表演艺术形式范文

导语：如何才能写好一篇表演艺术形式，这就需要搜集整理更多的资料和文献，欢迎阅读由公文云整理的十篇范文，供你借鉴。

篇1

一、戏剧化服装表演的艺术特征

（一）突出主题性、戏剧性。在戏剧化服装表演中，舞台造型、音乐、编排、服装、模特的肢体动作，以及模特的化妆造型等都突出其主题性和戏剧性，这类表演生动有趣、整体营造气氛，同时运用高科技手段，在灯光的作用下打造特定的环境，超现实主义、虚拟的舞台设计效果。例如，2016 Chanel春夏航空的舞台秀场设计，演出场地变身机场，观众们手持登机牌式的邀请函需要经过安检，才能来到会的“候机室”看秀。整场表演就是围绕一个机场的主题，突出模特穿着休闲装的风格，围绕主题，插入戏剧性的秀场表演。

（二）丰富观众的感知系统。戏剧化服装表演加入情境再现的舞台设计，突出其生动活泼、整体性、故事性等的演出规律，丰富了观众的感知系统，带来听觉和视觉上的冲击，给观众留下深刻的印象。2015Chanel秋冬女装时装周秀场中，巴黎大皇宫变成一家地道的法式高级餐厅，场地里老式的吧台，空气中飘着咖啡的香味，在吃吃喝喝中走完整场大秀，给观众留下难以忘?训挠∠蟆?

（三）情节化的编排创意。戏剧化的服装表演在整场演出的编排中，要体现戏剧化服装表演的特征，有别于程式化等其他表演形式，掌握好整体演出的关键，理解和把握本场演出的主线，诠释给观众整体性的戏剧化服装表演，不能让观众的视线脱离服装，减弱对服装的印象，因此对编导的要求就会比较高，要体现戏剧化服装表演的艺术特征。戏剧化服装表演的编排创意无限，不能太平淡无奇，也不可以太夸张，影响观众对服装的印象，所以在戏剧化服装表演中，编排创意也是非常重要的，具有较高的情节化的编排要求，才能达到完美和谐的统一。

二、戏剧化服装表演艺术形式的创新表达

（一）戏剧化服装表演形式中的编排。戏剧化服装表演中编排更是追求创意，将戏剧化形式合理编排在一场服装表演中，突出故事性的情节发展规律，给观众留下深刻的印象。创意的编排容易引起观众的共鸣，更形象直观表达作者所要表达的情感态度，或是表达人生，或是表达爱情等，每个故事都有其情感抒发，在编排中加入模特戏剧化形式的表演，配合舞台的戏剧化效果，两者合理结合，达到和谐演出效果。

（二）戏剧化服装表演中的音乐。音乐是服装表演中的灵魂。音乐对模特的表现有直接的影响，包括对现场气氛的烘托，戏剧化的服装表演更是需要音乐的衬托，突出其活泼、生动等特点，达到音乐、服装、情感、人物的和谐统一。音乐与舞台设备相互作用，达到戏剧化的整体表演效果。歌剧或戏曲是音乐表演的一种戏剧化形式，在戏剧化服装表演中，利用歌剧或戏曲的某一种音乐表演形式，与现场音乐表演的形式相结合，传递音乐丰富饱满的质感。

（三）戏剧化服装表演中的舞台造型。舞台造型是一场服装表演的重要组成部分，必须达到“人、物、景”的和谐统一，“人”泛指现场的模特与观众，达到一种互动的效果；“景”指现场的戏剧性场面，戏剧性的舞台效果；“物”是指现场的道具，以及模特拿的道具等。

灯光在舞台上的作用不容小觑，灯光可以营造舞台的整体氛围。在舞台上的各种装置和灯光的合理配合利用，都是为了突出主题，营造整体的戏剧性线索。

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关键词：实验性动画；艺术语言；表达

一、实验性动画概述

有别于传统商业动画的产业化创作模式，实验性动画属于绝对的个人创作，没有固定的程式约束。一些实验性动画短片往往是来自于艺术家的瞬间想法或者偶然体验；一些实验性动画甚至不存在固定的动画脚本，任凭艺术家自由、随性创作；一些实验性动画直接在胶片上开展创作；一些实验性动画通过沙画形式进行现场呈现。总的来说，实验性动画在分工上并不明确，参与者可不受约束地发挥自身心中所想。实验性动画可给予创作者以尽可能的自由。实验性动画创作很大程度上源自于艺术家在社会生活中的观察与美的体验，每一位艺术家都是一个心思缜密的人，善于观察生活中的各个细节。各式各样崇高的美正是被艺术家发现后，再创作成对应的文化、音乐以及绘画等。动画艺术家通过动态的视听语言表达自身对美的感受，为“美”增添上绚丽多姿的外衣，一部成功的实验性动画创作既可能源自于无意间一个陌生人的回眸一笑，也可能是源自于大自然中的一缕阳光、一阵微风，还可能是对一种哲学观点的思索，对一种习俗、一个伟人、一项技术的推崇等。总的来说，对生活充满无限热爱，生活便会给予回报，为我们提供取之不尽、用之不竭的想象与灵感。如此创作出来的实验性动画，方能使广大受众产生共鸣。

二、实验性动画的艺术语言表达

（一）实验性动画艺术语言开拓性与实验性的表达

实验性动画艺术语言表达源自艺术家对动画风格、表现材质、表现方式等的不断钻研，因而，开拓精神是实验性动画必不可少的动力。实验性动画强调视觉实验，特别是办学信息技术的迅猛发展，使二维手绘动画、三维数字动画等技术在实验性动画创作中广泛推广，与此同时，为了使实验性动画艺术语言表达得到进一步丰富，大量艺术家还引入了互动艺术、装置艺术以及影像艺术等艺术方式。这些艺术方式很好地摆脱了以往动画仅注重叙事的故事描述的局限，着重表达了对动画与媒介的重组、重构，依托各式各样的语言和方式彰显艺术家的情感及观念。实验性动画的艺术语言表达还体现为由实验性所创造的原创精神。实验性动画语言的实验性，以其艺术思想、艺术语言为重要体现。其中，艺术思想源自艺术家长期以来对社会历史、社会生活、生命现象等特有的人生体验，而并非一味的随波逐流，也并非对社会权威的交口称誉。通常，社会大众对动画语言存在一种传统特定认识，对具备当代艺术语言特征的实验性动画则缺乏有效认识。实验性动画中常伴有各式各样的未知因素，并且在创作期间往往产生各种惯常的不合理情况，然而紧随的一系列可能却往往能收获出乎意料的成效。这可算得上是实验性动画艺术创新的有力渠道之一，在实验性动画创作过程中，“不合理”并不等于不可行，通过在“不合理”中寻求新的可能性，便是实验性动画艺术语言开拓性与实验性的表达。开拓道路上出现不合理的情况无可厚非，而所谓的“不合理”对于实验性动画而言也是不可或缺的。如此一来，便在一定程度上彰显了实验性动画艺术语言的偶发性特征。

（二）实验性动画艺术语言综合性与开发性的表达

伴随实验性动画的迅速发展，不断构建起自身特定的艺术语言系统，由此，实验性动画艺术语言表达出综合性特征。首先，实验性动画艺术语言综合性的表达取决于动画艺术自身的创作要求；其次，实验性动画艺术语言综合性表达取决于当代艺术对应的广泛性要求。例如，艺术材质相互间的综合、艺术方式方法相互间的综合、创作技术相互间的综合等。倘若未有综合性的支持，实验性动画不论是表达语言还是媒介材质都将变得十分单薄及缺乏生气。实验性动画艺术语言的综合性主要表现为其推动了一系列艺术形式的有机相融，一方面对绘画艺术、雕塑艺术的浮夸外观，电影艺术的空间布局、镜头表现，各式各样材质多元的物质特性等予以综合；另一方面对造型艺术的视觉冲突、戏剧舞台艺术的行为表演等予以综合。通过对各式各样手段的综合运用，极大水平上推动了多种不同艺术门类相互间的融会贯通。除此之外，伴随艺术家思想观念及技术的不断革新发展，实验性动画艺术俨然不再是片面的动作作品，广大艺术家做出了各式各样努力，引入表演艺术、先进设备、媒介影像、数字技术等到实验性动画作品中，无不彰显出实验性动画艺术语言综合性的表达。实验性动画艺术语言还表达出一种开放性特征，不管是手绘、拍摄、数字，还是网络、交互等动画艺术形式，对于广大受众而言，他们都可成为作品的参与者，通过受众与作品展开的直接互动或者间接互动，在动画作品的制作、呈现及传播等过程中贡献一份力量，构建起一个开放的交互系统，让受众参与到艺术作品创作的行列中，对于数字动画而言有着十分积极的实验意义。在实验性动画表达、传播期间，倘若缺乏受众的参与、互动，则实验性动画的内涵将无法得到充分体现。倘若要从真正意义上理解实验性动画艺术，受众则必须与其充分相融，不可仅仅作为一个旁观者站在一旁。依托与动画性实验产生的直接互动，使受众意识发生转变，最终形成全新的感知与体验。由此便构筑了实验性动画为广大受众创造的一种全新互动方式。而对于实验性动画语言的探究，本质上即为找寻满足其特质的表达手法，进而实现推动实验性动画语言创新的更多可能性。

（三）实验性动画艺术语言组合性与拼贴性的表达

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一、单音节结构衬词

由一个音节结构组成的衬词,称单音节衬词(也叫“衬字”)。在汉族民歌中,演唱时在正词中加“衬词”(虚字)的现象非常普遍。几乎每首歌、每句词都有加虚词衬字的现象,我们称之为“习惯性用语”衬词,或者叫“语气辅助”衬词。常见的衬词有:“啊”“哪”“呀”“啦”“哇”“哎”“嗨”“哟”“咿”“喂”“耶”等。这些衬词多用于歌词的词或词组中间、句读助词之后以及句末之后。其作用有三种:一是调剂节奏。在正词中加虚词衬字,使词或词组之间增加字数,促成节奏细分,使歌曲的节奏产生变化,从而达到轻快活泼的艺术效果。二是保字、行腔。使语音中的闭口音(清音或浊音)变化成张口音(元音)来增强歌词的可唱性和润腔。特别是在句末有拖腔时促使字音纯正、收韵完美、行腔圆润。三是起感叹词、语气助词的作用。

1.用于单音节词中的表现形式

这种表现形式灵活多样,它可以插在正词的中间,借正词的歌腔见缝插针,与正词裹在一起唱,且时值较短,没有独立的表现意义,必须依附正词而发挥作用,起着垫字和华彩的作用。

如湖南嘉禾民歌片断:

歌中“送”是一个动词,“姐”是一个名词,同属单音节词,在单音节词中加上一个语气衬词“那”,促成了节奏的细分,产生了轻快活泼的艺术效果,也增加了歌曲的韵味。

2.用于词或词组之间的表现形式

这种表现形式也是灵活多样,除了调剂节奏、起烘托的作用外,能使正词中的闭口音变为张口音,很好地起到了保字行腔的作用。

歌中衬字“呀”用在一更的时间名词之中,“啊”用在时间名词“一更”和方位名词“里”所组成的词组之中,使正词中的闭口音变为了张口音,不但使歌曲中的节奏起到了变化,同时也较好地起到了润腔的作用,使歌曲更具地方特色。

3.用于句间停顿处与句尾的表现形式

这种表现形式,能扩充乐句和衬托色彩性衬腔来抒发歌曲情感。特别是在拖腔时,促使字音纯正、收韵完满、行腔圆润,是句尾拖腔收润不可少的。

歌中衬词“啰”用在“一塘莲”的名词之中与之后,“哟”用在句间停顿处,即形容词“红红绿绿”之后与“水上”名词之后,使拖腔收韵圆满、行腔圆润,不但扩充了乐句,而且较好地抒发了歌中情感。

二、双音节结构衬词

双音节结构衬词是由两个音节构成的。其表现形式是经常出现在句中或者句尾,往往词组中第一个衬词都与语气衬词相联系,使之唱起来顺口、听起来自然。歌中运用双音节衬词能使乐句扩展、句幅延伸,有一定的结构意义。常见的双音节衬词有:“哎哟”“哎嗨”“哟嗬”“呀嘛”“哼嗨”“唉呀”“那个”“那么”“哈咳”“里格”“哟喂”等等。双音节衬词的运用,可增强民歌的地方特色和趣味性。

1.用于句中的表现形式

这种表现形式,大多是在传承演变过程中延留下来的,并形成了固定的格式和规范,遇词即可套用。它们起着对正词的陪衬和烘托的作用,使音乐地域化、生活化、口语化。

歌中每句词中都加了“那个”双音节衬词,很具地域特色。这种“衬词”是在传承演变过程中延留下来的,如果说词中“那个”衬词用在句中是为了体现口语化、生活化,顺应节奏的话,那么歌中“哎呀”这个双音节衬词用在句头处,效果实在是好。它不但承上启下,更为重要的是生动地表现了一种期盼、一种深情,较好地表现了热恋中的姑娘急切盼望情哥归来的质朴情感。这是实词都难以达到的艺术效果。

2.用于句尾的表现形式

这类衬词的表现形式大多都是用在句尾处,起收字归韵的作用,体现生活化、口语化。如:歌中每句词的结尾处都用到了衬词“哟喂”,体现了一种生活化、语气化,扩大了句子结构,使旋律自然流畅,道尽了“女儿”的思念之情。

三、多音节结构衬词

多音节结构衬词是由三个以上的音节构成。这种衬词的表现形式是多种多样的,有语气式衬词,如“哎嗨哎嗨呀”;口彩式衬词,如“嘚儿嘚儿”;拟声式衬词,如“七不龙冬锵冬锵”等以及多种类型的衬词混合在一起使用的“混合型衬词”。这类衬词有较强的结构意义,它可以拓展成大段的衬词、衬腔,甚至可以发展到一个乐段,它的作用主要是补充完善乐意、深化强调主题、增强歌曲的表现力与艺术感染力,使歌曲表现得更加形象生动。它一般常用于乐句的开头,乐句中部以及句尾处等。

1.用于句首的表现形式

多音节衬词用于歌曲首句的开始处,有的是作意境描述,起引子作用,有的是作感叹语,起“引腔”作用,无论起什么作用,它对歌曲情感的表现达到了很好的艺术效果。

《打支山歌过横排》是一首江西兴国的客家山歌。这类山歌有一个明显的特点,即开始的多音节衬词“哎呀嘞哎”是当地日常生活中的一种感叹语,在这里是起“引腔”作用的,凡是以“哎呀嘞哎”作“话引子”,即表示他要讲话了。歌中开始处运用“衬词”,使旋律明显具有粗放豪迈的山野气息,很好地起到了“引腔”的作用。

2.用于句中的表现形式

多音节衬词用于句中,其目的是扩大句子结构,烘托、渲染正词,增强歌中欢快热烈的气氛。歌中运用衬词“哎咳哎咳哟”较好地起到了情绪渲染的作用,不但陪衬、烘托了正词,还扩大了句子的结构,体现了地域风格,使歌中的情绪表现得更加热烈欢快。

3.用于句尾的表现形式

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俗话说：“良言一句三冬暖，恶语伤人六月寒。”不同的语言表达方式所起到的效果不同，教师在课堂教学中应重视加强语言表达能力的培养。有些教师教学语言生硬，缺乏情感，音频单调，容易引起听觉疲劳，不能引起学生的兴趣和学习的积极性。一名优秀的教师讲课的语言应该充满激情，声音富有磁性和感染力，这样才能吸引学生的注意力，拉近师生距离，一步步把学生引入知识的海洋。

二、语言表达是教师的职业基本功

教师良好的语言表达能力来源于对职业的热爱，只有爱岗敬业，对学生充满爱，才会有朴实和有感染力的语言表达。教师要以情感人，用正能量来感染学生，幽默、灵活地调节课堂气氛，保证教学效果；要运用丰富的表情和肢体语言强化语言表达。如果教师表情自信、亲切，情感表达自然、得体，就能进一步强化教学语言的表达。

三、合理利用声音的大小调节教学语言

教师说话的音量各不相同，如果嗓门儿太高，学生会感到刺激太大，心神不宁，极易出现烦躁情绪，影响收取信息和及时反馈。反之，如果教师说话声音太小，柔声细语，达不到必需的音量，学生就听不清楚。适宜的声音大小应该是使教室里的每位学生都能听清楚，感觉舒适。要想达到这一要求，教师必须在教学实践中不断地学习和总结，反复练习。教师要练就自我“监听”的硬本事，对自己说话的声音大小、声调高低、语速快慢随时进行调整。

四、教师要及时调整课堂教学的语速

教师的教学语速对教学效果有直接的影响。语速过快，则学生不容易记忆和领会；语速过慢，则跟不上学生大脑处理信息的速度，容易导致学生精力涣散。教师的语速应考虑教学对象、教学内容和教学环境等方面的因素。

1.教学对象

教师面对不同年龄、不同文化程度、不同阅历的教学对象，教学语速应适时调整。学生的年龄是决定教学语速的重要因素。例如，技校学生年龄较小，接收信息快，教师的语速可以相对快一些；而社会培训人员年龄偏大，接受新知识的能力相对减弱，有的脱离课堂学习的形式较久，反应相对较慢，因而，教师的语速可以慢一些。

2.教学内容

教师应根据不同的教学内容，适时调整教学语速。一些专业课概念性较强、原理比较抽象、难于理解，语速就要略缓。而讲解浅显易懂的内容时，语速就要快一些，学生听明白了、记住了，就能保证教学效果。

3.教学环境

教师的语速要根据上课空间、教师和学生的距离、室内外的环境以及噪声的情况进行调整。在安静的教室里讲授专业理论课和在机器轰鸣的车间上操作课，语速是不一样的，前者语速可以快些，后者语速就要慢些，便于学生在相对复杂的环境中接受和理解教学信息。

五、教师要用节奏来体现教学语言的美感

要想收到良好的课堂教学效果，教师应通过语音、语调和语气控制语言的节奏，用语言的美感激发学生的学习兴趣。

1.语音应清晰悦耳

教师的语音清楚、明晰，才能博得学生的好感，学生才能较好地接受讲授内容。教师吐字不清、措辞含混，就容易使人糊里糊涂。一个优秀的教师讲课应如行云流水，使人有轻快之感。如果教师讲话慢吞吞，每句话间隔较长，学生就会不耐烦，从而达不到良好的教学效果。

2.语调应抑扬顿挫

教师的语调、节奏要随讲授内容和学生情况的变化而变化，这样才能使学生精神饱满、兴趣盎然。这种节奏作用于学生的感官神经，能使大脑皮层产生兴奋，引起学生丰富的联想和强烈的共鸣，有利于增强学生的学习兴趣，提高课堂学习效率。

3.语气应亲切自然

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【关键词】戏剧影视表演；艺术教育；精神文明

戏剧影视表演对于培养学生健康的审美观念和审美能力，陶冶道德情操，培养全面发展的人才，具有其他学科所不能替代的重要作用。近几年来，全国二百多所大学开设了戏剧影视表演的相关课程，戏剧影视表演教育已经进入大众化发展阶段。虽然戏剧影视表演的教育普及程度与高等教育的发展存在差距并难于满足大学生的需求，但戏剧影视表演在艺术教育、特别是高校艺术教育中的重要性仍不容忽视，本文旨在分析戏剧影视表演在艺术教育不断发展中的有利条件，讨论戏剧艺术表演在艺术教育乃至综合人才培养中的可行性。

一、戏剧影视表演的作用

艺术的美的呈现形式分为形式美和蕴含美，戏剧影视表演展现给人美感，是通过画面、色彩、声音、结构等形式来表达的。戏剧影视表演教育不是简单地组织学生观看戏剧、电影、电视，提供娱乐，而是通过戏剧影视表演使学生辨别真善美和假恶丑，积累文化知识，提高道德观念和价值观念，进而提高学生的综合素质。戏剧影视表演教育很大程度上影响着学生的审美心理，促进其审美能力的提高。戏剧影视表演可以有机的将历时思维与艺术思维相互融合，大历时感知和形象的体验融合在审美活动中，使人们的思想启迪、人生感受、情感陶冶和审美享受更加深刻。戏剧影视表演增强人们审美情感的同时，能够起到良好审美教育作用。这种审美教育可以使人感知人性、生活等的善恶，促进生活状态的提高。

戏剧影视表演教育对社会整体有积极的教育作用。戏剧影视表演以最大众化的形式，把故事情节真实、生动地呈现给人们，使得其受到感动并引起反响。因此，戏剧影视表演教育对整个社会又巨大的影响，能有效促进社会精神文明的提高。

二、戏剧影视表演在艺术教育发展中的有利条件

我国近现代的艺术教育，已有近百年的历史。1912年，先生提出并积极倡导“美育”教育，但是在中国急剧变化的社会条件下，“美育”教育并没有作为一项长期的国策延续下去。改革开放以来。随着我国教育事业的发展，应试教育已逐步向素质教育转轨，为艺术教育带来了新的发展机遇。

（一）教育对象普及化为戏剧影视表演的发展提供了教育环境。各发达国家把艺术教育作为教育中一项必不可少的内容认真抓好，他们在制订现代课程计划时，均把艺术教育纳入其中。例如，美国在地方当局有关规定的范围内，自小学的课程开始一般都设有阅读、写作、数学、社会、科学、音乐、美术、体育等课程，而音乐、美术等属于必修的基础课程。在课程设计中，因戏剧影视表演以最大众化的形式，把故事情节真实、生动地呈现给人们，使得其受到感动并引起人们对善恶的思考和判断，为将戏剧影视鉴赏与表演引入到普遍教育对象上提供了有利的环境因素。

（二）艺术教育目标整体化为戏剧影视表演的发展提供了推动力。包括我国在内的许多国家从提高人才整体素质高度提出了艺术教育的目标要求，大致以将学生从“纯粹艺术”教育中解脱出来，使学生在创造艺术形式和美的感觉的过程中获得美感体验为主。艺术教育的最终目标并不是艺术活动有的形结果，而“真正重要的是要唤起创造的热忱，帮助人们提高到一个更高的生活水平。”（《学会生存》教育科学出版社P96） 因为戏剧影视表演的作用与艺术教育目的地趋同性，使得艺术教育目标整体化为戏剧影视表演的发展提供了推动力。

（三）艺术教育途径多元化为戏剧影视表演的发展提供了空间。实施艺术教育的途径是多渠道、多层次的，在艺术学科教学、渗透性艺术教育、艺术课外活动等方面，戏剧影视影视教育所具有的影响着学生的审美心理，促进其审美能力的提高的优势借助艺术教育途径的多元化得以不断发展，艺术教育的多元趋势为其健康发展提供了广阔的空间。

（四）艺术师资队伍专业化为戏剧影视表演的健康发展提供了保障：随着中国教育改革与发展，推动音乐、美术、戏剧影视表演等专业列入必修的人文学科，大量艺术人才的引进，为合理的课程设计与教学，引导受众在通过艺术教育不断提高自身素质，确保包括戏剧影视表演等课程的健康发展上提供了保障。

三、戏剧影视表演与艺术教育作用的趋同性

戏剧影视表演作为艺术教育的重要部分和分支，在作用上与艺术教育有强烈的趋同性，主要表现在：

（一）源于生活，不断促进人在观察中的思考能力：生活是艺术的源泉，受众通过观察生活、感受生活，体验来自生活的情感和乐趣，表达自己的想法和感受。让学生通过对生活的参与交流，模仿和表现，使学生表达自己的情感和愿望，学生在仿制生活的活动中通过交流，体验集体游戏的乐趣，懂得相互欣赏和共同分享，既体现了人文精神的培养，又符合学生身心发展的需要。戏剧影视表演与艺术教育一样，不断促进人在观察中的思考能力。

（二）注重人文，不断提升人对生活的美感：教育特别是注重情感体验，提高审美情趣，注重艺术交流的人文教育。人文主题与知识技能的关系是统领与被统领的关系。艺术课程要求把知识技能的学习同音乐能力和人文素养的提高形成有机的结合。其别重要的是知识技能只有在情感的激发下才能够成为智慧。艺术教育到任何时候都不能丢弃艺术的本质、特征。艺术是情感的艺术，失掉了情感，艺术也无从谈起。在艺术课程的教学中，只有让情感得到充分的体验、感受和理解，才能接触到艺术的本质，也才能让学生领会和掌握必要的知识和技能。在不断学习，区分善恶，掌握知识和技能的过程中，注重人文修养、提升生活美感等方面，影视表演与艺术教育都有不可替代的作用。

（三）专通相融，促进智能的发展：艺术课的学习，除了美术课、音乐课之外，更应当渗透到其他学科之中进行。一方面，艺术活动本身离不开其他智能的支撑。另一方面，融入在其他学科学习中的艺术活动，具有鲜明的形式和丰富的内容，使学生有了更多的接触和深入理解艺术的机会，尤其可以使能力特长不同的学生都有可能在自己的优势领域内增强对艺术的兴趣，促进自身各方面智能的发展。在各科教学中，选择合适的美术、音乐内容，表达各种情绪，使人得到放松，从而使艺术与其他学科的整和，发挥出独特的作用。在戏剧影视表演课程恰符合了艺术教育的这一特征，它把社会、历史等多方面影视融合为一种艺术，使得人们在不同方面观察、思考，不断将知识融合起来，促进了智能的发展。

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关键词：多媒体；艺术；视觉；传达设计；表现形式

中图分类号：J524 文献标识码：A 文章编号：1673-2596（2016）09-0202-02

随着信息技术的发展，多媒体运用也越来越广泛，并且以更加丰富的艺术表现在视觉传达中占据重要地位，从而改变以往单一的传统媒体。客观来讲，多媒体技术的使用，能够让用户体验到艺术效果，视觉传达效果更佳，将多种艺术表现形式与语言传递完美结合，极大的提升了作品表达的艺术美，以独特的形式让人们欣赏到丰富多彩的视听色彩。然而，多媒体艺术的特征与发展现状如何，多媒体艺术的趋势、多媒体对视觉传达设计的影响，以及视觉传达设计的多媒体艺术表现形式，均急需进行一系列厘清。基于此，本文从多媒体艺术特征与发展入手，对多媒体对视觉传达的影响、视觉传达如何影响多媒体的艺术表现形式进行一系列的探讨。

一、多媒体艺术的特征与发展

（一）多媒体艺术的基本特征

多媒体艺术的表现主要是通过文字、图像、符号等视觉方面的组合，再融入语音、音效等元素，通过空间艺术和时间艺术呈现了丰富多彩画面。多媒体艺术是运用计算机技术的新发展，综合了听觉元素、视觉元素，对资讯、传播及图像等进行艺术创作的形式和过程。

多媒体艺术作为一门新的艺术形式必然有其自身的特点：（1）综合性。艺术家在表现自己的作品，过去只能通过单一的图像或者视频进行展示，现在可以通过多种形式呈现，声音与画面结合，动态与静态结合，视觉与听觉结合等多种表现进行综合，呈现出丰富多彩的画面；（2）交互性。多媒体艺术改变以往单一的传播方式，艺术家通过网络艺术作品，也可以现场讲解作品，借助网络平台展示，并与网友积极互动，创造出更具审美趣味的艺术作品。网络多媒体也不再是被强迫阅读，而是由观众根据自己的喜好自由选择艺术作品。设计者与观众的良好互动，更好地促进了艺术作品的完善；（3）丰富性。多媒体艺术作品是丰富多彩的，通过文字排列、图形规划、色彩选择等呈现出一个内容丰富的视觉系统。多媒体艺术将几类视觉元素组合起来，使呈现的作品具有丰富性和节奏的美感，用户能够在感官上得到极大满足。

（二）多媒体艺术的发展趋势

视觉传达艺术通过视觉传达设计与人进行沟通，这种艺术形式承载着艺术家的情感，为受众群体传递更多的信息，是大众与艺术的互动交流。多媒体艺术在视觉传达中丰富了其艺术形式，为艺术设计提供新的视角，促使视觉传达艺术不断地发展。随着互联网技术的发展，多媒体艺术通过网络的形式进行大众传播，在今后视觉传达艺术将以多种灵活组合方式呈现，代替之前传统的媒体，从单向的视觉传达发展为相互融合多元化的形式，多媒体与网络共同发展。由于多媒体艺术的推动，在视觉传达设计上将会使设计方式、设计风格、思维方式不断发展变化。网络作为一种新的传播媒介，对视觉传达设计带来新的变化，多媒体设计作品传达形态多样、时效性强、交互传达、传达效果佳等特点，相对传统媒介，网络可以让艺术作品可以无限制的传播、内容信息更丰富。人们通过多媒体技术不仅可以传达的信息内容，还为观众提供了互动的新情景，让观众能够接触到艺术的美感，提升艺术体验，从被动接受的方式转变为主动欣赏。随着网络的交互性增强，视觉传达设计不仅仅是传递作品信息，更多是一种情感的依托与交流。网络的大众化，为设计作品提供了良好的媒介条件，各种形式的交互、导航按钮设计以及界面设计，也被广泛地运用于视觉传达设计上。

二、多媒体艺术对视觉传达设计的影响

（一）多媒体艺术对视觉传达设计具有积极导向作用

多媒体艺术具有动态性的特征，这对视觉传达设计带来的积极影响。多媒体艺术形式通过设计师的作品呈现出来，而现代艺术作品反映了现代人的思维方式，随着技术的发展，社会的进步，人的审美情趣发生变化，艺术设计师要转变观念，迎合现代人的艺术需求。多媒体艺术是现代信息技术发展的新成果，网络媒体的发展，对视觉传达设计注入新的血液，多媒体艺术的新发展对视觉传达设计具有导向作用。在网络媒体艺术设计中，为了吸引观众的注意，设计师会改变以往的思维方式，在同样的元素情况下使用动态化设计，因为运动着的视觉形态较之静态的视觉形态更具有信息传播力。因此，在多媒体艺术设计的影响下，设计师将会积极调动一切视觉和听觉元素，使觉焦点或视觉中心是围绕着信息资源的分布点进行移动，将信息资源进行主次分明、由弱到强的呈现，以达到缩短观者视觉搜寻的所需时间，瞬间抓住观众的注意力，充分体现多媒体艺术对视觉传达设计具有积极影响作用。

（二）多媒体艺术对视觉传达设计的消极影响

多媒体艺术对视觉传达设计的局限性主要表现：首先，多媒体艺术通过网络传播，而网络具有交互特性，受众可以自由地选择浏览的内容，没有传统媒体的强迫性阅读，这对多媒体艺术作品提出更大的挑战。由于网页的版面有限，设计的版面空间小，创意设计受制，相比其他传播媒介的设计相比，视觉冲击力上先天不足，设计师需要对多媒体艺术设计进行合理编排，优化视觉传达设计；其次，多媒体为艺术创作开创了新的领域，改变了艺术的创作手段与交流方式。艺术家也要不断创新，重塑艺术思想，运用多媒体的技术手段打破原有的思维模式，例如运用三维空间艺术，图形和文字皆呈运动状态，强化视觉冲击力的目的。

三、视觉传达设计的多媒体艺术表现形式

由于多媒体的艺术表现性与传统媒介是不一样的，因此多媒体环境下的艺术设计侧重点也有所不同，主要表现在以下三个方面：

（一）多媒体艺术环境下信息设计的艺术表现形式

首先要明确信息设计是将原始资料转化为信息的过程。多媒体作品设计要对数据进行组织加工，将数记录信息的符号转化为有意义的信息，能够与受众进行有效的交流。基于网络多媒体的特点，在纸质资料转化为网络信息的过程，要对信息的重新设计，经过艺术设计的处理与加工，以达到有效传递信息的效果。相对纸质媒介，网络传播应更注重视觉效果，信息数据的呈现需要强化视觉传达冲击力，把握多媒体艺术特点，对信息进行加工处理，使信息表达形式更加丰富。根据网络的多媒体艺术设计特点，视觉传达应该注重信息的关联性，不能只关注单一页面的信息关系，更要注意各页面之间的相关性，艺术设计师要注意组织方式的层次性，使艺术表现形式更具逻辑渐进性，具有层次感，从而达到最佳的视觉传达效果。

（二）多媒体艺术环境下信息工具的艺术表现形式

多媒体为艺术创作开创了新的领域，改变了艺术的创作手段与交流方式。艺术家也用多媒体的技术手段，重新表现其艺术思想。图在多媒体设计中，信息化体现具有多元化的表现形式，多媒体为艺术创造开创了新的领域，从以下三个方面增强艺术表现形式：一是图形图像处理，增强多元化美感，图像能够为视觉效果增强美感，使内容表现更直观、明确，借助图形图像处理软件，达到空间艺术效果。二是文字符号设计，文字符号通过设计、排列传递出视觉美感，例如字体的大小、字号的大小、行与行之间的距离、版面的层次性，要求文字内容和形式简洁、清晰，通过文字颜色、辅助图形和版面设计突出文字的美感和视觉冲击力。三是色彩元素的美感，色彩能够刺激人们的视觉感官，能够表达出内心的情感，色彩运用得当可以很好地表达内容的主题。色彩的把握是体现多媒体作品的关键，不同色彩反映不同的情感，在视觉设计中把握色彩规律，利用色彩抓住观众的注意力，传递出的多元美感。色调的属性在多媒体中运用表现出不同的作品概念，设计师要结合多媒体的特点，有针对性的用色，根据主题意境发挥出色彩语言的作用，比如绿色可以给人生命、活力和自然的感觉，适合用于表现医学类或环保类题材。从艺术设计表现方面，多媒体艺术设计通过对图形图像、文字符号、色彩元素的设计、组合，通过传统表现与现代因素结合，通过多媒体艺术的处理，最终呈现艺术作品。

（三）多媒体艺术环境下交互式设计的艺术表现形式

交互式设计是现代媒体发展的新特点，通过交互使用提升信息交流的互动性。交互设计能够增强观众对信息的注意和理解，当交互的信息通过媒体传播变成知识，需要对媒体内容进行不同的理解，不同种类的图像、图形、声音、影像视频以及时间等方面进行不同方式的处理，形成有色彩、光影、图像和音响互补与交融的美感画面，增强作品产生的艺术张力，以达到对信息更高层次的交互作用。与电视、报纸等媒体不同，网络多媒体使用者是主动接受信息，因此，交互式设计的最高层次是能够满足用户体验需求，根据用户的特点进行相应调整，艺术形式进行组合、再造，使信息内容呈现更加丰满，更具艺术性。

四、结语

综上所述，由于信息技术的发展，在多媒体艺术表现方式呈现出多样化，多媒体技术手段的发展，为视觉传达设计带来了新的发展。本文通过对信息设计的艺术表现形式、信息工具的艺术表现形式、交互式设计的艺术表现形式等三个方面论述了多媒体艺术在视觉传达设计的影响，展现出这种艺术打破了单一的传统视觉思维，多媒体的互动过特征，让信息的接收者也参与到信息设计中，设计要多维度、多空间组织信息，使信息更加丰富生动。多媒体艺术环境下的视觉传达设计，改变了信息交流方式，艺术与技术高度结合，以新的形式推进艺术设计表现形式的发展。

参考文献：

〔1〕何蕾.视觉传达设计中的“视觉设计”与“信息设计”[J].艺术与设计（理论），2011（04）：31-33.

〔2〕李奎霞.中国视觉传达设计中传统文化符号研究[D].延边大学，2012.

〔3〕张学忠.视觉传达设计中的理性价值和意义[D].清华大学，2004.

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关键词：表演艺术；角色塑造；体现

中国分类号：J804文献标识码：A文章编号：2095-4115（2014）05-153-2

艺术是以形象性而形成其张力的，而创造形象的途径多种多样。表演者在戏曲编排者的指导下，依据剧本内容，可以通过借助音乐，舞蹈，美术等艺术手段来塑造舞台人物的形象。戏剧以表演者自身作为创作工具，在表演艺术创作中，创作者、表演者及创作人物形象，全部统一于表演者自身。因此，要想把戏剧人物形象演绎的逼真，对演员全方位的舞台技术要求极高。表演者不仅需要丰富的生活经验，还要拥有通过外部形体、声音等进行剧情的诠释的能力，加之对舞台的理解度以及恰当把握表演分寸，才能正确塑造出人物的真实形象，深刻表达饱满的情感，使其充分具有艺术的感染力，从而使得舞台表演效果达到最佳。

一、分析剧本和角色

戏剧演员是在剧作家所创作出来的文学形象的基础上，创造出活生生的、有血有肉的舞台形象，因此演员在人物形象的塑造过程中，自然离不开文学剧本中所描绘出来的人物形象。

演员进行塑造表演的根本依据是剧本及剧本中所描绘的人物形象。演员虽然可以根据自己丰富的生活素材来进行表演，但这种人物塑造只能是在剧作家所创造的文学形象的基础上进行。其次，演员所塑造出来的人物形象，可能会由于导演与演员的再创造而更加丰富，甚至有所改变，但最终仍然应该与剧本所创作出来的文学形象相符。

演员只有在认真地对剧本与角色进行分析的基础上，才有可能对剧本的角色获得正确的认识和理解。因此，演员在对角色的塑造过程中，分析剧本才是对角色塑造的开始。

二、演员与角色

演员表演的魅力首先来自“对角色的热爱”。热爱角色并非仅凭个人的好恶，而是从对角色的透彻认识之中产生的艺术创造激情。演员应尽可能深入理解剧本中所反映的生活，感受剧本所描写的戏剧情境和人物周围的气氛，调动自己全部生活积累，用自己的体会去接近角色心灵，设身处地地想象角色的深层精神生活，捕捉与自己所见所闻所亲历的生活现象吻合的亮点，在自己的心灵中生长出角色的形象萌芽，这是表演创造的起点。三、角色的分析

角色的分析是角色创造的基础。演员对于角色的分析从初读剧本时就应该开始了。初读剧本时，角色的印象对演员往往是最为真切、最为鲜明生动的，同时还会引起演员对生活的许多真切的感受及联想，这些感受及联想会成为演员以后进行人物形象创造时的非常重要的契机和宝贵财富.斯坦尼斯拉夫斯基非常确切地阐述了演员和角色的“初次”见面对演员创作的影响和作用：“演员和角色认识的时刻可以比做未来恋人或夫妻的初次见面。这样的时刻是难以忘怀的。我认为最初的印象几乎具有决定性的意义。

因此，演员要在不断地对剧本进行反反复复地分析和结合自己的体验的基础上，找到并且能够把自己所确定的角色的最高任务时时刻刻记在心里，并且使它深入到自己的思想情感中去，让它能够激发起自己的创作冲动，时时刻刻向自己指示出角色的内心生活和自己的创作目标。

《雷雨》一剧中，出场的各个人物之间都有着错综复杂的微妙关系。周朴园与鲁侍萍，周朴园与蘩漪，蘩漪与周萍，周萍与四凤，四凤与周冲等等。演员在分析角色与自己之间的关系时，一定要具体，细致。此外演员还应该展开想象，丰富与发展剧本中所提供的事实，具体地感觉到角色之间的心理态度和发展变化，使角色之间的关系对于演员来说，不仅仅停留在理性的认识上，而且要真正地感觉到。

四、角色的体验与体现

演员在进行角色的创造时，应该在自己的心中先产生角色的人物形象，焦菊隐先生把这种在创造舞台人物形象时首先在心中产生出来的形象称之为“心象”。所谓“心象”，就是演员在对剧本和角色的理解与认识的基础上，经过对生活素材的筛选，通过想象的加工而在心中呈现出来的角色形象的蓝图。在表演中，“心象”建立的过程可以说就是演员对于角色的形象构思的过程。因此，角色构思的主要任务就是演员要在自己的心中建立角色的“心象”。演员在构思时所要建立的角色“心象”，应该是在演员的心里出现一个活生生的人―――包括可以感知的角色的心灵和演员的内心视觉与内心知觉可以感知的角色的心灵，演员的内心视觉与内心听觉可以感知的角色的外部特征。

演员在塑造人物过程中，应该对人物不断地有一个深入的感觉与把握。在导演的指导下不断调整与修正自己的表演，理清角色的行动线、思想线和情感线，把握住角色的最高任务和贯穿行动，调整每场戏的速度和节奏。这样，演员就基本上把“心象”转化为“形象”了。

在排演《净化论》这一音乐剧，在最初阶段首先仔细的阅读剧本，并且搜集了关于表演学校的一些新闻和趣事，并去了解那里的老师和同学们的思想觉悟、生活习惯等等。因为在角色分析阶段，对于角色的内心生活的理解与探寻占有比较重要的地位，而在角色的构思阶段，则不能忽视角色外部的东西。在对安吉拉（形体课老师）这一角色最初的塑造阶段，除了做到上面谈到的一些案头工作以外，在自己心中也要建立角色的“心象”。在整个排演过程中，通过最初阶段对剧本的了解，了解了安吉拉这一角色的性格特征，所以在排练过程中不论在声音、形体、表情、动作的节奏和频率等等都在不断地调整与精心设计，因为，我们在表演的过程中发现演员在塑造一个角色时不仅要做到仔细的分析剧本与角色，还应该在体现角色的过程中做到用语言、形体、眼神等等塑造角色，只有这样我们才能准确地塑造出一个活生生有血有肉的舞台人物形象。

五、结语

综上所述，戏剧表演集舞台表演艺术、戏曲艺术、歌舞艺术于一体。一个好的戏剧演员，只有具备丰富的生活体验、精深的表演技巧、全方位的舞台修养，才能塑造出真实、形象丰满、具有极高艺术感染力的舞台人物形象。

参考文献：

[1]杨瑟瑟.浅议话剧舞台表演中真实感的塑造[J].青春岁月，2012，（04）.

[2]卢毅.浅析表演教学中的基础训练[J].教育教学论坛，2011，（23）.

[3]林艳.回归表演原生态的仪式―――关于大学校园戏剧表演状态的思考[J].科教文汇（中旬刊），2007，（11）.

篇8

【关键词】戏曲；表演艺术；特点

中国戏曲是我国文化的精髓，体现出传统文化的博大精深，同时也极大地丰富了艺术形式。戏曲包含着多种不同的表演艺术形式，在塑造特定的人物和在特定情境中进行表演时，也对演员提出了不同的要求。演员在表演戏曲艺术时不仅需要运用演唱的形式同时还要综合运用动作、神态等来塑造和表现人物形象，也使得戏曲表演具有独特的艺术特征，分析和抓住这些艺术特征才能更好地推动中国戏曲的传播和发展。

一、综合性

传统意义上将戏曲表演艺术手段简洁地归纳为唱念做打，这几个简单的文字包含着戏曲艺术手段的性质和形态，也能体现出戏曲表演艺术是一门综合性的表演形式，这几个方面缺一不可。戏曲表演艺术的综合性特征要求演员要具备高超的演绎技巧，同时也要能够将戏剧表演的多种表演形式和表演手段进行有效融合，实现综合性的演艺，从而更好地凸显戏曲的魅力，推动戏曲的发展和传承。例如，在呈现戏曲人物形象时，表演者除了要具备扎实的基本功以外，还需要具备舞蹈、节奏等多个方面的知识和技巧，只有将这些技巧进行综合运用，才能使得人物呈现更加鲜活生动。因此，戏曲表演者要重视将多种艺术手段进行综合，有效体现表演艺术的特点，为戏剧表演系统的完善以及戏曲的发展作出贡献。

二、平衡性

戏曲表演艺术是我国传统文化的体现，而传统文化中崇尚平衡的思想也渗透到戏曲表演艺术当中。传统的戏曲脚本当中强调起承转合这一平衡结构，在舞台调度、空间处理、音乐铺陈等方面同样对平衡有一定的要求，因此可以说，戏曲表演艺术处处充满着平衡之美。另外，戏曲表演艺术也对演员提出了较高的要求，除了能够扎实地掌握唱念做打以外，还要具有真诚自然的表演，一招一式以及唱腔都要做到协调和平衡，也因此使得戏曲表演艺术将平衡作为关注的重点。一方面，在唱腔上要确保气息的平衡，而且只有找准气息平衡点，才能够达到一个最佳的演唱状态，并对唱腔具有良好的控制水平，为戏曲表演提供保障。另一方面，戏曲演员在表演上必须要把握平衡，在形体方面必须掌握完善的平衡技巧，使得肢体能够协调舒展，而内在的表演技巧也要保证平衡，从而更好地呈现人物。

三、程式化

程式化特征是我国戏曲表演的主要特征，任何一种形式的戏曲表演都必须遵循相应的程式规则，在表演中不能够出现自然形态的原貌，这样才能够让戏曲的表演具有差异性和丰富性。自然形态的戏剧素材在实际的表演当中必须要依照美的原则进行概括、夸张、提炼以及变形，将自然形态的戏剧材料变成具有严整格律和鲜明节奏的程式。戏曲表演的程式在不同的行当当中具有一定的表演界限和程式化要求，例如，武生和武旦在表演时要威武刚强；花旦要天真活泼；青衣稳重端庄；小生温文尔雅。这些都体现出戏曲程式化和规范化的表演，也是将实际生活中的语言、心理、动作等各个方面的内容进行规律化的转变，最后用程式化的方式表现出来，最终将戏曲作品呈现在舞台当中，为观众带去别有韵味的艺术表演。

四、虚拟性

戏曲表演艺术动作在编排和表演中是有整套程式构成的，这也决定了戏曲表演具有虚拟性的特征，如在戏曲表演中开关门、上下楼等具有生活气息的表演动作，都采用虚拟的方法来表演，另外在戏曲表演中往往会以鞭代马、用桨代舟，运用一定的虚拟动作和道具来引发观众的想象，使得观众能够透过这些舞台动作联想到生活当中的实际内容。但是这样虚拟化的动作表演必须做到准确和恰当，否则会让人感觉到虚假，只有将虚拟化特征运用准确得当才能突出演员的动作，感受到生活之美。炉火纯青的戏曲表演会让观众获得真实感，这样的真实主要来源于演员的细致做工和动作的逼真。戏曲表演当中的虚拟动作会让整个表演更加逼真和富有美感，不仅有助于鲜明形象的确立，也能够对观众的联想力起到启发作用。中国戏曲具有悠久的历史和深厚的文化底蕴，为我国传统文化的传承发展以及艺术水平的提高作出了突出贡献。戏曲表演是一门技巧性和综合性的艺术形式，要求演员能够运用灵活多样的表演方法和技巧来塑造戏曲作品中的形象，生动形象地表达戏曲作品的思想内涵，同时也让戏曲表演艺术的特征更加鲜明，通过对艺术特点的分析能够进一步促进戏曲表演艺术的完善与发展。

参考文献：

[1]邱绍荣.中国戏曲表演艺术的特点探微[J].大众文艺理论,2012,(20):245-246.

[2]刘红.中国戏曲表演艺术的特点与审视[J].大众文艺,2013,(8):41-42.

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一、民族声乐表演是情感流动与再创作的过程

民族声乐表演艺术是结合音乐与诗词文学的一种听觉艺术，表现形式多样且极具美学魅力。与视觉艺术不同的是：民族声乐表演艺术中，表演者在声乐作品与欣赏者之间架起了桥梁。因此，表演者首先要理解作品所要表达的情感与内涵，再通过民族声乐演唱技巧，将作品转化为演唱传达给观众。从民族声乐作品的创作过程来看，首先词作者在客观条件下产生一定的主观情感，将其倾注于作品中；曲作者在词作者的主观情感的基础上，以音乐的创作规律和动人的音符来阐述这种主观情感。因此，曲作者的创作意识要尊重词作者的主观情感，可以说作曲是对词作者作品进行音乐表达的二度创作。民族声乐作品则涵盖了从词作者到曲作者之间的情感流动。演唱者对民族声乐作品的表达十分重要。演唱者要充分理解创作者的意图和情感，通过演唱技巧准确地向观众表达创作者的创作思想和内心情感。因为演唱者的表演同样包含着自己对创作者及其作品的解析与表达，结合演唱者自身技巧与各种客观条件，在作品的演绎上存在着一定程度的演唱者的个人特点，即演唱者在表演上的再创作。由此可见，民族声乐表演相较于其他艺术形式，有着更为复杂的情感流动和再创作过程。

二、接受美学理论对于民族声乐表演的重要性

接受美学理论提出于20世纪60年代，在此之前各种艺术形式的研究都忽略了受众的存在价值，而以美学家汉斯•罗伯特•姚斯和沃尔夫冈•伊塞尔为代表的康斯坦茨学派对这种情况提出了质疑，接受美学的概念从此进入艺术研究领域。“文艺的本质是它的人际交流性质，这种性质的根据是它独特的对象性——不是死的物而是活生生的人，这决定了文艺作为一种交流媒介，不能脱离其观察者而独立存在。”姚斯的这段话明确表明了文艺的人际交流性质，肯定了受众在艺术中的客观存在价值——受众对于艺术作品的欣赏，使得艺术作品的审美特性向现实转变。因此，受众对艺术的接受审美对艺术本身的发展有着重要的现实意义。民族声乐表演艺术作为传统的艺术形式之一，对其进行的艺术研究应该重视受众的存在价值。然而，传统的民族声乐表演艺术研究往往忽略了欣赏者的存在价值，使得接受美学“作者——作品——欣赏者”三位一体的艺术研究体系被割裂，对于民族声乐表演艺术的发展产生了不利的影响。

三、接受美学理论在民族声乐表演中的表现形式和作用

（一）接受美学在民族声乐表演中的表现形式

民族声乐艺术包含词曲作者和表演者的复杂的情感流动和再创作。欣赏者对于民族声乐表演的审美主要侧重于对作品情感的感受，欣赏者的审美过程通常有“审美准备”和“审美接受”两种表现形式。一是“审美准备”。欣赏者在欣赏民族声乐表演之前，客观存在着一种欣赏期待。这种审美期待与欣赏者自身所处的社会环境和教育水平，以及自身需求有着密切的联系。因此，表演者在表演之前要充分考虑到欣赏者的审美准备，将其纳入表演艺术再创作中，通过与欣赏者之间的交流，对表演艺术进行全面的审视，努力建立与欣赏者之间的情感沟通。二是“审美接受”。民族声乐表演艺术中，表演者将无生命的文字、音符通过有层次的演唱传达到欣赏者耳中。欣赏者的情感处于一种被演唱者唤醒的状态，演唱者需要通过表演及再创作，激发欣赏者的情感，使其能够最大程度地感知作品的情感和思想，并积极回应作品的情感。在此过程中，表演者要充分调动欣赏者的想象，使欣赏者的审美活动更为自主、强烈。

（二）接受美学对于民族声乐表演艺术的作用

篇10

文化艺术演出中所要借鉴的各种所需用品都被通俗地称为道具。大道具、小道具、装饰道具和随身道具都属于道具。道具在不同的时期表现出不同的设计形式，戏曲中的道具也随着时代的改变而演变，顺应着时代的需求而日渐丰富，凸显艺术价值和艺术魅力。道具随着社会的发展也渐渐有了实意和表意这两种不同的设计风格。现今的科技发展也给舞台道具烙上了时代的印记，使舞台道具能够充分地适应戏曲舞台的要求，完美地体现出戏曲表演艺术的魅力和商业价值。中国古代美学中的“写意”是我国戏曲常常借鉴的一种艺术表现形式，一直以来中国古代美学“写意”的虚拟这一特点始终是我国戏曲表演艺术沿用至今的技法和表演形式。中国戏曲表演艺术采用中国古代美学“写意”特点之一的虚拟，主要表现在对戏曲演员的舞蹈设计和戏曲舞台的舞台美术构思上。也正因为有了虚拟这种艺术形式的存在，戏曲舞台在建造设计时才有了更大的空间选择和更灵活的时间设置。观者在欣赏戏曲时总是看到不同的表演场景在不同的表演时间上总是相得益彰，完美至极，可以说没有混乱无序的情景发生。

舞台虽小，但在戏曲的表演艺术可以生动地演绎出江河湖海、万马奔腾、楼宇环绕、小桥流水……而这一切都要归功于戏曲表演艺术家精湛的演技和重要的舞台道具。当代的戏曲表现形式有了很大的变化，人们由过去的听戏渐渐地转变为看戏，科技的高速发展大大拓展了人们了解社会、接触艺术作品的渠道，而艺术门类也以不同的震撼力给予人们视觉和听觉的享受。现如今的社会被网络、影视等传播媒介覆盖，各种各样的艺术门类都紧抓着传播媒介来宣传自己。在这样的情况下，如何让传统艺术形式之一的戏曲表演艺术脱颖而出，是值得每位戏曲工作者深思的。众所周知，一桌二椅是戏曲舞台最重要的道具，也是戏曲中必不可少的万能道具，这一特殊而又平常的道具给观众上演了一场又一场精彩绝伦的好戏，在山地可以被作为坡地，在河流可以被作为渡船，在野外可以是木桥，可以是树木……这种看上去十分简单甚至简陋的舞台道具却承载着无限的表演寄托。道具的另一特点是其舞台装饰性。道具重要的特点还有指认性，其能使观者在欣赏戏曲时迅速地指认出戏曲内容的背景。在过去，戏曲表演者的社会地位极其低下，为了生活往往需要跨地区流动性演出，所以舞台道具的便捷性就显得尤为重要。当时的道具简洁、便利、小巧，同时又能被用来形象地模拟场景中相对应的事物。

戏曲舞台上最常用也是最好用的道具之一就是桌子和椅子了，这一特殊的设计环境造就的特殊的道具在其他艺术形式中比较少见，所以渐渐地成了戏曲舞台特有的舞台美术设计。因为戏曲的表现风格需要，戏曲舞台设计者必须具有以虚为主和虚实结合的戏曲舞台设计思维。戏曲的艺术特点——写意也影响到舞台设计理念。“没有什么是不可以虚拟的”正是戏曲舞台艺术形式的特点之一，包括舞台整体的虚拟和某个地方的虚拟。设计者可以利用碗、扇子、镜子等舞台道具来虚拟戏曲场景中的对应物，充分引发观众对道具所虚拟的物体产生联想——可以是万马奔腾，或是小桥流水……利用一切可利用的材料和制作工艺，满足舞台表演道具在剧中的最大配合，是设计者必不可少的制作路径。戏曲的表演艺术总是以生动的形象展现人物心理、时代面貌以及贴近人们生活的故事情节，引人入胜，这其中道具是功不可没的。舞台道具设计者几乎将生活中见到的景物都照搬到舞台上，来满足舞台表演的需要，给观众最真实的视觉震撼和心灵感悟。