审美理念范文10篇

审美理念范文篇1

人品这一内涵在后世过程中，是不断的扩展自己的内涵，学问、为人处事的方式、品德都融合进来。而反观画品，无非能、妙、神、逸，这不仅仅包含着技法高低问题，更多的暗含了儒家审美意识中的人品观。传统理论普遍认为，中国文人画的发展是受老庄思想的影响要大一些，更多的追求一种自我解放、思想自由的状态，许多理论家也大多附和此语。其实，这是将文人画主导思想狭隘化的一种倾向。文人是一批懂变通、可塑性很强的群体，他们的艺术表现有很大的转换成分，将自己的政治抱负、社会理想通过绘画艺术婉曲的表现出来。中国传统审美哲学中更多的是一种认识判断而非趣味判断，这是和儒家学说的主导型思想体系相一致的。儒家思想更多的是一种认识判断，而人品的内容正是一种认识判断的体现，这也正是文人艺术理论家们不愿提及的地方。所以，在1000多年的艺术理论发展过程中，对人品展开论述的很少，而对虚无缥缈的意境等趣味判断术语却是连篇累牍。

2大节与余技

“大节”与“余技”。松年在《颐年论画》中提到“书画清高，首重人品”。更是举出历史上书画技艺高超而不入画品的例子，用以说明“大节已亏，其余技更是一钱不值”论断。蔡京、秦桧、严嵩之流，弄权误国，结党营私，损公肥己，这些恶性都是政治知识分子所深恶痛绝与不耻的。谈到董其昌及赵孟頫，我们可以知道，人品等于画品的话语权和评判权掌握在文化知识分子及上层地主阶级手里。董其昌的所作所为算不上大奸大恶，在当时知识分子眼中虽有非议，却只是饭后茶余的谈资，在明末土地兼并的历史现实面前，也许知识分子认为这件事于国于民没有实质性伤害。如此推断，赵孟頫更是无甚瑕疵。所以，作为有闲阶层消遣骋怀的艺术及其附属评价标准在具体操作上是存在变量的。在“大节”问题上，绘画、书法只是成了人生的“余技”，这其实还是重复了儒学审美标准。如果按照老庄人品概念，没有多少人能够钉上历史的耻辱柱。所以，聪明的评论家们在评论画品时以老庄审美哲学为趣味评判标准，在涉及到人品时便自觉启用儒家哲学的认识审美标准。随着文人艺术的发展，尤其是经过明代中后期文人艺术理论的的阐释、传播，人品与否已经成为评判画品高下的必要非充分要件。这一点是任何一个人都无法改变的事实。

3书画，如也

“诗为心声，书为心画。”艺术是人类意识形态的物化形式，不自觉的就已经沾染了特定文化形态的评判规则。绘画艺术中所谓的达到高层次阶段，不是比功力的深厚，比章法、点画的精巧，而是比作者的精神、胸襟、气质与修养。刘熙载：“书，如也。如其学，如其才，如其志。总之曰，如其人而已。”[3]明•项穆论“柳公权曰：心正则笔正。余金曰：人正则书正。心为人之帅，心正则人正矣。笔为书之充，笔正则事正矣。……若所谓诚意者，即以此心端己澄神，勿虚勿贰也。致知者，即以此心审其得失，明乎取舍也。格物者，即以此心博习精察，不自专用也。正心之外，岂更有说哉。由此笃行，至于深造，自然秉笔思生，临池志逸，新中更新，妙之，非维不奇而自奇，抑奕己正而物正矣。”[3]刘熙载和项穆探讨的只是书法理论上的“如人”问题。由于“书画同源”，绘画艺术也就因为其笔端性情而具有了人格化的倾向，“人正则书正”，人品问题已经在书画艺术中具有至高无上的地位。明代中后期盛行的是王阳明的“心学”，加之当时文人盛行结社集会，抨击时政，社会责任意识空前发达，作为当时主流艺术形式———文人画，对其评判审美不可避免的带有儒学审美倾向。明代李日华在《紫桃轩杂缀》中论“笔墨小技耳，非清操卓行则不工。”[3]在李日华看来，笔墨必须要为艺者“清操卓行”才算上乘，不过这里还是重复孔子“笔墨小技”、“余技”的论调。又如清代“小四王”之王昱倡导：“学画者先贵立品。立品之人，笔墨外自有一种正大光明之概；否则，画虽可观，却有一种不正之气，隐跃毫端。”[3]在这些艺术家眼中，人品已经成为艺术必须具备而不可缺少的根基。“沉湎于酒，贪恋于色，剥削于财，任性于气，倚清高之艺为恶赖之行，重财轻友，认利不认人。”这是松年对品节亏欠的简要概述。中国人在处事待物上讲究一个度，超过一定的规则就成了恶行。其中酒、色、财、气一旦坠入沉湎、贪恋、剥削、任性的乖戾之境，必然会成为儒士文人们所鄙视不耻的行为。儒学教义正是从根本上规整士人的行为，使其一言一行符合法度、理性的要求。这反映在艺术上就是：艺术家虽然旷达不羁，醉心山林，可是其内心深处还是以儒学的旨归的。李贽、叶燮发展了艺术创作中的“才、胆、识、力”四要素。[4]这四个要素对认识人品与画品的内涵有非常大的作用。人品的内涵发展到清代，包含的寓意不断的得到补充、修补、扩大，既包含艺术家的学问、才识，也包含社会责任和政治抱负。民国陈师曾更是将人品、学问、才情、思想四要素作为文人画的必备要件。从整体上来讲，这四者其实就是人品的潜在内涵。

4结语

审美理念范文篇2

一、色调美与画面整体的关系

调子原是从音乐中借用来的一个术语，是指各音对主音的倾向性，以及各音间的相互关系决定调式的特征。不同的调子可以表现出不同的情绪，例如，古曲《春江花月夜》和《十面埋伏》由于情调上的不同表现，产生出两种截然不同的效果，前者给人以宁静、轻柔、朦胧的情调，而后者呈现出的是一片紧张激烈的战争场面，给人以不同的美的感受。

在油画色彩中，调子是指在一定的光源的笼罩下，各个固有色不同的物体带有同一色彩倾向，就叫调子或色调。它可从色相上、明度上、纯度上、冷暖上进行区分，并可产生出各种不同的色调，如红色调、亮色调、鲜色调、暖色调等。不同的色调还能表现出不同的情绪，比如，大红色调的热烈、兴奋；亮调子的淡雅、华丽；浊调子的含畜、朴素；冷调子的清新、舒畅。不同的画家擅用不同的色调来表现对象，比如，毕卡索根据表现不同时期、不同对象的需要，就产生出“蓝色时期”“玫瑰红时期”“黑人时期”，分别运用了忧郁的蓝色调、诙谐的粉红色调、粗犷的黑色调来表现下层人民的荒凉与悲伤，传达了画家对平民深深的同情和关注。又如，法国印象派画家莫奈也是一位创造色调的大师。他坚持户外对景写生，善于捕捉光色气氛和瞬间印象，他经常面对同一景物按不同时间、季节、光线的变化而随时调换画布，并对同一对象作出了准确的记录，他画了《草垛》《鲁昂教堂》等系列组画，每组都多达30多幅，且每一幅都能表现出了不同的色调和情绪。例如，我们可以从2004年来我国展出的《印象派画展》中看到两幅不同的《鲁昂大教堂》，其中一幅《鲁昂大教堂》用的是冷色调，在亮灰色的天空衬托下，大教堂显得阴森沉闷、气氛忧郁，三个深色的拱门给人以神秘感，从地面反射到暗部的暖色与受天空影响的冷灰色相互交错，显示出一种透明、颤动感。而柱子形成的竖线条及各种不同形状的门窗产生出强烈的对比和节奏感，整个画面有一种建筑般的力度感和史诗般的永恒美。而另一幅《鲁昂大教堂》，却给人带来另外一种感受。在充满阳光的橙色调中，橘红、橙色、黄色、赭色占据了画面的大部分，只有画上面的一小部分是蔚蓝色天空，它与建筑物上的暖色块形成强列的对比，显得格外清新明朗，整个画面犹如一首优美的小提琴曲，带给人们的是一种温和舒畅的情绪。从这两幅画中我们可以看出，莫奈不愧是一位色彩大师，他准确地表现出了同一景物在不同时间、光线下的不同色调，将情与意巧妙地融合在一起，并赋予作品以音乐感及诗意。由此可见，调子的合理运用是表现油画色彩的关键所在，是一幅作品的灵魂。

二、色调美与感情的表达

优秀的色彩画家，不仅能通过对自然的写生发现色调之美，还能善于发现色调与人的心理情绪感情之间的联系，以此传神、写意，最后使欣赏者受到感染、产生联想，进入审美的境界。比如，波提切利常用单纯微妙的色调表现一种淡淡的忧伤；透纳用淡紫灰色调来表现海洋、港口的烟霭、水气；柯罗喜用银灰色调表现树林朦胧的意境美；莫奈多用暖亮色调来表现阳光的灿烂；凡·高痴迷辉煌的黄色调表达了他对生命的渴望；高更擅长浓郁饱满互补色调表现对塔希提岛原始、神秘的感受。

我们可以从19世纪俄罗斯画家列宾的油画《伏尔加纤夫》中，看到他成功地运用色调来加强对主题的表达。在画中我们不难看出，虽然他运用的是非常明亮的暖调子，但在这暖调子的画面上丝毫没有出现温暖的情调。相反，整个画面给人感觉到的却是阳光酷烈，呈现出的是焦黄的色调，衬托出一群衣着破烂、步履艰难，被奴隶般的劳动折磨得筋疲力尽的纤夫们。我们从画面能隐约感觉到他们的急促的喘气声，似乎听到压抑低沉的“伏尔加船夫曲”的回声。所以，亮暖调子在这张画中所传达的是一种燥热的令人窒息的情绪，充分体现了画家擅长运用色调在表达情绪、主题方面所产生的魅力。

因此，色调是感染人们情感进行无言交流的重要桥梁，它像是一种无形的气氛和意境，直接诉诸于人们的感情。

三、油画作品中的以色抒情

“情”是客观的景与主观思想情感的统一，是画家创造的一种特别的艺术境界。比如，草地的嫩绿色，能唤起人们对春天生机勃勃的联想；麦田的金黄色会令人产生丰收的喜悦；朝霞的色彩使人兴奋，感到充满希望；而暴风雨来临前的黑灰色的乌云，会使人们产生心情沉闷、压抑的感觉。但是，我们不能仅仅停留在色彩的生理和心理反应上，要研究它们与人的感情，从而使色彩转化成有感情的色彩，赋予它们以灵魂。例如，从“大漠孤烟直，长河落日圆”的诗句中，我们可以感受到“大漠”的宽广与“孤烟”耸立所形成的一种形态上的强烈对比，而“长河”与“落日”的交融汇集，更使人感受到了一幅空阔豁达的画面，它能触景生情、引人遐想、升华情绪，陶醉在诗情画意中，最终产生出一种高层次的审美感受。

从19世纪法国巴比松画派画家柯罗的画中我们可以看到，他的“柯罗风格”时期的作品就是将色彩、情绪融为一体的典范。例如，在他的代表作《孟特芳丹的回忆》中，运用了一种在未干的油彩底色上描绘物象的新技巧，使物体形的边线和远景融合，使树丛的枝叶像烟雾一样逐渐消散，从而产生出一种恍惚朦胧的诗情画意。他画面上流露出的情调及笔法上的韵味，与中国画在滋润的宣纸上运用笔墨有着异曲同工的相似之处，使后来的日本画家竹内栖凤及我国岭南画派高剑父都从中得到启发并借鉴。

所以绘画中的“情”不是客观景物的简单重复，而是含情之景。其中的情也不是抽象的情，而是见到具体的景而产生的具体的情，或借景而抒发的由衷之情。

四、意境美是油画作品的灵魂

“意境”是情与景、意与境交融在一起，形成的一种鲜明而又生动的艺术形象。意境是风景画的灵魂，所有景物的描写都是要围绕意境来进行处理，而不单是为了表现景物的自然现象。“一张没有意境的的风景画，即使把景物画得很逼真，也是没有感染力的。因此表现自然景物并不是最终的目的，重要的是借景抒情，表现你的认识和感受，表现自然事物对你的启示。”

审美理念范文篇3

工业设计本身作为一种文化的产物，有着其鲜明的时代特征，它反映出不同时代、不同地域和民族的物质文化水平和人们的意识形态及生产方式。它通过特有的方式传达技术的物化美，体现商品社会中文化的价值取向。它倡导设计师去开创人类新的生活方式，新的生活环境，以提高人们的生活质量，建设美好的小康生活家园。

二、工业设计的艺术审美

工业设计作为一种重要的艺术形式存在，除了它的实用功能以外，在审美功能上也有着其它艺术形式不可替代的独特地位。

就拿我们身边的例子来说，在现实生活中，我们无时不在享用着工业设计的成果，小到一个精美别致的打火机，大到翱翔太空的宇宙飞船，工业设计的影子无所不在。工业设计已经成为我们日常生活中不可缺少的一个组成部分，因此工业设计中审美的因素，也在潜移默化地影响着我们。人们无需专门花费时间欣赏一件普通的工业产品，但工业设计的产品往往能在人们最意想不到的时候，给人以特殊的惊喜，在司空见惯平淡无奇的工业产品中发现美的火花。

三、工业设计的审美

现代产品无不是经过设计而来的，产品的审美功能往往是功能美、形式美、艺术美的综合体现，大体上它给人传递着二种信息，一种是知识即理性信息，如通常提到的产品的功能、材料、工艺等，是产品存在的基础；另一种是感性信息，如产品的造型、色彩、使用方式等，其更多地与产品的形态生成有关。从技术美学的角度来看，好的工业设计应该首先给用户带来最佳的问题解决方案。产品造型设计正是以此为基础而展开，融合了技术、材料、工艺等成就了一种系统的和谐美。工业设计不同于纯造型艺术。纯造型艺术追求纯感性美，可以是自然存在的，也可以由艺术家的灵感产生。作为工业设计则必须满足用户的使用需求，形成技术解决方案。这样，就要求工业设计需要用理性的逻辑思维来引导感性的形象思维，以提供问题的解决方案为标准，不可能天马行空地任意发挥，在实现解决问题的基础上，提供给消费群体以美的视觉，乃至心理享受。产品形态美不再仅仅是一种视觉感受，它要体现在产品上和与用户的交互过程中，而不是有一个成果了事。工业设计是通过它的形式,如形体造型、色彩、装饰质感引起人的审美感觉，从而满足人的某种审美要求。

1.形体造型

形体造型是空间形态和造型艺术的结合，它主要通过产品的尺度、形状、比例及层次关系对心理体验的影响，让用户产生拥有感、成就感、亲切感，同时还营造必要的环境氛围使人产生含蓄、夸张、愉悦、趣味、轻松、神秘等不同的心理情绪。例如，圆和椭圆形能显示包容，有利于营造完满、活拨的气氛；对称或矩形能显示空间严谨，有利于营造庄严、宁静、典雅、明快的气氛；用自由曲线创造动态造型，有利于营造热烈、自由、亲切的气氛。特别是自由曲线对人更有吸引力，它的自由度强，更自然、也更具生活气息，创造出的空间富有节奏、韵律和美感。曲线造型所产生的活泼效果使人更容易感受到生命的力量，激发观赏者产生共鸣。流畅的曲线既柔中带刚，又能做到有放有收、有张有弛，完全可以满足现代设计所追求的简洁和韵律感。利用残缺、变异等造型手段便于营造时代、前卫的主题。残缺属于不完整的美，残缺形态组合会产生神奇的效果，给人以极大的视觉冲击力和前卫艺术感。造型艺术能够表现引人投入的空间情态，如体量的变化、材质的变化、色彩的变化、形态的夸张或关联等，都能引起人们的注意。产品只有借助其所有外部形态特征，才能成为人们的使用对象和认知对象，发挥审美的功能。

通过产品形态体现一定的指示性特征，暗示人们该产品的使用方式、操作方式。通过造型的因果联系如旋钮的造型采用周边侧面凹凸纹槽的多少、粗细这种视觉形态，以传达出旋钮是精细的微调还是大旋量的粗调；容器利用开口的大小来暗示所盛放东西的贵重与否、用量多少和保存时间长度；通过造型形态相似性如裁纸刀的进退刀按钮设计为大拇指的负形并设计有凸筋，不仅便于刀片的进退操作暗示它的使用方式，许多水果刀或切菜刀也设计为负形以指示手握的位置等。

通过产品形态特征还能表现出产品的象征性，主要体现在产品本身的档次、性质和趣味性等方面。通过形态语言体现出产品的技术特征、产品功能和内在品质，包括零件之间的过渡、表面肌理、色彩搭配等方面的关系处理，体现产品的优异品质、精湛工艺。通过形态语言把握好产品的档次象征，体现某一产品的等级和与众不同，往往通过产品标志、常用的局部典型造型或色彩手法、材料甚至价格等来体现，如标志“Braun”象征剃须刀无与伦比的档次，象征物主的富有及地位但仅作为计时用的金表等。通过产品形态语言也能体现产品的安全象征，在电器类、机械类及手工工具类产品设计中具有重要意义，体现在使用者的生理和心理两个方面，著名品牌、浑然饱满、整体形态、工艺精细、色泽沉稳都会给人以心理上的安全感，合理的尺寸、避免无意触动的按钮开关设计等会给人生理上的安全感。

2.色彩

色作为产品情感与文化的象征，不仅具备审美性和装饰性，而且还具备符号意义和象征意义。作为视觉审美的核心，色彩深刻地影响着人们的视觉感受和情绪状态。人类对色彩的感觉最强烈、最直接，印象也最深刻，产品的色彩来自于色彩对人的视觉感受和生理刺激，以及由此而产生的丰富的经验联想和生理联想，从而产生复杂的心理反映。产品设计中的色彩，包括色相明度、纯度，以及色彩对人的生理、心理的影响。色彩对室内空间意境的形成方面有很重要的作用，它服从于产品的主题，使产品更具生命力。色彩给人的感受是强烈的，不同的色彩及组合会给人带来不同的感受：蓝色宁静、红色热烈、紫色神秘、黑色凝重、白色单纯、灰色质朴，表达出不同的情绪成为不同的象征。产品设计中的色彩暗示人们的使用方式和提醒人们的注意，色彩设计应依据产品表达的主题，体现其诉求。而对色彩的感受还受到所处时代、社会、文化、地区及生活方式、习俗的影响，反映着追求时代潮流的倾向。

3.材质

人对材质的知觉心理过程是不可否认的，而质感本身又是一种艺术审美的表现形式。如果产品的空间形态是感人的，那么利用良好的材质与色彩可以使产品设计以最简约的方式充满艺术性。材料的质感肌理是通过表面特征给人以视觉和触觉感受以及心理联想及象征意义。产品形态中的肌理因素能够暗示使用方式或起警示作用。人们早就发现手指尖上的指纹使把手的接触面变成了细线状的突起物，从而提高了手的敏感度并增加了把持物体的摩擦力，这使产品尤其是手工工具的把手获得有效的利用并作为手指用力和把持处的暗示。通过选择合适的造型材料来增加感性、浪漫成分，使产品与人的互动性更强。在选择材料时不仅用材料的强度、耐磨性等物理量来作评定，而且考虑材料与人的情感关系远近作为重要评价尺度。不同的质感肌理能给人不同的心理感受，如玻璃、钢材可以表达产品的科技气息，木材、竹材可以表达自然、古朴、人情意味等。材料质感和肌理的性能特征将直接影响到材料用于所制产品后最终的视觉效果。工业设计师应当熟悉不同材料的性能特征，对材质、肌理与形态、结构等方面的关系进行深入地分析和研究，科学合理地加以选用，以符合产品设计的需要。

审美理念范文篇4

传统的审美理想在思维方式方面上,注重万物的联系和感性自觉的心理体验。这种思维方式中没有把大千世界看成是独立于人以外的纯粹客体中国传统审美理想体现一种宏观整体的审美思维方式，艺术讲求心灵的物化，又是物的情话，心物合一超以象外。老子云：“塞其兑，闭其门”就是清除心灵的尘灰，保持内心的最大虚空、静寂，直观体悟世界万物“和其光，同起尘”达到“玄同”的艺术理想。同时这种思维方式有着虚空灵动，就是传统审美中的神韵、飘逸、超拔、高逸、虚清等。所以在传统中国画中讲求“气韵生动”、“妙在能会、神在能离”等一种格调清高的审美追求。

现代美术与传统审美思维的冲突体现在两方面。首先，现代美术缺乏主体内心的自省，取而代之的是西方人文艺复兴以来的人文主义思潮，即以人性对抗神性、以人权反对神权,以人为中心的思维倾向。两者都是以“人”为中心，但两者的审美思维方向有质的差异。中国传统审美思维方式强调虚静、心灵自由以及人与自然和谐共生的关系。现代美术在艺术思维上强调人的自然属性和社会属性，显示为人对自然的征服力、控制力，人于自然产生一种外离对抗性。在一定的社会时代中以人性对抗神性、以人权反对神权、体现出了人类意识的觉醒有进步性。其次，现代美术思维方式中缺乏传统审美宏观整体性，现代美术多用类似解构主义的思维方式，肢解、分割使主体思维独立单一。

二、审美价值取向的冲突

传统审美理想的价值取向，重交感，重人生。首先“交感”就是“天人合一”的动态过程，也就是万物生命的发生过程。按《周易》的观念，整个宇宙是阴，阳两种元素交感而成的动态过程。西汉董仲舒的天人感应说、宋明理学家主张的天人相通都是在审美取向上重交感。再次“重人生”源于“交感”的基础。周敦颐说“二气交感，化生万物”。就是把人看作万物之灵，天地之德，天地之心。即以人的生命活动为内在机制的宇宙一体化，天地万物看作统一生命系统。中国古人是以这种对自然的特殊情感和内求自省的方法完成美的理想追求。传统中国画家在对大自然领悟人生，借物寓意，予以挥毫把无情之物变成有情之物。现在我们还能从他们画的顽石中感受到“雪尽身还瘦，云生势不孤”的气概；从山林中感受“春山澹治而如笑，夏山苍翠而如滴，秋山明净而如妆，冬山惨淡而如睡”的情态。

现代美术中这种“肇自然之性，成造化之功”的审美价值取向很少了。现代美术审美取向倾向于个人自我价值、自然价值、社会价值分离，强调主体对社会对人生的悲观消极或厌恶不满发泄的态度。现代美术价值取向其实是自身内部激化出前所未有的话语形式，突显当代审美文化所面临的困惑。

三、艺术表现形式的冲突

传统中国画的艺术表现形式只在笔墨之间唱吟画家心声，简单而单纯的黑白水墨却孕育着中国文化之精华。

第一、以水墨为上。故有墨从笔出，笔以墨显，笔取其气，墨取其韵。中国古人将自己实践经验和精神追求集中于此，其作品中的造型符号融哲理、艺术、人生一体，体现儒道佛三家哲理。第二、重意忘形。“画之当意写，不在形似耳”【《元·汤垕》画鉴画论】，纵观中国美术史，除徐渭、八大、石涛等大写意画家不论，即便是工笔画：山水、人物、花鸟也不是单纯的模拟，刻意酷似，而是“画见其大意，而不为刻画之迹”【《林泉高致·山水训》】。

审美理念范文篇5

【关键词】初中音乐；歌唱教学；音乐审美；核心；教育理念

随着教育理念的改革创新，初中音乐课程作为一门可以开发学生智力、陶冶学生情操、养成学生健全人格、提高学生鉴赏能力、审美能力和综合素养的学科，在促进学生全面发展上是至关重要的，在现代教学活动中发挥出了不容小觑的作用。随着国家教育部门对于音乐课程标准的制定与提出，“以音乐审美为核心”的基本课程理念受到了各大学校和广大初中音乐教师们的普遍重视和高度认同。由此可见，实施“以音乐审美为核心”这一基本音乐课程理念是势在必行的。作为一名初中音乐教师，有责任、有使命、也有义务树立“以音乐审美为核心”的教育理念，并且还要把它真正地贯彻落实到音乐歌唱教学当中。音乐教师要摒弃传统思想，发挥创新思维，采取一切措施，运用正确的教学手段，把教学的重点放在培养并提高学生的音乐审美能力上。本文从教学实践出发，笔者在学者研究的基础上，浅析“以音乐审美为核心”的教育理念的基本内涵，探讨审美以及初中音乐的重要作用和意义，提出当前初中音乐教师在音乐审美歌唱教学中存在的问题与困境，并针对这些不足之处提出自己的改进意见和方法建议，探讨音乐教师在初中音乐歌唱教学中更好的贯彻“以音乐审美为核心”教育理念的实践策略与措施。

一、“以音乐审美为核心”的教育理念的基本内涵

“以音乐审美为核心”，顾名思义，就是要突出音乐学科的审美特点。随着促进学生德智体美劳全面发展的素质教育的改革深入，音乐教育也逐渐受到越来越多人的关注，成为广大音乐教师们讨论的焦点与核心。美育是素质教育中的重要组成部分，音乐又是美育中的不可或缺的一部分，是实施美育的重要途径和主要方法，因此，初中音乐教师在音乐歌唱中加入审美教育是刻不容缓的。音乐教育有着多种功能，比如教育功能、娱乐功能以及审美功能。在当前阶段，突出音乐的审美功能是初中音乐教师们教学的首要任务和主要目的。音乐审美教育就是以审美体验为核心，通过让学生感受音响、韵律、节奏等等，使自身获得更细腻、更丰富的情感，获得更充实、更深刻的体验。[1]音乐作为一种艺术形式，作为表达心情的重要方式，作为抒发情感的主要载体，是艺术家们与听众们沟通交流的桥梁和纽带。人类作为高级动物，有着充沛的情感，有着与生俱来的感应能力。就如同鱼儿离不开水，人类的生活也是离不开音乐的，通过音乐的熏陶，人们能获得各种情感体验；通过音乐的感染，人们能感同身受，走进艺术家构建的世界。音乐审美作为如今各大学校初中音乐教师们的教育核心，在培养学生的同理心，提升学生的感知力等方面起到了不可或缺的作用。作为一名初中音乐教师，要在教学中突出聆听的作用，学生通过聆听了解音乐知识、通过聆听理解音乐乐理、通过聆听感受音乐力量、通过聆听体会音乐情感。初中音乐教师在歌唱教学中引进审美教育，不仅能使生在审美音乐中达到情感互补，让学生学会音乐知识与技能；还能让学生感受到音乐的魅力，丰富自己的音乐情感和精神世界；更能提升学生的文化自信和民族自豪感，让学生愿意去做我国内涵丰富的、博大精深民族音乐的传播者，愿意将他们发扬光大，愿意带领他们走出中国、走向世界。

二、审美的重要作用和意义

随着新课改的制定以及音乐课程标准的推行，初中音乐教师要改变自己的教学风格，更新自己的教学模式。在歌唱教学中，不能仅仅重视对于音乐知识和枯燥乐理的讲解，也不能局限歌唱技巧和发声技巧的传授，更要注重对学生审美的培养和情感的激发。要让学生感受我国形式多样的音乐中情感的表达，体会音乐无限的魅力。对于“审美”这一词的含义，一直没有一个明确的界定。在哲学界一直是一个饱受争议的问题，审美的概念一直很模糊，审美一词也容易引发各种歧义。正如一千个读者眼中有一千个哈姆雷特，不同的音乐教师对于音乐审美的理解也各不相同。但无论有怎样不同的观点，即便初中音乐教师对音乐审美的理解再千变万化，音乐审美有助于提升学生的主观感受和体验这一点却是毋庸置疑的。审美在学生的音乐学习和日常生活中有着推波助澜的作用。学生的音乐审美能力提高了，对于音乐的理解能力也会随之提高，就会更容易了解音乐里深刻的内涵，更容易体会到音乐中饱含的情感，更容易通过歌唱将音乐中的情感转述出来，对于音乐中歌唱的学习也会起到事倍功半的作用。音乐教师在初中音乐歌唱教学中渗入审美教育，有利于开发学生的智力，帮助学生更好的学习与生活；有利于增强学生的学习兴趣，提高学生的学习效率和教师的教学质量；有利于培养学生的创新精神，帮助学生更好地适应未来的社会；有助于治疗学生的不良心理，促进学生身心健康发展。由此可见，音乐审美的作用是很大的，意义是非凡的，价值是不可替代的。

三、初中音乐的重要作用意义

（一）初中音乐有利于丰富学生的日常生活。初中生的日常生活是比较枯燥的、单一的。机械的、重复的学习会使学生丧失追求生活乐趣的动力。在初中课程中加入音乐审美教育，有利于丰富学生的日常生活。学生通过音乐，能学习到不同层面的知识，丰富自己的见识，能了解到更多有趣的世界，使学生的生活丰富多彩、有滋有味。（二）初中音乐有利于缓解学生的学习压力。初中生由于要面临着中考，通常都有着较大的学习压力。将初中音乐课程穿插在数学、语文、英语等主课课程中间，有利于缓解学生的学习压力，轻松欢快的音乐能使学生紧绷的神经得到短暂的放松，帮助学生恢复状态；也有利于学生能以更充足的精神去面对之后的学习，能用更充沛的精力去投入之后的课业中去。（三）初中音乐有利于引导学生的未来人生。初中音乐中的审美教育，有利于拓展学生的视野、开拓学生的思路，改进自己不正确的世界观、人生观和价值观。初中音乐中的审美教育，不仅仅会为学生带来听觉上的享受，更会为学生带来情感上的升华。学生通过励志的音乐，来增强自己的意志力；通过舒缓的音乐，来调整自己不健康的心态；通过轻松的音乐，来放松自己压抑的心情。初中音乐审美教育，能使学生拥有一个积极向上的生活态度和坚强勇敢的拼搏勇气，有利于初中教师帮助国家培养有道德、有理想、有文化、有纪律的“四有”青年。

四、当前初中音乐教师在音乐审美歌唱教学中存在的问题与困境

（一）教师对初中音乐歌唱审美教学的重视程度不到位。在根深蒂固的应试教育思维的妨碍下，在中考压力和升学压力的影响下，初中音乐课程被数学、语文、英语等基础的重要科目取缔。除此之外，由于很多初中班主任以及绝大部分的学生及其家长们都没有认识到音乐歌唱审美课程的重要性，认为音乐并不是中考的考试科目，没有必要去学习，导致音乐课程的发展举步维艰，音乐歌唱审美教学寸步难行。班主任强占音乐课，利用音乐课的时间让学生学习主要科目，这样的做法既加重了学生的学习压力，更是为音乐歌唱审美教学的发展带来了严重的阻碍。初中音乐课程处于教学的“边缘地带”，逐渐成为形式主义，音乐教学名存实亡，形同虚设。（二）教师在初中音乐歌唱教学中没有重视学生的主体地位。有很多的初中音乐教师，还没有完全适应素质教育的节奏。在课堂教学中，没有意识到自己只是扮演着组织者和引导者的角色，在充分发挥自己主导性的同时却忽略了学生的主体地位。在音乐教学课堂中，经常出现教师一味地讲解音乐歌唱理论，学生被动地接受音乐乐理知识的课堂氛围，经常出现“填鸭式”“灌输式”的教学模式。音乐教师满堂灌，学生很容易听得不耐烦，甚至左耳听右耳冒，学生的主观能动性难以得到充分的发挥，学生的学习效果微乎其微。这种传统的教学方法已经完全不适应现代社会的需求，更是与素质教育的理念背道而驰，与教育部门的音乐课程标准针锋相对。这样的教学模式不仅不利于音乐审美教育的顺利开展，也不利于美育的传播，严重阻碍了学生的全面发展。学生长期在这样的课堂氛围中学习，很难对音乐产生浓厚的兴趣，觉得音乐歌唱课程是枯燥乏味的。久而久之，就会大大降低学生对于学习音乐的热情和积极性，使音乐歌唱教学和审美教育停滞不前。（三）教师的专业能力不到位。由于初中音乐歌唱审美教学在一些学校得不到重视，使音乐课程在学期中的课程占比较少，初中音乐教师的教学目标不明确、专业水平不到位。教师没有明确的教学目标，没有对音乐课做好充足的分析与解读，就很容易使课堂过于自由，教学内容繁杂无序，教学设置缺乏科学性和合理性。学生的学习效果就会事倍功半，像无头苍蝇一样没有章法，使音乐教学的有效性难以得到发挥。教师的专业水平不到位、审美能力不到位，就会导致学生对音乐的理解不深刻、感受不强烈。（四）初中音乐教师的教学方法过于单一。初中音乐教师在歌唱教学中的教学方法单一落后，也会在一定程度上影响教学效果，不利于音乐审美教育的推行。有些初中音乐教师严重缺乏创新思维，教学内容缺少新意，照本宣科的向学生传输教材中的理论知识，完全不了解学生的心理特点，不懂得如何采用更有意思的教学模式来激发学生的学习兴趣。初中音乐教师的教学思路稀里糊涂，教学技巧笨重薄弱，很容易使学生对音乐课堂产生厌倦心理，导致学生对音乐知识难以掌控。（五）音乐歌唱审美教育缺乏实效性。有一部分的初中音乐教师，在开展音乐歌唱审美教学中，对于审美的重要性认识不足，导致没有把教学的重点放在审美教育上，学生只掌握了歌唱技巧，却对歌曲内涵理解不深刻；学生只学会了音乐知识，却丢失了音乐审美。[2]这样的情况，就会导致审美教育没有实效性，教师没有将最核心的审美教育应用在音乐歌唱教学中，不利于学生音乐素养的提高。

五、音乐教师在初中音乐歌唱教学中更好的贯彻“以音乐审美为核心”教育理念的实践策略与措施

（一）转变对音乐歌唱审美教学的思想观念。有一部分的初中音乐教师，在开展音乐歌唱审美教学中，对于审美的重要性认识不足，导致没有把教学的重点放在审美教育上，学生只掌握了歌唱技巧，却对歌曲内涵理解不深刻；学生只学会了音乐知识，却丢失了音乐审美。这样的情况，就会导致审美教育没有实效性，教师没有将最核心的审美教育应用在音乐歌唱教学中，不利于学生音乐素养的提高。（二）教师在音乐歌唱教学中要重视学生的主体地位。随着素质教育理念的改革深入，教师要逐渐摒弃应试教育的思维模式。要注意到学生的主体地位，将主导变为引导，将主动灌输变为启发诱导。在课堂教学中，要以学生为中心，让学生做课堂的主人。初中音乐教师在音乐教学过程中，可以多提出一些具有高质量的、高价值的、高水平的、能够引发学生思考和共鸣的问题，营造良好活跃的课堂氛围，激发学生的学习兴趣和情感共鸣。除此之外，初中音乐教师在与学生的相处过程中，要放下自己的架子。要以一个平等的姿态去面对学生，用一颗宽松的心去对待学生，多站在学生的角度考虑，多从学生的视角出发，多倾听学生的心声。让学生感受到教师的平易近人，从而形成良好的、和谐的、民主的、友善的师生关系，创设师生共同发展的教学关系，做到教学相长的同时也能更好的实现音乐课堂的有效性，使审美教育行之有效。（三）教师要提升自己的音乐素养。初中音乐教师的专业素养高，才会使音乐课堂更行之有效。因此，音乐教师要树立“终身学习”的理念，不断丰富自己的理论知识，增强自己的业务能力，提升自己的文学修养和音乐素养，歌唱能力和审美能力。音乐教师要保证自己有博大精深的知识储备，紧跟国内和国外的音乐潮流和音乐形式，做到与时俱进。除此之外，还要创新教育方法，不断改进教学模式，完善知识结构，及时做好教学反思和回馈。提升自己的课堂管理能力和驾驭能力，保证自己能更好地掌控课堂，灵活应对课堂上的各种突发状况。[3]初中音乐教师要让自己拥有能充分调动学生主观能动性的能力，在有限的音乐课堂里能让学生始终跟随老师的思路，提升学生的课堂参与感，提高音乐课堂的有效性。（四）教师要丰富自己的教学方法。初中音乐教师在音乐课堂教学时，要改变单一的教学模式，丰富自己的教学方法。教师可以采用范唱的方法，带领学生走进音乐的世界，体会音乐艺术的情感，感知音乐审美的价值，让学生对音乐有更直接的感受。学生通过聆听教师的范唱，可以更好地走进作者的世界，感受作者的思想感情，体会作者的喜怒哀乐。教师在音乐歌唱教学中，还要多鼓励学生开口唱歌，尤其是那些性格内敛、羞于开口的学生。纸上谈兵的效果远不如学生亲自体验，音乐教师对学生传授再多的歌唱技巧，如果学生不能得到亲身实践的机会，就始终不会发现自己在歌唱上的问题，教师就没有办法进行有针对性的指导，学生也很难得到进步。音乐教师可以挑选班级里歌唱技巧高、有音乐天赋的学生进行领唱，从而带动班级学生的积极性。除此之外，教师还可以采取合唱的方法，比如在学习《保卫黄河》等气势恢宏的歌曲时，可以通过全体学生合唱的形式增强声音的厚重感，凸显歌曲的磅礴气势。（五）增强音乐审美教育的实效性。音乐审美作为初中音乐教师们的教育核心，应该得到更多学校和教师的关注。教师在音乐歌唱审美教学中，要注意对学生审美能力的培养，加深学生对音乐的理解，提升学生的音乐素养。

六、结语

总而言之，在初中音乐歌唱教学中渗透审美教育是势在必行的，作为初中音乐教师，要采取上述措施，提升学生审美能力和音乐素养。

参考文献

[1]袁珊珊.初中音乐歌唱教学“以音乐审美为核心”教育理念的思考与实践[J].中国民族博览，2015（8）：45-46.

[2]贾璐.“以音乐审美为核心”的初中歌唱教学探析[J].艺术科技，2015，28（5）：49，275.

审美理念范文篇6

【关键词】古筝教学;美学特征;审美教育

近年来，伴随各国之间音乐文化的交流日益密切，我国古筝艺术逐渐走向世界，正被越来越多的国家所认可。古筝具有音域宽广、音色优美、表现力丰富等特点，给人一种纯正典雅的气质。古筝自春秋战国时期出现在我国，发展至今天，其风格流派、结构样式、演奏技巧等都历经了无数次的变革，经过历史打磨和检验的古筝艺术，至今已经形成其独特的艺术魅力。审美教育是当代素质教育的重点内容之一，在古筝教学中有着不可撼动的地位。在高校古筝教学中引入审美教育，有助于学生理解古筝弹奏技巧，同时也能带给学生美好的精神享受[1]。

一、古筝艺术的美学特征

（一）鲜明的地域特色。春秋战国时期，古筝广泛流传于秦地，并大受欢迎，后逐渐向山东、河南、福建、浙江等地发展。在不同的地域风格、政治背景、语言等的影响下，古筝在各地都形成了具有地方特色的音乐魅力。例如，山东古筝风格典雅古朴，摇指明快干净，声音清脆响亮，大拇指勾弦力道刚劲，声音好似珠玉在盘，常与山东琴书结合表演；河南古筝活泼明快，声音粗犷高亢，喜用强弱鲜明的摇指风格，拖音连绵，与民间说唱或是戏曲搭配为最多；浙江古筝风格秀美，旋律幽柔婉转，右手弹奏比较轻柔，节奏明快且音色清雅；潮州古筝独奏较多，右手勾搭或连勾技法下音色柔美，旋律华丽奔放、清新灵动；客家古筝可以独奏，但也经常和三弦、洞箫、琵琶等组成合奏，滑音较多，意趣丰富高雅，韵味悠长[2]。（二）悠长的意蕴表达。古筝艺术讲究意蕴美，这也是我国传统音乐文化的魅力所在。例如，乐曲《高山流水》既描绘了壮丽气势下的巍峨高山，又给人一种流水潺潺、清风拂面的清新柔美之感。描写高山时，低音区拍弦和双八度大抓套同度按弦的结合，表现了雄伟高山直入天际、奇山异石连绵起伏的壮丽景色，同时也伴有烂漫山花和苍翠古木，气势雄伟。而流水部分通过刮奏和同度按弦、拍打颤弦并着力等技法，展现飞流直下的瀑布和潺潺流水。旋律的起始部分优雅缓慢，仿佛声音是从深山中而来，将人带入高山之巅；继而再用泛音烘托气氛，将思绪引到千年以前，在巍峨高山与轻盈流水交织中感受音乐情绪的起伏。一曲完毕，各情景之间完美融合下的，筝曲的优美韵律让人回味无穷。（三）题材丰富多样。我国各地古筝艺术的题材丰富多样，有的展现文化风俗，如《闹元宵》《庆丰年》等；有的取材大自然，创作者借景抒情，如《梅花三弄》《高山流水》等；有的歌颂英雄豪杰，如《霸王卸甲》等；有的表达思念之情，如《秋夜思》《夜深沉》等。丰富多样的题材为古筝艺术的发展提供了源源不断的动力，不同地域、不同时代背景下的音乐风格又反作用于自然风貌、民族特色、风俗文化等，以古筝为载体，将其中的内涵发挥得淋漓尽致。（四）含蓄的情感表达方式。古筝作为我国传统乐器，很少运用直白的表现方式，或是寄情山水，或是借物言志，喜欢从侧面展现真情实感。例如，乐曲《汉宫秋月》的开头部分声调由高到低，宛如深宫女子悠长的一声哀叹，描绘出一幅伊人幽影孤独徘徊于深宫中的景象；紧接着时而出现短暂休止，好似女子愁上眉头，让听众也有一种凄凉忧郁之感。再如《梅花三弄》，全曲借助梅花静态和动态两个对比鲜明的形象，展现了梅花不畏严寒的高洁品质，实际上也就是借助梅花歌颂洁身自好、品节高尚的人。（五）审美发展与时俱进。信息技术高度发达的今天，古筝艺术发展也跟随时代脚步不断吸收新鲜元素。如在传统古筝音乐中可以融入符合现代人审美的流行原素，以此创造符合人们喜好和需求的现代筝曲；也可以将古筝与西洋乐器融合，混搭出不一样的音乐风格，给听众带来不一样的音乐美感。

二、高校古筝教学中渗透审美教育的重要意义

（一）有利于学生理解古筝作品。古筝艺术是各种音乐理论知识与古筝弹奏技巧紧密结合的一门艺术，每一部作品都蕴含着特有的美学特征和感情。在演奏时，需要学生运用敏锐的感知力，对作品感情产生同理心，进而深刻诠释作品的真情实感。例如，在学习《昭君怨》时，起始时节奏缓慢，凸显哀婉的情绪，给人一种左右徘徊、缠绵悱恻之感；后半部分速度突然加快，仿佛是按捺不住自己的情绪，要控诉自己的满腔积怨。高校在平时的古筝课堂上就要促使学生积累丰富的审美体验，在欣赏不同类型古筝曲的同时感受情绪的变化与发展，并在实践中掌握不同情绪表达所需要使用的技巧，以此提升学生对各类型作品的理解和认知。（二）审美教育促使素质教育更加完善。素质教育是我国教育改革中的重要内容之一，而审美教育是素质教育不可分割的一部分。高校古筝教学中渗透审美教育不仅能够提升学生的审美能力、鉴赏能力，还能引导学生建立更加多样化的审美体系，树立更加远大的学习目标，深化自身对古筝美学的认知[3]。（三）审美教育激发学生学习古筝的兴趣和热情。高校古筝教学中，教师要引导学生从内心感受古筝艺术的魅力，以此激发学生对古筝主动探索学习的欲望，进而真正提升对古筝技巧和相关文化的理解。古筝学习与审美教育是相互作用与影响的，古筝教学的重要目标就是要提升学生的审美能力和内心修养，树立正确的审美观念；而学生审美能力提升了，学生在古筝演奏中也能更加自然地表现作品的内涵与意境。将这两者的教育融合在一起，学生在感受美、鉴赏美、表达美的过程中才能更加积极地去探索美、创造美。有了自主学习的劲头，学生在古筝学习时才能精益求精，不仅表达出作品所要求的情感和内涵，还能根据作品的特色风格进行个性化的处理，融入更多自己的思想和情感。

三、高校古筝教学中渗透审美教育理念的应用策略

（一）教师予以对比性的示范。音乐艺术是一种比较抽象的艺术，尤其是情感表达方面，很多时候只可意会、不可言传。高校古筝教学课堂中，演奏者通过勾弦、拨弦、按弦等技巧，表达作品的旋律、节奏、强弱，这些演奏时的外化表现与审美教育融合在一起，能够提升学生的实际演奏能力。在教学中，教师要强调演奏姿态，坐姿应该端庄优美，手臂要自然放松，腕关节要灵活。古筝弹奏中，大多都是以腕关节带动手指尖发声，作品情绪不同，弹奏的技巧和姿势也不相同。例如，振奋人心的曲子指尖力道要强一些；情绪层层递进到高潮的曲子，要使用振幅大、频率高的颤音；抒情的曲子常用振幅小且均匀的颤音；又如，大指和食指摇指时，常根据曲子情绪的需要或快或慢、或强或弱。教师将审美教育融入古筝教学时，一定要给学生正确的示范，或是将一首曲子运用多种方式进行弹奏，在对比性的示范中带领学生认识、感受的音乐效果，为学生带来更多的审美体验，以此丰富学生的音乐思维和想象力[4]。（二）丰富古筝艺术实践。审美能力必须在不断实践中才能得到较大的提升，以往高校教师常常采取“回课”的形式检查学生的练习效果和弹奏水平。但在这个过程中，很多学生都会出现怯场、紧张、慌乱等现象，以至于不能发挥出自己的实际水平。鉴于此，除了课堂上的演奏练习、检查之外，教师还需为学生寻找更多的机会进行艺术实践，以此增强学生的自信心，在不同的环境中锻炼演奏能力，提升审美表现能力。或是利用情境教学的方式，为学生创设不同的情境，将学生带入作品的意境中，感受古筝艺术带给人心灵上的启发和情感上的共鸣。还可以利用休息时间，组织学生观看古筝现场演奏会，近距离感受优秀演奏家的美学表现和弹奏技巧，在鉴赏中审视自身，找到自身的不足，并引导其认真思考、积极改正。（三）全方位提升学生的审美能力。古筝拥有悠久的发展历史，在过程中，会受到诸多因素的影响和制约，在不同时代背景下，也有不同的力量在推动古筝不断发展。因此，教师需要深度解析古筝文化，对于古筝的起源、发展历程、风格流派、知名古筝演奏家、经典曲目等，都要进行详细介绍，以此促使学生更好地把握古筝的内涵，感悟作品的情感，进而提升整体的表现力。此外，因美学涵盖范围甚广，古筝艺术往往与文学、诗歌、美术、舞蹈等方面具有关联性。在日常教学中，教师可根据教学内容适当引入其他门类的知识，全方位提升学生的审美能力。

高校古筝教学不应该只是重视技巧的提升，也要注重培养学生感悟美、表现美的能力。古筝是一门表现情感的艺术，审美教育是培养学生情感表达的有效途径之一，在古筝教学中渗透审美教学理念，能够教会学生感悟更加深刻的音乐之美，两者之间彼此促进，学生才能更好地表现作品的技巧与情感。现如今，我国正大力提倡审美教育，教师的教学理念应当及时跟上时代步伐，带领学生以一种正确的态度看待审美教育，树立正确的审美意识，进而更好地将其运用于古筝作品的表达中。

参考文献：

[1]阎小琦.高校古筝教学创新及有效性提高策略[J].北方音乐，2018（24）.

[2]张心心.当前高校古筝教学面临的突出问题及解决对策分析[J].北方音乐，2018（21）.

[3]丁晨，王志军.古筝艺术的传播对中华优秀传统文化的导向作用[J].黄河之声，2018（14）.

审美理念范文篇7

一、民间美术的呈现

民间美术与原始社会的美术是一脉承传的,它们在发生、发展和艺术的范围、特点、规律等方面,都具有某种相似性。民间美术与原始美术一样具有艺术实用与审美共存的性质。随着生产力的发展与社会分工的细化,民间美术的分类增多,做工也愈加细致多样了。从殷商到近代,民间美术都出现了兴旺的发展状态,并以其强大的生命力渗透到人们的衣食住行之中。竹编、草编、蜡染、泥塑、剪纸、年画、蓝印花布、绣帐帘、兜肚,挑花头巾、皮影等等民间美术作品都是基于实用目的而创作的,但同时却融实用性与审美性于一体。民间美术作为我国古代一种主要的艺术形态,在几千年的古代文明历史中显示出了强大的艺术力量。

二、造型的隐喻象征

中国民间美术创作中造型有其独有特点——隐喻象征。中国民间美术是在中国农业社会中产生和传承发展的,民间习俗,传统风情是其创作的源泉。民间造型不仅表现客观的物象,并且在此基础上融入创造者的主观情感和思想,使其造型特征变得更加明确、生动、有趣、典型。它是民间艺人心灵的表现和感情的释放,如我国广大农村的许多地方至今仍可见到小孩穿的“虎头鞋”,其造型稚拙、憨厚、质朴,弥漫着浓郁的乡土气息和传统的装饰风格,它以情感为纽带,以事物固有性格特征为核心,通过特定的极度夸张的外形特征,张扬事物的真、善、美,舍弃老虎的威猛凶暴,以猫温柔可爱的品格取而代之,没有了“沉重、恐怖、神秘和紧张,而是生机、活泼、纯朴、天真,是一派生机勃勃,健康成长的童年气派”。在这里,老虎的形象被作为寄托情感的言情物,假借老虎的某些品格,倾吐内心的情感,希望自己的孩子虎头虎脑、无病无灾、健康快乐成长,隐喻象征了母亲对孩子的美好祝愿和护生的民俗心态。不仅如此,细心的母亲还常在老虎尾部加上了上翘的虎尾巴,方便孩子提鞋,这又将实用功能与装饰功能有机完美地融合于一体。又如流传于黄河流域各地民间剪纸的造型,突出表现为主观的表现性,造型的平面化,打破时空的自然规律。其人物造型往往头大身小,象抓髻娃娃,疗疳娃娃,扫天婆等剪纸图式中都体现了这些特点。人们用这样的形象象征祛病招魂、消灾免祸、止雨祈晴。

除了造型上的隐喻象征,色彩也具有隐喻象征的审美特性。现代设计在形式上追求“先声夺人”效果的需要,决定了设计者可以按照自己的主观愿望设置色彩,而不必拘泥于物象的自然色彩。如红色的月亮、绿色的蝴蝶等,这就使得色彩设计具有相当大的能动空间,也为充分展现、利用色彩的隐喻象征性提供了可能:“根据色彩本身的性格,使之倾向于理想化,达到一种超于形象自身的作用,从而创造一种意境”。例如,通过运用中国历史上的“皇族”色彩——黄色,表达设计产品历史绵长的隐义并传达其华贵气质。理解和把握民间色彩中所隐含的文化内容和观念形态,可使现代设计的色彩意念传达更为清晰、悠远,为观者留有回味和想象的空间。

三、色彩的诱目装饰

民间色彩是民间美术的重要组成部分,民间美术作为中华民族美术传统的万川之源,是现代设计取之不尽的灵感源泉和丰富给养,更是凸显民族文化精神、深化设计语言的重要途径与手段。现代设计中民间色彩中所显现的特性倾向具有民族精神诉求和审美程式的意味。

民间美术的材质与工艺特点决定了其色彩的单纯、明快、简洁,呈现出强烈的装饰性效果。民间画诀“色要少,还要好,看你使得巧不巧”、“红要红得鲜,绿要绿得娇,白要白得净”,即点明了民间美术在简洁明快基础上追求强烈刺激效果的用色原则;民间年画画诀中“黄马紫鞍配”、“红马绿鞍配”,亦反映出强烈补色、高纯度色相对比的色彩造型倾向。以纯色、补色、对比色运用为主的方法,形成了民间美术夸张质朴、艳丽厚重、装饰感强的色彩特点。而这正是现代设计所追求的“诱目性”,即醒目、个性、卓尔不群的艺术效果。

四、民族文化的传承

民间美术是一种带有原发性的美术形式,它在传承的过程中与人们的日常生活休戚相关,自诞生之日起就融合在人们生活的点点滴滴之中。民族文化的传承通过民艺品淋漓尽致地体现出来了。在一定程度上透视出中国特定社会文化结构下的特定民族生活习俗和民族审美理念,以纯真、质朴、平淡的符号化视觉语汇及独到的视觉审美视点。

审美理念范文篇8

1．艺术审美课程的研究，可以引领教师不断学习和深入领会有关幼儿美术、音乐教育方面的新理念，并用新的理念来重新审视我们的艺术教育，为教师树立正确的教育观念，掌握先进的教育教学方法，做出科学、有效的教育行为提供了很好的成长平台。为逐步培养一支有较先进的教育理念和实践经验的研究型的教师队伍奠定了基础。

2．艺术审美课程的研究，使得幼儿艺术教育的内容、形式、方法、材料都更加适应幼儿发展的需要，有效地促进了幼儿审美感受和创造能力的提高。

3．艺术审美活动的研究可以有效地改进幼儿艺术教学的内容，使其更加全面、系统、有效，内容的研究进一步完善了我园艺术特色课程的建构，为幼儿园幼儿艺术领域的研究提供丰富的实践研究经验。

二、激励教育理念课题研究的阶段进程

本课题的研究经历了以下几个阶段：

1．准备阶段（2011年1月至2011年6月）

课题负责人带领课题组成员进行相关理论学习，完善研究方案的主要构想，对课题组成员进行分工，明确子课题的研究内容，起动课题研究文献检索工作，学习课题相关的研究操作方法，对幼儿园教育的内容、形式、方法和材料等方面的现状进行回顾。

2．实施阶段（2012年7月至2015年6月）

有了明确的研究目标和清晰的研究思路，课题组成员就主题的选择、建构和实施三个阶段分别进行了充分的讨论。我们认为：

（1）主题的选择。既要细致分析主题内容所包含的丰富的审美教育价值，又要深入了解幼儿现阶段的审美需要。只有价值和需要相吻合，主题的选择才是合理而有效的。

（2）主题的构建。既要考虑到幼儿的审美认知经验（包括感受）的丰富，又要考虑幼儿审美表达（包括技能）能力的提高。

（3）主题的实施。既能关注预成计划的有效实施，又能充分关注幼儿的兴趣需要，自然、合理、有效地调整教育教学内容。经过多次的实践研究和不断地思考，我们对课程内容进行了大量的调整，使其更加全面、合理。随着研究的深入，参与研究的教师越来越多。课题组负责人组织课题组核心成员对主题的类型、构建的主要路径、实施的有效方法进行了分析、梳理和总结。并将结果分发到每一位教师的手中，有效地提高了全体教师构建和实施主题的能力。在此期间我园教师有四十多篇论文、教学案例在全国、省、市、区获奖。多次接待幼教同行来园进行教学实践观摩活动。还将我们的经典教学案例，如“美丽的螺旋画”、“猴子商店”、“面跳舞”等与幼教同行进行交流，受到大家的一致好评。这大大激发了我们研究的热情，使得我们更加精益求精，更加关注构建和实施过程中的每一个细节，力求幼儿在活动中获得更多的发展。

3．激励教育理念总结阶段（2015年7月至2015年12月）

本阶段主要是完善、提炼与总结课题研究成果。开展课题研究四年多以来，课题组积累了大量的鲜活的原始材料。课题组对照研究目标和预期成果要求，整理了适合小、中、大班开展的美术主题式课程、主题式音乐课程；整理了丰富而鲜活的过程性资料；整理了一节节成功的教学案例、一次次深入而有效的研讨记录，还有厚厚的获奖论文和案例、幼儿创作的生动的绘画、手工作品及再现的一个个精彩的音乐作品等。每一份资料都凝聚了课题组全体成员的汗水和喜悦。

经过课题组长期认真的研究，基本完成了原定的课题研究任务，取得了一系列研究成果，通过研究，本课题组得出以下一些基本的结论：

1．艺术审美课程内容，突出了学习内容的连贯性、系统性、审美性、层次性和有效性。

2．以审美认知（包括感受）经验为显性线索，审美表达（技能）能力为隐性线索的主题构建思路，很好地实现了审美认知、感受和表达的完美统一。

3．幼儿的审美创造绝不是无中生有，而是厚积薄发，因此，适宜而有层次的内容，能有效促进幼儿审美感受和创造能力的提高。

4．通过课题的研究，教师更加关注主题实施过程中幼儿的观察、思考和表达，为幼儿细致观察、积极思考、清楚而富有创造性的表达能力的提高提供了很好的发展平台。

5．艺术审美课程研究，不仅有效地促进幼儿园园本课程的建构，而且提高了艺术课程建构的水平和质量，对主题设计和实施的不断反思，促使教师持续地思考和改善自己的教育教学实践，初步形成美术教学活动的方式———欣赏+创作，音乐教学活动的方式———欣赏+表现，使幼儿获得更大的收益。

6．通过研究，我们发现在主题实施过程中有效利用具有审美价值的家长资源、社会资源，可以提高主题实施的效益，增进教师、孩子、家长之间的情感交流。本课题组的研究成果主要有：原教材比较重视内容的有机联系，多领域的整合，但对于幼儿创造性表达过程中的技能支撑有所忽视。在深入研究阶段有所改善，使得主题内容更加丰富，形式更加多样，层次更加分明。《幼儿园教师课题论文汇编》———课题研究的大量阶段性成果在这里得到呈现，此本汇编中，幼儿教师、幼儿保健教师、保育员、园长等各类人员都有自己的收获，尤其令人欣喜的是一批年轻教师和骨干教师们在课题研究中，教育观念、教育技能、教育行为方面的提升和转变。《课题研讨实录汇编》———这本汇编选取了课题组长期以来形成课题研究的实况记录。包括课题组核心成员关于主题建构的思考，课题实施过程中有关课例的观摩和研讨，课题组研究中期和结束后的交流，从中可以看到课题组是如何开展课题研究的，教师是如何建构主题、实施主题、反思和调整主题的。

三、激励教育理念课题研究的主要观点讨论

在四年多的研究中，我们反复学习《纲要》，并对照艺术领域的核心价值，审视我们的主题内容、核心价值、设计理念，并对我们课程中的内容进行调整。教育内容构建流程：我们分别在实施过程中对幼儿的观察能力、思维能力、表达能力进行深入的研究。

（1）幼儿的观察能力。观察是获取丰富审美经验的有效途径，也是理解作品丰富情感和创造性表达的基础。

（2）幼儿的思维能力。幼儿思维能力发展的主要方式包括想象、比较和归纳三个方面。想象是创造的基础，可以获得丰富的审美经验和情感体验。比较,可以加深幼儿对审美对象的认识和感受，了解不同的艺术表现方法，积累丰富的审美创作经验。归纳,可以将零散的审美经验按线索整理，为幼儿的创作提供思路。

（3）幼儿的表达能力。幼儿的表达分为两个阶段：审美认识感受阶段和审美创造阶段，审美认识感受阶段要关注的是幼儿的语言表达，审美创造阶段要关注的是幼儿的创造过程。课题研究的目标指向是教师的专业成长，而教师专业成长的标志是教师教育观念的更新、教育技能的熟练、教育行为的适宜以及不断发展丰富的如何教的知识和能力，如何把握幼儿学的能力。在四年多的时间里，我们的教师在参与课题研究的过程中都有了不同程度的提高，一支具有正确教育理念、较强实践能力的教师队伍正在逐渐形成。

四、激励教育理念课题研究问题的思考

开展课题研究是幼儿园科研兴园的极好途径，但是，对教育规律的探索和把握是一件十分复杂、十分精细的事情，需要十分严谨、十分科学的态度，在我们开展研究的过程中，还存在着需要进一步研究和思考的问题，我们认为这样才能把课题研究提高到一个新的水平和层次上来。

1.艺术课程的进一步研究

目前，我们的艺术活动内容虽然相对以前而言，无论内容还是形式都精彩得多，但是还不能涵盖所有的艺术教学内容，现在的状况是两者并存，教师自由把握。在下一个阶段的研究中，如何融合、全覆盖，是我们要深入研究、逐步合理解决的。

2.活动过程中教学有效性的研究

虽然我们一直在做，并对欣赏材料的选择、图片的呈现等相关问题也作了比较细致的研究。但是，教育是个相当复杂的过程，关于教学内容是否适宜、教学方法是否得当，问题指向是否明确，工具材料是否有利于幼儿的创作等等问题，都有待于我们进一步去研究，我们认为，只有细致而严谨的研究，才能带来高效的教学。

3.主题实施过程中幼儿的学习品质和社会性发展的研究

幼儿的学习品质和社会性发展是每个领域都必须关注的问题，而且针对现阶段的孩子而言，它显得尤为重要。现根据《指南》精神，我们把它提出来，去深入地研究为幼儿健康人格奠基。

4.主题环境的创设与幼儿发展的研究

审美理念范文篇9

【关键词】环境艺术；设计理念；审美特征

随着社会经济的快速发展，人们对城市的发展要求越来越高，对城市建筑的欣赏和审美不只是外形设计方面，更多的注重设计中所包含的艺术水平和效果，这就要求设计师注重环境艺术设计的审美和实用的融合，高水平的环境艺术设计在带给人们美的同时，对人们环境保护意识的提升起到了促进作用，所以要将环境艺术设计理念不断的渗透到房屋设计、城市规划等各个方面，助力城市化发展。

一、影响环境艺术设计理念与其审美特征的要素

（一）地域环境概况。一个地域地理环境影响着人们的设计理念和审美特征，其内容主要涉及到气候与地形等方面。从我国整体地域环境来说，在环境设计理念上，多与大自然相融合，追求大自然山、水、植物等融合美。南北方由于地形与气候的差异，南方气候温润，植被丰富，建筑多出现假山、花园池塘等，而北方地势平坦、气候干燥，建筑多数气势蓬勃，设计整体形成了中主对称之美，所以地域环境的差异对环境艺术设计理念与审美特征影响不同。[1]（二）经济发展水平。经济发展水平对环境艺术设计理念和审美特征产生直接的影响。在社会经济发展水平较低的时期，手工业与农业是经济发展的支柱，所以环境艺术设计理念贴近自然，希望利用自然的力量实现发展。在工业革命以后，社会经济发展水平快速提高，工业成为经济发展的支柱，人们开始重视环境保护，可持续发展理念深入人心，人与自然的协调发展影响了环境设计理念与审美特征。（三）社会政治文化制度。社会政治文化制度是影响环境艺术设计理念和审美特征的重要因素。在封建社会制度时期，皇权至上，例如故宫的建造，正是为了彰显皇权的威严，产生了中主对称的审美特征，不同的社会政治制度和文化氛围对环境艺术设计理念影响不同，在古代受到道家思想中的无为而治的观念的影响，在环境艺术设计理念上多追求自然的原始美，而如今环保与可持续发展的观念对环境艺术设计产生重要影响。

二、现阶段环境艺术设计理念

（一）顺应人们需求的人性化理念。伴随着经济的发展，人们的生活品质向更高层次发展，对个人房屋设计、城市绿化美化以及城市规划等方面的环境艺术设计要求越来越高，这就要求在进行环境艺术设计时从人们的现实需求出发，开展人性化设计，既做到方便人们日常生活需要，又要融入当地风土人情。[2]（二）人与环境协调的可持续发展理念。从工业革命以来，工业的发展污染了环境，破坏了自然生态，造成了资源枯竭，为了实现可持续发展，在环境艺术设计理念中要融入人与自然、与环境的和谐相处，开展环境保护宣传，促进群众的环保意识的觉醒。环境艺术设计注重可持续发展理念的应用，不断改善城市生态环境。（三）主体参与的多元化理念。如今环境艺术设计不仅仅是设计师或环境、建筑、规划和监测等部门的事，涉及的内容广泛，这就需要众多的主体参与进来。在进行环境艺术设计时，要在以环境设计师为主体下，开展多个部门的共同参与，另外，还要注重社会群众的意见，把人民群众的真正需要反映到环境艺术设计中去。

三、现阶段环境设计审美的特征

（一）依据现实需要的多层次性。随着城市化的发展，城市规划中越来越多的运用到环境艺术设计。第一，人民群众作为受益群体，环境艺术设计需要满足人民群众的需求，确保群众使用便利与舒适，例如在广场上，要注重选择花草，在建筑物上要多选择雕塑类；第二，要注重美感，充分利用好点线面以及色彩的搭配，让群众充分享受视觉之美。[3]（二）空间设计的关联性。环境艺术设计涉及的对象众多，小到屋内设计，大到城市规划设计，所以环境艺术设计要重视设计之间的关联性，在保持各个要素协调发展的同时，还要做到空间的多样性，不可急功近利，例如杭州西湖周围的建筑设计繁琐复杂，限制了西湖的发展，然而南方的园林在环境艺术设计方面具有代表性，把各部分之间的关联性发挥的淋淋尽致。（三）贴近群众需求的实用性。实用性是环境艺术设计的终极目的。在进行环境艺术设计时，要考虑人民群众的现实需要，注重设计作品的功能性。例如城市公园中的长凳，在符合公园环境的前提下，要满足人们休息的需要，还有城市中的垃圾桶设计，既要体现出城市的特色，更要注重垃圾桶的使用功能。

四、结语

环境艺术设计与其审美特征需要从社会和经济发展的现实出发，注重人性化、可持发展以及多元化参与，促进环境保护。

作者:宗伟 单位:江西科技师范大学

参考文献

[1]张思傲.关于环境艺术设计理念与其审美特征的思考[J].科技经济导报,2016(24):103.

审美理念范文篇10

以意造型的艺术主张，早在晋代时其理论准备就已逐渐完善。随着艺术的不断发展，唐代时期的画风与追求都各呈其貌，艺术主张也不尽相同。如唐代虽主张形意兼备，而表现出了更加重意的倾向，有“画无常工，以似为工，画无常师，以真为师，故其措一意，状一物，往往运思，中与神会”之说。这种重“意”的倾向与主张，到了唐末则又有了“意存笔先、画尽意在，所以至神气也”的审美意识与个性表现。故此时的造型是受意境指挥笔墨而表现，是在“意”的主导下由“形似”的转化而完成的。作品的审美意识也由此体现出作者的主张。当然这种“意”的超越，在古代也没有完全消除造型上对“形似”的追求，在宋人那里，宣和画院的画家在宋徽宗赵佶的提倡下，亦以竟尚写实而迎合时尚，讲究“形似”为院体画的标准，即使这样，文人与士大夫们也没有改变崇尚画中应有诗意、情思、意趣的审美观，并使其逐渐在画面的艺术处理与追求中占据优势，且“意境”之说也被提升为画中追求的首位。

宋代苏轼曾言：“论画以形似，见与儿童邻”。即形似不是作画的目的，而是要求画家写出自己的心意，表现出内心不得不吐的胸中之“意”。这种审美准则，到了南宋时代，又被拓展为“意足不求颜色似”的新主张和倪云林的“仆之所谓画者，不过意笔草草，不求形似，聊以自娱耳”的文人雅兴。当然还有元代其他画家，如黄公望的“画不过意思而已”等见解，最终都归结为“画者从于心者也”的有我之境。这种“尚意”传统下的形态塑造正是中国画艺术的特色，也是研习中国画的学子必须掌握与彻底领悟的基本法则。由此可见，对造型观念建立在何种审美价值观的认识之上，并使其赋有个性的准则，进而反映出具体物象的本质意义，只有完成这种物象与内心感悟的视觉转化，真正理解与掌握中国画线造型的原理，才能真正做到写形、写心、传神，并将三者一以贯之。

线是中国画的主要表现技法之一，也是中国画最重要的特点，更是中国画的基础。无论是传统中国画，还是不断演进中的当代美术创作中的新理法，线造型的含义与性格都折射出中国人观察事物的独特眼光，更是阐明了中国绘画艺术注重人的理性精神，注重人与事物之间的关系。若于具体作品而言，线造型的表现，则是以移动视角的态度来观察世界的一切。这种主观性，在学术上称之为散点透视。所以说，中国人主客统一的观察事物的方法，是善于讲究同时将几个视点及不同视平线内所观察到的物象综合在一起表现，并使人感到一种视觉感官上的舒服与满足。这种善于平面性处理事物的造型观正是源于中国的哲学、绘画工具的特殊性及建筑的空间样式与形式的特点而逐渐形成的造型观念。而线造型的观察、提取和纵深感的空间意识，所体现的是通过线势、线性、笔触、墨韵之微妙变化而达到，并体现出中国画造型的民族气质与风格。所以，以线造型既体现出中国画具有强大的视觉表现能力上的宽容性，同时又易于客观对象的提炼与概括，并具有独立的审美价值和超越自然的绘画形式，并达到所创造的“第二自然”之理想境界。

线造型在水墨画与工笔画两种形式中则表现了不同的性格，其造型中用线的含义及艺术功能也各不相同。就工笔画而言，“线”取自物象受光时起伏变化的特定位置与事物自身结构上的边缘及组合，如此产生的线造型不但生动而且线性、线态符合艺术规律的表现。对于水墨画，线的提取与表现，更多的则是个性的精神符号语言，其观察与认识事物的方法更加主观与纯粹，这种造型则更多地体现了中华民族的传统及精神内涵、审美与个性、立场与气质。所以说，以线造型无论在形式选择上如何有别，则无不表现出民族文化艺术的传统性，这就是线造型所产生的“言有尽而意无穷”的艺术效果及美学特征。

对于中国画家而言，如何从大自然中寻找表现自然形态的灵感，以不同的视角选择与心灵感悟去追求别具新意的艺术形态，可见证于历史上成功的画家无不借形态的特征表现，而隐藏着对人生命运的思考和人性丰富情感的物化。而这种艺术表现则以线造型的形式展现在画面上。线造型的另一方面，就是要表现非常规意义下的形态，并赋予其精神与生命，体现审美与个性，使之成为新的视觉艺术的启发点，并体现出其社会的功能及影响社会价值的作用。所以，如何运用以线为艺术语言手法来表现形态，使其自然、生动并赋有审美意识与学术个性，而对线在造型上的发扬，有着各种要求。只有这样，才能透出对自然物象规律特征而表现出线性、线势的个性特征，并赋予自然形态无穷的力量与生机，使作品的画境产生出超越时空的艺术张力。

对于线造型的形式表现探索，在两宋及元初花鸟画的线的写实发展中得到过验证，也致使元明清以后写意花鸟的大肆发展。这种审美的转化及新技艺的表现与发展，使得中国画艺术在写生到写真的过程中进行了一次彻底性的革命，开创了有别于两宋传统的绘画风格。所以说，线的本质是个性的精神，这是其一。其二，中华民族的传统文化及民族的欣赏与审美习惯与造型风格是线造型表现的基础。同时，不同角度的选择也是影响线造型的基础。这一点无论古今，都是一致的。

书法的发展深刻地影响了中国画线造型的审美情趣，同时也促成了中国画用线造型的技艺拓展及水墨写意画形式的飞跃。这种飞跃的本质在于画家调动艺术个性和内心情感，使线与面的表现有机地融合，这种突变的产生，有助于运用笔墨表现形态质感的审美效果，否则作品中的面总是被线造型应用的概念所取代，使人看到的总是线。同时，也应指出中国画的面与西洋画中的面不同，中国画是非常主观地注重情感，这一点与其观察物体注重意象是一致的，所以其追求的面也是柔软与模糊的审美感觉。所以，于书法的变化中所产生出的不同的线性特点及审美追求，创造出中国画诸多的艺术流派。

中国人追求的是一种“天人合一”的自然观。和谐相处的哲学特性与主张，在承传中多以横向性吸收与兼并的态度对待传统绘画艺术中的线造型意识，使中国水墨画自产生之日起就是以意象的表现来完成对空间的建立，即创造出一种多维的空间样式。这种艺术的前瞻性创造，对于西方艺术来说，到了近现代才从焦点透视的空间样式中解脱出来。所以说，以线造型拓展而成的物象意象空间表现，正是作者精神性与抽象空间相结合的统一体。由此说明，艺术并不是对大自然的简单再现或复制，而是艺术家心灵中那种切身感受的真切与初始的表现，是转化自然空间中的物质形态为心理空间中视觉心态的艺术再现。