电影艺术手法范文

导语：如何才能写好一篇电影艺术手法，这就需要搜集整理更多的资料和文献，欢迎阅读由公务员之家整理的十篇范文，供你借鉴。

篇1

一、夸张的概念及艺术价值

夸张是通过对现实世界中具体事物和现象做出的超出实际尺寸和实际能力范围的缩小、扩张或形状的改变，用以突出事物的本质特征，表达创作者强烈的思想感情，给受众留下深刻的印象。从艺术学的角度来看，夸张在动画中是一种特有的手法，它与现代修辞学中的夸张比较接近，只是表现形式有所区别，在动画中是靠画面表达，而在文学中则是靠文字表达。不过，他们的目的都是为了吸引受众的注意，使平淡无奇的故事画面或文字在加以夸大、简略或变形后能激发受众的好奇心，以引起他们的共鸣。在动画创作中，作为动画艺术表现手法的“夸张”具有广泛应用。它的主要功能表现在制造幽默的气氛以及强化效果，使角色形象特征更为突出、更加鲜明。而它贯穿在整个动画片制作过程之中，无论是剧本构思的夸张、人物造型的夸张，还是动作的夸张等，几乎都可以找到它的存在。可以说，夸张是动画的重要特性之一。从创作上来看，动画中的“夸张”既依托于现实事物，又以创作者的创作理念为主导，使动画艺术更具吸引力与感染力。在动画电影《熊出没之雪岭熊风》中就合理地运用了夸张的手法，使影片更具画面感，视觉传达也更有冲击力，让观众更容易感受到影片风趣幽默的视觉效果。

二、夸张在动画电影创作中的重要作用

在动画电影创作中，主要指在电影剧本、角色形象设计、动画动作设计中，对故事情节、角色造型、肢体动作、表情特征等进行跨越正常状况的描绘，使原本四平八稳的画面变得刺激和强烈，增强了受众的深刻印象和好奇心理，同时也增加作品本身的感染力。动画电影《熊出没之雪岭熊风》由于恰到好处地运用夸张的手法，明显增加了动画电影的趣味性与生动性，制造出更多的“笑料”，同时也突出了动画电影中的人物特征和性格特点，让受众的心情随着动画电影的剧情而波动。要想创作出好的动画作品，必须热爱生活、参与生活、熟悉生活，扩大自己生活的积累，正所谓艺术来源于生活。而动画创作与一般绘画创作不完全一样，夸张成分比较多，所以要想成为一名优秀的动画工作者，除了要懂得生活的本味，还要发现生活中的趣味。在动画创作中，为使每一个画面获得更好的视觉效果，动画设计师在不断研究和设计开发的过程中积累了大量的经验，并总结了一些当下动画界所广泛应用的动画原理。通常，当动画艺术中一些新的理论或概念出现时，很多设计师就会不断地对其进行试验，进而使其成为业界同行的创作准则。

三、夸张在动画创作中的表现与应用

夸张的形式和方法是多样性的，在故事情节、动作设计、造型变形、速度变化都能运用夸张与变形的相关技法。《熊出没之雪岭熊风》应用这些技法非常地娴熟，使整个影片情节能够得到恰如其分地表达，从而更容易得到受众的共鸣。下面本文从四个方面来进行分析。

（一）故事情节上的夸张在动画电影作品中的应用可以说，故事情节的夸张就是构思和设想上的夸张。在情节设置的构思上，《熊出没之雪岭熊风》通过把故事拉回到了熊大、熊二以及光头强的幼年时期，准确地把握住了受众的好奇心理，而且影片中的场面和构思已经不是一味去迎合少年儿童，那些成长和环保的题材也一样适合于成年观众。譬如哭泣的熊二总是被熊大擦去眼泪，熊大教导他的那句“熊就该有个熊样”充满着幽默和欢乐，是可传播、可消遣的经典台词。电影中设置了多处夸张的情节，让动物做出一些超现实的行为，从白熊开始登场到水果车追逐戏，每一段都是承上启下、环环相扣，在短短几分钟内让观众看到了熊大和熊二的成长经历，这个构思也非常巧妙，让观众跟着情节的发展回到了它们的过去。此影片把现实生活中那些绝不可能发生的事搬到了银幕上，在观众看来却很真实、自然。随后，电影的情节为：软弱又无能的主角在最后时刻找到了自己的坚持和解决之道，化解了危机，成为了英雄，完成了自我成长。

（二）动作设计上的夸张在动画电影作品中的应用动画的精髓在于动作的夸张。伟大的动画大师比尔•迪特拉说过：“动画只有三样东西：预备、动作、反应。”相对而言，自然写实的动作在动画中往往会显得软弱无力，而动画较真人运动具有更大的张力，动画师要仔细观察现实生活中的某些具体动作，再恰当地将这些动作准确地表现出来，并赋予其适当的夸张，动作将会显现为戏剧效果。有时，动画电影中的动作完全不同于日常生活状态的表达，夸张的动作不仅可以更好地塑造人物的性格与形象，更能增加看点。例如《熊出没之雪岭熊风》中的一些画面：从山坡快速滚滑时，雪熊缩成一个球体，富有弹性，然后又飞起来等。此外，在动物奔跑的过程中，都充分运用了夸张的预备动作来达到戏剧化效果。熊大、熊二急骤急停后的身体姿势和表情反应，都让观众捧腹大笑。通过这些力度、幅度以及节奏的相关改变，从而强化动画角色的情绪波动和性格变化，增添了很多的情趣和美感。直到今天，我们依然对《猫和老鼠》等旧片念念不忘，百看不厌，这是为什么呢？因为在上百集的剧情里没有过多无聊的旁白，更没有过多华丽的语言，仅仅通过主人公汤姆和杰瑞各自动作上夸张的设计，把相互间永无止境的追逐和争斗表现得淋漓尽致。我们从中可以体会到夸张在动画片中的重要作用。

（三）造型变形上的夸张在动画电影作品中的应用造型变形的夸张，可以概括为角色外形上的夸张，是动画影视作品中常见的夸张形式。《熊出没之雪岭熊风》中，一行人踏上了前往白熊山的旅程，在滑下坡的过程中，熊二和熊大的造型变化非常有趣，从外型上能很明确地看到，它们的身体要么整体缩成一团，要么整体拉得笔直笔直。在危机时刻，每个个体之间惊愕、紧张的表情使脸部变形严重，这样在画面上表现瞬间的强烈变化状态，让角色的性格特点更加鲜明，使动画影片更富有戏剧性，视觉冲击力也更为强烈。值得注意的是，在造型变形上的夸张有一定的目的性，他们的根源是基于生活的。任何毫无根据的、脱离生活的夸张只会让受众觉得“无厘头”，难以接受。因此，造型变形上的夸张是必须的，但也必须要适度。

（四）速度变化的夸张在动画作品中的应用速度的夸张是指角色在运动速度上的特殊变化，包括快动作和慢动作。在动画电影作品中，经常会根据情节和动作的需要做出一些超常规的设定，从而使快动作更快，慢动作更慢，借此来突出速度上的强烈对比，以获得视觉上的冲击力，强化视觉效果。例如《熊出没之雪岭熊风》中表现角色像风一样的奔跑或逃窜，可以看到画面中的角色产生明显的跟随动作，出现了无数条腿的虚影，夸张飞奔动作极度快速。通过预备动作的积累、惯性动作的强化、追随动作上的突变以及重量和作用力上的应用，能够使得原本普通的事件变得有趣化，使得剧情诙谐幽默，引人入胜，烘托了整体气氛。

结语

篇2

[文献标识码]B

[文章编号]1005-0019(2009)7-0033-01

[摘要]目的:腮腺面神经手术中应用肌电诱发电位监护面神经功能。方法:采用日本光电MEB-9104型肌电诱发电位监测仪,监护37例腮腺手术中面神经的诱发电位,记录波幅及时程改变情况,并通过声音报警和波幅改变及时规范手术操作,术中检测面神经功能。结果:37例腮腺手术仅1例出现面神经下颌缘支损伤,2个月后恢复。结论:肌电诱发电位在腮腺手术中监测面神经功能有较大的指导价值。

[关键词]肌电诱发电位;面神经;腮腺;监护

1资料与方法

1.1临床资料:随机选择2004年11月-2005年7月入院腮腺肿瘤手术病人37例,术中应用肌电诱发电位监护,术前均无面神经受累症状。其中男21例,女16例,平均年龄57岁。病理分型:混合瘤27例,沃辛瘤6例,粘液表皮样癌2例,腺样囊性癌2例。

1.2方法:监测设备使用日本光电公司MEB-9104型肌电诱发电位监测仪。肌肉与躯体的其他活组织一样,在其静息状态和活动时,都显示有规律的电活动现象。手术中肌电诱发电位的监测是使用针电极来记录肌肉活动情况,手术中肌肉电活动的监测的目的是要记录肌肉自发性肌电图收缩的情况,了解支配某组肌肉的神经功能是否因手术操作而受到损伤。手术监测中将针电极放置在神经支配区域的肌腹上,可通过肌电诱发电位监测仪的刺激器产生分散的电场来刺激手术野中的组织而定位面神经的走行。在面部监测持续的自发肌电图,任何一条神经纤维损伤会产生自发的神经源性放电,导致这些运动神经所支配肌肉的收缩,将肌电图活动的结果通过扬声器予以放大并报警。该警示音即提示外科医师可能由于压迫、牵拉、电凝或切割造成了对面神经的干扰和损伤,需及时纠正,避免进一步损伤。肿瘤摘除后,通过在面神经远端和近端处分别给予电刺激,正常时切口远近端两个部位刺激神经所产生的运动反应波幅应相等。如果近端刺激所产生的波幅高于远端,提示面神经可能发生了医源性损伤。这一信息有助于手术医师在术后有计划地采取医疗措施,对面神经麻痹进行及时和有效的治疗。患者取仰卧位,头偏向健侧,消毒铺巾,于所需解剖的面神经分支支配区安置肌电图单极针电极,按腮腺标准“S”型切口翻起皮瓣[1],于腮腺前缘处解剖面神经颞支、颧支、颊支及下颌缘支中的数条分支,通过肌电诱发电位,波幅的大小与参与收缩的纤维数量和同步性有直接的关系,而面神经肌电图,肌肉波幅的平均值400uV。

术中解剖面神经分支135支,监护中,肌电图波幅改变及声音报警69支,其波幅最高为1000uV,最低为450uV,持续时间最短1.3s,最长17s,平均9.15s。神经传导的波幅下降50%也为异常图像报警。我们设定肌电诱发电位监护面神经安全阈值为波幅450uV,持续时间2.7s。

2结果

37例患者,术中解剖面神经分支135支[2],监护中,肌电图波幅改变及声音报警69支,肿瘤切除后面神经功能评价有6支出现波幅轻度异常,术后仅出现1例轻度口角歪斜,2个月后恢复正常。37例患者均未出现永久性面瘫,面瘫比例为2.7%。

篇3

[关键词] 《艺术家》 电影艺术技术革新

引言

第84届奥斯卡《艺术家》一举拿下最佳影片、最佳导演、最佳男主角等五项重奖成为当之无愧的大赢家。这部采用荒废多年的黑白默片形式的电影为何能够在世界首屈一指的电影盛事上获得如此殊荣？除了影片本身的魅力外，它把电影自诞生之初便被屡次提及的话题再度搬上桌面：电影的艺术性何在？《艺术家》从默片演员乔治·瓦伦丁的视角切入，呈现了那场把电影看作视觉艺术、蒙太奇艺术的默片电影者的“艺术末世”。那么如今在这个电影被技术裹挟的时代，当《泰坦尼克号》3D化、《新龙门客栈》重拍时，电影趋于过分依附技术而失去其原有独立的艺术追求，《艺术家》这部影片犹如一剂强心针，它讲究的光影设计，演员高超的表现力及恰到好处的蒙太奇镜头剪辑等，让我们重新看到了电影艺术本有的纯粹魅力。因此，《艺术家》的大受青睐，是在情理之中。

一、《艺术家》的内核审视

没有《阿凡达》炫目的3D技术所营造的视听奇观，《艺术家》做到的是完整而细腻地还原默片美学。每个镜头都精心打磨，精确还原，于此同时，又巧妙结合了“无声”与“有声”，把那个时代保守派电影艺术家们的经历与心路历程表现得恰到好处，淋漓尽致。

1、《艺术家》的视听“美学”

《艺术家》讲述了一位默片男星的陨落和一位有声影片女星的新兴。以爱情故事为根基，描绘了一场电影艺术的革命性转变。整部影片借鉴了大量20年代好莱坞经典影片桥段，同时还原了默片时代常见的电影艺术手法。

（1）镜头美学

在默片时代，由于没有配音和色彩，影片为表现深层含义主要靠布光与场面调度。在影片起始，乔治春光得意的时候，他的面光大多平铺，没有阴影。例如在他所演电影的谢幕会上，高亮的追光灯使他面部十分明朗，整个人显得精神焕发。而到了影片后半部，则多为伦勃朗光，侧光甚至逆光。比如在乔治卖西服时，光源是侧逆光，而在他自己在家放映以往的电影，站起身与自己影子对话时，是来自放映机的全逆光。通过光的运用变化，表现出乔治由盛转衰的人生经历。而女主角佩皮则完全相反，她从普通人到明星的转变，光也从自然光转为柔光或高光。就如同在上世纪20年代好莱坞电影中，为了把女星呈现得美丽无瑕，往往会使用柔光镜，在女演员的脸颊、头发上晕染一层毛茸茸的白边，不仅使女演员看上去非常光鲜，并拥有超凡脱俗的高贵气质。在影片中期后，佩皮的打光多采用此法。

在场面调度上，代表处是影片0:35’ 10’’时，和老板谈崩的乔治与被男人的簇拥的佩皮一下一上在楼梯相遇。一个是被时代所抛弃的旧日明星，一个是刚签公司的“新鲜肉体”，乔治仰头和佩皮说话，两人的位置和拍摄角度凸显出他们不同的人生命运。最后一个楼梯全景的交代，佩皮登上台阶，她的电影之路刚刚展开，而乔治顺梯而下，预示着没落与遗弃。

（2）表演美学

默片时代的电影依靠纯视觉来感知，因此要求默片演员有极强的表现力和感染力。在问及导演哈扎纳维希乌斯“您希望演员在默片里做出什么样的表演”时，哈扎纳维希乌斯说：“约翰·古德曼、让·杜雅尔丹以及贝热尼斯·贝乔，他们的表情很丰富，在他们说话时你可以轻松地了解他们内心。”[1]当然除导演提及的表情外，肢体语言也是默片重要的达意环节，这也就是为什么很多默片演员如卓别林都是杂耍、舞蹈高手。另外还有就是动物助手，如乔治的宠物狗就为影片的喜剧感增色不少。

（3）剪辑美学

为了还原传统默片的艺术精髓，导演运用了前苏联理论家爱森斯坦最推崇的老式蒙太奇剪辑法，其中有些蒙太奇因略显刻意而在如今影片中鲜有可见。例如相似蒙太奇，影片0:53’13’’ 时，由如日中天的佩皮钻石高跟鞋切换到乔治破烂的皮鞋，折射出两人生活状态已然迥异。还有电影1:20’26’’时导演采用杂耍蒙太奇来表现乔治在得知他拍卖会上的物品全部被佩皮买下后，恐惧、愤怒的心境。影片中他疯狂掀开一张张白布，期间穿插剪辑了雕塑猴子的特写，它们或捂眼或捂耳或捂嘴，突出了乔治不愿接受这一切的慌乱与痛苦。再有1:26’14’’时的积累式蒙太奇把很多说话着、大笑着的嘴剪辑到一起，形成强烈的视觉冲击，把气氛渲染到极致，促使乔治无法接受“有声”而自杀。其实，像杂耍蒙太奇、累积蒙太奇，因为它过于形式化而被当今电影摒弃，但却为这部影片最大化突出视觉艺术表现力而推波助澜。

除还原传统蒙太奇剪辑手法外，导演还采用默片时代惯用的“淡入淡出式”转场，同时影片拍摄使用每秒22格，1:33:1的小银幕宽高比，在技术层面上使《艺术家》达到几乎完美地仿真复古。

（4）“声音”美学

《艺术家》最出彩的地方，莫过于它把无声与有声巧妙结合。例如在影片0:29’04’’乔治看了有声电影后，自己回到房间，发现所有的物品都能发出声响——玻璃杯的声音、马路车流声、狗叫声、电话声……所有声音掺杂呼应，宛若轰鸣的噪音，乔治慌乱地跑到街上，看到一片羽毛掉到地上发出爆炸般的巨响。这种突如其来的音效介入，打破了观众已经形成的默片观影状态，强大的听觉冲击，把一个习惯于静默的“哑巴”演员对声音的恐惧淋漓尽致地表现出来，而观众亦感同身受。在影片的最后，男女主角踢踏舞合作后，乔治终于说出了“乐意效劳”（With pleasure）这句话，这是全片中他发出的第一个声音，影片也以有声电影的方式结束了，暗示着默片时代便以这些“艺术家”的妥协结束。哈扎纳维希乌斯在默片中插入声效，起到的效果非比寻常，使《艺术家》主题表现力得到升华。

2、《艺术家》的主题分析

在影片的筹划阶段，导演哈扎纳维希乌斯曾想把本片命名为《美人痣》，取自于乔治在佩皮脸上所点的一颗痣。但是制片郎曼却把片名改为《艺术家》。片名的更改对本部影片的主题起到画龙点睛的作用，使它从反映默片演员的个人遭遇升华为在那个时代下整个电影领域对“电影艺术”定义的革命。众所周知，没有录影机和放映机的发明便没有电影，它是所有艺术门类中受科技影响最深远的。因此当录音设备出现，声音进入电影成为组成部分的时候，曾一度造成了电影技术、艺术、商业上的混乱。因摄影技术和录音技术都处于发展初期，隔音玻璃屋限制了摄影机的移动自由，摄影机的噪音又影响了同期录音。剪辑的蒙太奇结构也会因声音而受破坏。正如前文所述默片时代的种种艺术探索都将因声音的出现付之东流，造成电影美学上的倒退。而观众会因为声音的出现而减少对画面和演员的关注。因此，以卓别林、金·维多、雷内·克莱尔、普多夫金、爱森斯坦等为代表的一群无声艺术大师们公开表示排斥有声片。1928年，爱森斯坦、普多夫金和亚历山大洛夫三位蒙太奇大师联合发表《有声电影声明》，在《有声电影声明》中，尽管他们承认声音“会给电影带来强大的新的表现手段，会有助于阐明和解决复杂的问题，而这在过去只依靠视觉形象的无声电影的不完善的手段，是不可能解决的问题”，但是同时他们又痛心于因有声片的出现会对蒙太奇这种电影深度内涵表达方式造成巨大威胁，电影只能“被语言控制去讲故事”。与此同时，有声电影的冲击不仅涉及到艺术理论界，它更严重地威胁到默片演员的生计。因有声片更注重演员的声音表现力，大量默片演员难以胜任而被淘汰。以戏谑语言和夸张舞蹈为表现主体的百老汇戏剧业乘虚而入，大批演员流入电影市场，把戏剧美学也带入电影，造成了对白泛滥及百分百音乐歌舞片的出现。正如《艺术家》中所表现的，最后乔治和佩皮一同跳起到了百老汇常见的踢踏舞，场景的布置就如舞台，而拍摄手法也是一镜到底，电影失去了重构现实及剪辑的张力，默片最终向有声片进行了彻底妥协。

二、电影艺术特性

通过对电影《艺术家》的分析，问题已经呼之欲出：被技术裹挟的电影是否为艺术？有声、彩色、3D时代下，电影的艺术性又如何体现？

1、电影是否为艺术

若要讨论电影是否为艺术，首先需要界定的是“什么是艺术”。柏拉图说：“艺术即模仿”。亚里士多德说：“艺术即认识”。大卫·休谟说“艺术即品味的对象”。北京电影学院教授王志敏在《现代电影美学体系》一书中提及：“艺术可以界定为人类历史认定的、专门化的媒介手段” [2]。此定义中的核心点是“历史认定”、“专门化”的“媒介手段”。首先毫无疑问，电影是一种“媒介”，它最初的功能是“记录”。把三维的世界保存下来，在空间和时间两个层面上进行传递，成为人们交流的媒介手段之一。但随着电影制作、放映技术的不断进步，“历史”稳定性和“专门”性并不适用于电影。其他传统艺术样式，如绘画、雕塑、舞蹈即使创作工具不同，古往今来呈现出的艺术作品是大体不变的，但电影作品则经历了从无声到有声、黑白到彩色、2D到4D、银幕到电视种种变化，使人们很难从历史和专门化的角度对其进行界定。那么电影是否还能归位于“艺术”范畴？

在半个世纪前，爱因汉姆就电影的艺术地位提出了六个基本条件：“立体在平面上的投影；深度感的减弱；照明与没有颜色；画面的界限和拍摄的距离；时间和空间的延续性并不存在，视觉外的其他感觉失去作用。” [3]显然，爱因汉姆是以默片为界定依据。常言道：“艺术源于生活高于生活”。在爱因汉姆看来，正因为电影在转化物质现实（或称作戏剧化提炼）时，电影特有的艺术韵味和艺术精神被折射出来。爱森斯坦认为蒙太奇是对这种艺术精神的最重要承载者，“蒙太奇的力量就在于它把观众的情绪和理智也纳入到了创作过程之中” [4]通过观众的二次创作，使电影出现超脱于生活的韵味。当有声片出现后，声音在一定程度上影响了蒙太奇的达意效果，而在很长一段时间不被学者接受。电影有声了，便不再是艺术了么？答案是否定的。电影理论家克拉考尔的“物质现实的复原”理论以及麦茨的电影符号学证实了电影艺术更加核心的“特殊”属性。克拉考尔认为：“电影是在对于现实的照相记录本性的延展中来凸显艺术精神和抽象意味。” [5]麦茨则提出了电影的“空的空间”本体特征，它与文学的意会特征有相似性，即“都体现了概括和传达人类抽象情感力量的艺术气质” [6]，这两位学者的理论更加深入和开放，并不局限于某种电影类型，把电影概括为是一种 “幻象式（或想象式）”的艺术，这才是电影艺术本体属性所在。

2、几大电影发展时期艺术特性比较

上文引用克拉考尔及麦茨的理论证实了电影是一种营造“幻象”的艺术。而从无声片、有声片、黑白片、彩色片、3D片、到电视电影，不断更新的是“造梦”的手法及呈现方式。下图就几种电影类型进行对比分析：

如图所示，前六种电影艺术手法是从黑白默片诞生之初就被广泛采用并被视为主要的电影达意手段，特别是在默片电影中承载艺术内核和思想深度的地位尤为突出。然而，自声音、色彩、3D特效进入电影后，艺术手法又有了新拓展。比如张艺谋的《英雄》中色彩在表达心理、结构情节上起到重要作用与效果。声音的运用使电影更加还原现实，并把画外的空间也带入电影，着重烘托气氛和展现人物内心状态。近几年3D技术冲击电影市场，再加上IMAX双拳出击，营造出令人惊叹的视听奇观，它从观影效果上改变了电影的“二维”属性，使电影的“幻象式”造梦发挥到极致。相比之下，电视电影在电影为“幻象式”艺术的界定下，出现了偏离。因此，从严格意义上讲，电视电影并非纯粹的电影，它只是一个制作模式或放映模式，归根到底，其电视性的特点更为突出。

三、当代电影艺术困境及展望

1、艺术困境

随着技术的不断革新，电影的艺术手法也在跟进拓展。但不容忽视的是，随着技术手段的日新月异，许多电影人忽视了最传统的电影艺术手法，当今电影界出现了两大艺术困境：1、大批粗制滥造影片接踵问世。特别是近几年小成本喜剧电影最为明显，不讲究的景别、机位、光影、调度、蒙太奇等手法使电影艺术性大打折扣，甚至电影和电视剧、情景剧没有太大区别。2、过度依靠技术，掩盖创新危机。《泰坦尼克号3D》、《东邪西毒终极版》、《新龙门客栈修复版》等影片在内容没有任何更改下重拍，折射出的是电影创新越来越捉襟见肘。通过“炒旧饭”的方式，再次赚取票房。这种方式或许前几次能有效果，但很快观众就不会再买账，毕竟电影艺术不能剥离内容而单纯靠技术维持。

2、小结及展望

本文通过对《艺术家》的全面分析，回顾了电影诞生之初核心的艺术表现手法，探讨了电影艺术的特殊性并延伸了电影艺术表现方式。无论技术怎样革新，电影将一直秉承着“幻象式”这一本体属性，进行不断的艺术探索及创新。然而，随着技术进步，电影创作也面临着严峻的考验。本届奥斯卡把最佳影片大奖颁给《艺术家》是对技术为主导的时代一次最好的反击。未来的电影，应该逐渐把技术放归于次要，重新审视电影艺术的传统手法，把电影做精做细，这才是维系电影这门特殊艺术长久生命力的根本所在。

注释

[1]张翰. 这一次，好莱坞向自己致敬[J]. 电影世界, 2012,3: 63.

[2]王志敏. 现代电影美学体系[M]. 北京: 北京大学出版社, 2006: 76.

[3]王志编. 电影学：基本理论与宏观[M]. 北京: 中国电影出版社, 2002: 135.

[4]爱森斯坦. 论蒙太奇[M]//自李恒基, 杨远婴. 外国电影理论文选. 上海文艺出版社. 1995: 99.

[5]王志编. 电影学：基本理论与宏观[M]. 北京: 中国电影出版社, 2002: 136.

[6]王志编. 电影学：基本理论与宏观[M]. 北京: 中国电影出版社, 2002: 137.

篇4

[关键词]电影；美术；艺术关联

电影是一种特殊的艺术形式，从诞生到现在已经具有100多年的历史，但其与美术艺术的发展历史是不可同日而语的。从某种程度上来讲，电影艺术的发展源于美术艺术，美术艺术可以说是电影艺术的母体，电影与美术艺术是一个不可分割的整体。美术将自己的风格、流派等融入电影，电影吮吸着美术艺术的精华，很多电影在美术艺术的滋润下得到永恒的发展。因此说，一部杰出的电影必定是电影艺术与美术艺术的和谐统一。

一、电影艺术与美术艺术的关系

美术艺术有着悠久的历史，从一定程度上可以说美术是随着人类的生产而产生的。美术包含的内容非常广泛，其涵盖万千，诸如绘画、工艺以及雕刻等。美术将线条、色彩以及结构作为基本元素，通过使用物质媒介的二维空间或者三维空间，将场景、人物以及事件以静态的形式表现出来，而人们则需要通过联想、思考来体会作品意境。电影艺术与美术艺术相比，其属于崭新的艺术。人类的视觉在极短的时间内有着短暂存留的天然功能，而电影艺术就是采用了这样的原理，它将运动中的相互关联的画面通过影像的手段呈现在人们的视觉之中，从而形成了画面在视觉中的运动感。可以说电影艺术根本属性应该是动态艺术的一种表现形式，它将所有相关的画面以运动的方式，在一定的时间过程中使它们相联系，这就形成了电影。

美术是电影的母体，电影是吮吸着美术的营养成长和发展起来的，与此同时，电影又使美术艺术得到了升华。它们都是艺术的表现形式，二者之间既有联系又有区别。美术具有二维或者三维的空间性，是用静止的图画串联起来从而表现主题的一种艺术，而电影是用可以动的画面来表现主题，具有空间四维性。电影的空间四维性特征对电影美术设计师提出了更高的要求，其不仅要熟悉剧本，而且要具有良好的造型基本功，同时要能够将导演在影片把握方面的意图进行形象化与具体化的艺术处理。

电影和美术这两门艺术是相通的，都是具有观赏性的，并且都是一种无声的语言，都是人们通过视觉来感受到图像中的信息。美术是电影的基础，电影要通过美术来创作完善自己，换句话说美术就是电影的养料。在一定程度上可以说一个优秀的电影作品实际上就是十分珍贵的一个美术作品。电影艺术离不开造型和光影效果与色彩配置，等等，然而，这些都是美术中的要素，一部成功的电影都是创造性地把这些美术元素进行调用组合，形成一幅幅美丽的画面，从而使得电影具有良好的观赏性。正是由于电影和美术具有相通的特性，所以使得这两门艺术之间的交融越来越大，现在很多的画家也加入到电影拍摄过程中，比如，杜宇、汤晓丹以及国外的普多夫金、柯静采夫等。并且，现在一些优秀的电影就是根据美术作品而拍摄的，比如《东京爱情故事》《水浇园丁》等都是根据连环画或者漫画改编而成的。正是由于电影和美术之间的独特的关系，使得美术中人物在电影中很容易塑造，自然美术也逐渐地融合到电影之中 。

二、美术艺术在电影中的应用

一部成功的电影作品，同时也是一部成功的美术作品。美术在电影中有着任何形式都不可替代的巨大作用。可想而知，没有美术艺术对电影艺术的润色，电影的主题思想就不可能得到充分表现，电影也就失去了意义，因为它谈不上能够使观众得到审美的愉悦。所以每个优秀的电影导演对于美术艺术在电影中的应用都是十分重视的。在电影中恰当地应用美术艺术可以得到意想不到的效果。从某种意义上来讲，一部电影的成功与否，和美术作品的优劣有着极大的联系，可以说它能够起着决定性的作用。随着时代的进步，电影的手法越发成熟，然而，美术在电影中应用这个最根本和最重要的因素具有极大的艺术价值，这是永恒的规律。美术艺术在电影中应用的三要素是：结构、线条、色彩。它们在电影艺术之中表现为电影的色彩、造型以及光影等。

（一）造型在电影中的应用

造型艺术是形体创作的一种艺术表现形式，而造型艺术也是美术的一种独特的艺术存在形式。运用某些物质材料对艺术形象进行艺术塑造，是美术设计的重要手段，它可以展示客观事物的精神面貌，换句话说造型在电影中的应用实际上是造型在人们对审美意识进行物化过程中的艺术处理，从而使艺术家对客观事物的真实情感得到全部彻底宣泄。美术艺术可以采用静态的艺术手段来呈现所要表达的典型形象，并且将视觉上的审美感受和触觉上的审美感受通过在电影的造型艺术之中表达出来，充分体现出造型艺术在电影中得到了广泛的应用。因此在某种意义上来讲，电影艺术是对造型艺术的升华。它的存在方式是以动态和立体形式表现，并且与时间上的惟一性相结合，形成了在空间上的三维性。造型对影片来讲十分重要，要求也很高，特别是对于3D电影来讲，造型必须具有更加严格的要求。因此电影造型必须使用美术的艺术手段对其进行创作，它不但能够使虚幻的艺术形象得到呈现，还能够呈现以往的艺术形象，并且还能够对将来的艺术形象进行预测。所以说，电影艺术不仅给美术艺术提供了发展平台，而且还针对美术艺术的要求也提出了越来越高的标准。场景造型和人物造型是电影造型的两个最基本的艺术形式。尤其是对塑造电影的典型人物形象具有深刻的意义。比如《喜羊羊与灰太狼》这部动画片，就应用了写实的美术手法，美术造型为这部动画片带来了很大的成功。再如《满城尽带黄金甲》这部电影，影片中传统的建筑结构、传统的布景造型以及形象的人物特震撼，都为这部影片的成功助了一臂之力。

（二）色彩在电影中的应用

在电影中色彩元素的应用是必不可少的一种艺术手段，电影一旦缺了色彩的应用，电影作品的生命将不复存在，可见，色彩应用对于电影来说意义重大。色彩是一种无声的语言，它在对电影的主题和典型形象的情感表达方面往往能够起到“此处无声胜有声”的巨大作用。导演将色彩在电影中恰当地应用能够使自身的情感世界得到充分表达。色彩可以对典型环境的气氛和典型人物的性格进行烘托，从而使受众产生强大的共鸣，比如象征轻松、愉快和活跃、稚嫩等常常使用黄色；象征热烈、温暖和激情等常常使用红色；象征安宁和平静等常常使用绿色。在电影中，通常会采用统一的基调来提高电影的整体艺术效果。比如在张艺谋的电影中，通常都会科学合理运用色彩，将色彩的作用发挥到极致，给观众前所未有的视觉冲击。比如《红高粱》这部电影，就是色彩运用的典型作品，其为观众展现了一个唯美的红色世界，象征着顽强的生命意志，体现出了一种敢做敢为的态度。影片中的红色冲击着广大观众的视觉，给观众朋友们一种热血沸腾的感觉。再如黄土地、红高粱这些具有我国特色的东西，都引起了观众的共鸣。

（三）光影在电影中的应用

光影是电影美术师通过研究观众对光的敏感度，并通过光源调整创造的电影意境，通常能够起到令人感动或者令人害怕，甚至是令人恐怖的效果。电影中的光影虽然是无形的，但是如果能够科学利用，往往能够起到意想不到的艺术效果。电影美术师通过利用光影不仅能够烘托出一种特殊的气氛，而且还能够实现导演创作意图。当今，随着科学技术的发达，光影在电影中得到了广泛的应用。光影对于一部电影能否成功已经起到举足轻重的决定性作用了。因此，电影离不开光影艺术的应用。特别表现在影片后期制作中，光源的调整，意境的创设，都促进了电影风格的多样化发展。诸如将白天设计成漆黑一片，将酷暑转变为严寒。例如《英雄》这部电影，色彩以红、白、黑三种色调作为基本色调，而调和色使用灰色，使用这样的光影艺术对电影情节进行烘托，使情节更加波澜起伏，从而使整部影片色彩和谐、典雅。光影在电影中的应用，不仅能够实现色彩、情节和画面的融合，而且能够将故事人物的性格烘托出来，使得艺术效果大为增强，将美术在电影艺术中的重要意义彰显出来。

三、电影艺术对美术艺术的作用

（一）电影促使美术作品得到多角度的欣赏

电影美术师将美术作品通过艺术处理以后应用于电影之中，从而使美术作品达到电影艺术化。通过艺术加工以后的美术作品明显不同于普通美术作品了。电影美术师经过了摄影与剪辑工作之后，美术作品就从静态转变为了动态，而且能够实现画面在运动过程中的时间控制，并且呈现出二维绘画实体至三维空间实体转化，这就是电影中的造型元素。美术艺术从静态画面转变为动态画面，从空间转变为时空，而且能够实现任意组接。此外，美术艺术在经过电影创作组的创作之后，成为二次创作的产品，同时经过了摄影组的工作，又成为二维画面，这便成为电影中美术艺术的独特元素，实现了观众的多角度欣赏。

（二）电影对美术作品起到保护与传承的作用

美术作品的存在往往是独一无二的，惟一性特征明显。但是由于受到了诸如时间、保护方法、战争等因素的影响，美术作品的惟一性往往经受不同程度的影响，对于纪录片来说，尤其是那些美术纪录片，它的产生为美术作品提供了更为崭新的存在形式。因此， 电影对美术作品起到保护与传承的作用。例如影片《毕加索的秘密》，是一个十分典型的案例，它对美术作品进行了保护。这部电影属于美术纪录片的代表作，它使用特殊的艺术手法将毕加索创作的详细过程进行了记录，尽管这部影片中的绘画没有惟一存在，但是复制品也可以说赋予了原作品一种新的存在形式。也正是因为如此，《毕加索的秘密》这部电影成为法兰西的国宝级作品。

四、结 语

美术艺术具有悠久的历史，将结构、色彩以及线条作为基本要素，通常采用静态方式表现动态场景，与美术艺术相比较，电影艺术是崭新的，电影艺术属于动态艺术，通过画面的运动与时间的引入形成电影，其不仅具有四维空间性，而且还具有流动性与造型性。电影和美术的内在联系是天然存在的，美术是电影的母体，为电影的产生、成长和发展提供了无限的营养和动力，可以说美术是电影的生命，同时，随着电影艺术的不断发展，人们可以通过电影从多方面欣赏美术艺术，在一定程度上也促进了美术在电影中的发展。

[参考文献]

[1]霍九江.电影美术与电影的辩证关系解读[J].电影文学，2011（14）.

[2]于丹.浅谈电影与美术[J].电影文学，2012（10）.

[3]单伟.美术与电影之间的内在关联性研究[J].电影文学，2012（21）.

[4]顾永鑫.谈美术对电影的作用[J].世纪桥，2010（17）.

[5]陈安健.张国辉.美术与电影的艺术交融[J].电影文学，2011（05）.

[6]秦婕.当代美术与电影的辩证关系解读[J].电影文学，2011（24）.

[7]詹小英.电影与美术的艺术联系探析[J].大舞台，2012（09）.

[8]吴鹏.电影美术在电影中的应用刍议[J].电影文学，2011（20）.

篇5

杰夫・沃尔在世界摄影界具有不可撼动的地位，其摄影艺术风格的独特，带给人强大的视觉震撼。从艺术学的角度上来说，杰夫・沃尔创作的摄影艺术作品具有强烈的艺术感染力，在艺术接受的过程中，以观念摄影形象深深打动人，具有典型的艺术美。对杰夫・沃尔的摄影艺术风格进行研究，能促进摄影事业的发展，在摄影界具有重大的研究价值。

本文从杰夫・沃尔的人物介绍及其艺术成就出发，对杰夫・沃尔进行简要的介绍，再以具体的艺术作品为个案研究深入分析杰夫・沃尔的观念摄影艺术风格，最后总结杰夫・沃尔的摄影艺术风格对现今摄影界的启示。

关键词：杰夫・沃尔；观念摄影；艺术风格

绪论

随着当代摄影技术的不断进步，对一件优秀摄影作品的要求，并不单单以摄影技术高超作为评判标准，而是加入了“艺术思想”作为一种更高的追求。每一件优秀的摄影作品当中都应该含有深刻的艺术意蕴，也就是蕴含在艺术作品中深层的含义和意义，杰夫・沃尔作为摄影界观念摄影家中最具影响力和代表性的人物之一，其观念摄影艺术风格值得我们深入研究。本课题以“杰夫・沃尔的观念摄影艺术风格”为研究对象，用文献调查法、个案研究法、观察法等作为研究手段，深入探析了杰夫・沃尔的摄影艺术风格，在摄影界具有重大的研究价值。

关于“杰夫・沃尔的观念摄影”，在国内外不同时期都有不同的研究。本人认为，对“杰夫・沃尔的观念摄影艺术风格”的探析可以促进国内外观念摄影艺术的发展。在摄影技术越来越发达的今天，西方摄影界首屈一指的观念摄影家打破了传统摄影固化的摄影艺术手段，以“艺术观念”为核心创作摄影作品。本课题以探析“杰夫・沃尔的观念摄影艺术风格”为目的，在我国摄影界具有重大的理论指导和实践指导意义。

1杰夫・沃尔的艺术成就

1946年出生于温哥华的杰夫・沃尔，是加拿大首屈一指的摄影家，以观念摄影为主，在摄影界具有极强的影响力和强大代表性。杰夫・沃尔对艺术的狂热追求使得他始终和别人不一样，一直保持着学习和探索的状态，杰夫・沃尔的艺术成就可谓非凡。1978年创作出摄影作品《遭洗劫的房间》、1984年创作《牛奶》、1985年创作《谩骂》1991-1992一直着力创作《死亡路上的对话》，这些艺术作品是杰夫・沃尔最具代表性的，都给人强烈的艺术感染力，在其特有的观念艺术思想下，将摄影界的观念摄影推至一个新的境界。不仅如此，杰夫・沃尔不断创新摄影手法和内容，他的成名作《遭破坏的房间》是采用灯箱式操作，而其后作品《画面具的人》、《更衣室》等的艺术创作手法及流程采用电影式拍摄，但其摄影作品内容皆奇异可观，与前人有很大的不同，且含有深刻的艺术意蕴，耐人寻味。杰夫・沃尔在艺术形式和内容上的创新给予摄影界的整体发展和提高一点启示，其非凡的艺术成就也为西方摄影界添加了熠熠生辉的不灭之光。

2浅析杰夫・沃尔观念摄影的艺术风格探析

2.1“绘画”艺术风格

借鉴与融合不是一模一样的照搬，而是对艺术的重新演绎和再创作，杰夫・沃尔观念摄影的“绘画”艺术风格表现为对绘画艺术作品形式和内容上的借鉴，这种借鉴在其摄影作品《遭破坏的房间》有最深刻的体现。杰夫・沃尔在这个作品得到画面里，房g里的破裂床、掀翻的家具、撕毁的衣服等的摆放都是被安排的，而不是原本真实散乱的房间，让人可以想象到这场景背后的暴力。这与传统的纪实摄影有着极大的区别，杰夫・沃夫走上了一条观念摄影的道路，跟后现代画派风格类似，其艺术作品展示的内容让人有广阔的联想空间。“这件于1978年推出的作品《被毁坏的房间》，成为他新的开端；当时这件作品在温哥华诺瓦画廊的店面橱窗中展示时，形成一种强有力的磁场，将路人从商业性的橱窗展示中吸引过来，驻足凝视；可以说，这件作品将一间卧室的内部毫无遮掩地展示在众人面前，这张照片以前所未有的电影或电视的手法―――摆拍，成为沃尔此后大部分作品的一大特色”①。

人为设计的场景被灯箱操作使得《遭破坏的房间》成为一部具有深刻艺术意蕴的摄影作品，最耐人寻味的是这部作品与德拉克洛瓦的名画《萨丹纳普拉斯之死》②有着千丝万缕的联系，在场景设计和寓意上有有着高度相似。可以说，杰夫・沃夫借鉴了《萨丹纳普拉斯之死》的内容和形式，绘画和摄影的结合，这是艺术门类之间的融合，这种融合将推动艺术的发展。再如，其后的摄影作品《女人像》则借鉴了印象派大师马奈的名画《福列斯・贝热尔酒馆女招待》，其场景设计和寓意上也有着惊人的一致，借鉴了其内容和形式，只是画面中若有所思的女招待被一个站在空荡的摄影棚里的女人所替代了，同时摄影棚的女人与摄影者的眼神交错在一起。杰夫・沃尔用摄影独特的语言将他所在马奈作品中所探索出的东西在作品中展现了出来。

杰夫・沃尔曾在访谈中表示，他认为绘画时代和摄影时代一直是联系在一起的，也就是说摄影继续着摄影发明以前绘画所做的事。在这个意义上，摄影一直在模仿绘画。摄影模仿绘画，而且必须如此。因此，杰夫・沃尔的很多灵感来自绘画，“绘画”艺术风格让其摄影作品开出一朵朵因美丽的艺术之花。

篇6

一、 影像动画艺术的普及化发展概述

影像动画艺术之所以能在电影媒介中得到广泛运用并非偶然，若从专业角度来看，电影与动画的都是以定格画面为基础发展而来的视觉化艺术，而且在影视动画艺术前期发展中，影像动画的镜头组接与剪辑手法与电影创作依然有着众多相似之处，加之影像动画的普及化发展是建立在电影媒介基础之上的，使影像动画艺术创造与电影媒介有着密不可分的内在联系。

（一）影像动画艺术的发展脉络梳理

翻开历史篇章，影像动画的早期发展是在维多利亚时期，魔术幻灯、西洋镜可作为影像动画的前身，多以实时影像为主，但无法存储的弊端使其难以得到普及发展。进入20世纪以后，电影媒介走进人们的日常生活，摄影、胶片技术的诞生，为影像动画翻开了新篇章，手绘、逐帧拍摄等创作手法成功克服了影像动画艺术不可保存的弊端，使大量优秀的作品走进了人们的生活。迪士尼公司创作的白雪公主、唐老鸭、米老鼠等动画形象也成为数代人铭记终身的经典，而这一期间内国内动画艺术创作也有《葫芦娃》《小蝌蚪找妈妈》《大闹天空》等大量优秀作品。在科技创新的推动之下，计算机网络技术在为人们的生活日常带来更多便捷之时，该项技术也为众多艺术领域注入了新的活力，影像动画艺术就是其中之一。在数字化媒体时代，影像动画的创作发生了质的变化，除传统二维平面动画以外（即传统动画），3D技术的融入使影像动画的视觉冲击力更强。

（二）影像动画艺术与电影媒介的不解之缘

尽管影像动画艺术发展起源已有上万年的历史，但若深究其发展脉络，影像动画艺术的普及化发展应在20世纪，期间大量优秀的影像动画作品倍受大众喜爱，而推动其发展的正是电影媒介。电影作为最早的动态视觉化传播媒介，众多艺术门类在其早期视觉化发展之中都在尝试利用电影媒介来对自身进行推广，影像动画艺术就是其中之一。迪斯尼成立以后，为迎合大众的观影习惯，1928年迪斯尼以电影表现形式创作了首部长篇动画电影《白雪公主》，从此拉开了动画电影的发展序幕。1935年到1955年期间，迪斯尼公司还利用电影的创作思维创作了大量优秀的动画电影作品，如闻名于世的《三只小猪》《花儿与树》及米老鼠系列动画电影，其中米老鼠系列动画电影还荣获了1952年奥斯卡金像奖，也使影像动画与电影结下了不解之缘。[1]

二、 解析影像动画视觉表现手法的独特魅力

纵观影视动画艺术的发展脉络，我们不难看出，影像动画艺术的普及化发展道路是建立在电影艺术发展之上的，无论是美国迪士尼公司所创作的大量优秀影像动画作品，还是国内早期所创作的《小蝌蚪找妈妈》《大闹天空》等影视动画作品，电影媒介都是影像动画艺术的首选载体。但若从表现手法及创作角度来看，影像动画艺术创作的视觉表现有着其独特之处，尤其是进入数字媒体时代后。经众多影像动画创作大师的辛勤付出，如今的影像动画艺术创作已日渐成熟。鉴于大众对于电影媒介的普遍认可，影像动画艺术的大量作品的传播推广依然离不开影视媒介的支撑。综合近期几年影像动画艺术的发展来看，其视觉表现手法的独特魅力主要体现在以下几个方面：

（一）色彩运用更为丰富

色彩基调是众多通过视觉来表现的艺术门类必须考虑的要素之一，在影像动画艺术的创作过程中，色彩基调是创作大师们优先考虑的环节。在影像动画的发展之中，动画作品的创作都是通过手绘方式实现的，对于创作者的美术功底要求较高，但也为其带来丰富的创作空间。例如，在我国早期的影像动画作用当中，《大闹天宫》在色彩基调的把控上就具有自身独特的魅力，创作者在绘画时，不会过多考虑外在因素限制其主观思想的情感表达，可充分发挥自身想象力进行色彩搭配，大胆的用色不仅使得该部作品具有浓厚的民族气息，也使画面更具冲击力与想象力，主要人物孙悟空看似随意红、黄搭配堪称类似人物创作的经典配色，2015年上映的《大圣归来》在孙悟空人物的创作的，配色上依然传承了我国早期影像动画创造经验，除此之外2016上映的《大鱼海棠》不仅故事题材取自我国古典文化《庄子・逍遥游》，其色调基调的搭配也极具中国传统文化特性，在推动国内影像动画产业发展的同时，也向世界展示了中华民族传统文化的魅力。

（二）人物造型更具个性

人物造型是话剧、歌剧、电影、电视、动画等众多艺术门类在创作之中都需涉及的环节，但多年的发展实践表明，影像动画的人物造型是众多艺术门类之中最具有个性化的。例如，近期上映的动画《冰川时代5》的人物设计当中，突破客观事实的、拟人化的人物造型方式为都体现影像动画在人物造型中独特的魅力与优势。纵观影像动画的发展历程，在多年发展之中米老鼠、唐老鸭、多啦A梦、汤姆与杰克、大力水手以及中国近期动画所创作的喜羊羊与灰太狼等众动画人物形象，在为人们带来欢声笑语的同时，典型化、个性化人物造型所折射出的深刻蕴意也时常引起人们深思，引发人们思考更多关于人性的问题，达到进化人们思想的作用，例如《海底总动员》中小丑鱼对自由的渴望、《怪物史莱克》对爱情的追求以及近期《大圣归来》的孙悟空对善的追求、《摇滚藏獒》中波弟对音乐的执着等优秀影像动画作品人物，不仅在人物造型方面极具个性，所宣讲的真、善、美也值得大众学习。[2]

（三）动作设计更为夸张

我们不难看出，“运动”在影像动画视觉表现中的重要性，加之影像动画艺术创造不会受到客观现实的制约，为此，在动作表现上影像动画创作依然具有自身的优势。例如在家喻户晓的《猫和老鼠》影像动画之中，该部作品大量引人发笑的场景设计源自于汤姆追赶杰克的戏份，创作者则充分利用影像动画在视觉表现上对“运动”的独特优势，天马行空的追逐画面极具创意。伴随数字化时代的到来，影像动画艺术在动作设计上的独特优势又再一次得到体现，例如在《功夫熊猫》《小黄人》系列、《冰雪奇缘》《冰川时代》等众多在数字媒体时代所创作的影像动画作品，各种人物的动作设计视觉冲击力较强，极其容易调动观众的情绪，让观众感受的观影的乐趣。

三、 影像动画艺术表现手法在电影媒介中的巧妙运用

尽管影像动画艺术与电影媒介已有较深的内在联系，但鉴于两者视觉表现手法上的差异，也使得的影像动画艺术与电影存在本质上的区别。电影的本质在于利用摄影机的照相功能对现实社会中客观存在的事物进行真实性描述，为观众展示的是特定的人、特定的环境下所发生的事件，一部优秀的电影作品在充分还原现实生活的同时能给予人们心灵的慰藉；影像动画则不同，动画的创作手法决定影像动画作品是艺术与技术的有机结合，其艺术性体现在视觉的表现上，影像动画艺术能给予创者更多创作空间，可将小说、文学、音乐、传统绘画等众多艺术表现形式融入其中，所创造的作品既可是对现实生活场景的还原，也可是创作者自身想象的、假定的场景。从创作角度来讲影像动画艺术在视觉表现上具有更多的优势，致使影像动画在利用电影媒介进行传播之时，电影创作者们也在通过不断的尝试将影像动画的视觉表现手法运用到电影作品的创作当中，其中主要体现在以下几个方面：

（一）电影创作对动画视觉表现风格的借鉴

鉴于影像动画在视觉表现上的特殊魅力，电影在发挥自身媒介功能对其进行传播之时，电影创作者们在视觉表现上也逐步尝试引入影视动画的视觉表现手法将之融入到电影艺术作品的创作之中，其中也有大量较为优秀的作品值得电影创作者们学习与借鉴，例如昆汀・塔伦蒂诺在电影《杀死比尔》，在视觉表现上就运用了大量影像动画的视觉表现手法，不仅使得影片的打斗场面更加宏伟，也使得该片的整体风格更加新锐；除此之外，《罪恶之城》系列电影也在制作中运用了大量影像动画艺术的视觉表现手法。[3]从题材上来看，《罪恶之城》改编自弗兰克米勒同名漫画，为此在视觉表现上该片在拍摄之时也创新式的融入了影视动画的视觉表现手法，个性化的人物设计，夸张的打斗场面以及突破常规的用色，使该片在大众心中留下了深刻印象，还在世界各大影展上荣获4大奖项与12项提名优异成绩。

（二）将影像动画人物运用到实景拍摄当中

将动画人物运用到实景拍摄当中，也是近几年电影拍摄常用的手法之一，尤其是在3D技术与CG技术快速发展的今天。在电影的早期发展之中，还原真实场景是电影创作的主要表现形式，但伴随电影的多样化发展，电影涉及种类也日益丰富，除剧情片、动作片以外，科幻题材电影深受大众喜爱，在国内电影市场当中还有以我国传统神话故事为主题拍摄的电影。早期的电影拍摄，一方面由于缺乏相关技术上的支持，另一方面在视觉表现手法上缺乏创意，很大程度上限制了该类电影的发展。如今科技创新日新月异，在相关技术的之下具，有前瞻性思维的新锐导演也在尝试将影像动画人物运用到实景拍摄当中创作手法来制作电影。虽然《海底总动》《玩具总动员》等电影当中观众都会看见真实拍摄场景，但将该种视觉表现手法运用得较为成熟的电影，应属在2015年上映的《捉妖记》，该片核心人物之一――胡巴就是采用较为典型的影像动画视觉人物造型设计出的人物，将其运用到实拍场景当中虽然具有一定难度，但在制作团队的精心设计之下也使得的该片成为2015年上映的热门电影之一，创下了24亿元票房。[4]

（三）利用动画视觉表现手法制作专场镜头

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【关键词】电影艺术；美学特征；传统文化

创作电影，其实也是在创作美的艺术。观众对电影艺术的欣赏，实际上就是对“美”的艺术形象的感知与领悟。美既是人生命追求的意义所在,也是人对于客体的一种价值判断标准。在人类生命的意义与价值中,电影艺术的“美”占据极其重要的地位。电影艺术使观众在精神领域中获得审美的愉悦和生命价值的满足。这就意味着，要求和衡量电影艺术要用美学理论的标准来进行。电影理论全面、深入发展的突出表现是电影艺术美学特征的完美呈现，同时，电影艺术的美学还是对电影进行思考的一种方式。研究电影艺术美学特征时要把这种思考方式牢牢掌握，进而提高受众在电影艺术创作和欣赏时的自觉性。为中国电影的创作和发展做出巨大贡献的电影人张艺谋，根植于中华民族的传统文化，通过镜头语言与民族传统美学的有机融合，使得他的作品充满哲理的思考和诗情画意的美感。

一、电影艺术：电影与美学的有机融合

生活是由一个个社会现象组成的，生命的终极追求在于透过生活获得美的真谛，也就是说要通过研究表面现象去追求本质。电影是通过再现生活场景来传达思想和传递情感的。本质和现象缺一不可，两者的结合成为电影艺术存在的现实依据。可见，电影艺术是电影与美学两者之间的完美融合。电影有助于美学确定自己真正的研究对象,并以此为依据深入发展；美学有助于电影更加深入地探究画面与声音等现象，也就是更加深刻地理解电影的真正内涵。每种艺术都有自己独特的表现方式和不同的物质载体，以拍摄电影为例，电影艺术是运用摄像镜头来展现的。电影通过摄影机拍摄下来的一个又一个的具体镜头来反映生活，表现在银幕上则是欣赏者最直接的欣赏、审美对象。电影的一个镜头包括连续的一组画面，制作者根据分镜头剧本内容，采取不同的方法拍摄，得到许多不同长度的镜头画面，再按照一定的艺术构思把它们剪辑组合，并配以音响效果，影片即摄制完成。每个镜头的设计和创作都应遵循一定的美学原则。镜头中所包括的各种因素，从画面构图、光线配置、色彩运用到人物表演、节奏处理、音响效果等，都应具有一定的审美意义，使每个镜头在表现思想内容的同时，能产生一定的美感作用。摄影机的运动也同时实现了对镜头画面的自由驾驭，从而增强了画面的生命力和真实感，这也切实的论证了电影与美学结合综合表现艺术的重要性。中国电影一个世纪的风雨历程，给中国观众留下了不可磨灭的印迹。印迹的深处，正是中华民族独特的文化意蕴与风情神韵。张艺谋，作为中国当代导演中的代表人物之一，以专业的镜头语言作为主要的叙事工具，利用声音和画面的完美结合，并融入经典的民族文化和独特的美学思想，在有序的叙事情节中，实现一种饱含民族情感的审美愉悦和对传统文化的由衷赞美。

二、电影美学：电影艺术的审美性特征

美学是研究人类审美活动的科学。也就是说，美学的研究对象是审美现象。那么什么是审美现象？不同的时代，不同的地域，不同的民族观点不同，到现在也没有一个固定的答案。而电影理论家们认为电影是无须界定的。可见，美学家对待审美现象和电影理论家对待电影的态度有异曲同工之妙。所以，在研究电影艺术具有哪些审美特征时，电影受众的审美取向无疑是非常重要的。电影艺术的第一个审美特征是具有视觉呈现性的特点。因为电影总是用有视觉呈现性的画面语言来叙述故事的。所谓视觉呈现性，指的是电影所表现的东西必须是看得见的，能够被呈现在银幕上的。画面语言是电影特有的表现方式，它凝炼而又独特，是电影艺术特有的个性。电影艺术的第二个审美特征是具有色彩表情性的特点。比如，红色会让人联想到火焰，给人以温暖、热烈、热情奔放的感觉；黑色会使人联想到无边无际的黑暗，让人感到孤独、恐惧甚至绝望；而蓝色会让人联想到广阔的天空和浩瀚的海洋，给人以宁静致远的感觉。这些都是人类在生活实践经验中一点一滴总结出来的，从而赋予了客观的色彩以情感的内涵。色彩强烈的表情性，使得它成为电影艺术一个十分重要的抒情手段。电影艺术的第三个审美特征是接近生活,逼真自然。要求电影接近生活，不但是指外在现象的逼真,更指内在情感的逼真。有些电影过多的使用“巧合”、“偶遇”等情节，意在模拟再现现实生活中的真实情景，但其实这种表现手法往往是拙劣的，是最不真实的。电影能否真实的反映现实生活,归根结底取决于电影艺术家对待客观现实的根本态度。电影强调真实性，但并不意味着排斥艺术的“假定性”。反而有时候还常常借助这种“假定性”，来达到艺术的真实这样一种审美效果。只有牢牢把握了电影艺术的审美特性，再加上对蒙太奇手法的合理运用,对声、光、电、色彩、画面、音响、音乐等艺术元素与电影语言的有机组合,才可能创作出生动感人、深入人心的艺术形象，物化出具有丰富内涵的电影艺术作品。只有这样的作品才具有生命力和感染力，不但能吸引观众，更能感染和启迪观众，持续的发挥它的审美价值与艺术张力。张艺谋电影饱满的展示出其对于民族文化的理解和思考，这归结于他对中华民族传统文化的崇尚与继承。张艺谋提取中国传统文化中具有代表性的文化意象和精神气质，通过镜头、语言、画面构图和电影叙事语言等集中表现出来。张艺谋对我国的民族传统文化情有独钟，他不断地挖掘中华民族传统文化中的精髓，并移植到他的电影当中去。从他指导的电影《红高粱》可以明显看出，他在电影拍摄中通过一个个独特的镜头语言，凝练的呈现出民族传统文化中的经典影像或美感景象，带给受众美的享受。另外，从电影叙事的角度来看，他将我国传统文化中提炼出的美学符号化，并进行艺术放大和适度夸张，使电影画面所承载的叙事内涵不断加宽、加深，从而使影片具有强大的艺术张力和艺术感染力。

三、艺术影响：民族文化与美学的完美结合

每一部电影的成功，都标志着电影艺术的星星之火在逐渐燎原，电影艺术存在的最根本意义在于，影片本身在获得受众的肯定时，能够把其最精华的美学思想也传达给受众并传扬下去。出彩的电影如何能在变幻多样的大环境下获得成功与肯定，值得我们去深思。电影《英雄》是张艺谋拍摄的第一部武侠片，他的拍摄理念和制作原则依然深刻的体现在这部影片当中。张艺谋对民族传统文化进行挖掘与探究，并将中国古典文化进行了无限放大，在影片中形成了独具内涵的意象符号，将一部武侠片以“诗情画意”的方式表达了出来。影片将每段故事都用不同的色彩进行表现，最大限度地实现了张艺谋内心对于中国古典美学与叙事内涵的深刻解读以及完美表达。张艺谋的电影美学思想得到了观众的认可，让电影人看到中国民族文化与电影融合的更多可能。在影片当中，张艺谋展现了自己对于民族文化中色彩含义的理解和感受，他的电影美学思想也通过色彩完美地表达了出来。电影《英雄》叙事的主要工具是色彩，同时色彩也对于环境氛围的营造、人物情绪的表达和审美取向的引导起着及其重要的作用。影片中泼墨般的大量运用色彩来推动故事情节的展开，不同的色块分别代表着不同的主题、情感和内涵，而且这些颜色都能在我国的民族传统文化中找到对应的内在精神含义，这也显示出张艺谋对自然美学和中国禅意思想的深刻把握。视觉的冲击是最强烈的，人们在看到画面的时候，首先扑面而来的是色彩，色彩对于刺激并调动人的情绪和情感是第一性的。影片中如此大块的、夸张的色彩运用，无疑是张艺谋对于色彩运用的一种大胆尝试。探讨张艺谋电影艺术风格对中国电影的影响可以发现，他运用色彩为电影带来了一种艺术美的叙事风格，为电影注入了丰富多彩的美，为电影带来一幅幅精彩的历史画面和一种发现人、发掘人性的美。另外，张艺谋将武侠中的精神气度和神韵在影片中进行放大表现，使整个武打场面呈现出一种唯美和诗情画意，这深深体现了张艺谋的电影美学理念对于中国传统文化的继承与发扬。纵观张艺谋电影，从受众的观赏心理、审美取向、生活方式等角度分析，其中深具民族特色的普遍性规律存在。第一，在观赏心理方面，影片切合观众亲身体验，从影片营造的“现实生活”中观众能体悟到鲜活的生命力和丰富的人生感知。第二，在审美取向方面，张艺谋电影演绎民族悠久的历史故事、描绘民族浓郁的风土人情、展示民族独特的风俗民性，从而得到观众的普遍认同。

参考文献：

[1]金丹元.影视美学导论[M].上海大学出版社,2001.

[2]姚晓蒙.电影美学[M].东方出版社,1991.

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[关键词]电影美术；色彩；形态；风格；功能

色彩是电影艺术中重要的艺术语言，在电影美术中色彩有着广泛的运用，随着电影艺术的发展，电影色彩的重要性日渐凸显。通过色彩的多样化运用，可以营造一种奇特的视觉效果，产生强烈的视觉冲击力。在电影艺术中，色彩既是一种表现手法，也是营造影片艺术风格的重要途径，更是提升影片思想主题与精神境界的重要手段。与现实中的天然之色相比，电影艺术中的色彩更具有艺术性与视觉冲击力。本文首先阐释了在电影美术中色彩作用，对电影美术设计中色彩的表现形态和风格进行了探讨，并对电影美术中色彩的具体设计进行了研究，期望为相关的理论研究提供一定的借鉴和参考意义。

一、色彩在电影美术中的功能分析

在不同的电影情境中，色彩语言具有不同的含义，不同色彩之间的结合或转换，形成了电影艺术的色彩表达。色彩是重要的视觉语言，有着强烈的视觉冲击力，可以在第一时间抓住观众的眼球，在电影商业化的今天，色彩已经成为电影营销的重要手段。每个电影导演对电影色彩的运用都有着自己的理解，因而电影色彩语言的表达往往会产生差异，甚至会产生冲突。在电影艺术中，色彩的功能是多方面的，既有象征、心理暗示和形象识别等作用，又有渲染气氛、烘托主题的功能。

（一）色彩语言的象征功能

在不同的文化背景下，色彩有着不同的表情达意功能，这使色彩有着不同的象征功能，也使电影色彩艺术具有强烈的民族性和地域特色。如东方文化中，红色被认为是喜气和吉祥的象征，黄色是权威和高贵的象征，白色是不吉利的色彩；但在西方人看来白色是纯洁之色，是纯洁和美好的象征，红色、黄色是暴力和生气的象征。在电影艺术中不同的象征意义会产生不同的效果。中国古人尚红，认为红色能够表达出凛然正气和民族精神，张艺谋就认为红色是最具有中国民俗气息的色彩，因而他总喜欢用红色来表达作品的意韵。[1]在影片《英雄》中，红色的运用随处可见，残剑与如月身着红色长袍在红色的幔帐中穿梭，这种颜色似火似血，灼人眼目。此外影片《英雄》中，还大量使用了黑色和黄色，秦国尚黑，所以影片中的秦王始终身着黑色服饰，这与秦王宫殿的黑色浑然一体，既表现出秦王的自信，也体现了黑色的霸气与王者之气；黄色是土地的颜色，是中国的象征，在中国传统文化中是至高无上的色彩，影片中大面积黄色的运用增强了影片的民族文化特征。

（二）色彩的心理暗示功能

人们对色彩的理解是基于对现实事物的关注，人们可以从事物的颜色联想到该事物以及该事物的功能，所以，以事物的颜色来代表具体事物是一件顺理成章的事情，这就是色彩的心理暗示功能。色彩具有暗示功能的前提是事物的特质被人们所广泛认同的，其特质可以通过象征意义体现出来。同时，也只有在各种要素相互作用的前提下，色彩才会产生心理暗示功能。绿色是树叶的颜色，因而可以暗示着生命和和平；红色是血液的颜色，因而红色可以暗示危险和快乐；红色也是太阳的颜色，因而红色也象征着光明、温暖；黄色是金子的颜色，因而可以暗示着权威和高贵，等等。

（三）色彩的形象识别功能

在电影中色彩运用可以增强形象的真实感与生动性。从某种意义上来说，电影中一切事物反映在观众眼中都是一种视觉符合。人们通过对事物的概括、提炼得到事物的象征性符号，这些符号既是人们联想的桥梁，也是人们识别事物形象的色彩与符号。色彩语言可以增强这些象征符号的稳定性或代表性。事实上，在电影美术中色彩的运用需要将各种色彩语言融入电影的各个要素中，使之相互联系、相互影响，在不同的情境下形成电影艺术的色彩基调和整体风格，提升电影艺术的层次，升华电影的思想主题。

二、电影美术设计中色彩的表现形态与风格

电影中色彩的运用不只是为了表现事物的自然色彩，更在于表达事物的内在本质。在电影美术设计中，色彩具有美学意义并被恰当运用于电影之中时，才能称之为真正的电影艺术语言。

（一）电影美术设计中色彩的表现形态

色彩的表现形态是指电影艺术中各种色彩组合所体现出来的不同含义。色彩的表现形态主要有两种：色彩的总体结构和镜头的色彩结构。电影的色彩形态是由电影制作人在相互商讨的过程中形成的一种美学观念，也可以说，电影色彩形态是工作人员的观念形态。而电影中的美术色彩形态则是指美术设计师将不同色彩相互组合、变化后形成的电影总体色彩，这种色彩包括形色、光色和情景色。形色是指有物质作为载体可以触摸的色彩，如服装色彩、道具色彩、景物色彩等，这种色彩体现在电影中就是人为设计的背景色彩。[2]光色是指光线的综合作用下事物在电影中呈现出来的色彩，如镜头光彩、电影整体光彩，等等。情景色是时间、空间、语言等要素共同作用所形成的没有实物载体的一定情景的色彩表现，如时代色彩、人物心理色彩，等等，这些色彩形态的具体运用需要美术师认真把握影片的内容、思想、主题，并对导演的艺术构想进行分析。

现代电影美术更注重色彩设计的主观作用以及色彩对电影风格形成的影响。现代电影美术中的色彩设计具有很强的抽象性与象征性，能够表现生活中的喜怒哀乐、人物内心情感变化。如今，色彩已成为电影美术设计的一种基本视觉要素，是一种精神象征和追求。

（二）电影美术设计中的色彩风格

色彩风格是指色彩所呈现出来的面貌，是特定时代艺术家思想观念的外在反映，具有相对的稳定性。风格是多种因素在特定条件下共同作用中形成的。电影色彩风格是导演在长期使用色彩的过程中形成的稳定习惯，这种习惯的形成受导演的文化背景和色彩观念的影响。一个优秀的导演必须有自己的色彩风格，只有这样才能在色彩中表达自己独特的情感，表现特定的地域特色，体现电影的象征意义。文化背景对电影色彩风格的形成具有重要影响。如欧洲文化较为内敛，所以其电影多注重色彩的组织结构和细腻色彩的表达，色彩使用更具有艺术性和思考性；而美国文化热情直接，所以其电影色彩风格较为华丽；中国文化讲究中庸，所以其色彩风格在一定程度上也较为中庸。

导演自身的色彩观念对电影美术设计也具有重要影响。在不同环境中长大的人会具有不同的性格、不同的知识结构和文化背景，导演也是如此，这些因素往往会使导演形成不同的色彩观念和电影色彩风格。如著名导演张艺谋、冯小刚等总是喜欢将色彩与影片故事情节相融合，以此来表现独特的电影色彩风格。

三、电影美术中的色彩设计研究

（一）各种电影元素的融合

故事情节是展现电影魅力的重要内容，只有感染力很强的故事情节才能打动观众。电影中故事情节都是导演精心设计和安排的，但仅仅有故事情节还不足以深深地吸引和打动观众，还必须将电影故事情节置于一定的环境中，并对人物形象进行深加工，通过电影美术设计使色彩真正融入电影之中，增添电影与美术的韵味和诗情画意。

优秀的影片离不开美术，因为电影美术能够将情与景有效地融合在一起。[3]如在影片《集结号》中，电影的上半场以黑白画面为主，白色的雪花与黑色的环境共同营造出一幅诡异的画面，给人强烈的精神震撼；后半场画面转为鲜艳的黄色和绿色。无论是黑白画面还是黄绿画面都属于美术范畴。此外，影片中的灯光、道具的设置都蕴涵着美术的意味，可以为影片增色不少。

（二）为影片营造强烈的美术效果

电影中的美术设计不仅需要与影片的主题相一致，还需要将影片的内在精神发挥到极致。这样的美术设计无论在整体上还是在局部上，都经得起揣摩，不仅可以在影片中找到自己的契合点，也能够更好地为电影艺术服务。如影片《集结号》为使观众体验当时的情景，真实地感受到战争的残酷，影片在人物造型、服装道具、性格特征、画面镜头等各方面都进行了恰当的色彩处理。如服装的色彩必须符合时代特征，使人物在性格上符合踏实、朴实的军人特征。虽然电影与美术存在诸多差异，但在影片《集结号》中，美术设计师却将色彩运用渗透到了演员性格之中，找到了电影与美术之间最佳平衡点，既塑造出了朴实自然的人物形象和性格，也传达出了最真切的影片信号，更带给人强烈的视觉震撼与冲击，而这些都与电影美术设计分不开。

（三）烘托影片主题

色彩作为一种视觉元素，进入电影的最初目的只是为了复制百分百的天然物质颜色。从彩《红色沙漠》开始则突破了这种限制，导演以色彩来表现人物内心世界，并且期望用色彩来创造一个特殊的现实，这些都显示了导演对现代文明的思考，从而使色彩成为展现人物内心世界、渲染影片气氛的工具。[4]而这种使用影片展现人物内心世界的手法也被许多导演模仿和使用。美国影片《爱情的故事》中就通过使用灰色这种忧伤的色彩，奠定了影片的基调，烘托了影片主人公凄美的爱情故事；影片《巴黎最后的探戈》中色彩的运用给观众留下了深刻的印象。整部影片以象征疯狂欲望的黄色为主色调，扩展了影片的内涵。国产电影《英雄》的感人之处，不在于故事情节的跌宕起伏和曲折离奇，而在于精致典雅的细节描写，画面与色彩的视觉统一。如通过人物服饰色彩的不断变化来反映人物内心情感变化。整部影片几乎就是通过色彩的不断改变来讲述动人的故事，色彩的艺术性在该影片中得到了淋漓尽致的发挥。

在电影艺术中色彩既是一种造型手段，也是一种视觉语言形态。色彩不仅可以对影片主题进行说明，增加影片内容的寓意性，而且还具有表情达意等丰富的艺术意蕴。如果表现力丰富的色彩不能正确运用，会产生喧宾夺主的现象，影响影片的视觉效果。由此可见，只有色彩与影片融为一体，形成色彩结构，使色彩成为影片内容，才能使色彩的意义真正得以体现。

[参考文献]

[1]刘玄.从《金陵十三钗》看张艺谋电影的色彩[J].电影文学，2012（15）.

[2]周登富.电影《英雄》的色彩构成设计[J].北京电影学院学报，2003（03）.

[3]李波.中国电影美术美学研究发展透析[J].电影文学，2012（17）.

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【关键词】网络电影;电影形式;影响

中图分类号：J901 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2015）01-0084-01

随着科技与社会的进步，网络电影应运而生。网络电影的主要特点是针对网络的传播特性而进行制作，并且通过网络播出。网络电影在制作时具有鲜明的个人化特征，能够表现出个人化的内容。网络电影对电影艺术的影响，主要表现在以下几个方面。

一、反类型化的题材选择

传统的电影是为广大人们服务的，具有公共的性质;电影制作完成之后要进入电影院进行播放，所以需要满足广大的公共群众。比如说，根据美国好莱坞的预演制度，电影在播放前就会邀请一部分观众前来观看，并且会根据他们的意见及态度来修改影片中人物的动作、语言、神态等，有时甚至还会调整故事的结局，主要是由于观众的喜爱决定了电影发展的形式与类型。类型电影发展到最后就会变成商业化的产物，因为市场上所需要的类型无形中就决定了在创作所需要遵守的公式化的创作原则，即典型的人物、典型的情节、典型的故事线索等等。网络电影改变了电影的艺术形式，使其在创作时走向大众，是对社会个性化的展示，这样在很大程度上也就决定了其与商业电影对观众审美要求的迎合有着本质上的不同。网络电影追求的是个性化的完美展示，它没有来自票房的压力，完全是个人对于艺术的追求，更加注重个人在生活上的感受。因而，网络电影在题材上的选择突破了类型化题材的选择，对于电影艺术形式产生了积极的影响，而网络电影本身更是表现出了多样性的特点。

二、出人意料的情节设置

网络电影对于电影艺术形式的影响还表现在出人意料的情节设置上。比如说，网络电影的反转结局在设置上就会让人意想不到，在结局、新颖的情节化这些设置上都会让观众与大量的网友喜爱，这种反转式的电影其实就是反转剧的另外一种表现形式，而反转剧来源于韩国的一种较短的电视剧形式。在韩国最为流行的不是他们的电视剧而是综艺节目式的短片，每个故事大约有45分钟左右，每个情节是由两个故事组合而成的。在这个短剧中，韩国演员们一般都会使用自己的真实名字，会在现实与虚拟世界中不断地转变着自身的角色，虽然每个人的故事是独立的，但是最终结局往往出人意料。追求个性化是人们向着更高层次生活的追求，网络时代的到来伴随着人们生活水平的提高，在基本需求得到满足后，人们就会有更高的追求，而网络电影就是其中一个表达自身个性的很好的渠道。

三、在线互相交流与快乐审美

网络电影具有开放式的特点，网友在线就可以进行交流，网友们也可以根据自己所需要的剧情进行更改与探讨，也可以对自己喜欢的角色进行讨论。比如说网络电影《见光的爱》讲叙了一个三角爱情故事，时长约40分钟，分为4个部份，9个片段，而网友可以自己选择电影情节的变化，由此网络电影就会体现多结局、多选择的特点。网络电影的开放性特点在一定程度上给电影观众更多的主动权，这样就会让观众根据自己的喜好欣赏自己想看的影片，自己可以控制审美客体，而不是被客体的审美控制。网络电影的开放性也会影响电影艺术形式，让电影的形式变得多样化。参与让观影成为一种主动，也让审美成为一种创作。

网络电影在创作时较为自由，可以让网民们自己在创作的时候享受到快乐，没有票房的压力，就不会限制自己的创作思路。无厘头的手法可以说是网络电影的一大特色，随着网络电影的发展，无厘头的手法也成为电影中的一大特色。以《小强历险记》为例，这部影片中几乎是没有任何特效的，完全是用玩的心态来进行创作，同时为了能够达到喜剧的效果，其语言非常幽默。

在影片的时间设置上，网络电影也拥有着很大的自由度。传统的电影叙事远比网络电影要复杂、冗长，而对于现实社会的“快餐文化”的观影氛围，讲究效率与快节奏是受众的首选，因此网络电影这种叙事更具备吸引力与挑战性。

四、结语

总之，随着社会的发展，网络技术的进步，网络电影的应运而生使电影艺术的表现形式发生了变化。网络电影的追求快乐，充分体现出人的个性化。网络的本质是自由的，网络的电影同样也是自由的，可以让观众们更自由地进行欣赏与评论，可以说是网络电影的平民化。网络电影对于世界电影的发展也起着促进作用，更是对电影艺术形式有着深远的影响。

参考文献：

[1]刘杨.微时代的电影形态――微电影艺术形式的理论思考[J].艺苑，2014（3）.

[2]佘醒，房远.西方绘画表现形式对电影艺术的影响[J].安徽工业大学学报，2010（5）.

[3]邓裕.网络信息化对电影艺术的影响[J].电影文学，2008（1）.

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美术设计与电影艺术的关联性探究

1.艺术表达方式的关联

美术艺术和电影艺术的表达方式的不同是不能仅仅从字面含义上去理解的，要综合运用辩证法以及对立与统一的方法，只有这样才能更有效地利用电影与美术的表达方式上的不同来舍弊取利，达到美术艺术和电影艺术的有效结合，创造出不同的艺术效果。美术的创作主要是依靠不同的画笔、画纸等工具，综合运用美术的基本元素即线条、色彩和结构等来表现，它的表达方式是在平面上的且是静止不动的，而电影艺术则是一种具备了时空性和流动性的艺术表达形式。美术艺术在电影艺术中的应用表现就是在造型、色彩和光影等的使用上，美术使电影更加具有色彩性和艺术化，而电影则是动态性地把多个静止的美术画面转换成动态的、连续的影片。

2.二者特质的内在联系

美术和电影在时间和空间观念上具有共同的特质，美术的创作理念和表现手段为电影的创作和拍摄做了最基本的铺垫，是电影进行创造性拍摄的艺术源泉，也是电影的载体。在人们的审美需求逐渐转向更高层次的当代，美术艺术和电影艺术是同源异流的两种具有紧密关系的艺术表现形式，是动静结合的统一体，能使人们从简单的纸上文字转化为在实际时间和不同时空里的审美。电影与美术艺术都具备观赏性，美术艺术是在二维空间里表现时空观念所变换的艺术场面，而电影能将时间和空间的流动性表达得更加形象生动。美术借助电影艺术和电影特有的电、光、声形式而使其艺术魅力得到空前升华；电影因美术的线条、造型、色彩、渲染等各种艺术元素而更加年轻、富有生命。总体来说，电影艺术和美术艺术一样，都是把人们对现实的美好向往和对时代的审视、历史的回顾和未来的憧憬都表现得淋漓尽致。

美术对电影的作用

电影发展到今天，它是借助先进的电子技术、机械技术，并综合了各种艺术表现手法而日趋成熟的。但美术与电影是密不可分的，电影的发展是以美术艺术为基础的，美术也依然是电影构架的基本元素。电影美术师就是专门为影片的造型进行设计和制作的美术创作。

1.美术是电影的基础

电影是用整体连续的画面、光影与色彩表达来构建其独具特色和丰富新颖的艺术表现与视觉效果的，它将动态的照相技术与幻灯有机结合起来，发展成为一种现代的艺术形式，将空间与时间的艺术想象通过音效与画面展示在荧幕之上。电影将美术绘画这一静态的人物及事物的画面转变成为一种动态的表现形式，它是美术发展到一定程度之后派生出来的产物，其构架的基本元素是美术，是集合了视觉、听觉等各感官的一种综合性的艺术。电影的发展是建立在对美术的关注、重视以及发展之上的。一部电影，首先展示在人们面前的是它的画面，这就少不了美术的影响，除了优秀的故事情节以外，整体的美术视觉感观在电影中起到很大的作用。许多优秀作品都具有让观众心里为之震撼的唯美的画面，许多影片中画面与气氛的表现全都是以美术的艺术元素为基础形态的。美术在电影制作中占有举足轻重的地位，是电影生产的关键环节，是电影艺术的最基本元素。

2.美术是电影形象的艺术性和典型性的保证

电影首先展示给观众的就是人物、景物等形象，形象是电影艺术中最基本的因素。每一部优秀的电影作品，总会有一些不可磨灭的形象令人难以忘怀，并根植于观众的脑海中。但如果没有进行美术艺术的处理，无论演员将这些形象演得多好，观众的印象也不会很深刻。另外，通过美术艺术的造型，即便同一个演员在不同的作品中分饰不同的角色，也会让人耳目一新，印象深刻。典型的艺术形象都是通过美术手段来塑造的，都是美术创作的结果。

3.美术在电影光线、色彩运用以及意境表达上的艺术体现

在电影中巧妙地运用美术的光线、色彩，可以感染人们的心灵，给人一种强烈的震撼。在美术和电影艺术表现中，主体色彩的使用与变换，光线的配合使用，光线与色彩相结合的和谐统一，其所创造出的特殊的艺术场面与意境，直接撞击着人们的心灵，震撼着人们的灵魂。因此光线、色彩在电影中扮演了非常重要的角色，若要使其艺术得到升华，必须使美术色彩达到与电影的相互交集和融合。

4.美术为电影造型留住了美感

艺术离不开美，电影作为一门艺术，是通过美术来获得美的。动画电影中的卡通人物形象都是用简单的线条进行勾勒，通过电影美工进行创作，以达到动画的效果，这一点在动画电影中就表现得尤为明显。许多深受儿童喜爱的动画影片，都是运用写实的美术手段制作出来的，是美术的作用使得这一系列的电影获得了好评，给人留下了深刻的印象。在电影艺术中，场景的布置需要符合人物的身份、性格、气场等，人物、道具、环境既要相互协调，又要情景交融，浑然一体，给整体的电影艺术增光添彩。

5.美术为电影提供了光影、创造了色彩

每部影片都要有一个统一的基调，光影和色彩是表达浓烈感情最有效的语言，光影的变化、色彩的基调有效地促进了电影剧情、在感情上产生了张力，是电影中两个非常重要的因素。为增强电影的艺术效果，在影片中融入色彩和光影，就要充分发挥美术的作用。电影美术即一部电影根据剧情的发展需要，为了体现导演的意图，在拍摄的过程中设计制作的关乎视觉及美术方面工作的人物造型、拍摄场景等。美术师在电影的初始阶段为了把握主题，要通过阅读剧本来确定基调，进而确定造型，最后才能进行场景的拍摄。想要达到良好的艺术效果，在电影的后期制作中更要使用美术手段进行处理。在每部电影的制作过程中，其美术属性的表现都被看作是影片水平的重要标志。电影艺术的进步与美术的发展是相互促进、相辅相成、共同发展的。美术不仅为电影中的环境、光影、色彩提供了依据，也为电影形象的典型性和艺术性提供了保证。可以说，如果失去了美术，电影就没有了生命。

总结