关于知音的诗句十篇

关于知音的诗句篇1

释义:世上能了解自己的人实在在太少了,正因我想起了你,使我不忍心与你分别。

2、白首为功名。旧山松竹老，阻归程。欲将心事付瑶琴。知音少，弦断有谁听。——岳飞《小重山·昨夜寒蛩不住鸣》

释义：为国建功留青史，未老满头霜星星。家山松竹苍然老，无奈议和声起、阻断了归程。想把满腹心事，付与瑶琴弹一曲。可可高山流水知音稀，纵然弦弹断，又有谁来听？

3、九畹芳菲兰佩好。空谷无人，自怨蛾眉巧。宝瑟泠泠千古调。朱丝弦断知音少。——辛弃疾《蝶恋花·月下醉书雨岩石浪》

关于知音的诗句篇2

(一)、动机1、忌无决心、无恒心。对联是文学，不是“笔墨游戏”，而是“做学问”，社会功能极广极大。三日打鱼两天晒网不行，须持之以恒。“持之以恒”并非要放弃或削弱本职工作(指在岗和寻觅生活者)，意指经常妙巧地抓紧安排“读、想、练”。想学不想学，不想学又想学的动机难以成功。

2、忌贪快。决心很大，追求“快”，恨不得“一举成名天下知”，世间哪有那么“便宜事”。从小学到大学，要十多年;从懂得做对联到出佳作，绝非朝夕工夫，短得要两三载，此亦“恒”也。别被吓住，朝夕能出精品，这就在于个人基础。

3、忌贪长厌短。对联一般宜短而精，一味认为“长联易得出名”，非高手反而弄巧成拙。因为长联易犯“重字”，内部结构对应关系等复杂较难匹配。

4、忌贪奇贪异。实用对联作法尚未过关，便去搞巧、奇、怪之类的对联，则会失去重心。

5、忌贪多。懂得对联基础知识后，就年产对联几百甚至千余副，欲以“高产”称著，或者赶时间，急于出集子，操之过急。正确的方向是“少而精，精后多”。

6、忌骄。发表几副或一些作品，或得过一两次小奖(一指地区不广，二指含金量不足)，便不想钻读报刊上的好作品(包括理论等)，守株待兔无益。“功夫到家”这个话实难结论，在甲次征联获甲等奖，乙次不一定获奖，总有间破的。

(二)、句式7、忌句子长短不一。古传有这种例子，如“红颜配老翁，妙;知己成佳偶，堪欢。”这不是“对联”。有的联书收入它，贻误初学知多少?!

8、忌节奏不相称(注意“假对”例外)。如某书中：“掌握/科学/创/大业;黄土/育出/金和玉”，除了缺乏对联味，上句是二二一二式，下句是二二三式，属对不成。

9、忌把律诗对偶句式与非律诗对偶混谈。律诗对偶句式是固定的，有二二三(或二二一二)和二二二一两种节奏(音步)。非律诗句式，每个节奏的字数不能固定，以词、词组语意而定。总之，音步必在同一“点”上，如周恩来一联：

与/有肝胆人/共事;

于/无字句处/读书。

(三)、音韵10、忌音步平仄不协。对联基本原理——音韵(或叫声律)方面，是要讲平仄对仗的：

本句之中，第一音步用平，第二音步必仄，第三音步又要回复用平……叫平仄相间(或交替)。

对句之间，第一音步必仄，第二音步必平，第三音步必须用仄声……叫平仄相对(或相反)。

此说既适应律诗对偶句式，也适应非律诗对偶句式。例如我的“祖国颂”百佳联：

日出()东方()九万里()就无()哪个()重谈()冷;

斗悬()北国()两半球()难得()有人()不道()明。

不过律诗对偶型，句子的平仄要求严谨些，仄起句子(指上联)要避拗句，平收句子(指下联)要避孤平。犯了“拗、孤”要补救，因而要正确理解古传的“一三五不论”。如果你听某些人“不要提拗句、孤平”的说法，那就对于律诗对偶格律型和非律诗对偶格律型混淆不清，你上当了。例如：“金盾杯”全国征联赛有个出句：

金盾耀金辉，题词五载千军奋;

五、七句子都是律诗句式，平仄严谨。获奖的对句中有：

警威凭警德，造福一方百姓安。(一等奖)

从句脚“德对辉”来看，是古声，因“德”在今声中为“平”，那么七言句的“一”古乃仄声，便犯了孤平。如以今声论，不是孤平，但“德、辉”乃平对平，亦失律。终于留下遗憾，不能忽视。

11、忌同声(同调)落脚。上下联尾不能平对平、仄对仄。应“仄起平收”。古有个别例子，不能视为合理的平仄格式。

12、忌三平尾。这是专指律诗对偶型而言的，三连平影响音韵铿锵;三仄尾在遣词无法解决时可不避，因为仄调有上去入，(今声有上去两种)，它们本身有高低升降之别，不可能同为去声(或上声)。

13、忌长联句脚平仄乱阵。通常是保持“马蹄格”形式，也可同字连脚(这是押韵式的一种)，如“看我非我，我看我，我真非我;装谁像谁，谁装谁，谁就像谁”以及某些排偶自对等有规律的形式。不宜把句脚搞得时而平对平、时而平对仄、时而仄对仄。米汤煮芋子，糊糊呷呷乏味。

14、忌邻音字安排不当。并非禁止使用，安排不当念起来拗口，有些像绕口令，则欠韵味。

关于知音的诗句篇3

现在，《诗经》中的诗歌一般被认为是从其音乐性质角度出发，分成了《风》《雅》《颂》三大部类。整部诗集可以被看作是当时歌曲或歌曲歌词的集成。还常有“四始六义”之说，这是针对《诗经》中不同类型的诗作的科学的归纳性分类；“四始”即指《风》《大雅》《小雅》《颂》。“六义”即“风、雅、颂，赋、比、兴”。如果说“风、雅、颂”是从音乐视角做的分类，那么“赋、比、兴”是对《诗经》表现手法的概括描述。

据有关资料记载，“孔子曾说：‘吾自卫返鲁，然后乐正，《雅》、《颂》各得其所。’（《论语》）以此，知《雅》《颂》之名原本不是诗体的名称，而是音乐的名称。所以，至唐代孔颖达作《毛诗正义》，就重新指出《风》《雅》《颂》的音乐性质。他说：‘诗各有体，体各有声，大师听声得情，知其本义。……然则《风》《雅》《颂》者，诗篇之异体。’孔颖达的这一说法，得到了后世的广泛认同。后人结合《诗经》本身的内容特点，大都认为《风》《雅》《颂》属于音乐分类，其中《风》属于地方之乐，《雅》属于朝廷之乐，《颂》属于宗庙之乐。《诗经》与音乐的关系，在此认识中进一步得到了强化。”另外，《墨子·公孟》说：“颂诗三百，弦诗三百，歌诗三百，舞诗三百。”意谓《诗》300余篇，均可诵咏、用乐器演奏、歌唱、伴舞。《史记·孔子世家》说：“三百五篇，孔子皆弦歌之，以求合韶、武、雅、颂之音。”

《风》是《诗经》中最重要的部分，里面收录有15个不同地方的民间歌曲，其中大多数歌曲都来自北方陕西至山东的黄河流域一带。《风》里的诗句（歌词）形式活泼而又错落有致，内容及曲调通俗易懂，表现当时社会各阶层的风俗风情，体现着古代华夏之民风声韵。《雅》作为宫廷正乐，承担着与宗庙音乐不同的艺术功能。它的内容涉及民族之历史、国家之大事、施政之得失、朝廷之典仪等，且篇幅宏大，语言典雅，章句整齐，尤其是《大雅》体现得最鲜明。《雅》里面主要收录了用于宴会典礼的颂歌。《雅》里的诗句（歌词）形式整齐规范，措辞典雅，有一种雍容华贵的气质。《颂》属于宗庙之乐。《颂》里面主要收录的是统治者用于祭祖、祭天地的各种乐歌。《颂》里的诗句（歌词）形式则形式简单，内容深奥；如《周颂·清庙》表现出简单、迟缓、凝重、肃穆的风格。演唱《清庙》时的乐器也正好与此风格相配，即“朱弦而疏越”。《礼记·乐记》云：“大乐必易，大礼必简。”又曰：“《清庙》之瑟，朱弦而疏越，一倡而三叹，有遗音者也。”孔颖达疏：“《清庙》，谓作乐歌《清庙》也。朱弦，练朱弦，练则声浊。越，瑟底孔也。画疏之，使声迟也。倡，发歌句也。三叹，三人从叹之也。”

据有关资料记载，《诗经》大量运用比喻手法且富于变化。譬如，《氓》用桑树从繁茂到凋落的变化来比喻爱情的盛衰；《鹤鸣》用“他山之石，可以攻玉”来比喻治国要用贤人；《硕人》连续用“葇荑”喻美人之手，“凝脂”喻美人之肤，“瓠犀”喻美人之齿；《关雎》开头的“关关雎鸠，在河之洲”比喻男女求偶，或男女间的和谐恩爱。《桃夭》开头的“桃之夭夭，灼灼其华”，可以理解为比喻新郎对新娘美貌的赞美，或比喻烘托结婚时的热烈气氛；等等。

《诗经》里的诗（歌词）大多是四言的基本句式，少数是二言、四言、九言、杂言等其他句式，如至今流传极广的《伐檀》基本是以四言句式为主。那么在音乐上，《诗经》的演唱，其旋律线条，必定大都较平缓自然、简洁单纯，不矫揉造作。

值得注意的是，《诗经》中的《风》里每首诗都分成2至4段，每一段又包含若干句子，且大都在3至5句之间，其开头和结尾部分往往相互呼应，演唱时常常采用一种一唱三叹的重复的民间歌谣形式。另外，《诗经》中双声、叠韵、叠字的语汇非常多，如《关雎》中“关关”（叠字）形容水鸟啼鸣，“窈窕”（叠韵）表现出女子的贤淑清丽，“参差”（双声）描绘了水草的样态，“辗转”（叠韵）表达出难以入眠的相思之愁。这些语汇本身已蕴含着音乐上的美感，演唱时自然朗朗上口，音律和谐，音乐形象生动。

关于知音的诗句篇4

关键词：自主；学习；古诗

中国是有着几千年悠久历史的文明古国，中华文化更是源远流长，新的课程标准在课程总目标中指出：要“认识中华文化的丰厚博大，吸收民族文化智慧”。可见古诗学习在新一轮课程改革中具有重要的地位。如何引导学生自主学习古诗呢？笔者在这方面作了一些尝试。

一、课前激趣，领悟文本

教育家苏霍姆林斯基说：“教师要把课上得有趣。”这就要求教师在古诗教学过程中要激发学生的学习兴趣，帮助学生形成学习动机，让学生带着一种高涨的、激动的情绪从事学习和思考，对面前展示的真理感到惊奇甚至震惊，使学生在学习中感觉到自己的智慧和力量，体验到创造的乐趣。

1.创设情境。小学课文中的古诗，有很多是借景抒情的。如，贺知章的《咏柳》、杜甫的《江畔独步寻花》等，在教学时，可利用多媒体课件，展示诗中所描绘的情景，播放录音，视听结合，让学生从具体鲜明的画面和生动形象的语言中产生身临其境的感觉。这样的设计往往能紧扣学生的心弦，使学生走进作者，走进作品，学习的愿望也就在学生的心中油然而生。

2.编讲故事。小学课文中的古诗，有一部分是以事说理，有鲜明的人物和较完整的故事情节。如，曹植的《七步诗》、卢纶的《塞下曲》等，在教学设计中可安排讲故事的环节，教学效果非常好。

3.设置悬念。有一类古诗，说理性很强，则可从主要观点入手，提出问题，让学生产生悬念，激起他们的学习兴趣。如，于谦的《石灰吟》、郑燮的《竹石》等。

二、课内探究，授之以渔

诗歌是文学之母，是语文精华。对于古诗学习，必须教给学生一些“翻译”理解的方法，以帮助学生实现自主学习，让学生在自主学习中享“渔”而得鱼。通常古诗释意时可采用“留、删、补、换、调、变”等方法。

1.“留”，就是保留。凡是古今意义相同的词，以及古代的人名、地名、物名等，解释时可保留不变。

2.“删”，就是删除。删掉无须译出的词，如，语尾助词等不译。

3.“补”，就是增补。补出省略句的省略成分。句子省略是古今汉语所共有的现象，因为诗人既要考虑用极为有限的字词，表现尽可能丰富的情感，又要考虑到服从格律中关于节奏整齐定型的限制。省略句中主要的有句子成分的省略和介词的省略。（1）省略主语：如，叶绍翁《游园不值》中“应怜屐齿印苍苔，小扣柴扉久不开”，省略了主语“我”；杨万里《宿新市徐公店》中“飞入菜花无处寻”，承前省略了主语“蝴蝶”。（2）省略宾语：如，苏轼《题西林壁》中“横看成岭侧成峰”，这句把“横看”的宾语“庐山”和“侧”的中心词“看”（谓语）以及“看”的宾语“庐山”都省掉了。（3）省略介词：如，孟浩然《宿建德江》中“野旷天低树”，句中介词省略了，即“野旷天低（于）树”等。

4.“换”，就是替换。用现代词汇替换古代词汇。如，把“吾、余、予”等换成“我”，把“尔、汝”等换成“你”等。如，王冕《墨梅》中“吾家洗砚池头树，个个花开淡墨痕。”把“吾”换成“我”。又如，郑燮《竹石》中“千磨万击还坚劲，任尔东西南北风。”把“尔”换成“你”。

5.“调”就是调整。诗作者为了强调某种语气，或者突出某个内容，或者调和音节，特地调换句子词语的习惯次序。在翻译时就要把古诗的倒装句语序调整过来，以便符合现代汉语表达习惯。这种倒装的句式在古诗中常常见到，了解它的一般规律，对读通古诗，理解诗意，都很有帮助。（1）为押韵而倒装。如，卢纶《塞下曲》的首句“林暗草惊风”，按正常的词序是“林暗风惊草”，倒装后把“风”字放在句末是为了同二、四两句的尾字“弓”“中”押韵。又如，孟浩然《春晓》中“处处闻啼鸟”的“啼鸟”是“鸟啼”的倒装，使全诗韵律和谐，朗朗上口。（2）为对偶而倒装。如，王之焕《登鹳雀楼》中“欲穷千里目”是“目欲穷千里”的倒装，为的是同下句“更上一层楼”组成对偶，使诗句一气呵成，严整充实。（3）为协调平仄而倒装。如，朱熹《春日》中的“等闲识得东风面，万紫千红总是春”，其下句本应是“春总是万紫千红”。倒装后，该句的格律为“仄仄平平仄仄平”，与上句“平平仄仄平平仄”正好对应，这样，诗句节奏鲜明，音调悦耳。（4）为突出内容而倒装。如，韩愈《早春》中“草色遥看近却无”，“草色遥看”是“遥看草色”的倒装，诗人为了突出“草色”，把它放在“遥看”之前。又如，孟浩然《宿建德江》中“日暮客愁新”，“客愁新”是“客新愁”的倒装，诗人为了突出“愁”的“新”，把“新”置于“愁”的后面，这样一倒装，不但强调了“愁”的“新”，而且调和了诗句的音节。再如，杜牧《出行》中“霜叶红于二月花”，是“霜叶于二月花红”的倒装，两相比较，可以看出，倒装句既突出了“二月花”，又调和了音节，使诗句音韵和谐，读起来朗朗上口，无别扭之感。（5）诗歌句序的倒装。如，张俞的《蚕妇》：“昨日入城市，归来泪满巾。遍身罗绮者，不是养蚕人。”先写入城的感受，后写入城的见闻，有意颠倒了句子顺序，使诗意曲折多姿，对比强烈，增强了诗的艺术感染力。

6.“变”，就是变通。在忠实于原文的基础上，活译有关文字。

纵观课文中的古诗词，大多注释详尽，学生完全可利用掌握的“翻译”方法，借助注释及工具书去读、去悟。学生以所知和疑惑为媒介，相互启发，交互竞答，继而以疑激疑，以已知释未知，交汇融合，让学生形成“由已知到生疑，然后解惑，再生疑，再解惑”的思维风暴。

三、课外延伸，拓宽天地

语文课程是开放而又富有活力的。要给古诗教学引入活水，形成开放性的教学系统，就要从课堂延伸到课外，给学生创造更广阔的天地。

1.古诗教学与音乐、美术、书法等学科结合起来。把古诗中的故事情节、描写的景物画出来，给古诗配画，给古诗配乐，故事课本剧、写诗歌书法等，既加深了学生对诗歌内容的理解，又培养了学生听、说、绘画、想象等能力，促进其多方面能力的和谐发展。

2.进行小制作，把古诗经典名句做成书签及座右铭。一方面锻炼了学生的动手操作能力，另一方面也把古诗教学和积累背诵融入了生活中，形成了一个了良好的学习氛围，使学习材料生活化，易于积累和运用。

3.利用网络完成古诗，拓展学习。现在网络早已进入城市家庭，可引导学生充分利用这一媒体工具，查找一些课本外的有关信息和资料。如，作者、作品介绍、朗读录音、有关典故、翻译注释等。通过拓展学习，做到正确流畅地朗读诗文，理解领悟诗中的蕴意。

关于知音的诗句篇5

“诗歌与音乐的关系”，近年来似乎已成了“显学”，在诗、词、曲，以至《诗》、赋的学术会上，每每要提到这个问题，作为专题的学术会，也许今天是第一次吧。参加者这么多，而且有许多中青年学者，是很使人兴奋的。

“诗歌与音乐的关系”，这句话的意思大家都明白，但是，“诗歌”这个词语中本身就包含了“音乐”，所以这个提法是不是可以修正一下？或者可以说：“诗歌中诗与乐的关系”，或者直接说：“诗与乐的关系”。我个人则习惯于分为两句来说，一句是：“歌唱中‘文’与‘乐’的关系”——歌唱，就是“文”与“乐”的结合；再一句是：“韵文与音乐的关系”——虽然任何韵文（甚至散文）都可以付诸歌唱，但是在现实中，是有一些韵文体裁及作品并不为歌唱而写作。

我读过一些有关的文著，参加过多次有关的学术会，可以说，都是这个内容即探讨“韵文与音乐的关系”；相应地，所有这些文著的作者、这些学术会的发起者主持者和几乎全部的参加者都是“文界”的学者。譬如关于所谓“声诗”、关于“词与音乐的关系”等，都是文界人士提出并予以研究的。这个课题，当然不只对于文界，同样地也应对于乐界。音乐界，也有研究“乐”与“文”的关系的，但主要是在今天创作歌曲时“音乐形象”与“歌词意境”或“旋律”与“语音”的关系之类；很少进入到像文界研究“文、乐关系”的广度和深度，至少没有充分展开我国民族音乐与传统韵文之间的关系的研究。

出现这个现象也是自然的。我国是“诗文之邦”，几千年来，民族传统韵文发展的高度和深度，远胜于音乐——这是我国与外国譬如欧洲诸国很不同的历史实际。也许只消看一个现象就可明白大概：歌唱是“文、乐”的结合，在我国是把其中的“乐”遗（忘、舍）弃了而成为留传千古的“（韵）文”——“诗”、骚、赋、乐府、诗、词、（南北）曲等；而欧洲诸国呢？则可以将歌唱中的“文（词）”丢在一边而把其中的“乐”独立出来成为器乐曲（这种情形只出现于我国的“琴”，但是，琴恰恰不在我们研究范围之内）。在我国，韵文形成有如上所述的众多文体的篇章构成和句式、格律结构；音乐呢？似乎从未产生过“乐体”、“乐式”的观念（古代没有）；而欧洲恰相反，乐体、乐式，从乐句、乐段、和声、对位到乐章、乐曲、交响曲、歌剧等，规范而且完整，而其“文（词）”呢？除所谓“十四行诗”之外，他们的韵文是没有（形成）确定、规范的“文体”的。是不是这样呢？

近年来，研究界有一种说法，谓：我国文体的发展（如词）是由音乐的体式决定的，说词是“按乐谱填辞”的“音乐文学”，词体的构成是：“依曲定体、依乐段定片、按曲拍为句、据腔押韵、审音用字”云云，这种事是绝对没有也不可能有的。即以宋代而言，词人数以千计、词作数以万计，当然全是“文”作；“乐”呢？除了姜白石在其十几首“自度曲”词作文字边上有不完整（又不知道在流传过程中有没有抄错）的乐音符号之外，一个音都没有留下来。而那些“自度曲”，姜白石老先生自己说了，是他“初率意为长短句，然后协以律”而成词（再然后才有那些乐音）的，哪有先有“乐谱”然后“填辞”的事呢？因为不可能。

事实是，无论在历史上以至今日，我国各种体裁、体式歌唱中的“文”与“乐”的关系，总体上是：“文”为主，“乐”为从。稍微具体些说，是四条：

一、以文的篇、章为乐的篇、章；

二、以文的“韵（断）”处为乐中的“住”——约略相当于今称的“乐段”；

三、以文的“句（断）”处为乐中的“顿”——约略相当今称的“乐句”；

四、以文句中的“步节”为乐句中“乐节”组合的疾徐促疏；

以上四条，罕有例外，在这四条的前提下，在具体的文辞、句字与乐音旋律如何结合的关系上，则可大分为两类：

一类是：以稳定的或基本稳定的旋律（我称之为“定腔”）敷唱各种不拘平仄声调的文辞；

一类是：以文辞句字的字读语音的平仄声调化为乐音进行，构成旋律；

前者我称之为“以腔传辞”，典型的是“段谱体分节歌”，如众多的“民歌、小调”及现今的创作歌曲。如《兰花花》可以用完全或基本相同的旋律去唱“青线线那个兰线线，兰个英英地采”和“你要死来就早早死”。

后者，我称之为“依字声行腔”，典型的是“曲唱”，如《牡丹亭·游园》［皂罗袍］首句：“原来姹紫嫣红开遍”，其音乐必须按诸字声“阳平／、阳平／、去∧、上∨、阴平—、阳平／、阴平—、去∧”的起伏化为乐音旋律进行组成唱腔。

关于知音的诗句篇6

关键词：W・H・奥登 读画诗《美术馆》 跨行句

一、读画诗及跨行句

读画诗为古典修辞术语，在希腊语中的意思是“说出”。意即通常是指关于艺术的诗歌，对其研究多关注文字与图像艺术之间的张力。中国美术学院教授范景中偏重艺术史论，将该词译为“艺格敷词”，该翻译更加侧重美学方面的研究，而台湾联合大学系统文化研究国际中心主任刘纪蕙译为“读画诗”，该翻译更加适合英语语言文学研究的范畴。

“读画诗”通常是指一件艺术品，诗人通过描绘艺术品表达其中的故事、内容，并借此抒发诗人的情感。在众多的“读画诗”中，最有名的例子莫过于荷马史诗《伊利亚特》。在该诗中，诗人描写了阿基利斯之盾。荷马将盾牌上美丽的图案细致地呈现在众读者眼前，读者看到了工匠手艺之精湛。同时借由荷马翔实的描述，读者可以清楚地感受到画中人物的声音、动作甚至心理状态。简而言之，“读画诗”的创作者经手中的文字将画面及想象带到读者面前。

在英文诗歌中，每一诗行有跨行句和结尾句两种最基本的结构形式。跨行句指“一行诗直接延续至下一行，其间无语法分隔。”与之相反的是结尾句。

读画诗往往采用跨行句的形式，诗人选择跨行句通常出于三种考虑，其一，诗行过长，会使得阅读者产生阅读障碍，而将长句进行切割，分为两个或多个部分，使得每个诗行的意思更加突出，从而减少了读者的阅读困难。其二，诗人常常将韵律纳入创作因素，跨行得当，使得诗歌的整体形式更加整齐，韵调更加匀称，增强了音乐性。其三，诗人通过跨行句，将重要的词汇或意图置于诗行的开头或末尾，以此强化了诗歌的主题，同时制造了悬念，阅读者产生期待。由此可见，读画诗中的跨行句增强了诗歌的戏剧性和阅读吸引力。

二、W・H・奥登的《美术馆》中的跨行句

W・H・奥登是继T・S艾略特之后， 二十世纪英国文学中最伟大的诗人之一。1938年，W・H・奥登在比利时首都布鲁塞尔参观皇家美术博物馆，看到了文艺复兴时期布拉班特公国画家老・彼得・勃鲁盖尔所作油画《伊卡洛斯的坠落》， 深有感触。是年，创作了该诗。

这幅漂亮的风景画中，农妇、牧羊人还有不远处一艘帆船上的水手忙着手中的活计，无人注意不远处的海边：一个人一头栽在海里，只露了一双脚，连他边上的鸟儿也未受到惊吓，这个人便是伊卡洛斯。伊卡洛斯是希腊神话中的人物，他和父亲用蜡粘合羽毛制成双翼装在肩上飞离克里特岛，但是在飞近太阳时，蜡翼被太阳融化，他跌落海中死去。

在油画中，伊卡洛斯死亡的悲剧已然发生，但是周围的农妇、牧羊人等众人毫无觉察，唯有纵览全画的画家看到，但是画家仅仅在油画的一个角落展现出了悲剧。奥登借读画诗以表现出人对他人的漠视，对他人的痛苦处于麻木的状态。奥登像其他读画诗人一样，并未简单明了地说出诗歌的主题，而是通过跨行句呈现在读者面前。

全诗采用的是彼得拉克十四行诗的形式，共两小节，第一诗节有十三诗行，第二诗节有十二诗行。诗人在第一诗节中，赞美了大师们对人生苦难的关注和对人性冷漠的深刻理解。在第二诗节，诗人笔锋一转，描绘了油画《伊卡洛斯的坠落》，指出他人的痛苦和世界局部的灾难已无法引起普通人的关注和同情。

全诗并无明显的节奏规律，但是有明显的行尾韵。诗人在诗行之首采用了含有短音的单词；在诗行末尾才用了含有长元音的单词。诗歌同时亦采用了长句和短句结合的形式，诗人似乎给读者造成一种随意的感觉。Fuller认为“（该诗的） 长且无规则的诗行制造出一种听起来比较随意的语气，而诗中节奏细微地强化了该语气。”

本诗中的跨行大多出现在及物动词、介词、副词、连词、关系副词等成分的前后。原诗中每一行都不是完整的，语意有停顿。悬疑往往出现在跨行处，或是停在意想不到的地方，引起读者注意。

在第一诗节中，奥登运用了跨行句，把某些词汇置于了句首，读者通过这些词汇能够明显地感受到该诗的主题是有关人类的生存状况，而且是悲惨的境况。同时，诗人将下列词汇置于了句尾。这些词汇均和日常生活有极大关系，表明普通人的生存状况。这样主题指向更加明确，主旨内涵愈加丰富，尤其突出了诗人对人类“存在”状况的深切焦虑。

在第二诗节中，第一行“在勃鲁盖尔的油画《伊卡洛斯的坠落》中，一切转过头去”，此时到了第二行，诗人才交待从什么转头过去，“从灾难转过头去，农夫可能会”，农夫可能会做什么呢？再读第三行，读者才能知道答案“听到水花飞溅的声音”，此处即动词放在了行首，突出了农夫的动作。第四行，太阳仍然照耀。第五行，句子结构安排最为奇特，“绿色”和“海水”分开在两个诗行。读者想到这是在描写坠入海中和海水的飞溅。“绿色”放在句末，读者会注意到颜色格外醒目，读者的脑海中会出现极强的画面感。第六行结尾是“一定已经看到”后面是空白，是悬疑，看到了什么在下一行才交待；第七行和第八行结合在一起才是一句完整的句子“男孩从天上落入大海，船要驶向目的地。”

该诗为读画诗，诗人在博物馆看到了油画，他好似是博物馆的讲解员，一步步地为观看者讲解油画。整首诗有两种声音，一种声音是叙述者的声音，叫读者接受一切，认为一切就应该这样继续下去，但是同时，在另一方面，则是另一种声音，在诗句中的某些地方停顿，令读者思虑一切到底应不应该继续下去。一种声音讲述着船继续平静地航行，一切照旧。但是另一种声音却让读者感受到平静表象之下的焦虑，关注从天上掉入海中的男孩。由于存在着两种不同的叙述声音，整首诗就“建立在这种奇妙的拉扯的张力中”。

三、结语

现代英文诗歌的创作者越来越多地在读画诗中使用了跨行句。跨行句成为了一种主要的工具和独特的修饰手法，在读画诗中的功能已经越来越强大，其独特的功能正被诗人愈加重视并被发挥到了极致，成为了读画诗诗人在诗歌创作中用来突出音律、加强节奏、制造悬疑、增强读者期待和强化主题的重要手段。

参考文献

[1]Barbetti， Claire. Ekphrastic Medieval Visions： A New Discussion in Interarts Theory. New York： Palgrave Macmillan， 2011：2-3.

[2]葛加锋.艺格敷词：古典修辞学术语的现代衍变.范景中，曹意强主编.美术史与观念史（第6辑）.南京：南京师范大学出版社，2007：44.

[3]刘纪蕙.故宫博物院VS超现实拼贴：台湾现代读画诗中两种文化认同之建构模式.中外文学，1996（12）：66-96.

[4]Beckson， Karl and Ganz， Arthur eds. Literary Terms： A Dictonary（3rd edition）.New York：Farrar， Straus and Giroux，1989：244.

[5] Fuller， John. A Reader’s Guide to W.H. Auden. New York： Farrar， Straus & Giroux，1970：121.

[5]梁秉钧.比较文学与翻译.刘靖之主编.翻译丛论一九八八.香港：商务印书馆，1987： 101.

关于知音的诗句篇7

学习的第一步——就是求知。顾名思义，就是检查或研究以便获得更多的知识!知识就是力量，我们就是要学会求知，下面给大家分享一些关于初中语文知识点九年级2020，希望对大家有所帮助。

初中语文知识点九年级1沁园春 雪

一、重点字词

1、给下列加点字注音。

沁qìn园春 分fèn外 妖娆ráo

成吉思汗hán 数shǔ风流人物

点拨：“分”“汗”“数”是多音字，要注意课文中读音。

2、解释下面加点的词。

(1) 惟余莽莽 惟：只。

(2) 须晴日 须：等到。

(3) 略输文采 输：差、失。

(4) 俱往矣 俱：都。

二、重点句子背记知识清单

1、用原文填空。

(1) 北国风光，千里冰封，万里雪飘。

(2) 点明这首词的中心的句子是：俱往矣，数风流人物，还看今朝。

(3) “望”字统领的句子是：望长城内外，惟余莽莽;大河上下，顿失滔滔。山舞银蛇，原驰蜡象，欲与天公试比高。

(4) 全词中起承上启下作用的句子是：江山如此多娇，引无数英雄竞折腰。

(5) 写出采用比喻、对偶、夸张的修辞手法把静物写动的句子是：山舞银蛇，原驰蜡象，欲与天公试比高。

2、解释下列句子。

(1) 惟余莽莽。只剩下白茫茫的一片。

(2) 山舞银蛇，原驰蜡象。群山好像(一条条)银蛇在舞动，高原(上的丘陵)好像(许多)白象在奔跑。

(3) 俱往矣，数风流人物，还看今朝。统统都过去了，要说真正的英雄人物，还得看今天。

三、段落背记知识清单。

默写《沁园春 雪》下阕词的内容。

江山如此多娇，引无数英雄竞折腰。惜秦皇汉武，略输文采;唐宗宋祖，稍逊风骚。一代天骄，成吉思汗，只识弯弓射大雕。俱往矣，数风流人物，还看今朝。

四、文学常识背记知识清单

《沁园春 雪“沁园春”是词牌名，“雪”是词的题目。

初中语文知识点九年级2我爱这土地

作者简介：

艾青(1910～1996)，原名蒋海澄，浙江金华人，现代著名诗人，只因一次在写自己姓时，刚写出草字头，便想起了蒋介石，顿生厌恶之情，便在底下划了叉号，从此更名为艾青可见其坚定的政治立场。1932年，正在巴黎留学的作者因感民族危机日益严重便急速回国，投入到救亡运动中，却因从事革命文艺创作而被国民党逮捕判刑6年，但始终没间断创作，狱中创作了《大堰河——我的保姆》，接着创作了《芦笛》，《巴黎》，1937年写了《雪落在中国的土地上》，1938年初，又创作了《北方》等诗篇。

写作艺术

这首诗的显著特点是篇幅短小，构思精巧。土地是个博大的意象，诗人选择它作为寄情的对象、倾诉的对象，其境界极其广阔，意象极其丰富，诗人的情思是多角度、多层次的，诗人的想像和诗思的回旋天地也是无限自由、广阔的。但他没有把诗的篇幅拉长，不让诗的情思散漫开去，而只把诗人对土地广阔而深厚的爱浓缩在10行诗中，并且取得了最佳的艺术效果。

写作手法

诗人不是从实处落笔，而是从虚处落笔，通过想像把自己虚拟为“一只鸟”，借鸟儿与土地的关系来展开全诗的艺术境界，使诗的整体构架显得巧妙自然，使人浑然不觉。诗以“假如”开头，显得新奇，富有独创性，便于化人为鸟，把诗境推向虚拟的艺术境界。当然，诗中的“鸟”，仅是泛指，具有象征性，不像古诗词中那些实指(如杜鹃、鹤鸽等)。“用嘶哑的喉咙歌唱”，是一句引人注目、令人心动、值得品味和沉思的诗句，也是全诗中深化诗人对土地感情的一个奇异的亮点。这是当时悲壮的时代氛围(抗战初期)、诗人特殊的个性与气质(艾青自称是“悲哀的诗人”)以及诗人特殊的表达需要等等，共同作用于鸟儿形象而产生的审美意象。它大大提升和强化了形象的审美表现力—从中我们不仅能感到时代的氛围、诗人的个性和气质，更能感到诗人对土地的爱是如此的执著、坚贞和顽强。

练习

1.全诗中哪两句直接抒发了诗人对“土地”的热爱之情?

为什么我的眼里常含泪水? 因为我对这土地爱得深沉……

2.“嘶哑”表达了作者什么感情?如果用“嘹亮”好吗?为什么?

“嘶哑”表达了歌唱不已，真情无限的情怀，哪怕唱至喉咙充血，声音嘶哑，面对困难斗争的悲伤，也不会停息对大地的歌唱。如果用“嘹亮”，虽添了亮色，但少了艰辛，减弱了对大地挚诚感情的表达。因此，用“嘶哑”比用“嘹亮”好。

初中语文知识点九年级3你是人间四月天

字词解释：

⑴娉婷(pīngtíng)：女子容貌姿态娇好的样子。

⑵鲜妍(yán)：光彩美艳的样子。

⑶冠冕(guān miǎn)：古代皇冠或官员的帽子，比喻第一，体面，光彩。

⑷呢喃(ní nán)：象声词，形容燕子的叫声。

文章整体赏析

《你是人间的四月天》的一至四节句式结构基本相同，形成复沓，构成对称的乐章，将心中的爱以一幅幅四月天丰美的画面作比，节奏明快"排比的句式将画面连接，情感如水面涟漪层层叠叠荡漾起伏，作品不仅美而且易于吟咏，朗朗动人"诗的第五节/你是爱，是暖，是希望，/你是人间的四月天!”是收束的乐章，以抽象的爱、暖、希望来比喻心中的你，极尽盛赞，美不胜收“你是人间的四月天”与诗的开篇呼应，重复中有变化，诗情回旋而流转，毫无滞涩之感。

作为诗歌最为形式化的表达上，此诗的节奏、韵律与语词的选取都处于语词的中性状态，没有大红大紫、纯黑纯白的俗艳与锋利，在声音上，也是温和的、静雅的，甚至走向旖旎和慵懒;十一个“你”字，既突出了主题，又起到了“衬韵”的作用，在诗歌运行的过程中，“你”字的每一次出现，就像乐队演奏中的节点，以“频率”的方式突出了“我”的指向，这是一种形式美感与内容美感的深层次结合，是一种尚未被人们研究和认识的精妙之处。歌颂四月天，其实都是在向“你”倾诉，全诗只有一处破折号，这一处破折号写着：“你是爱，是暖，是希望”，什么样的希望呢?联系林徽因的知识背景，我们会更加明确这首诗艳丽的画面背后，有着理性主义表达的节制和书写的雅致，完全能够体现出古典英国诗歌的高贵气象

语言艺术

《你是人间四月天》这首诗的语言，画面感极强。不同于当今一些诗歌注重思想的表达，它还保留着古典诗歌以形象毗类情感的特点，也就是说，在诗歌意象、思想和语言之间，这首诗追求的是一种整一的感觉，不是思想高于画面、意象和声音，而是以诉说为主，阅读者在吟诵的过程中参与创作，共同“呈现”意蕴的面貌，在这里，没有抽象的思想，只有敞开的画面，以形象的语言等待领悟。作者巧妙地运用了色彩的象征意义，且以温暖的组合展示温馨柔媚的情调。

在这首诗中，直接展示色彩的文字有“鲜妍、鹅黄、绿、白莲”，我们对这些色彩进行光谱分析会发现，它们给人类视觉所造成的印象都是明亮的，都与人的温暖的心理感受相关，带给人们一种稳定的、甚至慵懒的感受，按照心理分析来说，则是一种温润的美感。而且，作者在描写这些美感的时候，又采用了跳动的笔法，也就是说于变化中、动作中展示色彩，这可以从间接展示色彩的文字中看到，这样的文字有“点亮、春的光艳、云烟、黄昏、星子在无意中闪、夜夜的月圆、水光浮动”，在这些词语中，我们仔细体味就会发现，它不是静态的描摹，而是放在动态的、变化的背景中来挥洒，有点像绘画中的晕染，漫出纯粹色彩的边界，正是在那模糊之处，美感油然而生;从人类的接受心理来说，这样的色彩点燃恰好是抓住了人类注意力的某些特点：再似乎不注意的地方写下动态的景观，稍一提神，便豁然开朗，这正是美学欣赏中的恍然一悟。而且，在这样两组文字中，有一种顺承的关系，第一组纯粹的色彩只有到了第二组跳动的组合中才更生动，试看这些词：“点亮”突出了“点”这个动作、“春的光艳”显示了“春”的灿烂和妖娆、“云烟”则直接是状态的描写，若隐若现渺渺茫茫、“黄昏”看似暗淡实则隐喻了温暖，因为它后面紧跟着的是“风的软”、而“星子在无意中闪”承续“黄昏”这一意象，突出了“闪”的动态感，给我们一种灵动的审美体验、在“夜夜的月圆”和“水光浮动”中，以“暗”和“柔”进一步烘托那种微醺的温暖的感觉。所以，在这样的文本细读中，我们会发现，当单纯的文字组合在某种一致性的情感脉动中的时候，那些文字就会突破其单一的意义，而获得一种整体的审美感受。

画面和声音是交织在一起的，在鹅黄和白莲之间有人们笑的声音、风舞动的声音、雨滴洒落的声音、花开的声音、和阳光一起浮动的流水的声音、树儿花开的声音以及那春天最不可缺的燕子的声音，在洁白温暖的画面上，这些声音喧闹起来，但并不觉得杂乱，热闹而不杂乱，一定是和抒情主人公的心情有关，所以，透过这些表达声音的文字，我们可以看到整首诗歌完整的情绪流，那是欢快的声音，类似溪水的流动———如同一个场景，春暖花开，但是冰雪还没有完全消融，溪水在雪下流动，阳光照耀之处，漏出的一线溪流冰澈清凉，在冷与暖的交界处，这些文字在跳动:“笑声、交舞着变、吹着风的软，星子在无意中闪，细雨点洒在花前、雪化后、水光浮动、一树一树的花开、燕在梁间呢喃”，这里的每一组文字都由两部分构成:一是画面、一是画面的流动，笑是一种形态，要有人来构成，我们可以想象的抒情主人公是一个白衣少女，那声音可以“点亮”周围的“风”，而“轻灵”是由声音的“脆质”导向画面的“光艳”，在通感中，“交舞着变”的是春天的面相，这一组文字中，由对人的怀想引向声音，又借助声音引向春光，交舞的变是写场景，构成了一个热闹的开端。接着换了一个场面，其实是一个黄昏，但是不是凄冷的黄昏，而是温暖微醺的黄昏，在这里，写了“风吹”、“星闪”和“雨洒”，这些动感的词语引起阅读者对意象的认同，那是一种湿润的感觉，是早春的感觉，从唯美的角度来说，这一节诗是一个容易被忽略的转折，但是，也正是在这一转折中，诗的意象才构成了跌宕，不那么单一的灿烂，就像一幅画，是在鹅黄的飘扬中晕染了蔚蓝的底色，而且动感十足，又轻柔得仿佛不见。

下面两节转入春天和人的双重赞美，这实际上是诗的主题地呈现，即歌颂心目中的“你”，把“你”的喜悦和春天的“轻、娉婷;鹅黄、新鲜、初放芽的绿”揉在一起，那春的特质便是“你”的面貌，于是“你”获得了“鲜妍、天真、庄严、柔嫩喜悦”的赞美，最关键的两组意象在这里出现“你是夜夜的月圆”和“你梦期待中的白莲。”说实话，这两种意象与“鹅黄”是由冲突的，在风格上一个肃穆，一个温馨，其间的差异在过去对此诗的诗评中并没有人注意，唯一合理的解释是:这是一种期待后的两种呈现，如果进行弗洛伊德式的心理分析，会发现，在徐志摩、梁思成、金岳霖和林徽因之间复杂的情感关系中，其间的曲折变化原本是缘于各种风格之间的不同、对话与妥协，在诗歌文本深处，这种隐秘的心理，不能不说是一种解读的角度。所以，诗歌的第三、第四节隐含的声音远远比第一、第二节更为隐秘而难猜。

关于知音的诗句篇8

“诗歌与音乐的关系”,这句话的意思大家都明白,但是,“诗歌”这个词语中本身就包含了“音乐”,所以这个提法是不是可以修正一下?或者可以说:“诗歌中诗与乐的关系”,或者直接说:“诗与乐的关系”。我个人则习惯于分为两句来说,一句是:“歌唱中‘文’与‘乐’的关系”——歌唱,就是“文”与“乐”的结合;再一句是:“韵文与音乐的关系”——虽然任何韵文(甚至散文)都可以付诸歌唱,但是在现实中,是有一些韵文体裁及作品并不为歌唱而写作。

我读过一些有关的文着,参加过多次有关的学术会,可以说,都是这个内容即探讨“韵文与音乐的关系”;相应地,所有这些文着的作者、这些学术会的发起者主持者和几乎全部的参加者都是“文界”的学者。譬如关于所谓“声诗”、关于“词与音乐的关系”等,都是文界人士提出并予以研究的。这个课题,当然不只对于文界,同样地也应对于乐界。音乐界,也有研究“乐”与“文”的关系的,但主要是在今天创作歌曲时“音乐形象”与“歌词意境”或“旋律”与“语音”的关系之类;很少进入到像文界研究“文、乐关系”的广度和深度,至少没有充分展开我国民族音乐与传统韵文之间的关系的研究。

出现这个现象也是自然的。我国是“诗文之邦”,几千年来,民族传统韵文发展的高度和深度,远胜于音乐——这是我国与外国譬如欧洲诸国很不同的历史实际。也许只消看一个现象就可明白大概:歌唱是“文、乐”的结合,在我国是把其中的“乐”遗(忘、舍)弃了而成为留传千古的“(韵)文”——“诗”、骚、赋、乐府、诗、词、(南北)曲等;而欧洲诸国呢?则可以将歌唱中的“文(词)”丢在一边而把其中的“乐”独立出来成为器乐曲(这种情形只出现于我国的“琴”,但是,琴恰恰不在我们研究范围之内)。在我国,韵文形成有如上所述的众多文体的篇章构成和句式、格律结构;音乐呢?似乎从未产生过“乐体”、“乐式”的观念(古代没有);而欧洲恰相反,乐体、乐式,从乐句、乐段、和声、对位到乐章、乐曲、交响曲、歌剧等,规范而且完整,而其“文(词)”呢?除所谓“十四行诗”之外,他们的韵文是没有(形成)确定、规范的“文体”的。是不是这样呢?

近年来,研究界有一种说法,谓:我国文体的发展(如词)是由音乐的体式决定的,说词是“按乐谱填辞”的“音乐文学”,词体的构成是:“依曲定体、依乐段定片、按曲拍为句、据腔押韵、审音用字”云云,这种事是绝对没有也不可能有的。即以宋代而言,词人数以千计、词作数以万计,当然全是“文”作;“乐”呢?除了姜白石在其十几首“自度曲”词作文字边上有不完整(又不知道在流传过程中有没有抄错)的乐音符号之外,一个音都没有留下来。

而那些“自度曲”,姜白石老先生自己说了,是他“初率意为长短句,然后协以律”而成词(再然后才有那些乐音)的,哪有先有“乐谱”然后“填辞”的事呢?因为不可能。

事实是,无论在历史上以至今日,我国各种体裁、体式歌唱中的“文”与“乐”的关系,总体上是:“文”为主,“乐”为从。稍微具体些说,是四条:

一、以文的篇、章为乐的篇、章;

二、以文的“韵(断)”处为乐中的“住”——约略相当于今称的“乐段”;

三、以文的“句(断)”处为乐中的“顿”——约略相当今称的“乐句”;

四、以文句中的“步节”为乐句中“乐节”组合的疾徐促疏;

以上四条,罕有例外,在这四条的前提下,在具体的文辞、句字与乐音旋律如何结合的关系上,则可大分为两类:

一类是:以稳定的或基本稳定的旋律(我称之为“定腔”)敷唱各种不拘平仄声调的文辞;

一类是:以文辞句字的字读语音的平仄声调化为乐音进行,构成旋律;前者我称之为“以腔传辞”,典型的是“段谱体分节歌”,如众多的“民歌、小调”及现今的创作歌曲。如《兰花花》可以用完全或基本相同的旋律去唱“青线线那个兰线线,兰个英英地采”和“你要死来就早早死”。

后者,我称之为“依字声行腔”,典型的是“曲唱”,如《牡丹亭·游园》〔皂罗袍〕首句:“原来姹紫嫣红开遍”,其音乐必须按诸字声“阳平/、阳平/、去∧、上∨、阴平—、阳平/、阴平—、去∧”的起伏化为乐音旋律进行组成唱腔。

关于知音的诗句篇9

“诗歌与音乐的关系”，这句话的意思大家都明白，但是，“诗歌”这个词语中本身就包含了“音乐”，所以这个提法是不是可以修正一下？或者可以说：“诗歌中诗与乐的关系”，或者直接说：“诗与乐的关系”。我个人则习惯于分为两句来说，一句是：“歌唱中‘文’与‘乐’的关系”——歌唱，就是“文”与“乐”的结合；再一句是：“韵文与音乐的关系”——虽然任何韵文（甚至散文）都可以付诸歌唱，但是在现实中，是有一些韵文体裁及作品并不为歌唱而写作。

我读过一些有关的文著，参加过多次有关的学术会，可以说，都是这个内容即探讨“韵文与音乐的关系”；相应地，所有这些文著的作者、这些学术会的发起者主持者和几乎全部的参加者都是“文界”的学者。譬如关于所谓“声诗”、关于“词与音乐的关系”等，都是文界人士提出并予以研究的。这个课题，当然不只对于文界，同样地也应对于乐界。音乐界，也有研究“乐”与“文”的关系的，但主要是在今天创作歌曲时“音乐形象”与“歌词意境”或“旋律”与“语音”的关系之类；很少进入到像文界研究“文、乐关系”的广度和深度，至少没有充分展开我国民族音乐与传统韵文之间的关系的研究。

出现这个现象也是自然的。我国是“诗文之邦”，几千年来，民族传统韵文发展的高度和深度，远胜于音乐——这是我国与外国譬如欧洲诸国很不同的历史实际。也许只消看一个现象就可明白大概：歌唱是“文、乐”的结合，在我国是把其中的“乐”遗（忘、舍）弃了而成为留传千古的“（韵）文”——“诗”、骚、赋、乐府、诗、词、（南北）曲等；而欧洲诸国呢？则可以将歌唱中的“文（词）”丢在一边而把其中的“乐”独立出来成为器乐曲（这种情形只出现于我国的“琴”，但是，琴恰恰不在我们研究范围之内）。在我国，韵文形成有如上所述的众多文体的篇章构成和句式、格律结构；音乐呢？似乎从未产生过“乐体”、“乐式”的观念（古代没有）；而欧洲恰相反，乐体、乐式，从乐句、乐段、和声、对位到乐章、乐曲、交响曲、歌剧等，规范而且完整，而其“文（词）”呢？除所谓“十四行诗”之外，他们的韵文是没有（形成）确定、规范的“文体”的。是不是这样呢？

近年来，研究界有一种说法，谓：我国文体的发展（如词）是由音乐的体式决定的，说词是“按乐谱填辞”的“音乐文学”，词体的构成是：“依曲定体、依乐段定片、按曲拍为句、据腔押韵、审音用字”云云，这种事是绝对没有也不可能有的。即以宋代而言，词人数以千计、词作数以万计，当然全是“文”作；“乐”呢？除了姜白石在其十几首“自度曲”词作文字边上有不完整（又不知道在流传过程中有没有抄错）的乐音符号之外，一个音都没有留下来。而那些“自度曲”，姜白石老先生自己说了，是他“初率意为长短句，然后协以律”而成词（再然后才有那些乐音）的，哪有先有“乐谱”然后“填辞”的事呢？因为不可能。

事实是，无论在历史上以至今日，我国各种体裁、体式歌唱中的“文”与“乐”的关系，总体上是：“文”为主，“乐”为从。稍微具体些说，是四条：

一、以文的篇、章为乐的篇、章；

二、以文的“韵（断）”处为乐中的“住”——约略相当于今称的“乐段”；

三、以文的“句（断）”处为乐中的“顿”——约略相当今称的“乐句”；

四、以文句中的“步节”为乐句中“乐节”组合的疾徐促疏；

以上四条，罕有例外，在这四条的前提下，在具体的文辞、句字与乐音旋律如何结合的关系上，则可大分为两类：

一类是：以稳定的或基本稳定的旋律（我称之为“定腔”）敷唱各种不拘平仄声调的文辞；

一类是：以文辞句字的字读语音的平仄声调化为乐音进行，构成旋律；

前者我称之为“以腔传辞”，典型的是“段谱体分节歌”，如众多的“民歌、小调”及现今的创作歌曲。如《兰花花》可以用完全或基本相同的旋律去唱“青线线那个兰线线，兰个英英地采”和“你要死来就早早死”。

后者，我称之为“依字声行腔”，典型的是“曲唱”，如《牡丹亭·游园》［皂罗袍］首句：“原来姹紫嫣红开遍”，其音乐必须按诸字声“阳平／、阳平／、去∧、上∨、阴平—、阳平／、阴平—、去∧”的起伏化为乐音旋律进行组成唱腔。

关于知音的诗句篇10

《新版语文课程标准》要求小学生要背诵优秀诗文160篇（段）。并对每个学段提出具体要求：一二年段学生诵读浅近的古诗，展开想象，获得初步的情感体验，感受语言的优美；三四年段学生诵读优秀诗文，注意诵读过程中体验情感，展开想像，领悟内容；五六年段学生诵读优秀诗文，注意通过诗文的声调、节奏等体味作品的内容和情感。那么，教师如何指导学生理解古诗诗意呢？笔者认为可以用下四种方法。

一、充分地读

《语文课程标准》中指出：“要让学生充分地读，在读中整体感知，在读中有所感悟，在读中受到情感的熏陶。”有感情地朗读古诗有助于理解古诗的内容，领悟只能意会而无法言喻的意境和韵味，是综合感受语言美、意境美的重要手段。古诗朗读教学要抓准韵脚、节奏、语调等诸多要素，引导学生读好诗韵，读准诗意，读出诗境。诗韵是古诗朗读中潜在的情感语气，它主要依赖于读准平仄音，表现好韵脚韵音等得以实现的。因此要让学生明白，朗读古诗要想表现出诗韵，要按“一平（― /）二平、三四仄（V＼）；二二一二、有节奏；遇平拉长、遇仄短；”这种平仄吟诗法将平仄音读正确。如《泊船瓜洲》中的“间”字是仄音 jin ，如果读成平音jiDn，就会损伤音节的谐和效果。其次要注意将各韵脚的音节读得正确中肯。古诗中的绝句和律诗一般情况下奇数句不押韵，偶数句押韵，一押到底，不变韵。朗读时对韵脚要恰当重读，非韵脚音读得轻佻一点儿，使上下句音节谐和对应，这样才能产生沁心感怀的韵味效果。此外，诗歌朗读是介于读和唱之间的形式 ── 吟诵，为了更好地表现出诗的韵味，朗读时不能太短促，有的字音要适当拖长些，从整体上表现出古诗回环起伏、委婉动听的音韵美。如《饮湖上初晴后雨》中的 “光、色、、奇、湖、宜”这几个平音要拉长，特别是“宜”要拉至三拍。这样反复地吟诵出诗词平仄押韵的韵律美，培养学生的语感，完全陶醉于诗情画意中，深深地体会了作者所表达的思想感情。

二、创设情境

叶圣陶曾说过：“诗歌的讲授，重在陶冶性情，扩展想象，如果抓住精要之处，指导一二句话，也许就够了，不一定反复冗长地讲说。”古诗的教学，讲究将学生领入诗的意境，体验诗人的感情，诗情画意地教古诗，诗情画意地学古诗。如何创设出符合诗意的诗境呢？一是在绘画中想像诗词情境。很多诗歌都是融情于景，诗中有画，极富绘画之美感。教学中，我们把“诗”与“画”结合起来，激发学生进入诗句所描述的景象，引导学生根据自己的理解，体会诗句的描写，充分发挥想像，通过绘画来表现自己脑海中诗的画面，从而感受古诗词的意境美。不同的学生，对画面会有不同的表现手法和不同的构图布局。通过绘画，能有效地让学生体会诗中的美丽景象和作者内心的感受，受到美的熏陶，加深了学生对古诗词的理解，同时更加彰显了学生的个性，进一步激发了学生阅读、鉴赏古诗词的兴趣。二是在表演中再现诗词情境。很多古诗词的内容富有生活情趣，蕴含着哲理美。若引导学生尝试品味古诗词所描述的意境，再把它表演出来，既符合学生好动的特点，张扬学生的个性，又能让学生深入体验作者的情感，引起情感共鸣，再现诗中的情境，培养学生鉴赏古诗词的能力，促进学生语文素养的形成和发展。通过表演，诗中那鲜明生动的形象、真切感人的情景以及耐人寻味的哲理，都会深深地印入学生的脑海中。

三、扩展阅读

在学完一首古诗词后，可以以一带多进行相关链接。

1.向同类题材的作品扩展。如，学完王安石的《泊船瓜洲》和孟郊的《游子吟》，教师可提问：你是否还知道其他思乡、思念亲人的诗？学完白居易的《忆江南》后，教师建议学生开一个“春天吟诗会”，把自己最喜欢的诗献给春天。学生兴致盎然地背起了许多熟悉的关于春天的诗。同类题材作品的拓展，可以帮助学生对以前阅读的古诗词进行系的梳理，沟通了课堂内外的教育资源，同时为学生提供了一个充分表现自我、张扬个性的舞台。

2.向整篇（部）著作拓展。如学习《春江花月夜》的前面四句：“春江潮水连海平，海上明月共潮生。滟滟随波千万里，何处春江无月明！”然后引导学生去阅读张若虚的《春江花月夜》的其他部分。