歌曲演唱范文10篇

歌曲演唱范文篇1

一、选择适应自己演唱的歌曲

根据自己嗓音条件、音色、演唱的风格。1、要选择自己喜爱和观众所能接受的歌曲，发自内心去歌唱，才能产生歌唱者和听众心理上的交流和共鸣。2、选择适合自己的声音音域范围之内的歌曲，演唱能力所及的歌曲，如超出了自身所能承受能力的限制，那么，肯定是唱不好这首歌曲的。3、自然的歌唱仍是唱好一首歌曲的大前提，因为唱歌是人的一种本能活动，人的身体各个机能的紧张与放松、情绪的高涨与低落、思想的集中与松弛都会影响歌唱。同时，也是与歌唱方法和习惯与身体各个部位自然动作的协调分不开的。

二、熟悉、深入、完善声乐作品

当你选择后声乐作品后，不要立即去演唱，而要有充分的准备，而且对歌曲要熟悉，要深入研究，做好作品的案头设计工作。

第一，熟读歌词，高位置的普通话朗诵歌词，加深内歌词内容的深刻理解。第二，试唱作品的曲调，掌握曲调的音准、节奏以及各种速度、力度、表情述语的变化。第三，根据歌词与旋律的配合，处理好乐句的划分。第四，分析研究作品的时代背景，并且熟悉伴奏的织体。第五，根据不同类型、不同风格的作品选择演唱的方法、形式与手段。第六，增强歌曲情感的处理，加强艺术的表现能力，使音乐、歌声、语言三者有机地结合起来，呈现给观众。

三、加强演唱技能的训练

好的演唱，除了声音优美悦耳，感情真挚动人，语言形象准确外，更重要的一点就是要使声音运用自如。如果演唱者缺乏自如运用声音的能力，即使演唱一首音域不宽、句式不长的小歌曲，也同样不能去表达歌曲的内容。虽然发声技巧只是艺术表现的手段之一，但它在歌唱艺术中，却起着举足轻重的作用。

（一）要有良好的歌唱状态

发自内心的强烈歌唱欲望，全身心地投入到歌唱中去。要求身体健康，精神振奋，排除一切的杂念与干扰。过分的紧张与松弛都会影响良好的歌唱状态。正确的演唱姿势应是：身体自然垂直、颈部放松、头略微仰起、胸部自然挺起而不是提起、两肩微向后开、两臂自然下垂、两腿自然站立承受周身的压力和重心，两眼有神平视前方。通过眼的传神、面部表情的变化、语言的准确、声音的流畅，这就能很好地把作品的内容、情感的变化表现出来。

（二）良好的呼吸状态是歌唱技巧中的关键

要唱好歌，首先要懂得如何用气。歌唱的艺术就是呼吸的艺术。生活中的呼吸状态是呼和吸有规律有节奏地交替循环的活动。而歌唱时的呼吸，就是在生活中呼吸的基础上，使下意识的呼吸状态变为有意识地加以调节和控制的呼吸状态。（三）掌握好歌唱中的换气

要掌握好在呼和吸的呼吸过程中转换的衔接点出换气，既要在两个乐句之间换气，在小节线上换气，在休止符上换气，在符点出偷换气，切忌在乐句的中间或一字多音的连线上换气。这样会造成乐句不连贯、歌词意思不明确、旋律不流畅等现象。在换气时要保持上胸的挺起不能塌陷，在腰围出换气而不是在上胸出换气，做到字断音不断的良好换气状态。在两个乐句之间的逗点出换气，而不是在小节线上换气，如在小节线上换气，会隔开歌词的意思，破坏乐句的连贯性。此歌曲还在休止符处换气。

（四）歌唱应充分利用混合共鸣，以求声区的统一

为了使声音更加丰满动听和富有光泽的金属感，处了有正确的呼吸支点和正确的换气外，歌唱中还要运用整体共鸣，既混合共鸣。唱高音时不要脱离胸腔和口、喉咽腔的支持，唱底音时不要脱离头腔和口、喉咽腔的支持，使底气的点、胸腔共鸣点、口咽腔点、鼻腔、头腔等个个共鸣点呈一畅通的直线，做到底音区、中音区、高音区声音的统一，逐步过渡、调色，以求得富有金属感和穿透力较强的声音。

（五）美好的声音要和准确的歌曲语言结合起来

歌声不能脱离歌词而抽象的存在。它的存在是通过唱字，既咬字吐字器官和气息、共鸣器官的协调所产生的音响。咬字吐字也是歌唱中的一个组成部分，要对歌曲的内容有深刻的理解，要让观众听明白自己唱的是什么。

生活中的语言与歌唱中的语言在发音过程中要根本的区别。歌唱中所使用的语言比生活语言更形象、更集中。演唱时要把歌词进行艺术加工，采用高位置朗诵和哼鸣熟悉歌词，要强调字头重音，通过气息、共鸣腔体、咬字吐字器官，把字送往上口盖以上的高位置上，做到抓住字头准确，掌握字腹丰满，字尾轻收的规律，强调字头、字腹、字尾的相互关系和比例。求得字与声的统一，达到字正腔圆的效果。

（六）音准、节奏、述语、演唱风格

要熟悉歌曲本身的基本要求。没有很好的音准，也就没有很好的旋律，小小的误差会使旋律弄的面目全非。掌握节奏的准确就要保持原作品对节奏的要求，还有时代节奏对原作品的改变。不同的节奏和节奏型，会塑造不同的音乐形象和音乐风格。对进行曲、颂歌、舞曲等作品的节奏处理就不能类同起来。对一首歌曲的节奏处理也不能只是机械地节奏模仿，要用轻、重、缓、急、强、弱、快、慢的节奏、来表达歌曲的完整性。对不同类型不同风格的歌曲，从一般群众歌曲到创作歌曲或较大的艺术歌曲，从缓慢的抒情歌曲到节奏鲜明、跳跃性强的快节奏歌曲都要采用不同的演唱方法和演唱手段来处理歌曲。用低沉、浑厚、扎实、明亮、轻巧的低音、中音、高音的不同音色来演唱不同声乐类型的歌曲，用在真声基础上加入混合声、假声成分，声音稍靠前的民族唱法，演唱《乌苏里船歌》、《挑担茶叶上北京》、《山丹丹开花红艳艳》等民族歌曲；用以混声为主、穿透力较强的美声唱法，演唱《我爱你中国》、《我站在铁索桥上》等艺术歌曲；用以气声为主、热情奔放的通俗唱法，演唱《苦篱笆》、《好人一生平安》等现在优秀创作歌曲。

歌曲演唱范文篇2

最初的德国艺术歌曲走的是一个探索的道路，紧接着走向成熟时期，辉煌时期。海顿的艺术歌曲表达了诗歌的意境美；莫扎特的艺术歌曲则更注重表现人物和剧情，而贝多芬的艺术歌曲刚刚探索到精神境界。舒伯特的艺术歌曲开创了艺术歌曲的新纪元，在诗歌中得到无情无尽的灵感。包含了包罗万象的表现形式，来源不断的曲调旋律，色彩斑斓的各种调性，以及伴奏中各式各样的音乐形象和美的意境。紧接着舒曼的艺术歌曲，继承了舒伯特的创作传统。更追求高尚的境界，注重诗歌与音乐的完美结合，注重钢琴伴奏中的节奏表现，使艺术歌曲更加完美。而勃拉姆斯在音乐的语言上也继承了舒伯特的传统，而沃尔夫则更偏于舒曼，更重视文学方面。诗词的内容、语言和音乐三者结合，达到一种浑然一体的境界。之后还有马勒、勋伯格、贝尔格，威伯恩等作曲家。他们为德奥艺术歌曲做出重大贡献。这就是德国艺术歌曲的发展线索。

二、《爱之歌》作曲家

罗伯特•舒曼（RobertSchumann）19世纪的德国作曲家、音乐评论家。年仅46岁，一生创作240多首艺术歌曲。他足以代表浪漫主义音乐最纯粹的本质。他的作品有丰富的感染力，有期待、有梦幻。他不是浪漫时期的产物，而是浪漫时期的推动者。他是与生俱来的浪漫主义者。他认为音乐是他感觉的精神语言，是一个巨大而无形的牵引线，统一着他的精神。他天生就是诗人也是音乐家。艺术歌曲的特点是将古典的结构和浪漫情感融为一体，既清新富有活力，又善于抒情。他细腻的写出钢琴伴奏声部，与歌唱部分紧密相连，还能充分的表达出诗词的意境，使诗意更加真实，明朗。他在诗歌、旋律、和声、节奏上都有自己的特点，充满了浪漫主义梦幻色彩，称为“音乐诗人”。

三、舒曼——Liebeslied《爱之歌》

1、作品介绍：作品号OP.51.NO.5；作词歌德（JohannW.Goethe）；G大调作品；4/4拍子；再现单三部曲式结构。2、歌词：①DirzueröffnenmeinHerzverlangtmich音标：[di:r][tsu:][εrœfnən][main][hεrts][fεrlat][mi：Ç]渴望着你来打开我的心扉；德语解说：元音后没有辅音或只有一个辅音时发“长元音”，例如：Dir[i:]。两个相同辅音前面元音发“短元音”，例如：eröffnen[œ]。辅音字母“z”在词首时或词尾时发[ts]例如：zu[ts];Herz[ts]。辅音字母“v”在词首时发[f].例如：verlangt[f].字母组合“ng”与拼音“eng”相似.字母组合“ei”发[ai].例如：mein[ai].②hörtichvondeinem,darnachverlangtmich音标：[hø:rt][i:Ç][fo:n][dainəm],[darna:x][fεrlaŋt][mi:Ç]渴望着听到你的声音；德语解说：字母组合“ch”在元音“i”后发[Ç].例如：ich[x];在元音“a”后发[x].例如：nach[x].③wieblicktsotraurigdieWeltmichan音标：[vi:][blikt][zo:][trauriÇ][di:][vεlt]正如世界如此悲伤地望着我。德语解说：字母组合“ck”发[k].例如：blickt[k].字母组合“au”发[au].字母组合“ig”在词尾发[iÇ].traurig[au][iÇ].④InmeinemSinnewohnetmeinFreundnur音标：[i:n][mainəm][zinə][vo:nət][main][frɔint][nu:r]我的脑海中只有你的存在；德语解说：辅音字母“s”在词首时发[z].“e”在词尾发[ə].例如：Sinne[z][ə].辅音字母组合“eu”发[ɔi].字母“d”在词尾发[t].例如：Freund[ɔi][t].⑤undsonstenkeinerundkeineFeindspur音标[unt][zɔnstən][kainr][unt][kainə][faint][ʃpu:r]再也没有其他人占据我的心房。德语解说：字母组合“sp”词首发[ʃp].⑥WieSonnenaufgangwardmireinVorsatz!音标：[vi:][zɔnənaufgaŋ][vart][mi:r][ain][fo:rzats]就像初升的太阳，我决心已定！⑦MeinLebenwillichnurzumGeschäftevonseinerLiebemachen音标：[main][le:bə][vil][i:Ç][nu:r][ts:m][gəʃftə][fo:n][zainr][li:bə][maxən]对他的爱将是我的全部。德语解说：辅音字母组合“sch”发[ʃ].例如：Geschäfte[ʃ].⑧ichdenkeseiner,mirblutetdasHerz,Krafthab'ichkeine音标：[i:Ç][dεŋkə][zainr],[mi:r][blu:t][da:s][hεrts],[kraft][ha:biÇ][kainə]想到他，我便心血沸腾，耗尽心力。⑨alsihnzuliebensorechtimStillen;wassolldaswerden!音标：[als][i:n][ts:u][li:bən][zo:][rεÇt][i:m][stilən];[vas][zɔl][das][vεrdən]再也无法平静；我该如何！德语解说：“ih”组合发长音“[i:]”.例如：ihn[i:].⑩Willihnumarmenundkannesnicht,undkannesnicht音标：[vil][i:n][umarmən][unt][kan][εs][ni:Çt],[unt][kan][εs][ni:Çt]多想拥抱他，却又不能。3、歌曲处理：歌曲的伴奏织体是分解开放式的琶音奏法，左右手交替的十六分音符，演唱时要更加连贯，流畅，气息要流动，注意乐句与乐句的连接，声音要柔和柔美，旋律富有抒情性。旋律清晰抒情，优美动听，流畅委婉，富有诗意。音乐表现上情感要细腻温柔富有浪漫情调。演唱时表达情感所在，音乐起伏不大，层层推进的感觉，把控情感上的变化，节奏要平稳。不要拖，跟伴奏结合一起。在35小节到达高潮。这口腔位置不变，放松嘴唇和社，呼吸平稳。第4小节、24小节出现临时变化音，注意音准。每个乐句弱起进入，要学会在空拍上进行换气，才能把歌曲唱的连贯，完整。连续乐句的弱起带给听众是一种紧迫感,在呼吸上容易造成快吸，急吸的演唱特点。气息的流动形成声音的活力，一般注意节奏上的把控。声音要求饱满，富有弹性，把声音的强弱处理与音乐结合在一起，保持声音的位置，不要因为音乐起伏而改变腔体的状态，使声音始终保持在一条线上流动。歌曲中有四分附点音符要唱的准确，清晰。

四、舒曼——(DobistwieeineBlume)《你好像一朵鲜花》

1、作品介绍：《你好像一朵鲜花》创作于1839年。作品号为OP25.NO.24.词作者是德国著名诗人海涅。作品为一部曲式结构。复乐段a+b.方整性乐段。单一调性乐段，收拢性乐段，在作品中使用大小调交换，离调等表现手法。降A大调，2/4拍子，速度是66-69。这是舒曼纪念与克拉拉结婚时送她的新婚礼物声乐套曲《姚金娘》其中的一曲。速度是慢板。2、歌词：①DubistwieeineBlume,你好比一朵鲜花，[du:][bist][ainə][blu:mə]②Soholdundschönundrein;那样温情、美丽、纯洁；[zo:][hɔlt][unt][ʃø:n][unt][rain]③Ichschau’dichan,undWehmut我凝视着你，不由[iÇ][ʃau][diÇ][an],[unt][ve:mu:t]④SchleichtmirinsHerzhinein.涌起一阵悲切。[ʃlaiÇt][mi:r][i:ns][hεts][hinain]⑤MiristalsobichdieHände我真渴望用我的手[mi:r][ist][als][op][iÇ][di:][hεndə]⑥AufsHauptdirlegensollt,抚摸着你的头[aufs][haupt][di:r][le:gən][zɔlt]⑦Betend,daßGottdicherhalte我祈求上帝保佑你[be:tənt],[da:s][gɔt][di:Ç][εrhaltə]⑧Soreinundschönundhold.永远美丽、纯洁、温情。[zo:][rain][unt][ʃø:n][unt][hɔlt].3、歌曲处理：歌唱是一种听觉艺术，一首作品由词作者，曲作者创作出来，但都在纸上展现，听众并不能从纸上听出声音，所以要通过演唱，唱出歌曲的曲调。演唱者要尊重作曲家的原作，根据后期对作品的理解，分析，进行研究后二度创作完成作品。钢琴尾声部分演唱者根据自身的歌唱方式把声音自然延伸，要与钢琴伴奏配合好。此乐曲弱起进，如果在演唱中不重视。那么会影响歌曲的表现色彩。注意三连音节奏型要唱准确，歌曲中的强弱对比要拿捏到位，对于谱面上的强弱记号，速度的变化尽可能的按照作曲家的要求去处理。在演唱作品时，如果不注意节奏的处理，那么歌曲就会变得平淡，感情是推动气息变化的内在动力。如果没有动情，气息就是停滞的，声音便呆板苍白也没有活力。气息要随着情感流动，在歌曲中调节好呼吸，使歌曲富有活力。把自身对歌曲所理解的情感抒发表达出来，做到声情并茂的演唱。

五、德语语言处理

声乐作品是语言和音乐共同结合的一种完美的艺术综合体。语言风格在很大程度上都影响着演唱的风格，本文研究的两首都是德语作品，在德语演唱上要做到发音准确到位，德语是多辅音的语言，在唱清楚辅音之前又怎样不影响声音的连贯和通畅和节奏上的拖拍现象，这需要在演唱之前弄清楚辅音的唱法。每个辅音都要清晰有力，怎样把辅音正确与音乐中的节奏组合起来并进行演唱并不是很容易的，在学习和实践中，不断学习，摸索，弄清楚发音的规则。刚开始接触艺术歌曲作品时，先要从德语的基本发音和读音规则出发，对音乐中德语语言进行系统，扎实，严谨的训练和学习。德语和汉语的发音差异很大，元音字母有长有短，还有开口音，闭口音的区别，所以学习德语要细心，细致，准确，达到纯正。

六、与钢琴伴奏的合作

演唱者与钢琴伴奏的完美配合是声乐演唱表演艺术最普遍的一种表演形式，是一种合作艺术。歌唱者与伴奏者要相互配合，互相倾听，伴奏者的音量不要强于歌唱者，演奏的情绪要与歌唱者步调一致，伴奏者与演唱者的适应能力和舞台的应变反应能力要极强。演唱者与伴奏者要在节奏配合上培养默契的能力。针对钢琴伴奏与歌唱者拿到声乐作品后，都要经过了解乐曲的背景，内容，风格，歌词意思，旋律、调式、和声。把控好乐曲的音色，节奏，力度速度，表情等音乐要素，然后进行试奏和视唱，练习的过程中两人要不断地切磋，研究，探讨在配合上的一些不足。需要多次的实践，配合来达到人声与钢琴的融合，达到最美的合作配合效果，更好的来完善声乐作品。

参考文献

[1]赵梅伯.声乐的艺术[M].上海:上海音乐出版社,2008.

[2]胡郁青.中外声乐发展史[M].重庆:西南师范大学出版社,2007.

歌曲演唱范文篇3

关键词：舒曼；献词；版本比较

一、舒曼艺术歌曲《献词》的作品分析

（一）旋律、节奏分析。《献词》是舒曼在结婚前夜送给他的新娘克拉拉的结婚礼物OP.25《桃金娘》歌曲集中的第一首，这首歌曲为带再现的单三段曲式结构。从前奏开始，钢琴伴奏声部用bA大调主和弦的分解和弦方式，加入一拍附点的节奏，突出结婚前夜舒曼激动喜悦的心情，热烈而急切，而后人声似陈述般进入。第二句开始旋律出现了一个小高音f2而后旋律以音阶下行的方式进行。到了第8小节，出现了一个变化音也是全曲最高音bg2把旋律推向了全曲的高潮。第三句开始虽说旋律起伏趋于平缓，但歌曲内在的情感却更加浓烈，同样的伴奏织体稍有变化但总体还是持续到A段结束。B段开始，旋律转调到E大调，整体音乐风格有一个明显的转变，歌曲旋律音区整体下移趋于平静，节奏速度较之前更加平缓安宁，仿佛圣咏般的低声诉说。钢琴伴奏织体转为E大调主和弦的柱式和弦，以二分音符三连音的形式连续进行，而伴奏左手的旋律主要按照歌曲旋律的走向以两拍加一拍的方式进行。到第18至19小节，左手旋律出现了变音而且节奏出现变化，尤其是19小节以半音上行的方式增加了旋律的变幻。第22小节歌曲旋律是A段中6-9小节的变形，伴奏织体依旧是柱式和弦的三连音进行，同时左手旋律也转变成柱式和弦织体，这使歌曲的紧张感逐渐增强，直到第26小节调性的变化使得伴奏织体回归A段的形式。再现的A段只有两句，第一句完全重复，第二句在结尾处做了减慢处理，是之前A段总体的一个升华。（二）歌词分析。《献词》的歌词选自吕格特为自己与妻子喜结良缘时发表的诗集《爱之春》中的诗。在同样的情景下，舒曼感同身受，喜悦之情溢于言表，用灵魂、心、欢乐痛苦、世界等一系列的赞美之词比喻成新娘克拉拉，体会到舒曼对克拉拉浓烈而又热烈的爱意。B段平和的旋律加上歌词“你是安宁，你是那和平”与A段强烈的感情色彩形成了鲜明的对比。A’段结合重复了A、B段的歌词，是整首歌情感的综合和升华。整首歌曲幸福感溢满，演唱时歌者不仅要体会幸福，也要把握纯洁的爱情。

二、演唱版本比较

歌曲演唱范文篇4

【关键词】艺术歌曲；演唱版本；演唱风格歌曲

《教我如何不想他》由刘半农先生作词，赵元任先生谱曲，是我国早期的艺术歌曲之一，完美地结合了中西方的音乐元素，歌词里潜藏着作者对祖国无限深厚的思恋之情。此曲创作于“五四”运动前后，反映了当时的热血青年对新文化、新艺术、新音乐的渴望与追求。这首歌曲篇幅短小，适宜，结构规整，旋律优美，将音乐与诗歌完美结合。

一、词、曲作者的介绍

（一）词作者刘半农的介绍。刘半农，江苏江阴人，当代学者,早期白话诗的倡始者之一。刘半农主要著作有诗集《扬鞭集》《瓦釜集》等。在去法国留学的游轮上，刘半农先生有感而发，写下了充满着浓浓的爱国、恋国之情的诗集。《教我如何不想他》这首艺术作品的歌词便出自这部诗集。（二）曲作者赵元任的介绍。赵元任，江苏武进人，中国现代著名学者、语言学家、音乐家，也是中国当代语言学的重要奠基人。赵元任先生凭借着卓越的语言天赋，在“五四”运动期间从事对各地方言考察记录研究和中国古代相关声韵文献的工作。突出反映“五四”精神题材的独唱歌曲《教我如何不想他》也就是在这个时候完成创作的。赵元任先生的音乐作品旋律流畅优美，特征鲜明且富于抒情性，创作风格极为独特。他的音乐作品对中国音乐的发展有着不可替代的影响。“替我国音乐界开了一个新纪元”，伟大的音乐大家肖友梅曾如此高度赞扬赵元任。

二、歌曲的创作背景及曲式结构分析

（一）创作背景。艺术歌曲《教我如何不想他》于1926年创作完成，作品反映了期间的青年学生们为追求个性解放而努力的摆脱封建礼教的束缚的主题。伴随着马克思主义思想的迅速传播。新文学、新艺术、新音乐的艺术创新思想在中国得到了全新的发展。“时代性、创新性”也成为此艺术创作的时代标志。刘半农先生强烈的思乡情愫与赵元任先生的新思潮思想发生了强烈碰撞，赵先生以“音乐”这种类特殊的方式，向世人展示了刘半农先生的新体诗词和他的新思想。《教我如何不想他》体现创作题材上的时代性和先进性，也抒发了词、曲作者对祖国未来的担忧和深切怀念之情。（二）曲式结构分析。《教我如何不想他》作为一首经典的艺术歌曲，歌曲由对美好自然景色的描绘引入如何不想他的主题。音乐采用多种调性布局，逐渐把情绪推向高潮。作曲家从境、象、情、味各方面入手并按照一年四季的景色划分对全曲进行构造。第一段是对春季的描绘，以E大调为主调，把天空中微云、微风的舞动与音乐的安静相结合，描述了一幅寂静安详相融洽的画面。第二段夏天的描绘，将夏日的海洋、月光，以柔和宁静的姿态交融在一起，抒发了作者内心浓浓的思恋情怀。第二段结束在B大调上，中间的间奏中又回到了E大调，各调性之间的变化推动了情绪的跌宕起伏。第三段描写了秋天的景物，从曲式结构上，对鱼儿、落花的近景描写，使用了不明亮的e小调。将宽广的G大调运用到了到我与燕子真切沟通时，略显激动澎湃之情隐含到了秋天寂寞苍凉的环境之中。第四段开始于e小调后转到E大调上去，主要是对冬天的描绘。把全曲推向了高潮的恰是火与风的动态场景，“西天还有些儿残霞”与“枯树在冷风里摇”遥相呼应，诗人的感叹也正好落在全曲的转折点上，把埋藏在心中的思乡之情化作孤寂为爱的野火燃烧了起来，把自己内心所受的深深痛苦与煎熬化为对美好未来的憧憬与希望。本曲是旋律与文学艺术的完美融合，结构精致，篇幅短小，内涵丰富，是一首经典的艺术作品。歌曲《教我如何不想他》凝结了词曲作家的心血，演唱者如果要将歌曲细腻的情感和内涵表达得更加完美，除了要具备扎实的演唱技巧之外还要兼具较高的领悟能力和艺术修养。

三、作品演唱版本之间的比较

（一）中国男高音歌唱家戴玉强演唱版本。戴玉强，河北省文安县人，中国三大男高音之一，世界著名男高音歌唱家。戴玉强用F调演唱了这首作品，比原调升高了半个调。戴玉强的音域宽广，中低声区流畅舒展，高声区声音金属感极强，明亮且有穿透力。在这首作品里，戴玉强的音色得到了充分体现，对整首作品的处理和整体把握展示出了高超的演唱功力。戴玉强在演唱歌曲时，尤为注重细节的处理，他巧妙地调整了几个关键性词语，这些处理几乎完全贴合场景的需要，对声音也控制得恰到好处。比如第一段中让我们看到了“微风”拥着“微云”的春天之景，展现了春天生机勃勃的活力。第二段中夜晚的“月光”吻着平静的“海洋”呈现出一幅宁静安逸的盛夏之景。第三段水面突显秋意的景物，以“落花”和水底的“鱼儿”为点睛之笔。第四段摇曳在冷风中的“枯树”与燃烧在暮色中的“野火”给人视觉中泛起严寒酷冬的画面感。戴玉强清楚地找到了每个季节的关键所在，在他深情的歌声里栩栩如生地准确表达出了每个季节的特点。与此同时，又将一个海外游子无限的思乡情愫毫无保留地展现给了观众。戴玉强用他那坚实却又不失柔情的嗓音，游刃有余的技巧以及大气而又不失细腻的演唱风格，将发自内心的深情和作品的精髓传递给了观众。（二）中国女高音歌唱家李谷一演唱版本。李谷一，出生于云南，祖籍湖南，国家一级演员，我国著名民族女高音歌唱家。李谷一的声音婉转流畅、吐字清晰、感情真挚，自成一派，是我国“气声唱法”第一人。李谷一的演唱颠覆了人们对民族唱法的固化思维，将中国的流行音乐引领到了一个全新的领域。李谷一的声音明亮甜美，具有清新的美感和亲切的表现力。正是因具备这样的音色，使得她在演唱民族风格的歌曲时显得更加游刃有余。在演唱这首作品时，她的声音正如她在演唱民族风格歌曲一样清脆甜美，吐字清晰，行腔婉转，气息流畅。李谷一淋漓尽致地把“气声唱法”的技巧运用在这首作品里，将虚实有度的吐字发音技巧融入到词句的处理中。从她的歌声中可以感受到，通过对景色、景物的描绘形象地刻画出作曲家思念祖国，思念亲人的那种缠绵之情。在这部作品的第四段，在对寒冬景色、景物描写时，李谷一融合了中国戏曲的“哭腔”技巧，更形象地刻画出冬天这个季节的压抑、沉重，表达了作者的情绪低沉。李谷一在作品最后高音“想”字上运用了渐强的演唱技巧，好像是把埋藏在心底的情感顷刻间倾诉出来。在尾音的处理上，李谷一将最后一个“他”字进行了长时值的渐弱的处理，让听众回味无穷，使人沉浸在作者浓浓的思恋之情中。（三）中国男中音歌唱家、声音教育家黎信昌演唱版本。黎信昌，我国知名男中音歌唱家，我国第一代声乐教育家。有着“稳稳实实、肯花力气、悉心追求从歌音的深处激发起真情以感人的一位精雕细刻的歌唱家”的美誉。黎信昌版本里的这首作品是用比原调低一个调的D调演唱。黎信昌的歌声兼具了男高音的甜美柔和以及男中音的浑厚圆润。黎信昌将细腻的情感融入到歌曲的演唱中，充分将观众带到了他用歌声描绘的世界里。乐句“教我如何不想他”始终贯穿整首作品中且皆处于每一乐段的结尾处，为了更好地展现出作曲家思念故乡的感情，黎信昌在乐句的演唱中运用了渐弱、渐慢的处理方式。黎信昌的演唱没有过多技巧上的展示，情感的表达也没有特别的夸张。正是这种朴实而真挚的声音与情感，加强了歌曲整体感和代入感。歌曲中所有的吐字和旋律都是那么自然的、发自内心的流露出来。这恰恰更加表露了歌曲诞生年代人们心底的那种青纯的思念和朴素的情感。在他的歌声中，对秋天景物、景色的描绘时，表现出作者低落的心情。在描绘冬天景物、景色时，又让人感受到了作者的心情则是压抑的。在演唱到作品的结尾时，他的音色变得明亮，给人以豁然开朗之感，好像是作者回到了祖国的怀抱，感受到了和“心爱的人”重逢时的喜悦之情。在作品结束句的“想”字上，黎信昌的高音弱唱处理恰到好处，既听不出单纯气息的痕迹也没有高音的尖锐之感，这也能看出黎信昌扎实的演唱功底和丰富的演出经验。总而言之，在整首歌曲的演唱中，黎信昌的声音控制得非常恰当，游刃有余。情感轻重的处理也是极有尺度，不做作，不夸张，丝丝入扣。

四、结论

歌曲《教我如何不想他》是在“五四”精神的影响下创作而成的，作品反映了当时的热血青年对新文化、新艺术、新音乐的渴望与追求，情感上充满了思念祖国之情和念旧之意。在本文列举的三个演唱版本中，歌唱家的声部不同，唱法不同，对作品的理解和表达都各有各自的特点。也正是因为这些不同，我们才有机会从不同层面和角度对作品进行更深层次的探析。这对于学习者来说可以更好地拓展演唱者的演唱视角，从不同角度挖掘出作品中更深层的艺术内涵，演唱出作品的精髓之处。与此同时，也能提高演唱者鉴赏和把握声乐作品的能力。演唱者还要在尊重原著的基础上大胆地进行二度创作，在深度剖析作品之后，将自己对歌曲的理解表达出来，形成自己独有的演唱风格。

参考文献

[1]李业道.“五四”精神和赵元任的音乐[J].北京:音乐研究,1992(03):22.

[2]吴国栋.民族音乐学概论[M].北京:人民音乐出版社,1997(03).

[3]吴瑕.论赵元任及其作品《教我如何不想他》的艺术特色[J].牡丹江师范学院学报(哲学社会科学版),2004(03).

[4]俞子正,田晓宝,张晓钟.声乐教学论[M].重庆:西南师范大学出版社,2006(06).

歌曲演唱范文篇5

关键词：黄自；《思乡》；演唱技巧

一、“思乡”的创作背景

《思乡》是黄自先生1932年完成的抒情性艺术歌曲，由著名的词作家韦瀚章先生填词。黄自先生具有强烈的爱国情怀，在那个黑暗动荡的年代，他把希望寄托于音乐创作，希望能以此激励人们团结共进，克服危难。故而创作了艺术歌曲《思乡》，这首歌曲深切的表达了黄自先生忧国忧民的爱国情怀，也刻画出海外万千游子对祖国母亲的思念以及盼望山河统一的美好期许。

二、“思乡”的音乐特点分析

（一）旋律特点。《思乡》是一首具有现实意义的抒情性艺术歌曲，有浓烈的浪漫主义气息，其旋律婉约优美，扣人心弦。前奏部分由钢琴弱力度演奏，轻快柔美的曲调仿佛早春时节万物萌发的声音，只要听过，便会在心底生根。第一乐段的首句歌词也呼应了前奏的意境，“柳丝系绿，清明才过了，”而紧随其后的“独自个凭栏无语，更那堪墙外鹃啼，一声声道，不如归去。”也清楚的向听众交代了第一乐段的整体情绪。《思乡》的第一乐段运用大量的半音变化手法，在浅吟低唱中借景抒怀，让人仿佛置身于清明的细雨中，在垂柳下与啼血的杜鹃一同为乡愁黯然神伤。第二乐段的旋律特点与第一乐段形成对比，“惹起了万种闲情，满怀别绪”用连续半音上行的手法使情绪到达新的高度，为高潮部分“问落花随渺渺微波是否向南流，我愿与他同去。”起到了很好的铺垫作用。《思乡》第二乐段的整体情绪更加高涨，旋律走向如点燃的火焰，越烧越猛，深刻的描绘出作者对时局担忧又无力改变的复杂心理。（二）调式调性分析。《思乡》是采用单二段曲式写成的，为降E大调行板（Andante），4/4拍子。整个歌曲结构规整，篇幅短小，风格雅致，由26小节组成。前奏3小节，第一乐段8小节，为4+4方整乐段。间奏4小节引用前奏第1小节前三个音，起转调过渡作用。第二乐段9小节，为4+5非方整性乐段，部分转为g小调，与第一乐段形成对比。尾声3小节，与第二乐段第9小节叠入一小节，全曲终止在主调主和弦的主音位置，完满结束全曲。

三、“思乡”的演唱技巧分析

（一）语言的运用。说到歌唱语言的运用，我们便要搞清楚“说与唱的区别”。生活交流中的语言表达只需要吐字清晰，把句意表达清楚即可，并不要求音色好坏，而歌唱中的吐字发音便要与之有所区分，它比生活中的语言更夸张，更要求表现力。以《思乡》第一乐段歌词“柳丝系绿，清明才过了，独自个凭栏无语，更那堪墙外鹃啼，一声声道不如归去”为例，针对这段歌词我们可以运用“两拼法”来演唱，“两拼法”即为在拼音中把声母和韵母作为两个独立的结构单位互相拼合（如：丝：s+i=si；系：x+i=xi）。“两拼法”要求字头的声母要咬的足够准确，声母咬完以后马上与韵母结合，绝不拖沓，这需要歌唱者声、唇、舌、牙、喉、腭的配合都非常灵活敏捷。用标准的美声唱法演唱《思乡》时，除了运用“两拼法”咬字发音，还要求把每个字都放到共鸣腔体里演唱，保证每个字都在腔体里“竖起来”，这样咬字发音就不会使人听起来有懒散的感觉，从而达到“字正腔圆”的效果。（二）气息的控制。歌唱中气息的控制至关重要，可以说能否唱好歌便取决于气息运用的熟练程度。以《思乡》中第二乐段第一句“惹起了万种闲情，满怀别绪”为例，演唱这句时气息要平稳通畅，不能唱着唱着气息就“浮起来”，这样才能为下一句高潮“问落花随渺渺微波是否向南流”做好准备，在演唱最高音“问”时，气要想象吸得更深一些，因为深呼吸与高位置是辩证统一的整体，没有深呼吸，就不会产生高位置的声音。著名的声乐教育家沈湘先生说过：“一个好的共鸣音响，声音里面总是有混着气儿的感觉，音越高，气越通。”由此可见呼吸的良好运用在歌唱中至关重要。（三）音色的把握。歌唱者是否能演唱出优美动人的声音，其中音色的好坏占据了很大的比重，音色好的声音听起来会让人如饮甘泉，久久难忘。好的音色与声带震动的频率、腔体打开的大小、气息合理的运用和形体规范的程度都有很大的关系，这写都需要歌唱者勤学苦练，能拥有好的音色绝非一日之功。除此之外，在演唱不同的歌曲时音色的把握也不尽相同，大调的歌曲在演唱时大多要求共鸣腔体不能开的太大，以此保证音色集中明亮。小调的歌曲一般强调打开共鸣腔体，使音色稍稍偏暗，来迎合音乐情绪。以《思乡》中“我愿与他同去”。（四）情感的表达。情感的准确表达在歌唱中的重要性是众所周知的，在此笔者也不过多赘述。歌唱中情感的表达方式有很多种，在本文中我们主要说一下形体表演与情感表达的关系。声乐演唱不仅是听觉艺术，也是视觉艺术。演员站在舞台上，其形体表演一定是落落大方，精气神十足的，一定要杜绝在表演中懒散，随便的作风，要时刻注意肢体语言要符合情感表达的走向，不能做无意义的肢体动作，因为手势是情感表达的“无声语言”。除此之外，面部表情的变化也要做到情生于内而表于外，根据塑造不同的角色，不同的心理状态，面部表情要有“春、夏、秋、冬”之分。我们都知道，眼睛是心灵之窗，人的各种细微和复杂的感情都能通过眼睛表达出来。在表演中，不同的眼神反映着不同的心理活动和情感变化。著名的京剧大师侯喜瑞先生说过：“眼是心中苗”，歌唱演员要通过眼神与观众交流，用眼光示意景物的高、低、远、近，用眼神拿捏情感变化，这样才能把歌唱活，使人感动。

四、结语

以上是笔者对演唱黄自先生的作品《思乡》的一些浅薄认识，希望能为广大艺术工作者提供一些有用的经验。最后，愿大家在艺术的道路上砥砺前行，勇攀高峰，创造辉煌。

[参考文献]

[1]冯长春.黄自音乐美学思想的基本观点及其本质探微[J].中国音乐学,2000,03.

歌曲演唱范文篇6

关键词：艺术歌曲;《岩石上的牧羊人》;演唱技艺

舒伯特（1797-1828）在短暂的31年的时间内创作了600多篇艺术歌曲，为世人留下了大量优秀的文化遗产，舒伯特留下的艺术歌曲作品产生的艺术魅力，影响了近三个世纪的艺术歌曲创作，奠定了艺术歌曲繁荣发展的基础。苏伯特的艺术歌曲将优美的旋律融入到歌词之中，使音乐与诗歌完美的结合在一起，确立了浪漫主义艺术歌曲创作典范的地位。《岩石上的牧羊人》是苏伯特在去世前一个月创作的艺术歌曲，是苏伯特为女高音、钢琴与单簧管所作的艺术歌曲，这首歌曲不仅具备典型的艺术歌曲的特征，同时也体现了舒伯特成熟时期的高超作曲技法和完美艺术构思。在歌曲中蕴含着清新淳朴拥有古典意味的音乐结构，同时也把浪漫时代的和声处理和抒情的自我表现淋漓尽致地展现出来。在传统的钢琴伴奏下配合单簧管进行伴奏，使歌曲增添了更多的迷人色彩，同时烘托了演奏意境，让人声、单簧管、钢琴有机的形成一个整体。

一、创作背景

《岩石上的牧羊人》创作于舒伯特生命的后期,也是舒伯特最后一部作品。提起这部作品,不得不提的就是《天鹅之歌》，也就是苏伯特在1928年8月到10月选取的几位诗人写的14首歌曲，后人经过整理编辑成册，该册的名称即是《天鹅之歌》。由于《岩石上的牧羊人》创作完成于1928年10月，与《天鹅之歌》为同一时期的作品，很多学者认为，这首歌曲的寓意是“天鹅在临终前，能够预见自己的死亡，这种幸福的本能让他们能够仰天长啸，高歌一曲然后幸福的离开这个世界”，因此这首歌曲称之为舒伯特真正意义上的“天鹅之歌”。在此之前的作品，苏伯特的艺术歌曲通常以短小精悍著称，而《岩石上的牧羊人》全曲长约12分钟，一共是349小节，因此显得这首艺术歌曲的篇幅相对较长。苏伯特在该曲中选用的伴奏工具是单簧管和钢琴，用单簧管展现牧羊人的号角，用钢琴体现了声乐伴奏的效果，再配合曲中女高音所特有的华丽花腔唱段，宣示春天的来临，使艺术结构更加的丰富。这首艺术歌曲听起来就像是一支歌剧咏叹调,把戏剧性与歌唱的精湛技艺完美地体现出来。

二、《岩石上的牧羊人》艺术分析

《岩石上的牧羊人》按照歌词内容进行划分，可以整合为三个部分。每一部分充分展示了诗歌本身所具有的律动性，苏伯特在创作此作品时，运用音乐让诗歌充满了深刻的思想和内涵，使诗歌拥有了音乐的元素。用音乐的角度去分析《岩石上的牧羊人》可以看成是复三段结构体系,每一个乐段中都有自己的风格和特色,这种超强的手法,将每一段具有自己风格和特色的乐段有机的联系在一起,保持了音乐的连贯统一性,这种手法使乐段衔接中不仅没有变得冗长,反而让听众产生一种探险的感觉。《岩石上的牧羊人》的首段为如歌的小行板，38小节的前奏和一个单三部曲式a+b+a1构成,钢琴在g小调中把全曲的序幕拉开，为牧羊人号角的出现营造出朦胧的意境，在此后的单簧管吹奏出牧羊人由远及近的音符，为倾听者展现出了高低起伏的态势，以及牧羊人由远及近的出场画面，在首段中单簧管的旋律与钢琴的和弦形成了鲜明的对比，使乐曲产生更为丰富的听觉效果。《岩石上的牧羊人》的第二段为忧伤的小行板，c+d+e三部分构成了中段，旋律在小调上开始，这一段的调性色彩，更符合舒伯特作品的艺术风格，表达了苏伯特丧失爱情的痛苦，这一段中让牧羊人的悲歌通过钢琴的和弦展现出来，此时单簧管的旋律化成了牧羊人无奈的叹息。《岩石上的牧羊人》的末段为激昂的小行板，这段乐曲是由f+b1+(f+b2)的单三部曲式构成，这一段有自己的前奏和尾段，就像独立的歌曲，在歌曲中描述牧羊人在春天中快乐的唱歌，表现了牧羊人充满无限希望的内心。此时的单簧管不再单纯的对人声进行陪衬，而是升华到与人声具有同等重要的作用，使声音的旋律显得更加完整。

三、《岩石上的牧羊人》演唱技巧

在演唱《岩石上的牧羊人》中，必须把演唱技巧和演唱情感有机的融入到一起，音乐的情绪非常重要，要求演唱者在演唱的过程中发挥自己对音乐的想象力，将自己融入到音乐所描述的意境之中。（一）首段的演唱技巧。首段是如歌的小行板，在首段中，旋律以琶音式的大跳为主（如谱例1），音域跨度比较大，因此要求演唱者在演唱的过程中要做到能够发散自己的思维，扩大自己的想象力，将自身融入到音乐的意境之中化身为牧羊人，跟随音乐的情绪进行调整气息，使声音能够在转换的过程中做到自然无痕来应对首段乐曲中不断出现的变化音，使演唱者在演唱的过程中能够注意音准，在情绪表达的过程中能够通过声音表达牧羊人对于爱情的渴望，使音乐的美感通过声音完美的表达出来，彰显诗歌所具有的美学特征。谱例1：（二）中段的演唱技巧。中段较为忧伤，体现了舒伯特丧失爱情之后忧郁的心情。在这一段的演唱中，演唱者要运用忧郁的声音去表达歌曲所赋予的悲伤情调，运用气息进行调节情绪，将带有律动性的声音融入到琴声之中，将牧羊人内心孤独和落寞的情绪通过声音和琴声的协调统一展现出来。在这段中，气息的运用具有很大的挑战性，不仅要应付情绪的变化，同时这一段很多句子都是延绵悠长，需要在演唱的过程中进行强弱处理，所以，这一段是对演唱者运用气息功力的挑战。因此这一段的演唱需要演唱者拥有良好的气息支撑和能够掌控声音变化的能力，同时也要求演唱者在演唱这段的时候能够做到用心去感悟乐曲中钢琴起伏的律动，让声音跟随律动进行流淌，把牧羊人落寞的感伤演唱出来。（三）末段的演唱技巧。末段情绪相对比较高昂是牧羊人忧郁的情绪过后出现的激情高昂的情绪，在演唱的过程中，演唱者要注意歌曲中的情绪变化，要求在演唱的过程中演唱者要掌握声音的力度，确保演唱的过程中气流的流畅度，使声音更加流畅，使声音更加有节奏感。同时演唱者的情绪应当比较饱满，使声带处于一种放松状态，使声音避免因为紧张而出现的突发状况。末段由三部分组成，第一小段需要演唱者从中段忧郁的情绪中走出来，以积极的心情去迎接这一部分的高潮段落的过度阶段，演唱者在演唱过程中要注意逐渐加强愉悦的情绪，声音力度同时也做到逐渐加强，正确的用声音表现出牧羊人踏入征程中的喜悦之情。第二小段是演唱者走出忧郁情绪后积极向上、乐观的精神状态，所以这一段要求演唱者在演唱的过程中能够唱出鲜明的节奏感，通过演唱表现出牧羊人积极乐观的情绪。第三小段属于末段的尾奏部分，这部分整体速度较快，相对来说演唱系数相对扩大，因此这一部分要求演唱者在演唱时对音量的控制和气息的把握更加严格，要求演唱者能够不断的做好气息的调整，用全部的激情去演奏高音，使作品拥有一个完美的结尾。总之，在演唱《岩石上的牧羊人》时，只有详细掌握苏伯特在创作这首歌曲时所赋予的牧羊人的心境，然后挖掘牧羊人的内心情感，寻找一种正确的心境去准确的表达牧羊人的真实情感，才能将自身的感情与牧羊人之前的感情融为一体，使作品在演唱中得到升华。

四、结语

苏伯特是浪漫主义艺术歌曲的领军人物，在他短暂的生命中创作出来的作品为后世艺术歌曲做出了重大贡献，特别是《岩石上的牧羊人》运用了更多的艺术表现手法，通过和声色彩和音区之间的相互变化刻画了牧羊人的音乐形象，采用多样的配器手法，通过短短的十几分钟就把牧羊人的人物活动通过歌曲展现出来。

参考文献：

[1]牟晓娟.艺术歌曲的风格特性与歌唱处理———以舒伯特《岩石上的牧羊人》为例[J].艺术评鉴,2017,(19):8-9.

[2]金晶.舒伯特艺术歌曲《岩石上的牧羊人》D.965分析与演唱[D].上海:上海音乐学院,2016年.

[3]王娅.舒伯特艺术歌曲《岩石上的牧羊人》解析及演绎[J].江南大学学报(人文社会科学版),2010,9(03):120-124.

[4]王娅.艺术歌曲《岩石上的牧羊人》解析及演绎[D].南京:南京艺术学院,2009年.

[5]战书博.舒伯特《圣母颂》中的人性化体现[J].北方音乐,2010,(10):8-9.

歌曲演唱范文篇7

关键词：艺术歌曲；歌剧；演唱技巧；差异性

家。在长久的发展和演变的过程当中，歌剧和艺术歌曲开始相继出现。作为两类艺术风格迥异却十分常见的艺术歌唱形式，近些年来受到了广大民众的关注与重视。以音乐艺术形式的角度而言，虽然属于同类的音乐艺术形式，不过却体现出两个具有差异性的层面，二者拥有密切的关联，同时也显现出很大的差别。因此，深入把握二者额的关系，对增强加对音乐作品的深入理解和表演效果十分有益。为此，系统思考和分析艺术歌曲演唱与歌剧演唱之间的差异性显得尤为必要，拥有一定的研究意义与实践价值。

1艺术歌曲和歌剧各自演唱特征的说明

1.1艺术歌曲的演唱特征介绍。对于艺术歌曲而言，通常情况之下，第一，包含了下述两类不同的构造：（1）较为纯粹的歌曲构造；（2）相应的套曲构造。对于其表现在音乐构造方面的特点来说，存在着一定的规律性，表现为十分短小的情形。因此，演唱此类体裁的过程当中，有关演唱人员需要全面把控、熟练掌握相应的具体音乐内容情况。第二，针对艺术歌曲来说，属于文学和音乐有效融合之后形成的一种产物。相较于歌剧，缺少了一种戏剧型的矛盾，不过却展现出十分抽象、广泛且易于让听众产生共鸣的感情体验。第三，艺术歌曲属于重要的声乐体裁类型之一，体现出室内乐式相应的性质。创作和表演艺术歌曲的过程当中，需要依靠钢琴伴奏，因此，演唱者进行实际的演唱过程当中，要求确保旋律的清晰性，科学处理不同声部间存在的关联，与此同时，凸显出柔和音乐的良好效果，满足音色整体性方面的要求。1.2歌剧演唱特征概述。第一，针对歌剧来说，主要会利用美声唱法完成演唱的任务，在这当中，存在着某些较为固定、常见的音乐形式，比如：可以利用咏叹调和宣叙调等。第二，歌剧属于戏剧和音乐有效融合的一类产物。通过将一些文学故事内容当成重要的背景，借助音乐的形式进行表现出来，实现对两类不同艺术形式的有效融合效果。因此，对于歌剧而言，进行演唱的过程当中，需要考虑到确保故事内容的合理性，同时体现出鲜明的音乐性，进而通过对歌剧的演唱方式，进一步增强歌剧中的戏剧效果。第三，歌剧体现出很强的综合艺术风格，其伴奏通常运用的是管弦乐队。凭借着歌剧艺术独特的伴奏方式、精巧的音乐创作构想思路，显现出一定的交响性特征。因此，演唱歌剧的时候，和其体裁相匹配的交响性应该成为一种必备的特征。

2艺术歌曲演唱与歌剧演唱之间的差异性

2.1演唱技巧方面的不同。通常情况下，歌剧的伴奏会运用凸显出很大气势效果的管弦乐队。以体现出一类情感与矛盾作为主要的目的，因此，有关歌剧的演唱人员应该采用拥有很大音量与宽音域的方法。运用真声，让听众听到更加明亮的歌声，并且能够感受到对气息上的科学控制。进行歌唱的过程当中，可以听到十分清晰的气息，其喉咙咽壁达到了最大的挺立状态，进行演唱的时候，不同声区均存在明显的胸声，其声音的焦点部位处在居中靠后的位置，表现出来的声音十分厚实且集中，穿透力良好。而演唱的过程当中，从总体上来听，声音的线条十分粗狂，戏剧性十分鲜明，通过采用较为明亮的音色，配合全声和真声进行演唱。对比来说，艺术歌曲则属于体裁很小的一类声乐体裁类型，通常将钢琴当成其主要的伴奏乐器，以便凸显出其良好的功效，借助钢琴为歌曲进行烘托，体现出歌曲的创作背景与艺术风格，真正将演唱和伴奏有效融合。以实现二者的融合作为目标，要求有关歌唱者科学控制具体的音量，有效避免导致二者之间的失衡成效。同时主要采用混声和半机能的方式，实现对气息的合理控制。进行演唱的时候，声音的焦点部位处于中间靠前的位置，体现出集中和抒情的特点，拥有很强的穿透力作用，借助对音量的合理管控，完成演唱的任务。2.2发声状态方面的差异。对于歌剧来说，大部分采用的为真声，进行演唱的过程当中，以胸声的利用最为明显，声音集中在靠后的部位。从高音的角度而言，则注重关闭唱法，表现非常集中且厚实的特点。以增强良好的戏剧性成效为目的，需要提高音量，让身体也参与到演唱当中，如此，有利于发挥出气息、咽腔的作用。针对艺术歌曲而言，大部分采用的为混声。进行演唱的过程当中，尽管不同声区均存在胸声，不过头声的使用是最多的。同时，进行演唱的时候需要开喉咙，声音集中在靠前的部位。而在换声区的位置，则需要转变为假声，因此，艺术歌曲的线条更加清晰、柔和以及抒情。2.3演唱表演方式方面的差别。鉴于歌剧拥有明显的综合艺术性特征，其具体的表演方式当中涵盖了有关剧作、作曲、歌唱、演奏以及指挥等工作人员的参与，再加上舞台的灯光、道具方面的设计，均属于集体创作的内容。所以，表演歌剧的时候，不仅需要满足相关的声音规定，而且也应该科学把控舞台中的表演情况。借助相关的道具、服装，能够让有关歌唱人员发挥出自身扮演角色的良好作用。并且利用舞台上的灯光和布景的方式，紧密结合剧情的进展进行调整，增强观众的体验。显而易见，仅仅借助音乐难以进行细致体现。对于艺术歌曲来说，进行演唱的过程当中同样如此，包含了一定的表演，不过对比歌剧，在所使用的肢体语言方面则更加简单，没有歌剧复杂，在表演幅度方面同样更少。实际上，从演唱表演难度的角度来讲，艺术歌曲是难于歌剧的。究其原因，主要在于艺术歌曲在演唱的过程当中无法借助其他外界的辅助和配合，全部依靠个人的声音素质以及在音乐作品的理解情况进行歌曲的表现。

3结论

从此次论文的阐述和分析当中，不难看出，系统分析与思考艺术歌曲演唱与歌剧演唱之间的差异性显得尤为必要，具有一定的研究意义和实施价值。本文通过说明艺术歌曲和歌剧各自的演唱特征，同时分析了艺术歌曲演唱与歌剧演唱之间的差异性：演唱技巧方面的不同、发声状态方面的差异、演唱表演方式方面的差别。希望此次研究与分析的内容和结果，能够获取有关歌曲和歌剧演唱工作者的关注与重视，并且从中得到相应的借鉴和帮助，以便凸显出艺术歌曲演唱与歌剧演唱之间的差别，进而促进我国歌唱事业的可持续发展与进步。

参考文献：

[1]郑路.试析艺术歌曲演唱与歌剧演唱的差异[J].乐府新声,2018,124(133):1379-1382.

[2]张苧.从演唱教学角度浅析艺术歌曲与歌剧的异同[J].北方音乐,2018,155(154):1230-1234.

[3]朱小凤.浅析歌剧与艺术歌曲演唱形式的异同[J].黄河之声,2018,158(122):1180-1181.

[4]胡庆生.歌剧与艺术歌曲的风格和演唱技巧的差异[J].理论界,2018,166(165):1638-1639.

歌曲演唱范文篇8

【关键词】艺术歌曲风格演唱

艺术曲的演唱不同于创作歌曲，她需要演唱者对作品要有的，并基础之上，运用所学技术和较深厚的艺术功底艺术化的，力求作者所要求的艺术，将无声的乐谱以有声的艺术还原其艺术风格。为此，需要演唱者在演唱前的工作，这也就所谓“功夫在戏外”吧。

一、要分析作品

地分析作品的词和曲，这是演唱好任何音乐作品都要的，但对演唱好艺术歌曲而言，还要对作品的时代背景、各作曲家的个人创作风格等的和。

1.要分析作品的时代背景

艺术歌曲都带有浓郁的时代，饱含的时代气息，可以说，一首优秀的艺术歌曲，以音乐对那个时代精神的浓缩和凝结。古典主义音乐崇尚理性、规范、要求感情的节制和，古典时期的作品声音，强弱的幅度对比也很强烈……在浪漫主义时期，音乐就着重强调自我主观意识的表达，作品多以理想事物、古代神话传说和幻想故事为题材，强调音乐与诗歌、戏剧、绘画等艺术的，注重音乐的标题性和诗情画意，吸收民族民间音乐的素材体现民族性。

2.要分析作品的民族

世界上任何民族的音乐都有既又与众不同的特点。应该借助语言学、民族学、历史学和地理学等学科研支持，地分析和演绎不同、民族风格作品。德国艺术歌曲的演唱含蓄、内向、诗意，声音要求圆润、情绪幅度小，情感细腻，小动作多……意大利的艺术歌曲演唱就倾向于热情洋溢，大起大落，感情很外露夸张，，意大利风格的艺术歌曲演唱需要更多的热情浪漫，声音的和幅度可以强烈些。我国在二十世纪二三十年代的黄自为代表的艺术歌曲的风格内向、典雅、小巧精制、文人气浓。

3.要分析作品的创作风格

舒伯特和舒曼同为艺术歌曲大师，其生活的不同经历，了不同的音乐风格。舒曼多人的内心情节，很少对大自然的感情抒发，其对歌词的诠释分别了歌声与琴声中，有时甚至用琴声代替了歌声，伴奏和演唱都作曲家的创作手段；而舒伯特的艺术歌曲较多地对大自然的感悟，在其作品中，钢琴伴奏的地位有，但仍以歌唱为主。在我国的艺术歌曲作家中，黄自的作品风格精致、典雅，赵元任的作品简朴、醇厚等等。

艺术歌曲的“根”是个体精神的艺术，演唱者要有寻“根”的过程，力图去最好的他的精神内涵。

二、要融入作品

声乐演唱要贯穿情感，对艺术歌曲歌词的分析和，作品的主题思想，把握演唱时的情感基调，才能淋漓尽致地艺术歌曲意境，塑造出鲜明的艺术形象。

1.要展开场景想象

场景想象即想象作品描述的场景，并把置身于当时的场景，设身处地的感受。如舒曼的《献词》，演唱者可“移情”于场景：热恋中的充满朝气充满幻想的年轻人，急于向心上人表达的心声，心上人是那么美丽、高贵。再如《核桃树》，美丽的钢琴琶音音型和一再的主题动机，把春风荡漾、树叶沙沙作响的诗意，青年人对爱情的幸福憧憬，得无比。

2.要角色

艺术歌曲的表演和表演创作一样，始于想象，从阅读作品、熟悉角色开始，演唱者都需要艺术想象，以便角色。如拉威尔艺术歌曲套曲《天方夜谭》里的首名为《魔笛》的歌曲，所的是一幅穆斯林后宫的画面，当主人睡着的时候，心爱的人在享受着情人吹颂的曲调，悠悠的笛声时而悲伤、时而欢快，每个音符飘拂而来，好似神秘的轻吻。尾声渐弱渐慢的，犹如克洛德?德彪西的风格。演唱者要完美的运用发音，更要有令人沉醉的情感抒发。

3.握好度

在演唱艺术歌曲过程中，要让几个音乐符号去让观众感动，让观众明白作品所的内涵，是离不开演唱者对音乐形象的塑造的。而二度创作，除了要有美好的声音条件、对艺术歌曲的理解等，还要有歌唱时应状态，即有控制的歌唱状态。控制的度过了，声音发硬，嗓音过损；控制的度，声音苍白扁平无力。如：舒曼的《月夜》，这首艺术歌曲，了5次e2音，极不好唱。难点对其的控制，太强，否则将破坏整首乐曲的神秘、肃静的气氛，也太弱，太弱的艺术歌曲的支撑点就“塌”了。

三、要反复锤炼作品

要演唱好艺术歌曲，需的“打磨”过程，找到最佳的艺术感觉。

1.“面”的扩展应在“点”的真正上

艺术歌曲大多音域适中、结构较紧凑、细腻，很适合演唱者培养和有控制的“自然状态”，并“有控制”的演唱意识。许多声乐大师都有意识“唱好了中声区、高声区就了一半；唱好了弱音，强音也容易唱好了”。当然，要有控制的“自然”状态也绝非一朝一夕之事。有声乐理论家将过程归纳为“简——繁——简”。简是自然的状态，声乐练习，技巧运用之繁，但仍要归于“简”。总之，“面”的扩展要在“点”的真正上，才能真正进步。

2.精益求精、烂熟于心

、熟练把握乐谱非常，歌词是演唱的基础，声乐艺术之能感动人，除了本来的美妙外，的原因是听众能歌词与演唱者直接交流。要拼读歌词，弄懂每个单词的意思，要字对字的翻译，勤查词典。，发音要。西方语言的特点是多音节语言，辅音要清晰，非常靠前，元音非常明亮、非常纯正，唱时发音要连贯，每个音要显得很平。，音准、节奏，直接到演唱者对作品的表达。

3.要内化为内在的艺术素质

歌曲演唱范文篇9

【关键词】歌唱语言；中国艺术歌曲；演唱

中国的艺术歌曲主要以诗歌作为歌词，从而将音乐与诗歌完美结合，在演唱中国艺术歌曲的时候，需要理解歌词中所蕴含的情感，运用正确的语言进行艺术歌曲的表达，这样才能使听众与演唱者产生共鸣。而且语言是声乐存在的前提，人们可以通过声乐的方式表达不同的文化内涵。歌唱语言的运用可以实现声乐技法的锻炼同时能够释放情感内涵。同时，运用歌唱语言将中国艺术歌曲加以改造，使其向着音乐化的方向发展[1]。

一、语言在中国艺术歌曲演唱中的表现载体

（一）音调。在中国艺术歌曲的演唱中，歌唱语言要注重音调的掌握，主要就是人们在说话过程中出现的停顿与语气。目前，音调主要包含三个方面的变化，即升降、停顿以及重音。演唱者的音调的高低水平与发声体的结构有着一定的关系，演唱者不同的发声体结构从而使音调的表现都是不一样的。升降：在句子末尾的出现，一旦出现升调，说明歌词句子并未没有完全的表达，后续还有说话的内容；与之相反则是出现降调，说明歌词句子已经表达完整，无后续内容。停顿：在中国艺术歌曲演唱过程中，演唱者需要换气，因此，歌唱时的换气口就是停顿。停顿的出现主要取决于歌曲的表达需求。演唱者可以通过采用停顿的方式将一句话分开，形成多个句内段落，从而使中国艺术歌曲中的节拍发生改变，可以将中国艺术歌曲文化内涵以及情感需要加以表达。重音：在中国艺术歌曲演唱中，可以将重音分为两类，即词重音和句重音；前者是词语音结构的重要构成部分，重音成为其表达的方式；句重音就是在演唱的过程中对歌词中的某一句子的词汇或者句子进行重读的一种方式。（二）腔调。目前，我国关于中国艺术歌曲的演唱方式共有三种情况，即民族唱法、美声唱法和通俗唱法。上述三种唱法各具特色，具体如下：民族唱法：主要就是体现我国各个地区浓郁的民族音乐风格，可以将相应的技术方法和规律加以掌握，在发展的过程中要汲取西方演唱手法，不断地完善我国的民族唱法。利用民族唱法演唱中国艺术歌曲，主要采用共鸣的演唱方式，其可以在歌曲的高音区域，极少的假声唱法[2]。美声唱法：主要侧重于朗读、戏剧的表现形式进行歌曲的演唱。中国艺术歌曲的演唱中，美声唱法拥有最高的颤动幅度，与此同时，可以在保障演唱者气息通畅的前提下，将高声部、中声部以及低声部等进行有效统筹，拥有较为广泛的声音区域。通俗唱法：可以划分为三种演唱技法，即假声式演唱技法、低吟式演唱技法和气声式演唱技法。在演唱的过程中，不会选择共鸣方式，主要采用轻呼吸的方式将声音自然地发出，主要侧重于情感的表达，采用随意性的表演方式，不需要较宽的音域。（三）语调。我国汉语的语调共分为4个声调，即阴平式、阳平式、上声式和去声式，这对于中国艺术歌曲的演唱有着重要的作用。中国艺术歌曲中的歌词创造规律主要遵循的是平平仄仄、仄仄平平。演唱者声音的高低会对声调产生决定性的影响，主要以古汉语的声调与清浊发音作为发展的前提条件，汉语声调在发展的过程中，发生了巨大的变化。因此，在演唱的过程中要注意四声的正确处理，将歌词的文化内涵充分表达出来。

二、歌唱语言在中国艺术歌曲的演唱中存在的问题

（一）重声轻字，概念模糊。在实际的演唱中，重声轻字的现象是一种常态，这种形式会造成演唱者的声音过于响亮，但是对于歌词含义却无从得知，不能将歌词中的情感很好地表达，从而也不能有效地实现咬字吐字的练习，导致演唱者发出的声音不会为歌词服务。目前，我们一直认为我们说的语言是国语，在演唱中国艺术歌曲的时候不需要进行练习，也能实现真正的咬字吐字，但事与愿违，导致演唱者在歌唱中，对读字的感觉不能很好掌握，同时也不能理解汉语结构的复杂性[3]。造成这种现象的原因在于演唱者没有给予其足够的重视，影响着演唱者对于中国艺术歌曲的演唱。这种方式对于美声唱法的演唱者有着重大的影响，美声唱法的演唱者在演唱的过程中，将声音含在嘴中，听众根本听不清演唱者的演唱，因此，在演唱中国艺术歌曲时，要注重歌曲的咬字吐字，而不是单纯地讲究声音的高低。（二）歌唱语言与歌唱脱节。在中国艺术歌曲的演唱练习中，演唱者过于注重单元音的练习，忽略了汉语声调中的字的整体性练习，以及声母、声母与韵母之间的衔接关系、复韵母等的练习，从而使歌唱语言与歌唱之间脱节。另外，教师在指导学生训练时，并未针对学生的发声和咬字吐字进行专业性的协调训练。学生在练习单元音时，其是一种发声状态，但是在中国艺术歌曲的歌词中的咬字归韵练习，则是另一种状态。在学生在进行演唱练习的过程中，经常出现唱一个元音的感觉很好，再唱另一个元音时，就会出现问题，同时也会出现咬前一个字对，咬后一个字就出问题的情况。

三、歌唱语言在中国艺术歌曲演唱中存在问题的解决办法

（一）读。在演唱一首中国艺术歌曲时，演唱者需要对艺术歌曲的内容进行深入的了解。主要在于艺术歌曲的歌词是以古诗歌配以新曲的形式出现的一种歌曲。要想唱好艺术歌曲，需要认真地了解歌词的内容，因此，演唱者要多读古诗词，揣摩古诗词中的含义，这样演唱者才能深度了解古诗词的内容。以及其所描绘的情景。演唱者可以通过熟读的方式，帮助演唱者深刻理解古诗词的内容，在演唱歌曲的时候，演唱者要进行诵读，才能将歌唱语言正确地诵读出来[4]。（二）融。在了解了中国艺术歌曲的内容后，将自身对于古诗词的理解以及情感，通过正确的发声、咬字吐字进行艺术歌曲的演唱。演唱者要将歌曲语言和说话语言进行区分，才能实现艺术歌曲的完美的演唱。歌曲语言和说话语言之间的不同主要体现在咬字吐字、生理器官动作等方面。元音没有连续性，歌唱语言不同于生活语言，虽然是与说话使用的发声器官与呼吸器官是一致的，但是在演唱中国艺术歌曲时，歌唱语言表达出了较高的艺术性要求。要区分歌唱语言和说话语言的标准为咬字吐字方法。演唱者还应保持稳定的歌唱“发声”动作状态。声母会随着演唱者喉、齿、舌、牙、唇等不同部位的咬字力度变化而变化，使演唱者更好地实现中国艺术歌曲的演唱。

四、结论

总之，歌曲语言的运用，首先要深入了解古诗词的内容以及情感，其主要通过诵读的方式，熟读古诗词，运用正确的发声动作、咬字吐字方法等歌唱技巧，了解古诗词的情感内涵以及文化内容，通过歌曲形式将其表达，准确而又动情地传递情感。同时，演唱者更应该加强歌唱语言与艺术歌曲的融合，实现艺术歌曲的演唱，这样才能赋予中国艺术歌曲新的生命力，实现了歌唱语言的内涵与独特的艺术魅力。

参考文献

[1]朱玲莹.探析艺术语言表达技巧在中国艺术歌曲中的体现[J].艺术教育,2015(1):121-123.

[2]宋波.谈中国艺术歌曲的演唱与教学[J].当代音乐,2016(6):100-102.

[3]王小林.中国艺术歌曲在声乐教学中的应用价值探析[J].北方音乐,2018(2).

歌曲演唱范文篇10

关键词：艺术歌曲;歌剧;演唱特点

社会经济的快速发展带动了文化艺术产业的进步，现如今人们对精神文化艺术产品的需求不断增加，歌剧和艺术歌曲也受到了更加广泛的关注。歌剧艺术历史悠久、特点鲜明，它要求表演者具有极高的艺术修为和深厚的表演能力；艺术歌曲的起步相对较晚，它是一种特别的音乐歌曲体裁，并且具有更加鲜明的时代性色彩。歌剧和艺术歌曲在演唱方式上存在着一定的共性———它们都需要通过美声完成演唱，但是在表达情感、音乐题材、艺术特性等方面都存在着比较明显的差异。抓住其各自的特点，可进一步促进歌剧和艺术歌曲的发展，使古典音乐艺术再创辉煌。

一、分析歌剧演唱的特点

歌剧艺术兴起于16世纪末的意大利，它是主要或完全以歌唱和音乐来交代和表达剧情的戏剧。17世纪至20世纪，是歌剧艺术发展的重要阶段，它逐渐成为了集文学、音乐、美术、戏剧、舞蹈、建筑等元素为一体的艺术形式。歌剧的演唱特点需要结合歌剧发展的背景进行分析，在不同时期内，歌剧艺术体现出了不同的演唱特点。17至18世纪，歌剧的演唱风格在浪漫时期和真实主义时期呈现出了不同特色。在浪漫时期，歌剧的演唱在整体上呈现出一种温和的特性，作品的浪漫主义色彩和古典风格，决定了演唱者在表演过程中温柔、细腻的演唱方式。在女声演唱中，包含了大量的花腔，想要表达出作品的含义，演唱者必须具有连贯的声线和华丽的演唱风格。男声则大多数以低沉、雄厚的演唱方式为主，尤其以莫扎特的歌剧作品最为明显。真实主义阶段，歌剧艺术已经得到了较大的进步，演唱者对相对传统的演唱方式进行了一定的改良，虽然保持了基本的歌唱风格，但是在演唱方式上似乎更加夸张。这种夸张性在很大程度上是为了吸引更多的观众，使歌剧在广大群众中传播和发展。演唱时，演唱者的声音线条更加宽广而且在演唱方式上去掉了硬性的技巧和规定，体现出了更加明显的灵活性和伸缩性，比如音符和节拍有时长，有时短，有时快，有时慢。在演唱体裁和演唱方式上，真实主义时期的歌剧演唱要求演唱者掌握节奏，展现出力度和更加强烈的情感，以便展现出歌剧主人公的英雄主义特色，提升歌剧的感染力和吸引力。多尼采蒂、贝利尼等人的歌剧作品也兴起于这个时期，相比之下，他们的作品更加注重演唱者的技巧，比如声音的弹性和灵活性、音色的辨识度等。综合近代歌剧的演唱特点，可以概括为以下几点：其一，歌剧的演唱需要将音乐与戏剧这二者的艺术特色结合，演唱者不仅要唱好，更要将自己代入到角色中，演唱出角色的情感。在歌剧表演中，不同的角色所代表的情感 不同，所体现出来的个性也各不相同。为了更好的展现这种差异，演唱者一定要深入挖掘角色的情感，并将这种情感特点带入到自己的演唱过程中。歌剧的演唱为美声演唱，但是在唱法上进行了一定的创新与改良，不拘泥于单一的演唱模式；其二，歌剧的戏剧性特点决定了歌剧演唱中经常展现出比较明显的情节冲突，演唱者需要保持饱满的精神状态，尽量大声演唱以便与交响音乐相得益彰。由于故事情节曲折复杂，在歌剧演唱中，经常需要多个角色和声演唱，这种演唱形式更具有张力和表现能力，并且在歌剧演唱的过程中，为了更加真实、充盈的展示角色形象，需要使用较大的音区去完成特定的音乐篇幅。

二、分析艺术歌曲的演唱特点

文艺复兴的兴起促进了艺术歌曲的兴起，艺术歌曲是由诗歌与音乐结合而共同完成艺术表现任务的一种音乐体裁。艺术歌曲最为主要的元素是极具美感的音乐旋律和声音，这使得这一艺术形式具有极强的音乐表现力和欣赏价值。与歌剧演唱相比，艺术歌曲的演唱体现出了更加鲜明的特点，主要表现在三个方面。首先，艺术歌曲演唱过程中，表演者对于语言、语气以及呼吸的运用更加独特，这与歌曲演唱的语言存在着直接的关联性，由于语言系统的差异，艺术歌曲的展现方式差异十分明显。从语言方面，演唱者需要保证语言准确、发音精准，这样才能更好的展现歌剧的歌词并向观众传递歌曲的含义。以德奥艺术歌曲为例，想要展现出原汁原味的艺术歌曲，要求演唱者本身具有较高的德语水平，能够熟练的使用各种复杂的辅音群和变元音。因此一个优秀的艺术歌曲演唱者，一定要了解并熟练的掌握歌曲语言的规律和特点，确保发音正确。同时，语言准确可以帮助演唱者更好的理解艺术歌曲中蕴含的情感，从而掌握准确的歌唱语气，达到理想的作品展现效果。德奥艺术歌曲是主要的艺术歌曲表现形式，为了保证作品的效果，演唱者在表演过程中适当的调整自己的呼吸，保证气息顺畅，呼吸的平稳和自然对歌曲演唱的连贯性具有重要作用，因此在艺术歌曲的演唱过程中，演唱者需要避免大幅度的换气和倒抽。并且，演唱者需要根据作品的情感去调整自己的呼吸以保证艺术歌曲展现的完整性。其次，艺术歌曲绝大部分蕴藏着温柔、细腻、浪漫的情感，歌曲内容大多具有十分鲜明的抒情特性。因此在艺术歌曲演唱的过程中，演唱者需要根据情感合理的控制自己的音色，准确的运用轻声和高音区的渐弱声和弱声等音色控制技巧。为了展现出艺术歌曲的作品特色，演唱者个人必须要保持与作品相一致的温柔、细腻的情感，在演唱时，尽量使用纯净、轻柔的音色。另外，艺术歌曲要求演唱者具有真实的情感，并将这种情感与自己的演唱相互渗透，为此演唱者需要尽可能的增加自己的生活体验，擅长观察和总结生活中的事物特点，这样有助于演唱者进一步加深对艺术歌曲情感的感悟能力。在表演的过程中，演唱者需要为自己设置一定的情境，让自己融入到艺术歌曲的氛围之中，从而调整自己的情感，并运用不同情感的微妙变化去调整自己的声音表现形式，这样更能够抓住作品的内涵，更好的传递出作品创作者想要体现的那种情感和精神，对于艺术歌曲本身，这是作品的成功，对于观众来说，这是一种引人入胜、身临其境的音乐艺术体验。最后，从艺术歌曲的音乐辅助来看，它更多的使用了钢琴伴奏，钢琴音乐对于塑造歌曲背景、烘托歌曲的情感均具有重要的意义，并且它为艺术歌曲融入了全新的艺术展现力，丰富了艺术歌曲的展现层次。

三、对比歌剧和艺术歌曲的演唱特点

通过上述分析，不难发现歌剧和艺术歌曲在艺术创作背景、歌曲表现形式等方面均存在一定的相似性。但是这两种音乐艺术形式在更多方面显示出了明显的差异性。从最为基本的演唱技巧来分析。从音量来看，为了表现冲突、曲折的故事情节，与整个乐队的音乐伴奏交相辉映，歌剧演唱者在表演中需要保持饱满的情绪，一般歌唱的音量较大，并且会随着交响乐的变化调整声音的起落，以咏叹调为例，其中包含着大量的高音起伏，目的是为了更好的展现歌剧的情节和情感。相比之下，艺术歌曲更加温柔细腻，因而表演者并不需要使用过大的音量，为了适应钢琴伴奏，艺术歌曲演唱过程中需要控制自己的音量。从演唱音色来看，歌剧作品往往由多个人物共同完成表演，每一个人物都有着比较鲜明的性格特点，因此每一个演唱者需保持一致的音色，将这种人物特点展现出来，保证作品的完整性。艺术歌曲对于演唱者的音色有着更高的要求，为了展现出作品的艺术特色，演唱者必须在有限的时间内尽量展现出较多的音色变化。从音域方面来看，歌剧属于大型的声乐演唱形式，演唱者需要具备较宽的音域。但是艺术歌曲不具备那么多的情节和复杂情感，因此艺术歌曲演唱者的音域比较窄，并不需要刻意拓宽与展现。从演唱的表演形式来看。歌剧表演中，具有丰富、鲜明的人物，每一个都是一个独特的个体，演唱者在表演过程中一定要身临其境，让自己与所演唱的角色融会贯通。在准备过程中，演唱者需要冷静、客观的分析人物的特点和情感，但是在演唱的过程中，演唱者又必须将自己与角色融为一体，体现出真正的情感。艺术歌曲中，并没有固定的角色和情节，演唱者完全以自己的情感态度和观念去理解艺术歌曲中的情感，并经过艺术加工将其展现出来。另外，从作品的展现形式来看，歌剧表演通常需要借助道具、服装等丰富人物的特点，整个舞台的布景和灯光都是歌剧表演的重要辅助工具。但是艺术歌曲在演唱的过程中并不包含这些内容，因此艺术歌舞表演者往往需要展现出更加丰富的表情和肢体语言。

四、结语

综上所述，歌剧和艺术歌曲二者在演唱方面具有鲜明的差异。歌剧情节复杂，具有交响性且音乐模式固定。但是艺术歌曲的音乐结构更加单纯，往往通过纯净的演唱来展现音乐情感，钢琴音乐的配乐增添了艺术歌曲的美感。表演者需要充分的了解并掌握歌剧和艺术歌曲这二者之间的区别，不断提高音乐艺术表演能力和水平。

作者:吴思奇 单位:辽宁歌剧院

参考文献：

[1]赵茜.歌剧咏叹调与艺术歌曲的演唱特点和比较[J].大众文艺,2012,(18).

[2]乔文韬.歌剧咏叹调与艺术歌曲的演唱特点之比较[J].大观,2015,(01).

[3]曹杨.浅谈艺术歌曲与歌剧咏叹调演唱风格的把握[J].吉林省教育学院学报.学科版,2012,(02).

[4]董晓.浅谈歌剧咏叹调和艺术歌曲在演唱上的区别[J].戏剧之家,2015,(02).

[5]卓雨田,韩秀琴.浅谈歌剧咏叹调与艺术歌曲的演唱风格差异[J].青年文学家,2013,(22).