传统民族艺术范文

导语：如何才能写好一篇传统民族艺术，这就需要搜集整理更多的资料和文献，欢迎阅读由公文云整理的十篇范文，供你借鉴。

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微信、微博、微电影、微小说、微广告等无处不在的“微产品”，将大众带入了一个“以文字少、移动终端体积小作为典型文化传播特征”且和传统媒体差异悬殊的“微时代”。便利的新型传统媒介将世间万物以短小精悍的信息形式展现给大众的同时，也滋生出浮躁化、浅层化、弹片化等“微心态”。当下的年轻人生活在电脑、网络和手机普及的年代，成为“电脑族”、“低头族”、“手机控”，习惯于陶醉在尼尔?波兹曼所谓的“娱乐至死”的时空下，传统审美心理中的“非功利”元素正在被微时代悄然解构，我国传统民族艺术黯然褪色，渐渐失去了对传统民族艺术传承的主角――年青一代的吸引力。这就将传统民族艺术的保护传承置于一个尴尬的境地。尽管如此，在这种境地下，做好传统民族艺术的保护与传承，“微时代”仍将大有可为。

传统民族艺术是一个国家或者民族在长期的社会实践中所沉淀的精神文明和物质文明的文化遗产，也是民族特有的思维方式、价值观念的精神体现，在当今社会弘扬传统民族艺术非常有必要。弘扬传统民族艺术并不是简单的继承，而是结合当今时代需要，充分利用“微时代”的力量，创新性地弘扬传统民族艺术，取其精华去其糟粕，推陈出新。

随着信息技术的飞速发展，依托互联网而发展起来的新媒体正在日益改变人们的生活。在信息化的时代，弘扬传统民族艺术更应结合当今时代旋律，运用大众能轻易接受的传播方式进行宣传。弘扬传统民族艺术不能流于形式，不是摇头晃脑念几首故事，也不穿穿汉服读几首经典。要把传统民族艺术中精华的东西用现代人喜闻乐见的方式展现出来，尤其是要利用互联网。微博、微信、微电影等都是宣传传统民族艺术的有力工具，要大力加以利用。尤其是正确把握和引导大众出现的系列“微心态”，将对微时代场域下传承和弘扬传统民族艺术起到不可磨灭的重要作用。

在微时代场域下，“微心态”是一个矛盾体，它喧嚣、浮躁的另一面是推崇高度的快捷化和与时俱进的现代化。巧妙地展现它的“正能量”对传承民族艺术能起到意想不到的功效。首先，应多维度探讨微信、微电影、微博等新媒介传播对年青一代在审美心理、价值观念和社会心态等方面产生的影响，利用年青一代对这些“微元素”盲从和追逐的偏好，将民族艺术中的各种经典元素现代化、时尚化，潜移默化地植根于人们日常生活的方方面面，以赢得年轻人自觉的青睐、关注与参入。譬如，福建闽南地区就凭借“一带一路”契机，运用网络推广“民族民俗真人版桌游”、微信推送当地民族小吃烹饪技巧、制播充满闽南风土人情的微电影艺术等方式，让年轻群体在游戏、美食和视觉感官艺术中主动自觉地体验和探索了当地民族艺术，培养了其对传统民族艺术浓烈的主人翁意识。其次，利用“微元素”的传播力对传统民族艺术“扬弃继承、转化创新”，对部分腐朽、时过境迁的传统民族艺术表现形式加以革新，赋予新的时代内涵和表现形式，更好地契合“微时代”的流行趋势和个人体验。如2012年端午节前夕，一部公益微电影《我的端午节》正式推出。该片6月21日起在凤凰网视频、爱奇艺高清、优酷、中青在线等多家主流网站上线后，10个小时内就吸引了超过10万网友观看。对在异地求学工作的人们来说，这部微电影承载了他们对家的思念，对亲情的眷念，对童年的追忆，也让他们在观看微电影的同时，更了解我们传统节日丰富的文化艺术内涵。类似于这部微电影一样，短短的20多分钟讲述了传统的端午文化与艺术，恰好迎合了当年快节奏的生活方式，以一种喜闻乐见的方式让年轻人接受了传统民族艺术文化的熏陶。再比如，纪录片《舌尖上的中国》也是弘扬传统民族艺术的一次成功实践。通过中国传统饮食艺术文化的展现，各种温情故事的穿插，让人易于接受，追忆过往的年代，回味童年的记忆。对大众进行了一次深刻的传统民族艺术熏陶。

诸如此类的案例举不胜数，皆是传统民族艺术的现代表达。弘扬传统民族艺术能够为实现中国梦提供强有力的精神保障，我们在弘扬传统民族艺术时，要注重运用现代的技术手段，充分用好“微时代”这把利器，不断扩大传统民族艺术网络宣传影响力，用新媒体传播传统民族艺术，寓教于乐把中华优秀传统民族艺术的种子根植于我们内心，让其开出美丽的文明之花。

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关键词：中国传统艺术；传承；创新；服装设计；植入

    随着中国综合国力的不断提升，被忽略的传统民族艺术也逐渐成为艺术工作者表现形式的主流。对于服装设计教育来说，从上世纪末便提出的“民族的即是国际的’旧号，也从未像今天这般为我们所感同身受。如何继承和发展传统民族艺术，如何将传统民族艺术更好地融人服装设计的教学实践中去，也成为高等院校进行服装艺术设计教学所面临的课题之一。对于服装设计来说，将传统民族艺术与实际应用完美结合，积极吸收新的艺术元素并加以创新是服装设计从业者应认真对待的任务之一。

    中国传统服饰的源流追溯起来是一部涣涣长河，其大背景就是中国五千年的辉煌文明史，“衣冠中华”谱写了绚烂的服饰宝典。在经历了“西服东渐”的冲击之后，随着中国综合国力的提升，其服饰的文化归属感在国人心目中也表现的愈来愈强烈。

    在今天的服装艺术教学与创作中，民族化与时代化之间，传统艺术与现代艺术之间，传承与创新之间，它们枝蔓缠绕的关系不禁使得一部分人困惑、矛盾。时代感，是文化最具生命力的品格，无论在哪种文化之中，时代感的强弱都是其文明程度最敏感的标志，服饰文化也不能例外。作为一名服装教育工作者，将传统民族艺术植人服装设计教学实践中，以民族传统为基础，面向时代，以现代服饰设计为目的，成为今后工作的重点。

一、注重传统艺术的发掘与借鉴，力求在继承中不断创新

    中国有五十六个民族，它们共同构建成了中华民族璀璨的文化奇葩。各个民族在漫长的历史中，用智慧和汗水创造了辉煌的艺术成就，为我们留下了宝贵的文化遗产。在中西文化的比较中，我们看到了本民族文化有着积极的成就，也有着不足之处。我们应该用批判的态度进行选择，有机把握传统艺术文化中的“利”与“弊”，以便于汲取并传承传统艺术中的精华。今天，许多传统艺术面临湮灭的尴尬，许多传统技艺后继无人，甚至失传。我们今天的学习与继承从某种程度上说，也是对民族艺术的挽救，这也是我们义不容辞的责任。

    像我国古代的绎丝工艺，由于其工艺精繁、对工人素质要求高，时间花费多，见效慢，其有些技艺在建国后慢慢消失，不过，这种技艺在我们的邻国—日本，被很好地保留并传承了下来，现在的日本仍保留着从隋唐时期传人的“本绎丝”及“引金箔腰带”技艺。今天，这项在中国失传的技艺在两国的文化交流中辗转回到中国。这不由得我们不警醒—不要让老祖宗的好东西败在我们手中。

二、传统民族艺术在服装设计教育中的植入形式

    我们要做到将传统艺术很好地植人服装设计教育中，首先我们要将传统民族艺术与现代服饰有机结合，它们应成为互为包容、相互协调的统一体。他们之间既相互包容，又相互对立。我们应在教学实践中注重引导学生深人了解传统艺术的文化性、地域性，注重传统艺术符号在服装设计中的嫁接与借鉴。摒弃程式化的、流于形式的肤浅模仿，注重挖掘传统艺术精髓中认识传统艺术的文化土壤及历史属性，学会在服装设计的学习中把握和体现传统艺术的文化脉络。在当今的服装设计界，中坚设计力量对此有了很深的体会，并将传统艺术在服装设计中的融人作为开启世界时尚大门的金匙。

    其次要重视地域文化，促进服装创新。纵观服装的历史发展，也是一部时代变迁的历史，从中我们可以看得到文明发展的脚步，同时反映出各个不同历史时期不同的经济水平、文化水准及人们的审美观念，由于自然条件(种族、地理、气候)、精神状态(风俗习惯、时代精神)、历史环境等因素，形成了相对独立的地域性服装文化。其服装以外的艺术形势也强烈的表现出这一特征。

    传统民族艺术在服装设计教育中的植人形式很多，我们简单总结如下:

 1.意境植人方式

    我国传统民族艺术讲究意境，尤其以寓意吉祥美满的内容居多，往往通过图案及图案的形式来完成。这是我们祖先为追求美好生活而创作出来的一种艺术形式，它完美的将吉祥与图案结合在了一起，代表着传统的民俗民情。

    吉祥图案涉猎广泛，包括政治、经济、文学、历史、风俗、宗教等方面，赋予人们积极向上的内涵与意义，是中国人热爱生活、努力创造幸福、美满、乐观的心理反映。如“喜上眉梢”，“竹报平安”，“五福(蝠)临门”等等。“龙”被视为中华民族的图腾，代表奋进、勇敢、尊贵与威武。这些吉祥图案以其寓意被用于传统艺术的各个门类，不论是雕刻还是瓷器装饰，不论是剪纸还是染织，千百年来这些带有美好寓意的图案被赋予了生命与灵性，成为中国人重要的精神寄托。如今，这份宝贵的艺术遗产成为了设计师们表现的法宝之一，新锐设计师祁刚为影星高圆圆精心设计的“喜上眉梢”惊艳戛纳，以民族传统吉祥图案传递着特有的中国文化。

    2.图案植人方式

    中国传统图案的历史由来已久，中国文化从开始就认识并强调纹饰的作用。我国传统图案种类繁多，内容丰富。从变幻无穷、风格各异的传统图案中，我们可以感受到历史各时代的工艺水平和中华民族一脉相承的文化传统，许多传统图案至今仍被广泛使用，经久不衰，保持了旺盛的生命力。在服装设计中，将具有传统艺术形式的图案与现代服装相结合，成为设计师们常用的设计手段，传统图案在服饰中的巧妙植人，成为时尚与古典的重要碰撞形式。

    传统图案在植人服装设计中时，要注重图案与服装结合的形式美感，形态与功能的关系、形态与材料以及工艺的关系，这样才能将传统图案与服装完美结合在一起，更有效地完成对服装文化内涵的诊释。

    在具体的图案植人时，首先要考虑到地域性、时代性，才能在选题、表现手法、艺术风格的把握上做到严谨、准确，有特色;其次要考虑到传统图案的创新，有意识地进行一些试验性创作，得到新的启发，获得创新灵感，给古老的艺术注人新的生命与活力。

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不同地域、族群对图形的理解和认识有其不同的特点，所形成的艺术上的特征也是不一样的，这是由各民族的地理情况、生活状况、文化背景、风俗习惯多种因素决定的，反应出该民族的审美思想和审美需要，总的来讲源于本民族的社会经济基础生活。图形的民族性不在于艺术作品中是否具有民族特征的图形，不是简单描写民族图案、服饰和风俗，而在于能不能体现了民族精神、是否用民族精神去表现事物（即能不能反映本民族图形文化特征）。现代艺术设计是一门综合性的学科，讲究现代技术和传统图形的综合运用，达到具有国际化的特点，在视觉上也就是综合现代科学技术把民族传统图形提炼出来，加以艺术化处理，以形成一种特殊的符号效果。“民族传统图形”给予工业结构、工业构造、机构部件以美学价值。当今世界是一个多元化的世界，图形的民族性、世界性正日益受到人们的重视，在世界的设计舞台上发掘民族图形的特性，用民族图形独特的艺术语言为现代艺术设计服务。由于受诸多方面的影像，当前我国现代艺术设计与欧美发达国家相比，在某些方面依然有着一定的差距。我国的现代艺术设计在借鉴那些优秀设计的同时，应注重对本民族优秀传统文化的学习。因此，如何把我国民族传统图形运用到现代艺术设计中，这是我国现代艺术设计发展的必然思考。

2现代艺术设计对民族传统图形的延续和发展

（1）对民族传统图形的继承和革新是促进现代艺术发展的重要因素。继承性是艺术的发展是有其内在需求，这种继承性，是前代艺术对后代艺术的巨大影像和感染，以及后代艺术对前代艺术的积极成果的传承和保留。反映着不同历史时期的社会意识形态和审美观念的延续性和革新性。正如马克思所说：人们自己创造自己的历史，进而来改变历史，传承历史。同样，艺术设计也在以延续历史的轨迹发展着。现代艺术设计对民族传统图形的延续和发展会随着时间和特点环境的变化而变化，这是艺术自身发展的一个普遍规律。

（2）民族传统图形和现代艺术设计辩证统一的，正如画家吴冠中所说“风筝不断线”，形象地说明了艺术必须立足于本民族的土壤，用本民族人民喜闻乐见的、容易接受的方式来进行艺术创造。同时我们也看到，艺术本身是无国界的，其民族和国家的优秀文化和艺术成果，既是其本民族的也是世界的，因而现代艺术设计也是对民族传统图形的传播和发展。东西方各民族很早就已经开始了文化艺术交流，历史上著名的“丝绸之路”，不仅是横贯中西的贸易之路，而且也是中外文化艺术交往的通道，图形作为艺术的语言在相互交流传播着。

（3）民族传统图形在现代艺术设计的应用，既是建立在批判的继承原则基础上，还要坚持在艺术的思想内容、表现形式、设计语言、创造手法等方面的塑造，不断的适应不同阶段不同时期人们对于在现代艺术设计中民族传统图形的发展需求。在现代艺术设计中图形成为各民族间交流的语言，这些我们可以通过一些标志、招贴广告以及产品的符号中不难看出。民族传统图形在现代艺术设计中的寓意，超越了图片的画面范围，其不仅仅局限在设计作品的形态和结构元素上了，而是上升到图片所反映的民族内涵和民族精神。纵观历史，在现代艺术设计发展的历史长河中，继承、借鉴是手段，创新是目的。人类的民族传统图形正是在艺术潮流中不断更迭、不断的发展、不断的创新。

3民族传统图形如何走向世界

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关键词：艺术设计；传统民族文化符号；运用

在现代社会发展中，传统文化似乎已经彻底远离了人们的生活，我们只能通过报纸、网络、博物馆和图书馆等渠道感知传统文化。中国的传统文化就快要真正成为历史“符号”了。

作为民族精神的重要体现方式，传统文化符号在坚持民族历史艺术风格的基础上，还应融入国际化通用的设计理念和设计方式，只有这样，设计才能获得强大的精神支撑，民族艺术才能变得世界化、现代化，从而得到全球的认可和赞扬。

1、设计中民族文化符号运用的问题分析

在传统文化实际设计过程中，设计师在选取传统民族文化符号方面存在很多问题，主要有以下几点：第一、范围过小，内容含义浅潜。其形象设计大多依靠文化形态中最表面的器物文化，例如，古代玉器、青铜瓷器、木艺家具等等历史悠久的工艺作品以及附带的装饰物品，又或者是古代房屋建筑、书法绘画等传统艺术形式等等。选取这些古代物质文化作为传统民族文化符号的主要对象，除了民族符号能最直接反映华夏民族文化特点这一因素以外，还因为这些民族符号加工成设计语言应用到设计中十分方便快捷。由此我们可以看出，设计师选取符号时的惯事实上是对民族传统文化和古代器物艺术理解不够彻底造成的，所谓惯就是设计者只能停留在对器物的表面理解上，无法深入感知器物包含的精神领域的深远意义，机械性、习惯性的进行设计行为，例如古代人们学识礼仪、行为习惯、生活习俗、诗书思想等深层次的文化形态却完全被漠视了。第二，在设计过程中“生拉硬拽”的使用传统文化符号。一旦要求设计内容具有中国特色，设计者通常就是使用太极、龙、书法、水墨画等符号，这些元素在设计者脑中似乎已经成为固定形式，只是意味的机械设计，不会推陈出新。有时候根本不参考现场环境以及所选内容是否真正符合作品的特性。例如，倘若在手机上设计太极图形，设计师在思考怎样设计之前，首先要去找太极和手机的关联性和共同特点。只有在合理设计的基础上，才能合理的使用民族符号。

“重构”就是将选取的民族文化符号进行加工重组，塔直接影响到设计成功。目前，设计师在重组方式和构建方式上手法都比较单调。一方面是因为传统文化历史悠久，源远流长，面对如此庞大的文化内容，设计师无法进行吸收、消化和重组。另一方面由于对设计内容含义和传统民族文化符号的关联理解不到位，要不就直接将文化符号生硬切布甲解释的应用到设计作品中，要不就将文化符号等同于外部装饰不假思索的应用到作品美化中去。这样设计出来的东西，作品没有变化，符号也没有变化，两者之间并没有合二为一，所谓的中国特色设计也不过是一种没有灵魂的模仿秀。

2、艺术设计中传统民族文化符号的运用方法

2.1“西学为体，中学为用”

哲学家李厚泽在《中国现代思想史论》中曾提到，我国在设计民族文化符号过程中其实可以采取“西学为体，中学为用”的方法。是指引入西方的具体方法和措施，在中国特色艺术设计之路。其中的“体”说的是本质和原则。而重点则是“用”字。他认为要用西方的理论知识，思想技术来改变我国传统文化的心理结构。“西体中用”确实是一个适合中国特色艺术发展为全球化的好办法。

2.2当代艺术创作中偏重对中国传统文化符号的运用

民族的即是全球的，华夏民族历史悠久，传统文化博大精深，作为华夏子孙，我们一定要加以传承和发展，使艺术挣脱经济全球化所带来的文化形式单调的现象，突破艺术模式的单一化。传统民族文化符号体现出中华民族的心理转变、思维模式，是五千年中华文化的沉淀。比如，在外国人眼中，龙是一种口中喷火，身长利爪，凶猛动物，象征着残忍、邪恶和危险。然而在中国，龙则是权力、财富和威严的象征，具有祥和之意。

2.3中学为体，西学为用”

文化世界化现象使人们在认知方面产生了巨大转变，“中学为体，西学为用”又再一次成为焦点。“中学为体，西学为用”是指我们应该吸收和接受外国文化的精髓，将其应用到我国自己的作品设计当中去，在世界的大背景下，中西文化的交流能够使艺术符号改变传统的单一模式，使传统的符号模式得以发展和延伸。在进行艺术创作时，以我国传统文化符号为主要对象，参考和借用西方的文化理念，设计出优秀的作品，大部分艺术设计者在创作过程中更倾向于“中为主，西为辅”，较多的加入中国传统符号内容，在作品中体现我国的民族文化和民族精神。

2.4异形同构

这种方法在平面广告招贴中比较常见，这种方法是把两个毫无联系的图形拼凑在一起用来表达中心思想。通过异形同构可以完成一部分民族图形的再生工作。由于变异的差别，元素重新组合后，有些可以保持原来的部分特征和形态，但是有些可能转化为别的存在形式。

参考文献：

[1]（美）苏珊・朗格.艺术的问题.滕守尧[M]，译.南京出版社，2011.

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1.充分挖掘和利用教育资源

首先，编写好校本教材。剪纸作为校本课程，没有现成的教材可用。为此，学校要动员教师和学生广为收集有关剪纸的书籍和资料，并到新华书店购买相关书籍。同时，充分利用网络资源，由课题组负责把这些材料整编成册，作为剪纸校本教材。其次，充分利用民间艺人这一稀有资源，邀请民间艺人来校指导，传授剪纸刻纸的技术和方法。

2.激发学生学习兴趣

要逐步普及剪纸艺术，就要通过多种渠道向学生介绍、宣传剪纸艺术。可以在学校的宣传橱窗、墙面、楼道、教室、窗户等位置上张贴师生的剪纸作品，发挥校园隐性环境课程的教育作用。利用学校广播等媒体进行定期宣传，介绍剪纸的知识、方法，借鉴适合学生自主学习的剪纸教学网站，开展为学生作文配剪纸插图的活动，编制“小巧手”剪纸学习专栏，使学生对剪纸由陌生到熟悉，由熟悉转为亲切，激起探究欲望，营造积极的校园剪纸艺术氛围，使师生在校园生活的每时每刻都能受到艺术熏陶。

3.让学生积极参与剪纸

剪纸是一种工艺，需要良好的心态、力量的均匀和意志的坚定。不论学什么，精神都是最重要的，方法是第二位的。剪纸教育注重动手、动脑，能营造一种轻松活泼、主动探索的课堂氛围，激发学生的创造性与求知欲，提高学生在创作过程中发现问题、解决问题的能力，寓教于乐。剪纸内涵十分丰富，具有极强的综合性，涉及数学、美学、哲学、力学等。它的创作过程，与常规教育有很大的区别。剪纸教育主要是以学生为主体，充分发挥他们动脑、动手的主动精神，而且还要提高他们的美学审美层次。剪纸艺术的内涵是开放的，是课内外相结合的，能促使学生广泛地吸纳更多的学科知识，特别是美学知识，因此在剪纸的创作和教育过程中包含了再认识、再创造循环往复的过程，对人的品质的培养产生了重大影响。很多不愿学习的学生通过参与剪纸艺术，学会了吃苦，磨练了意志，提升了自信，开始热爱学习。

4.建设剪纸艺术传承团队和工作室

学校应安排教师牵头成立剪纸艺术学群，负责剪纸工艺教育和教学工作，并定期邀请剪纸大师或艺人来校讲学、传授技艺，由教师和工艺师联合组成传统工艺传承团队。还应该建立剪纸工作室，继承传统、融入时尚元素、结合现代科技手段，实现设计室、创作室、展示室三位一体，使设计、制作、展示在真实的职业场所环境中进行，真正实现艺术融入技术、技术凸现艺术。学生跟随指导教师学习实际操作技能，真正做到“教学做”合一。每一件栩栩如生的剪纸作品，都能够很好地感染熏陶学生。

5.建立新型的师生关系

在师生关系的处理上，要建立陶行知先生所提出提出的“艺友制”，即教师和学生之间是一种新型的师生关系，既是师生，又是朋友，教学形式不拘泥于课堂，大家像朋友一样相处。学生在学习过程中可以和教师进行交流，既可以切实学到技艺，还可以发展创造性思维，极大地调动学生的学习兴趣。

二、传承剪纸工艺对塑造校园文化的再思考

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关键词：西兰卡普；产业化；传统工艺

西兰卡普是我国西南地区土家族特有的织锦，对于土家历史以及巴楚文化有着极高历史研究价值，也有着独特的审美价值。但因其本身就是传统工艺品，出产地又位于鄂湘黔的边远山区，交通不便，信息闭塞。在继承与发展过程中，遭遇到很多无法避免的困惑和阻碍。

一、土家瑰宝――西兰卡普的历史与传承意义

土家织锦的出现可以追溯到商周，在两晋时期基本成型，唐宋年间趋于成熟，明清时期已然完美。历代以来，地方的土司土官都会将土家织锦作为上等贡品想朝廷纳贡。[1]西兰卡普主要用于土家服饰、铺盖背面以及一些小的装饰用品。另外，在宗教祭祀活动上或者逢土家族重大节日，例如舍巴日、牛王节等，都会用上西兰卡普。西兰卡普还是土家女儿必不可少的嫁妆，土家女儿一般从十岁开始就跟母嫂学习西兰卡普编织，好将来为自己编织嫁妆，编织的好坏会直接影响到婆家对这一媳妇是否心灵手巧的判断。

但是作为男耕女织的农业文明时期产物，西兰卡普具有落后性、封闭性的特点，那么对于西兰卡普的继承是否是有意义和价值呢？

生长在土家族聚集区的笔者，强烈的感受到了这一织锦正面临着消失的危险。由于工业经济的发展以及汉化的结果，现在当地大多数的人们在日常生活中对西兰卡普的需求几乎没有了，穿的都是现代服装，用的也全是现代家用纺织品，土家女儿也不再用亲手织的西兰卡普作为自己引以为傲的嫁妆了。本就是自给自足的小农经济产物，在现代文明的冲击下，就更没有了发展前景。土家族的摆手舞、南剧、撒叶儿嗬等土家非物质文化遗产[2]的继承也面临着同样的问题。不仅仅是土家族，整个西南山区少数民族的非物质文化遗产的传承与保护也同样如此。如果在传承西兰卡普方面有所突破，同样也能对其他少数民族传统工艺的传承起到借鉴的意义。

二、山路弯弯――少数民族传统工艺的困厄

然而，作为土家族民俗文化缩影的西兰卡普在继承与发展中也面临着不可避免的问题和困境。

（一）传统手工艺术后继无人，面临消失。随着现代化的发展，科学技术不断更新，传统手工艺术不具有广阔的市场，发展较为缓慢，所以越来越多的手工艺人纷纷放弃了传统手工业，继而转向现代工业。手艺人的社会地位越来越低，并且收入微薄，所以没有年轻人愿意加入继承传统手工艺术的行列中来。

（二）从事传统手工业人员的文化素质偏低。目前留在当地织锦的往往是家里的妇女，她们的文化素质往往偏低。不懂得如何去推销自己的东西，也不懂得如何形成自己的文化品牌，更没有能力使西兰卡普的制作销售形成完整的产业链。

（三）西兰卡普的生产规模较小，发展空间小。现如今土家族部分地区还有制作西兰卡普的手工艺人，这一小部分人依靠传统织锦来贴补生活。生产规模小，资金投入少，西兰卡普没有更多的发展空间。

归根结底，困扰西兰卡普发展的本质还是在于其自身的性质，同样是民族传统工艺的传承，苏绣和蜀绣等织锦的发展相对会更加容易，因为在其历史发展过程中，由于地理位置的优越性，这两种手工艺术品就已经作为商品而存在了。而西兰卡普，同其他少数民族传统工艺一样，其本身出现的必要就是土家族以家庭为中心的生活必需品，而在历史上从来没有作为商品而存在。更为严重的是在现代的今天，随之纺织工艺的现代化，对于大多土家儿女来说，西兰卡普已不再成为一种生活必需品。

三、探寻路标――西兰卡普发展前景

（一）改善传统织法缺陷，推动产业化发展

西兰卡普采用传统织机手工编织，而且制作工艺复杂，其过程还需进行反复翻染，手工艺人编织一幅货真价实的西兰卡普大概需要半年的时间。耗时长，生产成本高。因为西兰卡普所选用的材料，致使西兰卡普触感粗糙，并且柔软度很差，过于厚重硬挺。在土家人民生活中，传统的这样的西兰卡普主要用作铺盖、背面，而现在真正的西兰卡普已经不再是土家人日常生活用品，而是用来被收藏和鉴赏的艺术品了。

但是如果想要将西兰卡普变成不仅仅只是成为供人收藏的艺术品，而是更多人可以触摸到的手工艺品，就必须要把西兰卡普推向产业化发展的道路。产业化发展就必定会与现代生产方式相结合，西兰卡普首先要做的就是改善自身传统的缺陷，适应现代化生产方式。[3]

这样做并不等于放弃手工织法，而是在探索继承与发展西兰卡普的道路上分为两个方向。第一个就是注重西兰卡普真正的传统织法，花费更多的资金投入，织出高、精、贵的西兰卡普。使其具有极高的收藏价值和土家民俗文化的研究价值，打造高端的文化品牌。虽然对这些少量的优质织锦的消费市场很小，但是高成本、高收入这一道理是亘古不变的。不仅如此，还能更好的打造优质的品牌形象，在高端奢侈品牌市场上有一立足之地。

但是如果仅仅只是走这一条路，只会让西兰卡普仅仅只是固守传统，无法与现代社会相融合，与时俱进。因此需要开辟另一条道路，将西兰卡普产业化，更加注重西兰卡普所蕴含的文化因素，把西兰卡普的图案纹样和色彩搭配元素运用到各类产品中去，用现代机器生产流水线代替。虽然低成本、低收入，但是这一消费群体的集体消费能力是不容忽视的，薄利多销同样也有很大的利润空间，更能促进“西兰卡普”产业化的多元发展。[4]

（二）利用旅游和互联网新兴模式，打造知名文化品牌。

“西兰卡普”本来就是土家族历史发展过程中代表性的民族手工艺品，利用其文化因素 和当地的旅游活动进行捆绑营销。旅游活动本就是一种人类对文化的需求活动，在旅游活动中，游客对当地的旅游商品有着强烈的消费需求。

湖南湘西自治州也是土家族聚集的区域，也是土家织锦“西兰卡普”的发源地之一。在张家界、凤凰古城等旅游景区都可以看见，“西兰卡普”作为旅游商品映入游客的眼帘。另外，在湖北恩施市女儿城，还专门在其景区内搭设舞台，表演舞台剧《西兰卡普》。这部舞台剧以关于“西兰卡普”的民间传说作为创作题材，并融入了土家山歌、摆手舞等文化因素。来到此旅游的游客自然会对如此有底蕴和特色的文化表演所吸引。

苏绣在全国乃至全世界都有极高的文化品牌认可度。享受国内外美誉。苏绣在打造自己的品牌形象时，不仅仅是全靠本地旅游带动。更有一个重要原因就是利用媒介和互联网推广自身产品。在互联网上，很多的新闻网都会有有关苏绣的报道，视频客户端也会有很多关于苏绣的专题宣传以及苏绣绣法的简单视频教程。不仅如此，在京东、天猫等网上有众多的售卖苏绣的官方旗舰店，人们可以很便利的在网上购买各种各样的苏绣工艺品。而相反，在天猫网上竟没有一家专门售卖“西兰卡普”的旗舰店。可见“西兰卡普”在利用互联网方面还是不成熟的。当今世界的人们生活在一个互联网发达的时代，通过互联网使自身的产品多次数频繁的出现在公众的视野里，自然就会受到关注，提升文化产品的知名度。

（三）发展区域文化产业，推动产品多样化

生产“西兰卡普”，主要还停留在原始的手工作坊的生产方式，而且形成规模生产的企业少之又少，直到现在其发展规模仍没有很大的跨越和发展。

依据目前“西兰卡普”的市场分析上看，企业在精准的市场定位及满足现代消费者多样化需求上，所作的努力还是远远不够的。首先要做的应该是规划生产市场，地方政府在这一问题上可以做一个牵线搭桥者，联合已经出具规模的各个企业，强强联合，他们之间最大的益处就是对生产市场和消费市场的资源共享，还可以形成更大规模的生产基地，加强手工艺人相互之间的交流和联系，推动对“西兰卡普’的创意研发。生产企业之间的资源共享，更能帮助其制定精准的市场定位，针对不同的消费群体生产不同档次的文化产品。

四、结语

西兰卡普是土家历史文化的长期积累，探索它的继承与发展，当然离不开创新。如果将其文化元素与现代时尚相融合，并利用新型科技，避免和改善自身的缺陷。只有在传承中不断创新，才能够有所发展。不仅仅是西兰卡普，也是整个西南山区少数民族非物质文化遗产的传承与发展所要遵循的原则。

参考文献：

[1]详见《传承千年的民族风情》民族论坛，2011第9期.

[2]周兴茂，肖英.《土家族非物质文化遗产：价值、濒危与保护》重庆三峡学院学报，第29卷（146期）.

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一、民族传统艺术的含义

民族传统艺术即民间艺术，其中包含了民间和艺术，简单来讲就是民间中的艺术，但其内容是丰富多彩的，民间艺术一般存在于劳动人民的生活中，有的从劳动形式中体现，有的是生活需要，还有的就是人们对精神境界的一种追求。中国的民族传统艺术在历史的长河中已经形成了一个一个雄厚磅礴的体系，包括了民族传统音乐、民族传统美术、民族传统舞蹈、民族传统戏曲和民族传统节日等，形式可以说是多种多样，千变万化，形式大的可以到生活中常见的建筑物包括艺术雕塑等，从小的来说可以是民族服装、传统的手工玩具，都渗透着民族传统的艺术形式及艺术特征。在民族传统文化中选择合适的，将其融入幼儿园日常教育中，民族传统艺术通过在幼儿活动中传播，这样中华民族传统文化便得到了初步的继承，让幼儿了解，从而进行创新和改造，在本园开展的幼儿艺术教育中，主要以民间音乐和民间美术这两大类开展了一系列活动。

二、幼儿民族传统艺术内容选择

（一）从幼儿生活经验来选择内容

民族传统艺术贯穿中华历史，它随着时代的发展而发展，不断丰富、变化，在将其融入幼儿园日常活动中我们一定要根据民族传统艺术本身的发展的特征，以及随时展而消失的那些文化，进行合理选择，从而弥补由于历史发展而导致幼儿在这方面缺乏了许多相关的生活经验，而操作的困难也会随着教学活动的展开而出现。因此，在内容的选择上要选择贴近幼儿生活经验的教育内容。

（二）从幼儿的动手能力来选择内容

这方面就要因幼儿的个别差异以及集体水平来选择适当的内容操作性强的活动就能提高幼儿参与的兴趣，但同时也要考虑到幼儿的操作水平，在园内实施这一系列艺术活动就是让幼儿在动手动脑中感受艺术，民族传统艺术就是在幼儿了解民族传统艺术的同时进行操作和创作，丰富自己的生活、社会经验的艺术。

（三）从幼儿园课题来选择内容

如之前所说的，民族传统艺术来源于历史，是历史的产物，有着多样性、普遍性、生活性、形式性等特点，对促进幼儿身心情感全面和谐发展有着重要的作用。把民族传统艺术引入幼儿园课程活动中，展开课题研究，不断地充实改善，在课题实施活动后，能产生积极有效的作用，对幼儿来说不仅是民族文化的学习了解，对本园的课题研究也有着积极的意义。

三、幼儿民族传统艺术活动实施策略

（一）环境创设与利用

幼儿园环境的创设首先要能让幼儿喜爱，以幼儿喜爱的方式呈现幼儿园环境，是幼儿园环境具有童趣性，才能真正引起幼儿的共鸣，使得幼儿有参与的愿望。在教室的挂饰、主题墙、区角游戏中都可以根据民族文化的特征来进行布置，同时，作为民族传统艺术活动的环境应具有突出的艺术性，保证幼儿在这样的环境中感受艺术的氛围，使得幼儿身心得到熏陶，从而激发感受美、体验美的能力和表现美、创造美的情趣。

（二）资源的开发和利用

民族传统艺术的传承不仅是通过教师的教，还需要合适、适宜的材料、资源。活动中少不了幼儿动手操作，而操作的材料往往来源于生活，资源的收集要从身边开始，资源可以是实质性的物体，也可以是一种传播媒介，或者一种表现形式，只有有准备地来进行民族传统艺术活动，活动的宗旨才能更好地体现。

首先要做好充分的准备工作，了解幼儿园周围社区所现有的存在的民族传统艺术资源。可以以问卷调查的形式了解社区存在的艺术形式。然后根据幼儿园的教育内容合理选择资源。并且，还可以通过网络等各种媒体工具如开设微信公众平台，开启博客使得更多社会人士参与进来，获取更多的资源。

其次，通过这些方式获得资源后在园中开始制定计划，制定主体方案。在制定主题时，要选择幼儿能接触到的、常见的民族传统艺术内容，根据幼儿已有经验，以及提升幼儿经验为目标来制定。民族文化的传承不仅仅需要幼儿园带领幼儿理解认识，同时也需要家长一起参与进来，如参观民俗博物馆，在传统节日中制作具有节日特征的饰品，带领幼儿从平时的生活中感受民族文化。

幼儿民族传统艺术教育应渗透在幼儿园一日活动内容之中。不是裸的将这些形式方法传授给幼儿，而是让部分课程内容与民族传统艺术相互结合相互渗透，使其他课程内容的学习与民族传统艺术的学习在同一实施过程中和谐融洽的进行。同时做好家园共育工作与家长共同发扬民族文化。

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一、开展桦树皮工艺教育的必要性

鄂伦春人的狍皮服饰、桦树皮屋、盆、盒等不仅仅再现着过去鄂伦春人的原始生活，同时也记载着鄂伦春民族从原始社会直接进入社会主义社会，实现三次历史性跨越的社会进程。2006年，鄂伦春族桦树皮制作技艺经国家文化部批准，列入第一批国家级非物质文化遗产。

中国北方有几个少数民族也有桦树皮工艺的制作，但鄂伦春族的桦树皮工艺历史悠久，具有传统的造型及丰富的装饰纹样，而且种类最多，保留也最完整。受现代文明的影响，鄂伦春族的传统民族文化发生了很大变化，桦树皮工艺就是一个典型的说明，在过去，它们主要用做生活用品为主。现在制作桦树皮工艺多以收藏和观赏性为主。

生活在鄂伦春民族文化繁衍生息的地区，我们被这悠久的、传奇的桦树皮工艺所感染。知道作为教育工作者要为传承民族传统文化教育贡献一份力量。

《纲要》中提出“充分利用社会资源，引导幼儿实际感受祖国文化的丰富与优秀，感受家乡的变化和发展，激发幼儿爱家乡、爱祖国的情感”。

因此，我园立足于幼儿的年龄特点，着眼于鄂伦春民族传统文化的传承和发展，开展了“幼儿园鄂伦春民族传统桦树皮工艺教育的实践与研究”，让更多的幼儿了解制作桦树皮工艺的技法。

二、如何在幼儿园开展鄂伦春民族桦树皮工艺文化的教学活动

（一）运用多种方法向幼儿介绍鄂伦春民族传统的桦树皮工艺

1.利用家长资源。我们开展“家长志愿者”活动，把不同文化背景、职业的家长请进幼儿园。邀请鄂伦春族家长身穿民族服装，现场为幼儿边讲解边制作桦树皮工艺品，介绍桦树皮工艺品的名称。在欣赏制作过程中幼儿对鄂伦春族传统桦树皮制作工艺有了一定的了解，为以后自己动手制作打下了一定的基础。

2.利用社区资源。与社区联系，带幼儿到桦树皮手工艺品店进行参观，了解鄂伦春民族桦树皮工艺制作的过程和新兴的工艺品制作技法。如在桦树皮上烫画、制作书签、笔筒、筷筒、茶叶盒、凉帽等。引导幼儿观察、欣赏、感受、体验民族文化，激发幼儿感知、参与鄂伦春民族传统桦树皮文化教育活动的兴趣。

（二）开展对鄂伦春民族桦树皮制作有效的教学活动

1.建立一间鄂伦春族桦树皮制作工作室。工作室中有大量供幼儿操作的制作材料，让幼儿和有着一定桦树皮制作经验的教师和孩子一同制作；创设与鄂伦春民族桦树皮文化相适宜的良好环境，让幼儿在鄂伦春民族环境中学习和生活，通过环境传递给幼儿大量的鄂伦春民族艺术美的信息和刺激，使幼儿在充满民族特色的氛围中受到潜移默化的影响和熏陶。在工作室中教师也可以提高自己制作桦树皮工艺品的技能，还可以进行“亲子桦树皮制作活动”。在活动中幼儿与家长有了一定的亲子互动，家长有了更多了解自己孩子动手能力的机会，从而扩大了桦树皮传统文化的传承。以幼儿带动家长加入到保护与传承鄂伦春民族桦树皮制作工艺的队伍中来。幼儿在活动室中可以自己制作桦树皮工艺品，也可以集体制作，有利于培养幼儿与他人合作的能力。在活动中教师要给予幼儿支持、肯定、表扬，以形成积极的心理环境。

2.开展关于“白桦树”的主题教育活动。从环保的角度出发，以幼儿的视觉观察，解开幼儿心中的疑团。“剥桦树皮会伤害桦树吗？”“桦树要多久才可以长出新的皮来呢？”这些都是幼儿关心的问题。剥桦树皮也是一门学问。有经验的鄂伦春妇女剥桦树皮手法灵巧，她们剥过的桦树，从不会伤到树里面的嫩皮，因此，一两年后树又可以长出新皮。既要传承传统的民族文化，又要保护好白桦树，是我们的责任，也是要幼儿在上大后能看到高高的兴安岭的一份担当。

3.在活动区中投放相关的制作材料。给幼儿提供一个有利于幼儿表现的良好机会。幼儿在活动区中能够动手操作，自由结伴，自由选择，有利于发挥他们的积极性、主动性。例如，在美工区中投放桦树皮、废布、彩纸、卡纸、画笔等材料，幼儿可以利用这些材料进行绘画、剪贴等多种形式制作。在活动区里幼儿自己动手制作的桦树皮作品，虽然没有精良的做工，但在制作的过程中幼儿了解到了鄂伦春民族桦树皮制作的过程，对鄂伦春民族传统文化产生了浓厚的兴趣，激发了幼儿的民族意识，从而培养了他们的民族自豪感。

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一、传统戏曲艺术对现代民族声乐的影响

（一）融真情实感于歌词“吞吐”过程

在我国传统的戏曲艺术之中，其艺术的代表性特点就是“字正腔圆”，“以字带情”，在我国传统戏曲艺术漫长的发展史里面，核心的组成部分就是“字”，而传统戏曲的精髓就在于对“字”的吞吐发音。在这个过程中，演员对“字”的吞吐发音效果的掌握程度也是影响到民族声乐的表现效果的重要因素。而在我国的现代民族声乐表现过程中，也是深受传统戏曲艺术对“吐字”的效果的影响。具体的来说，就是在现代民族声乐的表演过程中，通过对吞吐字的“准”“正”“清”的追求，将情感有效地融入进民族声乐表现过程中，并在进行民族声乐的表现过程中，根据情感的不同变换，选取不同的“吞吐”词语的形式，提升现代民族声乐的效果感染力。

民族声乐在表演的过程中对情感的主要表达方式是通过吞吐词语来完成的。与此同时，声乐演唱中“吞吐”词语的形式应该来源于民族声乐表演者的生活，进而才能在声乐演唱的过程中融入其真实的情感，这也是我国传统戏曲表演传递给现代民族声乐表演的宝贵价值，经过现代民族声乐是艺术家的再创造后，才能进一步通过融情感于“吐字”过程中，体现出现代声乐演唱过程中艺术表达的真实性。具体的来说，在进行现代民族声乐演唱的过程之中，只有不断地寻找在演唱之中的切入点，才能够找到演唱的出彩点，提升歌曲对人们的感情度。例如，我国著名的民族声乐表演艺术家郭兰英老师，在其进行《我的祖国》这一著名民族歌曲的演唱过程中，通过对“宽”与“河”这两个词的“吞吐”发音技巧的巧妙掌握，给整个歌曲添加上了演唱者对祖国浓厚的爱的情感，增强了整首歌的艺术感染力，也让这首歌成为了传唱大江南北的经典歌曲。

（二）融真情实感于演唱“运气”过程

在进行声乐演唱的过程中，演唱者的“气”的功力是决定延长效果的重要因素之一。我国的传统戏曲艺术家也普遍认为“气”乃歌唱之本，而“运气”的能力则是民族声乐演唱者要掌握的基本技能之一。针对这样的情况，民族声乐演唱者和戏曲演唱者都要将“运气”作为重点培养的能力之一。“运气”的基本功就在于利用好演唱者的“丹田”部位，首先“气沉丹田”，然后再利用演唱者的腹部活动来控制丹田之中蕴含的“气”，保证民族声乐演唱的艺术表达效果，最终演唱出一首美妙的歌曲。与此同时，在民族声乐演唱进行运气的过程中，演唱的“运气”要和演唱者的情感表达方式和演唱方式具体的结合在一起。具体的来说，不同的民族声乐音乐作品所包含的情感因素也不一样，因此，民族声乐演唱者在表演的过程中需要演绎的方式也不同，这就需要声乐演唱者融情感于“运气”过程中，提升现代声乐演唱的艺术表现效果。

（三）融真实情感于“唱腔”变化间

我国传统的戏曲表达方法之一就是利用唱腔来表现歌曲的思想情感，在我国的传统戏曲中，大部分都具有着浓郁色彩的不同唱腔曲调，并通过利用这些各不相同的唱腔曲调，深刻反映出戏曲人物的个性特点。经过总结，可以发现，我国传统的戏曲表现形式主要分为以下几种：第一种是拖腔的艺术表现形式，这种艺术表现形式主要是通过对腔调的拉长，在戏曲中添加上相应的艺术表达词语，进而有效提升戏曲的艺术表现力;第二种是润腔的艺术表现形式，该唱腔主要是通过对戏曲演唱过程中应用到的腔调的润色、修饰，提升戏曲腔调的表现力;第三种是甩腔的艺术表现形式，该唱腔主要是通过唱腔的快速变化，来提升歌曲的情感表达能力。这三种唱腔对现代民族声乐也产生了重要的影响，其主要就集中在通过选择不同的唱腔技术，来表达出歌唱者不同的思想情绪过程。

具体的来说，在现代民族声乐演唱的过程中，唱腔技巧的表达是多样性的，并且唱腔的表达的多样性主要体现在民族声乐演唱者选曲上。由于声乐演唱作为一种艺术的表达主要源自于生活，并且声乐演唱的过程主要是民族声乐演唱者将其生活中的情感表述的过程。但是，丰富多彩的唱腔为民族声乐演唱者提供了很多的素材。同时，民族声乐演唱者还需要关注其生活中的情感元素，并且生活中的情感元素更加多样化，从生活中引进的情感才能够更好地打动观众。

二、传统戏曲艺术对现代民族声乐的促进作用

（一）把握演唱节奏，将个人情感和演唱融为一体

对于同一首歌而言，民族声乐演唱者不同，演绎出来的歌曲就会带给听众不同的感受，这和演唱者的专业素养、文化修养、审美观点等方面密切相关。“世上没有两片完全相同的树叶”。就算是同一位演唱者在不同时期演唱的同一部作品也会由于个人的情绪、外界环境、阅历的不同而发生改变。一般情况下，民族声乐演唱者都希望能够将其情感融入其中，一旦把握不到位反而会影响声乐演唱的效果。但是在演唱过程中将自己的个性、情感融入其中，依旧能够感动听众，让广大听众朋友们所喜爱。因此，将民族声乐演唱者有个性的民族声乐演唱融入到声乐演唱的过程中是声乐演唱中情感表达的重要组成部分。

（二）把握作品的情感变化，恰当寻找演唱共鸣点

在声乐演唱表演的过程中，和传统戏剧艺术表演一样，民族声乐演唱者需要把握作品的旋律变化，从而采取最有效的情感表达方式将其表演出来。因此，声乐演唱是要求能够表达一定的情感和内容的，要想把观众打动，首先要看一下是否能够将自己打动，如果自己演唱的歌曲不能将自己感动，何来的打动听众呢？演唱不能只依靠娴熟技巧和高亢声音，声音高亢但是没有情感的声音就不能打动听众;技巧完美，但是没有情感帮助也不会得到听众的认可。要想打动听众，必须将情感充分地融入作品中。相反，将情感过分的夸张表达作品，其结果同样事于愿违，依旧打动不了听众。因此，民族声乐演唱者需要把握情感表达过程中的情感变化，进而实现将情感完美地表述出来。

（三）运用丰富的想象，寻找演唱中的共鸣点

声乐演唱作为一种艺术，在声乐演唱表演的过程中还需要民族声乐演唱者运用丰富的想象，在声乐演唱的过程中只有运用好想象才能表达出丰富的情感。同时，民族声乐演唱者的想象越丰富，其情感表达的将会更加充分。为了进一步增强声乐的感染力，民族声乐演唱者应该运用丰富的想象力创立声乐的背景、形象和意境等，从而使得声乐演唱的过程更加传神。但是，声乐演唱的想象不是凭空出现的，想象也应该源自民族声乐演唱者的实际生活，再经过民族声乐演唱者的再创造就能够将想象到的意境很好地融入到声乐演唱中，进而就能够将民族声乐演唱者的情感表达出来。通过想象，主要是在民族声乐演唱者的头脑中形成生活中有关情感的意境，进而将其通过演奏的形式表达出来。因此，运用丰富的想象来表达民族声乐演唱者的情感出来是很重要的。

三、结语

在声乐演唱的过程中，民族声乐演唱者首先应该把握作品的内在情感因素，然后在表演的过程中将这些情感传达给观众，从而与观众在情感方面形成共鸣。同时，通过对我国传统戏曲艺术表达方法的研究，能够有效地帮助现代声乐演唱者将真情实感融入到演唱过程中。因此，现阶段研究传统戏曲艺术对现代民族声乐的影响具有非常重大的现实意义。

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项目名称：中国民族传统艺术与动画角色造型设计的联系

项目编号：2011D006（梧院发[2011]50号）

关键词：民族传统艺术；动画角色造型；美学风格

【中图分类号】J0 【文献标识码】B

动画是以绘画或其他艺术形式作为造型的主要手段，结合各种技术所创作出来的活动影像。一部动画片想要打动观众不能单单依靠剧情，还需要塑造角色的形象，好的动画必须有好的角色造型才能充分传达出故事剧情和人物个性。20世纪60到70年代，中国动画曾轰动国际，尤其是在角色造型上包罗万象，以极为丰富的艺术形式，开拓了动画的表现语言，并以优良的制作巧妙融合了中国民族传统艺术，在国际动画界掀起了一股“中国学派”风潮。

一、中国民族传统艺术的造型特点

造型艺术，它在狭义上指造型艺术，广义上指以艺术表现为目的，并且具有一定美术要素的实用物之形态，甚至指不论有无美的要素，凡通过人类的意识制造出来的眼睛能看得见、手能触摸着的形象。

中国五千年历史文化的积累和广袤的地理环境使其自身形成了独特的艺术形态，中国民族传统艺术从民间艺术中也吸取了大量的艺术养分，将诸如剪纸、壁画、版画和戏曲等民间美术很好地融合在一起。中国的民族造型艺术自汉、唐以来，一直以线条造型为主，到了明代出现了大笔触的浓淡墨块造型，间以线条结构，造成水墨淋漓、笔酣墨畅的效果。这一绘画样式，为人们所推崇，并对国产动画造型艺术产生了重要影响。

二、动画角色造型设计

一个鲜活的动画角色形象是决定一部动画作品优劣的关键元素。动画片的主要故事情节都是要由角色进行表演，所以角色应该有形象的特殊性或者个性才是观众区分角色人物的关键。

成功的动画角色设计奠定了动画片良好的基础，同时角色形象也带来了巨大的商业价值。例如美国米高梅公司的代表作品《猫和老鼠》、日本电视动画公司制作的《哆啦A梦》等等，这些角色都是因为形象生动、个性鲜明才会深入人心，家喻户晓。一个成功的动画角色造型形象甚至比明星有更持久的生命力和商业化的号召力。

三、民族传统艺术在动画角色造型中的运用

动画是一种新兴的艺术形式，它同时也是一个民族文化的表现形式之一，我们中华民族几千年积淀下来的民族精神就更应该成为我国动画造型艺术民族性的主要内涵。在多元文化共同发展的现代社会中，一个国家的美术电影趋向成熟的标志之一，是它的艺术作品更多地包含着本民族的艺术趣味和适应本民族的欣赏习惯，也就是这个民族在漫长的艺术发展道路上，逐渐形成的美学原则。

1.民族传统艺术在国内动画角色造型中的运用

我国早期动画大师们就曾经尝试探索民族之路，将民族性融入到动画造型中，通过动画造型体现民族精神和个性，并获得极大成功。20世纪50年代，中国动画界开始探索“民族形式之风”的道路，不断地在民族传统艺术中挖掘素材，创作出了一大批具有浓厚中国民族风格的动画电影，并研制成功了剪纸动画、折纸动画以及水墨动画等多个动画片种。

“中国学派”的开山之作《骄傲的将军》中，人物的形象是采用了国粹京剧中脸谱的造型来塑造的；背景设计上采用了古代壁画中工笔重彩的手法，用流畅的线条、明丽的色彩很好地表现古代建筑的雄伟典雅；片中音乐大量运用民族音乐和京剧锣鼓来烘托气氛，以动画片特有的夸张形式再现了传统戏曲的韵味。

在另一部动画电影《哪吒闹海》中，造型设计上吸取了中国门神、壁画等民间素材，采用装饰风格，简练的线条，配以民俗画常用的青、绿、红、白、黑等色彩进行设计。背景道具上，龙凤的图案样式多为秦汉风，庄严、神秘；金银错的蟠螭纹饰极具装饰性；城门、岩石、潮水、云彩形状是具有典型的传统审美特征的。

王国维在《宋元戏曲史》里面说：“写情则沁人心脾，写景则在人耳目，述事则如其口出是也。古诗词之佳者，无不如是。”古代诗词和绘画一直都将意境作为一种艺术追求，讲求情与景的有机结合。经典水墨动画《牧笛》，用浓淡虚实和简约洗练的笔触，以不求形似而求神似、不重写实而重写意的表现手法将诗情画意的江南水色展现在观众面前。

2.民族传统艺术在国外动画角色造型中的运用

不仅仅是本土动画，中国民族传统艺术也对国外的动画造型产生了一定的影响。梦工厂在北京奥运年内推出的商业动画电影《功夫熊猫》，更是将中国元素展现得淋漓尽致。片中除了功夫与熊猫这两大中国元素外，最引人注意的便是“五大武林高手”――矫虎、青蛇、金猴、仙鹤、螳螂，这五种动物在我国传统文化中都有不同的吉祥美好的象征意义，同时，在我国的武侠文化中此五种动物常常被形象地作为某些武术套路的名称。