古典音乐给人的感受范文

时间:2023-10-26 17:56:10

导语:如何才能写好一篇古典音乐给人的感受,这就需要搜集整理更多的资料和文献,欢迎阅读由公务员之家整理的十篇范文,供你借鉴。

古典音乐给人的感受

篇1

在音乐的发展历程之中,人类将从巴洛克时代一直到20世纪早期的音乐称为古典音乐。而20世纪初到现在,以非传统手法所创作的音乐作品,被称为现代音乐。随着经济的发展,相对古板、严肃的古典音乐渐渐被追求个性的现代人所抛弃,现代音乐则成为主流。而在现代音乐的发展中,古典音乐也是渐渐地被融合进现代音乐之中。所以现阶段,音乐艺术呈现出了一种古典与现代相交织的发展现象。

一、古典音乐与现代音乐的异同

(一)古典音乐与现代音乐的区别

古典音乐严肃、庄重,起源于古代欧洲的皇室音乐,更加注重强调乐曲本身,在创作时任何一个细节都要经过严密的思考甚至是计算,而这也很有可能是现代大多数人听不懂古典音乐的一个重要原因。

与古典音乐相比,现代音乐更注重人声,以演唱者为着重点,相较于严密的古典音乐缺乏旋律的严密和思维的严谨。但也正是因为其通俗、随意,现代音乐在现代更为人们所接受。

古典音乐带给听众的感受是和谐、深刻、优美,让人在欣赏音乐的同时能够很好地感受到作者想要表达的深层的感情。《月光曲》的轻柔、《天鹅湖》的凄婉、《英雄交响曲》的庄严等等,都是古典音乐严密的乐理逻辑和严谨的曲序给我们带来的来自内心深处的感受。不论是哪一个时期的哪一个流派,古典音乐带给我们的都是灵魂的深化,让我们的心情在作者精心营造的音乐环境之中得到沉淀。总之,古典音乐以其或恢宏大气、或轻柔婉约的曲调,给听众不寻常的感受。

与早期为皇室所独享、规格严整的古典音乐相比,20世纪初期开始流行的现代音乐以其不受拘束的旋律和个性洒脱的曲调,被更多的人们所喜爱。现代音乐的类别比古典音乐更为多样,但是无论是狂暴的重金属电子音乐,或者是婉转的蓝调,亦或是令人费解的印象主义音乐,现代音乐给听众带来的,是无与伦比的冲击与震撼。古典音乐因为严密的乐理逻辑,使听众的感觉大同小异,但是现代音乐给听众带来的冲击,却是因人而异的。

从创作的角度进行分析,古典音乐家是将自己的感情糅合进了自己的音乐,而现代音乐的作曲人更加注重的是从自己的生活之中取材,让音乐更加贴近生活,这也是现代音乐给人带来巨大冲击的原因之一。

(二)古典音乐与现代音乐的共同点

无论是古典音乐还是现代音乐,音乐的目的都是宣泄人类内心的情感,所以现代音乐和古典音乐最大的相似之处,就是在于情感的宣泄。古典音乐的创作将自己的感情糅合进乐曲之中,通过不同的乐器与旋律的起伏来渲染感情的表达。而现代音乐则是将现实生活和音乐艺术进行糅合,通过简单易懂的旋律和曲调的风格将现实生活巧妙地展现在了乐曲之中,让乐曲活了起来。而更多的现代乐器在现代音乐之中的应用,也让本就冲击力十足的现代音乐更富冲击力。

古典音乐虽为古典,但是在古典音乐创作的年代,古典音乐也是那个时代的现代音乐。所以浓厚的时代色彩,是古典音乐和现代音乐的另一个相同点。

二、古典音乐与现代音乐的融合

随着现代社会的发展,单一的古典音乐或者现代音乐的渲染力已经不能更好地满足听众对于音乐的需求。而现代音乐的创作者在不断地音乐实践之中,也发现了现代音乐因为太追求个性,而带来的乐理与曲调之上的不足。古典音乐严密的曲调和严谨的乐理逻辑开始渐渐地被现代音乐创作者所接受,很多作者都开始注重将古典音乐加入流行音乐之中,让音乐在给人以冲击的基础上,带来古典音乐厚重的感受。在此基础上,现代音乐也在古典音乐的影响之下开始追求内在的感染力和思想深度,努力营造一种来源于生活而高于生活的音乐环境。

古典音乐因为其浓厚的时代色彩,给现代听众所带来的感情冲击并没有现代音乐那么强烈,甚至很少能够引起听众内心的共鸣,更多的是带给听众一种听觉之上的共鸣。所以现如今的古典音乐演奏,开始向现代音乐学习。在保证古典音乐所特有的内在感染力和思想深度的基础上,从乐器等角度下手,增强古典音乐对现代人的感染力。

篇2

古典音乐似乎也具备某些这样的特质。比如,在其诞生之初,同电影一样也在帮助人类探索未知的听觉世界,而且时至今日,发展到现当代的现代音乐也同样承担着探索和拓宽全人类感知力的重任。再比如,每次听到古典音乐或是谈到古典音乐,心底也总会不由得将它与“经典”二字相联系,脑海泛起的阵阵波澜也总与自己曾经被“经典”打动的一段段听觉回忆有关,而诸如此类的回忆也都被深深地印上淡淡的怀旧味道。也就是说,在我们内心深处,此时的古典音乐已经不止是一首音乐,它还夹带了我们个人对它的感知,以及产生这样那样的感知时周边的种种境遇。当我们听完一首音乐,关上唱片机的时候,这一切的一切,包括听觉与感知也同时都被打包封存在了我们的记忆里。这样的记忆比原本音乐本身来的更加珍贵与生动,是真正独一无二的独家记忆。那么,也许历经数年之后的某一天,当再次聆听同一段音乐的时候,曾经初次相见的震撼或许已经历经沉淀,变得不再娇艳,却多了一份厚重,而这一份厚重的感受往往正来自音乐本身加上你的那份独家记忆。

何谓古典音乐?广义上是指诞生于中世纪至十九世纪末的音乐,包括了巴洛克、古典主义及浪漫主义等不同时期的诸多不同体裁、不同风格、不同乐器编制的音乐。而我们现在狭义的古典音乐,大多特指具有古典主义风格的音乐,即有着复杂配器、庞大乐器编制,由大型交响乐队演奏,产生宏大听觉效果的音乐。有着这样特质的音乐,无论是真正的古典音乐,还是依照这种特质专门为电影创作的电影原声配乐,都在电影音乐中占据着其他风格音乐无法替代的地位。而这种地位也随着电影的发展悄悄发生着变化。

远在无声电影时代,古典音乐是伴随影像画面唯一的听觉伙伴。当卢米埃尔兄弟首次用一道神奇光束将火车进站的影象投影在银幕上时,惊讶不已的观众听到的却并不是火车发出的汽笛声,而是谐谑、典雅的欧洲古典音乐。由于当时技术的限制,流行在电影放映的同时,临时根据不同风格的画面,搭配上现有的风格大致与之匹配的音乐由演奏家现场演奏,来填补无声电影听觉上的空洞。这种用古典音乐充当电影画面音乐伴奏的形式,伴随着电影走过了最初的三十年默片时代。

进入有声电影时期后,影片中的听觉形象除了音乐之外,增加了语言和音响效果。这时的电影艺术由于技术的提高,对电影音乐的要求也逐步细化,突现出电影音乐的非独立性。用来配乐的音乐需在创作构思伊始,就要结合电影的总体构思、结构与画面视觉形象等因素进行设计。能否与画面更好融合变得比音乐本身的可听性更加重要,听觉与视觉的有机结合,使音乐成为与画面互帮互助的“搭档”。音乐既不能过于寡淡而不足以烘托画面想要表达的情绪,又不能太锋利突出过于“抢镜”,喧宾夺主冲淡了画面的视觉冲击力。任何一方面有所缺失,都将导致电影整体效果的损失。所以,电影配乐者需要关注的内容变的越来越多,时代再也不允许用现成的古典音乐直接充当全部电影配乐,由此,为电影专门创作的配乐应运而生。在电

影的国度里,音乐终于经历完从为画面“搭把手”的伴奏,到作为“搭档”配合电影的创作的角色转换。

十分有趣的是,即便专门为电影而创作的配乐可以更好地满足画面对音乐的种种需求,而且利用古典音乐充当电影配乐有着一定的危险性,例如音乐本身的“气场”可能会干扰观众对电影本身或导演意图的理解,或由于一首古典音乐本身,根据篇幅及曲式结构的起承转合关系所固定的情绪发展节奏,作为配乐时不能随着电影剧情发展的节奏随心所欲任意调整,但古典音乐固有风格在某种程度上限定了画面风格等诸多需克服的困难,古典音乐却从未退出过电影配乐的舞台。相较电影诞生之初,古典音乐占据绝对地位的时期,在音乐形式创新和发展日新月异,电子、流行、摇滚等各类音乐在电影配乐沃土上百家争鸣、百花齐放的今天,古典音乐仍稳占一席之地,更加印证了它独特的魅力和不可替代的位置。

众多成功运用古典音乐作为电影配乐的现代优秀电影作品,让我们更加体会到古典音乐的无可替代,像一种符号、一种味道,一种印记,深刻又沉稳地温暖了每一帧画面,感染着每一个经历它的人,如同母亲,或是一位睿智的老者,使人不知不觉敞开心扉,卸下防备,开启心灵如婴孩般敏感的感官感受力。它不同于其他同样也具有感染力的音乐,它没有新创作音乐所带来的全新听觉的感官刺激,却以不带攻击性的感染力,打出这张攻无不克的温情牌,可谓仁者无敌。也许,这就是怀旧的力量。

问题是,音乐的自律性决定了它就是纯粹凭借旋律和节奏等音乐元素相组合,需经过听者在感官经历过程中加想和想象,唤醒内心感受,从而达到表现相关主题的目的。正所谓“声无哀乐”,音乐的情感并非客观存在于音乐中,而是主观存在于每位听众的情感记忆中。好的音乐,就是能瞬间找到并打开你心中封存那种记忆的那只箱子。换言之,不是音乐直接表现了某种感情、画面或场景,而是在听众构想的帮助下,在感官经历的过程中逐步构筑起来的。古典音乐更是以一个完整的曲式,层层铺垫递进渲染直至曲终,从而表达一个完整的作曲家意图展现的精神内涵。这样看上去,当古典音乐作为电影音乐时的非独立性,与它本身的自律性之间的确存在矛盾之处。

其实,不仅是古典音乐,电影本身与它的观众也存在着某种潜在的矛盾。假如我们以开放、宽松、尊重的态度看待电影音乐中的古典音乐与古典音乐本身,勇于腾出完整的一颗心,用来像孩童般不加保留地接受这电影带给我们的一切感受进入我们的身体。在短短的两个多小时内暂时忽略电影本身,忽略古典音乐本身承载的其他与电影无关的内涵,忽略我们先前已经固有的成见,或许这些矛盾都可以迎刃而解。

只需要把古典音乐交给电影,就像爱情一样。

篇3

一、教学改革背景 1、古典音乐的界定。古典音乐有广义和狭义之分。广义的古典音乐指古代流传下来的可称为典范的音乐作品,包括当时的通俗音乐和民间音乐。狭义的古典音乐指十八、十九世纪的古典主义音乐流派。对于古典音乐的界定,有助于古典音乐教学的改革。如果只是单纯的教授十八、十九世纪的古典主义音乐,必然影响学生的学习的兴趣和热情,而如果将古典音乐的教授界定在古今中外优秀的音乐作品的范围内,那么教学实践的改革,也必然会体现出多样化,且实际操作性也会非常强。 2、古典音乐教学的意义。爱国之情,纯真的爱情、友情,对大自然的赞美,对人生的思考,劳动人民的辛苦劳动,战士的英勇精神,淳朴的地方风情,多样化的人生,对生命的思考,生与死的对立等等,这些是古典音乐所表达的内容和范畴。在感受古典音乐的时候,其实感受的是生命,感受的是整个世界。这些都是学生必然要去经历、体验的事物,教会他们体会古典音乐,其实就是教他们学会感受人生。将古典音乐应用在教学当中,会帮助学生建立正确的人生观、价值观;同时还会陶冶他们的情操,培养他们的审美观,使得他们的发展更具科学性和多样性。 3、古典音乐教学面临的阻力 (1)社会的转变。古典音乐出现的世纪里,人类还处在封建社会和资本主义社会的早期,那个时代的生产生活方式和现在有着巨大的差异,生活节奏也迥异于现代社会。美丽的乡村风景,淳朴的村民,蓝天白云绿水掩映下的原野,在古典音乐的时代里,到处可见。音乐表现的就是当时人民的生活,音乐中的一切对于当时的人民来说都是亲切可感的。当时的人,可以从音乐中感受生活,又可以在生活中感受音乐,可以说音乐和他们的生活是连在一起的。进入20世纪,社会方式发生了巨大的变化,令人向往的乡间生活不在了,取而代之的是冰冷的机械化生产。生活的节奏变得异常紧凑,人们很难停下来脚步去感受生活,而生活本身也没有什么值得感受的美感了。在20世纪末期成长起来的学生,不可能了解当时的社会,很难感受到当时的生活状态,毕竟两个时代的差异太大了,因此对古典音乐的接受必然是艰难的过程。 (2)现代音乐冲击。现代音乐不是一种音乐流派,是现代出现的各种风格流派音乐的统称。它顺应了现代社会快节奏的生活方式,赢得了人们的欢心,在如今大行其道。总的来说,现代音乐好玩、新奇、刺激、颓废。它的快速消费的特点,是人们接受它的另一个原因。相对来说,古典音乐需要花费人们大量的时间精力去感受,需要人们较高的修养,于是古典音乐就被冠上了“古板”的帽子,被人们拒之门外。RAP是现代音乐流派的代表,20世纪70年代在美国出现,之后迅速席卷全球,到了90年代中期,RAP的强劲势头有所减弱。但之后,RAP借鉴吸收了其他音乐流派的元素,使得受众越来越广。RAP以在机械的节奏声的背景下,快速地诉说一连串押韵的词句为特征。快速地诉说使得强烈的情绪得以轻松表现出来,同时快速的说唱给声带、舌头、嘴唇带来强烈的肉体刺激,满足了现代社会追求肉体刺激的需求;RAP的歌词押韵,并且歌词表现的内容很广泛,连最普通的日常生活也能淋漓尽致的表现出来。还有就是,不需要正规的训练就可以很好的掌握RAP,这是其他音乐形式所不具备的特点,很多喜欢音乐的学生不需要经过严格的音乐训练就可以把乐队组起来,这对学生有着巨大的吸引力。这些吸引学生的音乐要素,古典音乐显然不具备。 (3)教育的功利性。古典音乐对教学有很高的要求,现在成人都很少能够欣赏的了古典音乐了,更不论在现代音乐中成长起来的学生了。在这种现状下,古典音乐教学必须呈现丰富精彩的内容和灵活多变的教学形式。但现在的中国,教育的功利性及其强,为了教授古典音乐而去教授,认识不到古典音乐教学的特殊现状。这种功利性的教育观念必然导致教学的困难。 4、古典音乐教学改革的必要性。课堂上让学生听几首古典曲子,然后教师讲解一下,这样的教学不是古典音乐的教学,更不利于古典音乐的教学。学生对古典音乐本来就有陌生感,这样的教学只会增加他们的反感。古典音乐的教学承载的东西很多:a.社会风俗、民俗风情b.音乐风格、特点c.审美能力d.价值观念、审美观念e.自我反思的媒介丰富的内容,必然要求多变、灵活的教学形式,以便能带给学生真实感人的古典音乐。如今单一、简单化的教学方式,不可能适应古典音乐教学的任务,在这样的情况下,必然要求我们寻找更科学的课堂,更科学的教学方式。同时古典音乐教学改革,是一个宏大的工程,不仅仅是教学内容、教学方式的改革,它涉及面及其广泛。它必然要求我们放弃教育的功利化,音乐教学不是为了升学,不是为了装点学生的门面。 二、教学改革具体措施 1、古典音乐教学改革的指导思想 把培养学生的综合素质,发展学生身心健康作为古典音乐教学改革的指导思想。在这个思想指导下,坚持走学生多元化发展的道路,坚持以学生为本。本着“适度基本理论知识,较强专业技能能力,较宽的知识面,高素质”的教学原则,对课程内容与结构,教学手段与方式,教学管理制度进行深化革新,以培养高素质、综合素质的学生。现代社会是个综合化多元化发展的社会,社会也需求多元化发展的人才,在此背景下,教学改革的指导思想必须适应社会的需求。正确的教学改革指导思想能使得教学改革变得顺利成功,没有正确的教改思想,教学改革何从谈起。教改指导思想一旦确立,必须将其贯彻下去,让其在具体的教学改革环节体现出来。 2、古典音乐教学改革的原则 a.坚持以改革教育思想和教育观念为先导的原则,建立符合中国教育要求的素质化、人性化、专业化的教育理念,以其指导整个教改的实施。b.坚持创新的原则,教学内容坚持创新,教学手段要创新,教师的教学理念更是要坚持创新。由于古典音乐教学的特殊性,改革更是要坚持创新的原则。c.坚持可操作性的原则。改革方案要适应现在的教学现状,更要适应具体学校的教学实际,不能将国内外的优秀方案生搬硬套,在改革借鉴的同时,考虑到可操控性,考虑到具体地方具体学校的教学情况。#p#分页标题#e# 3、教改的内容 (1)基本设施的改进。教学设施是知识传达的媒介,媒介的好坏直接关系到教学质量的好坏,音乐尤其如此,古典音乐更是如此。现在许多学校的基础设施相对落后,多媒体虽然应用在了音乐课堂上了,但是音响、投影、幕布等质量差,古典音乐的音色、旋律得不到很好的传达,配合古典音乐拍摄的画面也起不到相应的效果。优秀的古典音乐是诗、画、乐的结合,徜徉在一首优秀的古典音乐中的时候,除了感受到动人的旋律外,还可以感受到一首优美的诗,一幅美丽的画卷。符合标准的多媒体设施可以将文字、画面、旋律完美的结合起来并准确的传达出来。动人的文字和秀美的图画可以轻松的将学生带进音乐的两大要素——旋律、意境中去。学校还应购买相应的音乐器材,如古筝、大提琴、小提琴、钢琴、古琴、琵琶等等。讲述到相应的曲目时,教师进行演奏,让学生体验现场版古典音乐,现场体验带来的震撼更能激发学生的学习热情。 (2)教学方法和手段的改革。传统的教学方式是单向的灌输式教学,教师负责讲解,学生负责听。这样的教学方式不符合教改的指导思想,不符合国家素质化教学的要求,不利于教学目标的实现。多样化的教学手段是现阶段教学改革的要求,但并不代表对传统教学方式的摈弃。教师的讲解式教学是必须的,但需要相应的改变,讲解不能再是单纯的灌输式的,应该坚持学生学习的主体地位,用启发式的教学方式传授知识。在学生听完曲子之后,教师应该引导学生积极主动去思考曲子的旋律,音乐的主体思想。以学生的认知规律、情感特点为前提,启发学生去感受、理解曲子的美感和意义。例如教授《阳关三叠》这一曲目,教师先将曲词展示出来,让学生思考曲子的意思;然后学生分组,按照他们对曲子的理解进行表演,教师在旁古琴演奏配合学生的表演;表演结束后,教师询问学生,如他们对曲子主题的理解,他们为什么这么表演等等;然后教师呈现音乐视频(里面有配合音乐的表演);然后教师表达自己的意见,并根据学生的理解和学生进行讨论。除了启发式的教学手段外,还应采取现代化的信息化教学手段,古典音乐不同于文理科专业,但是同样需要学生对信息的掌握。校园网络和多媒体教学,可以让学生接受到更多的古典音乐知识,获得更多的古典音乐的资源,能使他们拥有多种学习渠道,更能让学生在学习中变得主动。 (3)课堂氛围的改革。学生学习的场所大部分的时间是在课堂,课堂气氛的好坏,直接影响到学生学习成绩的好坏。成功的教学改革,课堂氛围的好坏是关键,课堂是教改的落实点,必须充分认识到这一点。课堂氛围的好坏是教师和学生共同营造的,但是在教师的主导下完成的。教师的情绪、言谈举止、专业水平直接关系到学生对课堂的感受,成功的教师是能充分认识到这一点的,在课堂教学中,成功的教师是能充分利用这一因素的。教师专业水平的高低直接影响到学生的认可度,学生只有认可老师的专业能力,才会认真去听讲。有了学生的参与,课堂的氛围才有可能活跃起来。教师对自己专业能力的发展是课堂氛围好坏的必要条件。教师的情绪是影响课堂氛围的另一因素。在课堂教学中,教师的情绪应该是稳定的,不能多变,且主导的情绪应该是积极的,向上的。学生的情绪是极容易受到教师情绪的影响的,神色恍惚,表情漠然,情绪萎靡等等情绪只会让学生感到压抑,不利于教学信息的传达,情况严重的甚至会造成学生厌学。最关键也是最主要的因素就是教师的课堂技巧,教师在古典音乐的课堂中,要能带领学生走进古典音乐的世界里,不然课堂将会变得枯燥。 4、古典音乐和古典文学的结合 文学和艺术从古至今都有着密切的联系,尤其是古代。中国是个典型的代表,古代许多诗歌就是歌词,如《诗经》、《宋词》、《元曲》。有些优美的诗歌,本身就是一首优美的音乐,许多音乐本身是一首优美的诗歌。加强对学生古典文学的修养,间接有利于培养学生古典音乐的鉴赏力。古典音乐的教学任重而道远,它承载着学生综合化、素质化发展的重大使命,承担着民族文化复兴的任务,承担着中西文化交流的重担。同时古典音乐教学需要丰富的课堂内容,活跃的课堂氛围,灵活的教学方式。而现阶段的古典音乐教学存在着很多的问题,这是我们必须要面对和必须要改革的。

篇4

一、流行音乐和古典音乐的简介: 流行音乐,大家都很熟悉,就是popular music。大范围的流行的,能够让广泛的人们感受到艺术的魅力。流行音乐包括国外的、包括国内的,不再是简单的作词作曲就能完成一首歌。多数的流行音乐的创作者都是青年一代;多数的流行音乐的都是以青年们的情感主体为主;多数的流行音乐使用的乐器都是大众流行的乐器,比如吉他;多数的流行音乐的创作贴近大家心灵,不要求高雅的情操和精湛的技术。流行音乐作品就像他所说的只是“流行”,并不能***长久的保存它的经典。从《纤夫的爱》、《朋友》、《同桌的你》到《天黑黑》、《黄昏》、《他一定很爱你》,无数的流行音乐雨后春笋似地出现,隔一两天就有新专辑。从邓丽君、尹相杰、刘德华到张惠妹、周杰伦、阿杜,无数的歌星献给人们无数美丽的音乐。 古典音乐,起源很早,就是classical music。从巴赫、海顿一直到李斯特、约翰•斯特劳斯,古典音乐的魅力让很多人记忆犹新。古典音乐为什么能够久胜不衰呢?那是因为古典音乐比流行音乐更能够震撼心灵、更能让人记住。多数的古典音乐的创作都是经典,没有很强的艺术天赋的人是创造不出经典的古典音乐的;多数的古典音乐使用的乐器都是古老的民族/西洋乐器;多数的古典音乐都是权利和品位的象征;多数的古典音乐有着高雅的艺术情操和精湛的演奏技术。古典音乐有很多作品家喻户晓,像《命运交响曲》、《梁祝》、《星星变奏曲》、《婚礼进行曲》、《蓝色多瑙河》、《爱之梦》等等。古典音乐里有着很多辉煌的创作家,像 音乐巨人——贝多芬,钢琴诗人——肖邦,音乐神童——莫扎特,交响乐之父——海顿 等。他们多数都有着平凡的一生,并不富裕,也并不渴望富裕,他们用自己的作品反映了那个时代的进步思想,他们的作品了既壮丽宏伟又极朴实鲜明,它的音乐内容丰富,同时又易于为听众所理解和接受。

二、流行音乐和古典音乐的对比:

每一个人从内心都会肯定古典音乐的魅力,只是有时还认识得不很透彻,才没有表现出来而已。这个“认识”不但包括对音乐的领会力,还包括教育程度和周围环境的影响。所以即使是肖邦,他休闲的时候说不定也会乐意听听迈克儿的热血作品,因为当时他为能休息而兴奋不已,需要比钢琴曲更激烈的东西来表达。

三、流行音乐和古典音乐的探讨: 为什么从过去的只听钢琴曲、交响乐,转变到现在兼容并包的局面呢?因为流行音乐的感情蕴涵非常浅显,能够瞬间唤起听众的感情。因此,听众不需要特定的心情、特定的环境,就可以直接进入到主创人员创设的情景中,从而达到与演唱者一起激动、一起忧伤、一起回味悠长的境界。流行音乐的流行就是因为它实在太大众化,根本不需要你有任何的条件,是完全的大公无私的音乐。如今的社会节奏日趋快速,大量信息的广泛传播需要及时处理,商业谈判分秒必争,学习生活如同绷紧的弦。人们的生活越来越紧张,需要以音乐来加以调剂。这种情况下古典音乐那种深深埋藏的韵味怎么会是享受呢? 一位音乐爱好者拜访了一位友人,她家中的光碟数目绝对是瞠目结舌,但找不到任何音乐盛典、外文歌曲,哪怕是老一辈歌唱家的单集、合集。“您认识李古一吗?”“听说过李双江吗?”甚至,“你知道蔡琴和高胜美吗?!”摇头,自始至终。已经忘却了近似常识的音乐知识。这也是沉迷流行音乐,不听古典经典带来的后遗症。还好,像这些还未引退的老一辈歌手还有人认识,伟大巨人贝多芬一生的事迹未被遗忘。 中学是性格爱好形成的时期。目前迷恋流行音乐而不能自拔的大多是十几岁的初中、高中生,试想他们一旦迷恋流行音乐而彻底排斥古典音乐。没有正确的引导,青少年追星简直到了

不可思议的地步。这就更是流行音乐的悲剧了。不过我承认,被追星追得不可思议的大多是实力超群的,像刘德华、周杰伦等,的确是优秀。但现在不但世界是在多极化发展,音乐界也在!还有这么多古典经典被抛弃,不知当人们都忘却了古典音乐的时候,音乐界是个什么样子。

篇5

古典音乐并不是一个很明确的名词,在任何朝代,只要是先前的人所流传下来的音乐,通常情况下,就被认定为古典音乐。也就是说,现在咱们认为的流行音乐在经过千百年后,咱们的子孙后代在重新审视这些流行音乐的时候,他们可能就认为这些被咱们认为是流行音乐的音乐,而在他们看来就会被认定为是古典音乐。所以顾名思义,古典音乐就是对前人音乐的一个统称。由于古典音乐大多都是历史悠久,传唱不衰经得起历史检验和人们喜欢的经典音乐。这种音乐大多意蕴深厚、架构宏大、音律优美、历史悠久、价值持久、便于传承,更富有宏大的民族文化和研究价值。而流行音乐就比较容易辨认,流行音乐大多都是通俗易懂便于流传的歌曲。流行音乐大多都是以当下的时代背景为题材,情感表现更加真实、强烈、简单、质朴;从歌曲特点上来说,流行音乐大多音域狭窄、歌词简单易懂、整体短小精悍。虽然流行音乐和古典音乐在概念上有一定的区分,但从音乐本质而言,无论古典音乐还是流行音乐都是音乐的一部分内容,在音乐的基础知识上来说,都是相通的,为了追求情感的表达和音律的优美方面都是一致的。古典音乐和流行音乐不断融合创新的趋势,使得现代流行音乐增加了许多音乐形式和表达技巧,古典音乐元素更是融入其中。这些古典音乐和流行音乐的相结合的大胆尝试和成功案例受到了人们的欢迎,对于大学音乐教学中二者的结合研究提供了很好的材料。这些例子充分说明流行音乐和古典音乐可以表现形式不同,但它们的构成方式、和声、高音、节奏、表现的内心情感都是一致的。鉴于此,流行音乐和古典音乐的结合具有非常好的音乐基础,只是二者结合力度大小的问题。现在作为大学音乐教师,深入研究古典音乐和流行音乐的特点将二者结合起来进行教学,对于学生的音乐素质的培养和提高、协调古典音乐和流行音乐二者的音乐元素融合具有深远影响。

二、大学音乐教学中古典音乐与流行音乐结合的价值

大学音乐教学现在都包括古典音乐教学和流行音乐教学,但二者是被当做两个不同学科进行教学的,没有有机结合,使得很多学生对古典音乐都有一种陌生感。不过大学音乐教学中将古典音乐和流行音乐有机结合起来的价值相当高的:首先,可以帮助学生更系统完善的理解音乐知识结构和音乐体系。在大学中将两种音乐结合起来进行教学可以让学生学习到更多的音乐知识,系统把握音乐体系和结构,深刻的理解两种音乐之间的关系,丰富学生的音乐素养,提高学生的音乐技术水平、创作水平和鉴赏水平。其次,大学教学中将古典和流行结合起来教学的另外一个价值就是,可以培养学生的综合素质。古典音乐属于我国的优秀传统文化,其内涵的儒家思想、为人之道、善恶观等都会对学生产生影响。在其中,学生不仅学校到音乐专业知识,还可以学校的如何为人处世,什么是忠心为国,什么是除暴安良,什么是喜结良缘等等,这些都包含着古典音乐当中。这些道理都被古人智慧的融入到音乐当中,所以学生学好古典音乐对于学生的综合素质的提高是很有帮助。三是可以改变学生对古典音乐的偏见。很多学生都对古典音乐感觉乏味,感觉不好听,那是学生根本没有静下心来仔细欣赏。古典音乐大多音律舒缓、作曲婉转的特点,这对现在生活节奏变快的年轻人来说,根本受不了这种慢节奏,因为他们为了节省时间,都习惯了直来直去的处事风格。流行音乐正符合现在年轻人的口味,作词浅显易懂、节奏明快。久而久之,古典音乐就会被蒙上高雅、脱离社会、落伍、无法欣赏的各种偏见面纱。大学音乐教师如果将古典音乐和流行音乐结合起来一起进行教学,就会从根本上改变学生对古典音乐的各种错误认识,意义重大。最后就是可以弘扬民族文化,增强凝聚力。中国古典音乐都是音乐中的精华,是我国文化中的瑰宝。中国现代大学教师如果能够将古典文化很好的融入到现代教学中,那么学生学习到的将是民族文化遗产中的精华,对弘扬民族文化,传承民族文化,增强学生的民族情感都是有很大的作用的。

三、大学音乐教学中古典音乐与流行音乐有机结合的策略

在大学生中有一个普遍现象就是,大多数学生都喜欢流行音乐,而很少人会对古典音乐感兴趣。原因之一大概就是在大学生这个年龄段,他们向往自由,追求个性化,而流行音乐正符合了他们的这种需求;其次就是学生对音乐知识缺乏系统的了解,音乐欣赏能力不高,整体素质达不到一定水平,对欣赏古典音乐造成障碍;再次就是老师对古典音乐教学形式单一,内容陈旧,根本激发学生学习古典音乐的热情和欲望。所以大学音乐教师要很好的将古典音乐和流行音乐相结合,需要采取一定的策略。

(一)优化教学内容。在以往的大学音乐教学中,教师总是根据教材讲授课本上的音乐知识,教学内容单一,学生无法体会到古典音乐的魅力。现在大学音乐老师可以根据时代的发展,用现代教育理论重新审视古典音乐教材,尽量把古典音乐和流行音乐结合起来进行讲解,将二者相同的、相通的地方整理到一起进行讲授。这样既能让学生学习到古典音乐,也不会让学生感觉学习古典音乐乏味;即可以让学生系统的认识了解音乐知识结构,又能认识到古典音乐和流行音乐是相通的,只不过是表现手法不同而已;既可以让学生学习到古典音乐的魅力,也不会感觉到古典音乐离他们那么遥远。

(二)采用教学新技术。现在教学工具多种多样,有平板电脑、多媒体、手机等工具,教师可以充分利用这些工具。比如上课的时候,老师可以将一些经典古典音乐视频下载下来播放给学生看;可以将古典音乐中的具有代表性的音乐分成小段,下载下来通过微信发到学生们的手机里,让他们随时随地都可以欣赏经典;再比老师可以录制一些小视频,对某个古典名曲的特意点评,发给学生微信群中,这样既不乏知识性又不缺少趣味性,短短几分钟的时间,学生们也都可以接受。所以渗透到教学内容中的方法和工具有很多,就需要教师去不断探索和研究,再比如利用多媒体技术,给学生再搜索些外国名家名曲听,让学生在不知不觉中受到熏陶提高学生对古典音乐的欣赏水平。与此同时,也不断在课程中渗入现代流行音乐元素,让学生在二者音乐当中寻找出相同和相通的地方,这对学生理解演奏者的情感和意图有很大帮助。这样学生自己也会在音乐演奏过程中把握自我情感的表达,增强音乐作品感染力。

(三)创新教学模式。在以往的大学音乐课程中,教师一般都是自己讲解,学生被动接收。这种信息的被动传递,导致學生接收水平低,学习效率不高。大学音乐老师要根据课堂气氛和讲授内容不断调整授课模式,如何让学生学习效率提高,是学校老师授课的重点。如果按照以后的老师教,学生听,下课各奔东西的旧有模式,即便有再好的教材和教学工具,学生也不会学到什么音乐知识。大学音乐教师一定要改变这种教学模式,可以根据课程情况,在古典音乐和流行音乐的相同之处,将二者进行结合,并且让学生自己各唱一段相同知识点的古典音乐和流行音乐。这样一下子就会带动大家的参与热情,调动学生的学习积极性,让学生也不会觉得古典音乐那么羞涩难懂。另外大学音乐老师还可以像举办音乐会、晚会等形式,安排好相关曲目,让学生们自练自演,在音乐实践中让他们体会二者融合的魅力,找到自己的不足,实现古典音乐和流行音乐有机结合的目的。

(四)提高大学音乐教师综合素质。大学音乐素质教育这个口号已经被喊了很多年了。音乐素质教育往往只是被停留在口头上,因为大学音乐教师的素质没有提高,学生又谈提高素质呢?现代的音乐素质教育已经对音乐老师提出了更高的要求。音乐教师现在不仅只是会讲授一门音乐课程就可以了,现在要求音乐教师对各门音乐课程都要懂,只有这样,大学音乐教师在音乐讲课过程中才能有个整体把握,才能系统的讲音乐知识讲授给学生,才能将古典音乐和流行音乐很好的结合起来进行授课。但当前大多数音乐讲师都只是将讲课做我自己的工作而已,只要完成授课内容就可以了,并没有考虑到讲课之后能达到一个什么样的效果,对学生现在和将来能起到什么样的作用。这是极其错误的,音乐教学他是一种文化的教学,它对学生的影响是潜移默化的,对学生产生的影响可能是终生的,所以不能把音乐课当做简单的事情去做。另外就是有的音乐教师音乐知识体系不完整,教授古典音乐的音乐老师,只是研究古典音乐,对流行音乐置若罔闻;而讲授流行音乐的,只是关注流行音乐,对古典音乐不管不问。这样就严重影响了古典音乐和流行音乐的结合,只懂二者之一的音乐老师,他们就根本达不到驾驭古典音乐和流行音乐的水平。因此大学音乐教师应该提高自身音乐素质,积极研究二者结合的教学策略和方法。

篇6

一、多元化的电影音乐

(一)古典音乐

我们熟知的大部分经典电影,电影中的配乐,基本上都是古典音乐。这些古典音乐在电影中有非常重要的作用,它能营造良好的氛围,抒发复杂的情感,加强电影的节奏,描绘生动的人物形象,推动故事情节发展和提示电影主题这些功能。音乐作为一门艺术,具有很强的表现力和感染力。这些音乐能很好地配合电影的主题,在很多时候都是主人公的心路历程和成长过程。古典音乐是一种音乐类别,与我们熟知的通俗音乐,轻音乐一样,都是音乐的类别之一。古典音乐实际上并没有很明确很严格的定义或解释,实际上,我们所知道的轻音乐的范围,会用古典这个词来特别指那些能经得起时间考验,能够广为流传,被称为经典的作品。在百老汇上演的经典的戏剧歌剧,或者是著名的古典爵士乐,这些优秀的作品创作者如肖邦、莫扎特、贝多芬、舒伯特等,他们的作品大部分偏古典,他们的作品经过时间的洗礼,早已是经典中的经典。他们的作品除了有优美动听的旋律,还能给人以生活或者生命的思考和哲思,或鼓舞,或震撼,或惆怅,或悲伤。这些真挚的情感都是通过音乐表达出来的。西方的古典音乐经过漫长的时间传入中国,经过长时间的发展,已经在中国入乡随俗,生根成长了。在欧洲主流文化的影响下,很多古典音乐的产生都与宗教,传统有着密切联系。很多古典音乐都有着非常丰富非常深厚的内涵,这是跟普通的民间音乐或通俗音乐有所区别的地方。古典音乐代表的是一种优雅的气度,

(二)流行音乐

流行音乐是当下流行的,普遍的,具有广泛的吸引力,区别于传统音乐和艺术音乐。流行音乐的特点之一是它没有严格的年龄限制,男女老幼都能听懂,而且这种音乐一般都是雅俗共赏的。除此之外,流行音乐还具有内容通俗,结构短小,情感真挚,形式活泼,传唱很广,名噪一时的特点。流行歌曲一般都着力于展现人的真实情感和内心世界,无论是作曲,还是填词,都是来源于大众的真实生活,所以,一般也把流行音乐称为“大众音乐”。但是,不能简单地认为在广大群众间流传广,传唱度高的歌曲都认为是流行歌曲,也不能把那些因为各种原因传唱不开的歌曲就认为不是流行歌曲。通过研究发现,有这样一条不成文的规则:流行的音乐不仅仅只有流行音乐,当然,并非所有的流行音乐都会流行。严格来讲,流行音乐只是现代音乐中的一个类别,一个流派,与其他流派相比,如美声、流行音乐更加倾向商业性和娱乐性,在制作上,会加入很多现代处理技术如数字采样制作和多轨录音,而歌曲的诉求点,也更倾向于爱情的抒发。大部分流行音乐都没有固定的音乐风格,但却相对稳定。流行音乐的风格百花齐放,各不相同,不一样的风格也使得流行音乐的选择也越来越多。电影都喜欢用背景音乐的方式来巧妙地利用流行音乐,很多时候,不知道是电影成就了音乐,还是音乐成就了电影。这些被选中的电影音乐能很好地渲染电影主题,烘托气氛,还能凭借它的流行性拉近与观众特别是青年观众的距离。

(三)另类音乐

另类音乐区别于传统音乐,它的风格比较独特,歌词也比较另类。另类音乐带有强烈的个人特色,标识度很强。这种音乐一般都是横空出世,能造成轰动的效果。但是,另类音乐的市场毕竟比较小,受众面比较小,音乐的商业性没那么强。很多人都给另类音乐贴上小众,过于边缘化的标签。一般人更是难以理解,印象不是特别好。另类音乐个性特别强,它可以从一个垃圾桶里唱出生命的意味,也能从一棵树悟出生活的艰辛,总之,另类音乐不能按我们常规的思维去理解,去看待。在诉求点上,另类音乐与流行音乐不同,另类音乐主要表现的是个人的主观上的感受,强调主观性,它关注的是个体的情感表达和生活状态,以小见大,从而反映这一类人的生存状态。个体生活中的困惑与绝望,更加关注精神的颓废感和无力感。同时,另类音乐与摇滚乐在反叛程度上很像,都在思想上具有独立性和挑战性。随着社会的进步,时代的变革,这种具有创新精神的另类音乐,已经越来越被大众理解和接受。实际上,另类音乐的这种独特性,与很多另类音乐的主题是非常契合的,这种独特性与电影相得益彰,形成了一种独特的、新鲜的视听效果。

二、多元化的音乐开阔人们的视野

(一)体现电影的纵深感

电影给人很强的画面感,事实上,多元化的音乐同样也能体现电影的这种画面的纵深感。在很多电影中,音乐与电影不同步的现象很多。音乐完全脱离了电影,甚至以画外音出现。电影给人的视觉上的享受,音乐给人的是听觉上的享受,而电影音乐,就应该将二者结合,达到视觉上和听觉上的双重享受。音乐与画面相结合,体现出电影蒙太奇的效果,展现出电影的美感和独特性。电影有非常丰富的美学观赏性,加上美妙的声音的配合,人物的塑造会更加立体和成功。电影的画面与电影背景音乐的融合,不仅能突出音乐的特性,让观众感受不到它的从属性和支配性,电影音乐与电影情节紧密相关,不仅是一种独立的艺术元素,而且还是电影的一种表现手段。电影是艺术,音乐也是艺术,不能将二者剥离开,否则就会伤害这种艺术上的共通性。在台湾电影《海角七号》里的背景音乐就发挥了这样的功效。那首名为《1945》的曲子,不论是在范逸臣饰演的男主角在对生活迷茫时,还是在与女主角(田中千绘饰)拆开老人的信件时,这首曲子都起到了渲染气氛,烘托主题的效果。这首曲子曲风缓慢却不拖沓,细致细腻,非常好听。这首意寓非凡的曲子也非常经典,深刻地刻画了电影主题。虽然电影音乐是为了配合电影主题,但是这首曲子,脱离了这部电影,单独听,也是不错的选择。随着《海角七号》这部电影的热映,这首曲子也红遍了大江南北。在某种程度上,这首曲子也是这部电影的看点之一,而这首曲子,在很大程度上,体现了电影的纵深感。#p#分页标题#e#

(二)展现电影的多样性

电影的种类非常多,电影的题材更是多如牛毛,电影音乐如何展现出电影的多样性和独特性,这是每个音乐创作者应该思考的问题。电影音乐能很好地展现出电影的多样性,也能深刻地展现出人物的情绪,性格和习性。很多导演喜欢用与电影风格不怎么匹配的音乐,从而体现出一种强烈的反差,形成鲜明的对比,这种反差,体现在电影的节奏、气氛、内容上。虽然每个人对音乐的理解都不同,但同样的音乐,同样的旋律在大体上,大家还是能够理解的。在经典电影《泰坦尼克号》中,有一个镜头是重点展现人们逃难,导演巧妙地抓拍到船的一个角落,乐师们还在旁若无人地演奏着,这与整个画面非常不符合,但是却不突兀。在大家都在奔走时,死亡的气息已经弥漫了整条船,而乐师们演奏的安静的乐曲似乎让人感受到死神的脚步在加速,这种安静诡异的平静中,蛰伏的是猛烈的暴风雨,而这种安静的音乐更是能显示出生命的脆弱,在灾难面前,每个人都是那么不堪一击,而每个人握在手里的生命也在一点一点地流逝,这就是整个音乐带给观众的感受。

在这个片段中,音乐很好地表现出了电影的主题,同样也展现出了多样性和可能性。电影在视觉上给人以享受,音乐则在心灵上精神上与人产生共鸣,这就是电影的魅力,音乐的魅力。

(三)加强电影的观赏性

众所周知,电影的观赏性非常强。电影画面与电影音乐,在节奏上,情绪上,如果能达到一致性的话,就能展现出电影的魅力和独特性。动听的音乐能够让电影更加生动形象,而贴切的电影画面也能丰富音乐的灵动性。当人们在观看某个片段时,音乐恰当的响起,能够在观众的心理上产生微妙的反应,视觉上和听觉上两种不同的感受相互作用,相互渗透,能够加强电影的整体观赏性。假如电影表现一种悲伤的情境时,与之相呼应的悲伤音乐的加入,则会加深观众的这种悲伤的理解,而这种悲伤的印象停留的时间也会更久。在很多时候,导演也会利用另类音乐,在表达一种压抑的情感时,会故意加入欢快的音乐,加强这种冲突感和唐突感,在极致的反差中体会到这种极致的情感。再现最尖锐、痛苦和综合冲突以及冲突形成、逐渐展开、冲突斗争和解决的感情真髓。在电影《勇敢的心》中,观众最深的印象除了苏菲玛索的惊鸿一瞥外,还有就是无处不在的苏格兰长笛的笛声。无论男主角在面对爱情的抉择,还是面对生命的挑战时,优美而略带悲伤的笛声总会是时候的响起,我们在悠扬的笛声中能够感受到华莱士的痛苦与彷徨,也能感受到他的勇气和毅力。这些,都是电影背景音乐带给观众的主观感受,这,也是观众心灵最深处的呐喊。略带悲伤的苏格兰风笛给影片定下了小伤感的基调,观众心里做好了准备,之后袭来的一波波悲伤之浪,大家也更能接受。

三、结语

篇7

关键词:古典音乐;现代音乐;融合

古典音乐最早在欧洲起源,中世纪时期由于人们对基督教的信仰,创作了以演唱圣经为主的教堂音乐,这种音乐以单声部为主,而后在文艺复兴时期音乐仍是以教堂音乐为主,但较之前有很大的发展和进步。直到1750年才真正进入到古典主义时期,音乐的内涵有了大的转变,逐渐脱离宗教的束缚,创作的作品多为展现内心感悟与人生哲理,海顿、莫扎特、贝多芬是主要代表人物,到了浪漫主义时期,作曲家才开始真正摆脱教会音乐。古典音乐有着高雅的美,这种音乐能够使人的心灵产生共鸣,作曲家把自己对人生的感悟,全部融入到音乐里,用音乐表达自己的内心世界。但随着时代的发展,商业化趋势的到来,古典音乐逐渐被流行音乐的浪潮淹没。由于古典音乐强调严肃性,因此,演奏手法单一而程式化,这种单一的古典表演已无法满足人们的欣赏需求,人们对流行音乐的追捧,促使涌现出大量的古典音乐改编作品、新的表演形式,同时大胆的应用了舞台灯光、背景、音效、服装,来丰富舞台演出效果,增加了与观众的互动。这种新的表演形式,拉近了古典音乐与大众的距离,使得整个演出从视觉到听觉都更为丰富。这种演出形式将成为今后器乐表演的新趋势。

过去演奏古典音乐,都是以模仿为主,同时要了解作者的生活背景写作背景,这样才能按照作者的意思来诠释音乐。而当代器乐表演,应该不仅是一种在现的艺术,不再单单是为了诠释作曲家的音乐本意而演奏,而应当注重对音乐的二次创作,在完整演奏与再现音乐作品的同时,站在现代的立场上,以新的审美观,不断的赋予音乐新的内涵与生命,使音乐作品得到升华。英国国宝级小提琴大师之称的奈吉尔·肯尼迪就是一个代表性的人物。在古典音乐作品日渐衰落的今天,为什么由他演奏录制的唱片,却能如此热卖,并获得相当高的评价,得到很多的奖项,就连对古典音乐不喜欢也不了解的人,都能被他的演奏所吸引,其实他吸引人之处就在于他给古典音乐作品赋予了新的生命。对此肯尼迪说道:“如果一个音乐作品只属于它所产生的那个年代,那么在今天它将必死无疑。”

前面谈到了完整演奏再现音乐作品的同时,赋予音乐新生命的表现手法。其实随着时展的需求,大量的古典音乐改编的作品不断涌现出来,利用电子音效伴奏,改编古典音乐作品,使其更符合时代的节奏,赋予音乐新活力,使古典与现代完美的结合。陈美、“古典辣妹”组合,都是典型的代表,他们都毕业于正统的音乐学院,学的是古典音乐专业,有着华丽纯熟的演奏技巧,却把古典音乐进行改编,融入Trance、House、Latin、Salsa等曲风,打破古典与流行的界限,使之融为一体。2001年“古典辣妹”的首张专辑《Born》其中“Victory”一曲就是改编了歌剧《塞维里亚的理发师》之序曲;“Oceanic”则取材自圣桑《动物狂欢节》中的“水族馆”;“The 1812”则改编自柴可夫斯基的同名作品《1812序曲》。这种古典与现代的完美融合,代表了器乐表演在演奏作品方面的一个崭新的开始。

从表演形式上看,古典器乐表演主要有二重奏、三重奏、四重奏等等,大家都是坐在椅子上演奏,除了正常演奏上的肢体动作外,基本没有其他的动作,中规中矩。而现在,一种新的演奏形式出现了,无论是几重奏,演奏者都是站立表演,随着音乐节奏舞动。H.加登纳曾说过:“从某种程度上说,音乐本身最好还是被看成一种延伸了的手势,一种由身体所执行的运动或方向。”这也就是为什么许多对音乐进化的研究都认为音乐使与舞蹈密切联系的。人们会把音乐运动与自然运动融为一体。音乐的强烈的节奏使人们不自觉的跟随音乐舞动身体,刺激人的感官神经。这种新的演出形式,打破了过去死板的演奏形式,大大丰富了演出的视觉效果,同时能使听众全身心的投入到音乐中去。

在舞台背景方面,过去在音乐表演中,演奏者通过对乐曲的理解进行想象和设计,再把这些想象的画面通过演奏表演给观众。音乐本身就是抽象的,对古典音乐不了解的人更难以理解音乐的内涵。而在现代音乐表演中大量的借助电子设备来营造音乐所需要的气氛,在演奏过程中配以背景图像,把音乐要表达的意境用画面表现出来,这种音配画的表演形式,更加丰富舞台效果,使听众有身临其境的感觉,能够更加深入的理解和欣赏音乐作品。

总之,将古典音乐以更通俗、更多样的形式展现给观众,这样更贴近大众,使更多的人能接近和了解古典音乐。古典音乐不再是少数人能够欣赏的高雅音乐。将古典音乐与现代音乐巧妙的融合,赋予古典音乐新的生命力。

参考文献:

篇8

中华文明源远流长,中国古典音乐算是中华文化圣境中的一朵奇葩,我们的祖先在不断抗拒自然界的威胁以及漫长的艰苦劳动中提炼出最早的音乐,早在周朝,就有了由政府设立的“大司乐”总管的音乐机构。《史记·五帝本纪》记载,尧命舜摄政,后舜任命夔为典乐,“教稚子”,“诗言意,歌长言,声依永,律和声,八音能谐,毋相夺伦,神人以和”。《史记·乐记》记载,“昔者舜作五弦之琴,以歌南风;夔始作乐,以赏诸侯”。 

中国古典音乐经过千百年来的流传发展,形成了优美动人的曲调与层次丰富的多重美感以及丰富的情感表达。 

(一)情境交融意境美 

中国古典音乐的创作中,精通乐律的创作者大多以文人雅士为主,所以中国古典乐与中国画有着共通的追求——意境美,力求将生活图景与思想感情融合在一起,使听众通过想象融入到乐曲中,在思想感情上产生共鸣获得身临其境之感。如《春江花月夜》这首名曲,清新优雅,其旋律婉转质朴,节奏流畅而富于变化,明快处若江水横流;静谧处若清风拂面,凡是听者都能融入其意境:江南春时,江畔泛舟,清风徐徐,明月初升,江两岸花影摇曳,使人沉醉。 

(二)磅礴悲怆悲剧美 

悲剧的特殊效果在于引起人们的怜悯与恐惧之情,其内在往往蕴涵着激烈的矛盾冲突,给人以痛苦、悲哀的感受,使人产生悲悯之心,激发人们对现实生活的思考。这种感觉不仅仅只有戏剧可以带来,同样音乐也可以通过深沉、哀怆的悲剧性情感表达带给听者上述体验,观众可随着哀婉动人、如泣如诉的旋律感受到乐曲的情感表达。如古曲《阳关三叠》,该曲取材自王维的七言绝句《送元二使安西》,共分三大段,一个曲调变化反复,迭唱三次,故称“三迭”。整曲曲调淳朴而又蕴含激情,情真意切,苍凉沉郁,表达了挚友分别的无穷伤悲与深切关怀之心。 

(三)气势恢弘壮丽美 

音乐的神奇之处在于,它可以凭借旋律就使人热血沸腾、人心激荡。也可以通过一件或几件乐器就描画出壮丽恢弘的大场面,琵琶曲《十面埋伏》描述了公元前202年楚汉战争垓下决战时的恢弘情景。用不同的演奏技法表现了出征前金鼓齐鸣、众人呐喊的激烈场面,乐曲有散渐快,调式的复合性及其交替转换,增加了乐曲的不稳定性。又以接连不断的长轮指手法和“扣、抹、弹、抹”组合指法,表现将士威武的气派。曲调时而宁静而紧张,意表现垓下伏兵;时而急促紧张,表现两君刀剑相向、短兵相接。其中有描述两军激战生死搏杀的场面,又有悲情壮丽败阵自刎的无奈。 

二、服装表演中音乐与服装表演的关系 

服装表演中的音乐是指为配合服装表演而专门制作或选择的背景音乐,音乐的选择依据是要与服装表演的主题和编导的所要表达的意图而相合的。服装表演的音乐的作用就是要在表演过程中将服装、模特、观众三者联系起来,从听觉角度来调动模特情绪使之准确把握服装内涵、感染观众拉近观众与作品距离,从而补偿服装表演因表象性而产生的不足,深入观者内心,为观众提供情绪、情感等心理暗示并引导观众的观赏思路,从而营造更好地表演氛围。 

篇9

房间里没有钢琴,郎朗坐在扶手椅上回答《t望东方周刊》记者的问题,他的双手常常舞动,手指在空气中上下跳动。

采访前,郎朗在大厅里拍照,站在摄影布景前,他也习惯在手上做出动作,最常见的一个是:闭上眼睛,让手指在空中舞动。

作为当代备受瞩目的古典音乐家,郎朗对于拍照、采访和签名习以为常,他得到很多赞誉,也承受着不少争议。

郎朗不断“颠覆”着人们对于古典音乐家和西方古典音乐的印象:2016年3月,郎朗和韩国偶像团体BIGBANG在国内一场音乐盛典上合作;6月,他在上海迪士尼乐园开幕典礼上演奏《冰雪奇缘》主题曲;他还做了好几次网络直播,网友点播什么他就笑着弹一曲。

如果这只被视为短暂而疯狂的“现象”,郎朗会略感失望,因为他想做的是“将现象变成一个长久性的东西”。“颠覆”就是郎朗的常规,他不断地撕掉标签,包括世人给古典音乐、古典音乐家和他自己的,而他的终极目标是,让更多人爱上古典音乐。

音乐不光是快

2016年3月,英国最具权威的电台Classic FM评选出历史上最伟大的25位钢琴家,郎朗是其中最年轻的一位,也是唯一的中国音乐家。

榜单评价郎朗“通过其无可比拟的华丽风格永远改变了古典音乐世界”。同时入选的还有贝多芬、莫扎特和肖邦,郎朗看到后第一反应是“笑了”,他感觉自己没有那么伟大。

郎朗的钢琴启蒙教师、现任中国人民大学徐悲鸿艺术学院教授的朱雅芬对《t望东方周刊》回忆,她教的很多小孩在弹琴时都担心自己被批评,但郎朗每次练习都像是紧抓着表现的机会。

17岁时,郎朗在美国芝加哥的拉维尼亚世纪明星音乐会上顶替了发烧的安德烈・瓦兹,演奏《柴可夫斯基第一钢琴协奏曲》第一乐章,由此在西方古典音乐界一举成名。

在此之前,郎朗虽然已经签约IMG经纪公司,但商业价值还远没有体现出来。他曾去墨西哥一个“荒凉到传言外星人去过的村子”演出,观众仅有当地村民200余人,令他沮丧。

成名之后,演出邀约不断。出众的身体力量和强大的技术让他能驾驭那些难度较高的大曲目。“大开大合”“激情”“兴奋”,使得郎朗在当时的古典音乐家中显得极富标识性。

但长期表演这种曲目对郎朗也是一种消耗,有一次,他演出后拿不起筷子了。更重要的是,这使得外界一度忽略了他的另一面――他也可以处理精巧、细腻的曲目。

郎朗的“人来疯”是帮助他最初树立个人品牌的基础,也是他想要自我突破的屏障。

在沈阳时,郎朗曾参加一次少年比赛,赛前他来到朱雅芬家弹奏参赛曲目时,兴奋使他越弹越快,“踏板踩得一塌糊涂”。朱雅芬说:“你这样弹拿不到名次。”郎朗啪嗒啪嗒掉眼泪,朱雅芬说了问题在哪里,他眼泪还没擦干就笑了。那场比赛他得了第一名。

但成名之后郎朗仍然容易被现场氛围调动情绪,朱雅芬不断提醒他:“千万不要被观众诱惑。你弹得越快,观众越给你鼓掌,可是音乐不光是快。”

乐迷会发现郎朗在有意识地改变,选择呈现那些更需要“用控制力和内心”演奏的曲目。

郎朗有一种紧迫感:“很多音乐家在进入30岁时就突然‘消失’了,喜欢你的人都不喜欢你了,这很可能发生在自己身上,绝对得吸取教训。”

郎朗将这种“消失”的原因归结为“心态变了”和“不务正业”,最大的表现是不再练琴。

“一天不弹自己知道,两天不弹老师知道,三天不弹观众知道”,这是钢琴老师常用来敲打学生的一句话。郎朗如今仍保持每天练琴两个小时。

“钢琴不是死的”

虽然国际声誉很高,但对于郎朗的质疑也不少。

从“郎朗音乐世界”一位琴童家长的话里,能感受到一些原因:“郎朗太光彩照人了,曝光多得犹如流行天后,我甚至曾认为郎朗不是会弹到80岁的人。”

郎朗身上有人间烟火的气息。34岁生日那天,郎朗在上海迪士尼乐园的酒店直播弹钢琴,30分钟时间里吸引了53.6万人观看。

2016年夏天,郎朗作为那英的助阵导师在音乐选秀节目《中国新歌声》里亮相,他很少有和稀泥的时候,总是明确地表明自己喜欢哪位选手。

和流行偶像一样,他表演时总穿闪亮的西装,会和摄影师谈论哪个角度能拍出更完美的脸。他一年有百余场国外演出,穿梭在殿堂级的音乐厅和音乐家之中,但回到国内,说话时仍是一口可爱的沈阳口音。

文化部对外联络局局长董俊新对《t望东方周刊》说,郎朗“不端着”。正是这种性格让郎朗有了跨界的可能。

2016年9月,郎朗推出跨界专辑《纽约狂想曲》,涵盖了古典、流行和爵士曲目,这是他第一次以录音室专辑的形式演奏非古典音乐。

“我也被学院派压过,觉得演奏家就要燕尾服长头发,弹出变化来莫扎特会不高兴。”郎朗说,但自己必须打破这种固化的标签,“我眼里的钢琴不是死的。”

在沈阳时,郎朗住在隔音差的老房中,邻居能听到他弹什么曲子:“你别老弹贝什么的,我们听不懂。”于是他也弹一些流行音乐,比如《潇洒走一回》。邻居们说,“这个好听”。

到美国之后,普通高中的同学得知郎朗来美国是为了学古典音乐,第一句话便是:“那是给死人听的。”然后给郎朗推荐摇滚乐,说那才是酷的东西。这让郎朗感到自己必须把视野打开。

进入30岁后,郎朗的跨界动作越来越多。

2014年,郎朗与重金属乐队Metallica在格莱美舞台上合作前,一些人开始反对,因为“那太不古典了,气质太金属了”。

“钢琴不也是金属的东西吗?”郎朗开玩笑说,“时代变了,大家是欢迎创意的,前提是你必须弹好你的钢琴。”

80多岁的朱雅芬起初也是困惑的,她担忧那些跨界演出会消耗郎朗的精力。但她后来感到,这是在为古典音乐“拓宽路子”,她也向郎朗要了那张新专辑。

如今,很多古典音乐界的人开始给郎朗打电话:“该怎么跨?我也想跨。”

2005年至今,郎朗每年除了大量的演出,4张个人专辑、5张合辑唱片、两本自传也为他带来了相应的版税收入,同时他还代言了多个品牌。

但郎朗并不承认自己是商业运作下的“赚钱机器”,他会拒绝掉方便面的代言,因为“方便面和钢琴的融合不太可能”。

有媒体保守估计,郎朗年均收入超过了1亿元,当代也许还没有像他这样将古典音乐与商业运作结合得如此成功的音乐家。但郎朗目前给自己的标准仍是“做钢琴家”,他的底线就是“琴”。

“失控了就不行了。练琴必须疯狂,我对钱没疯狂。练琴疯狂是好事,赚钱疯狂很可怕。”他说。

建两座桥

郎朗的微博简介是:联合国和平大使,国际著名钢琴家。在郎朗的认知里,“大使”这个头衔下有传播的责任,他要搭建两座桥,第一座是古典与时尚之间的桥,第二座是中西世界之间的桥。

长期以来,国际音乐商业演出市场上,中国人的身影并不多。在担任中国驻德国大使馆文化参赞期间,董俊新和郎朗谈过如何将中国音乐传播出去,郎朗的想法是首先取得西方古典音乐界的认可,同时在演奏中加入一些中国的经典曲目,由此进入国际文化市场。

在德国古典广播电台中,董俊新曾听到郎朗弹奏的《浏阳河》。郎朗那时已在欧洲备受欢迎,每场演奏会提前半年票便会被一抢而空。受到欢迎的原因在于,欧洲人很难想象一位中国的年轻人能将西方的古典音乐“弹到那种程度”。

朱雅芬曾看过郎朗和爵士音乐大师汉考比的一场跨界合作演出,两架钢琴即兴对弹,有一首曲子有点中国味儿,后来她听出来,那是中国很有名的钢琴曲《春之舞》。

改变琴童的童年

34岁的郎朗正处于音乐家生涯的“过渡期”。除了“钢琴家”这个身份,郎朗还希望利用自己的影响力去“改变一些事情”。

2016年8月,郎朗推出了音乐教材《郎朗钢琴启蒙教程》,这是2015年出版的《跟郎朗学钢琴》之后他的又一部新教材。

教材里有卡通形象,因为郎朗最初学琴的兴趣就是从《猫和老鼠》里汤姆猫弹琴而来的。他挑了一些电影音乐改编的曲目,把枯燥的基础练习在教材中变成一种“热身运动”,比如抻手、抻肩膀和跳远,配送自己弹奏的视频,并把教材内容和自媒体、手机应用联系起来。

郎朗的成名掀起了中国人学钢琴的热潮,这被西方媒体称作“郎朗效应”。由于“知道什么是难受的感觉,知道什么是被打压的感觉”,郎朗想扭转曾经闭塞的钢琴教学方式,减少“那些没有必要的伤害”。

郎朗最初在北京练琴时,和父亲挤在狭小的一居室里,没有电视机,但有一套音响和一台星海牌钢琴。少年期的郎朗每天平均要练琴八小时,那个一居室填满了一个琴童家庭所营造出的紧张和充实。

这种高频率的练习使郎朗21岁时积劳成疾。那年五月,他借到一台大师霍洛维茨用过的钢琴,由于琴键已被磨得很薄,他弹的时候很用力,右手小指突然剧痛,进而蔓延至整个右臂。医生告诫他休息一个月,否则右臂可能瘫痪。

少年郎朗也曾在国内参加过各类钢琴比赛以证明专业能力,但成年后的郎朗没有参加过任何比赛。郎朗对于竞赛的热衷是到美国后消退的,他在柯蒂斯音乐学院的恩师加里・格拉夫曼告诉他,“‘No.1’的意义和取得它的方法还有很多”,这使得郎朗在成年后思考钢琴教育时有了更开阔的思维。

2011年,郎朗在深圳创办音乐学校,名字定为“郎朗音乐世界”,那里的氛围和郎朗童年所经历的教育氛围全然不同。他希望改变中国琴童的童年只有“苦练”的局面――学钢琴首先要爱上钢琴;学钢琴不仅是学技术,也不是盲目参加比赛,更要注重综合素养。

一方面,琴童接受老师一对一授课,除了教琴艺,还有乐理课、音乐欣赏课;另一方面,郎朗利用自己的资源,给琴童们聆听各种大师课、讲座和参加音乐会的机会。

朗朗的钢琴启蒙老师朱雅芬是“郎朗音乐世界”的执行副主席,郎朗对这所学校的重视不言自明。

郎朗每三个月会到学校里亲自授课,他说:“我去的时候氛围会不太一样。”在他的童年时代,“大师课”也会令他兴奋,但大师们不可能降临到故乡沈阳,“大师课”只出现在高等音乐学府,而且次数少得可怜。

“音乐就像说话,要有强弱,要有呼吸……”领奏时,郎朗偶尔空出一只手随音乐挥舞,然后对琴童讲解:“如何将音乐弹出丰富的层次?音乐除了有色彩,也有方向,绝不是了无生息地趴在地上,而是那种停在空中的感觉。”

“他讲得很接地气。”朱雅芬说,这里的教学重在激发兴趣,培养孩子们的“音乐性”。

郎朗说:“你弹得呆板无比,或者你变成钢琴机器,你的灵性永远不能升起来。我看到太多的孩子在比赛时弹得一样。每个人都这样,就没有艺术家存在了,会全变成山寨匠。”

5岁时,郎朗立下人生目标,他对朱雅芬说要当“第一的钢琴家”。

篇10

关键词:中国;西方;古典音乐;美学;价值

“古典”一词被翻译作Classical or Classic,体现了古典中蕴涵着的典范之义,由此也将古典的概念延伸至美学价值观[1]。音乐一直以来用它的和谐之音、美妙之乐给聆听着带来生理、心理层面的诸多感受。中西方音乐有着悠久的发展演变,音乐的意境、体裁、表现力等具有其独特的美学价值,典范亘古永恒。笔者从中西方古典音乐的范畴、形态、美学观念、文化精神等方面浅论中西方古典音乐之美学价值。

四、论古典音乐范畴的美学价值

古典音乐(classical music)在中西方的范畴求同存异。首先从概念上解释,“古典音乐”是一种音乐类别的名称。然而即使在国外,对于“classical music”一词的具体意义,也有诸多不同的解释,其中主要异议来自于对“古典音乐”时代划分理念的不同。

中国古典音乐最基本的要素为节奏和旋律,分为器乐和声乐两部分,用来表达人们思想感情并能反应现实生活的艺术。最早的器乐记载于大禹《大夏》中的籥,最早的声乐黄帝时《弹歌》。相对应的表现形式为器乐作品、声乐作品和综合作品。在中国古文明时期就存在音乐的流传,在春秋时期,更是出现了百家争鸣的发展之势,而那时的欧洲音乐相对落后很多。西方古典音乐经历了早期、中期和盛期三大阶段。

二、论中西方古典音的形式形态美学价值

四音音列作为西方古典音乐体系调式构成的基础与中国古典以三音小组为核心的五声性存在不同。四音音列构成西方古典音乐的教会调式或中古调式。中国古典音乐的“宫、商、角、微、羽”五种五声调式,有“五声、七声”。多声部的组织方法或规律的处理和思维方式,中国古典音乐多为横向伸展的线性思维,表现多为单声;而西方能兼顾纵向配合的网状体力思维,表现注重主旋律于其他部分的和声。节奏方面,中国古典音乐在此基础上多有变化,创作者的自由空间较大,西方音乐强弱拍交替均匀规律。中国古典音乐更注重意境的呈现,如中国古典民族器乐合奏曲《春江花月夜》堪称意境美的典范,曲调清新优美,以琵琶表现江楼钟鼓和急浪拍岸、二胡重在渲染淡远之情、古筝的跳跃舒缓似汩汩水流、舟子晚归、渔歌互答的悠扬之美被洞箫表现的淋漓极致,各种乐器围绕同一主题,旋律委婉质朴、节奏流畅多变,体现了中国古典音乐意境追求的美学价值。西方音乐重在求真和开拓,音乐的形态表现上纵横兼顾使得旋律更富饱满的立体美感,结构上也能有效的做好多层次、首尾呼应。如《第三交响曲》以它独特内涵和恢弘气势极大的推动了传统的前进步伐。贝多芬增加了乐队编制,创新结构,通过浮点音符、调性对比、运用赋格复调展开主题,层层推进、环环相扣达到高潮,是音乐动人心魄,体现出较高的美学价值。通过对中西古典音乐审美观念的比较,可以发现中方注重“神”、“意”,而西方重实体,重“形”,由此产生的美学审美的观念就具有较大的不同。

三论中西方古典音乐美学观念的美学价值

西方古典音乐以模仿论为主体的美学观和艺术观,强调了源于生活的对比性和戏剧性孕育于音乐艺术表现形式,音乐中的冲突表现以及对抗性的表达在中国古典音乐中比较少见的。18世纪,西方音乐崇尚自然与理性的美学观念和具有启蒙思想的人性张扬。探索艺术与自然的关系和寻求理性意识的和谐性、秩序感成为这个时代美学思考和艺术审视的主要内容。在中国音乐史上,“中”“和”的美学观念一直贯穿于发展的全过程,儒家提倡恬静淡雅的中和之乐,道家则主张法天贵真的自然之乐,不难看出,都将和谐作为一种音乐审美的崇高理想。不难理解以“乐”为“礼”的应用,和谐人际关系、和谐规范、和谐发展的观念在中国音乐的情与景、虚与实、明与暗、隐与显等辩证认识中相互渗透。西方强调善与美对比,音乐则注重善于美的统一。礼乐互动,礼兴乐盛才是中国古人理想的文明社会。在中国古典音乐中,表现“和谐美”的作品非常广泛,其中古琴曲《流水》神与形并茂、情与景交融,将自然的生命力表达的充分饱满,使聆听着崇高感情得以升华。音乐节奏自然流畅、玩转跌宕,感受着油然而生无限遐想、犹如身临其境,这些都源于音乐中运用和谐美而表现出的艺术魅力。《流水》曾被美国携带到太空船上,向宇宙发射以寻求其他高级生物,也加体现出其美学价值无限延展[2]。

四 论中西方古典音乐之文化精神的美学价值

西方古典音乐的文化精神主要包括了哲学、生活,音乐有强烈的戏剧性和动力性,艺术创作中充分吸取生活素材。如海顿吸取采用德国、奥地利民间音乐音调、句式、结构、风格来创作的《G大调第94交响曲》第二乐章主题,乐句方整、和声简朴,风格简洁、清新。莫扎特《魔笛》中采用德国、奥地利民间风格、通俗歌曲、新教圣咏式音调而取得很大成就。贝多芬的《F大调第六交响曲》的淳朴是他对大自然热爱的自然表达[3]。

中国古典音乐更显简朴精神,注重的是“神”似而非“形”似。中国古典与哲学、中国文学渊源深厚。先秦以来,中国文学的发展总是与音乐密不可分的。如《乐府》、隋唐的变文、唐代的律诗、宋代的词牌、元代的戏曲,音乐同文学交相辉映、共同发展。中国的古典乐曲基本上都是标题音乐。每一个标题后面都隐含着一段文学的叙述和描绘。如《琴赋》、《苏武牧羊》、《高山流水》、《胡笳十八拍》、《春江花月夜》、《汉宫秋月》、《山居吟》、《渔舟唱晚》、《阳春白雪》等等,感受这些古典音乐,带来轻松愉悦,领悟真善美意境。

中国古典音乐对于创作人的个人素质要求高,所谓琴、棋、书、画四艺兼得,而代表音乐的琴位居首位,可见其文化地位之高。中国文化往往体现着以生命为本体,注重“中”、“和”,而西方文化类型属于空间型,不像中国的时间型文化体系,西方的这种空间型文化更加固定,且思维方式也多立体感。中国文化没有空间型的束缚,更彰显时间的无边际、无限延伸,因而在音乐节奏和旋律的处理上多体现出流线型的创作模式。这也是中西方古典音乐美学差异。

总结中西方古典音乐之美学价值,体现在其涵盖的范畴、音乐表达的形式与形态、音乐美学观念以及文化精神对美学价值的体现。

参考文献:

[1] Neal Zaslaw. Music and Society in the Classical Era [G] / / Neal Zaslaw ,The Classical Era: From the 1740s to the End of the 18th Century. Englewood Cliffs,New Jersey: Prentice Hall,1989.