆林小曲的场面。让学生有更多的时间走向社会，走向田间地头向民间艺人学习民族音乐，形成民间与院校相互交流的学习氛围。只有这样，挖掘、整理失传的民间艺术才能不再停留在口头上，高等艺术院校才能培养出真正的、了解民族音乐的优秀的民族音乐表演人才。

3.根据培养目标重新编写教学大纲，凸显民族特色。随着社会的发展，在教学过程中，不断吸收新的教学理念，更新教学方式是教学的正常调整，但其基本上是在原有模式不变的情况下所做的一些微调。我们现在所提的重新编写教学大纲，主要是指在培养目标改变的前提下，把每门课程的教学目的与任务、教学原则、教学方法、教学内容、教学时间安排、考核形式、评分标准等一系列具体的做法、要求作相应的调整和改动。首先，应在教学大纲中调整原有的以西方古典音乐体系作为教学主要内容的做法。如声乐教学课程，民族音乐表演专业的声乐教学，在制定教学大纲的时候应更多地考虑以中国歌曲作为主要的教学曲目；而随着近年来人们对原生民歌的关注，应考虑把原生民歌作为教学内容，使其进入课堂；在基础训练中更注重发挥嗓子原有的特质，遵循中国民歌演唱的发声规律，不要过多地、刻意地改变其原有的风格唱腔；西洋唱法可以学，但要强调这不是歌唱的唯一方法，演唱中国民歌并不是时时需要西洋唱法中的“共鸣”，不能为了追求技能的提高而太多地改变中国民歌中原有的风格、韵味，这就是当下中国的声乐界出现的“千人一声”的主要原因。我国风格各异的各族民歌在长期的发展过程中形成了其独具魅力的唱腔、风格，把握这种歌唱中的唱腔、神韵是民族音乐表演人才最应该具备的，也只有这样，才能使声乐演唱呈现百花齐放的局面。其次，对于一些涉及民族内容的课程，教学大纲中对其考核的形式与评分的标准也应进行相应的改动。重新思考我们究竟应该如何评判学生学习的成果，如在演唱中是注重技能、技巧训练还是注重歌曲的情绪、风格完整表达？评分标准的切入点和习惯还是应仔细斟酌。因此，结合实际，建立一个符合我们培养目标，能正确引导学生审美取向的，合理、科学的评分标准，是教学大纲编写的重要之处。

4.采取灵活多变的教学形式，高质量地完成教学内容。适当改变遵循多年的教学时间安排，把集中授课、阶段授课、讲座、社会实践等授课形式根据教学的需要交叉进行。为突出特色课程教学，可以采取“走出去，请进来”的教学方式。“走出去”就是某些特色课程可以走上田间地头，让学生走向民间，走向社会亲身感受民间音乐的精髓，向民间艺人学习；“请进来”，聘请社会上有名望的专家进课堂讲学；请民间艺人进课堂示范；教学形式灵活多变，可以增加教学的信息量，同时也时刻与社会发展需求相适应，便于激发学生学习的积极性和创造性。

四、注重特色课程教材的编写是培养模式成功的前提和保障

好的教材是教学成功的前提。前面提过因为音乐表演专业长期以来都是以西洋古典音乐体系作为教学内容，因此在教材的选择上也基本上是“拿来”的做法。而这些年来，虽然我国的音乐工作者也在这方面有很多的努力，先后编写了大量的音乐学科教材，但因这些教材基本上是以原有教材也就是西洋古典音乐体系教材为蓝本，因此在教学内容的编排上并没有太多创新，基本遵循原有的教学理念。而特色课程，尤其是涉及“本土”或“原生”的特色课程，一直以来很少有这方面整理，更别提规范的教学教材。我们的很多民间艺术靠的是“口传心授”“口口相传”。随着现代社会的迅猛发展，科学信息的不断冲击，越来越多的民间文化、民间艺术已走到濒临灭绝或失传的境地。广西艺术学院民族艺术系成立之初，其民族音乐表演专业在订教材时就遇到这样尴尬的局面，找遍书库、书目，找不到一本集中了广西本土原生民歌的书作为教学教材，最后只好把现有采风搜集来的曲目、一些老艺术家自己的私藏、还有早期的一些音乐杂志等稍作整理暂时代替原生民歌课程教材。在高等艺术院校里培养民族音乐表演人才不能再像民间那般也采用“口口相传”，我们应利用自身的优势，注重把从民间收集、整理的材料，结合培养目标需要以及教学、学习特点认真编写特色课程的教材，规范的教学教材是完善培养模式不可或缺的前提保障。

五、结语

探究民族音乐表演人才培养模式，是社会发展的需要。民族音乐表演人才将肩负着让世界了解真正的中华民族优秀的传统音乐文化，同时也承担着对民族音乐文化挖掘、整理、传承的重要使命。学生们通过在校几年有计划、有步骤地学习，不仅系统地掌握了专业基础知识技能，更对民族音乐文化拥有更强的解读能力和自觉的保护意识，因此其在引导人们理解民族音乐的过程中更具优势。当然，我们也看到，随着社会文化的转型和人们艺术欣赏水平的提高，要求民族文化尤其是民歌演唱原封不动地“代代相传”是不现实的。这就更需要民族音乐表演人才在抢救、保护、继承、发展民族文化的同时，共同创造适应时展的新民族文化。

［参考文献］

表演艺术人才培养方案篇4

关键词:第二度创造音乐表演培养

0引言

音乐是一种表演艺术，它必须通过表演这一中间环节才能把音乐作品传达给欣赏者，从而最终实现审美价值，

而实施这一环节的又必须由人来完成。因此，如何对音乐作品进行很好的诠释和通过自己的技术传达给欣赏者，将是音乐表演者永恒思考的问题和永恒奋斗的目标。

1第二度创造是音乐表演的本质

第二度创造是音乐表演的本质，而第二度创造的本质意义就不仅限于对第一度创造的传达与再现，它还必须体现出表演者的创造。在现代科学技术发达的今天，音乐演奏机器人已经出现，而人们却依旧喜爱活生生的人来进行音乐表演，这是因为有个性的人在演奏时会溶入了自己对艺术的感受和对艺术的独特见解，让欣赏者在思想上、感情上与之产生共鸣，这种过程是一种艺术的享受，是任何机器无法替代的。那么这其中起着主导作用的就是演奏者的第二度创造。

1.1读谱。理解作品属“内化”过程中的再造性想象。因为作曲家把生动的乐思以乐谱的形式记录下来，但呈现在演奏者面前是已经抽掉了灵魂的作品，所剩的只是一些毫无生命力的乐谱符号而已。无论哪一位作曲家的乐谱有多么详尽，都没办法记录出音乐运动的内在韵律，并且乐谱与他们的生活乐思之间有着很大的差距。而要得到弥补，使乐谱中潜在的生动乐思得以发掘，使得它们重获“新生”，必须依靠音乐表演者的再造性想象。要读懂音乐语言，需要专门训练，特别是需要作品分析能力的训练。因为演奏者并没有作者的直接体验，只能在自己的经验中寻找类似的体验。

1.2演奏技术的处理。这是思维与实践的结合，更需创造性。例如当代指挥大师卡拉扬执棒演绎的贝多芬第五交响曲《命运》就是一个范例，我国声乐表演艺术家郭淑珍教授演唱的《黄河怨》同样堪称范例。她运用声音控制的技术，对作品内涵的诠释更是深刻独到。当代德国指挥家瓦尔特总结说：“演奏家的艺术处理和见解越高，他就能更大程度地传达该作品”，“只有伟大的个性才能明白揭示伟大的创造”。

1.3演出。更是将自己对作品的深刻感悟，通过技术技巧全面地传达给欣赏者，并与欣赏者一起共同分享音乐艺术带来的快乐。

总之，音乐表演的第二度创造，是赋予音乐作品的生命的创造行为，它不仅要忠实于原作，而且还要对原作予以补充、丰富、甚至超越作曲家的思想，使之焕发出新的艺术生命力。

2第二创造性又该如何培养呢?

第二创造性又该如何培养呢？教师应通过各种活动或采取有效途径有目的地培养学生的创造思维。

2.1运用启发式教学。激发学生的求知欲，调动学生的学习积极性与主动性，启发学生独立创造能力。在教学中教师可启发学生去发现一些新现象，鼓励学生采用一些新的思路或方案。但不是只让学生自己去寻找、发现而不给予指导，而是在自主动脑动手，自主发现创造的同时，教师必须给予示范，并且要将正误告诉学生，指出思路在哪些地方出了差错，让学生学会举一反三。其实这里讲的就是一个“悟”字。这与禅宗的教育方式有类似之处，别人告诉你的并非你真知，只有自己去悟才能获得真知。例如《六祖坛经》中“炉中灵火”这一案例说的是，老师百丈让学生沩山拨一拨炉子，看看有没有火，沩山拨过后，没有发现任何火星，就说“炉内已无火”。百丈拨开盖在上层的灰，火星立刻呈现出来。沩山顿时开悟，在看似不存在问题的地方，其实是存在着问题的，也就是说，教师不须在教学过程中从头讲到尾，把所有答案灌输给学生，而是让学生自己去发现，寻找“原型”。

2.2培养学生发散思维和聚合思维。因为在第二度创造过程中发散思维起主导作用，它具有灵活性、独特性和流畅性。

2.3拓展学生的想象力，引导学生观察社会与自然，鼓励学生参加各种创新活动，并给予正确的评价。

2.4创新能力的自我开发，破除思维障碍，树立积极的核心信念和优秀的自我表象。那么，这时的自我应该努力做到什么呢？①努力克服思维定式，敢于大胆地对似乎成定式的生活现象或学术权威提出质疑，提倡立体思维，多方位多角度地思考问题；学会暂时抛开本本，建立起自己的处事原则。②重视自我表象，并扩展自我表象，这样也就扩展了成功的范围。③通过“学、练、演、恒”等途径磨炼自身的意志。④培养良好的职业道德，在创新过程中不仅要注意与传统审美价值观相衔接，而且要注入新时代的特征。

3从心理学角度对第二度创造能力的探讨

上面从心理学角度对第二度创造能力的培养进行了探讨。下面笔者将从文化修养、人生观、世界观的角度来分析第二度创造的培养。众所周知，音乐表演理通过技术技巧的运用和发挥来达到表现目的，没有技术技巧就没有音乐表演。但音乐表演却不是仅存有这一种技术技巧的行为，它的生命在于传达音乐艺术的丰富内涵，因此，第二度创造应是与技术技巧同时并存，并高于技术技巧的一种表现行为。一个真正的音乐表演艺术家，不仅需要完美而高超的表演技巧，而且要有深刻的思想、丰富的人生体验和广博的文化艺术修养，深刻的思想对于音乐表演者来说，主要是指对生活，对艺术要有自己的见解，自觉地把音乐表演艺术与人类追求进步和社会正义的事业联系起来，在创造性生活中。人类的不断进步，在很大程度上是依赖于文化的传承。下面我们从江南丝竹的演奏来说明这一观点。江南丝竹是一种流行于上海、江苏南部和浙江一带的丝竹乐形式，历史悠久，旋律抒情柔美，风格清新流畅，充分体现出了江南的秀美风光与当地的民俗风情，具有“轻音乐”的性质，娱乐性超出教育性。最初它是在民间婚丧嫁娶和风俗节日中演奏的，因此带有很强的自娱性，而并非商品艺术。这就需求演奏者要有即兴发挥艺术表现力的审美习惯，其美学倾向是为满足人们的审美需求，而这种美来自人的本质力量，体现人的智慧，生活体验和艺术才能。以上所述都属“文化”范畴，可见，“文化”不等同于“文字”与“本本”，要演奏好江南丝竹，那就必须去了解、吃透它背后所蕴藏的“文化传统”。也就是说从当地人们的衣食住行一直到他们哲学艺术、生活风俗都必须去做深入体验。那么，之后的演奏将势必收到显著的效果。这些说明了一点，对作品有了深入而全面的理解，也就会对作品有了更好的感受，再通过技术技巧的传达，这种合力而出的演奏带给欣赏者的将是一种震动人心的艺术享受。广博的文化艺术修养对于音乐表演艺术家的表演起着“如虎添翼”的作用。拉赫玛尼诺夫曾说过

表演艺术人才培养方案篇5

关键词：柏林艺术大学；MFA；教育

MFA，艺术硕士专业学位，英文名称为Master of Fine Arts，简称MFA。其涵盖的范围包括音乐、舞蹈、戏剧、美术设计、电影、新媒体等诸多艺术领域。德国艺术院校协会（The College Art Association）对MFA的培养规格有着明文规定：“MFA，不仅仅是一种艺术专业硕士水平及能力的证明，在艺术教育领域，它却是一种最高学位，其含金量并不低于学术型的硕士及博士学位，因为MFA获得者不仅有扎实的理论功底，并且还具备超越常人的艺术创新能力。”[1]

德国柏林艺术大学是位于德国境内柏林州的一所标准艺术类综合性大学。虽然学校规模不大，但是办学历史悠久，最早可以追溯到公元1696年。柏林艺术大学目前涵盖了绘画、艺术设计、音乐、表演等多个艺术门类；人才培养层次较高，类型齐备；学科覆盖面广。MFA教育在德国开展最早，无论是课程设置、人才培养目标、学位授予的考核环节上都非常有特色，考察并分析它在MFA教育上的种种举措，对我国艺术硕士教育未来的发展具有重要的启示意义。

一、人才培养目标

德国柏林艺术大学对MFA的总体定位目标为“鼓励学生运用不同的艺术创作手段在艺术各个领域中发挥个性”，“结合新时期艺术潮流的发展趋势，运用新的艺术理念来分析当下的艺术现象，推动艺术创新，探索未知的艺术世界”。具体而言，其总体目标可以分解成以下3个子目标。

（一）艺术创作

学会运用各种不同的艺术创作手段，使本人的作品不仅能体现时下艺术创作新的发展趋势，而且还能体现新的观点与创作手法。如在美术设计领域，要求毕业生能够运用新的设计技术与新的制作材料，创作一些大胆新颖的艺术作品。而在音乐领域，尤其是作曲与音乐表演领域，则要求学生具备在专业音乐院校教授表演与音乐理论知识的能力，拥有编配本国及其他国家艺术作品的能力。通过三年的专业学习与研究，在表演、编配技术与音乐艺术性上都能达到职业音乐家的高度。

（二）代表作

柏林艺术大学MFA学位授予委员会规定，学员在获得MFA学位之前，必须创作出具有专业水准的个人代表作，代表作是衡量其获得学位与否的重要标准。代表作不仅仅是个人艺术观点、艺术创作理念与手法的综合体，而且还应符合柏林艺术大学的艺术学学科定位。柏林音乐学院强调MFA教育应该以“艺术个性、国际性、多层次性、实践性”等为导向，而代表作是体现其教育特色的最好载体。

（三）艺术创新能力培养

柏林艺术大学对学员艺术创新能力的培养主要体现在如下几个方面：其一，艺术洞察力的培养。如对创作的主题、理念能够进行深入探究与思考，同时能够洞察当下艺术创作中的新材料运用、新创作手法的使用、新艺术理念的传递等等，能够运用这些丰富的艺术创作手段创造符合当代及传统艺术领域中各种艺术风格、流派的艺术作品。其二，艺术批评能力及沟通能力的培养。艺术批评能力主要是培养学生是否能够坚持艺术的美学标准，理性地分析、评价各种艺术事项，包括艺术家的创作思潮、艺术发展史中历史事实的再现与分析、艺术家作品创作的新的发展趋势等等。沟通能力主要是培养学生与艺术经纪人、观众良好的沟通能力，如专业的作品展示能力，艺术领域中的学术讨论、分析能力以及跨学科的研究能力。

二、课程设置

课程设置是柏林艺术大学MFA培养的核心，其课程设置是根据人才培养目标而制定的。每门课程保持在3个学分左右，总计在为期3年的培养周期必须完成64～100的学分数，另加上毕业时的代表作，方能申请MFA学位。[2]下面以列表方式对柏林艺术大学的课程设置予以分析（见表1）。

从表1不难看出，其课程总体设计考虑了MFA学生的特殊性――作为职业艺术家应具备的基本素质与艺术修养。这些基本素质与修养不仅仅体现在学生的专业知识水平、艺术创作与表现能力，更多的是体现在其所从事艺术领域发展的新动向。整体而言，有以下几个特点。

・比较教育・德国MFA教育对我国艺术硕士培养的启示

其一，课程设置讲究与其他学科的互补关系。这点在专业限选课和专业任选课上可以体现出来。在这些课程的设置中，大多都突破了艺术门类各个领域的学科限制。从事音乐专业的MFA学员可以选修相关艺术哲学、艺术文化等相关人文素质课程，来提升自身的综合修养；而从事美术与设计的MFA学员也可以选择音乐结构类课程，可以在音乐的结构美中寻找到艺术的共同点，为自身艺术创作提供充足的素材。因此，课程设置的互通性进一步使MFA课程体系逐渐系统化、关联化，形成了较为严密、科学的课程体系。

其二，课程设置中实践类课程占据了很重的比例，同时也注重学生理论研究能力的培养与提高。从课表中可以看出，课程内容讲究理论与实践的结合。如音乐专业课程当中的声乐与器乐课程组模块，课程内容丰富，注重与专业实践相结合。每个课程考核的方式是以专案方式予以体现。这种专案一般都会让3～5名学生采取集体汇报的方式，通过集体创作的艺术作品（如作曲专业创作的作品，表演专业进行表演）提交给任课教师，作为课程考核授予学分的依据。完成专案的考核，学生则需要修毕大量的实践类课程，毕竟一个作品的完成，很大程度取决于学生在实践类课程中的学习效率。由于专案的考核大多并不是在课堂上完成，而是在大剧院、美术馆完成，考核组专家的组成不仅仅是教师，还有著名的乐评人、艺术批评家等等，对学生艺术实践能力的要求可谓相当高，这也说明了为什么柏林艺术大学非常重视实践类课程的开设。

其三，课程授课方式的灵活性与考核的规范性相结合。为了体现MFA授课的灵活性，柏林艺术大学采取多种多样的授课方式，如在专业技能课上采取的是个别课，学术研讨课程采取的是专题讨论课，而合唱类课程采用的是小组课方式。授课方式的多样化同时也使考核方式多样化，方式多样并不意味着放松考核要求，相反考核规范性得到进一步提高。如美术设计专业的MFA毕业生可以提交展览证明（含美术专栏作家的评论）、书面研究报告，而音乐专业的MFA的考核包括作品视听、专场表演音乐会、作品编配及相关乐评人对作品的评价等形式。为了使考核更加公平、公正，柏林艺术大学设有专门的考试委员会，该委员会负责对学生的课程作业、代表作、学位授予予以考核，委员会一般由7人组成，既有本校教师，也有外校教师，还有职业艺术家、艺术批评家。考核人员来源的多元化，也使考试结果更加公平。

三、MFA的质量监控与考核机制

在德国，高等教育质量考核与监控体系一般都是由高等教育专业协会、政府主管部门、市场反馈调研部门共同组成。[4]其中，高校自身及高等教育中的专业协会组织的行业、内部评估，是其培养质量保障及监控、考核的主要手段。MFA也不例外，对其培养质量的考核周期一般在2～3年左右。柏林艺术大学通常的做法是分为两个阶段。第一阶段是高校自身的内部评估，也称之为“自评”。一般都是学校邀请校内外专家对学校的办学层次、目标、课程设置、教学考核方法等诸多方面进行评估。在此基础之上，将相关评估结果生成有关评估报告提交到政府主管部门，然后要求进行第二阶段的高教专业协会的行业评估。第二阶段的主要评估内容有“教学改革与教学质量提升的措施”、“入学及毕业规定的年限、条件、学分要求”、“学生对教学质量的反馈”、“教师对考试的组织方式及教学质量的反馈”、“用人单位及市场的反馈”等等。作为第二阶段的评估主体――德国高等艺术教育评估委员会发挥着重要的作用。由于德国的高等艺术教育采取的是联邦体制，所以德国高等艺术教育评估委员会承担着高校与联邦政府信息沟通、反馈的中转作用。联邦政府、州政府、高校、专业协会在MFA质量监控与考核中担任着不同的角色，共同保障MFA的高等教育质量。[5]其中，作为最高政府机构――联邦政府主要是负责全国性的艺术教育战略和重要的法律法规文件的起草、制定与实施。如明确法律条款规定：“高校的教学、科研与人才培养必须定期进行评估，学生与教师必须参与对人才培养质量的考核工作，对学校近期的专业、行业评估应定期向全社会予以公布。” [6]而作为协作方的州政府与实施对象的高校则是主要负责评估数据整理、人才发展报告、就业及教学质量反馈等等。另外专业协会负责的是具体的办学层面评估，如教学方法的改进、人才培养目标的定位等等。专业协会评估委员来自全德该艺术领域中的精英人士，他们负责对MFA的办学质量进行评估，同时对学科的全国排名情况进行审核，在评估数据中，侧重借鉴CHE（德国高等教育发展评估中心）的分析数据，因为该数据来源较为客观，提供了较为直观的教育动态信息。

另外，在MFA入学与学位授予的审核环节，柏林艺术大学要求极其严格，把好了“出口关”与“进口关”。在入学申请审核上除了要求学生提供相应的艺术学学士证明之外，还应该提供所属MFA艺术领域中的个人作品。除此之外，还需提供本人未来几年的学习计划及著名教授的亲笔推荐信。柏林艺术大学尽量避免招生环节的“近亲繁殖”现象，尽可能招收来自于外校、不同学习背景、不同国籍的海内外学员，从而使自己的毕业生在未来就业时拥有更加广阔的艺术视野。在毕业审核环节中，除了考试委员会对代表作的投票之外，对毕业平均成绩也有一个较为严格的规定。其所修毕的课程中，平均成绩绩点不得小于2.0，一旦小于这个学分绩点，在毕业审核中将被淘汰。因此，较为完备的质量监控与考核机制确保了柏林艺术大学MFA的教育质量。

四、对我国艺术硕士教育与改革的启示

我国艺术硕士自2005年3月起，从最初的32个艺术硕士试点建设单位到如今的数百家之多的培养单位，艺术硕士发展的势头、规模在专业硕士教育中可谓是惊人的。在艺术硕士取得成绩的同时，也暴露了很多问题。如在2016年3月16日教育部公布的《国务院学位委员会关于下达2014年学位授权点专项评估结果及处理意见的通知》中显示，共有50个博士、硕士和专业学位授权点被评估为“不合格”，涉及全国42所高校，还有不少学位授权点被要求“限期整改”。其中就有众多名牌院校艺术硕士点中招，不少“985”、“211”国家重点院校的艺术硕士点甚至被责令取消招生，5年之内不得申报艺术硕士学位授予点建设工作。而对于“限期整改”的艺术硕士培养高校而言，两年之内不得招生，两年后接受评估组及艺术硕士指导委员会的评估，如果仍然达不到整改要求，则取消硕士学位培养授予权资格。[7]这是迄今为止，对艺术硕士评估最为严格的一次全国范围的检查，对不少在培养过程中暴露出问题的院校亮起了黄灯，而这些问题都有一个共同的特性，集中在人才培养目标定位、师资队伍建设、课程体系建设和实践基地建设等方面。从这次检查中，我们也看到了与国外MFA教育相比，自身的许多不足。他山之石可以攻玉，吸取以柏林艺术大学为代表的MFA教育的教育管理制度、评估认证方法，对于我国的MFA艺术教育有着重要的启示作用。

表演艺术人才培养方案篇6

    (一)立足地方经济社会音乐文化发展需要,明确人才培养目标,探索多方向的音乐表演专业人才培养模式

    高等教育的功能,归根到底是为了适应社会生产和生活的需要。地方高校占全国普通高校总数的95.3%,已经成为我国高等教育的主体部分。②近年来,地方综合性高校招收了为数不少的音乐表演专业学生,但是这些学生毕业后,真正能从事表演工作的却为极少数。围绕社会的需求、就业的方向进行多种人才培养模式的创新就成为必然。

    1.专业演员方向的人才培养模式。主要为地方歌舞团、区县艺术团培养歌唱演员及乐器演奏者。针对专业基础扎实、有专业发展潜能、形象良好和有做演员需求的学生。在课程设置上强调专业技能课程、专业理论课程和艺术实践课程的量和配置,教学内容侧重选择中、高级演唱(奏)作品,能力培养侧重于舞台心理素质、演唱(奏)个性、风格发展、创新能力等方面的训练。

    2.基础音乐教育师资方向的培养模式。主要是为基础音乐教育单位培养音乐教师。在课程设置上既要考虑音乐专业类课程,还要强调教师职业类课程的设置,如教育学、教育心理学、教育科学研究方法、学前音乐教学法、中小学音乐教学法和多媒体教学辅助手段的应用等。鼓励、支持考取教师资格证。能力培养强调“既能上舞台,又能站讲台”。

    3.艺术管理者和与音乐艺术相关工作的人才培养模式。主要为企事业单位文艺宣传、电台电视台、演艺策划公司等行业培养从业人员。在课程设置上重视音乐艺术基本规律的探索,关注音乐艺术创作与制作、音乐艺术传播与接受、音乐艺术市场与营销等方面的学习。定期聘请电台、电视台、演出公司、报刊等部门人员和杰出人士进行专业讲座。也可安排学生到有合作关系的文化产业单位进行实践,将书本知识与社会文化产业实际演练紧密结合。支持、鼓励学生在校期间考取音乐的各类职业资格证。

    (二)建立与地方教育单位的合作机制,解决“原材料”进口问题

    为了遵循表演艺术人才的严格条件和特殊要求,地方高校应迅速建立和完善自己培养教育产品的“原材料”生产基地,积极与所在地方基层教育部门、中小学校联动,一方面通过建立表演艺术辅导中心,精心培养、储备良好的艺术人才资源;另一方面,做好地方基础教育单位音乐师资的“职后培训和教育”,让他们在中小学基础音乐教育中充分发挥作用,培养苗子。这项工作可能对改变生源质量不会起到立竿见影的作用,但通过数年或者更长期的坚持,肯定会显示出长足的发展后劲。只有解决了“原材料”质量问题,地方高校的音乐表演专业才可能在将来的生存和发展中立住脚。

    (三)转变办学理念,打破与专业音乐学院在办学上的相似性,扩大差异性

    作为地方高校应该清楚地认识到,面对目前音乐表演专业人才市场激烈的竞争形势,要让我们培养出来的人才具备足够的竞争力,必须改变办学理念,改变过去长期效仿专业音乐学院的办学习惯,走出具有地方特色的音乐表演专业的办学之路。

    每个学校建设和发展的地域、社会环境条件决定了学校办学可以利用、依赖的发展空间和潜在资源。地方高校应该凭借自身所处的社会条件与地方文化资源、服务地方社会的具体内容、人才培养的起点和学生就业的方向来探索和定位音乐表演专业的人才培养模式。如果说专业音乐学院是“高、精、尖”的人才培养定位,瞄准的是国家、省级一流的专业文艺团体,那么地方高校的音乐表演专业人才培养就应该与地方区域内的人才需求挂钩,打出服务地方音乐文化艺术发展的口号,培养多方向的、高素质的复合型、应用型音乐表演专业人才。在这个探索的过程中必须要弄清楚与专业音乐学院相比自身的优、劣势在哪里,学校所处地方的历史特点与现实优势是什么,能够依托地方优势办学的基础或者高地在哪里,与同类兄弟院校的发展思路、策略的异同等情况。

    (四)营造良好的成才氛围和环境,加强文化知识、艺术职业道德的培养

    首先,充分利用综合院校学科门类齐全、教学资源丰富的优势,建立专业核心课程制,为培养学生综合文化修养提供平台。鼓励音乐表演专业的学生根据自己的兴趣、特长以及今后就业的方向进行跨专业、跨学科的拓展课程修读。因为合格的、受社会欢迎的音乐表演专业人才的培养,不能局限在几门专业课和专业基础课。

    其次,开展丰富多彩的音乐艺术实践活动。音乐表演专业的教学内容,有理论知识的传授,但更主要的还是技能的培养和演唱(演奏)的实践。学生要在“练中学”,音乐表演能力和艺术水平的提高需要在琴房、舞台之间经常、反复地实践才能有所提高。可以每学年让音乐表演专业学生举办一台自导自演的文娱晚会,开展音乐专业技能比赛、大学生艺术节、专业汇报演出活动以及参加全市、省甚至全国专业比赛等活动。让学生在实践的过程中提高自己的专业能力,锻炼自己的意志,培养团结协作的精神。

    最后,邀请老一辈歌唱家、艺术家或者优秀校友到学校举办常态性的讲座,用他们艺术人生道路上的经历、经验对学生们进行教育;抑或选拔在校的优秀学生作为正面典型个案进行教育。

    (五)构建“民族音乐为主、西方音乐为辅”的课程内容体系

    与专业音乐学院较多的国际交流、国际合作相比,地方高校音乐表演专业办学更多的是为地方区域经济社会文化艺术发展培养用得上、顶得住、留得下的人才。所以在课程的设置上要有立足本土音乐文化,地方民族音乐为主、西方音乐为辅的内容架构。

表演艺术人才培养方案篇7

关键词：民族器乐 教学 实践 科研

20世纪50年代以来，我国各高等艺术院校先后开设了民族器乐演奏专业，这标志着民族器乐由以前的自然传承模式向学院式专业教育转型，由基础教育层次进入大学、研究生教育层次，一个崭新的民族器乐教育格局逐渐形成。长期以来，在一代又一代民族音乐家和教育家的努力下，民族器乐专业的大学教育取得了丰富成果，培养了大量传承民族音乐的优秀人才，为国家的文化事业和现代化建设做出了重要贡献。当前情况下，认真总结和研究民族器乐专业教育中教学、科研与实践的关系，对进一步提高人才培养质量和培养创新型人才具有重要意义。

一、艺术院校民族器乐专业学生特点

目前，各艺术院校民族器乐专业的教学对象主要有两个方面的来源：一是专业性音乐学院附中与综合艺术学校的毕业生；二是非专业性全日制高中艺术特长班的毕业生。笼统来讲，这些学生在学习和思想方面具有一些共同特点。1.精力充沛，乐于接受新知识。大学阶段的民族器乐专业学生年龄一般在18至22周岁，生理上逐渐成熟，智力潜能得到更好的开发和展现，接受新事物的能力和思辨水平大幅度提高，适应能力、承受能力、选择能力和自控能力等都明显增强，这对他们认真完成大学教育提供了良好的生理和心理基础。2.充满自信，专业水平较高。初进校的民族器乐专业学生具有较好的中等艺术教育基础，皆是从激烈的竞争中脱颖而出，作为同龄人中的佼佼者与优胜者，自豪感与荣誉感强，这为他们4年的专业学习打下了很好的基础。同时，饱含自信对学生的专业学习有着很好的鼓舞和促进作用，能够保证演出过程中高水平的发挥，展示自己的专业才华，这也是民族器乐专业学生普遍的特点。3.独立自主，有明确的发展目标。民族器乐专业教学大都采取一对一专业教学，体现在大学阶段的民族器乐专业学生往往相对比较独立和自主，这是伴随着教育阶段的连续性和学生成长阶段的连续性所必然出现的。在4年的学习过程中，这些学生有明确的学习目标和发展方向，对未来的挑战和理想充满希望，这对其专业发展与人才培养益处很多。4.视野局限，文化底蕴不够。与普通高校的大学生相比，受专业限制，民族器乐专业的学生偏重于专业艺术的学习而忽视科学文化的学习，常常表现出对外界事物关心不够、文化底蕴缺乏的现象，这影响了学生自身全面素质的提升，也对学生的培养与发展提出了新课题。

二、加强艺术院校民族器乐专业教学的针对性和特色培养

在民族器乐专业学生人才培养中，专业教学是基础，是不容忽视和放松的。长期以来，各艺术院校在民族器乐的专业教学中形成了独特的人才选拔和培养模式，突出个体针对性的因材施教和教学特色是其重点。

民族器乐专业教学过程多采用一对一教学方式授课，教师在上课过程中的讲授、示范与单独辅导相结合，独立性较强，且不同的器乐、流派、不同的教师传承方式不同，教学的内容与重点也不一样，各有自己的特色，这类似中国传统手工艺传袭的师傅带徒弟的做法，是艺术教育普遍规律的客观要求。所以，在民族器乐专业教学过程中，要注重教学的针对性，专业教师要按照学生自身的特点，本着以人为本、因材施教的原则，强化实践教学、开放式教学、互动教学，涵盖对教与学，即对教师和学生双方面的要求，教师与学生共同参与，形成积极的互动，教学相长，使教师也在其中提高，学生在这一过程中成长。此外，在教学过程中，还要注重人才培养模式的改革创新，具体体现在培养方案的制定、教学大纲的设计、课堂教学的实施、实践环节的确定、人才培养质量评价体系等的改革创新方面。

不同艺术院校的民族器乐专业各有特色，如中央音乐学院、中国音乐学院和中国戏曲学院都有民族器乐专业，各有优点，特色不一。鉴于师资力量的不同，各校的民族器乐专业都有自身的保留曲目、所属艺术流派的曲目、教师所擅长演奏的保留曲目等。专业教师在教学中，可以将这些具有特色的曲目纳入教案编写、教法研究中，并在演奏技法训练和艺术风格把握等教学环节中得以体现，从而凸显自己的教学特征，形成和保持民族器乐专业在不同艺术院校教学方面的优势和特色。比如，笔者所在的中国戏曲学院的民族器乐专业，在教学上加入了许多戏曲元素，具有浓郁的戏曲风格，这也是一种特色的体现。

在民族器乐的人才培养过程中，专业教学与艺术实践、科学研究、艺术创作相互依存。民族器乐教学的过程与培养的目的贯穿于艺术实践与创作的全过程，由于教学个性化模式所限，除基础课之外，学生所要表现的东西要具备一定的创造性因素，区别于一般文理科统一的教学模式，这同样也是艺术教育的规律。民族器乐教学强调扎实的基本功，注重技艺能力、表现能力和创造能力的培养，特别是对技能性和应用性的要求，使其与理、农、医、管等学科相比，除了都有素质教育和专业教育的共性以外，还带有职业教育的特征，在这个教育过程中，针对性和特色优势尤为重要。

三、强化艺术实践在学生培养过程中的突出作用

艺术院校的学生时刻不能与艺术实践相分离，部分艺术院校专门设立艺术实践周和实践月，大量的时间用于学生艺术实践，这对学生的培养是一种重视和实践探索，是其他普通大学学生培养所不具备的。可以说，艺术实践是艺术院校的重要教学内容与方式之一，也是民族器乐专业大学教育的重要环节，既是对民族器乐专业教学成果的检验，也是进一步开展民族器乐专业教学、科研与创作的依据，并与教学实践密切相关，相互依存，在民族器乐专业的整体教学中有着举足轻重的作用。

艺术实践一般分为三种，一是舞台艺术实践中的专业演奏，二是观摩考试的专业演奏，三是教师检课时学生在课堂所做的专业演奏以及合奏、重奏、伴奏等演奏形式。在艺术实践过程中，作为专业教师要重视学生表演心理的锻炼，应凭借自己的艺术实践经验对学生的演奏心理设计、演奏心理训练、演奏心理控制等方面给予必要的指导，尽可能地使学生掌握音乐表演心理学的一般规律，并善于运用到自己的音乐表演艺术实践中，为创造生动、深刻、完美的音乐表演艺术形象奠定坚实的理性基础。在具体授课过程中，专业教师要注意学生在回课时的演奏状态和音乐表现，随时对学生的音乐表现给予针对性指导，从而使其建立正确的演奏理念，设计适宜的音乐演奏表现，并养成演奏习惯，使学生演奏的声音形象与视觉形象浑然一体，珠联璧合，取得完美的艺术效果。此外，要格外重视民族器乐学生艺术实践的舞台表演。目前，我国民族器乐专业表演形式主要采取音乐会形式，其中包括独奏及合奏等。从一定意义上讲，音乐会形式具有现场感，容易引起演奏者的高度重视，调动学生的表演欲望，激发演奏热情和事业心等，这对培养和训练学生的音乐表演能力具有不可替代的作用。

艺术实践使民族器乐专业学生的课堂教学与舞台实践有机结合起来，教学的成果直接应用于实践，让他们亲身参与音乐的展示与创作，给学生提供多方面的艺术表演的舞台和进行创作思维训练，有利于不断提高他们的创新意识、动手能力、表现能力和团结协作、适应社会等各方面的素质和能力。

四、以科研进一步促进民族器乐专业学生的教学与实践过程

在艺术院校，教育教学、艺术实践、科研创作相辅相成，密不可分，民族器乐专业也不例外。《国家中长期教育改革和发展规划纲要（2010―2020年）》明确指出，“提高质量是高等教育发展的核心任务，是建设高等教育强国的基本要求”“促进科研与教学互动”“培养拔尖创新人才”。具体到民族器乐专业，在人才培养过程中，也要正确处理好教学、实践与科研创作的关系，要坚持育人为本，以人才培养为中心统筹教学、实践和科研的关系，重视学生创新精神与实践能力培养，加强在人才培养各环节中教育教学和科学研究的统一，做到教学与实践、科学研究共促进，同进步。

作为艺术院校的专业教师，要关注科研、用心科研、主动科研，做出更大成绩。在民族器乐专业的教学中，教师应在传授专业知识的同时，渗透科研因素，逐步启发学生的科研兴趣，调动学生的科研潜能，以适应创新型人才培养的需要。举例来说，民族器乐专业方向的科研主要包括专业的发展方向、教学法、演奏法、发展史、艺术流派、历史作用、代表人物、作品分析、艺术特点、演奏风格、教材编写、课程研究、比较研究、论文写作专题研究等，有大量的专业学术研讨命题亟待开发和深化。在教学的同时，专业教师可以尝试将丰富的教学经验、优异的教学成果及音乐作品转化成新的科研成果，然后将科研创作过程中的经验、灵感和感悟回归教学，在教学中不断添加新的知识点，提高教学效果，进而促进人才培养质量，真正做到教学相长。

综上所述，在艺术院校民族器乐专业人才的培养过程中，教学是基础，实践是途径，科研是推动力，只有将这三者紧密结合，相互促进，互为一体，才能更好地促进民族器乐专业教学水平的提高，培养更多民族器乐专门人才，更好地服务于国家社会主义文化事业和文化大发展大繁荣的需要。

参考文献：

[1]于春哲.琵琶演奏专业的高端教学[J].沈阳音乐学院学报，2009（4）.

[2]周达疆.强化实践教学，构建高校艺术类专业应用型复合型人才培养模式[J].新疆艺术学院学报，2007（2）.

表演艺术人才培养方案篇8

人才培养模式是学校为实现培养目标而采取的培养过程的构造样式和运行方式，它是教育培养目标、规格、课程与教学原则、方式、方法的集中概括和体现，是培养什么样的人和怎样培养人的根本问题。而对于中等职业艺术学校来说，只有实施科学、正确的人才培养模式，才能使艺术职业教育与快速发展的文化产业融为一体，才能为青少年的健康成长创造良好的环境，所培养的学生才能实现充分就业，促进艺术职业教育的良性循环。

一、紧密结合地方文化发展需求，调整和设置主体专业

对中等职业艺术教育学校而言，在人才培养方向及专业方向上，应充分考虑地方经济、文化对人才培养的需求，及时了解地方经济、文化的发展趋向，适时根据地方经济的发展情况来设置专业，适时调整专业方向，合理调整培养目标、课程体系和教学内容，以更好地服务于地方经济与文化。这样，也可以在不断满足市场需求的同时，使自身得到更快的发展与提高，达到“教需相长”。如，绍兴艺术学校在市委、市政府提出创建文化强市的背景下，积极地与绍兴文理学院合作，实现了两校学术的“高位嫁接”，开拓出了人才培养的新途径。具体来讲，学校全日制戏曲（越剧）表演大专班的招收，为地方培养出了一批高层次的戏曲（越剧）表演人才。办学二十几年，为绍兴地区的各个越剧团体输送了一大批越剧演员，进一步弘扬了我国有特色的社会主义民族文化。在教育改革方面，绍兴艺术学校大胆突破，将学生的舞台实践课时大比例提高，把课堂搬上舞台；在师资结构方面，我们延用高学历、高职称的学术型师资，大胆引进民间高水平艺人，充分挖掘地方戏曲特点，在实践中创新，在创新中增强文化的发展。同时，学校又与浙江绍兴市剧团合作，定向培养了一批绍剧表演专业学生，利用团内高演技的人才充入学校的师资队伍，学生利用绍兴市剧团的资源，学演结合，理论与实践结合，使教学与演出相得益彰。如今，这批学生已在省内有了相当高的美誉度。

几年来，学校根据绍兴经济、文化发展需要，还开设了影视表演、鹦歌戏表演、音乐表演、舞美设计、文化管理等专业来缓解社会对特殊专业的人才需求，尽可能地满足市场文化的需要。

二、坚持多元化发展思路，建立“团校结合”的人才培养模式

在市委、市政府的大力支持下，绍兴艺术学校建立了市第一个专业的综合性艺术团——“绍兴市青年艺术团”。该团集创作、表演、教学、科研、交流于一体，走“团校结合”的可持续发展的道路。艺校与艺术团资源共享，带来了双赢；艺校的老师通过演出实践，促使自己更快地成熟；艺校的学生完成了课堂教学后，利用艺术团的平台，增强自己的舞台实践能力。“青年艺术团”利用艺校的新校舍作为训练、排练的基地，同时在各地的成功演出，也给艺校带来了良好的社会声誉。一大批艺校的学生也成为了艺术团随时可调用的后备力量。 转贴于

为了适应社会的发展需求，绍兴艺术学校积极探索多元发展的办学新思路，形成多层次培养人才的办学模式。具体来说：

其一是稳固中专，充分发挥中专艺校的专业强项、专业特色。经过二十多年的奋斗，学校戏曲表演既承担着绍兴地区越剧后备人才的培养任务，传承了地方传统文化，也在无形中成就了学校独特的品牌专业地位。

其二是顺应时势，积极拓展高等艺术教学空间。在市委、市政府的大力支持下，学校在办好中专的基础上，积极开拓，不断提升文化品位。招收全日制戏曲表演、音乐表演高职专业班，“3+2”音乐表演、戏曲表演、舞蹈表演五年一贯制高职专业。这个举措纵向拓展了高一级艺术教育的空间，同时也加固了艺术中专的教学根基。

其三是积极占领社会艺术教育空间，扩展艺校的社会教育规模。作为一所地方专业艺术学校，担负着繁荣地方传统文化的责任，学校必须积极主动融入社会，使教育不仅具有民族性，也具有时代性。目前，我们为各越剧团体、企业艺术团开展的各级各类培训就是很好的证明。另外，学校还与杭州师范大学合作，承办了学前教育专业的师资函授，为提高学前教育师资的学历、技能创设了良好的条件，也为社会输送了更高素质的师资队伍。

三、以就业为导向，加强综合素质教育，提高人才竞争力

职业教育本质上就是就业教育。职业教育的根本任务是根据经济、文化和社会发展要求，培养多层次、多样化的技能型人才，造就数以千万计的高技能人才，这为中等职业学校的人才培养提出了明确的目标。

1.由于社会环境、家庭环境以及个人素质等诸多因素的影响，中职学生中的一些人在中学阶段没能接受系统的、扎实的文化学习和基本的思想道德及行为规范教育，缺乏良好的学习习惯、生活习惯、交往习惯。这些学生应变能力不强，容易受社会上不良现象的影响，法制观念、公德意识比较淡薄。因此，通过改革人才培养方案，学校应该在理论教学、实践教学、校园文化建设、社团活动、社会活动等环节或项目中，进行有目的、有计划、有组织、有步骤的教育训练活动，帮助学生形成良好的学习、生活、为人处世等行为习惯，使他们逐步成为具有自学、自律、自立、自强能力的中职学生，加强个人品德建设，以适应现代社会对毕业生的职业素质要求。

2.加强文化课教学，让学生具备综合职业能力和适应职业变化的能力。文化课教学是中等职业教育的重要内容，文化课考核是评价人才质量不可缺少的一部分。文化课有利于学生的发展，有利于专业课学习。通过学习，可以帮助学生健全人格，树立良好的人生观、世界观。

表演艺术人才培养方案篇9

近年来,该专业在教学建设的过程中,认真思考,积极探索,在专业建设、人才培养、特色培育等方面取得了一定的成果。

一、高标准规划专业建设

(一)高标准制定专业建设目标

1.努力创建“三个基地”。提高综合型艺术人才的培养水平与质量,把本专业建设成省内一流、全国闻名的综合型艺术人才培养基地;扩大专业的影响面和幅射范围,为地方的幼儿园、小学及社区儿童艺术培训机构提供业务支持,把本专业建设成为综合型艺术人才的培训基地;研究与探索专业建设的新路子、新方法、新举措,及时总结和推广专业建设和人才培养的经验与成果,把本专业建设成为培养综合型艺术人才的研究基地。

2.力争成为“龙头专业”。加强师资与设备建设,规范和健全管理制度,及时总结教学与管理的经验和成果,提供艺术教育专业建设和发展可资借鉴的经验和模式,努力把艺术教育专业建设成为龙头专业,为省内、国内高校同类专业的建设发挥带头和示范作用。

(二)明确专业建设思路

坚持社会主义的办学方向,积极适应社会发展的新形势,坚持“规模、结构、质量、效益”协调发展,三、五年内,在专业改革与建设过程中,努力实现四个“一流”。

1.培育一流的师资。通过内培外引,使艺术教育的师资在职称、学历、年龄、学缘结构上更趋合理,加强学术梯队建设,加大研究型、实践型教师的培养,提高教师的“双师型”素质,打造一个高水平、强有力的教学团队。

2.配建一流的设备。通过多种渠道,加大对专业教学设施的投入,完善教学与科研条件,进一步加强对校内实训室和校外实习基地的建设,为“产、学、研”一体提供一流的场地与设备保障。

3.强化一流的管理。加强教风和学风建设,规范和严格执行各项管理制度和激励措施,积极创设“人尽其才,物尽其用”的氛围。坚持科学的管理方法,运用现代化的管理手段,使管理更趋完善。

4.追求一流的质量。培养既能站稳讲台、又能站稳舞台的德、智、体、美全面发展的综合型艺术教育精英;在人才培养过程中,在专业改革与建设中,创造有省级以上影响力的教学与科研成果,努力打造一流的教学质量。

(三)科学拟定专业建设方案

1.优化人才培养方案。根据科学发展观,进一步提升毕业生的规格与要求,对课程体系与结构进行优化与重整,使课程设置与结构更趋合理与科学。

2.优化考核方式与要求。更新教育观念,注重培养学生的综合素质;切实加强对教学运行过程的检查与评估,采取考评结合的方式,重视过程性评价,重视学生综合创新能力的培养。

3.优化办学条件。(1)师资的优化。加强师资团队建设,培养和引进高学历高水平人才和缺门学科师资,如艺术表演、艺术教育理论方面人才;打造“双师型”师资队伍,建设高水平、强实力的学术梯队和教学团队。(2)教学设备的优化。在现有条件的基础上,新建电脑音乐制作室、专业录音录像棚,加强图书音像资料、信息网络建设,充分利用网络资源,推广现代化教学手段。(3)实践教学基地的优化。加强校内实训场所和校外实习基地建设,将音乐舞蹈馆、美术馆建设成为省级以上艺术专业重点实训基地,在校外建立1-2所省级优秀实习基地。(4)课程与教材的优化。实施艺术教育专业的课程体系工程,构建合理的课程体系。加强与国内外大学相关专业的交流,在选用优秀教材的基础上,鼓励教师根据课程需要自编《音乐基础》、《综合艺术活动设计与指导》等教材。

二、人才培养目标定位与思路

(一)社会人才需求分析

1.小学推进新课程改革需要大量的综合型艺术教师。新的基础教育课程改革明确指出,小学设置综合艺术课,提倡艺术综合教学。《全国学校教育发展规划(2001-2010)》中指出,至2010年,农村学校艺术开课率达到100%,处境不利地区的学校达到80%。湖南省的目标是:至2010年,处境不利地区的学校艺术开课率达到85%。目前,湖南省绝大多数的乡(镇)以下小学没有专职艺术教师。从我国艺术课程改革的基本理念看,基础教育培养的目标将从专才向通才过渡,而适应课程改革的综合型艺术教师匮乏,需要加大师资培训力度。湖南省培养小学艺术师资的院校中,大多以音乐教师、美术教师为主要培养目标,学科比较单一。长沙师范学校艺术教育专业第一个将人才培养目标明确定位为培养综合型艺术教育人才。

2.学前教育也需要综合型艺术教师。学前教育以儿童的整体发展为教育目标取向,实施不分科的综合性教育,贯彻全面发展的教育理念,不强调单一技能的获得,培养儿童综合素质。儿童艺术素质的培养,需要通过各种艺术感觉、知觉、经验、知识、智能相互衔接、融合贯通的体验来获得。实施这样的教育,以教师自身素质为前提。教师良好的艺术素养和较强的教育能力,是实施儿童艺术素质教育的有力保障。目前各地幼儿园师资力量参差不齐,综合型儿童艺术教育人才缺乏,旨在培养儿童素质的综合艺术教育无法得到落实。因此,应加强综合型艺术教育人才培养,满足社会需求。

3.艺术自身发展规律要求对人才进行综合培养。艺术本身是综合的,每一艺术门类的学习都需要其他艺术形式的联觉和通感。音乐、美术、舞蹈三大艺术门类相互支撑、相互渗透、相互促进。艺术就是整体的感受、综合的呈现。随着社会的发展,综合性的艺术有了更多的表现形式,如雕塑、戏剧、广告、影视等等。它们的发展需要受众审美能力和人文素养的提升,而综合传授艺术的方式可以提高受众的艺术感受力、鉴赏力,有力地推动艺术的发展。

(二)人才培养目标定位

在专业人才培养目标定位的讨论和确定中,通过全面的分析和广泛的论证,我们逐渐明确了思路,将该专业人才培养目标确定为:培养掌握儿童艺术教育基本理论,具备各相关艺术门类的基本技能和先进教育理念,具有较强实践能力的综合型艺术教育应用性人才。这样的定位牢牢把握两条线:一是儿童艺术教育。儿童是祖国的未来、新世纪的开拓者,他们的发展是人类未来发展的先决条件。今天对儿童的教育,必须有助于将来具有创新实践能力的新型人才的成长。对儿童实施艺术综合教育,其目的在于从审美艺术教育入手,推进儿童素质教育的全面发展,为审美创造型人格的构建打下坚实的基础。在这条线上,本专业从儿童心理发展规律入手,在了解儿童审美心理、艺术心理发展规律的基础上,实践儿童艺术教育技能,渗透儿童艺术教育职业理想。二是综合艺术教育。音乐、美术、文学(表演)等艺术形式存在着某些共同的审美要素,它们之间可以通过审美直觉、情感同构而相互迁移、渗透和沟通。用艺术综合教育的形式,加强艺术情感教学的力度,将促进综合性智慧的发展和审美心理结构的建构。因此,在这条线上本专业选择美术、音乐、文学(表演)三种艺术形式的基本知识和技能构建相关课程,力争让学生在了解这些艺术门类、掌握基本表现技能的同时,潜移默化地提升整体艺术素养,获得敏锐的艺术感受力和较高的艺术鉴赏力,具备将相关艺术门类知识融会贯通、综合创新的能力。

(三)人才培养方案

1.专业培养要求。本专业学生主要学习钢琴、声乐、音乐理论、舞蹈、美术、文艺美学、儿童心理学、教育学等方面的基本知识,获得各种艺术感觉、知觉、经验、知识、智能相互衔接、融合贯通的基本能力。

2.人才培养模式。在人才培养模式总体设计上形成“一个特色,三线并行”的教学理念,实施“多能一专”的应用性人才培养模式。“一个特色”指突出儿童特色;“三线并行”即艺术素养、教育技能、综合创新三条线同步发展。在课程体系中通过课程模块组合,加强实验、实训、实习、毕业论文等实践环节,逐步提高学生的应用能力,充分体现师范性、综合性、应用性的艺术教育人才培养模式。在课程体系上,建立模块化的课程体系,包括艺术素养类课程、教育基础类课程、儿童认知发展类课程、综合实践类课程四个模块。每一课程模块与能力分解中的某一项能力有较明显的相关性,负责具体模块教学的教师有明确的责任。

3.人才培养规格。(1)热爱祖国,努力学习马克思列宁主义、思想和邓小平理论,树立正确的世界观、人生观和价值观,热爱儿童艺术教育事业,具有良好的教师职业道德;(2)具有一定的人文社会科学和自然科学基本理论知识,较系统地掌握现代教育基础理论和儿童艺术教育领域的专业知识,了解与本专业有关的理论前沿和发展动态;(3)懂得儿童艺术教育教学的基本规律,具有先进的教育思想和进行艺术教育科研的初步能力,具有从事儿童艺术课程教学的能力和课程开发的能力,同时在某一方向有所专长;(4)能熟练地掌握本专业的基本知识与技能,集唱、弹、跳、画、写等各种技能于一身;(5)能较熟练地进行英文会话和阅读,达到普通高校英语应用能力考试A级;熟练掌握计算机的基础知识与基本操作,通过湖南省普通高等学校非计算机专业学生计算机应用水平等级考试一级;具有较强的语言表达能力,通过普通话国家标准化考试,获二级乙等证书;(6)达到国家规定的大学生体质合格标准,具有锻炼身体的习惯、良好的卫生习惯和健康的心理素质。

三、课程体系建设

根据艺术教育人才培养目标,遵循综合型与多层次化的原则,本专业研究探索整合艺术教育的教学内容与课程体系,加强课程建设,优化课程知识结构。首先,对专业技能和理论课程进行筛选,确定适合儿童艺术教育所需的内容。其次,在教育基础理论课程中选取与艺术、儿童结合紧密的内容,整合成新的课程进行教学。同时,增设实践课程和儿童认知与发展方面的课程,形成公共必修课、专业必修课、专业选修课、公共选修课、实习实训课等构成的多层次、非线型序列化、理论与实践相结合的课程结构体系。

这一课程体系从比例上看减少了理论课,增加了实践课,压缩了必修课,增开了选修课(开课共计2418学时,其中必修课1848课时,选修课570课时。必修课中,公共必修课9门,计510课时,占总课时的23.57%;专业必修课22门,计1338课时,占总课时的55.33%。选修课占总课时的23.57%)。从内容上进行了筛选和优化,在艺术教育方向的核心课程中,将音乐欣赏与音乐史进行整合,开设为“艺术简史”课;把“乐理”、“钢琴”、“视唱”、“声乐”、“声乐与合唱指挥”五门课整合为三门课;增开美术类课程;增设“综合艺术活动设计与指导”二门新课;在公共必修课中增设“戏剧表演基础”,在专业理论课中增设“艺术教育概论”、“儿童心理学”二门新课。此外专业选修课、公共选修课,内容涉猎到艺术、文学、商务、体育、管理、人文、社科等多个领域,从而形成了立体化、多层次、开放性的课程内容与体系结构。经过几年的论证、实验、完善,课程建设取得了良好的效果。

四、实践教学建设

实践教学是巩固理论知识的有效途径,是培养学生掌握科学方法和提高动手能力的重要平台,是培养具有创新意识的高素质音乐教育人才的重要环节。为此,我们在实践教学体系的设计过程中,努力构建以培养学生教育教学能力为核心的全学程实践教学体系,注重学生分析、解决问题的能力和创新精神的培养,全面提高学生的综合素质,效果显著。

(一)加大实训场馆建设

艺术教育专业建有一栋设备现代化的艺术大楼,其中:音乐实训室7间,数码钢琴、电子琴教室7间,多媒体音乐欣赏教室1间,奥尔夫音乐实训室1间,钢琴练习房320间,钢琴283架,144平方米大的舞蹈训练室8间,语音实验室1间,能容700多人的实验剧院可供学生演出实践,面积300多平方米、在湖南省可称一流的多功能合唱排练室1间,MIDI制作设备1套,并配备计算机房2间、电脑110台。电脑音乐制作室,录音、摄像棚正在完善中。学校美术动漫实验室、玩具制作等实验室,为本专业美术教学提供最先进的教学场所。校内还建有全国首创、设施设备完善的儿童发展与教育实验中心。实验实训室管理规范,建立了各项规章制度。所有仪器设备由实验人员负责保管与维修,大型精密仪器建有技术资料档案,仪器设备使用维修有保养记录,钢琴由调琴师专人管理。

(二)积极拓展实践教学基地

本专业加强横向联系,紧跟学科、专业发展动态,建立了高水平的校外教学基地,已与长沙市大同小学、育才小学、盼盼小学等五所小学以及湖南省机关第一、第二、第三幼儿园以及深圳银鹰、深圳海关、珠海政府机关一幼等10多个幼儿园签订合作协议。这些小学和幼儿园均是一级一类基础教育单位,完全能满足专业学生的教学实习要求。

(三)逐步形成实践教学特点

1.实践教学课时充足、形式多样。实践课总课时25周。第一学年3周(艺术实践1周、教育见习2周),第二学年5周(艺术实践2周、教育实习3周),第三学年17周(毕业综合实习8周、教育调查4周、撰写毕业论文5周)。在开设实践课过程中,我们深入研究实践内容的特点和行业的工作方式及规律,采用课堂训练、专题研讨、社会调查、技能竞赛、基地实习、项目实践等不同的实践形式,将集中实习、分散实习、顶岗实习的方式结合起来,很好地保障了实践课学时。

2.实践教学目的明确、内容丰富。根据教学进程和实践教学大纲,安排艺术观摩、表演实践、儿童艺术教育见习、儿童艺术教育现状调查、儿童心理调查、儿童艺术教育单项技能教学实习、儿童综合艺术活动教学实习等实践内容。这些实习内容有单项的,也有综合性的,各种项目相互补充、层层递进、形成系列,切实培养学生动手能力、实践能力和可持续发展能力。如儿童综合艺术活动设计与教学实习、顶岗实习等,都是非常明确的综合性实践项目。

3.实践教学条件良好,效果显著。本专业在校内有专门的音乐舞蹈馆、美术馆以及儿童发展教育实验中心,校外有实习基地20余个。通过实践教学,每个学生都有较好的弹琴、唱歌、跳舞、绘画等技能,体现出较好的艺术表现力,80%的学生有较为突出的艺术特长,能独立登台表演。教育教学动手能力强,100%的学生能独立设计完整的儿童艺术教育活动教案,96%的学生能独立组织儿童艺术教学活动。

五、探索学习效果评价方式

努力改进学生学习评价方式,丰富评价手段,尽可能多地关注教学和学习的过程,不断提高教学效果。本专业的各类课程都建立了有针对性的学习效果评价方法。

(一)理论教学

根据课程教学大纲调整考试模式,建立健全试卷库。考试试卷从试卷库中随机抽取,分为A、B卷;试卷评分根据参考答案与评分标准,分步计分,以便清楚学生对各个知识点的掌握情况。在考核内容上,由考核知识点转变为知识考核与应用分析能力相结合;以论文、报告考核为辅,考察学生对理论知识的宏观理解,提高考试的含金量和实效性。在成绩评定上,变一次考试的终极评价为平时考核和期末考察相结合、过程性与结果性评价相结合的多层次系统考核模式,平时成绩占40%、期终成绩占60%,综合评定学生成绩。

(二)专业技能考核

技能训练课程以面试考核为主,积极推行技能等级考核制度。将过去的随堂考试改为等级考核方式,结合舞台表演的形式,教师按等级考核评分标准集体打分并当场亮分。学生的学习效果在舞台实践中接受检验,教师的教学效果在公开的横向比较中得到监督。本专业还借鉴了社会职业资格证书制度,建立与培养目标相匹配的职业技能考核鉴定制度。

(三)综合训练课程考核

为提高学生实际综合能力,综合训练科目考核直接与学生实习见习挂钩。根据学生在实训基地的见实习表现和实训基地指导老师对学生见实习评价,从教学方案、总结实习、单位评定成绩三个方面对学生进行综合考核,评定分优、良、合格、不合格四个等级,充分考虑了职业岗位对学生职业能力的要求。

六、培育专业办学特色

艺术教育专业秉承“以儿童艺术教育市场为导向,以拓展学生就业岗位为目的,以培养学生综合艺术能力为核心”的办学思想,优化课程结构,改革课程模式,采用层级多样的教学形式,突出“多能一专”,培育综合型艺术教育人才,走出了一条独具特色的办学道路。

(一)确立了综合型艺术教育人才的培养目标

根据社会主义和谐社会的伟大构想和《全国学校教育发展规划(2001-2010)》,以及对综合型艺术教育人才需求状况的调查,可以推测:儿童教育的迅猛发展需要大量的综合型艺术教育人才,高素质的文艺工作者和能唱、能画、会跳的综合性社区工作者需求潜力强劲;基础教育培养的目标将从专才向通才过渡,而适应课程改革的综合型艺术教师匮乏,需要加大师资培养力度。据此,本专业明确专业定位:第一,立足儿童教育,做到能站稳讲台;第二,立足综合艺术,培育能歌善舞、能写会画的实用性通才,做到能活跃舞台。这一开创性的定位,得到了教育部专家的认可,因而“艺术教育”这一新专业得以特批。

(二)形成了综合型艺术教育人才培养模式

在一般的专业设置中,文学、音乐、舞蹈和美术单独设置专业与课程。艺术教育专业为达到人才培养目标,在优化课程结构中,强调理论够用、技能突出,开足必备的专业技能课,增设综合艺术活动设计与指导课,强调各艺术学科融通,艺术形式互鉴,艺术精神互渗。如音乐课将音乐教学中的乐理知识结合到钢琴教学中、将视唱结合到声乐教学中,将声乐结合到合唱教学中,等等。

(三)建立综合型的技能课程教学方法

在专业技能课课堂教学内容的组织方式上,倡导“感知、体验、探索、创新”四段式教学。感知阶段,运用图像呈现、艺术欣赏手段,采用示范、讲授、发现、概括等方法,让学生了解艺术特点及其表现形式,形成感性认识;体验阶段,通过对音乐、动作、生活、情绪、情景等的认识与模仿,逐步引导学生运用对比、重复、再现等手法,对音乐、舞蹈、绘画进一步理解、掌握、领悟和玩味,达到情感上的共鸣;探索阶段,运用导学式和探究式教学方法,引导学生分析、讨论、归纳、评定,探索音乐、舞蹈、绘画表现的特点与内在规律,精讲多练,鼓励学生独立思考,激发学生的学习主动性;创新阶段,在感知———体验———探索的基础上,培育学生审美创造的情感氛围、激发学生的审美想象力和创造欲望,并形成成果。如学生自编自导自演的优秀节目———群舞《小老鼠》,就是《幼儿舞蹈赏析与创编》课的教学成果。艺术教育专业的特色办学造就了大批综合性艺术人才,学生毕业后受到社会和用人单位的好评。

(四)采用综合型的课堂教学形式

改革课堂教学形式,采取大课与小课结合,因材施教。通过大课使学生全面把握必备的专业理论知识与专业技能技巧,通过小课加强专业技能的提高,发展个性,突出特长。

表演艺术人才培养方案篇10

关键词：音乐表演专业；艺术实践；改革模式

湖南城市学院音乐学院的表演专业是学校专业试点综合改革重点专业之一，作为地方本科院校的音乐表演专业人才培养，在本质是与专业音乐院校音乐人才培养有着根本的区别，专业院校是专门培养演员、作曲技术和理论研究技术的专门人才的单位。而地方本科院校是以培养服务地方经济文化发展的基层音乐表演、基层文化馆站的艺术指导及管理、企事业单位的文艺活动能手的单位。我国地方本科院校的音乐专业办学模式一直都在改革，但绝大部分仍在走专业音乐院校的模式，不能满足社会对应用型音乐人才的期望，其核心问题在：人才培养定位不明确，对人才的服务面向和人才的职业适应性、规格多样性特征缺乏针对性的认识；教育观念存在差距，课程建设没有紧紧围绕职业能力（专业能力）这个核心来构建、取舍、优化、整合；在人才培养与服务社会、服务行业的对接模式构建方面没有明确的认识，缺乏实质性地进展。

音乐表演专业改革试点以来，探寻地方本科院校在高等教育大众化和本科教育多样化的大环境中，如何推进音乐人才培养的“应用型”特征，探寻、改革具有地方院校自身特色的人才培养模式。

1 “6+1”艺术实践改革项目的实施方案

“音乐表演6+1”项目主要通过经典音乐剧、经典歌剧选段、经典舞蹈作品、经典歌曲、经典戏曲选段、经典器乐作品6个表演项目加上1个“音乐作品创编”项目的演练，培养音乐表演专业学生的舞台“表演”能力。

主要对象：1 ～ 3年级音乐表演专业。

1.1 经典音乐剧演练（声歌系）

本实践项目主要演练《西区故事》《悲惨世界》《猫》《歌剧魅影》《音乐之声》等经典音乐剧片段。

1.2 经典歌剧演练（声歌系）

本实践项目主要演练《费加罗的婚礼》《茶花女》《蝙蝠》《伤逝》《江姐》《党的女儿》《苍原》等中外经典歌剧名段。

1.3 经典舞蹈作品演练（舞蹈系）

本实践项目主要演练民族芭蕾舞剧《红色娘子军》《白毛女》《东方红》《丝路花雨》《孔雀》及外国舞剧经典《天鹅湖》《胡桃夹子》等经典片段。

1.4 经典歌曲演练（声歌系）

经典歌曲的演练主要指选用经典优秀的民歌、通俗歌曲、创作歌曲等，用音乐表演活动中常用的表演唱、齐唱、重唱、对唱等舞台形式表现出来。

1.5 经典戏曲名段演练（声歌系）

本项目以中国著名剧种京剧《沙家浜》《红灯记》、越剧《梁祝》《红楼梦》、黄梅戏《天仙配》《女驸马》和花鼓戏《刘海砍樵》《打铜锣》等经典唱段为主要演练内容。

1.6 经典器乐作品演练（钢琴系、器乐系）

根据学生主专业方向（钢琴、二胡、扬琴、小提琴、古筝等乐器），演练经典的中外独奏、齐奏、协奏、合奏器乐作品。

1.7 音乐作品创编（音乐学系+器乐系）

创作（作词、作曲）即学生自己创作各种风格的声乐、器乐作品和舞蹈音乐，同时要求教师指导学生利用所学的作曲、配器、音乐制作技术，把创作的作品变成舞台上的有声有形的成品，并在舞台上表演自己创作的音乐作品。

2 改革目标的主要内容

2.1 确定音乐表演专业人才培养定位

学校自2002年升格为本科院校以来，按照《纲要》精神，定位于立足行业，面向基层，强化实践，突出城市主题，产学研用结合，为社会培养城市建设、城市文化应用型人才。

音乐表演专业人才培养定位于立足本地文化、演艺行业，为农村、城镇的演艺团体、文化管理、企事业单位培养具有职业适应性、规格多样的音乐人才。

2.2 转型师资队伍结构

因地方本科院校的音乐专业办学与专业院校有本质的区别，因此在师资结构配备上通常要求教师既要具备教师资格，又要具备演艺资质，这是一个典型的教师队伍双师型结构范畴。因此，我院的学源结构组成既有来自音乐院校、师范大学、留洋海归，更有戏剧团体、演艺公司、文化产业主管、科研院所等从业经历的演员、导演、主管、科研人员的教师。

2.3 调查研究，探寻行业对音乐表演专业人才素质的期望

过走访用人单位和毕业生，了解社会、行业对音乐人才的素质、能力需求：如中小城镇演艺行业既需要弹、唱、舞、演等技能、技术型的人才、也需要有一定节目编排、创意、创新型人才；文化管理、企事业单位要懂群众艺术管理、流行音乐制作、大众化演艺等方面技术高超、适应社会、懂交际、能协作的人才。

2.4 修订人才培养方案

从2010年开始，课题组树立多元文化音乐教育的理念，研究了音乐表演本科专业的课程设置，按照“突出专业技能、强化理论基础、完善实践环节”的原则，重构专业课程体系，整合课程内容。2010 ～ 2015年，围绕应用型音乐人才培养，完成相关课题研究、、实践活动开展。构建了“知识多元、能力多样、职业性强、素创兼备”的人才培养模式。

2.5 调构课程体系――以职业需要为核心、知识多元为目标

根据当今社会对应用人才的要求，我们树立多元文化音乐教育的理念，重构专业课程体系，形成音乐、艺术和文化三位一体的整体课程结构，并构建“通识、音乐基础理论体系”和“一赛二会三体验与音乐表演6+1实践体系”，把基础课程、专业基础课程、专业与拓展课程高度融合，强化学生所学知识的多元与综介应用。

2.6 完善、践行人才培养途径

以实践体系为主线、以素创兼备、能力多样为实效，完善、践行人才培养途径。首先，搭建“校内实训、校外实践”两个能力培养平台；2011年，在原有传统实践体系的基础上，完善、规范了以音乐学专业为主的人才实践能力培养“一赛二会三体验”的模式。2014年，构建了音乐表演6+1实践体系。构建、规范、践行了“基本功锻炼”、“素创兼备”和“行业应用”三大实践能力培养环节。完善了职业能力考核评价体系。

“基本功锻炼”环节――一赛一演一汇报：“一赛”环节指“音乐基本功”比赛；“一演”指“音乐表演6+1”艺术展演周；“一汇报”指各专业方向的教学汇报。

“素创兼备”环节――社团活动+晚会：包括校内重大晚会、毕业（设计）晚会以及社团活动等。

“行业应用”环节――实习、调研与演出：包括见习实习、社会性演出、田野调查、社区辅导等直接与社会服务对象接触的活动。该环节以合作教育为前提、对接职业为主旨，主要通过对接地方文化部门、旅游部门、企事业单位、演艺行业以及新农村、城镇社区等主要形式来服务社会、服务行业。

3 研究和改革解决的核心问题

3.1 解决了应用型音乐人才培养模式的构建问题

我们根据社会对应用型音乐人才素质的期望，践行“知识结构与社会需求对接、能力与职业需求对接”的培养理念，构建了“知识多元、能力多样、职业性强、素创兼备”的应用型音乐人才培养模式。

3.2 解决了应用型音乐人才培养课程体系构建问题

依据业界对应用型本科层次音乐人才的知识、能力和素质要求，打破学科专业壁垒，整合课程内容，构建“通识、音乐基础理论课程体系”和“一赛二会三体验与音乐表演6+1实践课程体系”。

3.3 解决了能力培养与职业对接问题

本改革试点主要通过对接地方文化部门、旅游部门、企事业单位、演艺行业以及新农村、城镇社区等主要形式来服务社会、服务行业。较好地解决了学生适应社会、适应职业的问题。

4 人才培养模式改革试点的创新之处

4.1 理论上：明确定位，真正把地方本科院校音乐人才培养与专业音乐院校办学模式区别开来

首先确定人才培养的服务面向，即立足行业、服务地方；然后确定人才培养的性质，即适应职业、规格多样。

成果紧扣地方本科院校的人才培养的服务地方、规格多样、职业性强、实践性强等特点，在人才培养体系方面进行了有别于专业院校，针对性、规范化、系统化的研究和实践。

4.2 实践上：突出“应用”，实质性地构建了人才培养与服务社会对接模式

通过多年的实践与研究，本应用型音乐人才培养主要通过对接地方文化部门、旅游部门、企事业单位、教育系统以及新农村、城镇社区等主要形式来服务社会、服务行业，取得实际效果。

4.3 注重文化传承，专业发展紧密结合地方文化传承创新