素描学习论文范文10篇

素描学习论文范文篇1

论文关键词：基础素描；艺术素养；理论知识；中国传统美学；艺术个性

素描是造型艺术的基础.素描练习有利于学生认识和理解客观对象，培养正确的观察方法和表现方法，锤炼艺术语言，提高造型能力.对于每个学生来讲，无论毕业后从事什么工作，素描练习都是必不可少的.意大利文艺复兴时期的艺术巨匠米开朗基罗曾指出:“素描是绘画、雕刻、建筑的最高点，素描是所有绘画种类的渊源和灵魂.”19世纪俄国著名的艺术教育家契斯卡柯夫曾说:“素描是一切的基础，是根基，谁要是不懂得或者不承认这一点，谁就没有立足之地.”

素描既有基础性的一面，也具有单独作为一种绘画方式的另一面，自成它独特的审美价值和文化内涵.在学院美术教育中，素描因为其基础性而占有举足轻重的地位，但是现存的教学模式存在着许多弊端和不足:在教学过程中一味地强调基础，不利于学生创作意识的培养，学生的学习兴趣明显不足甚至认为素描枯燥乏味，教学效果总体上呈下降趋势.造成这种局面的原因主要在于:社会对各个层次、不同专业的美术人才的需求激增，美术教育急速扩张，从而人校新生的总体专业水平有所下降;基础素描课程的课时量有所缩减，教师在学生个体上花费的教学时间明显减少.面对这样的困境，当务之急是对素描课程的教学理念进行调整，拓宽现代基础素描教学的思路，给乏味的基础教学增添活力，使素描能和别的画种一样成为独具特色的情感表达方式，从而使学生通过学习基础素描架构起良好的知识体系.这是构建现代素描教学模式的根本.

1、从艺术素养入手强化学生的艺术观念

在素描基础教育中，在强调学生实践技术训练的同时，还要着力培养学生的艺术观念.传统的素描教育偏重实践而轻理论，只注重学生专业技能的掌握而忽视了学生艺术素质的培养，学生也往往把技术水平作为衡量自身素质的标准，非常漠视理论水平和艺术素养的提高，甚至以为“技术”与“理论”之间是相悖的.过分专注学生的技巧性训练，不利于开阔他们的眼界，容易使他们对一些艺术产生成见甚至抵触和排斥不同类型的绘画形式，导致他们以自己所学到的具象写实和传统理性思维来衡量各种绘画流派从而产生错误.

随着我国教育规模的不断扩大和教育理念的不断更新，技能的获得不再是高等教育的唯一目标，强调培养学生合理知识结构的素质教育成为主流.为了强化学生的艺术观念，教师可以打破教学常规，从源头文化开始，把学生原本需要在素描学习中获得的对审美思想、美学思潮、艺术发展规律、艺术创造的特点的认识，提前到学习的初始阶段或与学习过程并进，使学生一开始就对即将要学习的内容有较为全面的认识，从而能目的明确地进行学习和研究.艺术作为人文学科的一部分，其底部应该由人文学科来支撑.学生在艺术道路上的成长很大程度上需要眼界的开阔，基础课教师应该引导学生在宽广的美术层面上找到一个可以依托的“点”.在素描教学中，教师应该向学生强调艺术理想的实现不能只依靠技能，还需要艺术理论的支撑，更需要文化素养的深厚积淀.

2强化基础理论教学，变“技入道转”为“由理入道”

绘画是一件需要动手的事情，因而很多教师都喜欢在画室里摆静物上课.但是，一些教师极少向学生讲明应怎样观察和表现物体，只是简单地讲一讲“三大面五大调子”，就要学生开始实践.这样，学生由于不知道应该怎样处理画面，往往无所适从，只好迷失于画面中，依葫芦画瓢，照抄对象;由于丧失了自己的主动性，对画面没有控制力，学生对自己的作品也感到茫然，很容易产生学习上的厌倦心理.这种重实践轻理论的教学方式导致学生对于素描的认识就只能停留在感性上.如果在课程开始阶段就通过鉴赏、研究、分析名家和优秀学生的素描作品，把素描的基础理论知识给学生讲解清楚，不但有利于学生加深对作品的理解，而且能使学生对素描逐渐由感性认识上升到理性认识，从而能从更高的角度思考自己的作品，主动地把握画面.边分析作品边讲解理论的教学过程是极有活力的，这种教学有利于培养学生的画面意识、创造性思维能力、形式美的想象感悟能力和创造性地处理视觉信息的能力.公务员之家

3、注重学生的艺术个性发展

长期以来，基础素描都遵循以写实为主的固定教学模式，整个素描教学偏重于技术技能的训练，忽略了创造性思维和个性发展的因素，从而学生在整个高等教育阶段的素描学习中只知道机械地再现客观事物，无法在画面中加上个人的感受和想象.

个性培养是艺术教育应该达到的目标之一，而艺术个性来源于真实的个人感受，来源于个体对社会、生活、自然的感受和敏锐的洞察力.在素描教学中，学生的作品中常常会不自觉地流露出个性萌芽，尽管这些个性表现得不够稳定，但教师应该及时地把握住学生这种偶发的闪光点，不应该忽视或者是放任自流.在教学过程中，教师应该对学生的艺术个性进行精心引导，决不能机械地为学生制定“依样画葫芦”的标准，否则，就会扼杀学生的艺术个性，学生的素描作品只能成为客观世界的复制品，只能是千人一面、万物一形，而不可能是独具匠心的创作.在高校美术基础教育阶段，学生在练习基本功的同时，还应该自主地对每一种绘画基本要素进行研究，以确立哪些要素能够成为自己的绘画语言，并能将绘画对象转化成为艺术符号，即根据内在需要去描述对象.没有内在的触动，素描习作只能是简单的图像练习，只能是一个模仿对象的过程.

素描学习论文范文篇2

关键词：艺术设计；素描；教学；探索

当前，改革素描基础课教学体系的要求日益迫切，这是因为现行的这一教学体系满足不了培养创造性人才的需要。改革现行的素描基础课教学，并非是完全拒绝传统素描教学的有益经验，而是对传统素描教学体系的调整、补充与完善。

一、在素描教学中提高学生视觉创作素养

素描教学是视觉艺术的重要基础课程。在今天，无论是专业的还是业余的素描教学，大都习惯采用光影素描与结构素描这两种表现形式，以此来培养学生的观察力、理解力、表现力和渗透着主观审美理想的创造力，期望他们具备日后多种视觉艺术形式创作所必须的基本功力与艺术素养，这几乎已成定式。大凡经过以上两种素描形式严格训练的学生，无论是光影素描式的对客观对象做出诸多因素的准确观察与完整表现，还是结构素描式的“基于对作为结构实体的形的思考，通过省略烦琐细节和理解形态功能来实现对形的恰当的认识与分析”，或是在绘制中容纳“一定”的主观成分，都是游刃有余，收放自如的。但是，这是否说明这样的基础训练就能够给学生提供出了视觉艺术创作所必须具备的全新的基础素质呢?

我认为，素描教学既然被列为视觉艺术基础课，起码应使学生经过系统的训练后，对于诸多视觉艺术门类的形式表现，无论是具象的还是抽象的、传统的或是现代的、普通绘画还是装饰工艺，都能有较强、较宽的适应能力。也就是说，素描教学相对于学生的专业选择和日后多种类的视觉艺术创作，应具备多向锲入性。

目前，我国各类院校中素描基础课教学的现实是，许多仅以传统的素描教学形式光影素描、结构素描训练起步的学生，虽然能较顺利地进入诸如国画、油画、版画等画种的学习与创作，但如果要求他们在表现上做更为大胆多样的形式突破，和容纳更丰富的激情与理智，则常常表现为力不从心。尤其是艺术设计专业的学生，在经过以上两种素描形式训练后又转入装饰工艺学习的时候，往往会产生重新起步的不适之感。因为装饰美术的表现，要求高度概括，“在具象和抽象的广阔视野里，毫无拘束地探求，大胆地运用形式美的规律，用夸张、变形等手法，对自然物象进行加工”，以自由地体现作者的创作意识和审美观念。因而，凡是一些，以光影素描和结构素描为基础课的工艺类专业的学生，大都感到与本专业一些必备的基础素质的培养相脱节。

究其原因，光影素描与结构素描的训练在培养学生对客观物象或是全因素的把握，或是高度概括、逻辑地体现形体的功能，以及主观因素一定的容纳上，虽然都有积极的作用，但由于这二种素描形式都以写实性居于主导，较强地受到自然物象的特征与内在本质的制约，因而对主体意识和潜在的艺术创造灵性的早期适时开掘则显得远远不够。传统素描基础教学具有以下特点：(1)教学缺少理性指导，注重感觉与表面效果，缺乏对设计专业素描基础教学自身的挖掘；(2)缺少针对设计基础方面的教学内容；(3)缺乏现代意识和对视觉形态的理解与创造力培养。大量的事实说明，仅凭写实之“功到”以期求得创作上的“自然成”，往往是靠不住的。

我认为，必须在素描基础训练中做到“全面性”，既重写客观之“实”，又重写主观之“意”；既重视觉艺术的一般规律、法则的把握，又重视独特的艺术创造灵性的开掘；既重视“纯绘画”基础能力的培养，又兼顾随市场经济大潮而日趋发展的装饰美术“自身功力基础训练的需要”。只有这样，才能在不同的素描表现形式中，提高艺术设计专业学生的设计语言水平；只有这样，才能更好地与设计接轨，迅速进入真正意义上的设计状态，为以后的设计专业课打下坚实的基础。

二、在素描教学中融入装饰构成因素

现代社会的高速发展，不断更新着人们的理念。作为设计专业的学生始终保持求新的心态是至关重要的。这就要求我们的基础教学要具有多变性和灵活性，让学生在素描基础训练中，提前接触设计理念和设计风格。在素描基础教学中，素描与装饰相结合，会产生一种装饰构成素描。“构成”，“是近代装饰绘画的新术语，它研究的范围很广，包括构图、色彩、造型以及材料的选择手法的运用等等”。它“是造型艺术中具有横向联系的全方位的共同基础要素。因为它在限定的范围内，根据客观事物的存在和运动规律的安排，由内到外，由隐到现，由虚到实，逐渐创造一个新的视觉世界。另外，构成除研究点、线、面在造型上的布局之外，还要进一步考虑形和线的动势走向，以及在画面上所形成的轨迹和作者的意向、情感在画面上的流露。装饰构成就是对画面的全面经营，使之产生丰富的、变幻的、强烈的形式美感”［1］。而构成素描就是以开掘作者艺术创造潜能、表达作者主观审美理想为主导，汲取装饰构成的基本特点及其一些表现手法，并且对光影素描与结构素描的表现形式也引以为一定参照，从而单色调地对自然物象进行更为大胆、自由的艺术表现。这种表现形式，具有以下特点：1.有自然物像素材参照。与光影素描和结构素描一样，也是面对自然物象写生。不同的是，它更倾向于捕捉由观察对象而得到的创造启发及感情激发。所绘之物与原形有较大改变。如(1)主要特征被大胆夸张；(2)具象转化为抽象；(3)主体转化为平面。

2.表现手法灵活开放。在表现上既可采用平面构成中透叠、渐变、发射、切割等手法，又可容纳经过概括、装饰处理的影调，还可以用多种类型的线来表达主观审美理想。

3.要有装饰感。构成素描展现出的形，均是有主观的想象、参与并对之加工过的“情趣形”、“情感形”，在造型上或构图上可以渗透大量的装饰美术成分，因而在形式上往往显现出装饰感。

4.具有一定的制作性。构成素描在绘制上可采用一些一般绘制方法，也可进行“程式化”的精心制作。工具上可使用铅笔、炭笔、木炭条等，也可使用界尺、喷壶、滚筒等特殊工具，展现出丰富多彩的绘制效果。

5.单色性。构成素描以简明概括的同一色的有限变化来绘制，以方便基础内容的学习。

装饰构成素描教学中应根据物象的不同，让学生注意以下三点：一是“立意”。即在绘制作品前确立由自然物象生发出的主观审美“意象”。“意象”是主观感受的精神产物，决定着形式表现手法的选择。所以，“立意”的训练是学生最根本素质的训练，是走上艺术成功之路的重要一环。尽管另两种素描形式对此也给于一定程度的关照，但远远没有构成素描来得更为直接和强烈，对后面的专业影响较深。二是不脱离艺术表现的基本规律。在具体的表现形式上，构成素描同所有艺术形式的表现一样，都对艺术表现一般规律与法则给以一定的关注，具有对比、和谐、节奏、韵律、变化和统一的形式美感。三是保持基础训练特色。构成素描虽然借鉴了装饰美术的一些表现手法，但不是在任何时候都像装饰美术那样具有精致完整的创作，它虽然可以进行完整考究的展现，但也可以只注重一方面，做不完整的美的探索。

三、在素描教学中提高学生的综合素养

未来的发展需要满足人的多方面的高层次的需要，这是社会发展的必然。这就要求从事设计的人群具有较深厚的文化修养和较高的审美品位。作为基础课所提供的对视觉的深刻而细微的训练，无疑是对设计专业学生基本素质的深入开发和培养。同时在这一过程中所渗透的审美体验、美学思想和人文精神，对学生的发展也起着至关重要的作用。以往素描基础课训练往往依靠感觉作画，离开对象，学生脑子空空如也。今天，作为一名未来的设计人员还应该具备灵活多样的设计意识和创新能力。这就要求在素描基础训练方面应该增加与之相适应的内容。增加内容如下：

1.装饰结构素描训练

选择结构较强的物体进行训练，要求由立体转换到平面的构成形态，从而形成的有意味的教学形式。即讲授物体透视、投影等规律，要求学生用装饰的要素表现出来，最终达到把装饰要素利用程式化的绘制方法精心绘制出来。同时，要求学生掌握科学的观察方法、表现方法和基本理论，并将其同装饰美术结合起来，追求个性语言。这也是学生自我了解的过程。

2.综合因素素描训练

以学生身边的熟悉的大小、形状、色彩不同的物品为主，要求学生表达装饰构成因素，具备对比、节奏、变化的刻画能力，对形式有一个适度的把握，且所表现的内容要有一个主题，以期通过装饰构成性语言，培养学生人文精神。

3.同一主题、多种形态的表现训练

要求学生充分体现现代意识、新观念，能借鉴不同形式的作品进行训练。所谓现代意识，首先要解决审美问题，了解精神内涵，明确表现理念，体味艺术风格，采用不同手段进行表达。要注重理论与技能并进的原则，要求学生具有创造性，进行灵活主动的学习。要达到上述目标，对构成素描增加一定课时比例是必要的。凡经过此种训练的学生，同样还是面对着自然现象，在观察中其主观精神就显得更为兴奋活跃，在绘制表现上更敢于大胆探索，并能运用相应的艺术语言充分表达自己的看法和兴趣；同样写生一组物体，完成的效果则是明显提高，对形式上的突破与较强的形式美感，传达出学生的主观“心声”与艺术“灵性”也提升到了较高的层次。当这些学生中的一部分进入装饰工艺课学习后，则显得后劲充足，能较快地把握其特点，表现力更趋于大胆、活跃。

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（二）深化人事、劳动用工和分配制度的改革一是完善人才激励机制。胜利油田存续企业应坚持整体推进和单项突破相结合，继承与创新相结合，制度创新与方法创新相结合，完善人事制度改革的相关配套政策和办法。二是建立企业自主用工机制。

首先，应建立管理局宏观调控下的企业自主用工制度，企业新增人员按照面向社会、平等竞争、择优录用的原则自主选聘，按市场机制和实际需求调节。其次，推行全员劳动合同制。企业所有员工都要按照平等自愿、双向选择、协商一致的原则签订劳动合同，依法确定、变更、终止、解除劳动关系。再次，应优化劳动组织、调整队伍结构，适应有偿解除劳动合同和整体带资分流后发生的变化，实现机构精简、队伍精干、效率提高的目标。三是加快分配制度改革，建立符合现代企业制度要求的薪酬体系。重点处理好管理局与所属企业之间的分配关系，进一步改进工效挂钩办法，加大效益调控工资总量的力度，建立并实施岗酬、技酬和劳酬相结合的能升能降的基本工资制度。

（三）进行专业化重组，提高经济效益通过改革，进一步深化专业化管理，做到水电气暖业务收费到户。一是实施供热专业化管理。充分发挥胜利电厂煤炭运输、水煤浆加工处理、余热利用等优势，以热电联供为核心，重组整合全油田的热力资源，组建专业化热力公司，实现热力公司供暖、收费到户。二是深化水电气专业化管理。对油田的水电气资源进行整合，将各社区水电气管理、检维修、运行、收费等业务及资产、人员分别整合到供水、电力、油气集输公司，实行专业化管理、收费到户。

（四）对社会化服务板块的业务进行内部整合、移交，减轻企业负担一是研究制定社区整合方案。完善居民小区调整总体方案和实施计划，同时，按照物业、热力、水电气、市政、托幼、医疗六个板块对社区业务进行专业化重组整合。

二是实施物业市场化经营，组建以保洁、保绿、保修、保安“四保”为主的物业管理公司，采取市场化运作模式。三是整合市政服务业务。

对小区以外的城市道路、排水、防洪、道路照明、绿化、卫生保洁等市政服务业务重组整合，实行社区内部市政服务专业化运作、独立核算。四是实施医疗卫生资源整合，按照3－5万人设立一个卫生服务中心的要求，进行区域规划。

五是整合职工培训系统，撤销部分单位内部培训机构，对全局培训机构进行重组心。

六是整合文化宣传系统。撤销二级单位电视差转台，组建有线电视网络中心。当前，随着市场经济的发展，室内设计正以极大的社会需求量及迅猛发展的速度而为人们所瞩目，并由此而成为新的热门专业，致使近年来室内设计在整个艺术类专业招生比例中所占的份额逐年增加。

一方面，给广大

整理提供有志于室内设计的学生提供了工作的机会；另一方面，室内设计向高技术、高情感方向发展，使现代室内设计师在重视技术的同时，又强调人情味。这些新动态和新趋势，使室内设计的教学改革和研究也成为设计教学的重头戏之一，也给从事室内设计教学和实践提出更高的要求和挑战，迫使我们在室内设计教学的改革和完善上加快节奏、不断创新，培养出符合社会需求的适用型设计人才。当然，这首先离不开对室内设计的市场行情和学生问题的研究。p;一、存在的问题与分析首先，从教学体制的影响来看，我们的学生大致可以分为两种情况：一种是受艺术类院校教学的影响，注重绘画和理论方面的训练，侧重于艺术素养方面的培养，实用性不是很强，技术性较弱；另一种是传承建筑类教学模式，偏爱技术性、实用性方面的训练，但设计的艺术性较弱。从现在的市场需求及发展情况来看，这两种情况都不能较好地适应设计市场对人才的需求。

由于室内设计学科本身的特殊性及要求，从事该行业的人员必须具有全面的艺术素养和良好的技术素质，例如素描、色彩、速写的应用能力，透视、制图的表现能力，空间、比例、尺度等概念的把握能力，各种材料与构造的搭配和处理能本论文由

整理提供力，以及对各种数据的整理、归纳能力等等。

这种由教学而导致培养的能力偏颇，使学生在工作时不能较好满足岗位的要求。其次，室内设计行业注重不同专业之间的协调和配合。“任何一个成功的室内设计作品，不仅是室内设计师自身专业知识、艺术素养与创作才能的展现，而且同时也是室内设计师与建筑、结构、电气、设备（采暖、空调、给水排水）等专业密切配合、各方协调、卓有成效地解决错综复杂矛盾的结果，随着现代建筑领域中科学、技术与艺术日新月异的发展，这种多专业、多工种的配合和协调越来越成为现代室内设计走向成功之路的关键所在。”[1]由此，在现代室内设计工作中，设计人员的交流、沟通能力和团队合作意识，成为必不可少的一种素质要求。而我们的学生大多缺乏这种职业意识和观念，毕业之后，很久不能顺利地适应工作岗位，或者在设计工作中孤军奋战，经常陷于被动的境地，不能较好地适应设计市场的需求。

二、相应的教学对策从以上情况看，要想使我们的学生适应设计市场发展的需求，应参考国家关于室内设计职业能力本论文由无忧

规定，即学习能力、空间感、形体能力、色觉均非常重要；表达能力、计算能力重要；手指灵活性要求一般。我们的教学必须全方位提高学生的实践技能和能力。具体可从以下几个方面入手：

1．注重基本功的练习，更注重实用性的训练室内设计注重学生对空间的组合能力和形体的造型能力。因此，在类似设计素描和构成设计等造型课的教学中，除了基本功的培养外，应结合相应设计的应用情况，刻意训练学生处理多个物体之间较为复杂的空间关系的能力，强化和锻炼学生对透视和比例、尺度的感受能力和处理能力。因为室内设计实践中，会经常碰到复杂空间的协调问题，而学生在这方面显得较为薄弱。

这些问题可借助一些复杂场景的结构素描和构成训练的方法来解决，如：带建筑的场景素描、室内一角或不同界面的设计等。通过运用本论文由

整理提供形式美法则，借助线的虚实、强弱，穿插遮挡关系，培养学生的形式美感，提高对空间和结构的理解和掌握。以深入浅出的方式，引导学生在生活中或在与生活相关的训练中提高设计训练的兴趣性和方向性，同时拓展新的设计造型语言和手段，为以后的专业设计做好设计方法和技术性铺垫。

2.培养观察分析的能力，挖掘创新意识设计教学的最终目的是使学生形成个人能力，而个人能力的高低又取决于个人创造性思维能力；同时，“设计是创新的实践”。

[3]由于学生长期大量作基础课的练习或长期依赖于电脑表现与制作，不能很好地培养学生的观察力和想象力，造成思维迟钝、缺乏创新意识，以致于学生在单独创作时，缺乏新意，没有设计亮点。在课堂上，曾让学生画出50幅不同造型的家具，结果不容乐观，而且很多学生的画法都似曾相识，这些情况说明我们对学生该方面的能力培养和挖掘还本论文由

整理提供不够。究其原因，也就是学生缺乏对生活和社会的关注、观察和分析，进而缺乏独立创造的能力。

3．引导对市场的了解，加强实践性训练首先，深入市场，了解设计的流程与环节，掌握不同阶段对知识和技能的要求，使学习具有更强的针对性。

室内设计是多工种、分阶段的实施性工作，在不同阶段有相应的知识和技能要求。长期以来，在教学工作中，仅注重对学生构思、设计、表达等能力的培养，缺少与设计实践的结合，导致工作时不能有效地整合自己的设计资源为设计所用。对此，我们可以借助“工学结合”的教学模式，使学生深入社会实践，加强对设计流程和环节的了解和认识。

其次，室内设计包含建筑结构、材料、电气系统、水暖系统等不同的专业和技术，我们在加强对学生概念性思维训练和技能培训的同时，往往忽略对相应市场行情的了解和研究，尤其是新技术和新材料的运用，这对设计实践能力的提高，是一个极大的限制和束缚。因此，设计调查课和设计实践课，就显得尤为必要和重要。在室内设计课程的设置和训练中本论文由

整理提供，有意识地加强市场调查的比例（如装饰材料、灯具、家具、陈设和织物等），让学生在市场中学习，充分了解和把握相关市场发展的动态和趋向，以便今后更好地为市场服务，为设计服务。此过程可借助任务教学法，由老师根据教学内容做好任务的设计，然后分阶段实施。大致可分为：

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p;①引入任务:相关理论的讲述；

②任务执行:分组进行市场调查；

③任务总结:讨论、分类和归纳，形成书面报告。

在整个调查过程中，学生既可对某种产品或材料的类型、款式、功能、规格、材质、价格和应用情况等全方位调查，又可系统地掌握调查的方法，为将来的方案设计、实施或预算、施工作铺垫。4．培养协作能力和团队精神社会的发展、技术的进步，室内设计成为多种专业技术分工协作综合学科。从设计创意、电脑制作、各专业技术设计（如水、电、暖通、设备等），到企业的管理与设计施工，只有通过良好的合作，才能圆满完成一项设计任务。

二、结束语随着社会的发展，人们的需求和技术的不断变化，室内设计的功能和定义的范畴会越来越广泛和复杂，成为多种专业技术综合的学科。其相关人才的培养已不能从传统的教学思路和理念出发，应该时刻关注市场的动态与需求的本论文由整理提供变化，及时调整教学方法，培养学生的创新能力；改革教学思路，紧密与市场结合，加大相关实践教学的比例；运用不同的教学模式，培养学生的合作意识和团队精神。总之，应把教与学的重心放在提高学生的综合素质和社会实践能力的培养上，以此提高学生对工作岗位的适应性，提升在社会中的综合竞争力。这是当前国家关于职业教育办学理念、宗旨之所在；也是专业的特殊性、学生的具体情况以及设计市场的需求所决定。

参考文献：

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论文关键词：素描；教学；创造；线务

西方美术史上所有杰出的大师，无一不是从学习素描而走上艺术之路的，‘“素描是形成绘画的最重要的要素。素描的意义在绘画上不仅仅是表现轮廓，它同时可以表现质感、运动感和韵律节奏的动态、谐和安定的静态，更可以表现画家的个性。所以，古往今来许多艺术大师都把素描看作是艺术的灵魂，绘画的生命，素描练习甚至伴随他们一生的艺术创作。所有复杂深奥的学问都必须依靠最简略的训练方法，绘画所依靠的就是素描，素描是我们通向自然和心灵的最直接通道，也是我们探索已往艺术大师奥秘的钥匙。素描训练对画家的艺术能力成长的影响是全面的，它不仅训练画家的造型能力，同时也是画家智能训练、审美能力训练的重要途径。素描基本功能的训练对提高画家的艺术素养，形成画家独特的艺术风格起着十分重要的作用。

在古典大师那里，素描主要是通过最简单的素描语言塑形以构成画面来体现画家的创作意图的。然而现今我们所因袭的素描教学模式中的素描训练已很难体现这种创作意图了。那种单调，表面、几乎是保守的训练方法体现在素描观念上是模仿，拷贝生活，它的特点是在.“全因素”的口号下孤立地强调明暗层次光影虚实的照片效果，追求表面的肖似、华丽和面面俱到。这种素描需要很长时间作业且不能离开模特儿，时间短了，无法完成，离开了模特儿，便画不下去。

应该说这是苏派教学模式的传统遗留，重写生能力而非创造能力，重模仿能力而非表现能力。后果是受其影响的画家往往只能以模特儿写生代替创作，他们的画从创作意图上看是含糊不清的，形象往往较之生活原形逊色而且雷同。目前，仍有人把这种模特儿型素描看作是唯一的素描方法，许多教师还用这种素描方法来训练学生，甚至对许多有创造性的学生的素描不加以鼓励和诱导，而是加以贬低。使学生失去了自信心，也就失去对艺术的兴趣，只会跟着教师去进行机械复制，完全扼杀了学生的创造性，从而使我们的素描训练最终失败，我们的素描也就失去了表现创作意图的作用。

生活是艺术的源泉，但艺术决不等于生活。艺术不应该是模仿，绘画更不应该是生活的模仿。绘画艺术的创新.要求建立相应的素描观念，以正确的素描造型观念去进行创作。我们提倡与模仿型素描不同的创造型素描。我们同样重视生活，但只是把它作为塑造艺术形象的依据，以形象构成的本质因素为基础，注入作画者的真情实感，追求形象的艺术感染力。素描没有特定的方法，每个人眼中都有可信的、有自己审美趣味的东西，能表现出作画者所感受到的现实对象生动的、和谐的、合规律的美:

当然，我们在强调艺术表现力的同时。并不是就讲不要写实能力，而是在基本的训练中把写实能力和表现能力等同看待。在素描教学中技术与艺术应整体上同步发展，不要企图越过基本的造型能力先去追求表现与发挥，这也就要求教师不应该把艺术家和学生截然分开。教学生时，将他(她)看作学生，要教得透彻、耐心、毫不保留，但评价他的作品时要把他看成艺术家，严格要求，除了功力以外，要特别审视他的艺术观念、艺术个性的发展，重视从艺术素质上去培养，防止纯技术的观点。

首先谈谈素描中的比例。初学素描的学生应该先学比例，因为他必须考虑作品中各个部分之间或整体在大小、数量上的关系。但在学生的素描有创造性时，他就可能把物体画变了形。因为他这时想的最多的是美学上的比例，而不是严格意义上的正确比例。早先的素描教学中有些老师对比例只求准确。以尺码的准确来束缚学生的手脚，使学生陷入苦恼的局部比较当中，忽略了最重要的整体感和认识上的自信心，以及必要的夸张和自觉处理，过多的强调了共性特征，把个性特点限制到了很小的范围内，画出来的形象不可能有很大的变化和艺术上的感染力，很容易千人一面，同时学生的艺术才能、创造性被轻易的扼杀了。

比例在艺术上应不完全是尺度上的准确，它有着更重要的自身规律，这就是整体上的谐调，比例谐调来自客观形象及画家经验的总结和智慧的发现。要使学生认识到，眼前的物体，无论是一个人、一只凳子还是一根绳索，都只是意识的载体，不只是技法功能的实在物，应该说在“似与不似之间”。在凡·高的素描作品《樵夫》中，画家没有受到传统严谨刻画表达方式的束缚，而是用略加夸张的造型、充满激情且呈长条放射状的笔触藉以寄托再现其对对象近乎狂热的内心感受。正因为这样，凡·高走上了艺术王国的颠峰。所以，教师应要求学生及时抓住客观形象的启发，大胆地去创造鲜明的、属于自己的形象。比例的谐调，要求只在印象的舒适感及表现艺术对象的个性特征，不应该是简单的尺度上的准确。它在艺术上只是相对的，当然应是合理的。

其次，在我们传统素描训练的观察方法中，主要是明暗层次.光影虚实的观察法。在素描训练中应当改变这种方法，采取形体、结构的观察法。这并不是在教学中反对利用明暗变化来表现对象。而是要求在素描造型中不要把它作为形象的本质因素来对待。因为明暗光影的变化是被结构形体所决定的，常常在只有表现结构、形体时才能显现它本身的光彩，所以这些明暗层次和光影虚实都会因不同的形体结构而使它们发生改变，但形体结构却不会因光影和明暗的变化而变化。

另一方面在传统素描教学中往往过分强调以明暗层次光影虚实为主体的面造型手段，而忽视线条的表现力。一幅好的素描作品，往往除了讲究造型、结构以外还具有线的表现力。“画家所用的线往往是风格的最明显体现，线是最引人注目的一种艺术元素，也是画家主观意图的传递者。线条与素描的关系，“犹如色彩之于绘画，形体之于雕塑。”“只要在纸上画几条线，就可以看到‘明暗关系’已经作为素描的成分进人素描中去了，因为已经考虑到线条的明暗值。在瑞士著名画家贾克梅蒂的素描作品(达格拉斯·库帕肖像》中，人物与桌椅只是画家摹写的实存物体在瞬间留下的景象。大师将线条融入整体之中，画面中的线条在叠交运行中形成一种内聚力而指向中心，对于画家来说，物体的颜色、外形以及上面的光线只是一点点难以定义的东西，画家认为这点东西可以通过点、线表现出来。这些足以说明线条在素描作品中的重要作用。假如我们在造型时，不考虑线的变化关系，统统用一种线条去刻画，可以想象作品会如何的单调和乏味。如果根据物体的造型体态、结构关系、空间层次、透视关系去表现，视觉效果就会截然不同。而失去变化的线条，不能产生节奏和韵律，无法达到造型的目的。我国古代画家通过长期积累所倡导的铁笔十八描:如钉头鼠尾描、游丝描、兰叶描等，表现对象的质感、量感、运动感，注重线条的疏密变化，都是基于通过凝炼的造型以提升表现力的考虑。

纵观世界著名的绘画大师，米开朗基罗、达·芬奇、拉斐尔、鲁本斯、提香、伦勃朗等等，他们对线条的运用和理解都达到纯熟的境界。比如鲁本斯松动而准确的线条，寥寥数笔却赋予人以生命力。凡·高的素描线条稚拙中见深刻、朴实中见真诚。仔细读来，大师的素描精练而到位，下功夫去领悟、推理，每一处转折、每根线条都表现出了生动丰富的形体，因此带来的感觉是舒畅、有信心的。

素描学习论文范文篇5

论文摘要：保守的素描训练方法厦艺术观念阻碍了学生创造力的发挥，不利于培养具有创新精神的艺术人才。本文检讨了传统美术教学中素描认识和训练的种种误区，结合学习和教学经验，分析、总结，从古典至现代的艺术观念中抽取概括出注重形感及结构塑形的素描教学手段，强调了线务的合理表现对于造型的重要性。

西方美术史上所有杰出的大师，无一不是从学习素描而走上艺术之路的，素描是形成绘画的最重要的要素。素描的意义在绘画上不仅仅是表现轮廓，它同时可以表现质感、运动感和韵律节奏的动态、谐和安定的静态，更可以表现画家的个性。所以，古往今来许多艺术大师都把素描看作是艺术的灵魂，绘画的生命，素描练习甚至伴随他们一生的艺术创作。所有复杂深奥的学问都必须依靠最简略的训练方法，绘画所依靠的就是素描，素描是我们通向自然和心灵的最直接通道，也是我们探索已往艺术大师奥秘的钥匙。素描训练对画家的艺术能力成长的影响是全面的，它不仅训练画家的造型能力，同时也是画家智能训练、审美能力训练的重要途径。素描基本功能的训练对提高画家的艺术素养，形成画家独特的艺术风格起着十分重要的作用。

在古典大师那里，素描主要是通过最简单的素描语言塑形以构成画面来体现画家的创作意图的。然而现今我们所因袭的素描教学模式中的素描训练已很难体现这种创作意图了。那种单调，表面、几乎是保守的训练方法体现在素描观念上是模仿，拷贝生活，它的特点是在“全因素”的口号下孤立地强调明暗层次光影虚实的照片效果，追求表面的肖似、华丽和面面俱到。这种素描需要很长时间作业且不能离开模特儿，时间短了，无法完成，离开了模特儿，便画不下去。

应该说这是苏派教学模式的传统遗留，重写生能力而非创造能力，重模仿能力而非表现能力。后果是受其影响的画家往往只能以模特儿写生代替创作，他们的画从创作意图上看是含糊不清的，形象往往较之生活原形逊色而且雷同。目前，仍有人把这种模特儿型素描看作是唯一的素描方法，许多教师还用这种素描方法来训练学生，甚至对许多有创造性的学生的素描不加以鼓励和诱导，而是加以贬低。使学生失去了自信心，也就失去对艺术的兴趣，只会跟着教师去进行机械复制，完全扼杀了学生的创造性，从而使我们的素描训练最终失败，我们的素描也就失去了表现创作意图的作用。

生活是艺术的源泉，但艺术决不等于生活。艺术不应该是模仿，绘画更不应该是生活的模仿。绘画艺术的创新要求建立相应的素描观念，以正确的素描造型观念去进行创作。我们提倡与模仿型素描不同的创造型素描。我们同样重视生活，但只是把它作为塑造艺术形象的依据，以形象构成的本质因素为基础，注入作画者的真情实感，追求形象的艺术感染力。素描没有特定的方法，每个人眼中都有可信的、有自己审美趣味的东西，能表现出作画者所感受到的现实对象生动的、和谐的、合规律的美。

当然，我们在强调艺术表现力的同时。并不是就讲不要写实能力，而是在基本的训练中把写实能力和表现能力等同看待。在素描教学中技术与艺术应整体上同步发展，不要企图越过基本的造型能力先去追求表现与发挥，这也就要求教师不应该把艺术家和学生截然分开。教学生时，将他(她)看作学生，要教得透彻、耐心、毫不保留，但评价他的作品时要把他看成艺术家，严格要求，除了功力以外，要特别审视他的艺术观念、艺术个性的发展，重视从艺术素质上去培养，防止纯技术的观点。

首先谈谈素描中的比例。初学素描的学生应该先学比例，因为他必须考虑作品中各个部分之间或整体在大小、数量上的关系。但在学生的素描有创造性时，他就可能把物体画变了形。因为他这时想的最多的是美学上的比例，而不是严格意义上的正确比例。早先的素描教学中有些老师对比例只求准确。以尺码的准确来束缚学生的手脚，使学生陷入苦恼的局部比较当中，忽略了最重要的整体感和认识上的自信心，以及必要的夸张和自觉处理，过多的强调了共性特征，把个性特点限制到了很小的范围内，画出来的形象不可能有很大的变化和艺术上的感染力，很容易千人一面，同时学生的艺术才能、创造性被轻易的扼杀了。

比例在艺术上应不完全是尺度上的准确，它有着更重要的自身规律，这就是整体上的谐调，比例谐调来自客观形象及画家经验的总结和智慧的发现。要使学生认识到，眼前的物体，无论是一个人、一只凳子还是一根绳索，都只是意识的载体，不只是技法功能的实在物，应该说在“似与不似之间”。在凡·高的素描作品《樵夫》中，画家没有受到传统严谨刻画表达方式的束缚，而是用略加夸张的造型、充满激情且呈长条放射状的笔触藉以寄托再现其对对象近乎狂热的内心感受。正因为这样，凡·高走上了艺术王国的颠峰。所以，教师应要求学生及时抓住客观形象的启发，大胆地去创造鲜明的、属于自己的形象。比例的谐调，要求只在印象的舒适感及表现艺术对象的个性特征，不应该是简单的尺度上的准确。它在艺术上只是相对的，当然应是合理的。

其次，在我们传统素描训练的观察方法中，主要是明暗层次光影虚实的观察法。在素描训练中应当改变这种方法，采取形体、结构的观察法。这并不是在教学中反对利用明暗变化来表现对象。而是要求在素描造型中不要把它作为形象的本质因素来对待。因为明暗光影的变化是被结构形体所决定的，常常在只有表现结构、形体时才能显现它本身的光彩，所以这些明暗层次和光影虚实都会因不同的形体结构而使它们发生改变，但形体结构却不会因光影和明暗的变化而变化。

另一方面在传统素描教学中往往过分强调以明暗层次光影虚实为主体的面造型手段，而忽视线条的表现力。一幅好的素描作品，往往除了讲究造型、结构以外还具有线的表现力。“画家所用的线往往是风格的最明显体现，线是最引人注目的一种艺术元素，也是画家主观意图的传递者。线条与素描的关系，“犹如色彩之于绘画，形体之于雕塑。”“只要在纸上画几条线，就可以看到‘明暗关系’已经作为素描的成分进人素描中去了，因为已经考虑到线条的明暗值。在瑞士著名画家贾克梅蒂的素描作品(达格拉斯·库帕肖像》中，人物与桌椅只是画家摹写的实存物体在瞬间留下的景象。大师将线条融入整体之中，画面中的线条在叠交运行中形成一种内聚力而指向中心，对于画家来说，物体的颜色、外形以及上面的光线只是一点点难以定义的东西，画家认为这点东西可以通过点、线表现出来。这些足以说明线条在素描作品中的重要作用。假如我们在造型时，不考虑线的变化关系，统统用一种线条去刻画，可以想象作品会如何的单调和乏味。如果根据物体的造型体态、结构关系、空间层次、透视关系去表现，视觉效果就会截然不同。而失去变化的线条，不能产生节奏和韵律，无法达到造型的目的。我国古代画家通过长期积累所倡导的铁笔十八描:如钉头鼠尾描、游丝描、兰叶描等，表现对象的质感、量感、运动感，注重线条的疏密变化，都是基于通过凝炼的造型以提升表现力的考虑。

纵观世界著名的绘画大师，米开朗基罗、达·芬奇、拉斐尔、鲁本斯、提香、伦勃朗等等，他们对线条的运用和理解都达到纯熟的境界。比如鲁本斯松动而准确的线条，寥寥数笔却赋予人以生命力。凡·高的素描线条稚拙中见深刻、朴实中见真诚。仔细读来，大师的素描精练而到位，下功夫去领悟、推理，每一处转折、每根线条都表现出了生动丰富的形体，因此带来的感觉是舒畅、有信心的。

素描学习论文范文篇6

美术创作有其规律性，是可教可学的，而且是必须教与学的。创作本身也需要练习基本功，但素描不是唯一的基本功。创作也如素描一样，有步骤，有规律，由浅入深，由简到繁，有一个循序渐进的过程，不是一蹴而就的。如果说在美术学院里只要学好素描，创作是毕业以后的事，那便把素描与创作割裂开来了。素描应该为创作服务，这是常识。这种纯技术观点，显然是片面的。现在我们在阐述艺术规律的同时，列举出美术作品作为范例，通过作品分析具体说明艺术规律的运用，使学生获取全面的理论知识，使创作能力稳步提高。

二、美术创作基础

从事美术创作，首先要会画，而且还要画得好，这就要苦练基本功，但是，我们常看到有些基本功较差的业余美术作者却创作出较好的作品。这就说明基本功对于美术创作虽然十分重要，但作品的成败不完全取决于它，还包括作者的思想、生活、表现手法，以及艺术修养(包括艺术规律的掌握和运用)和反复实践等，这些都是更重要的条件。比如一个好医生，得先要有医德，再要掌握足够的医学原理，具备更多的临床实践经验，如果只满足于学些基本病理知识、药物知识、解剖知识等，是远远不够的，虽然也能医好几个病人，却不能算作名医。我们学习美术，要创作出好作品，成为一个成功的美术家，也应该这样。技术多偏重于手和眼的练习，而艺术规律则偏重于理论的学习，其内容更广，而掌握它们更难，所以要花更多的时间来学习。绘画是一门很有趣味的学问，只要你投身进去，发现问题，解决问题，便能有所创造，有所发明，其乐无穷。

三、美术创作的创新

艺术的创新意味着有标新立异的创造精神。要打破常规陈套，想别人所未想的，说别人所未说的，画别人所未画的；不甘与别人雷同，不愿重复自己过去的作法，这就要在创造的过程中，处处运用匠心。所谓匠心，就是有独到的见解，独创的技能。这要求画家有正确的思想，高超的技巧与深厚的修养。鲁迅先生的两句诗“愿乞画家新意匠，只研朱墨作春山。”这里说画家的“新意匠”，也即是鲁迅先生的“新意匠”。我们知道，春山应用青绿来画，而画家用朱墨画它，这个意匠就够新奇了。鲁迅先生愿乞画家一反常规用朱墨作春山，是什么意思呢?试读这首诗的头两句“风生白下千林暗，雾塞苍天百卉殚。”“白下”是南京的别名，南京是反动派的巢穴，这样我们就明白这首诗的意匠了。这就是说，在反动派统治下刮起的“妖风”使树木都变得阴暗了，被“毒雾”笼罩着的花卉都凋残了。在这样悲惨的世界里，鲁迅先生热情地希望画家(革命画家)用不寻常的笔墨画出一幅新图画，创造出一个光辉灿烂的新天地来。鲁迅先生运用“朱墨作春山”的新意匠，使这首诗的构思不落陈套，而画家如真能用朱墨画春山，他的画法也是不落陈套的了。这是艺术创新的一例。

艺术创新首先要有新颖的构思，别出心裁的表现手法，这就要求创作者出新意，想新样，不人云亦云。构思翻新在艺术上叫做“新意匠”，随之而来的新构图、新技巧、新风格，也叫“新意匠”。有了这些表现创作者智慧的新意匠，就能创造出一个引人入胜的新意境。杜甫有两句脍炙人口的好诗“为人性僻耽佳句，语不惊人死不休。”这说的是杜甫作诗的态度。“语不惊人死不休”就是说要创新。没有新意的诗句怎能惊人呢?如描写瞿塘峡的山色时，杜甫写下“入天犹石色，穿水忽云根。猱玃须髯古，蛟龙窟宅尊。羲和冬驭近，愁畏日车翻。”这是意匠新颖、句法惊人的好诗句。

总而言之，艺术的表现最忌一般化，平平庸庸，没有新意。欣赏艺术总想寻找新鲜的感受，不论内容与形式，如果屡看不改，便觉索然无味。作品的结构千篇一律，人物千人一面，看多也就不想再看了。凡使人百看不厌的作品，必是处处翻新的，这是谁都不能否认的。

参考文献：

[1]皮道坚.美术创作与论文指导[M].高等教育出版社，2009.

素描学习论文范文篇7

论文摘要:传统的素描肖像教学很重视提高学生的造型能力。身处现代社会，沿着现代艺术发展的脉络来看，有意地引导学生对于人性方面的关注应该是比审美意识更深层次的研究，对正确结合中西人性论的优劣，充分发挥学生积极的人性意识和社会文化身份选择，进而革新现有基础素描教学体系有一定的现实意义。

现行的我国高等院校艺术学专业的专业基础课，无论是油画、国画以及其他绘画方向，素描在基础阶段的作用确是不可替代的。就题材来讲，素描课程主要以静物、风景、肖像和人体为主，而肖像在这几种类型的题材中可以说难度最大，相关因素也更多。素描肖像的表现对象是人，就少不了对人的研究，研究人就会涉及到人性。本文以素描肖像教学为对象，探讨对于人性的关注和研究。努力让肖像素描教学突破传统的教学方式和方法的案臼，能紧扣现代艺术发展的主潮流，紧密配合学生专业发展的需求和发展方向，更好地为以后的专业教育打下基础。

一、人性意识的加强在肖像素描教学中的必要性

素描肖像的研究对象是人，这与哲学和人学中的研究对象一致，而人性内涵的变化自古多变。马克思给出的定义是“人的本质不是单个人所固有的抽象物，在其现实性上，它是一切社会关系的总和”。当代人性学家张荣寰这样诊释人性:“人性是真理性在人身上的自由表达，人性的本质，即每个人都拥有真理的真相，真理性是人和宇宙的共同本质，作为存在的人不会失去真理性，所体现的真理性是真正平等的。这在人类历史上第一次将人的地位确立在与宇宙同等的位置，人的真理性与宇宙真理性同等发展，人可以通过人格的上升，将生命的意义和脚步遍及宇宙”。

探讨人性是目的是什么?哲学和人学中探讨人性的目的在于:如何更好地解释、激发、引导、组织人类行为，如何更好地实现人类存在。我们在绘画中探讨人性，目的肯定不同于哲学和人学的范畴，那么目的又是什么呢?基于研究对象的一致性，在素描肖像中对人性的探讨，其目的主要在于:如何更好地以素描的形式解释、表现现代人类行为，如何更好地以绘画语言探讨现代人类存在的状态，给予人本身更多的人文关怀，并由此更好地促进学生的以后的专业发展，体现艺术对现代人类文化的贡献。

在马克思看来，实际上，人的本质不仅包括人与人之间的关系，即个人和他人的关系，即外因，也包括每个单个的人所具有的个性。所以，一切社会关系的总和固然是人性的一个重要方面，但不是全部，还应该加上个人所具有的个性，比如自私、自由等。孟子认为人性本善体现于人心的四端:“恻隐之心，仁之端也羞恶之心，义之端也辞让之心，礼之端也是非之心，智之端也。”这四端具有普遍性，适用于所有的人。就是说，再坏的人，再堕落的人，也不可能没有这四端，不可能没有这四种心。荀子说:“人生而有欲，欲而不得，则不得不求。求而无度量分界，则不能不争。争则乱，乱则穷”。为了制止由于性恶产生的混乱，才制定的礼仪制度。当然，再往后说，还有法律。“人之性恶，其善者，伪也。”意思是人天生本性是恶的，之所以善，是后来教育的结果。这是荀子性恶论的来源。马克思主义虽承认人性的存在，但否认存在普遍抽象的人性:只有从人的社会性和阶级性出发，才能得出对人性的正确解释，并由此断言，在阶级社会中没有超阶级的人性。

以此看来，人性的内涵是人的本质的体现。在现代社会，现代人在现代生存语境中有形形色色的表现，而其本质的表现又在自身的一言一行中得以表露，丰富的个体就构成了色彩斑斓的现代社会。那么素描肖像教学在内容上无外乎的头像、半身像和全身像的类别其实暗藏着一个个丰富个体的内心世界，体现着各种各样的人性特征。这种把握，在特定的社会环境中就构成用素描形式表现人物进而体现时代特征的高度。对于现代的肖像素描教学，人性意识加强的必要性一是要让学生注意观察和训练，能准确传达人物的内在气质二是要从人性关怀的基础上去分析个体精神特质的时代因素，让自己的画笔能描述时代和人物的种种特征和特有精神内在，体现一个艺术从业者更高远的文化身份认同。

二、人性意识的加强对传统教学方法的突破

综观高校艺术与设计院校的肖像素描教学，一般还是重视学生对形体和造型能力的培养和训练。那种描摹性的长期和短期作业对学生敏锐的观察力的培养见效甚微，加之这种训练方式在高中时就已经延续，在大学的学习中，这种延续并没有实质性地提高学生的素描水平，学生的作业和作品还是停留在一般的水平，甚至还产生应付和敷衍的行为。而肖像素描最精粹的境界—人的精神气质的描摹上，就做得远远不够。叔本华说过:“不能认识和欣赏世上所存在的美和善的原因，除了智能不足外，便是人性卑劣的一面从中作梗”。学生的肖像表现力和对人物内在的把握上的深度缺乏，是自身世界观、人生观、价值观成熟程度的体现，不在复杂多变的当代社会建立起道德和理性的标高，那么由此进人人性的探讨就遥不可及。历史上真正杰出的肖像画家，对人性意识的表现都是建立在对人物内在精神气质的精彩表现中。他们还具备一种品质:一种天然的对人性的探索和表现中:《蒙娜丽莎》、《达芬奇自画像》、《齐白石自画像》等经典肖像都有这样的人性意识，也只有这样，画家的精神深度和人性光芒才会感染后人，成为经典。

以此分析，肖像素描在课程设置上就要突破现有的模式。首先要加强理论鉴赏课程和实践课程的关联度一是要把精品鉴赏课程和素描实践课程紧密结合，课程设置不要分离太远二是在教学中可以在对传统经典素描的分析后让学生进行实践训练，教师指导中注意对表现技法和任务对象的分析和解读，注意对人物精神气质的外在主要特征进行分析。要训练学生眼睛捕捉人物特征的能力，在用尽可能少的笔触下表现人物的精神特征，表现人物的内在。课程设置还应注意要敢于突破现有课程设置模式，加强素描课程的模块化建设，也就是要注意素描教学的提高不是被其他课程分割太过，要把艺术采风、理论教学、课堂教学紧密结合成一个相互关联的模块，形成有机结合、相互促进的一个整体要让学生进入一个相对集中的对肖像素描的感知和情感阪依上，不因为学校管理和其他课程而千扰了这种阶段性情绪，进入一种临习和创作的情境，这样才能在这阶段起到很好的认知提高和审美提高，完成肖像素描水平的质的提升。这也符合艺术创作的规律，符合艺术创作过程的发生、发展和生成理论。

人性意识加强对现有的师生关系的拓展也有积极的意义。传统的师生关系在“传”与“授”之间建立的是金字塔式的权力话语体系。师生之间的关系是不平等的、对立的统一体。对肖像素描教学而言，加强人性意识就要求教师在言传身教的时刻注重平等的、交流的关系，教师更要注意自身人格力量的师范作用和表率作用，尽量少用审视的和布道的色彩去要求学生。在这种关系中，教师的社会身份不仅仅是传业者，更是通过素描教学让学生学会感知人的本质特征的引导者、师范者，这就要求教师自身对自己的文化身份的认同要具有更高的社会意识。对当前的种种文化现象的认识和剖析深刻而独特，从而激发学生的认知和探讨意识。

三、人性意识的加强是现代艺术发展趋势的要求

素描学习论文范文篇8

一、科研学术上创先争优

打造一流的教师队伍。注重加强教师理论培训，加强教师队伍建设。广泛开展以爱岗敬业为主要内容的职业道德教育，树立新理念，发明新业绩。注重教师能力的建设。鼓励协助青年教师参与课题申报和研究撰写教育教学论文、编写教材，邬红芳教授的带领下，服装专业教师编写了服装配套设计》服装画技法》服装cad服装资料学》等专业教材。极大地提高了教师的教学科研水平。

积极鼓励教师参与国内教学、科研交流，加强师资队伍建设的合作与交流。如10月纺织服装学院师生组团赴韩国韩瑞大学参与中韩两校专业交流活动，通过本次国际交流，学习到国外院校先进的专业教学方法和理念，加强了互动，开阔了眼界。

二．在教育教学中创先争优

认真备好并上好每一节课。教学同时，党员教师不时拓宽自己的信息渠道。注重发掘学生的学习潜能，积极培养学生的创新意识、创新能力，鼓励学生参与全国服装设计大赛，第五届海宁经编设计大赛中，由邬红芳教授指导的服装07级王晔同学的灵动》获经编毛皮服装设计类优秀奖，石利利同学的蓝色火焰》获经编毛皮服装设计类入围奖，徐亚同学的动力》获校服设计类入围奖。服装08级学生吴水红的现代几何》获“华孚杯”色纺时尚设计大赛入围奖。另外，挑战杯”安徽工程大学大学生课外学术科技作品竞赛中，由邬红芳教授指导的参赛作品获三等奖，作品力求贴近生活，真正做到用专业服务生活”效果。

服装专业党员教师坚持与时俱进的精神状态，新知识、新问题屡见不鲜的当今时代。对培养计划进行了修订。作为改革幅度比较大的素描》课，蔡沐芳老师在上课过程中，根据服装专业自身的特点，将原来的静物素描研究改为人体研究，注重人体骨骼、比例的学习，为后期服装画技法、服装设计、服装配套设计奠定了良好的基础。

素描学习论文范文篇9

【论文摘要】文章阐述了超写实绘画内涵、主要代表人物、国内外的发展情况，以及超写实素描的概念、价值，训练与创作超写实绘画的意义等。在此基础上，对超写实素描创作的要点、环节的刻画、质感和肌理的表现、容易出现的问题等方面进行了探讨。

超写实绘画源于20世纪60年代“后现代主义”的波普艺术，是该艺术流派中最为极端的一个派别，它的全称为“超级写实主义绘画”。超写实主义又称超级写实主义、新现实主义和照相写实主义，主张艺术的要素是“逼真”和“酷似”，必须做到纯客观地真实地再现现实。它的最大特点是主张艺术要大众化、通俗化。超写实主义源自并兴盛于美国，其后波及世界各地。在60年代末至70年代，作为世界现代艺术的中心，美国艺坛出现了莱斯利、克洛斯、安德烈、汉森等人，其绘画或雕塑作品的逼真程度让人如面对照片或真人。日益发达的科技和丰富的材料为这种风格的发展提供了便利的条件。这种风行一时的潮流不可避免地给美国的陶艺界带来了活力，并出现了像莱文、理查·萧、道·杰克、斯坦切克和日本的三岛喜美代这样超写实风格的高手。

莱文与查理·萧都是在70年代中期开始创作这种风格的作品，除了上述的超写实绘画和雕塑对他们的影响之外，波普艺术和安纳森的怪怖艺术作品对他们的创作也产生过影响。莱文一直是以逼真的手法创作了一批“旧皮货”作品。后期作品中甚至采用实物作为“皮货”的配件。理查·萧直接利用物品翻制出软模然后注浆成型，烧造后再采用丝网印刷技术和釉上彩技法复原物品的色泽。他们俩人的共同点都是作品几可乱真，并具有浓郁的怀旧情感。道·杰克和斯坦切克作为后起之秀，在人体雕塑的乱真方面具有令人称道的独特之处，他们并不仅仅以达到乱真的效果本身为目的，而是在作品寓意的深刻方面向前迈出了一大步。

三岛喜美代是日本超写实主义的代表，她娴熟的制陶技术和丝网印刷的能力，使她在处理其作品时显得得心应手。只有当这些作品以一个群体的方式在一个场域里向公众展示时，我们才能发现超写实主义风格所具有的真正魅力……

超写实主义风格在世界其他国家的陶艺界虽有所涉及，但未流行。

许多学者都认为中国的传统艺术是一种“写意”的艺术，因为在中国传统艺术中，大多数的艺术作品显现着“取其‘意’，而忘其‘形’”的艺术特点。然而，在中国的传统雕塑艺术中，并非均因为追求“意”而忽略了“形”的表现。比如在重庆市大足县的石门山石窟中，有一组表现手法与众不同的雕像——“千里眼”、“顺风耳”，其表现内容细致到触及到肌肉、骨头、血管。不仅神形兼备，甚至到了几乎是“超写实”的程度。这使我们真应当重新去体会东方文明，重新关注中华民族五千年的文化与艺术！

上世纪80年代初，由于我国对外开放的政策，超写实艺术得以引进。它一亮相，便轰动全国，如第二届全国青年美术展获一等奖的油画作品《父亲》以及稍后出现的《钢水汗水》等等，罗中立也因作品《父亲》而成名。画中，作者用极为细致的照相式的方式描绘了一位饱经沧桑、艰苦劳作的老农民的形象。诚实、善良、略显木讷的目光，镌刻满面的皱纹，黢黑的老年斑、苦命痣，干裂的嘴唇，老树枝一般的手指，破旧的粗瓷茶碗，……，他的身后是经过劳动换来的一片金色的谷场景象，一切都是那么历历在目，真实可信。这位老农的形象已经远远超过了生活原型，他所代表的是中华民族千千万万的农民。事实上，画家是通过人物形象寄托了自己的思想情感，是对我国千千万万劳动人民的赞美。

从1983年起，原中央工艺美术学院率先在装潢和特艺系开设了超写实绘画课程，并聘请了美籍华裔超写实画家到该校执教，传授技巧。如今超写实绘画已是高等美术教育中的一门必修课。的确，超写实的作品确实会令我们赞叹。因为它将生活描绘得太充分了，对于肖像画，它甚至描绘出一根毛发，一个毛孔，一个虹膜上的斑纹，一丝皱纹上渗出的汗水……即使是照片，也未必能描绘出这样的真实。当同学们惊讶于这些作品的时候，也就是他们对超写实绘画感兴趣的时候了。从接近生活的角度来看，超写实绘画的艺术主张与我们培养学生的主导思想是一脉相承的；超写实绘画要求作者具有冷静的头脑、理智的思绪，耐心细致的性格，有条不紊的工作程序，一丝不苟的态度，学生通过学习超写实绘画，能培养他们良好的工作作风；超写实绘画多数是从局部入手，后到整体，在专业方面，能提高学生的业务能力和认识水平。电脑硬件的普及和各种绘图、绘画软件的应用，能让我们轻松地在Painter、Photoshop等高级绘画、绘图软件帮助下，完成一幅幅写实作品。可是，手绘的技能却永远都要坚持和掌握。就像我们虽然有了电脑，但是仍然要学会写字、书法艺术仍然存在一样。脑子里的思想，用手来表现其实是最直接的。那么，要想把这种最直接的方式运用得得心应手，就必须学会画超写实绘画。而且，要从超写实素描开始。

什么是超写实素描？概括地讲，超写实素描指的是对描绘对象的形体、质感、肌理均能极为细腻地表达和刻划的一种把对物体仅一般性描述的素描推向极致的一种素描形式。从画面直观到的感觉是一种非常逼真的视觉效果，没有普通素描中常见的线、线的组合或线的排列，相似于焦距清晰的黑白照片。因此，表现的是实的东西，而不是虚的东西，画面给人以极为干净、整洁、细致入微的强烈的视觉冲击。超写实素描的对象多以静物为主，描绘人物或动物的也有，但较少，主要是因为超写实素描所用的作业时间较一般素描作业的时间要长得多，只有时间长，才便于作者有更充分的空间表现对象的质感和肌理，因为超写实素描的效果就是用质感和肌理来讲话的，质感和肌理表现的越充分，超写实素描的视觉冲击力就越强，否则，就流于一般的长期作业的层面了。

超写实素描的训练是一个高级的技术和技能的训练，因为超写实素描无论是从观察方法还是表现方法与普通素描都有着极大的差别，是一种最能体现技术和技能的一种特别的素描方式。当然，在素描教学中引入超写实素描的训练，其意义并不仅仅是去培养一个杰出的、超乎寻常的素描画家，而是通过超写实素描的训练，能够获得一种细致表现对象的素描绘画的技术和能力。当拿起笔的一霎那，就要明白，从现在画的每一笔开始都会决定最后画面的效果。橡皮是一个没有作用的家伙，它只能把颜色减轻。即使最好的橡皮最用力地擦，错误的一笔也会永远留在这张纸上。画别的素描有一些错误的笔痕没有关系，我们可以把它当作背景，可以把它当作营造空间效果的东西。但是超写实素描不行，因为我们要把事物描绘得惟妙惟肖，因为我们要把事物描绘得淋漓尽致，那些影响画面的因素一定要去掉。所以，起稿的时候要轻，再轻，轻得不能再轻。

超写实素描常见的毛病大致可以分为四种：“脏”、“腻”、“乱”、“花”。脏是最容易出现的问题，超写实素描首先是要保持画面十分的干净，其次物体部分同样要保持干净，只有干净，物体的肌理才能充分的表现出来，而画面弄脏的原因，大部分是与画者执笔绘画时手背接触画面的面积大，且来回磨擦有关系；而腻的原因比较简单，一个是铅笔的重复次数太多，再一个就是用6B以上的软铅笔铺底也容易造成腻的现象；线条的排列组合要规整，不能留有表现肌理质感以外的乱线条，不存在的线条就让它真的不存在，存在的只是各种复杂关系的深入；色调过渡要均匀，就不会出现深一块、浅一块的花斑了。

超写实素描要注意几个环节的刻画。第一个环节是全因素素描里的所有因素，其实超写实绘画就是把全因素素描发挥到了极致。全因素素描中的空间、形体、质感……等等都必须体现出来，没有这些因素别说是超写实素描，就算是全因素素描都不是合格的作品。第二个环节是要特殊注意质感的表现。在全因素素描里，质感的表现实际上是可以点到为止的。例如，我们描绘一个玻璃罐，由于室内灯光非常混乱和多，所以通常大家会采取概括和归纳的方法，只画一两个重要的高光就可以了。但是在超写实素描里，必须要将所有投射到玻璃罐上的高光都画下来，不管有多少个，不管它们都是什么形状，不管它们之间有多少微妙的色差。这些都要表现出来。这就是超写实绘画。其它的要求几乎跟全因素素描一样，唯独质感表现这一条要极其深入。

除了质感上面的光影要真实表现之外，还有就是各种质地的表现。什么东西是坚硬的，什么是柔软的；什么是粗糙的，什么是光滑的；什么是轻的，什么是重的；什么是干的，什么是湿的；……；什么是金属的，什么是尼龙的，什么是棉布的，什么是编织的，什么是塑料的；……质地的原概念是指某种材料的结构性质。引用到视觉艺术中，质地的存在离不开形态，它作为一种要素，在艺术表现上是通过不同质地结构性质的对比来实现的。对于质地上差异基本上有两种把握方式：一种是触觉的，一种是视觉的。触觉的体验是直接的，触摸到羊毛是柔软的，触摸到铁器是坚硬的，品尝柠檬是酸涩的，品尝干枣是甘甜的，这些都是通过触觉来体验。视觉上的关照是从一些表面很平滑，但视觉上则令人感觉到许多独特质地特征，如：电视荧屏出现各异的质地变化，一张纸画出不同的质地效果，照片上成像出各种质感，这些都是透过视觉而唤醒触觉的体验。我们画的超写实素描，就是要达到唤醒触觉体验的这种效果。

当我们的作品深入到自己没有耐性的时候，你就要想一想，你的作品空间表现出来没有，结构表现出来没有，质地表现出来没有？能不能唤醒我们的触觉体验呢？如果这一切都没有疑问的时候，我们的作品就可以结束了。

【参考文献】

[1]封一函.超级写实主义[M].北京：人民美术出版社，2003.

[2]（英）史密斯.西方当代艺术：从抽象表现主义到超级写实主义[M].南京：江苏美术出版社，1992.

[3]高懿君.超级写实主义艺术语言探究[J].甘肃联合大学学报(社会科学版)，2006，22（3）.

素描学习论文范文篇10

一、科研学术上创先争优

打造一流的教师队伍。注重加强教师理论培训，加强教师队伍建设。广泛开展以爱岗敬业为主要内容的职业道德教育，树立新理念，发明新业绩。注重教师能力的建设。鼓励协助青年教师参与课题申报和研究撰写教育教学论文、编写教材，邬红芳教授的带领下，服装专业教师编写了服装配套设计》服装画技法》服装cad服装资料学》等专业教材。极大地提高了教师的教学科研水平。

积极鼓励教师参与国内教学、科研交流，加强师资队伍建设的合作与交流。如2010年10月纺织服装学院师生组团赴韩国韩瑞大学参与中韩两校专业交流活动，通过本次国际交流，学习到国外院校先进的专业教学方法和理念，加强了互动，开阔了眼界。

二．在教育教学中创先争优

认真备好并上好每一节课。教学同时，党员教师不时拓宽自己的信息渠道。注重发掘学生的学习潜能，积极培养学生的创新意识、创新能力，鼓励学生参与全国服装设计大赛，第五届海宁经编设计大赛中，由邬红芳教授指导的服装级同学的灵动》获经编毛皮服装设计类优秀奖，同学的蓝色火焰》获经编毛皮服装设计类入围奖，同学的动力》获校服设计类入围奖。服装级学生的现代几何》获2010杯”色纺时尚设计大赛入围奖。另外，挑战杯”工程大学大学生课外学术科技作品竞赛中，由教授指导的参赛作品获三等奖，作品力求贴近生活，真正做到用专业服务生活”效果。

服装专业党员教师坚持与时俱进的精神状态，新知识、新问题屡见不鲜的当今时代。对培养计划进行了修订。作为改革幅度比较大的素描》课，蔡沐芳老师在上课过程中，根据服装专业自身的特点，将原来的静物素描研究改为人体研究，注重人体骨骼、比例的学习，为后期服装画技法、服装设计、服装配套设计奠定了良好的基础。