歌曲范文10篇

歌曲范文篇1

一、新体裁名称来源

艺术歌曲是由诗歌、人声、钢琴相结合的一种独立的歌曲种类，因奥地利浪漫派作曲家弗朗茨•泽拉菲库斯•彼得•舒伯特的作品风格而得名。其结合了优美旋律和人声两大音乐元素，具有很强的感染力、表现力和欣赏性。艺术歌曲这一名词在中国可追溯到1919年前后，一批爱国知识分子从国外留学归国，带回欧洲艺术歌曲这一全新的艺术形式，并得到国内文化界人士的欣赏与喜爱，成为当时新文化运动组成部分中的一道亮丽的风景线。经李叔同、黄自等一批文人、学者、音乐家的共同努力，艺术歌曲于上世纪40年代初达到了一个推广与创作的鼎盛时期。更可贵的是，他们把西洋的创作技法与中国的民族风格、民族语言、民族音调等本土化元素相结合，创作出例如《教我如何不想她》《花非花》等具有永恒价值的艺术歌曲作品。儿童艺术歌曲可以算是艺术歌曲门类下的衍生物，笔者借用这一体裁为儿童创作歌曲。我国知名作曲家、音乐教育家陈田鹤（1911-1955年），一生创作了27首儿童歌曲，多采用音乐理论家廖辅叔（1907-2002年）的歌词，也有些歌词由文学家赵元任、陶行知、韦瀚章等人创作。其中，绝大部分作品编写了钢琴伴奏，不单是和声的跟随，更多是与儿童演唱形成互动，成为演唱的伙伴。笔者认为，其为儿童艺术歌曲的原型。

二、儿童艺术歌曲与艺术歌曲的区别

（一）音域。成人创作的艺术歌曲（以下简称艺术歌曲），因要表现美声唱法以及演唱者的个人声音魅力，音域一般比较宽，常见十一二度，甚至更宽。但儿童的声带及歌唱方法都较为稚嫩，歌曲的音域要窄一些，一般控制在一个八度为宜。当然，一些经过正规声乐训练的年龄稍大的儿童已经掌握了一定的歌唱技巧，音域也可适当地扩展，但十度或十一度已是极限。（二）结构。艺术歌曲的曲式结构一般比较复杂，常见的有分节歌、通体分节歌等，篇幅比较长。而儿童歌曲的音乐结构应较为短小，以单乐段为宜。即使是大于单乐段的结构，其内部结构规模也相对较小。通常用两个或四个小节构成一个乐句，乐句等长，四个乐句形成方整结构，这与中国古诗有异曲同工之妙，具有中国传统文化起承转合的韵味。针对较大年龄儿童的歌曲，也可以采用两段体，或者带有再现的两段体结构，这样歌曲的内容比较容易展开，能够叙述一个比较完整的故事。如歌曲《村居》，整首歌曲共八小节（谱例1），篇幅短小，结构紧凑，只有上下两个乐句，没有重复，却完整表现了整首古诗的内容。（三）旋律特点。艺术歌曲的旋律动机相对复杂，旋律线起伏较大，为了表现歌词内容，又极富戏剧性，矛盾冲突激烈。但儿童艺术歌曲为了让儿童易学易背，旋律要尽量简单，节奏接近口语，多使用重复，既可以旋律重复，也可节奏重复。在旋律创作方面可多采用五声音阶，五声调式的音程关系更易被低幼龄儿童接受，也便于儿童日后对传统音乐文化的理解。（四）歌词。传统观念认为，艺术歌曲的歌词源于诗歌。从当前的一些作品中可以看出，艺术歌曲的概念已被人们扩展并突破了，只要是旋律优美、格调高雅并有成谱钢琴伴奏的歌曲，无论歌词是否为诗歌，都可以归属为艺术歌曲。外国艺术歌曲的歌词多为叙事，同时具有很强的思想性。中国艺术歌曲借物抒情比较普遍，多以歌颂祖国，思念家乡、父母等为题材。笔者认为，儿童艺术歌曲的歌词也应具有诗的特征，但是在选择和创作时，要从儿童的视角出发，贴近儿童的生活，符合儿童的心理特点，要有童真、童趣、童心。歌词的形式还要具有“韵美”的特质，一首好的歌词必定是一首好诗，语言精炼，主题集中，即使脱离了音乐，仍然是一首独立存在的文学作品，仍具有很高的艺术价值。当下的儿童歌曲歌词中说教意味较浓，需要将“美”和“教”相结合，借助于优美、生动、富于儿童情趣的形象，表达高尚的情调。知名词作家金波曾说“要赋予儿童歌词以诗的品格”。因此，无论从体裁、结构还是内容、意义上，古诗和儿童诗都是不错的选择。（五）钢琴伴奏。相对于艺术歌曲，儿童艺术歌曲的钢琴伴奏部分似乎更为重要。第一，伴奏部分是旋律的依托，儿童需要依据伴奏把握曲调和音准。因此，儿童艺术歌曲的伴奏要“旋律化”，不能完全使用不带旋律的伴奏手段，可以有旋律与无旋律交替使用。第二，风格要儿童化，简洁、明了、精致，活动的低音尽量不要在较低的音区，要巧妙运用钢琴各音区的音色来表现歌曲中的音乐形象。伴奏织体不能像成人艺术歌曲那样丰富，尽量选择柱式和弦、半分解和弦与分解和弦。三种织体可以单独使用，也可以根据乐曲的段落交替使用。如果是两段体的歌曲，可以使用不同的织体来区分情感，烘托不同的气氛。第三，不忘民族化。和声的民族化最重要，用二音或四音代替三音，从而改变和弦的三度排列；用平行四、五度代替主、属、下属的进行；少用大小七、减七等色彩强烈的和弦。织体方面，不建议使用低音加和弦式的形式，因为这种织体适合用来表现气势恢宏的类似于进行曲的歌曲。建议多用短琶音，以及变化的旋律模仿，与旋律相互映衬，犹如一问一答般地充实整首歌曲。《绝句》的伴奏中几乎没有柱式三和弦的出现，完全用二、三度音程叠加（谱例2）。音区基本高于旋律部分，多用跳音及舞蹈性节奏。伴奏与旋律你来我往，生动地表现出两只黄鹂鸟在枝头嬉戏的场面。

三、儿童艺术歌曲的意义

儿童艺术歌曲这一创新的理念，首先，是区别于普通儿童歌曲的一种尝试。它按照艺术歌曲的规则进行创作，但歌词的创作及选择、旋律的创作、钢琴伴奏的编配在符合儿童特点的同时，又更有文学性、审美性及完整性。在当今数量繁多的儿童歌曲中，具备这些特点的作品并不多见。其次，儿童艺术歌曲有利于规范儿童声乐教学。这类歌曲用钢琴取代MIDI伴奏，演唱时一般无需麦克风，不可以用常见的“挤、卡、勒”的童声演唱，因此，必须教会儿童科学的接近于美声唱法的发声方法。再次，其有利于激发词曲作家的创作热情。近20年，我国的儿童歌曲创作趋势呈上升态势，但好作品仍寥寥无几。最后，儿童艺术歌曲是儿童艺术教育的一个突破口。儿童艺术歌曲在歌词方面多选用儿童诗、古诗等，让儿童可以了解我国悠久灿烂的文化，感受诗句的精美、韵律的和谐。旋律多采用五声音阶，节奏口语化，简单活泼又朗朗上口，加之其使用钢琴伴奏，有利于歌曲的推广。希望创作者不要为了经济效益而迎合时代潮流，忽略了艺术的审美性本质。

儿童艺术歌曲是笔者及其科研团队的一个大胆尝试，目的是希望这类高雅艺术形式能够走进当今儿童的生活，让他们从小接触并喜欢古典音乐，走入音乐厅，走入高雅音乐的殿堂。点滴间培养他们的审美格调，从而塑造正确的三观和完美的人格。当然，更希望词曲作者为儿童创作更多、更好、艺术性更强的作品，丰富儿童的音乐文化生活。

作者:余晓青 田大志 单位:东北师范大学音乐学院 东北师范大学附属小学

参考文献：

[1]李娟.谈当下儿童流行歌曲之弊——从“贝瓦儿歌”中的歌词谈开去[J].职大学报，2016（5）：72.

[2]曹粹.浅析黄自艺术歌曲的创作及情感特征[J].音乐时空，2014（24）：95.

[3]游歆睿.陈田鹤儿童歌曲研究及其现实意义[J].苏州教育学院学报，2012（3）：103.

歌曲范文篇2

同志们：

在全市积极开展“新创廉政歌曲大家唱”活动，是今年省纪委和市纪委倡导的一项重要反腐倡廉宣传教育活动。市纪委驻市建设局纪检组高度重视这项工作，组织市建设局、市规划局、市环保局、市城管局、市人防办和市住房公积金管理中心6个单位，结合我市今年纪律教育学习月活动，开展本次廉政歌曲合唱比赛，用歌声来抒发爱党爱民情怀，弘扬廉洁自律正气，展现新时代党员干部风貌。市建设局纪检组组织这样的寓教于乐的活动，既活跃了大家的生活，又能有效宣传为民服务、廉洁从政的教育主题，是一个很好宣传教育活动，我代表市纪委对纪检组开展这次合唱比赛活动给予肯定和支持。

今天在座的各单位领导也都很重视这项活动，积极响应市纪委的号召，大力支持和配合纪检组开展本次活动，组织本系统党员干部认真学唱和练习，掀起了学唱廉政歌曲的热潮。有的单位在本局系统率先开展了合唱比赛，有的单位参加了市里的合唱比赛，不少单位领导班子还带头学唱，并且亲自带队参加比赛，体现出良好的党性党风和高度的组织纪律性。希望各单位继续发扬这种精神，利用各种形式营造良好的反腐倡廉氛围，把我市的党风廉政建设和反腐败工作进一步推向纵深。

最后，预祝比赛圆满成功，预祝各参赛单位取得好成绩！

歌曲范文篇3

由《春天》《九月》《入睡之时》《在夕阳中》4首歌组成，女高音声部演唱，交响乐队伴奏。《春天》完成于1948年7月，《九月》完成于1948年5月，《入睡之时》完成于1948年9月，《在夕阳中》完成于1948年8月，4首歌曲的顺序虽然与作者实际完成的时间相同，但整个主题的构思是在同一时段内进行，作品中的歌曲顺序是后来学者们的安排。《最后四首歌》创作于1946—1948年间，作曲家历经了漫长而又骚动的职业生涯，正值人生苦闷与晚年之秋。诗人艾辛多夫的同名诗歌《在夕阳中》所描写的一对老人家面对近在眼前的死亡所表现的沉思与作曲家的个人处境形成强烈的共鸣，引发了作曲家的创作灵感。这是一部极具价值的音乐文献，作曲家的创作风格和写作手法在以往德、奥艺术歌曲的基础上有了新的发展，可以说这部作品完美地表达了作者对事物终结、生命即将消亡的哲理性思考。《最后四首歌》于1950年5月22日在皇家阿尔伯特音乐厅进行了首次演出，担任这首歌曲独唱的是弗拉格施塔特•魏尔海姆，富特文格勒指挥爱乐乐团伴奏。《最后四首歌》每首歌曲中至少都有一个“主导动机”穿插在声乐和乐队的声部中，其中由一个忐忑不安情绪的主导动机，把前三首歌曲联系在一起，第四首歌是套曲的高潮和总结，通过前三个阶段后，逐步地描绘出一个美满而又静止与安息的意境；同时，套曲在4首乐曲的结束处，都运用了施特劳斯最宠爱的法国号的独奏旋律作为结束，使整部套曲在创作上既有统一又有对比。《最后四首歌》的调式、音色自然和谐，极富意象描绘功能；音乐织体和谐统一、清澈透明，表现了四季的更始复新、爱情、沉睡与死亡；管弦乐配器安排周密细致，特别是弦乐为女高音声部提供了明晰的背景又与之有机融合在一起；为每首歌曲伴奏的管弦乐以缥缈不定、起伏错落的经过句为背景，伴随着节奏的徐缓急驰与对比，同整部作品一道，在夕阳的余晖中、在怀旧的冥思中、在庄严的诀别中逐步消退。《最后四首歌》曲式结构非常自由，两段歌词也会时常连接在一起，乐队间奏时常在段落的中间部分穿插。歌曲乐句的长度也有长有短，长短分布的情况也极不规则和极不均衡。从宏观上来看，《最后四首歌》的序奏部分是第一首《春天》，第二首与第三首歌《九月》《入睡之时》是两个相对来说比较抒情性的段落，第四首《在夕阳中》则是终曲。因此，演唱者在演唱时尤其要注意作品情感的整体性与一致性。

1.《春天》：选自海曼•赫瑟诗歌，Andante（行板），套曲的前奏曲。歌词大意如下：在那阴暗潮湿的地方，我会经常这样梦想着，你就是那些丛林与晴空的微风，你就是那些花朵的芬芳与娇艳，是那雀鸟般的歌声。在灿烂的盛装中，你彰显出了自己。在明亮的光辉的照耀下，你竟然奇迹般地来到我面前。我已经认出了那就是你，并在不断地温柔地向我招手。这时我的四肢都不由自主地激动地颤抖。那是因为我知道幸福就要来临。这首《春天》一直贯穿着一种忧郁与不安的情绪和沉思与暗淡的音响，所唤起的是对春天的怀念。但是，听起来却没有春天的气息，可以理解为作曲家暮年对春即将离去的感受。全曲开头部分的调中心不稳定，没有调号标记。统一的和声基础为c小调的主和弦与降a小调的主和弦组成的琶音音型，通过这一推动力的音型，给全曲奠定了比较坚实的基础，歌者演唱时可以自由地、潇洒地纵情歌唱。歌曲第一、四行诗的最后一个字总共长5小节，作曲家在处理旋律与歌词之间的关系上突破了传统的处理方式，引导我们从整体的音响与声部线条中去思考。歌曲中采用的主导动机多次变型，调性复杂、变化音较多。这是一首调性相对来说比较复杂，需要变化的音节比较多的现代艺术歌曲，所以歌唱者在演唱这首歌之前，一定要相当熟悉这首歌的旋律，充分感受旋律的方向，使其成为一个完整的整体。再一个就是要严格按照节拍朗诵歌词，发音一定要正确，这些都是歌唱前必须要做到的、不可缺少的预习工作。这首歌在演唱时可以较为自由地发挥想象，演唱者要从传统的对称、呼应等关系中解脱出来。歌曲的最后，歌声在悠扬的威尼斯船歌的伴奏下要与宽广的音程一道，和着圆号的响应完美地结束全曲。

2.《九月》：选自海曼•赫瑟诗歌，套曲的抒情乐章。歌词大意如下：雨水是无情的，它冰冷地洒落在娇艳的花朵上，就连花园都在悲伤。夏天的明媚阳光也在不由自主地战栗，非常安静地走到了尽头。金黄色的叶子无力地低着它的头，就这样从高大的洋槐树上无奈地落下。夏日带着惊奇的笑容，在那将近毁灭的梦境中一点一点地耗尽自己。但它仍然逗留在玫瑰花丛中，慢慢地逝去。双眼也慢慢地闭上了，因为它太乏了。《九月》将诗中金色树叶的下落与滴雨渲染得栩栩如生，而晚夏后虚弱的微笑、“闭上了双眼”的描写等都是对生命逐渐消失的一种象征，也是留给人们一种“一切即将终结”的印象。演唱者在演唱时一定要注意对歌中情绪的表达，注意在较为稳定的调性中平静地歌唱，力求突出女声部的歌唱性与抒情性特点。《九月》1—4小节乐队部分中的装饰音，高声部中由三个音组成的和弦组，都是歌曲中最重要的主导动机或音型组，以此贯穿全曲而引申到《入睡之时》中，这样的效果是不仅旋律优美动听而且具有戏剧性。乐曲最末的圆号独奏部分是全曲最高潮的部分，曲中主导动机最后由一支安慰性的独奏圆号封住这朦胧的气氛，求得与整部套曲的和谐与统一。

3.《入睡之时》：选自海曼•赫瑟诗歌，套曲的抒情乐章。《入睡之时》这首歌词的形象鲜明、诗意浓厚。作曲家借描写孩童的天真暗示历经坎坷的自己，渴望、期待着卸掉所有的重担去寻得安歇。歌声在一声疲惫的叹息中进入，刻画的是一种精神恍惚的状态；随后小提琴独奏将人们带到临睡时刻，用动人心弦的旋律来替代灵魂在太空中自由飞翔的情景，这是全曲情感最浓郁的部位，也是全曲的高潮。歌者演唱时要唱出心灵随着令人神往的歌声而放飞的情景，唱出让人感到片刻的安息、无比的满足又不得不回到现实生活中的矛盾心理。这里的心理表达，要运用稍有变化的音色，唱出矛盾的戏剧性，同时也要借助第二段与第三段歌之间的小提琴独奏段落的抒情力量，唱出独奏之后最为激动人心的高潮乐段。要注意旋律部位从降a与降g推至最高点降b的过程，这样的旋律我们称为模进，它与下面声部的和声充分地结合在一起，构成了全曲极为辉煌的高潮。所以，演唱、演奏时更要注意用歌声与乐声互为表达，艺术地再现歌曲的抒情性与交响性情景。

歌曲范文篇4

【关键词】艺术歌曲；影响因素；创作特点；美学思想；艺术价值

一、影响舒曼艺术歌曲创作的因素

（一）时代背景前辈铺垫的影响

舒曼生活于一个关键时期，这个关键时期就是浪漫主义走向兴盛和古典主义走向衰落，在这个风口上，舒曼等许多艺术家开始了富有浪漫情怀的创作，以体现民风民情，用浪漫的手法来歌颂自然，歌颂感性思想，反对理性。甚至到后来，舒曼把一切积极因素都用到音乐中，使得浪漫主义达到一个新的高度。

（二）艺术歌曲发展历程的影响

艺术歌曲的发展可以说是十分顺畅的，一路走来没有什么阻碍，在11世纪，诗人们渐渐拥有浪漫情怀，各种情歌、民谣、叙事歌应运而生，到了16世纪还出现了牧歌。在德国艺术歌曲方面，哈勒斯和阿贝特是创始人，经贝多芬等人的发展不断地前进，直到后来开启了一个新的纪元。随着浪漫主义歌曲的不断发展，人们逐渐把一切乐观的、积极的因素都用到歌曲中，使得歌曲内容高尚，主题升华。

（三）浪漫主义文学诗歌的影响

舒曼出生在浪漫主义时代，生活在一个浪漫的文学世家，对音乐有很高的兴趣，热爱德国浪漫文学及希腊悲剧作品。在漫长的岁月里，舒曼向一些文学家学习，从他们身上学到了艺术的精髓。舒曼不断地筛选，精益求精地收集“原材料”。歌德、莎士比亚、海涅、拜伦等的诗歌成了舒曼创作艺术歌曲的重要源泉。

（四）家庭状况社会文化的影响

舒曼家境殷实，父亲是一位有名望的书本商人，所以他从小就有机会在书的海洋里遨游，接触了各国的浪漫主义诗歌。舒曼在德国的那段时间，他不仅学习不落下，而且还能很好地学习音乐，并参加很多相关的活动，不断提升音乐素养。舒曼名义上是学法学，实际上音乐占了绝大部分时间。这种经历对舒曼的影响是巨大的，在以后的日子里，舒曼利用他的艺术积累，不断进行创新。

（五）爱情波折经历坎坷的影响

舒曼的恋爱生涯是十分坎坷的，他与爱人克拉拉在相识的时候就被克拉拉的父亲阻挠。饱经磨难，两人于1840年终成眷属。在这一年，舒曼的灵感大量涌现，创造了许多有内涵的作品，其中一个就是《诗人之恋》，表达了对于爱情的美好向往，情感真挚；还有一个就是《妇女的爱情与生活》，描绘的景象与舒曼的感情经历十分相似，显而易见克拉拉就是歌中的少女，婉转细腻的曲调中更加流露出舒曼精细敏感的浪漫气质。

二、舒曼艺术歌曲的创作特点

（一）歌词上精挑细选，意义深刻

舒曼自幼受浪漫主义文学的影响，加上自身敏而好学，成年后的他已具有很高的文学修养，因此他对歌词的选择十分讲究和挑剔，每首歌曲的歌词都反复推敲，精挑细选，力求让自己绝对满意，并且用很多不同的手法来进行表现。很多时候，他在旋律进行中大胆、频繁地加入朗诵因素，使音乐直接体现诗歌的语言音调。这种独特的风格使他所谱曲的诗歌都具有很高的艺术价值，且具备深厚的情感。

（二）抒情上简洁含蓄，意境深远

舒曼是一位具有强烈创作欲望和无穷创作灵感的多产作曲家，他对生活的感悟敏锐而独特，加之婚姻上的坎坷波折，使他较舒伯特更加神经质、更加敏感，感情变化更加细腻。因此他在作品的抒情方面更加侧重对情感的深度和准度的把握，更加注重心理状态的深切体会和细致分析，更加体现出简明含蓄，意境深邃的特质。其作品在旋律表达上更像是诗句的吟诵，乐句结构无规无律，变化无常。

（三）伴奏上依靠钢琴，效果独特

舒曼在对音乐的处理上可谓是无人能及，他对于音乐的音色以及歌曲的伴奏都做到了神乎其神，这也要归功于舒曼的独具匠心，很少有人能使音乐与伴奏如此一致，可以如此天衣无缝地进行结合。同时舒曼的音乐伴奏也推动了浪漫主义时代伴奏的发展，舒曼利用高超的手法以及神乎其神的伴奏，丰富了当时单一的伴奏形式，也开创了浪漫主义的新天地。在舒曼的钢琴作品中，钢琴部分与歌唱部分的结合十分到位，从歌曲开始到结束，我们不会感到一丝厌烦，从始至终都沉醉在这种浪漫的气氛中。在作品结尾，他还习惯于加上比较多的钢琴伴奏，这使得音乐更加具有特色，意境更加深远。

（四）风格上独具匠心，特色鲜明

德国民歌具有朴实、工整、简洁等特点，但舒曼很少按照德国民歌的曲调进行创作，很大一部分都是自己的创新，他非常喜欢用复杂的节奏，在他的作品中，通常会有跨小节的切分音，以及高低部分的复奏，以表现他独特的节奏形式。和声方面，舒曼也有一套属于自己的新的手法，他十分大胆地用不协和音，用各种大小调交替和模糊离调来进行创作，十分具有创造性，也使得自己的作品深受大众喜爱。这种手法可以给观众带来更加深刻的印象，这种创作思路，在给观众带来极致的享受的同时也创造出了一种浪漫和充满幻想的气氛。

（五）题材上以爱为根，浪漫真情

舒曼的艺术歌曲大多取材于著名诗人（如歌德、海涅等）的佳作，歌词本身艺术性就非常强，加上舒曼的独特谱曲，使作品富于幻想，充满真情和浪漫。在此基础上再配上爱情因素，无异于锦上添花。在舒曼的作品中，爱情歌曲是占比很大的，对于舒曼的爱情歌曲，我们往往有很强的代入感，仿佛自己置身其中，艺术价值可谓非常之高。著名的作品《诗人之恋》是一首长诗，由许多短诗结合而成，描绘了主人公对于爱情的向往，又夹杂着失恋的挫败感；《桃金娘》几乎描述了他与克拉拉的整个爱情故事，每一首都极其动人，令人难忘。

（六）宗旨上以正为本，感情真挚

舒曼生于一个比较富裕的家庭，良好的成长环境给他带来的是极高的素质修养，我们可以发现，他的作品都具有极高的艺术水平。舒曼认为音乐就是给人们带来享受的，基于这个出发点，舒曼的作品可以很好地使人们身临其境，具有极强的代入感，直击听众的心灵深处，使人们的思想得到升华。舒曼在进行创作时不会有所保留，他会把自己的情感一五一十地表现出来，给我们的感觉就是作品具有亲和力，且主题深刻，我们不会觉得思想空洞。另一方面舒曼也会对现实进行体现，对于好的舒曼极力发扬，对于坏的舒曼也会给予批判。舒曼是一位善于表达情绪的诗人，且随着时代的发展，依旧为人们所喜爱。

三、舒曼艺术歌曲的美学思想

（一）形式美与内容美的统一

形式与内容二者是十分相似的，也是不可分割的，二者相辅相成，一里一外，而且富有内涵。只有里外兼修，才能是一个好的作品。就像我们不能只注重外表，更要注重内涵与素质。舒曼反对作品千篇一律，认为每个作品都需要拥有自己的灵魂，艺术家需要把灵魂进行升华，最后以无懈可击的形式展现给观众。

（二）政治美与艺术美的统一

政治与艺术的关系很长时间以来实难定论，但到19世纪舒曼那里得到了一些印证：舒曼强调作品在富有情感内涵的同时也要饱含政治内涵，这也是艺术的体现。在作品的组成中，要把握作品的内涵，使其在政治、艺术两方面都兼顾，相得益彰。

（三）情感美与道德美的统一

在舒曼眼中，音乐不仅仅是音乐，更是一门艺术，但又不可能违反道德的约束。在舒曼看来，艺术是没有边界的，从他的作品中就可以体现出来。他对于“爱”的描绘可谓是出神入化，其中有一个相关情节就是一个人爱上了自己的堂妹，但最后也没有酿成大错。舒曼本人也只喜欢克拉拉，尽管他也曾受过情伤，但那是少年的狂热，自从爱上克拉拉之后，就再也没爱过别人了。

（四）悲剧美与崇高美的统一

悲剧美和崇高美二者是有关系的，都是十分重要的，悲剧的内核如果变得崇高了，那么悲剧就不再是悲剧，而是一门特殊的艺术。对于这两者的体现，舒曼可以说是做得很好了。

四、舒曼艺术歌曲的艺术价值

歌曲范文篇5

在现实生活当中，我们会发现许多人在使用“民间歌曲”与“民族歌曲”，某种民族歌曲和某些地区的民间歌曲等名词时，经常会出现含糊不清或混淆的现象，像“维族歌曲”与“新疆歌曲”，“信天游”与”山歌”，在大多数人的印象当中都是同一个意思，但是如果从专业的角度来分析，这种叫法是不专业和不正确的。那么，什么是民间歌曲，它又和民族歌曲有什么区别呢？

一、中国民间歌曲的起源

民间歌曲是一切音乐艺术的基础，因为民间歌曲源自中国原始乐舞，原始乐舞是最古老的歌、舞、乐三者结合的形式，民间歌曲含有原始乐舞的遗留成份。原始社会是一个漫长的历史发展过程，原是人们在生产劳动中通过模拟动作来进行狩猎，游牧，战争以及爱情，逐渐形成了原始乐舞的雏形。

民间歌曲伴随着人类劳动而来，自古就有“三人操牛尾，投足以歌八阙”之说，这便是反映原始社会的人们生产、生活的歌舞。民间歌曲从原始艺术萌芽发展而来，是人类物质文明与精神生活的反映。自古历代皇帝与王公贵族们经常通过采风把民间歌曲加工改编为宫廷歌曲，使得民间歌曲这种艺术表现形式愈发的完美和成熟起来，《诗经》、《楚辞》无一不是民间歌曲的总集。各种民间音乐艺术多直接或间接地来自民歌，包括歌舞，说唱，戏曲，器乐乃至其他艺术门类等，无不从民间歌曲中汲取营养和素材。随着社会的不断发展和人民群众对精神文化生活需求的日益增长，民间歌曲被越来越多的人所认识和接触，像：敬酒歌，哭嫁歌，洗衣歌，打硪歌和采茶歌┈┈等等，它们那淳朴的表现风格，热情生动的表现形式，吸引着广大人民群众的喜爱。是当之无愧的音乐艺术之基础。

二、民间歌曲的概念

周青青老师对民间歌曲的释意是：“民间歌曲简称民歌，是劳动人民在生活和劳动中自己创作、自己演唱的歌曲。在漫长的历史发展过程中，传统民歌以口头创作、口头流传的方式生存于民间，并在流传过程中持续不断地经受着人民群众集体的筛选、改造、加工和提炼。因此，流传至今的民歌集结了不同时期、不同地域、不同身份、不同经历的人民群众集体的智慧和情感体验，日臻完美，成为人民群众思想情感表达的结晶。”音乐界的一些专家，学者以及对民歌感兴趣的人在不同的书籍、著作、论文当中，在不同的侧面，不同的深度作出了各种各样的解释，更大的拓宽了人们了解民间歌曲的途径，也使得民间歌曲方面的理论知识更加丰富。

我认为民间歌曲，就是源自民间的歌曲。它是古老的艺术形式之一，是诸多歌曲艺术形式的来源，在人们的日常生产，劳作过程中诞生，由劳动人民直接创造，具有鲜明的人文风俗和浓厚的地方特色，反映了一定历史条件下的社会状况，并随社会的不断发展而注入新的成份的歌曲形式，表达着人们最真实、最淳朴的情感，并有着独特的歌曲风格和地方特色。它是以最广大的人民群众为来源，并由最广大的人民群众口头传承的一种传统歌曲形式，是一种既古老又年轻，同时又情贯古今的艺术，是歌曲中的一颗“活化石”。

三、民间歌曲的特性

在历史发展的过程中，民间歌曲也随着社会在不断发展、前进，逐渐形成了自己的八大特性：

1、继承性。民间歌曲保存着历代生活的形象特征，积淀着不同历史发展阶段的文化因素。它和人们的传统观念，民俗活动紧密结合，世代相传，不断发展。

2、大众性。它是人民群众集体创作的成果。从群众中来，到群众中去。

3、自娱性。它是广大人民群众自娱自乐的艺术表现形式，来自人们心中最真挚的情感流露。

4、即兴性。它歌唱方式规范性不强，歌曲唱腔因人而异，随情而发。

5、适应性。它是以历史时代为背景，适应着潮流与发展，有着与时俱进的特点。

6、地域民族性。它受地域和自然环境的影响具有鲜明的民族风格特点和地域文化色彩。

7、口头性。它是劳动人民自发的口头创作、口头流传且口耳相传的歌曲。

8、变异性。民间歌曲的曲调和歌词在长期的流传过程中被不断的加工而有所变化。

四、中国民族歌曲的概念与特性

民族歌曲作为反映民族精神文化生活的重要标志之一，是民族文化中不可或缺的一部分。从广义上讲，中国有56个民族，每个民族都有他们自己的代表性歌曲，这种在自己民族当中流传和发展的歌曲，就是民族歌曲。从狭义上讲，一个民族特有的或专有的歌曲形式，就是民族歌曲。民族歌曲可以反映一个民族的生活习俗、人文秉性和民族特质。我国是多民族国家，各族地理、气候、环境、习俗都各不相同，每个民族受这些因素影响，形成了千差万别的歌曲风格，比如：蒙古族的歌曲。从音乐节奏特点上看，长调或短调是区别蒙族民歌的特点。这是因为蒙古民族是一个游牧民族，长期的马背生活，养成了他们歌唱的习惯。辽阔的草原，一望无际的苍穹，则形成了蒙族民歌节奏自由、曲调有偿、深沉委婉的特点。蒙族人民诚实、淳朴、粗犷、豪放的性格特征，决定了蒙古族民间歌曲“粗犷、沉稳”的风格。正是因为这些因素，才构成了蒙古民族歌曲特有的语汇，同样也正是因为这些因素，才使得民族歌曲形成了具有个性化、人文化、民族化的艺术表现风格，而这样的风格特点成为民族歌曲的点睛之笔、灵魂所在。

五、中国民间歌曲与中国民族歌曲的关系

在民族大家庭中，各民族聚居、杂居、交错居住的情况很多，日常生活中，民族一词习惯上多指少数民族。因此，民族歌曲也常指的是少数民族的民间歌曲，相应之下民间歌曲就成为汉族民间歌曲的代词了。

其实并非如此，民间歌曲自己就是一个庞大的歌唱文化系统，它本身含有各个民族的民间歌曲。反过来说，民间歌曲是由各个民族具有不同特点、不同性质、不同风格的歌曲所组成的，民间歌曲与民族歌曲并不是两个毫不相连的整体。正相反，两者相互依赖，相互融合，两者的含义虽不相同，但却同属一个不可分割的系统，56个民族的风土人情，交织出各具特色的民族歌曲文化，其中每个民族又以自己各个地区不同的地方风貌、人文景观、生活习惯，孕育出多种具有浓厚地方特色的民间歌曲。

在我们明确了民间歌曲和民族歌曲的概念与关系之后，可以得知，民间歌曲是一个庞大的歌唱文化系统，它含有各个民族的民间歌曲，同时民间歌曲又是民族歌曲的一部分。两者相互依存，却并不矛盾，你中有我，我中有你。所以，当听到人们习惯的把“新疆歌曲”叫作“维族歌曲”时，我们就可以判断这种说法是不正确的。“新疆歌曲”一词，严格地说，它是新疆地区包括维吾尔民族在内的各族民间歌曲。像：塔吉克族歌曲、哈撒克族歌曲、维吾尔族歌曲等等。它们在音乐、节奏、风格上都有自己民族的特点。

作为音乐工作者，应不断的努力提高自身的专业理论知识，发掘民间歌曲中更深层的文化。使民间歌曲在中国歌唱文化事业中蓬勃发展，成为闪光的艺术精品。

歌曲范文篇6

一、艺术歌曲兴起的历史背景

十八世纪中后期，出现了以钢琴作为伴奏、诗歌作为歌词的艺术歌曲，这一音乐形式得到了初步发展，其中以早期的德奥柏林乐派为代表。艺术歌曲在德国称为lied。艺术歌曲总的特点是:代表人物有克劳泽、巴赫、赖夏特、策尔特等人。其特点为：风格保守，音乐采用对位手法，在歌曲方面强调艺术情感表达，音乐更加生动，但感情的表达多于歌词本身的内涵，这就使得艺术歌曲发展缓慢。十九世纪艺术歌曲成为作曲家创作的重要体裁，反映了浪漫主义音乐时期的特点：强调个体主观感，情感表现；音乐上更加自由。代表人物有：舒伯特、舒曼、勃拉姆斯、沃尔夫、贝多芬等人，他们的音乐特点大都表现为:古典与浪漫主义相融合,注重内涵和音乐性的结合；创作构思精细,并有大量的艺术歌曲声乐套曲形式出现,艺术价值高；诗词的意境与音乐结构表现形成完美的整体,伴奏部分的精妙创作在音乐中起到关键的作用。当然，德奥的艺术歌曲的发展也影响到了周边的国家，如法国艺术歌曲也传承了德奥艺术歌曲的特点，在法国，艺术歌曲通常被称为chanson。歌词大都也采用著名诗人的诗词体系为创作基础，表现出法国的名族优雅高贵的特点，歌曲注重旋律色彩的变化，音乐线条流畅动人，扣人心弦。演唱中要注意不能脱离高贵优雅的风格，对于音量的控制都是非常巧妙地，声音过强或过弱都是与法国艺术歌曲风格不相符合，音色要求内敛精致，平静中突出音乐纯净高贵之美。在俄罗斯，艺术歌曲被称为pom鄄ahc。俄罗斯早期艺术歌曲的产生与特点风格往往带有革命的色彩，坚韧刚劲的艺术风格在作品中常常体现。俄罗斯著名的民族主义音乐家格林卡，在他的艺术歌曲创作中，他将专业的作曲创作技法与传统的民间音乐相结合，创作出了具有浓郁民族特色的俄罗斯艺术歌曲，代表作品有《我记得那美妙的一瞬间》等等，除了格林卡之外，如肖斯塔科维奇、普罗科菲耶夫、拉赫玛尼诺夫、斯克里亚宾、米亚斯科夫斯基、哈恰图良等等，其中，被称为是“苏维埃交响乐之父”的米亚斯科夫斯基所创作的声乐套曲《6首A•勃劳克诗词》和《三首素描》，更是彰显了俄罗斯艺术歌曲的魅力。

二、对于艺术歌曲的演唱体会

在实际的学习和演唱中需要注意对各国艺术歌曲进行对比，针对各国的艺术歌曲要有层次、有特点地进行学习，不能混淆，千篇一律。随着文化的传播与拓展，艺术歌曲这种体裁形式不仅是在欧美广受欢迎，现在在全世界范围内传播开来，影响着当代音乐家们的创作思想和人们的审美情趣。笔者2009年在日本留学的时候，许多世界级的音乐家和日本著名歌唱家会举行专场的艺术歌曲音乐会，记得笔者的老师横滨大学教授，也是日本一线的著名音乐家之一的河野克典先生演唱的舒伯特声乐艺术歌曲套曲《冬之旅》，广岛伊丽莎白音乐大学教授小野村和弦先生演唱的舒曼艺术歌曲套曲《诗人之恋》，这几部声乐套曲难度极大，对于演唱者是极大的考验，他们的成功演出受到了极大的好评和人们的喜爱。的确，艺术歌曲不但考验着一位歌唱家的演唱功底，还体现了音乐家们对艺术生活，人生感悟的诠释，也展现了自己的人格魅力与修养。更加反映了日本民众对艺术歌曲有着普遍和广泛的的认知程度。在演唱艺术歌曲的声音运用方面，首先应以美声唱法为基础，在掌握科学的发声法的前提下，才能进行声音、音色、气息的控制与情感的结合。其次是培养学生进行各国历史文化知识的学习，文学、历史、戏剧、美学的学习都对陶冶自身情操和审美品味有所帮助，提高丰富自身人生阅历，有助于在歌唱中勾画出歌曲的意境，由于外国艺术歌曲要求精细，大多是以一种精致的歌曲小品展现在我们的眼前，要求演唱者有极高的文化内涵，以及对音乐结构、旋律、和声、曲式的分析能力。要求演唱声音内敛、含蓄、平稳中带有自身阅历和文化底蕴的体现，平静中表现出声音的张力。正是由于艺术歌曲这种短小而又细腻的音乐体裁表现形式，它将诗词与音乐、钢琴伴奏与人声高度融合，达到了心灵与音乐的结合，以最直接、最简便的方式深入人心。使得这种音乐体裁从开始出现直到今天，世界上的许多作曲家都在为之付出心血，不同音乐历史时期、不同国家的作曲家都各自作出了非常突出的贡献，为我们留下了许多珍贵的经典之作。使它广为流传，经久不衰，在音乐领域中占据了非常重要的地位。

作者：程果单位：四川文化艺术学院音乐舞蹈系日本伊丽莎白音乐大学

歌曲范文篇7

关键词：古诗词歌曲；改编；枫桥夜泊

古诗词艺术歌曲具有悠久的历史和文化渊源。“诗言志，歌咏言，声依永，律和声”“诗者，志之所之也，在心为志，发言为诗。情动于中而形于言，言之不足故嗟叹之，嗟叹之不足故咏歌之。”等历史记载即为生动地说明。《尚书•尧典》：“诗言志，歌咏言，声依咏，率律和声。”《诗经》中风、雅、颂无不是以乐歌的形式呈现出来，此外与楚辞并称诗歌史上的两座丰碑。“诗为乐心，声为乐体”，古诗与歌曲历来有着密切、不可分割的文化血缘。在中国古典文化体系中，诗与乐历来是文人借以言志的重要载体，它在发挥着世人教化意义的基础之上，还起到了文化传播的作用，为文化传承打下了坚实的基础。同时，诗就是歌，即声诗，古诗词吟往往是诗人进行诗词赏析、抒情、创作的必要形式。《孔颖达疏》对“吟”进行了充分地解释：“动声曰吟，长言曰咏，做诗必歌，故言吟咏情性也。”可以说，吟诗与品诗在功能和意义上是对等的。吟诗有三品：其一，品物境；其二，品情境；其三，品意境。这三者是由浅入深、层层推进的关系。从历史发展的角度来看，声诗具有很强的历史性，从原始歌谣、诗经、词曲，声诗的发展逐渐呈现出民间性和艺术性的双重性质，日益成为人们日常审美和文化学习的重要的内容。中国古诗词艺术歌曲便是诗与歌完美集合的产物。这些是在词曲作家的精雕细琢下成为艺术的精品，它不仅是音乐艺术的精华，更是对中华博大精深文化的传承。古诗词艺术歌曲是当代中国声乐作品的重要组成部分，同时也是西方艺术歌曲形式作用下，中国古典诗词内容与形式的革新，从而创造了新的音乐形式。古诗、音乐、人声的有机结合向我们展示了古诗本身特有的审美价值和艺术特色，对于音乐本身的传承和创新有着无比重要的促进意义。表现了中国古诗词特有的意蕴。早在二十世纪初就有许多作曲家根据古诗创作出许多耳熟能详的艺术歌曲，例如,《梅花引》《春江花月夜》《阳关三叠》等，这些作品至今仍具有较高的欣赏、教学以及演唱价值。《枫桥夜泊》就是其中最具代表性的古诗词艺术歌曲。

一、《枫桥夜泊》的艺术特色

中国古诗词艺术歌曲《枫桥夜泊》的歌词来源于唐代诗人张继在名落孙山时夜晚泛舟湖上有感而发的同名诗篇，后经著名作曲家黎海英、顾淡如将其改编为声乐曲目。这首歌曲最大限度地秉承了中国式优美舒缓的旋律性和古典诗词本身的含蓄风格，从此歌曲的旋律性上来看，整个歌曲过程都是在雅乐七声调式的基础上呈现出来的，此外在高潮以后的部分采取了六声调式，并且结合了部分西方作曲技法，使《枫桥夜泊》音乐语言本身有很强的色彩性和动态性。在此部作品中，离调手法被得以大量使用，从而制造出音响上的不稳定性，为实现作品主题的表达埋下了伏笔，与歌曲内容———作者不定的思绪、跳跃闪动的渔火、似有似无的钟声形成了有力的对接，这在中国作品中是很少用到的。“鱼咬尾”式的旋律是这首诗词的一大特色。“鱼咬尾”，又称衔尾式、接龙式，指每相邻两句诗词的结束音和第一个音在结构上的统一性。这种结构其实生动地体现出诗句本身的内在联系性和关联性，从而在旋律和内容上形成了一股合力，实现情感、情绪、精神上层层推进的关系。

二、歌曲《枫桥夜泊》的艺术处理

（一）对歌曲旋律因素的把握

旋律在音乐中有着极为重要的作用，它是指由若干乐音通过某种排列方式形成的有节奏的序列。构成旋律包含两个要素，即旋律线（或称音高线）和节奏。生动的语言节奏和丰富的生活节奏是旋律节奏的自然基础；调式、旋律线和节奏的有机结合，并将其融合到音乐结构中去，从而来形成完整的曲调。想要了解整首歌曲，首先要了解旋律上的各种要素特征。节奏，是音乐的骨骼，是音乐的核心支撑。其旋律的基本节拍是4/4拍，弱起音限制了起音的强度，同时大量连线的运用让这个歌曲具有较强的强弱规律性，烘托出主人公起伏不定的心理特点；此外，休止符在每小节的第一拍至关重要，通过与伴奏的密切配合，以五度和弦来模拟寒山寺的钟声，从而来营造良好的氛围。因此在进行表演的时候，歌者必须要对其涵义和内容进行深入地了解，并能很好的“演唱”休止符，把音乐思想和词意结合起来。在这首作品中多处运用变化对比调式、调性的手法，生动地表达出主人公荒凉、起伏不定的内心情感，同时加上转调的有效使用，使作品本身更加有节奏、有力量，突出了作者复杂、不平的心理特征。

（二）音色与音量的调控

音质包括音准、音色、音量。好的歌曲音质一定在这三方面高人一筹。这首歌曲的总体基调是忧郁温婉、含蓄典雅，为我们呈现出一卷惆怅、伤感、忧郁的画面。所以，在音色的控制上应该注意力求色彩黯淡力度轻柔，不宜使用明亮的音色。此外，歌唱者还应该重点关注并控制好强弱音量的对比，保证旋律线条的流畅性和协调性，以此来更好地诠释全文的整体意境和情感韵味，让表演者的表演与作者的情感相呼应。

（三）对歌曲吟诵风格及情感的把握

艺术歌曲是艺术家内心情感、生活态度和思想人格的诠释和表达，具有一定的变化性和随机性，然而音乐表现具有其本身的规律性和客观性。就具体艺术歌曲而言，要想将其内容完整无误地呈现出来，就必须要对歌曲文学内容有更加深层次的认识，同时还要对音乐语言及其表现规律进行深刻地学习。这首歌曲的旋律写作有一大特色在于其与古诗词吟诵式风格的写作方式相统一，因此对于演唱者来说，只有把握住吟诵风格，才能够更加深刻体会古诗词的内涵。而且作品内容以景物描写和抒情为主，因此用声应该柔弱有度，注重对于叹息声的表达。在表演过程中，有几处需要通过摇音技巧、虚实结合的方式来表现出作者的忧郁之情。另外，吟诵时要做到表达清晰准确、做到字头准、字腹圆、字尾稳，协调的流动，保证其顺畅性。在进行高潮演唱的时候，应该注重呼吸上的延展，保证延长音的伸展性，通过游刃有余地来进行强弱收放，从而达到情景交融、人我合一的境界，不断加深歌曲吟诵的艺术效果。

三、结语

我国传统的古曲，是为适应当时的政治时代文化背景而创作产生的，在我国文化艺术发展中有着较高的文化价值，伴随着时代的发展以及人们生活方式的变化，新时期根据中国传统古曲改编的艺术歌曲是在继承传统优秀文化成果的基础上进行的二度创作，它体现了新时期民族声乐作品在汲取优秀文化传统的基础上创作的道路将会更加繁荣。《枫桥夜泊》已是古诗词艺术歌曲中的经典之作，并被改编为多种版本的器乐合奏以及独奏且广为流传，为中华文化的传承与创新做出了巨大贡献。

作者:麻晓明 单位:辽宁师范大学音乐学院

参考文献：

[1]梁奇.浅析古诗词艺术歌曲《枫桥夜泊》的艺术特点及演唱处理[J].音乐创作,2015,(09).

歌曲范文篇8

关键词：中国近代艺术歌曲；艺术特征；歌曲结构

在18世纪末19世纪初，以舒伯特为代表的音乐大师创作了一系列浪漫、抒情风格的歌曲，从此艺术歌曲名声鹊起，并在全世界范围内广泛流传。在19世纪20年代初，艺术歌曲传入中国，一些音乐爱好者结合中国传统文化创作了独具中国民族特色的艺术歌曲，由此拉开中国近代艺术歌曲的发展序幕。中国近代艺术歌曲文化底蕴深厚，旋律优美，感情细腻，有着独特的艺术特征。但是，绝大多数的国人对中国近代艺术歌曲不甚了解，有必要开展中国近代艺术歌曲特征研究，这对中国音乐文化发展有着重大意义。

一、中国近代艺术歌曲的发展历程

中国近代艺术歌曲的诞生取决于当时的时代需求，是在“五四”运动的引导下兴起的，而其发展得益于当时留学于日本、欧洲学习音乐的留学生。这些具有先进思想和音乐知识的留学生归国后，积极投身于中国新音乐创作和新音乐文化建设中，为中国近代艺术歌曲发展做出了突出贡献。“五四”运动后，民主、科学、爱国等思想在中国大地上迅速崛起，中国知识分子把握住时代脉搏，在文化界掀起了探索新知、传播新思想的浪潮，戏剧、诗歌等领域都开始了变革，一大批风格自然、朴实、清新的诗歌涌现出来，为中国近代艺术歌曲创作提供了许多优秀歌词。一些从日本、欧洲留学归国的音乐学习者，如青主、萧友梅等人，基于这些优秀的诗歌，利用西方音乐理论和作曲技巧创造了一些兼具中国韵味和西方音乐特征的艺术歌曲，以反映时代进步精神。这些歌曲的曲式结构、和声处理等方面都打破了中国歌曲创作的传统形式模，确立了中国近代艺术歌曲的形式。抗日战争全面爆发后，聂耳、冼星海等音乐家在这个战火纷飞的背景下创作了许多带有革命精神的红色革命歌曲，极大地鼓舞了根据地军民抗日斗志。新中国成立后，国内成立一些音乐专业院校，学院派音乐创作者越来越多，艺术歌曲作品的艺术表现力、技巧难度等都有所增强。改革开放至今，中国近代艺术歌曲空前繁荣发展，大量优秀作品涌现出来，如《天鹅之歌》、《送上我心头的思念》等，创作风格、音乐艺术等方面都有大胆的创新，歌曲更加完善。

二、中国近代艺术歌曲的艺术特征

纵观中国近代艺术歌曲的发展历程，可见中国近代艺术歌曲是伴随着中国社会变化而发展的，与中国社会变革有着不可分割的密切关系，这赋予了中国近代艺术歌曲独特的艺术特征。加之，中国近代艺术歌曲以中国优秀诗歌为基础，融合了中国传统文化，文化底蕴更深厚，思想内涵更深邃，使得中国近代艺术歌曲有着丰富的思想内涵。总的来看，中国近代艺术歌曲有着鲜明的风格特征，具体如下。

（一）歌曲结构短小精炼，内容完整

中国近代艺术歌曲的结构大多短小精炼，内容丰满，细节讲究，好似一部高度浓缩的音乐小品。尽管结构短小，但是歌曲内容都比较完整，作品中的每个音调、每个歌词都有一定的深意。观众在欣赏作品演唱时，结合歌曲的创作背景，可以从演唱者的歌声和神态中体味到作品的创作意图和深意。比如《铁蹄下的歌女》，采用了多次过门的有力间奏，这种方式不是为了表示情绪的中断，而是用来表现歌女悲伤的心情和愤慨的态度。观赏这首艺术歌曲表演时，观众通过这些有力的间奏能够很好地体会到歌女的心情和情感，了解创作意图。

（二）诗歌和音乐完美结合，文化底蕴深厚

在中国现代艺术歌曲兴起之初，青主、萧友梅等人把音乐和中国诗歌完美的结合起来，利用西方音乐理论和技术创作了许多优秀作品，开创了中国近代艺术歌曲的结构形式。在此后的中国艺术歌曲创作中，这一传统依然被很好的保留了下来，不少创造者根据诗歌原文创作歌曲，充分考量诗歌原意及其自身的抑扬顿挫，在此基础上融入创作者的理解和思想。如李叔同创作的《送别》，采用了《梦见家和母亲》诗歌中的“产庭外，古道边，芳草碧连天”等歌词，歌词哀伤而隽永，散发着古诗文的韵味，文化底蕴相当深厚。而且，这样的歌词与《送别》这一歌名非常契合，很好的表达了这首歌的创作意图。

（三）歌曲内涵丰富，思想深刻

中国近代艺术歌曲与传统诗歌相结合，其内涵之丰富，价值之高，是可以想象到的。如上文提及到的《送别》，再如《我住长江头》使用了李之仪同名诗，古风古韵的诗词赋予歌曲丰富的内涵，并形成了别样意蕴的歌曲意境，使得艺术歌曲在艺术表现力和欣赏有了更高价值。此外，中国近代一些艺术歌曲与当时的社会背景紧密结合在一起，体现了当时的社会现状、文化精神及人们的美好向往。在这一点上，表现最明显的就是众多战争时期的红色革命歌曲，如《没有共产党就没有新中国》、《我为人民扛起枪》等，这些歌曲既体现了当时人民的革命精神和爱国精神，也是当时社会情况的真实反映，思想内涵极为丰富和深刻，能够引起人们的反思和共鸣。在这样一个特殊的年代里，艺术歌曲所起到的作用和产生的影响已经远远超越自身，上升到了革命战争和保卫国家的层面，对革命战争的胜利做出了重大贡献。

（四）题材多样，形态丰富

中国近代艺术歌曲的题材是丰富多样的，因而形成了各式各样的艺术歌曲。总的来看，主要题材包括三个方面：第一，抒情类。此类题材的艺术歌曲情感真挚、朴实，注重刻画创作者内心世界，表现出一种对生活的积极态度。第二，古诗词类。这类题材的艺术歌曲使用流传已久的古诗词，古风古韵，充分隽永韵味。第三，现实类。现实类的艺术歌曲最接近中国现实社会和生活，时代气息浓厚，思想内涵深刻。

（五）时代特征浓厚，体现社会现实

中国近代艺术歌曲是伴随着当时的新文化运动、“五四”运动出现的，那个时代对中国新音乐文化的迫切需求催生了中国艺术歌曲。在此后的发展过程中，艺术歌曲一直是紧贴社会背景，有着鲜明而浓厚的时代特征。所以，从中国近代艺术歌曲的诞生直至今日，其时代特征一直存在，且体现得十分明显。如，1932年创作的《春思曲》，歌词描述了一位孤独女子雨夜难以入睡、清晨面容憔悴、无心打扮的情景，心中充满了对远方情郎的想念，隐含了那个阶级斗争日益尖锐的年代给普通百姓带来的痛苦，以及那个时代许多人的无奈。再如抗日名曲《黄河大合唱》，展现了中国人民坚定不屈的战斗意志和抗日热情，是中华儿女爱国情怀的真实体现。这些带有时代气息的艺术歌曲取材于社会现实，反映了当时社会的实际，给人们带来了强烈的心灵震撼。欣赏这些音乐作品，不仅能够了解中国近代艺术歌曲的审美情趣，更能从中解决歌曲创作年代的风风雨雨。

（六）钢琴伴奏地位突出，艺术表现力强

钢琴伴奏在艺术歌曲中有着非常重要的地位，堪比声乐主旋律，这一点在中国艺术歌曲中也有明显的体现。在艺术歌曲中使用钢琴伴奏，可以起到发挥衬托节奏的作用，也可以通过特定音型和织体表现歌曲的内涵、意境，所以中国近代艺术歌曲创作时经常使用钢琴伴奏。如，赵元任创作的《茉莉花》、《凤阳花鼓》等作品，这些歌曲采用我国传统曲调的同时也融了西方音乐体系中多声部创造技巧，艺术表现力大大提升。综上所述，中国近代艺术歌曲从无到有，在近百年发展历程形成了独特的艺术特征，在我国音乐文化史上留下了灿烂而辉煌的一页。整体上看，中国近代的艺术歌曲有很强的音乐艺术表现力，有内容的丰富性，有风格的儒雅性，风格特征鲜明，题材丰富多样，思想内涵深刻，文化底蕴深厚，很好地把中国传统文化和西方音乐文化结合在了一起，体现了中国近代艺术歌曲的魅力和价值。

作者:齐建立 李珊 单位:阜阳师范学院

参考文献：

〔1〕林娜.浅析中国近代艺术歌曲的创作特征[J].美与时代(下)，2011，（11）：79-80.

〔2〕顾娜.浅析中国近代艺术歌曲的风格特征[J].音乐大观，2012，（02）：115.

〔3〕孙涛.中国近代艺术歌曲产生背景探讨[J].音乐创作，2013，（07）：112-113.

〔4〕羡涛.浅谈中国近代艺术歌曲发展历程[J].北方音乐，2010，（07）：39.

〔5〕张松.浅析中国近代艺术歌曲的发展[J].才智，2013，（10）：211.

〔6〕高文婷.中国近代艺术歌曲产生的大背景及特色[J].通俗歌曲，2015，（01）：29.

歌曲范文篇9

关键词：古诗词艺术歌曲；《钗头凤》；演唱技巧

一、艺术歌曲的起源

艺术歌曲是声乐曲中不可或缺的一种音乐体裁，这一体裁据史料研究大概起源于18世纪末至19世纪初的欧洲，并很快形成的相对严格的、固定的一种风格。狭义的艺术歌曲要求歌曲的唱词必须为著名诗人、文学家的诗词，例如：门德尔松的艺术歌曲《乘着歌声的翅膀》唱词就选自著名诗人海涅的同名诗。所以说，艺术歌曲有着明显不同于宗教歌曲、民间歌曲、叙事歌曲等的特点。中国艺术歌曲的雏形应为早期的“学堂乐歌”。“学堂乐歌”大多选用外国音乐的曲调然后填上中国的词而来，例如：李叔同创作的《送别》等。随后中国的新文化运动、新中国的成立以及后来的改革开放，艺术歌曲这一体裁越来越受到国人，特别是文人，学者的欣赏与喜爱，艺术歌曲创作空前繁荣。

二、古诗词艺术歌曲

古诗词是中国文学的特殊文体，其具有特殊的格式及韵律。古诗词艺术歌曲顾名思义，即为以中国的古诗词为歌词所创作的艺术歌曲。中国古诗词是几千年来中华民族众多文人墨客的结晶，后又借鉴欧洲的作曲技巧，中西合璧，将中国古诗词的美与西方艺术歌曲的音乐美完美的集合，并成为声乐教学必不可少的歌曲体裁。

三、古诗词艺术歌曲《钗头凤》

（一）沈园绝恋——陆游与唐婉的爱情故事。陆游，南宋著名文学家、史学家、诗人，一生写下近万首诗词，其中不少都是千古名作，《钗头凤》就是其中之一。《钗头凤》讲述的便是陆游与其表妹唐婉的爱情故事。陆游与唐婉青梅竹马，志趣相投，婚后更是形影不离，感情十分好。然而陆母一心想让陆游用功读书，有朝一日金榜题名，她认为陆游与唐婉在一起没有心思读书遂拆散了二人。多年后都已再次成婚的二人在沈园恰好遇见，看着昔日的爱人已嫁与他人为妇，陆游心中五味杂陈，强压住内心的悲痛，寒暄了几句。待唐婉与丈夫离开后，陆游再也控制不住自己的情绪，并在沈园的墙上含泪写下了千古名篇《钗头凤红酥手》，其中“一杯愁绪，几年离索。错、错、错”，至今让人感慨万千。（二）艺术歌曲《钗头凤》的创作。歌曲《钗头凤》是由美籍华人作曲家周易谱曲而成，周易老师在中国古典文学情有独钟，尤其是古诗词，歌曲《钗头凤》是其代表作之一。诗词《钗头凤》是由上阙，下阙完全工整的两部分组成。因此周易老师选择两段基本一致的旋律来谱曲，这在古诗词歌曲中并不是很常见，常见的古诗词歌曲大多选用一整段的旋律来表达，例如：《大江东去》、《春晓》、《花非花》等等。歌曲的前奏连续的下行三连音，运用左右手不工整对位三对四使音乐有一种不安、与紧张感。伴奏部分运用了许多不协和的Ⅶ和弦与Ⅲ和弦，将作者内心的悲痛展现的淋漓尽致；而唱词部分运用了大量的装饰音——连音，仿佛在哀叹着。该曲的创作完全符合诗词朗诵的起承转合，特别在“一怀愁绪，几年离索”这一句中展现的淋漓尽致，“一怀愁绪，几年离索”是上阙中情感爆发的高潮，所以作者也同样选择这句作为旋律的最高潮，而第二遍重复唱着句的时候就没有那么强的爆发，仿佛是意识到一切已无可挽回喃喃自语了。《钗头凤》这首诗极具“古风”，而作曲家周易运用的又是大量的不协和和弦的现代作曲手法。但正是这些不协和的和弦把陆游诗词中强烈地悲伤情绪展现的淋漓尽致。（三）歌曲《钗头凤》演唱技巧与声乐学习中的应用价值。演唱歌曲相当于对歌曲的二度创作，相当于富于音乐新的生命意义。因此歌者在演唱歌曲前的首要任务是要了解歌曲的创作背景，了解陆游与唐婉的爱情故事，然后把自己带入，去理解作者当时的心情。《钗头凤》这首歌曲的蕴含的强烈地伤感，因此在前奏我们需要是心情平静，把自己沉浸到音乐里。在演唱这首歌时首先需要良好的气息支持，需要流动而平稳的气息，是音乐柔和，给人一种婉转、绵长的美感。其次需要控制声音的强弱，这有先唱弱才能突显出强，才能更好的把情绪气氛推到高潮，当然控制声音的强弱一样需要强大的气息支持。最后，也是该曲最难处理的部分，既是每段结束的“错、错、错”与“莫、莫、莫”。三个“错”的情绪应该为，第一个错了？第二个我真的错了吗？第三个肯定是我错了。前两个抱有怀疑的态度，而最后一个是肯定的语气。三个“莫”前两个带有不甘心，不相信怀疑的语气，而最后一个应该是看破了一切，最终释然了。所以最后一个“莫”应该一点一点慢慢收声，将陆游对这段感情的无奈表现出来。

四、结语

《钗头凤》又是一首极具艺术价值的古诗词艺术歌曲，其歌词是陆游千古流传的名作，其曲调的创作又与歌词完美的融合，该曲及体现了古诗词的内涵，又完美的展现了现代音乐技法。古诗词艺术歌曲是西方作曲技法与中国传统文化的完美结合，学习古诗词艺术歌曲要求演唱者不仅需要强大扎实的演唱技巧，还可以提高其文学修养与音乐的审美力。因此，当今音乐学习者，爱好者以及创作者应积极探索与研究古诗词艺术歌曲，将此发扬光大。

[参考文献]

[1]王克慧.赏析古诗词艺术歌曲《钗头凤》与演唱探究[J].戏剧之家,2019.

[2]郭陈旖.音中有诗、乐中有情—周易古诗词艺术歌曲《钗头凤》的艺术特色[D].福建师范大学,2017.

[3]牛春雨.古诗词艺术歌曲的审美与演唱分析[J].当代音乐,2017,06.

歌曲范文篇10

关键词：歌曲艺术表现处理

引言

高尔基曾在论文学艺术创作时说过：“重要的不在于你说的是什么，而在于你如何说。”这句话同样适用于歌曲的艺术创作。当我们拿到一首声乐作品时，首先要做的事就是熟悉作品，而这首作品只是停留在纸面上的死的东西．它必须通过歌唱者的演唱才能使听众充分体会和感受，有的演唱者能做到声情并茂并通过美妙的声音把歌曲的思想内容表达得淋漓尽致：而有的呢，虽然他的声音也很美妙，但他只是照本宣科。一字一音的完成谱面上的东西，没有赋予作品情感色彩，以至于演唱时神情呆板，手足无措、毫无热情：有的甚至矫揉造作。失去了歌唱的意义。虽然我们在唱歌时，毫无疑问对声音的发声方法和技巧是要有一定要求的，但更重要的是对情感的表达。德国著名女高音歌唱家汉姆波尔说过：“如果有人问我歌唱艺术的含义是什么?我不会从声音技巧的角度去说明。我要说的乃是感动听众的才能。如果歌唱者仅仅是指声音唱出来，那么充其量只不过是一位技工匠而已。”由此可以看出感情表达的重要性。因此歌唱者只有从各方面丰富自己．提高自己的文化修养和音乐素质。很合理的对作品进行二度创作、三度创作、四度创作……。这样你的歌声才能真正打动和感染听众。本论文就试着从下面几个方面浅谈如何提高歌曲的艺术表现及其处理的基本方法。

1、歌曲内涵的理解

内涵是指作品的内在含义，即这首歌曲所要想表达的思想和情感。理解作品的内涵是演唱歌曲的基础。歌曲是作曲家的艺术结晶，其中渗透着他们的心血、意图和感情。由于作曲家作品的特殊性，他不可能像画家、雕塑家和文学家那样可直接就和观众见面，而且一目了然，而音乐作品必须通过表演者的再创作，把纸面上的音符变成美妙的声音，让歌唱者真实、朴素、美好的歌唱向听众传达歌曲的思想感情，所以当我们拿到一首歌曲时必须首先对歌曲作者的生平、时代背景、创作特点、风格流派、以及有关地区的民俗、民情有所了解，才能很好的掌握作品。“如果对此一无所知。或知之甚微。这就无法理解作品，更达不到艺术表现的境界，只能是唱音符，唱一个一个的字音，就不可能把自己从事的表演专业发展到更高的水平。”这是我国著名声乐教育家喻宜宣教授说过的一句话。声乐家沈湘教授也告诫我们：“不要把时间单放在发声练习上，要知道提高了综合修养，声音上也会提高，如果有了认识，即使走弯路也不会太远。”一首歌或长或短，都是凝聚着作曲家和作词家强烈的感情，这就需要我们歌唱者认真去发掘和领会。

例如我们大家都比较熟悉的聂耳和田汉合作的歌曲《梅娘曲》，它创作于1934年，当时正值抗日战争期间，是民族存亡的危急年代，这首歌曲是话剧《回春之曲》中的插曲。它表现了侨居南洋的青年高维汉因民族危亡回国参加抗日战争，但不幸负伤，失去了记忆力。他的恋人梅娘闻讯回国探望。想用歌声唤起情人的记忆，歌词深情、细腻。旋律如泣如诉。歌词的旋律都是从碎人心肺的呼唤：“哥哥，你别忘了我呀”和柔情似水的“我是你亲爱的梅娘”开始。感情真挚、委碗、亲切。歌曲的第一段：回忆在南洋时富有浪漫气息的爱情生活的甜蜜，为此演唱时既要表现出美好回忆的语气，又要体现出呼唤亲人的深情，音乐在舒缓的中速进行中展开丰富的内心想像，在深入规定情景中去抒情达意。歌曲的第二段：叙述他们参加抗战的爱国热忱和牺牲精神。音乐也增添了因梅娘不能同去的别离时的惆怅和忧郁之情。歌曲的第三段，描写情人伤重已不认识梅娘的痛苦心情。歌曲中连续的强拍休止及三连音的运用，似抽泣、如呜咽。催人泪下，感人至深。演唱时同样要注意体现梅娘在规定情景中的处境，当深情呼唤无望时：“但是……但是你已经不认得我了，……”那种不可抑制的内心痛苦之情。总之，对作品的理解越深，感受越深，在演唱时的表达则越纯真。越完美。

2、歌曲意境的想像

歌曲的意境想像，就是要尽量去启发音乐的想像力。歌唱者应将歌曲的内容和音乐形象，变成自己头脑中的一幅幅活动的画面。就好像电影演员和戏剧演员进入角色一样身临其境。要尽可能将自己融入角色的感情、环境之中，这就是一个好的演唱为什么能演什么像什么的原因。例如：尚德义作曲的《七月的草原》这首歌，歌曲的前奏一开始就一下子把我们带到了一片广阔、美丽的大草原上，阵阵微风扑面徐来，地面上绿浪滚滚，此时仿佛闻到了一阵阵青草的清香：绿色海洋上：蜜蜂采花、蝴蝶起舞、毡房像银星、羊群像云朵。赛马的小伙子和姑娘们多彩的服饰，一切是那么的美!此作品具有鲜明的新疆维吾尔民族舞蹈音乐，它能烘托出人们载歌载舞的欢腾情绪，演唱者自己仿佛置身于一片热烈、欢快的歌舞场面之中。又如在演唱冼星海的《黄河大合唱》中的插曲《黄河怨》时，眼前又会出现一个被敌人蹂躏的妇女，独自站在黄河岸边，哭诉自己内心的仇恨和痛苦，凄凉又悲愤……这样一幅画面。只有这样动其真情才能用自己的歌声感动听众。“因而歌唱者解释音乐的能力不是一日之功，它是一种生活的积累，这种积累越多，越丰富，灵感也越活跃、越丰富。因此，作为歌者。应随时用眼睛和耳朵去搜集和倾听各种生活的画面和声音，去感受生活，从而增强我们对生活和人物的理解能力和想像能力，进而深刻的理解和表达作品的内涵。”

3、音色的运用

当我们在演唱一首歌时。除了要明确思想感情外，还要考虑运用什么样的声音音色才能符合作品情感表达的要求．才能更生动形象的塑造各式各样的音乐形象。比如说演唱进行曲时要选用雄壮铿锵的声音。演唱圆舞曲时应用明亮华丽的音色，而演唱摇篮曲时则需要柔和甜美的声音等等。总之，我们要善于调整出自己不同的音色，力求符合不同歌曲的不同情绪。“你可以把声音设计为‘轻柔的纱布在微风中飘渺’、‘树叶轻轻落下’这样的声音控制上，又如唱一首柔美而又轻巧的歌曲时，可把声音比喻为‘透明的露珠’、‘春夜的雨滴’等等。”一般来说，抒发强烈感情的需要柔美圆润、连贯自然的声音：表现欢快高兴情绪的需要明亮有光彩的声音：演唱气势宏伟或抒发强烈爱国情绪的要洪亮、高亢的声音。例如歌曲《斑竹泪》共有四个乐段。每一个乐段都有每个乐段不同的内容和情绪，所以我们就必须去很好的对自己的音色进行调整以符合每个乐段的不同情感色彩。第一段描写古舜帝和妃子一起游山玩水，所以要用圆润甜美且连贯自然的音色去唱出他们相依相偎、相亲相爱的情形：第二段是回忆他们俩在一起互相追逐打闹非常尽兴的一段，所以明亮、轻快、活泼、跳跃的音色特点比较符合：到了第三段整个的情绪与前两段形成巨大的反差。在这里要运用阴暗、空洞甚至是抽泣、哽咽的音色去表现妃子在皇帝突然驾崩后悲痛欲绝、哭天抢地的情形：到了第四段。演唱者就必须跳出前面第一人称的情绪，以第三人称来评判这一场爱情，声音音色应该是高亢、亮丽且稍微坚定的语气特点，烘托出这场爱情悲剧的凄凉和洪烈。

4、“渐”字的妙用

前面谈到在进行歌曲的艺术表现时，如何去表达丰富的歌曲内涵，以及怎样用不同的音色去表达不同的情感，那么如何使感情的发展升华，或是不同的片段与片段之间的衔接更趋于自然完美呢?这就必须做好一个字——“渐”，即音符上面的“渐快”、“渐慢”、“渐强”、“渐弱”等这些常见的力度符号或文字。它们在表达丰富歌曲情感和细微的感情变化时，使其更细腻，在不同情感交替转换时，使其更统一也更完美。

如《唱支山歌给党听》是一首具有很强艺术感染力的抒情歌曲。作者在歌曲的第三乐段中运用了大量的渐强、渐弱去再现第一乐段的主题，我们在演唱时如能充分地发挥这些渐强、渐弱的表现力，就能使歌曲的旋律更加舒展、起伏，情绪更加高昂、激动，从而表达出主人公对党深厚真挚的感激之情。

又如《岁月悠悠》中最后的结束句“旧情不堪重回首”中最后一个“首”字，演唱时这个拖音一定要尽量融合在尾奏的旋律中并逐渐弱下去直至消失，并且眼神也表现出很迷茫的样子慢慢飘向远处，仿佛岁月在追忆中悠悠地远去……

总之，要做这些并非一日之功，需要几年如一日的练习，其中还涉及到对声音技能、技巧的要求，才能与情感融合在一起，更能完整的去表达歌曲的意境。

5、各种对比手法的关系

5.1快、慢关系

当我们唱比较快速、活泼的曲子时，内心应有稳定感。强调旋律的流畅和连贯，不能因为这首歌快就一拍紧似一拍的往前赶，这样就显得紧张和慌乱。以至于失去了旋律的美感。越是快的歌曲，越应以句子为小单位，在交代清楚每一乐句的思想前提下。把它一气呵成，以完整、优美的线条表达出歌曲的感情。例《姑娘生来爱唱歌》这首歌速度为“快板”，其中“噻啰噻啰”的歌词比较多且非常快，这就要气息跟情绪的稳定和“落”，再带上姑娘们爱唱歌和会唱歌的那种比较活泼、火辣、且自豪、外向的小姑娘情绪，歌曲情绪就能很好的表现出来。

同样的，唱慢曲子时也不能因为它速度慢而一拍拖着一拍唱。显得沉重而无表现力。例《岁月悠悠》是一首慢板的歌，在演唱时应带上回忆故友、追忆情谊的情感加上旋律线条的流动感向前推进，以饱满的热情融入到歌曲旋律中去，情感越深，就越有韵味，且不显得拖沓。

5.2强、弱关系

我们在《基本乐理》中就学到过各种拍子的强弱规律，因此在歌唱时只有做到强弱分明。才能使曲子具有一定的律动感，但是我们在实践中时，总是唱得强有余而弱不足，有的甚至是把强弱给唱颠倒了。如《大森林的早晨》中歌曲开头的前两个字是从弱拍起的，而多数人都没有太在意，只认为开头就是要唱成强蝗，这样的话就破坏了歌曲的强弱规律。当然。强音也不是从头到尾都一样强的，例如：唱一个延音的强音时，它都有一个由弱到强，或由强到弱的过程，因为在唱的过程中得有一个感情情绪由内而外的深情铺垫，这样唱出来才具有很强的感染力。强音需要弱音的铺垫，弱音也需要强音的衬托。就好像生活中矮的能显出高的，胖的能衬出瘦的，红花需要绿叶的衬托。

5.3高亢与低回