素描造型范文10篇

素描造型范文篇1

（一）素描的背景

在早期，素描是一种基础表现法，依附于其他的美术形态之上。最早的素描表现形式——线条、图案、符号，是原始人在动物的骨片石板陶器等物体上留下的。

（二）素描的发展现状

素描现在已作为高等艺术设计院校开设的一门绘画基础课程，素描深度研究也被放在造型基础课程中，从而激发学生的创造力，扩展他们的思维空间，达到从基础教学到设计教学转变的目的。

二、素描造型设计的研究方法

（一）二维体现画面感

二维也就是属于平面空间。在创作中，画面中物体的立体感只能利用二维平面中虚构出来的三维假象来体现。例如，我们可以通过大、小、虚、实、明、暗关系在二维平面空间中的表现来制造物体的现象、体积和空间的假象，从而加强物体的真实感。

（二）三维体现立体感

素描造型设计中的三维立体感是以二维平面为基础的，是一种虚拟的视错原理。绘画空间的平面体验与现实中的真实体感是完全不一样的。所以，绘画中的立体感只是通过视觉错觉虚拟出来的，例如，对比关系、透视原理等的运用。对比关系是指素描造型设计中通过大、小、黑、白、灰的强烈区分来体现物体的真实感。空间的透视原理是体现物体的立体感，空间感表现方法则是利用视错原理在二维平面上虚构出三维的空间感。另外，物体的虚实关系也是我们分清前后、主次关系的表现。虚实的对比关系是画面更好地表现真实感的重要手段。

三、素描造型设计的注意事项

（一）构图

在确定画面构图时，我们必须选定构图的方法，例如，中心构图。要安排好主体物和其他物体的大小、比例、位置关系。画面做到既完整又要透气。主体物不能太大，应保证视觉效果的舒适感。整体关系要明确。

（二）形

大体的构图出来之后，应考虑物体的形状特征，进行细节的刻画，造型要精准，不能改变物体的形状，否则会破坏画面效果，例如，石膏头像，它的立体感特别强，只要有点问题就显得比较明显。所以我们在绘画的时候一定要注意物体的形状，加强自己对造型的把握能力。

（三）立方体意识

物体的形状与画面自身存在的状态，我们都应该注意不能画成平面的，要具有立方体意识，表现出生动的画面。

（四）黑白灰控制

在绘画中，画面物体效果不能简单，因为它能够体现整个画面的完整与否，应延续黑白灰的主色调，以精准的造型、完美的细节，营造出物体的体积感觉，强调画面的空间关系。

（五）画面整体效果以及深入刻画的能力

在我们的日常生活中有一句话时常出现在耳边，即细节决定成功。绘画也是同样的，少了细节的刻画，整幅作品就称不上完美之作。所以，我们在绘画时应反复观赏自己的画，没有感觉的时候，可远距离地观看画面效果，做到精益求精。

（六）表现手法

笔者认为在现代绘画上应该摆脱一切手法和技法，还有概念，完全地把自己的原始情感激发出来，无控制地把自己的意图表现出来。

四、素描造型设计的总结

素描造型范文篇2

关键词：素描造型表现艺术诚实写实夸张

“素描——这是高度的艺术诚实。”这是法国新古典主义绘画大师安格尔对素描非常经典的概括。通常人们会从他的高度写实绘画风格的角度去理解这句话，那就自然会将人们导向认同“把对象画得越真实，素描造型的水平就越高”这种观点。尽管在进入了21世纪，我们的绘画艺术已经有了空前的大发展，在各种不同的绘画领域产生了许多新的绘画理念，并呈现出丰富多样的风格流派。但持上述观点的依然大有人在。其实这种观点是片面和肤浅的。持这种观点的人实际上是混淆了“艺术诚实”与“真实”的本质区别。这里所谓的“真实”是指事物的客观自然状态。而“艺术诚实”是指画者在获得了对事物的感受之后进行的艺术表现，它是人对事物的主观认识。不同的人描绘同一个客观事物，而得到的画面决不会是一样的。如果我们不搞清楚这个问题，本文所提的素描造型的“写实”与“夸张”问题的讨论就无法进行。因此，在我们将要对这一命题展开探讨之前，有必要澄清一下“艺术诚实”与“真实”的本质区别。

“写实”造型的素描是一切造型艺术的基础

素描作为造型艺术的基础，必须强调“写实”的表现能力。

素描的“写实”造型是“艺术诚实”的一种具体表现形式，而不是“真实”的复制和再现。这种“写实”的造型表现能力主要体现在对描绘事物形体和画面的结构、比例、位置、运动、线条、明暗调子等造型因素的准确把握。通过严格的素描训练，掌握造型艺术的基本规律，研究造型艺术诸因素，培养正确的观察方法、思维方法和表现方法，提高审美情趣。只有获得了扎实的写实造型的素描技能，才能真正为国画、油画、版画、雕塑、建筑、工艺设计以及其他一切与绘画造型相联系的造型艺术服务。古今中外的绘画和设计艺术大师无一不是在具备了扎实的写实造型的素描基础之后才做出令世人称道的艺术成就的。在中国，与西方素描造型体系相对应的是一直延续了上千年的线描造型艺术，南朝谢赫提出的“绘画六法”中的“应物象形”“传移模写”就包含着对“写实”造型的追求。晋代的顾恺之、唐代的阎立本、吴道子等都是杰出的代表；近现代有张大千、齐白石以及熔中西绘画于一炉的蒋兆和、徐悲鸿、刘海粟等一批著名画家。在西方，并称为意大利文艺复兴三杰的达·芬奇、拉斐尔、米开朗琪罗以及17世纪荷兰著名画家伦勃朗是古典主义和现实主义的绘画艺术大师。还有18世纪法国著名的新古典主义画家达维特和安格尔。他们的素描作品一直被后世奉为写实造型的经典范例。

“写实”造型的表现形式，在以往的中西方绘画及其他一切造型艺术活动中曾长期占据着统治地位，而作为造型基础的素描写实造型表现能力，自然就显示出至高无上的权威。在现代，随着社会的不断进步和文化艺术的空前繁荣发展，对造型艺术的写实表现也是众说纷纭。甚至在某些造型艺术表现领域出现了对是否一定需要具备写实造型能力的怀疑或者干脆持否定的态度的论点。认为长期的写实造型训练会阻碍艺术家想象力的发挥，继而导致造型艺术表现的僵化。笔者不赞同这种将造型艺术表现的僵化归罪于写实造型训练的认识。其实，任何事物的发展都存在着两面性，既有积极的进步性又存在着一定的局限性。造型艺术的发展也不例外，这就如同中国古代的工笔重彩画，当它发展到一定的时候，便有了中国文人画的兴起。又如同西方的古典主义绘画发展到极盛之后便诞生了现实主义和浪漫主义，在这之后又产生了印象主义等等。这说明，当一个事物发展到极致，它的局限性就会显现出来，就会有新的事物替代它。但同时我们也应该清醒地认识到新事物的出现必定包含着对旧事物中有价值的、优秀部分的继承和发展。在造型艺术的领域，作为基础的素描写实造型能力与造型艺术表现的僵化并无必然的联系，它也决不可能成为造型艺术发展的局限性因素。它无疑是我们应该继承和不断发扬的部分。因此，恰恰是那些具备了扎实的“写实”造型能力的人，才真正有可能突破藩篱，创造出新的艺术风格，拓展造型艺术的新空间。

无论在什么时代，也无论造型艺术发展到何种程度，写实造型的表现形式都有着无可替代的永恒魅力。而作为造型基础的素描写实造型能力，不仅在绘画表现上，在其他任何的造型艺术领域都发挥了并将继续发挥着重要的作用。

“夸张”的素描造型是艺术想象和艺术创造的必然要求

“夸张”的素描造型指的是在充分理解和把握事物基本特征的基础上，比较自由地、更突出地表达艺术家视觉和心理感受的素描造型表现形式。

这种“夸张”追求的是“神似”而不是“形似”，它探索心灵与外在现象的默契，寻找个体在现象世界中的表述方式。这种造型活动折射的是生命的充溢，是经过内心体验而迸发出的激情。艺术家将自己由事物唤起的情感映射到作品中，并将这种感受传达给观众。它注重感性，不满足于对事物的形体、空间的准确分析和表现，抛弃事物原有的比例结构，抓住能反映事物本质的造型特征展开艺术的想象，并运用独特的视觉语言进行表现，从而创造出极富个性特征的艺术形象。

素描的“夸张”造型表现在中西方的造型艺术创作表现中都具有同样重要的意义。中国晋代的顾恺之早就提出了“以形写神”之说，强调“传神”的画境。宋代的苏东坡亦有“论画于形似，见于儿童邻”的论述。在近现代，更有齐白石所主张的“妙在似与不似之间”。中国美术史上的文人画非常注重自身内在情感的表达和线条、笔墨的情趣。如贯休十八罗汉的奇诡、梁楷泼墨仙人的憨态、八大山人花鸟的秀骨清风等都是传神写照的经典。他们传世的一些线描作品历经千百年，成为了不朽的艺术珍宝。中国画的这种“夸张”是很值得玩味的，它是客观物象与艺术家自身感受和笔墨情趣的结合体，是艺术家遵循艺术创造的一般规律努力在主体与客体之间寻找一种平衡关系的结果。

在西方，随着印象主义和后期印象主义的诞生、发展以及表现主义、立体主义等现代绘画的新理念和新风格的出现，艺术造型更趋于感性的、情绪化和潜意识的表现，无论在素描造型还是在色彩运用上都显示出夸张的特征。法国印象主义画家卡尔米·毕沙罗在指导年轻画家时说：“仅仅接受那些和你们的感情相一致的东西和理解的方式吧……我害怕的是你们和我过分的肖似。”荷兰画家凡·高在他的《书信集》里曾谈道：“真正的画家……不会把东西如实画出来……而是画他所感觉到的东西。”《向日葵》是他最著名的作品，那富于个性的夸张的造型和眩目的色彩是艺术家精神情感的折射，它表达着对阳光和希望的激情，也蕴含着不安与失望。自然中的向日葵被赋予了生命的冲动，显示着具有动感的人格化的迹象。还有像席勒那战栗的神经质般的线条所描绘的狂躁的人物，莫迪里阿尼笔下那沉静优美的形象以及像贾科梅蒂瘦长而空虚的形，博特罗那胖得有点荒谬的形……我们一定不能忽视这样的事实：这些艺术家早期的素描写实能力已经达到了炉火纯青的地步。由于他们都有各自特殊的人生经历，有自己独特的艺术感受，因此才有了自己夸张的艺术造型特征：席勒深受弗洛伊德精神分析学说的影响，对人类内心深处的激情和潜意识有极大的兴趣；莫迪里阿尼的很多造型是从黑人木雕中嫁接过来的；贾科梅蒂认为人是运动的，又是痛苦的，是一群孤独的，失魂落魄朝着不同方向行走的幽灵；博特罗在这个物欲膨胀的社会里感触良深，他给自己提出一个假设，一个人的身体是否可以像一只气球那样吹至无限的膨胀……他们在夸张的造型表现上都有着非凡的创造力。对素描“夸张”造型表现的研究和探索，既是实现各种绘画艺术以及其他各类造型艺术表现的艺术想象和艺术创造的重要手段，同时也是作为独立绘画形式的素描创作表现的必然要求。

素描造型的“写实”与“夸张”都是“艺术诚实”的表现

素描造型的“写实”与“夸张”乍看起来似乎是矛盾的，是对立的不相容的两种表现形式。其实不然，“写实”与“夸张”的造型表现都是相对而言的，他们都是“艺术诚实”的具体表现。

在艺术造型表现的领域，没有“绝对的写实”，也不存在“绝对的夸张”。所谓“绝对的写实”，就是将艺术家的艺术造型表现与客观世界的“真实”等同起来，完全排斥艺术家主观情感的表达，其结果是从根本上否定了艺术家进行艺术创造的价值。而所谓“绝对的夸张”，就是将艺术家的主观情感与客观世界完全割裂，否定艺术家的主观情感来源于对客观世界的观察和体验，片面夸大主观的作用，其结果就是毫无根据地乱涂乱画。

事实上，素描造型的“写实”与“夸张”这两种不同的艺术表现形式，有着共同的现实生活源泉。就好像是植根于同一片土壤的两株不同的花卉，由于结构的细微差别导致吸收的营养成分和光合作用有一定差异，因此便开出了形状和颜色都不相同的花朵。写实造型的艺术表现形式侧重于对艺术家所感受到的客观物象结构比例、位置以及运动状态、明暗对比等造型诸因素的准确把握。因而除开艺术家独特的素描表现手法，就其外在的造型特征来看，比较接近于客观真实，也就是人们常常称道的：“画得很像，很传神！”而夸张造型的艺术表现形式侧重于追求艺术家在感受客观现实世界的同时获得心灵与外在现象的默契，寻找个体在现象世界中的表述方式，抛弃事物原有的比例结构，抓住能反映事物本质的造型特征展开艺术的想象，并运用独特的视觉语言进行表现。因而就其外在的造型特征来看，与客观真实的物象有比较大的差异，也就是人们常说的：“画得很夸张，很有激情！”

随着现当代绘画造型艺术的蓬勃发展，出现了许多各具特色的艺术风格和流派，这也就很自然地引发了人们对素描造型的“写实”与“夸张”孰高孰低的评说。一些长期从事写实绘画创作的画家认为，素描写实造型的能力是绘画创作的根本，并以写实能力的强弱作为判断绘画创作水平高低的唯一标准，只要看到有夸张造型特点的绘画创作作品，哪怕只是有一点点的夸张，他们就会断言说：“这幅作品不好。”或者说：“画得太差，连形都画不准！”或者干脆说：“看不懂，不知道画的什么东西！”等等。持这种观点的人，从小的方面来说是保守和片面，而从大的方面来说，如果他是从事美术教育工作的人，那无疑是要误人子弟的。这些人的问题主要是将具备从事绘画创作基本素质的“写实”造型能力的要求同绘画造型艺术创作的要求混为一谈，以写实造型能力的标准代替了造型艺术创作的标准。而另一方面，一些不愿“墨守成规”的画家为了求新求变，抛弃了在写实造型能力方面的基础训练，凭着自己读过几本西方现代绘画的书籍，看过几幅西方现代绘画的作品，便觉“大彻大悟”，一边在盲目夸张的胡涂乱抹中寻找“自己的风格”，一边哀叹道：“我们被写实绘画的训练模式害惨了，弄得现在都找不着自己了。”他们在努力模仿西方现代绘画的同时，对写实风格的绘画嗤之以鼻，认为写实风格的绘画“没品位，缺乏灵气”。面对严格的素描写实造型训练更是不以为然。但他们却忽略了一个重要的事实，那就是一向被他们奉若神明的诸如凡·高、毕加索、马蒂斯、达利、席勒等西方现代绘画大师，他们在写实绘画方面都曾是顶级的高手，他们在身后留下了大批堪称经典的写实造型的素描杰作。

综上所述，我们无论是进行“写实”造型或者是“夸张”造型的艺术创作表现，都必须遵循造型艺术的一般规律。首先要打好写实造型的素描基础，然后要用心地感悟现实生活、感悟人生。结合自身的性格特点和情趣，努力研究和创造出自己独特的素描造型表现方法。在“写实”造型的艺术创作表现中，我们应该在尊重客观“真实”的前提下，强调通过“写实”的绘画造型表现，传达自己的艺术构思和绘画创作理念；在“夸张”造型的艺术创作表现中，我们应该注重对客观“真实”的观察体验，捕捉住能反映事物本质的造型特征展开艺术的想象，从而创造出具有独特造型的绘画艺术形象。总之，要探索如何运用素描造型的艺术手段，通过艺术的想象将我们对现实和人生的感悟充分地表达出来。只有这样，我们的“写实”才能更加生动感人，我们的“夸张”才能更加深刻、耐人寻味。

参考文献：

[1]素描丛刊（二）.天津人民美术出版社，1981年7月第1版.

素描造型范文篇3

临摹在目前的素描训练中，未能受到应有的重视。其实，临摹与写生相结合的学习方法，常使我们的素描学习收到良好的效果。读读前辈（包括大师们）的学习成长过程，我们将会了解到，很多大师并未在艺术学院学习过，他们只是在博物馆里认真地临摹学习那些优秀的作品，从而领悟到艺术的真谛。对前辈的作品加以认真地学习和借鉴，并把前人所表示出的绘画经验与目前的素描写生结合起来，针对自己的实际情况，有计划地临摹一些作品，是十分有益的。作品选择好以后，应努力地去读、去思考，此时，要结合自己在写生过程中所遇到的困难或者盲点去进行比较，直到领会后才能动笔，心中有数是我们临摹取得事半功倍效果的保证。有些初学者由于缺乏正确的认识，在临摹学习时，不加分析研究就很随意地匆匆落笔，既浪费了时间又浪费了精力，这是我们应引起重视的。临摹时要有步骤，要透过现象看本质、要领和主要的东西，不要错误地认为临摹就可以随便一些，可不按素描步骤进行。在临摹过程中，要去认真体验，认识大师们的绘画形式、技法、情趣。总之，临摹是作为辅助我们能够更好地进行素描写生而存在的一种学习方法。

学习素描应准备一本速写本，速写本的大小以便于携带为好

速写是素描训练中一个非常重要的组成部分，它是培养全面地掌握造型能力的重要方法。速写练习能够培养我们敏锐的观察能力，树立整体把握结构观念（因为在长期的素描作业中，尤其是初学者，容易产生依样画葫芦，离开对象就无从作画的毛病），速写能够培养我们迅速的造型能力，通过速写有限时间的训练，学生从紧张、快速中得到锻炼（因为速写不允许我们像素描长期作业那样去仔细思考，所以只能抓要点而放弃细节，用最简练的艺术语言，表现出对对象的塑造）。在日常生活中，养成经常画速写的习惯，把你对生活中的感受和认识记录下来，对开拓你的视野，帮助启发你的联想与构思，为今后你的创作做好准备，从另一种意义上讲，一幅好的速写，就是一幅艺术品。速写的练习还应包含着另外两个内容，一是进一步了解和完成课堂学习中需要补充的题目，二是培养自己的个性和启发自己的激情。对于初学者来说，开始画速写时有些胆怯，在准备开始进行速写练习时可临摹和研究一些优秀的速写作品，通过临摹学习前人的观察方法和表现技巧，从而使你在动笔时胆子大一些，目的性明确一些。在临摹的过程中还可模仿画页中的表现手法，参照写生练习，这样相互交替，必定使你收到更好的学习效果。在研究我们周围生活的一切时，速写有着重要的意义，实物写生，记忆、默写一系列的速写方法，能不断发展我们不可缺少的形象感受。速写在素描中占有非常重要的地位，它能帮助你在公共环境和大自然中迅速地去发现去描绘，从而使你手的技巧及眼睛的观察力得以提高。由于速写不受计划和时间的限制，只要你有纸和笔，你就可以在火车站、轮船上、工厂里、运动会以及其他场合中画速写，从而得到锻炼。速写的练习和记录应成为每一个从事绘画学习者日常生活中的一个部分。

博览艺术世界，促进个人素描造诣的成长

我们常常会遇到这样一些学习绘画的学生，只知道埋头于自己的专业，缺乏对其他学科知识的了解，只是崇拜艺术家所创造的世界，而对艺术家当时的历史背景和促成艺术家获得成功的相应文化则一无所知，这是不应该的，这样会影响你在学艺的道路上正常健康地发展。学习素描时，还应经常涉及课外的一些活动，如参观各种艺术展览，培养自己到图书馆去自觉钻研、借鉴画册的自修习惯，去听讲座，同时有目的地阅读一些报章、杂志等。学习造型艺术，需要热情，需要对生活的体验，需要各种知识的补充。在学习素描的过程中，还应对油画、雕塑、工艺设计、摄影、建筑有所了解和进行探索。业余时间听听音乐，读点小说、诗歌、历史。这样，才会使你在未来的学习和事业中，找到适合于自己的创作道路。

素描造型范文篇4

轮廓线的表现手法轮廓线是通过对物象外形的描绘，表达出物象的空间属性。在许多古今中外的艺术作品中都有以简练、流畅的轮廓线画法表现物象的手法。采用单纯外轮廓画法就要求画家具有敏锐的观察力和准确的造型能力。运用轮廓线可以准确地描绘物象形态，也可以通过夸张变形的手法来表现物象，它的特点是捕捉物象瞬间的意象，同时抓住物象的实质。

结构线的表现手法结构线是描绘物象运动的方向，表示物象的形体构造及物象之间的构成关系。结构线的作用是可以构成体积，创造三维立方体空间，从而使我们更深入地分析和认识形体及形体空间的构成关系。我们知道，观察物象本身并没有这类线条，这些线都是从对象身上概括提取出来的，实质上是物象结构轮廓处转折面的概括和浓缩。现实中形体结构总是互相遮挡、叠压的，用线表现时就可以使不同结构部位的线互相穿插、叠压，找出必要的疏密关系，表现形体的前后层次关系。由于线条实质上是面的浓缩，可以代表正、侧、背等不同转向的面，因而可以依据特定的结构起伏及其与光的关系，画出相应的粗细、浓淡变化，所画的虽是一条线，却能让人感觉到形体的转折和结构的起伏。俄国著名画家列宾曾认为形体的起伏并不像初学者那样要依赖于明暗，而是依赖于那些组织恰当的线，如果线条的组织合理、位置恰当，单是用线就足够了。

表现性的线当我们在阅读大师们的素描作品时会看到，他们所表现出的线是那样的随心所欲，同时每条线中都明确地渗透着对物象形体结构独特的理解和把握。线条在他们手中真正成了表达精神内涵的语言，超出了纯客观再现的意义，形成了富有表现性的线。当我们在纸上画出一道黑色线条时，黑与白的鲜明对照就会产生一种颤动感，这近似于互补色所引起的颤动感。例如凡•高的《从蒙马约俯瞰拉克罗》，画家把自然景物中的树木、田野、山脉等概括归纳成不同节律、形态的点与线，并把这些点与线合理、恰当地组合在一起，使复杂的大场景变得有序而富于变化。在凡•高的另一幅作品《法国轻骑兵》中，我们看到不同长度的线与点的互相作用。使不同性质的有动感的线痕斑点构成了一幅统一的肖像。常言道，独线不成形。一个好的造型，一个好的构图，都需要由一组搭配得当的线条构成，而线与线之间可以围绕造型和构图形成非常好的、丰富的多样统一关系。既可表现出方圆、曲直的韵律，又可形成畅快、顿挫的节奏，或飞扬挺拔，或古朴遒劲，或丰满圆润，或坚实峻峭。

以明暗为主的表现手法

所谓明暗，是光线作用于客观物象而又反映视觉的物理现象，明暗不仅是光线作用于人的视觉物理现象，同时明暗也具有着主观情感的因素。在人类的视觉经验中，明暗在其对视觉作用时由明到暗的变化，也对人的主观情感产生不同程度的刺激作用。如亮色能与光明、纯洁、舒朗等形成联想。灰色能使人产生平稳、柔和、宁静、雅致的感觉。而黑色又容易使人与深沉、庄重、严肃、收缩等相联系。所以说明暗既是客观世界中的自然现象，也是绘画艺术中不可或缺的一个重要因素。因为无论从理论角度还是实践角度，明暗关系中最本质的问题还是黑白灰关系的问题，可以说只要有明暗色调，就会有黑白灰。首先从对比意义上讲，不仅是素描，几乎所有绘画，除有特殊需要外都要运用黑与白或者近乎黑与白的对比关系，黑与白这种强烈的明暗对比是表现形体空间的形式结构层次的重要手段。在许多杰出的作品中强烈的明暗对比还会产生惊人的情感表现力。当然，除了对比作用外，正确地布局黑白色块，会对构图的均衡与节奏效果起到重要的作用。从衔接与协调的意义上讲，中性的灰色调发挥着更加重要的作用。在素描作品中，完全用黑色和白色组成的构图是很少的，即使有些作品有意强调黑与白色的对比，也总是要通过一些线条的粗与细、疏与密的组合形成一定的灰色层面。这种灰色层面在画面中往往起到举足轻重的作用，有了这个层面，画面就不至于单调、生硬。当我们仔细观察、分析时就会发现，由于客观物象受周围复杂光线物影响，最黑与最白的色调在物象中所占比例并不大。我们仍以球体为例，真正的黑色块主要集中于明暗交界线和影子的某个部分，真正的白色块也只是高光处，而其他部分都是不同层次的灰色块。对于造型来说，这种灰色块是非常重要的过渡区域，大部分的结构层次都要在这个区域展开，如果这些过渡色调能处理得好、画得丰富，那么整个形体就显得丰满、厚实，反之则显得单薄、生硬。所以对于整个画面来讲，灰色调处理的好与不好，往往能体现出作者对复杂的色调关系的控制和驾驭能力。

结构素描的表现手法

结构，通常在绘画艺术中是指物体构造而言，素描的主要任务之一也是表现形体与结构。结构素描的显著特征是以线条为主要手段，注重表现物象的内在结构关系。具体地说，结构素描就是排除直观的光影现象，以研究物象的结构为主要目的，以线条为主要表现手段的一种素描方法。结构这个概念源于建筑学，原意是指建筑的组合与连接。在绘画中，结构的概念运用在多种的造型关系中，如形体结构、解剖结构、透视结构、形式结构等等。结构素描作为一种造型手法，自然要研究各种造型关系，但重点研究的还是形体结构与解剖结构。形体结构是指物体的基本形体构造和特征。它包含物象的内部构造和物体造型的特征。自然状态中的物体无论其外部形态如何繁复多变，但如果我们按照一种简化原则将对象复杂的形体结构给予概括，就会发现基本质上都会呈现为某种几何结构特征。这样去理解对象的形体结构，就会对对象产生十分强烈而鲜明的印象。如人体等复杂的形体，都是由多种几何体块组合而成，它们之间的穿插、衔接关系是形体结构的重要内容。

解剖结构是指对象生理形态的内部构造，如人或动物身体的骨骼结构和肌肉结构，是构成其身体形态的基本因素，所以，解剖结构是形体结构的基础。当然，绘画中所研究的解剖结构主要是与造型艺术有关的解剖结构关系。直观地讲，是从外形上视觉能观察得到的骨骼与肌肉的关系。由于结构素描的主要目的是表现结构关系，所以，也决定了结构素描在观察的方法上必须是从观察、认识、理解结构着眼。这一点与明暗素描有显著的区别，在观察物象时，就需要淡化光影意识，加强结构意识，它不像明暗素描那样借助于光影来表现，而是借助光照所形成的明暗变化，去观察结构的起伏与转折关系，把握住形体结构轮廓、转折和连接的要点，实质性地表现出其构造和构成关系。也就是说，结构素描表现的不是对象的直观效果，而且对对象的一种理解和认识。这种认识当中包含着对解剖结构理解和把握，否则仅靠直观的观察与感觉是无法完成这项工作的。线条是结构素描中最主要的艺术语言和表达方式，但这里所说的线条不是狭意的，因为结构素描仍是一种绘画艺术的表现方式，不是解剖图或结构图。所以，线条的运用仍然应当具有艺术含量，应当富于应有的节奏、变化和统一关系。当然，为了能充分表现形体结构的某种关系和艺术效果，弥补线条的局限性，在以线条表现为主的结构素描中，也可适当地画上一些明暗调子，使其以线为主，线面结合，表现出丰富和富于变化的效果，增强其艺术感染力。

素描造型范文篇5

一、空间的性质与构成——雕塑素描观察意识的建立

空间,实质上就是一个物体所处周围环境的立体位置,以及它本身与周围其他物体的距离间隔和区域。空间有三种特性:即虚空性、距离性、视域性。凡被知觉为空间的部分,必然有一种虚空性。这种虚空性,又决定它具有包含性和涵括性。在造型活动中,凡被知觉为图形(聚焦)的部分,即感觉实在,就往前突进;而一旦感觉不是图形,实在感便立即消失,变成一种虚空“无形”的和后退的因素。由此可见,凡被知觉为空间的因素,必然感觉是空虚的和后退的。距离性是指形态与空间、形态与形态上下、左右、前后的距离。在雕塑造型中对空间分割的量比权衡,实际是对不同距离的权衡。对这种距离的量比研究,在体量空间关系的表现和视觉绘画形式经营中具有很重要的意义。因为“视觉总是喜欢比例得当的事物”。空间的层次性是无限的、是难以想象的超大系统。我们对空间的感知是在一个相对有限的范围内进行的,加之我们的视域也是一个相对有限的空间,所以我们才能权衡和确立大小、整缺、方位等关系要素。空间限定意识对空间经营是有决定意义的。

雕塑素描观察意识的建立首先是对空间存在形式的认知与把握。实际上空间的存在形式是多样的,有“结构空间”、“运动空间”、“意向空间”、虚拟实在的“网络空间”等等,这里我们可以把空间的存在形式大体概括为两种;把符合精神意识要求的空间称之为“审美空间”,把物质的实在性和力学的规律性构成的空间称之为“物理空间”。我们这里谈到的空间构成意识的建立;主要是研究空间形态的艺术性,它追求的是纯粹形体和空间的创造。因此雕塑素描的观察方式必须突二次元的平面造型意识,要感受到四维状态下的实体与重量,要感受到空间的实在形态。主体的观察方式必须是整体的运动的。感受和创造空间形态不仅要看透,而且要进入空间序列之中。

二、基本形的构成——雕塑素描造型意识的培养

结构在雕塑造型意义上可以理解为面的转接和体积的穿插关系。宏观上,它便于将复杂形体分解成基本形体来概括分析;微观上,有利于对物象局部形体进行理解和塑造。

作为雕塑造型艺术基础的素描,其主要研究方向就是形体与空间的关系,形体与形体之间的关系。形体与空间是密不可分、相辅相成的。通常的思维方式是通过塑造物象本身来确定它所占有的特定空间。当然,我们也可以通过研究物象之外的空间来理解物象自身的形体与空间。这就像翻模子一样,有了模子,也就等于有了你想要得到的形。因此,我们可以将空间分为“正空间”与“负空间”。“正空间”可以理解为物象本身所占有的空间;“负空间”可以理解为物象之外的空间。

有了这样的理解,对于我们的帮助是巨大的。它使我们的目光不断地在“正负空间”上游动,非常有利于我们在塑造形体时把握造型的准确性。可以这样说,形体因为有了空间才变得有意义,空间因为有了形体才变得生动。同时,对空间的理解不能仅仅停留在三个维度上,空间是多维度的,有了这样的理解,对我们的学习与创作是非常有帮助的。

我们在观察与描绘复杂形体时,最常用到的结构分析方式是将复杂形体看成简单形体的规律性组合。因此,我们很有必要研究了解一些结构的基本组合规律,也就是说,要研究一下结构的类型。

物体的结构类型大致可以两种。第一种是支架型结构。它以支架为构成形体的根本,支撑和连接着整个形体。它由主干部分和支干部分连接而成。这种类型的物体通常是生长的、运动的。如植物、动物等。另外还有常见的人造物,它们是人们以支架结构的原理创造出来的。

另一种类型是聚合结构,或者称之为积量型结构。它们的共同结构特征是:内部暗藏着一种几何构造的关系,并能通过轴线、剖面线、切线等来确定。也就是通过“结构线”来支撑着物体的表面,并且通过表面与内面的联系方式来制造出不同的形状,并能使人深切感受到空间和体量的存在。所有支架型物体都具有自身的体量和空间,而聚合型物体并非都具有直接的支架性质。无论何种结构方式都遵循着一个共同的规律:外部形式是由内部性质决定的;外部是内部的结果。

有了以上的这些了解,当我们面对客观物象的时候,就能够对其造型规律中的结构特征做出明确的分析与判断,从而使我们的造型活动变得更加直接有力。

素描造型范文篇6

素描教学是美术教学中一个不可或缺的重要组成部分，它最初是以造型艺术的基础存在的。在16世纪末17世纪初，意大利的美术学院开始将素描作为造型艺术的基础课程，其教学内容是以科学理性主义的思想去认知和研究如何表现绘画造型，包括对形体比例、解剖结构、透视知识等构成视觉真实的绘画造型因素的研究。这种再现视觉真实的写实素描始终成为学院造型艺术训练的基础内容，现在中国的美术教学还沿用素描来训练、研究绘画造型。

写实素描并不能涵盖素描的全部内容。17世纪末，随着现代绘画艺术思潮的到来，人们开始追求艺术语言多样性的表达，素描从单一的写实状态朝各种方向拓展，如表现自然心态的写实、表现文化观念的写实、表现个人情感的写实或表现人类理想的写实等。到了19世纪末，素描所呈现的面貌更是多姿多彩，如夸张、变形、抽象、表现等各种风格和追求的素描形式。

在演变过程中，素描的定义不断被扩展，素描教学从开始的绘画造型基础教学分化为两部分：一部分是将素描作为造型艺术的基础进行教学，另一部分是将素描作为独立的艺术形式进行教学。在接触绘画艺术的初始阶段，学习素描无疑是最好的选择，绘画工具的简便和表现手段的直接性能让初学者更快地进入绘画状态，从而专心研究如何表现物象的比例、形体造型、质感、空间虚实等造型基本因素，掌握画面表现的技巧，培养对自然物象的观察力，协调手的表达与心的感觉，这个阶段的素描以表现自然的真实为主。在掌握了一定的素描表现技巧后，素描开始向独立的艺术形式转变。素描作为绘画艺术实际上是素描作为造型艺术的基础的更高级的表现，素描让画者能直接描绘和表达出最初的理解与感受，不加修饰的内在情感让画面的表现更为纯粹、直观，这时的素描已经能够构成独立的艺术形式。同时，它的这种情感的纯粹与直观可以转化到油画、国画、版画、设计等其他绘画形式中。如，安格尔在其素描作品中利用流畅的线条表现形体美，而这种形体转折的美感同样体现在其油画作品中。又如，修拉抛弃明确的形体轮廓，用纯粹的明暗调子塑造画面物象，展现出其对空间、量感的独特感受，其油画作品同样以小点的色块去组成形体造型等。在这些例子中，素描可以是独立的艺术形式，也可以为其他绘画形式提供基础的研究。素描在教学中的两种表现方式实际都在表述一个事实：素描是一种能让画者将对物象的认知和感受最直接地表现出来的绘画方式。

素描造型范文篇7

关键词：素描；写实油画；艺术创作；作用研究

相关文献资料表明，早在数千年以前，人类文明中就已经出现了素描绘画的雏形，而伴随着时代的演进与社会的进步，素描也逐渐成为了绘画艺术领域中一种独立存在的艺术形式，并对之后产生的油画艺术有着重要影响。本文旨在对素描在写实油画艺术创作中的作用进行探讨，希望能够起到抛砖引玉的作用。

一、素描概念及发展分析

许多书籍都对素描的概念进行了分析与论述，而各个流派和风格所具有的理论体系也有所不同。从广义上来看，素描可以泛指所有形式的单色绘画，如中国画中的速写、白描、草图、底稿、水墨画等等。而从狭义上来看，素描指的是采用碳笔、铅笔等工具所进行的造型练习，特指供学习者培养习惯、学习技巧、探索规律的绘画训练。因此可以说，素描涵盖了绘画艺术中的所有基本法则、要素以及规律。在辞海中，素描的含义是：主要通过单色的线条与块面来对物体形象进行塑造的一种绘画形式，高水平的素描作品有着其独特的艺术审美价值。其所使用的工具包括但不限于木炭、铅笔、毛笔、钢笔等。其目的在于锻炼绘画者对于物象的结构、形体、明暗以及动态关系的观察与表达能力，是绘画的基本功之一。通常情况下，绘画者往往会通过素描来进行练习和起稿，有时也可直接用素描进行创作。素描可以简单理解为“对轮廓的勾勒”，可以说是绘画的起源，在其之后才逐渐出现了有色彩与色调之分的其他种类的绘画艺术。原始社会初期，素描基本上可以说与绘画是同一个概念，在本质上没有区别。而到了古罗马、古希腊时期，素描逐渐流行起来，其种类也越来越多。其材质包括羊皮纸、木板、石板等等，颜色则有黑色、棕色等。在创作壁画之前，首先必须通过素描来进行底稿的绘制。这段时期的建筑设计与地图绘制也与素描息息相关。文艺复兴时期，素描在绘画领域的应用空前广泛，达•芬奇正是这一时期的典型代表。在17世纪，绘画在荷兰广受推崇，荷兰美术学院率先将素描设为学生必修的主要课程之一，这也引发了欧洲其他国家美术院校的纷纷效仿。素描也借此机会在现实主义绘画与古典主义绘画中占据了核心地位。直至19世纪，素描正式成为了法兰西美术教育体系中最重要的课程，并逐步与其他各类绘画艺术独立开来，这对于绘画艺术的发展而言无疑是革命性的。根据时期来分类，素描可以划分为三个部分：古典主义素描、东方素描、现代素描。作为古典主义的基础，古典主义素描是自文艺复兴以来在欧洲得到发展与完善的、目的在于逼真与自然的艺术形式。其强调对于过去与文艺复兴巅峰期的传统的遵循，讲求素描的精确性、简练性以及清晰性，在形式上力求完美。东方素描则以中国古代的素描为典型代表，有着十分悠久的历史。其基本手段为线描造型，并试图通过线条的气势、节奏、韵律与力度来实现物象的刻画与情感的表达。我国古代的线描被归结成为了著名的“十八描”，如高古游丝描、钉头鼠尾描、战笔水纹描、行云流水描等等。现代素描则推崇探索精神，拒绝一味地坚持传统，更讲求针对主观感受进行二次创造，主要包括了中国现代素描与西方现代素描两大分支。中国现代素描主要是指自明清两代以及近现代时期以来的画家们所广泛使用的素描技法；西方现代素描则历经了印象派、立体派、达达派、野兽派等许多流派。

二、绘画与造型艺术中素描的作用分析

作为一种特点鲜明的单色绘画形式，素描可以称得上是绘画与造型艺术的基础。无论是一条线或一段笔迹，都可以将平面转化为虚构的情景或空间。这也就使素描既成为了绘画艺术中的重要组成部分，也同时使其具有了独立的审美价值与意义。在进行艺术创作和培养艺术家的进程中，素描对于完美艺术境界的成就有着极大的促进作用。15到18世纪，素描在文艺复兴传统绘画中是为了某些特定目的服务的。从专业性角度来说，当时使用素描主要是为了构设或表达绘画者所想要传递的思想，并使构图放大化、明确化。从美术教育的角度来说，素描也是画家们研习与提升的必由之路。拉斐尔将素描视为油画的准备工作，阿佩利斯也曾说他每天只是画线而不做其他事情，这其实表达的是同一个意思。从普遍意义上来看，素描对于绘画造型艺术的作用在于：发展和进一步提升绘画者的造型、表现能力，使绘画者养成较好的对于绘画、造型的思考与观察习惯，提升和改善绘画者的审美水平，并激发绘画者的创造力，使其绘画与造型能力得到全方位的改良。作为学习绘画的起点，素描能够帮助每一位绘画者排除色彩因素的干扰与影响，并进一步地全情投入到绘画与造型艺术中去，从最基础的问题开始顺次解决。凭借大量的速写、临摹以及写生练习，绘画者能够更加深入地把握物象的造型与结构规律，并在获得经验与技术的同时得到更强的对自然的表现力。素描对于绘画者在绘画造型过程中的思考与观察大有裨益。在进行素描的练习时，绘画者首先要对将要描绘的物象进行细致的观察与思考，并对其结构与外形都有较为整体的认识。这对于绘画修养与思维水平的提升都是极有帮助的。素描能够大大提升绘画者对于绘画造型的审美水平，在日常的学习、工作与生活中，通过大量的素描练习与实践，绘画者能够在发现美的同时，在画纸上表现和创造美，这对于绘画者审美能力的提高与绘画造型艺术价值观的树立都是极为宝贵的。总而言之，素描对于绘画者而言能够起到研究结构规律和掌握造型法则的重要作用，是绘画造型水平提升的基础与关键。只有努力提升素描水平，脚踏实地、坚持不懈，才能为日后写实油画艺术创作奠定基石。

三、素描在写实油画艺术创作中的作用分析

“写实”无疑是写实油画最为突出的特点。绘画者要想能够画好写实油画，其造型与写实能力就必须达到很高的水平，而这自然离不开深厚的素描功底。只有在经历了大量、长期和坚持不懈的训练与学习之后，绘画者的素描水平才能够稳步提升，最终达到写实油画艺术创作所需要的水平。写实油画在整个油画的发展史上都占据着统治地位，其所遵循的是古典主义“艺术即美”的美学原则，其创新与追求也紧扣“美的理想”。素描在写实油画的发展过程中扮演着十分重要的角色，作用也非常关键：第一，画家在认真学习了素描之后，其对于绘画造型艺术的观察力、认知力、审美力以及创造力都会得到大幅提升，且该提升能够在写实油画的画面上得到非常直观的体现。换言之，写实油画的空间、形体、虚实、明暗、质感、构图、色彩等许多方面都离不开素描的帮助。写实油画作品的优秀离不开构图的科学合理、造型的精美准确以及色彩与素描关系的和谐协调。可以说，绘画者素描功底的深浅可以直接通过写实油画的画面进行判定。第二，在创作写实油画之前，画家一般都会进行该系列题材的素描专项训练，以确保造型的准确、传神与生动。通过对该特定题材的物象进行写生、速写等素描练习，一方面提升素描水平，另一方面也为之后的油画创作奠定基础。例如，徐悲鸿所绘制的人体与肖像素描成千上万，他为了画马而所绘制的马的速写和素描也近千幅，在他从事美术教育的过程中，就要求学生在大学四年内至少画300幅素描。第三，一般油画家都会在创作写实油画之前先用素描起稿以力臻完美。在进行写实油画的创作之前，画家一般都会先完成其素描稿，此后再进行色彩创作。可以说，前期的素描关系对于之后的写实油画整体创作起着地基的作用，只有做好地基与建筑框架，才能再进一步考虑装修的问题。若上阵匆忙，必然很难达到预期的理想效果。例如，中国现当代著名写实油画家冷军的作品在当今中国画坛可谓独领风骚，这与他深不可测的素描功底是分不开的。第四，无论古今中外，但凡在写实油画领域有所成就的大家全都在素描领域有着极为深厚的造诣。诸如达•芬奇、拉斐尔、丢勒、雷诺阿、米开朗基罗等等，他们都首先是素描大师，而后才是油画大师。

四、写实油画艺术创作中素描对于各元素的作用

1、“线”的作用

“线”是中国画与中国书法的主要表现形式，其在素描与油画创作中的应用也十分普遍，也折射出了非凡的艺术魅力。在创作油画的过程中，画家一般会先通过素描中的“线”来对物体的二维基本形状进行描绘，或通过对结构、明暗、形体、虚实等关系的把握来绘制三维素描稿，随后再在这一基础上进行色彩的表达。“线”是素描的基础，而素描是油画的基础。可以说，“线”是物象在绘画者心目中的体现与反映，也在一定程度上传递出了绘画者的精神、风格、想象力与思维方式。在创作油画的过程中，物象与物象间的轮廓离不开“线”的表现，物象自身的空间、形体、虚实、构图、变化以及整体性等也离不开“线”的表现。只有确保油画中“线”的运用足够巧妙、生动、准确，才能使画面效果有进一步的提升，并最终迸发出极强的艺术感染力与艺术表现力。

2、“形”与“体”的作用

“形”在画面中的作用无疑是决定性的，其也是油画最为基础的内容。实际上，绘画的学习首先就在于“形”的学习，即在画面上进行图形构造与创造的能力。从这一角度来看，绘画造型的学习实质上是造“形”的学习。在作画时，要区分“形”与“体”，前者是平面形状，而后者是空间体积；前者可以脱离后者存在，但同时前者又是后者存在的必要前提。在我们眼中，所有的物象都具有形状，“形”也正是素描与油画中最为重要的视觉平面因素。作为主要的造型训练形式，油画创作中素描的作用主要在于“线描素描”，其主要手段为以“线”绘“形”，其特征为空间二维性。这种训练要求所绘制的形体具有突出的特征、明确的结构以及清晰的轮廓。在创作时往往需要画家先进行一定程度的加工与提炼，并在此基础上尽可能实现“形”的精准与洗练，进而为后期的“体”打下基础。素描中基本造型规律的重要性毋庸赘述，强化对“形”中的黑白灰、点线面的研究和探索也就十分关键，必须得到油画艺术工作者们的高度重视。“体”指的是长、高、厚这三个维度的格局及其所占据的空间，是依附于“形”存在的。作为素描中的视觉立体因素，其前提正是“形”的存在。油画中“体”的意义在于，凭借素描的明暗、线条、远近、虚实、线面相结合等诸多技巧来营造出立体感，而这一技巧正是在写实油画的创作过程中应用得最为普遍的。达•芬奇、拉斐尔、米开朗基罗等人正是最为擅长画面形体塑造的巨匠。

3、“空间”的作用

要想在平面画材上营造出具有极强立体感的物象，就必须先利用透视原理完成具有较强的虚实、结构与线面关系的素描稿，通过大小、远近、前后的比对来凸显出空间感与立体感。从而增大画面容量，使作品的形象更加逼真、感染力更加具有真实美。在绘画领域中，透视法的运用使作品更加生动、真实和直观，也使其更容易地为人所接受，成功地为十五世纪及其后来的画坛带来了新的变化。实际上，正是这一技法以及其所衍生出的空间表现手段引导着阿尔贝蒂对绘画的光学与几何基础进行探索，并对其进行深入浅出、通俗易懂的叙述与讨论。在创作写实油画时，立体空间感的塑造必然离不开透视原理的应用。画家在描绘不同的物象时，必须表现出不同的空间效果，这就必然离不开对空间关系描绘的控制。

4、“构图”的作用

所谓的“油画创作”指的是画家采用油画的工具与技巧，在画面上描绘出能够传达作者思想与情感的物象。要想实现题材、内容、思想以及技艺的精准传达，就离不开创作前期的素描构图绘制。凭借素描形式的考虑、安排、提炼以及整合，画家能够初步完成创作题材与内容的理解与掌控。尽管素描的“构图”只是整个绘制过程的前期阶段，但实际上却起到了“定基调”的重要作用。“于变化中谋求统一”是“构图”的基本原则。无论古今中外，绝大多数的写实油画艺术创作者们对于素描构图都是极为重视的，在进行构图时，他们都会尽可能地将自己所想要表达的形式与内容安排得协调、恰当、合理，经过多次的调整与更改时候，才进行下一步的色彩创作。只有这样，才能最终达到写实油画内容与形式的高度统一。

五、结语

纵观古今中外，几乎每一位写实油画大师都具有着极为高超的素描功力，从他们的写实油画作品中大多能够看出全因素素描。本文旨在对素描的概念与发展、绘画造型艺术和写实油画创作中素描的重要作用，以及素描对于写实油画创作中各元素的巨大影响进行深入的剖析与论述，希望能够给相关专家学者、研究与教育人员以及正在学习油画与素描的同仁们以一定的启发。也只有脚踏实地、勤修不辍，从素描基本功开始练起，才能最终实现写实油画艺术创作水平的稳步提升。

作者:张富栋 单位:渤海大学艺术与传媒学院

参考文献：

[1]林晓华.浅谈素描在写实油画艺术创作中的作用[J].美与时代（中旬刊）•美术学刊,2014,(9):33-34.

素描造型范文篇8

关键词：设计设计艺术设计素描

中国对于英文Design（设计）的理解和译名在20世纪整整100年间做过3次改动：“图案”——“工艺美术”——“设计艺术”。3个词的演变，意味着认识角度的转换，但基本内涵并没有根本性的转变。在商品社会里，一件产品从制造到推向市场至少需3个设计环节，“技术性设计”——“艺术性设计”——“营销性设计”。也就是说无论是手工业、机器生产还是现代高新技术造物，总有由创意阶段到制作阶段这样一个完整的过程。“图案”侧重前阶段；“工艺美术”则重在后阶段；而“设计艺术”是一个完整的体现，一方面重在前阶段的设计，另一方面也要考虑后阶段的制作，包括内外部构造、工艺及市场营销等等。从艺术的角度来看，随着设计艺术的深入研究和蓬勃发展，并取得了一系列引人注目的研究成果，设计艺术已经在我国艺术研究领域确立了自己的地位，成为了与绘画艺术、戏剧艺术、电影艺术、音乐艺术、舞蹈艺术等相并列的一个艺术门类。随着时代对于设计的3次命名的演变，我们不难看出作为设计的造型基础也在随着发生改变，所以设计的造型基础是紧跟着设计的需要走的。

一、绘画素描与设计素描

造型艺术通常被划分为纯艺术和实用艺术两大体系。如果说绘画素描是为“纯艺术”服务的，那么，设计素描就是为“实用美术”服务的。

绘画素描，它是绘画艺术的基础课，具体表现是从静物入手，到石膏头像、胸像、全身像，然后是真人头像、胸像、全身像，最后是人体课的教学。作业通常采取短期、中期、长期习作相互配合。训练是以质感、明暗调子、空间感、虚实处理等方面为重点，研究造型的基本规律，画面以视觉艺术效果为主要目的。这一套有效的、完备的基本功训练，能为学生对专业方向的学习和创作打下必需的、坚实的基础。我国20世纪80年代也把它作为工艺美术的基础造型训练。

设计素描则是设计艺术的基础课，具体表现对象重点是静物（几何形体、瓶、罐、工业产品等），石膏和真人只是作为造型的辅助教学，更不用进行人体课训练了。作业通常采取短期、中期为主。训练是以比例尺度、透视规律、三维空间观念以及形体的内部结构剖析等方面为重点，它秉承了传统绘画素描的艺术精华，目的是一切为了设计的造型训练。是视觉传达设计、工业设计、建筑环境艺术设计、动漫设计等各类设计专业的一门重点基础课程。

二、包豪斯对现代设计基础教学的影响

首度将设计素描的理论、形式和功能从传统绘画素描中划分出来是1919年人类历史上第一所里程碑式的设计学校德国包豪斯设计学校的创立，以及瑞士巴塞尔设计学校拟定的《设计素描基础教学大纲》。包豪斯在培训第一批现代设计人才时，没有使用传统的绘画素描来作为他们的形象设计基础。当时的教师伊顿、克利、康定斯基，均属现代派画家与造型理论家，强调严格的基础训练与理论灌输。对自然与生活的敏感。他们的基础课程分别是：“自然的分析研究”“造型、空间、运动和透视研究”“分析性绘画”等等。

西方的绘画有悠久的历史，绘画素描也有很多优秀的、伟大的作品。在20世纪30年代，很多发达国家建立了独立的设计学院及设计专业，他们受到包豪斯的影响，无一例外都放弃了传统的绘画素描而采用包豪斯的设计基础造型训练方式，近一个世纪的探索和发展已形成了比较完善的设计学科和设计教育体系，并在设计思维、设计理念及设计实践上取得了辉煌的成就。在我国，真正现代意义上的设计艺术的发展仅有20多年的历史。艺术院校设立设计专业时间并不长，基础教学大都沿用原来绘画学科的教学程序和教学内容，担任设计素描基础的老师几乎都是受教于艺术院校的绘画专业，使素描教学这条与母体紧密相连的脐带从来都不曾被真正割断，这是目前国内设计学科基础造型教学的一大特点。

三、设计基础教学为何要采用设计素描

随着中国改革开放，大工业化成为生活的主流，西学东渐的速率加快，无论设计观念、方法和理论都发生了巨大的变化，所以设计基础课的教学方法和目的也应随之而变化。绘画素描是通过再现对象的具象描绘来反映意识形态的创作，如果继续沿用它来进行教学，将会发现在素描和设计之间存在难以衔接的断裂带，首先，绘画素描无法完全体现设计所需的基础训练，而设计基础的结构设计素描训练能一方面表达造物的结构关系、透视关系、比例关系、空间关系等，更重要的是还能透彻地表达造物内部的构造及结构与形体之间的关系，这些训练正是设计所需的造型基础。其次，绘画素描也无法表现设计所需的创造新的形态和创造性思维，而设计基础的装饰设计素描、表现设计素描、抽象设计素描、意向设计素描训练却可根据一定形式美感法则来表现对象，更能创造并无“对象”可供再现的不存在的“新”的形态或抽象形态，同时也能训练培养一种创新思维。再次，从教学内容来看，绘画素描训练是从静物到人体，而设计素描是从设计所需的造型基础来制定教学内容，重点放在静物（几何形体、瓶、罐、工业产品等）上，对于对设计无多大实用的真人全身或人体课程就没训练的必要了。最后，传统的绘画素描体系是对造型能力的培养、对自然规律的研究，但对材质媒介的使用是有限的。在设计基础的材质媒介综合性设计素描训练中，发挥众多材质媒介自身的物理特性和审美价值，有创造性地发现、选择、运用不同的材质媒介去设计、构架不同题材内容的画面，这又是设计所需的创作实践的另一个重要的环节。

素描造型范文篇9

我们从艺术史的角度来看，古典艺术是在封建制度下形成的，艺术家是为皇帝或上帝服务的，那时的艺术家一定有宗教情感，几代人为表达一种情感锤炼一种样式，虔诚得并不认为自己所做就是艺术。而进入资本主义时代，文艺复兴以来，人文主义精神得到广泛传播。人对客观世界及对人自身的不断认识，人，作为生命的主体得到了应有的尊重。艺术家发现了潜藏在生命里自由的欲望以及发现与创造的欢乐，造型艺术再也不仅仅是宗教的图解和宫廷的装饰了，要求艺术和科学并列，造型艺术和音乐、文学是同样崇高的艺术形式。进入现代社会，艺术家要通过艺术表现自我，艺术的精神在于创造，而当“人人都是艺术家”的口号进入我们的生活时，当代西方艺术形式的丰富让长期饱受封建意识压抑的人们就不能完全理解了。

素描的多样性是在人的认识不断发现不断创造的过程中形成的，可以说，是在尊重个体人的创造才使素描的多样性成为可能。

我们的教学，是以培养健康的人为前提的。尊重每一个人，发现每一个人的创造潜能，是教育者的责任。其实“人人都是艺术家”就是尊重每个人的存在，我认为仍然是人本主义精神的体现。

由此看来，素描可以有多种表现形式，素描教学的内容应更宽泛些，素描不仅是技巧与方法的训练，也应是思想与观念培养。二、基础教学素描的作用

素描是思想方法，是一种思维方式。克利说：用一根线条去散步。就说明了这样一个涵义。我们看到历史上中外艺术家的素描杰作，无一不反映了大师的思想及独特的看法。达芬奇、米开朗基罗、丢勒、鲁本斯、伦勃朗直至印象派之前的古典艺术家，在创作之前大都要先画素描草图进行构思，即使现代艺术家塞尚、凡高、马蒂斯、毕加索也同样是利用素描的方式在思考。因为素描是如此的简便而直接。

造型艺术的基础是由艺术形式决定的，单一的素描方法不可能解决“一切造型艺术”的基础问题。而且，不同的思想观念产生不同的素描形式，达芬奇、米开朗基罗、塞尚、凡高、马蒂斯、毕加索、齐白石、徐悲鸿各有不同。

素描是要解决造型问题，但更重要的是解决观念认识问题。如在一些新的媒体造型艺术中素描仅是一些辅助手段而已，并不一定需要有很强的素描“造型”能力。

各类造型艺术对素描的要求也是不一样的。建筑设计艺术与纯绘画艺术对素描训练的要求就不同。建筑设计需要理性的介入，尊重科学技术手段，侧重人的心理与生理的社会性视觉需求及实用功能的合理性。在素描训练上更注重理解与分析，对形体的比例、透视、空间尤其是对比例、对数的概念的理解似乎更重要。比如包浩斯的基础课程设置：约翰·伊顿与莫霍利的基础教学就是一个重内在精神冥想，另一个则重实用技术的规范与秩序的代表。由于艺术观念的不同也决定了素描形式的不一样。中国古代论画有“得意忘形”“以形写神”之说，东坡云：“论画与形似，见于儿童邻”；而西方古典艺术家们为了“形似”却发现了解剖与透视原理。具象写实的画家与抽象表现的画家其素描的表现如此不同，都是因为观念影响了他的表达方式。

素描是一种思维方式，音乐是一种思维方式，区别文学与哲学是因为她们不是用文字语言去思考，而是用独特的语言方式——视觉的或听觉的图像和声音去思考。

素描是视觉的，是看法，也是技术方法。有什么看法就有什么样的技术方法，传统的中国山水画没有焦点透视，中国画家在画一幅画时不必站在固定的一点对景写生，所谓“搜尽奇峰打腹稿”，采用的是散点透视“三远法”；而西方的风景画一定是固定的视点、固定的光线，即使不是对景写生也要运用严格的焦点透视法则和具体的光线效果。最初西方艺术的透视法、光影法传入我国是不被接受的，因为人们的习惯看法被改变了。

素描不仅是思想，还是一种技术。因为艺术的“术”字就不能回避技术问题。中国画讲笔墨技巧，近千年的锤炼已形成了一整套独特的表现技术：勾、勒、皴、擦、染、点……在国门被打开之前，人们觉得画就应该是这个样子。而后的观念变化是看到了世界的模样，是“科学”影响了我们的看法。这时的我们想画一张看上去“正确”的素描，还需要学习相应的解剖与透视知识以及光影变化的规律等技术手段。

素描教学技术训练是基础课教学的重要组成部分，只是这个技术训练要有相应的思想观念作指导。

艺术院校设置造型艺术基础课由三部分组成。即素描、色彩及工具材料的应用。这三部分既有分工也有联系，是一个整体的三个方面不可或缺。素描训练离不开工具材料及对色彩的感觉；同样色彩训练也离不开工具材料及对素描的认识；而工具材料就是一切艺术创造的物质基础，这一点是应该明确的。选择工具材料是观念的问题，而熟悉工具材料就是个技术性问题。素描训练在对“造型”的把握过程中，技术问题就摆到了前面。

任何一种形式观念的素描都离不开可视的媒介载体——材料与图形。材料是平面的或立体的，有色或无色的纸或其它质地的基底，图形是铅笔、粉笔或墨水的痕迹等等，这些材料组合本身就有技术含量。想画得有立体感和空间感，相应的技术和知识是必备的。构图、形体与空间、画面整体感的控制，点、线、面、影调与黑、白、灰的处理，解剖知识、透视规律的运用等等。由于专业的不同所需技术手段亦有所侧重，但在传达对形体的感觉过程中具体的技术手段是丰富的，需要我们去感受去发现。不能否认，有时对技术的探求也会带来观念的变化。

即便如此，素描教学作为造型艺术的基础部分，其训练的一开始就应介入到艺术的本质，不应仅仅停留在技术训练的层面上。将素描训练看作是人的知觉训练、情感训练、社会人的精神表达式。我们知道没有感觉就没有艺术，丰富而敏锐的感觉才是艺术的生命所在。因此，作为造型艺术基础的素描教学应以开启发掘学生天性为己任，发现学生不同的视知觉感受能力及独特的个性化的表达方式，同时辅以相应的造型技术语言以建立起公共勾通能力，这才是素描教学应起的作用。也只有如此才能充分体现出素描教学在基础教学中的重要意义。

素描造型范文篇10

素描教学体系中存在的弊病及改进方法

（一）改变单一的教学内容和形式

首先，在教学理念上要重视中国画。新中国建立以后由于意识形态的原因，形成苏联的“契斯恰科夫素描教学体系”大一统的局面。这一理论强调对自然和生活的观察，强调科学论证的态度，强调观察、理解和表现的系统过程，重在客观实证。它相对科学，但不应该是素描的全部内容。其不足是重客观轻主观，重再现轻情感，重科学性轻艺术感，作品虽然严谨、技术性强，但是机械、缺乏艺术内涵。例如，初学者在画素描时多追求面面俱到，忽略对物象本质结构的提炼。而国画注重以线造型，强调表现作者的主观情感和对象的精神实质，为了达到这样的目的，可以对客观物象作较大的加工处理。因此在素描教学体系中加入国画的造型理念可以弥补西画的不足。其次，在素描教学体系中要增加适于国画的教学内容和形式，让学生了解除了西方的具象素描外，还有国画独具特色的意象素描造型方法。具体说应该增加结构素描、速写、白描、默写、创作和书法等内容。现在的素描基础以全因素素描为主，学生长期训练后形成思维定式，在学习国画时还要经历一个“去素描化”的艰难过程。其他形式如体面式素描、结构素描、线性素描和速写等分量过小，缺乏系统规范，处于可有可无的状态。白描、默写、创作和书法则是缺失的。白描和书法为国画所独有，可以训练用线能力，对物象作最精练的概括，这一过程需要极高的主观创造力，是传统素描不具备的。如果用写实主义的标准，默画、创作通常被当作学习的较高阶段，要达到写实标准确实比较难。但是教学不应该只用单一标准，如果以画面效果与作者的创意为标准，这一高度就会降低。因此我们应该改变一直沿用的单一教学内容和模式，制定出兼顾国画特点的科学、系统、操作性强的素描基础教学体系。从教学实践看，加入白描、速写等国画基础内容，不但能丰富学生的知识结构，还能启发他们的创造思维。增加内容无疑会加大教学、考试和评价的难度，但从国画的发展考虑是很有必要的。要使增加的内容规范化需要制订标准化的素描教学新大纲，改变教师凭个人经验随性教学的状况。素描教学体系是庞大的工程，有了系统化的大纲还需要教师在教学过程中规范运用和不断探索、反复试验。

（二）与中国画相联系

素描作为绘画的基础有广泛的内涵与外延，教师给初学者讲授时应该兼顾并重视国画的艺术特点。素描教学体系的产生、发展与完善都在西方，它作为油画、版画、雕塑、水彩等西方艺术的基础是与西方文化相适应的，但在西方从来没有涉及国画的相关问题。其强势迫使教师在教授时很少介绍国画知识，学生学习多年只知素描不知国画。例如，老师在讲“线”时，往往侧重讲线的本质是面与面的交界或转折，现实中不存在绝对的线，而忽略讲线是重要的造型因素，只用线条也可以造型。学生往往孤立片面地理解造型方法，急于加上似是而非的光影调子，忽略了物象的结构特征与整体效果。其实西方有许多善于用线造型的大师，例如荷尔拜因、丢勒、费欣等，他们的人物肖像作品具有侧重以线造型、弱化光影的特点，适于国画造型基础的训练。当然，用线或明暗造型只是手段，重要的是从思想上提高认识。国画融诗、书、印于一炉，作者需要画外之功，需要不断提高自身修养、丰富社会阅历。与国画相联系还要熟悉工具材料，任何绘画形式都与工具材料有密切关系，需要长期训练，因此素描基础中应该有用毛笔、墨、宣纸等材料的训练。俗话说熟能生巧，没有时间和数量的保证，一切都是空谈。

结语