现代设计美学范文

导语：如何才能写好一篇现代设计美学，这就需要搜集整理更多的资料和文献，欢迎阅读由公文云整理的十篇范文，供你借鉴。

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【关键词】现代设计 美学 技术

1 现代设计中的“技术美”

现代设计，通常被称为“功能主义设计”，又称为“技术美”，或“机器艺术”。现代设计最好的结合了艺术美学和现代高新技术，是人类设计史上最重要、最具影响力的设计活动之一，它兴起于20世纪20年代的欧洲，经过几十年的迅猛发展传播，其风潮几乎波及全球，在它的影响下，又产生出许许多多新的设计风格和流派。

计算机技术和网络技术迅速发展而引发的现代设计方式方法和设计观念的变化，正对传统的设计教育教学产生巨大的；中击，引发了世界各国对现代设计教育教学改革的思考和行动，使越来越多的设计师和设计教育工作者意识到对学生设计理念、设计思维和设计综合素质的培养比对学生设计表现手段的训练更为重要和迫切，这也成为现代设计教育研究的一个重大课题。对整个设计行业而言，个人电脑普及以来，原来画笔绘制或特殊技法完成的效果图，使用电脑设计大大的缩短了制作时间，而且电脑设计绘制精美，甚至能达到很多手绘不能完成的特效，设计师也就有了更充裕的时间去考虑更多的设计细节。网页设计都是基于电脑的设计，所以网络设计在开始就紧密与高科技结合，有着创造更多无限可能的可能。伴随着电脑设计技术的不断提高，设计软件的不断完善，现代设计中融入了越来越多的更先进的技术，人们在对信息的需求同时，开始普遍关注产品的质量与审美。在不同的设计中运用更多的美学、创新的设计思维并同先进的科学技术相结合，是信息时代对信息传播与表现形式提出的客观要求。信息传播开始往风格多元化发展。这个阶段可以说是科学与艺术结合的时代。

2 新技术影响下的现代设计美学

现代设计美学的第一要义就是“新”，这个“新”有着不同的层次，它可以是创造性的，也可以是改良性的。无论如何，只有新颖的设计才会走向成功。现代设计美学的第二要义就是“合理”。技术的不断提高和创新也决定着现代设计作品的“新”高度。

包豪斯的设计思想为现代设计思维的拓展和完善提供了可参照的依据和标准，使现代设计思维更加的规范化、系统化。“在《包豪斯宣言》中，格罗皮乌斯的核心思想：一是打破艺术种类的界限。二是将手工艺人的地位提高到艺术家的层次。”这就是格罗皮乌斯所说的“艺术和技术新的统一”的含义。包豪斯的教育设计理念就是技术和艺术的和谐统一，让视觉的敏感性达到理性的要求水平，对材料、结构、肌理和色彩都有科学技术的理解，团队集体工作是设计的核心，企业家、艺术家、技术工作人员应该紧密的合作。

在人类现代设计史上，科学技术往往是通过与艺术结合的方式促进生活发生变化。现代艺术设计给人类所带来的，不仅是精神上的享受与愉悦，更重要的是，它可以改变人类的生活方式。我们生活的世界是客观的，科学规律也是客观的，有条件的，创新的技术必须符合科学规律才能发挥作用。新技术的出现是有目的，是以人为本的。技术创新的价值也就在于此，如果没有目的，技术就不能成为技术了。

3 现代设计中如何做到技术与艺术相结合

现代艺术设计需要技术的支持，又在技术的基础上表现着思维与情感。而技术创新则是功能与理性的良好表述，技术上的不断更新又为艺术的表现形式提供了多样性。艺术包含技术，但不等于技术。艺术在工业设计里面的最明显的最关键的作用就是美感，偏感性。而技术发展则是现代设计的内在核心，它包括结构和各种科学技术等一切理性的东西。工业设计不等于艺术创作，它除了欣赏，更重要的作用是方便人类使用，但它需要艺术的成分。

在现代设计中，我们必须把科学与美学、艺术与新技术相结合，才能创造出好的作品。比如，著名的流水别墅，功能美方面，流水别墅本身就是为休闲养身而设计的，其内部空间既分割又连成一片，根据不同的需要可以有不同的净高，而且室内陈设偏于低层布局，天花板较低，并略有倾斜，室内有亲和感和安全感，这样的空间和陈设很适合人们放松身心，亲近大自然。形式美与造型美方面，从其看似简单却蕴含无限张力的外观我们可以读出那些水平伸展的地坪要桥、便道、车道、阳台以及棚架，沿着各自的伸展轴向，越过谷而向周围凸伸，自然和人悠然共存呈现了天人合一的最高境界。再如，Jacos Kiaer设计的一款椅子，是用陶花心木和皮做成的。此款椅子，是将科学与美学、艺术与技术完美有机的结合，而创作出的经典之作。艺术带给人以享受，并受到技术和科学的支持，所以经典会诞生。如果在现代设计中只有艺术或技术其中一项，那么制造出的产品就是不完美的，只能成为普通的产品而已。

在多数情况下，人们对现代设计作品的不同感受是通过所谓“视觉质感”调动起来的，或者是被外部因素调动起来，再由它亲身接触加以验证的。其中的关键点就是在于如何打动人心。

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美是什么?“美”离不开人的审美活动。中国传统美学认为，审美活动就是要在物理世界之外建构一个意象世界，这个意象世界，就是审美对象，也就是我们平常所说的广义的“美”。在中国传统美学的影响下，现代的设计美学也要寻找我们民族传统文化中为其他民族所不及的思维优势和独特风采。我们所处的是一个高度现代化、信息化的社会，新材料、新技术不断涌现，使我们目不暇接，随之而来的新思想、新观念、以及国外的各种艺术思潮的涌人也对现代设计美学带来了前所未有的冲击，在这种局面下，我们面对着一个如何认识传统美学与现代设计美学关系的问题，也就是在我们的现代设计美学中对传统造型艺术何去何从的问题。完全背离传统显然是不可取的，对西方现代艺术纯粹的模仿、简单的搬用将使我们的艺术丧失民族个性；而对传统继承是必要的，也是必然的，任何新事物的产生都是建立在传统的基础之上的。

二、现代设计美学的第一要义就是“新”

这个“新&rdquo有着不同的层次，它可以是改良性的，也可以是创造性的。但无论如何，只有新颖的设计才会迈出走向成功的第一步。设计美学的第二要义是“合理”。设计不可能独立于社会和市场而存在，符合价值规律是没计存在的直接原因。如果设计师不能为企业带来更多的剩余价值，相信世界上便不会有设计这个行业了。

三、传统美学观对现代设计美学的影响

(一)传统美学对广告设计的影响

中国传统美学中的审美移默化地影响着现代设计美学，而现代设计美学反过来又影响着传统民族审美观念。这些可以与我们生活息息相关的广告设计中体现得越来越成熟，我们可以从以下几点加以概括：

1、一目了然，简洁明确。广告设计不同于架上油画或版画，它要求一目了然，简洁明确，使人在一瞬之间、一定距离外能看清楚所要宣传的事物。为了达到这个目的，广告设计往往采取一系列假定手法，突出重点，删去次要的细节、甚至背景，并可以把在不同时间、空间发生的活动组合在一起。因此，它的构思要能超越现实，构图要概括集中，形象要简练夸张，要以强烈鲜明的色彩为手法，突出醒目地表达所要宣传的事物，表现物与物之间的内在联系，赋予画面更广泛的含义并使人们在有限的画面中能联想到更广阔的生活，感受到新的意义。在这些方面，中国传统的美学观，能够为设计者提供大量的营养。例如，构思上的“一以当十”、“以少用多”的精炼，构图上“计白当黑”“无画处皆成妙境”的简洁，“疏可走马，密切不透风”的对比关系，“似与不似之间”的形象夸张，都是先辈留给我们的宝贵财富，已经在我国广告艺术的设计中得到充分体现。香港著名平面设计大师靳埭强，在其招贴设计《自在》系列中，运用了中国的水墨画技法，融合了现代技术的特殊机理效果，现代又不失传统。

2、概括与变形。中国传统美学讲究形神兼备，讲究概括与变形，齐白石“画虾几十年才得其神”，就有一个不断概括、不断深入的过程，最终敢于舍弃虾的次要部分而突出主要特征，使母虾的形象更为完美、更为生动。

3、装饰与色彩。传统美术的色彩处理，主要是装饰色彩。由于招贴艺术的特征，决定了装饰色彩在画画上所起的作用。装饰色彩具有一定的主观性，这正是广告画面所刻意追求的。在招贴画上，常常有这样的例证，一张蓝色的画面，上角画几束灿烂的焰火，这块蓝色自然会被人接受为深邃的蓝天。同样是蓝色的底色，画上几块白色的三角帆影，这块蓝色又会被人们视为无边的海洋。一张绿色的画纸上画一对嬉戏的小羊，这绿色就成了如茵的草坪。正因为只是单纯的底色，空间更大了，给人的联想更多了。

(二)中国传统美学在现代设计美学中的延伸与发 展透过对中国传统美学的历史延伸脉络，我们可以看出，现代设计美学本身是一个开放的系统，在新的技术与意识观念的冲击下而不断地更新拓展，而其后的内涵与精神则是民族历史长期积淀的结果，是中华民族所特有的，也是民族形式的灵魂之所在。因此，要使中国传统美学在现代设计美学当中得以延伸发展，打造新的民族形式，我们应该在理解的基础上取其“形”，延其“意”，从而传其“神”。

1、取其“形”，自然不是简单的照抄照搬，而是对中国传统美学的再创造。这种再创造是在理解的基础上，以现代的审美观念对中国传统美学中的一些元素加以改造、提炼和运用，使其富有时代特色；或者把传统造型的造型方法与表现形式运用到现代设计中来，用以表达设计理念，同时也体现民族个性，如凤凰卫视中文台的台标，借用了彩陶上的凤鸟图形，并使用了中国特有的“喜相逢”的结构形式，反映出一种厚实的文化底蕴，而凤鸟两两相对旋转的翅膀极富动感，体现了现代媒体的特色；2、延其“意”，中国传统美学背后的“意”是人们迷恋其造型的关键，因而中国传统美学背后的吉祥意味同样适用于现代设计，适用于传达现代人的设计意念。例如中国联通的标志，采用的就是源于佛教八宝的“八吉祥”之一“盘长”的造型，取其“源远流长，生生不息”之意。这种吉祥寓意的沿用，使我们的现代设计美学少了一些商业气息，更多了一些文化气息和亲和力；3、传其“神”，对于“形”和“意”的沿用，可以说是对中国传统美学的一种浅层次的发展和提升，而一种新的民族形式的创造，是需要我们摆脱美学传统的物化表相，进入深层的精神领域去探寻的。我们只有在深入领悟传统的艺术精神、充分认识来自现代西方的各种设计思潮的基础上，兼收并蓄，融会贯通，寻找传统与现代的契合点，才能打造出符合新时代的民族形式，才能找到真正属于我们本民族的同时又能够为国际社会所认同的现代设计。在这一点上，2008年的申奥标志可以说是一个很好的范例，整个标志造型没有对传统造型的直接借用，而是运用了中国特有的介于似与不似之间写意手法，恰到好处地传递出“中国结”和“运动员”两个意象，标志不仅体现了中国特有的风采，同时也得到了世界的认同。

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    论文摘要:现代广告招贴集经济、科学、艺术、文化于一身,是传播信息的工具,推动生产的手段,开拓市场的先锋,扩大流通的媒介,是促进社会物质文明和精神文明发展不可忽略的力量。中国传统美学中的审美追求潜移肤化地影响着现代广告招贴设计思想,而广告招贴设计思想又影响着传统民族审美观念。 

    广告在我国古时候就已经存在了,最原始的广告形式是以实物陈列和叫卖来引起人们的注意。在封建社会阶段主要的广告形式有叫卖、酒旗、幌子、商品包装纸等。北宋时期济南刘家针铺的广告,是迄今为止发现的世界上最早的印刷广告。 

    广告招贴是传播信息的工具,要求一目了然,简洁明确。为此,构图要概括集中,形象要简练夸张,要以强烈鲜明的色彩为手法,突出醒目地表达所要宣传的事物,表现物与物之间的内在联系,赋予画面更广泛的含义并使人们在有限的画面中能联想到更广阔的生活,感受到新的意义。在这些方面,中国传统的美学观,能够为设计者提供大量的营养。例如,构思上的“一以当十”、“以少用多”的精炼,构图上“计白当黑”“无画处皆成妙境”的简洁,“疏可走马,密切不透风”的对比关系,“似与不似之间”的形象夸张,都是先辈留给我们的宝贵财富,已经在我国招贴艺术的设计中得到充份体现。香港着名平面设计大师靳漆强,创作了大量文化招贴。他认为,美的原则有三条:立意—意念先行,以形取神;创新—承先启后,破旧立新;活用—适身合用,灵活生动。这实际上强调的也是老庄的哲学思想,也是中国山水画的表现意境。他主张把中国传统文化的精髓,融合到西方现代设计的理念中去。他的许多作品都无一例外地体现着这种思想,在其招贴设计《自在》系列中,运用了中国的水墨画技法,融合了现代技术的特殊机理效果,现代又不失传统。又如北京zoos年奥运会会徽将中国传统的印章和书法等艺术形式与运动特征结合起来,夸张变形,幻化成一个向前奔跑、舞动着迎接胜利的运动人形,体现了奥林匹克精神;同时形似现代“京”字,表达出北京张开双臂,欢迎八方宾客的热情与真诚。以印章(肖形印),作为标志主体图案的表现形式,主体图案基准颜色选择红色,传达和代表了中国文化喜庆、热烈的气氛。将汉代竹简文字的风格和韵味有机地融人到“Bei- jing2008”字体之中,自然、简洁、流畅,与会徽图形和奥运五环浑然一体。标志不仅体现了中国文化特有的审美意韵,同时也得到了世界的认同。 

    好的招贴要做到既要让人“一目了然”还要做到让人“一见倾心”,为它所吸引,顾盼之余,留下较深的印象。这就要求招贴具有精湛的构思。任何艺术,都不能说明一切,特别是像招贴画这种特殊的艺术形式,在有限的时空条件下,能使人过目难忘,回味无穷,那就需要做到“以少胜多”“一以当十”。招贴艺术只能从生活的某一侧面而不是从一切侧面来再现现实。任何形象都不过是构成整体的一部分,重要的是,能不能概括其他部分。招贴画中常常有充满画面的颜面特写,一双手,一双眼,一个动态,一个表情,只要是选择最于代表性的现象,而且着重它的某些特征,就能构成“言简意赅”的好作品。尽管构图简单,却要求表现出一定的、能吸引人的意境。在“意境”中,客观事物精粹部分得到了集中处理,达到了情景交融,能牵动人的某种情思,某种体验,某种联想。清代一位学者说过,一幅画“与其令人爱,不如使人思”。好的招贴画要能引人人胜,唤起人的联想,引起人的美好愿望,表现意境,就要有手段,我们称之为“意匠”。“匠”字在艺术家心目中有贬意,如“匠气”。但也有褒意,如“匠心独运”,就是人家没有想到的,你想到了。“意匠”是艺术家对客观事物加工的特殊手段,加工手段的高低,在一定程度上说明作者艺术成就的高低。唐代诗人杜甫说的“意匠惨淡经营中”、“语不惊人死不休”,说明艺术意境的产生一定要有“意匠”的煞费苦心。“意匠”具体说来就是选材(先取最精粹部分)、剪裁(去污存清),夸张(强调形象的特征)、经营位置(构图)、表现(选项用恰当的技法),而这一切,恰恰是我国招贴设计者构思时的主要手段。 

    中国传统艺术讲究均衡和内在的节律,我国篆刻艺术中有所谓“疏可走马、密不透风”的布局法则,强调变化中的均衡,这既符合科学上相对的原理,也符合艺术上形式美的规律。这种统一的,生动的,有韵律和节奏的审美感觉,在我国的招贴画中,动与静,疏与密,多样统一,宾主呼应,虚实相生,纵横曲直,黑白对比,重叠交错等传统构图法则中也屡见不鲜。此外,远古的铜器纹样、画像石、金石篆刻,特别是中国画,巧妙地运用白底的匠心。民间剪纸和兰花布粗犷豪放的黑白关系,明代木刻插图的疏密聚散,都可以在现代招贴艺术的构图中得到印证。转贴西方传统艺术,基于几何学空间观念,从模拟生活现象人手,借以展示作者的创作思想。古希腊哲学家亚里斯多德曾经指出:“各种艺术都是对现实世界的模仿”,奠定了传统西方艺术的“模仿”说。中国艺术家则是有选择,有重点,以“不似之似”、“脱形写神”为艺术追求的胜境,在中国画中经常表现对象时,背景不着一笔。传统京剧舞台除了简单的一桌一椅,别无他物。观众欣赏画,主要不是欣赏艺术家画的什么,而是主要欣赏通过什么艺术手法来表现。欣赏的着眼点在于笔墨、章法、气韵、意境,正如同观众欣赏传统京剧,主要是欣赏演员的技艺和“唱、念、做、打”的功夫。中国传统艺术,突破了自然主义和形式主义的片面性,创造了不少规范化的程式,这些师法自然,来源于生活但又经过千锤百炼,概括而又多变的“程式”是一种经过高度提炼的美的精华,是积淀了内容要求的形式之美。正因为如此,它才具有无穷的生命力。艺术家随着时代的要求,赋予它新的活力,常用而常新,这种程式化的处理在我国招贴画的装饰性形象处理上,也常得到应用,显示了夺目的光彩。

    我们从来不曾用如实的描写,逼真的再现要求过中国传统艺术,没有人指责某些山水画不符合焦点透视的原则,也没人批评传统戏曲程式化的表演模式,因为我们对自己的传统艺术有一个固定的观念,懂得抽象的形式美在造型艺术中的重要价值。中国传统艺术讲究形神兼备,讲究概括与变形,齐白石“画虾几十年才得其神”,就有一个不断概括,不断深人的过程,最终敢于舍弃虾的次要部分而突出主要特征,使母虾的形象更为完美更为生动。齐白石提出的“作画妙在似与不似之间,”这种说法和石涛的“无法而法,乃为至法”的说法是相通的。联系他的作品和实践可知,他主张的“不似”正是为了“似”,“不似”其实是在“似”的基础上发展起来的,决不是“似是而非”,而是使形象更有概括性,利用了欣赏者相应的联想作用。再看我们的一些招贴画,就“似与不似”的观点来考察,就形象的简明与富于概括这一点来衡量,很多形象显然不是生活的简单模仿,某些概括的形象显然与素材有很大的差别,由复杂到单纯由繁杂到简洁,必须承认是一种难能可贵的提高。作品的魅力,决不只是以外形的逼真为转移,有时候,欣赏者不是简单地接受宜传,同时也是探索、发现和补充,从而得到欣赏的乐趣,正因为欣赏者有所探索,有所发现和创造,作品的主题,才能产生可深人的影响。这种特点正符合了招贴艺术的要求。靳漆强招贴作品“金、木、水、火、土”招贴图形形象设计,也充分显示了这种文化艺术的精神特征,萦绕着极其强烈的现代主义设计的精神光环。 

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关键词：现代设计 美学 设计美学

现代设计美学是一门新兴学科，很多方面都还没有定论，可以说学科的基本理论和框架还没有树立起来。对于一门新兴学科的建构，我们不能急于去树立确定的理论和框架，而是应该针对新学科领域的各方面进行深入探索。对于现代设计美学学科的建构，有几个方面的问题是我们应该思考和探索的。

一、现代设计美学与美学

美学是什么？设计美学是什么？这是一个复杂而变动，感性具象而又理性抽象的问题。美学是关于美的学科，关于美的思索。但是，仅仅“美是什么？”这一个问题就有千百种答案而无定论。因而美学的内涵和研究对象总是在变动，美学所研究的对象既需要切实的感性审美体验，又需要抽象的哲学思辨和逻辑归纳。

在这里我们认为，美学研究就是对于美的思索，是对于美的特性、美的创造和欣赏的思索。美学思想就是这些思索所得出的，关于如何审美，如何创造美，如何保持和维护美的思想的集合。作为一个学科，美学就是这些关于美的思想的系统、逻辑的表述和组合。因而，设计美学研究就是对设计之美的思索，设计美学就是在设计过程、成果、产品、使用中关于美的思想的系统、逻辑的表述和组合。

美学这一术语，是由德国哲学家鲍姆加登首次使用。他的《美学》（1750年）一书的出版标志着美学做为一门独立学科的产生。他把美学规定为研究人感性认识的学科。鲍姆嘉登之后，美学的研究对象并不确定。迄今为止基本形成了三种代表性意见：第一种认为：美学的研究对象就是美本身。第二种认为：美学的研究对象是艺术，美学就是艺术的哲学。第三种认为：美学的研究对象是审美经验和审美心理。当代的国际美学研究更倾向于艺术研究，甚至将美学称作艺术哲学。

美学的研究任务除了应揭示和阐明美、美的欣赏和美的创造的一般特征和规律外，它还要提高人们的审美感觉和品位，促使人生审美化，即海德格尔所说的“诗意地栖居”。在这方面，设计美学有特别的优势，因为设计就是在设计着我们的生活物品和生活环境，设计美学就是将“诗意”赋予周围的物品和现实物质世界，为人们生活塑造一个美的世界。美对人们心理和情感的影响总是通过特定的感性形式，无论是色彩、声音、还是描写和表现的情节、画面，让人们在感性直觉中感受到美。设计之美同样也是通过感性形式来传达美，而且是通过更加实际可感的物质形式，直接诉诸人的感官感知，进而影响人们的心理和情感。[1]

美学是哲学的一个分支，设计美学是美学的一个分支，是一种美的思想的学科。但设计美学同时是一种应用美学，是与设计实践和人的生活紧密结合的学科，是对生活和设计实践中的设计之美的思考。事实上，设计美学与一般美学有很大的不同，自身具有很多独特性，有的几乎已经超越了传统美学学科的界限。

下面让我们来比较一下设计美学与一般美学的异同。

同：都是一门学科，（美学本身具有不确定性，可以说设计美学和美学是用科学的方法来研究设计美或者一般的美，也可以说，因为美的直觉性和感受性，美学不可能完全科学化，而是一种对美、美的感受和创造的描述），用逻辑的方法，尽量清晰、系统地研究和描述美、美感和美的创造。

异，或者设计美学的独特性：设计美学是一种实践美学和应用美学，有自己所偏重的美学理论（功能论设计美学、形式设计美学、心理学设计美学、进化论设计美学和符号学设计美学等）[2]，即使是和艺术美学所共有的美学理论，如心理学美学，设计美学所研究的内容和侧重点也不一样。设计美学必须研究与市场经济结合的设计实践，更多地着眼于人类感官感受之美，人们社会生活实践中的审美感受，设计品与人们交互的感受。

二、现代设计之美的特质

现代设计在工业革命之后的诞生之初，就是为了美化批量生产的工业产品，从而美化人们的生活。可以说，现代设计理念的核心就是美化生活，就是追求美。只是由于设计的技术性和实用性，设计产品的审美离不开创新、便利和实用。而设计正是通过这些创新和实用改造和美化人们的生活，关爱人的舒适、便利和心灵情感。

现代设计之美是一种人类发展到现代工业化社会，现代设计实践活动所创造出来的一种新型的、独特的美。[3]设计实践活动横跨科学与艺术、理性与直觉、物质与精神、哲学与生活的综合性、独特性，决定了现代设计之美的一些特质：

1）是人工创造的，而且必须具有创新性（与艺术美相同）。

2）必须与功能实用性、科学技术性完美结合（与艺术美的根本区别）。

3）主要诉诸于视觉的形式感，以及触觉、味觉、运动觉等的感官知觉，这是一个快速、直接的体验，包括本能层面和行为层面的感受。

4）设计之美的载体具有实体性、直接性、物理性，具有存在的现实性和持久性，不会像一般艺术那样更多地借助于想象。

5）经由感官刺激，通过心理暗示、记忆唤起、情感引起、符号意义传达和文化内涵等，设计之美同时诉诸于心理、情感、反思和精神等方面。

6）功能实用性使设计之美融入人们生活各个方面，塑造美的生活环境，进而改变人们生活和人类自身。因而，设计之美是以人为中心，体现对人的关爱（肉体与精神）和人性的美。[4]

因此，我们可以把设计之美的特性归纳为：人工性、实践性、科技性、创新性、功能性、生活性、感官与精神结合、人本主义、人性美等。相对于设计产品，音乐、绘画、戏剧和文学等一般艺术在形式后面所要表达的情感、思想和精神的内容是更主要的。而设计产品除了丰富的感官感受，传达的更多的是功能使用信息，只有一少部分的情感、精神、文化的含义。然而，设计产品的使用者，在产品使用过程中会产生丰富的体验和情感积累，这和一般艺术纯感觉感受和精神思索是不一样的。当然，设计的精神和文化层面的美感也是设计之美很重的一部分，设计之美，可以仅仅是造型、质感、色彩对感官的愉悦，也可以是一种隐喻的和文化符号代表的身份的象征和自我的确认。

三、现代设计美学要思考的问题

现代设计之美的独特性，决定了现代设计美学有自己独特的研究模式和学科定位，设计美学研究必然会面临很多全新的研究课题。笔者认为，现代设计美学的建立和发展，首先应该解决如下几个问题：

（一）设计与艺术，设计之美与艺术之美的区别问题

现代设计产生于工业革命之后的工业化大生产，是一个与经济、科技、生活结合的实践行业，因而设计之美与艺术之美是有很大不同的。但是这二者的区别最初并没有被清晰地意识到。现代设计诞生之初为了美化工业产品的初衷，和人们已有的传统的艺术品的观念，让人们更关注于现代设计美化产品造型的方面，而忽略了产品是经过批量化生产出来，而且完全是为了市场销售而设计的特性。因而有些人会认为，设计产品也是艺术品，认为“工业设计是二十世纪的艺术”。后来人们把工业设计的经典作品放在同样展示艺术品的艺术博物馆中展览，把现代建筑设计经典作品像艺术品一样解读和欣赏，就更进一步模糊了设计之美与艺术之美的界限。

而事实上，我们要清晰地意识到设计与艺术、与工艺之间的区别。艺术是纯精神的享受或纯情感的体验，是非功利性的，创作是个人化的，不能复制的。设计是精神享受、情感体验和使用功能的满足需求性紧密结合的，是功利性的，是实践性的，是批量化生产的，标准化的，可复制的。工艺品，处在艺术与设计之间，是可使用的，但是它的生产是个人化的，手工的，非工业化、标准化的。因而，设计之美不同于艺术之美。

然而，设计之美和艺术之美也并不能说是完全界限分明的，二者其实是有交汇的地方的。比如一些设计产品的功能可能就是为了快乐，用来装饰，作为身份和品位的确认等，已经脱离了纯粹的使用功利功能，因而和艺术品已经接近。同样，有些艺术品也会走入人们的生活，用来装饰和提升人们的品位，用来标识人们的身份和地位等，因而可能应用于房间和服装的装饰等。我们可以说，艺术品一旦被应用于房间或服装的装饰，成为图案，成为可复制的商品，就变成了设计产品了。不过，事实上，现代室内装饰和服装业，已经在追求和出现了为特定的客户制作独一无二的设计和装饰了。这就更模糊了艺术与设计的界限。

（二）设计之美的实用性的问题

大家知道，传统的艺术之美或者自然之美的一个根本特性就是非功利性，非实用性。这里的美是一种纯精神享受，纯情感愉悦的体验，审美体验者没有任何功利目的和企图。而且这非功利性，正是审美体验者能达到审美体验的必要条件。但是在设计之中，所有设计产品的美的体验都是建立在产品的良好功能基础之上的，都必须是与实用性紧密结合的。而这一点正是设计产品与艺术品的根本区别。如果一件人工制品，仅仅带给人们审美享受，而完全没有实际应用功能，那么它就是一件艺术品，而非设计产品。

因此，我们就碰到一个谜题：设计产品充满实用性的美的品质，是一种美吗？其实，我们之所以会产生这个迷惑，是因为我们传统的美学观点，认为美学研究的美就是自然之美和艺术之美，主要是艺术之美，就像传统的美学研究一般等同于艺术哲学一样。因而，我们传统的美学研究主要集中在艺术领域，主要是对艺术之美的体验的分析，对艺术创作的探讨。

而事实上，设计产品能给人一种美的享受，设计之美的切实存在，是无可争议的。只是，不同于艺术之美，设计之美是具有自身独特性的一种美。设计产品不仅会像艺术品一样带给人们美的享受，而且因为设计产品都是遍布人们生活各方面的实用物品，所以设计之美的体验是全方位和全天候的。它打破艺术美与生活的清晰界限，将美融入人们生活的角角落落，让人们在日常生活中时刻、处处受到美的潜移默化的影响。因此，我们说，设计是在美化人们的生活。

注释

[1] 王维、安文亚：《关注触觉的产品设计》，113～115页，《艺术与设计（理论）》，2007（2）。

[2] 邱景源、江滨、艾红华：《现代设计美学》，上海，中国建筑工业出版社，2013。

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关键词：室内设计；美学；应用

在实际的室内设计过程当中，有很多的因素都会影响到最终的设计效果，这就需要设计师能够考虑到多种因素，从而满足居住人员的实际需求。单纯地从定义来讲，室内设计就是在生活当中，根据建筑物实际的环境以及性质，利用美学技术，创造出具有舒适性以及审美价值的空间，从而满足人们的实际需求。此外，室内设计的不同风格也是业主个人爱好等多个方面的反映。室内设计当中反映出来的个人品位、科学理念等都是为了创造更好的生活环境。

1 美学思想概述

在我国，传统的美学基础是从先秦起源的，当时的美学思想融入了相关的哲学以及艺术理论著作当中。但是如果单纯地从理论形态上进行理解，我国的古典美学的发展在不同的哲学流派当中都有着不同的代表人物，例如到家的老庄、儒家的孔孟、法家的韩非以及屈原为代表的楚骚等等。

儒家的美学思想在春秋战国时代逐渐形成，孔子和孟子是这一思想的代表人物。作为儒家思想的创始人，孔子的美学思想承上启下，并对春秋钱的美学思想进行了总结，形成了完整的体系，对儒家的美学思想发展奠定了坚实的基础。儒家的美学思想强调内容以及形式的统一，“中和”思想更是其审美的重要标准。在我国的传统美学当中，除了对文学有追求，还对“礼”有着相当的重视，在孔子之前，“乐”、“礼”是分开来讲的，而在儒家的“乐礼思想”当中，则将两者结合起来，形成了统一的“乐礼思想”。

我国美学史的七点是从老子开始的，在道家的美学当中，老子的美学思想也是十分重要的组成部分之一。道家的美学思想也带给我国的美学思想很深的影响，而道家美学思想的代表人物正是老子以及庄子。不管是老子还是庄子，都从哲学的角度提出了美学观点，例如崇尚自然之美等等。在我国的传统美学当中，自然是十分重要的概念，禅宗美学思想则是通过个体的直觉来追求简单之美。

除此之外，老子还提出了虚实结合等美学观点，这些美学观点不仅反映到了绘画以及文学作品当中，在我国传统的建筑室内设计当中也得到了充分的体现。

2 美学要素在现代室内设计当中的运用

在我国，古代的建筑风格不论是室内还是室外都呈现出了古典美，这和当时的时代背景有着十分密切的关系，而现代的美学则寻求多方面的发展。

在上文当中，本文之所以会提到建筑文化，就是因为室内设计与建筑本身有着很密切的联系。在建筑当中，室内设计是重要的组成部分，其设计风格应该与建筑风格有一致性。而想要让我国的现代室内实际具有我国特色的文化特点，体现我国的传统美学，就需要将我国的古建筑作为出发点。室内设计是对建筑设计的深化，要做到良好的室内设计，就需要结合建筑设计来深入挖掘，没有建筑设计就没有室内设计。因此，建筑与室内设计的联系是十分密切的，只有深刻的理解我国的传统美学到底对我国传统的建筑物产生了那些影响，才能够创造出具有我国的特色的现代室内设计理念，将我国传统的美学融入到现代的室内设计当中。

2.1 天人合一的意境

不管是道家还是儒家，都对“天人合一”的思想十分强调，在道家和儒家的美学思想当中，都强调人要尊重自然，人与自然应该和谐发展，但是道家与儒家则在具体的关注重点上有一些差异，到道家提倡重视幻想，而儒家则注重使用的功能性。但是，不管是道家还是儒家，两家的思想都成为了我国古代建筑美学思想当中的重要组成部分，两者相辅相成，同样发挥着十分重要的作用。

第一，普遍对称并不能满足现代设计的需求。在我国传统的室内空间设计过程当中，对于不规则的形状是很少使用的，一般来讲，我国传统的室内空间设计常常使用较为均衡的手法，但是，这种手法放在现代室内设计当中，常常会带给人较为单一的感受，在室内空间设计过程当中，过多的使用较为均衡、对称的设计方法，会使得室内设计的“个性化”空间受到阻碍。因此，想要创造出适合现代社会发展以及审美风格的室内设计作品，就不能一味地采用传统的设计风格，而是应该与现代人的审美以及实际的需求进行结合，同时也不应完全摒弃传统的中国美学思想，而是要做到继承和发扬。

第二，等级制度与现代设计的观念相悖。在我国的传统室内设计过程当中，不管是空间的布局还是色彩的选择上，都有着严格的等级划分。在布局上，我国传统的室内空间建筑设计会对贵贱、长幼等地位进行划分，单现如今，人们对于人权更加关注，要求人人平等、追求自由，在这样的形式下，不管是什么人，都没有贵贱之分。在现代的室内设计当中，空间色彩以及布局可以任意使用，没有等级划分的限制，因此，我国传统的室内设计当中这种等级制度是不使用在现代室内设计当中的。

2.2 讲究“中正”之美

在我国传统的室内设计当中，院落布局是最为常见的布局方式，一般的院落布局当中主要包含厅堂、书房以及卧室三个最为主要的区域。礼制文化涵盖了生活的方方面面，与此同时，礼制文化也影响到了我国的传统室内设计。首先，遵循我国传统的思想，大多数的室内空间设计常常会采用正方形、矩形等较为规律的形状，而在家具的陈设方面，则也会遵循对称的原则，装饰也会分出大小、明暗等。

2.3 科学性与艺术性的审美结合

现如今，室内设计对于艺术以及科学的结合十分重视。科学性能够使得室内的居住环境更加高效、舒适，而艺术性则能够给予家具、布局等强烈的艺术美感，科学性与艺术性的结合，已经成为室内设计的重要发展趋势。

单纯地从建筑设计以及室内设计的发展历程来看，风格的创新常常会与社会生产力有着十分重要的重要的密切。要将现代美学融入室内设计当中，也需要结合风水学、心理学等多个方面的知识，使得人们的审美观得到逐渐的改变，而现如今的室内设计也呈现出了更强的技术含量，新型的材料、工艺能够为人们带来更加舒适的生活环境。

3 结语

作为许多知识的融合的交叉学科，室内设计与美学理论的联系是十分密切的。理论加上实践，就能够带给室内设计更强的生命力。此外，社会的进步也有独特的历史规律，不管是精神还是工艺技术，当代室内设计都需要借助美学理论，体现居室风格，整体角度出发，融合现代艺术手法，创造出具有内涵以及什么价值的室内设计。

参考文献：

[1] 赵莹.徽州建筑文化在现代室内设计中的传承和应用[J].艺术教育，2016（10）.

[2] 金颖平.传统窗棂图案在现代室内设计中的应用探析[J].新西部（理论版），2014（22）.

[3] 徐海蛟.论现代室内设计中的墙绘艺术[J].鸭绿江（下），2016（03）.

[4] 张翠竹.中国传统文化元素在现代室内设计中的应用[J].大舞台，2014（01）.

篇6

1从形态学视角看室内设计中的美学要素

室内设计由各种不同的视觉元素和三维空间，这是一种造型艺术，而其他纯粹的艺术形式是不同的，室内设计的实际动能表现创意的活动。从形态上看，室内设计美学元素和任务分为以下几个方面：

1.1空间元素

空间合理化和赋权人们感觉美国是设计的基本任务，设计师不能坚持过去形成的空间形象，探索空间的时空技术和美学特征给了一个新的画面。

1.2美学装饰要素

内部柱子等建筑构件在整体空间，以及墙壁，屋顶等界面，满足装修的功能要求，构成室内室内室内环境不可或缺的一部分。充分利用不同的装饰材料，纹理和各种装饰形式，可以获得内部不断变化的艺术美学效果，也反映了该地区不同的历史和文化特点。

1.3美学颜色要求

室内色彩除对环境的视觉冲击力，而且对人的情绪有直接影响，心理上的。科学色彩的运用，有利于工作，有助于健康，颜色处理以满足功能要求也可以达到美国的效果。除了室内色彩设计必须符合一般的颜色规律，还要与时代的美学变化。审美元素，虽然相对独立的价值，不能孤立地对待，从形态上看，整体应该比所有个体的总和，整体的整体部分无法解释。因此，室内设计的整体美学价值，导致整合框架的美学元素的整合。在所有艺术相关设计中，形式提供形式的基本组件并将它们放在一起，包括连接到规则组合的美学元素的设计。形态理论也用于识别艺术和设计的类型，并研究艺术设计的特点。室内设计过程中，首先是如何在救援设计的“总压迫”个性化，差异性和异质性的充分发展。其实，这个大叙事，小叙事相互矛盾的，对立的整体性质和差异，反对派身份和异质性，非全面，非中心的思维方式思维和调整自我创造的思维特性，只有现场的建筑和室内设计，也是当代艺术和文化的重要特征之一。从实际情况来看，这也创造了一个现代的室内设计带来的积极和丰硕的成果。

2整体语境的功能和美学意义的表达概念

在社会变革和当代室内设计或室内设计发展的背景下，应建立环境的总体设计概念。“环境”是指建筑物实体的周围环境，包括室内空间的形状，视觉环境，空气质量的环境中，声，光，热等物理环境，心理环境等诸多因素的形成;包括建筑物的外观，包括园林，广场，乃至整个社会，城市与自然，人文景观理念的区域。一面水和土壤支撑一个人，一个是由于地理位置，气候条件，社会背景，生产力等因素在不同时间形成自己独特的生活方式，价值观，美学取向和理想，所有这一切历史积累和继承与个体形成的差异，丰富多样的区域文化，景观，物种，气候，交织一起构成该地区的自然和人文景观。以人为本的内饰设计不仅从功能上的考虑，以满足人们的生活方式和各种实际需要生存，而且从心理方面的文化需求出发，根据人们对不同文化需求的需要，满足人们的欲望以接近自然的欲望。作为文化的物化创作活动，室内设计应被视为一个象征性的系统，从整个环境的高度，使用符号学理论和方法。设计符号的符号和隐喻功能被完全用于反映区域文化内涵和室内设计的时间特征，以及通过符号处理的方式表达美学情感和反映美学的意义和价值设计元素的组合。

3科学与艺术美学的结合

室内设计的一个重要特点是科学和艺术的结合。该设计的科学性，使空间环境功能合理，舒适，高效，安全。与此同时，它的结构，材料和技术与艺术美和艺术美，形成了当代室内设计美学的重要特征。从建筑和室内设计发展的历史，创新的崛起总是随着社会生产力的发展是一致的。室内设计必须充分重视并采取现代科技成果，包括新材料，结构和施工工序，以及健全的创作，光，热环境的设施和设备，充分利用。需要在设计方法进一步建立的室内设计的科学性，除了在设计概念和方法表达的，在分析和确定室内的身体和心理的环境优势和缺点的科学的方式设计。在设计的性能，计算机设计和图形与初始设计阶段的广泛应用可以使用其立体视觉技术的其他方面，以检测第四维效果。总而言之，现在当代建筑和室内设计的高科技，从而使室内设计应更加注重现代美学的原则。同时，利用材料和技术手段将科学和艺术，生理和心理要求，物质因素和精神因素结合起来。表现力和吸引力的内部空间和形象，以及视觉上的享受和文化内涵的室内环境，使人们在平衡和满足精神。

作者:王鑫浩 单位:辽宁财贸学院

参考文献：

[1]陈林烽.浅谈室内设计的风格与发展趋势[J].戏剧之家,2016(23).

[2]宫灵娟.3DMAX在室内设计专业课程中的教学分析[J].湖北函授大学学报,2016(21).

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关键词：孟子 美学思想 现代设计 设计美德

检 索：.cn

中国传统美学思想博大精深，而不同美学思想间存在着巨大的差异，这深深的影响了中国社会对“美”在很多方面的认识。其中，孟子的美学思想继承了孔子的形式美、道德美等思想并加以发展，对道德美、悦乐本质、审美接受中的“以意逆志”现象等重要的美学问题作出了明确、丰富和富有新意的论述，提出了“充实之谓美”这个道德美的命题，体现了儒家美学对道德美的重视。其“充实之谓美”的美学思想根深蒂固地融入了中国传统文化的血液中。在当今社会中，现代美学思想广泛而深入的影响了人的社会生活的各个方面，成为人们从事审美创造的动力。而以孟子的美学思想为代表的中国传统美学思想仍具有丰富的美学内涵，将现代美学思想与中国传统美学思想相结合对当今社会的美学发展具有重要的指导意义。

一、儒家的传统美学思想

儒家的美学思想以孟子“充实之谓美”为主要思想观点。《孟子・尽心下》曰：“可欲之谓善，有诸已之谓信，充实之谓美，充实而有光辉之谓大，大而化之谓圣，圣而不可知为神。”可见，孟子将美定义为“充实”。所谓“充实”，指的是个体通过自觉的努力，把其固有的善良之本性“扩而充之”，使之贯注满盈于人的知和行之中。“充实”之所以能成为美，在于它能使人的外在形体“生色”，给人以美感，所谓“相由心生”。孟子强调，美必须具有仁义道德的内在品质，并充盈于外在形式，通过外在形式表现出来，可以通过口、耳、目等感官进行感受，最终，外在形式转化为内在心灵的愉悦和满足。

二、传统美学思想的异同

在审美观念上，儒家的美学思想都一致认为人具有审美能力，有对美的判断和追求，而道家思想认为美是自然天成，人对美的追求是矫饰做作。法家思想更是将人对一切自然和人性的所谓“美”都持排斥的态度。

在审美经验上，儒家认为美必须具有仁义道德的内在品质，并充盈于外在形式，最终，外在形式转化为内在心灵的愉悦和满足。墨子是把“美”看作一种客观存在的东西，人仅能从审美客体的角度来把握美，不能幻化为内在心灵的感悟。道家美学思想重直觉体验，而轻视“美”的社会功能和人对“美”理性思考。而法家则认为人性本性“恶”，所以对 “人”认为“美”的一切东西皆持否定态度。

在审美趣味上，儒家认为个体通过自觉的努力，把其固有的善良之本性“扩而充之”，使之贯注满盈于人的知和行之中。墨家认为“美”是客观存在“物”，人只能去感受而不能主观融汇在人的知行之中。道家崇尚自然的艺术美，注重本性自在的人格美。法家的美学是一种“反美学”，试图以“恶”的极权化手段促成健康有序的“美”。

从“饰美”与“善美”的关系上，孟子能够把二者联系起来看待，墨子和老子在很大程度上有把二者对立起来看待的倾向，而韩非子则完全否定“饰美”和“善美”的存在。

三、现代技术美学思想

现代技术美学是现代生产方式和商品经济高度发展的产物，是社会科学和技术科学相互渗透、相互融合的产物，是艺术与技术的结合。技术美学主要包括生产美学和设计美学两个的问题。它通过应用“美”的观念和理想等主观因素作用于劳动者，通过改善生产环境、生产条件等客观因素使劳动者产生审美情感，这两个方面提高劳动热情和效率。在现代科学技术最新成果的基础上，全面考虑劳动生产的经济、实用、美观和工艺需要而进行的设计。这种设计不仅涉及现代科学技术的最新成果，而且还涉及整个社会生活的美化。技术美学不仅可以促进产品的审美创造，提高产品、服装、建筑和环境设计的美学水准，而且有助于对主体――人的审美塑造。对美的产品的需要可以形成人的行为的内在动机，成为人们从事审美创造的动力。

现代美学不仅注重设计的内在功用，而且强调外在形制上的美，因此对比儒家美学思想不难发现，孟子“充实之谓美”的美学思想非常接近现代的美学思想。

四、“充实之谓美”对现代设计的启示

“充实之谓美”是一种符合儒家传统“仁”学体系的设计伦理思想，设计之“仁”即设计的伦理价值、道德原则和精神品质。在过度消费主义盛行的今天，“充实之谓美”对现代设计道德仍然有着重要的借鉴意义。

（一）现代设计中人与物的情感联系

“充实之谓美”的设计思想汲取了传统思想中符合人类发展目标，通过把美好的道德铭刻在人造物上，从而揭示人与自然、人与物之间相互联系与影响的实质，然后通过物的不断流通来推己及人、及物而达到提高天下道德水准、文化素养的目的，这种具有鲜明中国特色的设计理念在现代设计中也是可取的。

在现代设计应用中，设计物的材料选择或者造型上应注重体现人与物之间的情感联系。以作为中国传统工艺陶瓷为例，中国是瓷器的故乡，其中景德镇瓷器有独特的风格：白如玉、明如镜、薄如纸、声如磬。明代的景德镇青花瓷器是中国古代青花瓷器中最具代表性、也最受世人喜爱的作品之一。以其胎质、釉层的精细肥厚、青花色泽的浓艳、纹饰多样、线条优美和造型丰富等多方面特征构成的。它是清代青花瓷的代表（图1）。陶瓷与玉色泽相近，宁腻静悟，兼有玉之美，“美有五德，润泽以温，仁之方也；腮理自外可以知中，义之方也；其声舒扬，专以远闻，智之方也：不挠而折，勇之方也；锐廉而忮，洁之方也。”这段描述将陶瓷的物理属性与人的品德相对应，使人的美德通过器物来承载。现代的仿瓷工艺，将化学工程产品与瓷器的形制相结合，成功地在仿瓷产品上模仿了青花瓷器的美，同时保持了仿瓷产品坚固、价格低廉、形式多样等现代产品的优良品质。在材料选择或者造型上注重体现人与物之间的美好情感联系。（图2）

（二）“充实之谓美”与“以人为本”的设计思想

“充实之谓美”最终目的实际是为了关怀人，这与马斯洛提倡的“以人为本”的思想是相通的，都是为了更好的服务于人，使人的生活幸福美满。设计本身并不是目的，设计是为人服务的，设计师要实现人的终极关怀，就需要不断强化这一设计目的。“以人为本”中的“人”既是社会关系中的人，也是人与自然、人与自身关系中的人；“以人为本”的“本”即根本、中心、出发点。“以人为本”的设计，是指设计要以人为中心，综合各方面因素满足人的各种需求。

“以人为本”的设计，应该首先要更好地满足人的需要，不断贴近人的自然和社会属性。需求是人类发展的动因，针对人们不同的物质需求和精神需求，琳琅满目的设计品应运而生。这就是人性化设计，人性化设计不是设计潮流，也不是设计运动，而是人类在设计领域中不曾放弃的目标。以掌上电脑为例，苹果公司颠覆了传统的触控笔操控设计，率先提出并采用了手势操控的iPhone和iPad（图3），迎合并满足了以年轻人为主体的消费群体的要求，赢得了巨大成功。

人的需求既有共同性的一面，即人的生理性和社会性的需求；也有个体性的一面，即依据个人性格和文化特征差异而产生的个性化需求。人通过生产劳动来满足自身的需求，而人的需求本身也随着社会生产的不断发展而不断扩大，“人以其需要的无限性和广泛性区别于其他一切动物，”[1]人的需求是人类历史发展中不断形成的，设计在满足人的需求的前提是研究人类不同的历史背景和文化背景，针对不同文化层次以及不同年龄段人群的包装风格也应该不同，文化层级相对低的人群比较重视包装的产品宣传作用，而文化层次相对高的人群则比较重视包装自身的文化涵义；年轻人喜欢新奇、潮流的包装（图4），而老年人则对稳健素雅的包装更感兴趣（图5），所以说“设计承载着人们的情感，需要带给人更多、更细致的深切关怀和满足人的情感需求”[2]，设计应该通过满足这些不同的需求去实现其自身的价值。

设计的“以人为本”最基本的表现形式就是以设计物来满足人的生理需求和心理需求，满足生理需求就需要充分考虑人的生理特点，通过设计物合理的结构、材料、造型等因素来满足这种基本需求，设计在满足作为个体的“人”的需求的同时也要兼顾设计物与周围环境的协调关系。满足人的心理需求方面需要考虑作为社会个体的“人”的情感需求，按照马斯洛的需求层次说，人的需求由低到高分为五个层次：生理需求、安全需求、社交需求、自尊需求、自我实现需求[4]。这些需求需要通过人与人、人与物、人与环境的相互作用来得以满足。

“以人为本”既是设计的根本目的，也是现代设计道德的核心，将设计看作是一个时代人们的道德情感和心理状态的表现，对于发展中国特色文化、具有中国传统精神的设计有着重要的意义。设计师应提高道德品质，加强文化修养。

（三）“充实之谓美”对设计师的要求

优秀的设计在设计题材的选择和设计语言的运用上应该强调启发引导观看者的思维，含蓄的表达思想，给观者带来品味和思考。这就对设计师的专业道德和专业素质提出了很高的要求。孟子的“充实之谓美”对内涵品质的强调表明，作为一个通过作品影响他人的艺术家，设计师必须对人的需求有所洞察和分析，同时具备足够的个人素养和理性分析能力，才能通过其设计作品影响观者、影响社会。设计师知识储备越丰富，从而能更自由地进行思考，其作品也就有更丰富的内涵。只有当设计师将丰富的情感体验融入到作品中时，他的作品才会有强烈的感染力，才会使观者产生情感的共鸣，推进审美的发展，引领时尚。这时，创作过程和欣赏过程在其中实现了完美、和谐的统一。

结语

孟子在几千年前就思考了关于美与道德的关系，提出了“充实之谓美”的哲学思想。他主张美要有倡导高尚道德的功能，人类应该摒弃功利化目的。在专业道德建设中树立“仁”的思想体系，“仁”作为中国传统美德根植在每个人的心灵深处，现代设计应该挖掘人内心深处的“仁”学传统智慧，然后融合理论，分析人的各种需求和心理特征，把“充实之谓美”这样的审美情操放置在满足人的各种需求之上，这样“以人为本”的设计在中国将焕发出深厚、智慧的光彩。

注释

[1] 彭吉象：《艺术学概论》，北京，高等教育出版社，2002。

[2] 邹茂来：《视觉艺术概论》，北京，人民美术出版社，2000。

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一、机器美

现代主义机器美学首先起源于对机器的肯定，机器以批量化、制度化的生产方式来促使设计师们对设计的理念更倾向于理性化的现代设计，并以机器美作为现代设计的灵感来源，其本身更是一种进步的象征。简洁、秩序和几何形式以及机器本身所体现出来的理性和逻辑性是机器美学所追求的，所以标准化是其展示出来的最终模式。机器美以简单几何体及其形式的演变作为设计基本元素，并将其视为视觉表现的主要形式，并且去掉如洛可可式的一切附加装饰元素，以强调直线、空间、比例等要素作为设计的重点。

现代主义设计是从建筑设计发展起来的，1919年瓦尔特・格罗皮乌斯（Walter Gropius）创立的包豪斯学校是现代主义真正确立的标志。他是20世纪最有影响的现代建筑师其中的一位。他认为技术美即机械美，而在这一方面的体现如他与建筑师迈耶合作设计的法古斯工厂。法古斯工厂是为制造鞋楦而建造的并具有里程碑意义的一座厂房建筑。源于生产上的特殊需要，所以这座厂房的平面布置和体型处理上是完全依附于功能要求。这也是迄今为止在众多设计中所必须首要考虑的要素。对于其建筑立面采用大片玻璃幕墙和转角窗，转角窗位置无采用任何的实体支撑设计，这种手法显得建筑轻巧透明并大方得体，对于大面积玻璃幕墙及转角窗的使用在建筑史上可以说是首例，而这种大胆的设计的出现及实现不可或缺的因素是当时机器及技术的发展。这座建筑的另一个特点即把建筑内部的结构直接体现出来，建筑外部除玻璃幕墙的使用外，没有其它过多的附加装饰，通过其表现出全新的建筑机械美形态，对于当时设计思想的转变有着巨大影响。这种设计手法更是为现代建筑所常用（图1）。

勒・柯布西耶（Le Corbusier）是对于现代美学做出最大贡献的建筑设计师。从20世纪20年代开始，他对现代物质环境的形式产生了不可估量的影响。他认为机器产品有自己的经过试验而确立的标准，它是理性的、经济有效的现代产品设计。柯布西埃对于机器的颂扬，在理论上可以说是对机器美学的阐述，而机器产品是具有经济效益的，对机器美学内涵本质上的具体解读。他提出了“新建筑的五个特点”。对于这五个特点体现的最为全面即是他所设计的萨伏伊别墅（图2）。萨伏伊别墅外部全部粉饰为白色配以长窗，采用框架结构使墙体不再承重，整体结构完全示于人前，不带任何的附加装饰，这种形式的体现也是完全依赖于机械发展与生产所带来的可能性。他的这些设计简洁、干净以及对机械美的运用可以说是将机器美学推向了高峰。

马歇・布劳耶（Marcel Breuer）作为包豪斯的第一期学生在家具设计方面有着显著的成就。他创造设计的系列钢管椅，在当时家具设计领域有着巨大的影响，钢管椅造型轻巧，结构简洁，具有很优良的使用性能。钢管椅的设计通过将原始钢管外露做出悬空的造型，改变支撑模式，在配以皮革或纺织品等组合而成，与以往传统的家具设计形式截然不同。采用钢管设计适用于工业化大批量定制生产的模式，从而具体的体现了工业设计中的机器美，并对之后的家具设计带来了巨大的影响与创新。

机器美作为现代设计美学中的一种设计语言，它不仅仅局限于大批量定制生产的模式，更多的体现在对于机器的承认基础上通过结构、材料、形式等融合起来的设计美学，其对当今许多设计师有着深远的影响，是现代设计别于先前设计的独特之处。

二、功能美

功能主义是现代主义中最关键的因素之一，也是作为设计美学史上一个突出的主要美学形态。其在18世纪就已出现，是一种持续了百年的哲学思想。功能主义表达的设计重点是，设计应当反映时代精神，机器大生产是工业时代的显著特征，这一时期功能主义的美学观点以几何形式美为主，究其原因是机器只能产加工几何形状物体，即“形式服从功能”（form follows function），也就是艺术与技术要相结合。功能主义的基本美学观点是：产品设计要通过结构本身和材料来表现美，摒弃掉前期设计中复杂的装饰语言，通过机器加工技术要素使所运用到的几何形式材料达到表面光洁、表面质感和表面机理，做到表面光顺的效果。它强调要满足下层人民的需要和国际市场上优势竞争的需要，需要通过工业化大规模的生产，降低成本。

所谓功能美着重体现在设计中以产品的功能性与实用性作为主要目标，即任何设计都必须把产品功能及其用途作为首先考虑的因素，在满足了功能之后才是产品的形式美感。简而言之，功能主义就是功能至上。而在现代主义设计当中，功能之美与机械美是紧密相连的，外在形式的机械美更是跟随着内部功能形式的划分、使用来进行着变化，所以这一时期的设计大都主要是围绕着功能性而进行和发展的。

实用作为美学主要内容、功能作为设计追求目标的一种创作思潮是现代主义设计中的另一设计体现。在此时期有一大批的设计师将功能美表现的丰富多彩。

著名建筑师路易・沙利文（Louis Sullivan）是现代主义建筑的先行者。“形式服从功能”的口号就是他所提出的，所以功能在其设计中是首要考虑的因素。沙利文最具代表性的建筑设计即是三段式设计，他根据功能需求把高层办公楼建筑的外形分成三段：功能相似的首层和二层为一段，办公室所属楼层为一段，顶部用于设备间的为一段，这中分段形式的设计形式成了当时高层办公楼效仿的典型案例。这种设计形式较大限度地体现了功能在建筑设计中的地位，为其发展更是提供了有力的物质语言。

包豪斯新建的校舍是著名建筑师瓦尔特・格罗皮乌斯（Walter Gropius）设计建造的，是其具有体现功能美的代表作之一。这座新校舍包括教室、车间、办公室、礼堂、饭厅及高年级学生宿舍。他把建筑物的实用功能作为首要设计要素，并创造性地运用现代建筑设计的手法，根据不同的使用要求及各部分间的相互关系定出所对应功能需求的位置，不同的结构形式跟随各部分不同的功能需求而设计，赋予不同的设计语言。格罗皮乌斯在校舍的设计中直接运用钢筋、钢筋混凝土和玻璃等新材料，不过多的附加装饰色彩，旨在通过这种形式，展现建筑材料的本色美。校舍在造型上更为突出的是一个个没有任何装饰的不同材质的几何体，错落有致四排列使整体设计更显得生动活泼。根据功能不同，给予不同的结构形式就是体现在这些错落有致的几何体排列中，因此这座校舍充分的体现出格罗披乌斯对于功能的重视性，以及功能、技术与艺术的巧妙结合（图3）。

著名设计师布兰德（Marianne Bran&）在包豪斯学习期间受到纳吉的影响，她创新性的将新兴材料与传统材料相结合，设计了一系列革新性与功能性并重的现代产品。她设计的领域主要是产品设计，其中较为著名的是她1924年设计的茶壶。茶壶的形体设计主要是以几何形式为主，表面为人工锻造的银色金属，表面光滑、圆润，把手为黑色，做到了材质碰撞的革新性效果。布兰德的设计以几何形式设计为主，将简洁抽象的要素组合来传达产品自身的实用功能。布兰德关注批量化生产问题也是其设计思维的一大特点，“康登”台灯是她批量化生产的一代表性作品，此台灯的灯颈是可弯曲的，基座稳健，造型也是通过简洁的几何形式表达并具有良好的功能性（图4）。她的作品多以金属制品为主，其中有些产品至今仍在生产。

功能主义作为现代主义设计的突出要素，影响了这一时期及后来的众多设计师，创造出革新型的设计模式，在20世纪前期的现代主义工业化大批量生产形式的影响下得到了不可忽视的地位，一切形式服从功能，对功能主义在设计中的发展有着深厚的影响。

三、理性美

现代主义坚持功能主义和理性主义，机器的效率和理性带来了简洁的几何形式设计语言，现代主义打破了固守陈规的传统设计，主张创造新的设计形式。历史主义和折衷主义被更多的设计师突破，这是一个运用新材料、新技术和新功能在造型设计上更为创新的道路开辟了新的方向，也反映了工业时代的本质特点。

从美学认识角度看，现代主义设计无处不体现着理性主义之美。理性主义同样是现代设计美学形态中重要的组成部分。理性思考是理性美强调的重点，用科学的、客观的分析法作为基础来进行设计，舍弃感性思维的冲动意识，以严格的理性思考来取代，以提高产品的效率和经济行为为目的，尽量减少设计中的个人意识。

它还强调造型必须具有目的性，必须以功能需要为出发点，即设计必须很理性，不能按照设计师的个人意识破坏掉设计的本质属性。

如之前介绍的设计作品中都是在理性主义基础上来表现及思考设计的机械美、功能美，但其又不是并列的关系，没有机器生产的发展，人们对功能实用的需求，也无法促使理性主义在此的高度体现，所以这三种美学形态是相辅相成，紧密联系的关系。

随着社会时间在不断地变化与发展，每一时期的社会目标都有所不同，而现代主义的设计实际上就是对社会目标的反映，人类希望对于自己生活环境能够理性理解、说明和控制，几何规则性满足了人类的这种渴望，在设计中注重以计算和功能为基础的工程技术，而不是唯美主义。这种美学态度更是与设计改革时期反对机械美学形成鲜明的对比。理性主义也是基于机器生产、技术发展的物质条件基础之上得以提出及运用。也是人们在设计领域思想方面重大的转变，为现代主义设计以及继续发展的设计流派提供了借鉴作用。

篇9

[关键词] 传统美学思想 艺术设计 招贴画 价值

设计是一门综合性极强的学科，它牵涉到社会、经济、文化、市场、科技等诸多方面，其审美标准也随着这些因素的变化而变化。设计就是把某种计划、设想和解决问题的方法，通过视觉语言传达出来的过程。艺术设计是一个大范畴，包括广告艺术、工业产品、服装设计、环境设计等。艺术设计的创新将带动全社会的时尚潮流，正是所谓“笔墨引领时代”。艺术设计贵在创新活动与实践，但是如果一个艺术家或设计师对本国传统文化，尤其是美学思想知之较少的话，就不可能有优秀的设计创意产生。中国传统美学思想具有很深的哲学渊源，这也是中国传统文化独具特色的地方，它为人类提供了“适者生存”、“美者优存”的大智慧。尽管创新一词在当下颇为流行，为各行各业引以为重，创新也的确是一个民族发展的动力和灵魂，但民族传统的承续是创新的基石和源泉，这对于艺术设计创新来说尤为如此。下面就现代广告招贴画设计中传统美学思想的价值谈点拙见，以期抛砖引玉，就教于行家里手。

一、中国传统美学思想的主要表现

传统美学思想是在传统文化的基础上演变而来，具有鲜明的民族化、地域性特色，中国传统美学思想体现出中华民族古老的情感、性格和精神气质。它既积蓄着浓厚的文化意蕴，又在其漫长的发展演变过程中以兼容并蓄、海纳百川的气魄呈现出生生不息的旺盛活力，它是中华民族在长期的生存和抗争中所积累下来的审美方式和审美价值取向，成为古往今来艺术创作、艺术欣赏中一直传承和延续的具有指导性的美学精神和不二法则。

一般认为中国传统美学思想，是儒道释三大主干。儒家提倡“天行健，君子以自强不息”，讲求乐观奋斗的入世精神；道家认为“天地有大美而不言”，追寻超凡脱俗的出世情怀；禅宗则是“万古长空，一朝明月”的形而上学。三大思想不仅揭示了中国传统美学的真谛，更代表了中国哲学的最高境界。

1.儒家美学思想

以孔孟为代表的儒家美学思想重视和强调社会伦理。作为儒家美学的创始人和代表人物的孔子将儒家美学思想建立在“仁学”的基础上，所谓的“人而不仁，如何礼。”（《论语·八佾》），并从“仁学”出发，深刻解释了美与善的关系、审美与艺术的社会作用。孔子认为韶乐“尽善尽美”，而武乐则是“尽美而不尽善”，这是其“仁学”美学思想的明证。孔子的“兴、观、群、怨”说是对审美与艺术的社会作用的阐释。儒家美学观点基本在于：其一是肯定满足个体需求的必要性与合理性，其二是处处强调把个体需求导向伦理与规范。因而儒家美学是以伦理目的为导向，个体的需求必须与社会群体规范达到统一。

2.道家美学思想

以老庄为代表的道家美学思想，完全建立在“道”的理论基础之上。所谓“道生一、一生二、二生三、三生万物”，与儒家美学思想的“入世”相反，道家美学思想致力于揭示美与善、美与真的尖锐矛盾以及美丑对立的相对性、虚幻性和不确定性。在道家看来，真正的美并不是世俗追求的感官声色，而是人与自然无为的“道”合为一体的绝对自由境界，所谓的“大音希声，大象无形”。在艺术设计中尽可能保留自然无为的环境，在保留的基础上改造环境，并尽量使用源于天然的材料将设计物态化，达到道家自然无为的美学要求。

3.禅宗美学思想

早期佛教思想的传入，以非本体超越观念从两方面影响着中国的美学。一是物无自性缘合而成的理蕴，与老庄尊重自然、无为自化的思想相通；二是缘起和合的观念，引发了中国美学的知识结构由重直觉、重感性的天人相合向观念内蕴的元结构转化，是中国美学在渗透佛学生态智慧的同时逐步向自由、空灵、崭新的生态观境界的发展。后来佛学逐步与本土的儒道思想融合最终发展成中国化的佛教——禅宗。禅宗是以“人心”作为依据的，“南顿”也好、“北渐”也罢，都是通过心的直觉与顿悟解放思想，从而达到绝对自由的人生境界。所谓“不立文字，教外别传；直指人心，见性成佛”、“即心即佛”，就是把内心的自觉自由放在审美与艺术的最高位置，将美的产生归为“物与心”的统一之中。

二、中国传统美学思想对招贴画版面立意布局的价值

在中国，广告虽有着悠久的历史，如《韩非子》中所描述的悬帜甚高的“望子”、两宋时因印刷雕版而产生的“传单”等，都可视为广告的雏形，但广告真正成为一种专业性活动并发挥巨大作用却是从资本主义社会才开始的，所以从这个意义上来讲，中国的招贴画广告艺术可以说是“舶来品”。招贴画是广告艺术中比较大众化的一种体裁，用来完成一定的宣传鼓动任务，或是为报道、广告、劝喻、教育等目的服务。在我国，适用于公益事业或文化宣传的招贴，称为公益或文化招贴或简称宣传画；用于商品则称为商品广告招贴或商品宣传画。

招贴画传送信息、鼓动宣传的功用决定了它的特殊形式：不同于架上油画或者版画，乃至其它画科。要求一目了然、简洁明确，使人在一瞬间、一定距离之外能看清楚所要宣传的事物。因而对其构思、立意、布局都要能超载现实，突出醒目地表达所要宣传的事物，表现出物与物之间的内在联系，赋予画面更为广阔的生活，感受到新的意义，所谓的先“立像以尽意”，然后才是“得意忘形”。在这些方面，中国传统美学思想能为设计者提供大量的资源和营养。

例如在构思上，“以一当十”、“以少胜多”的精炼；在构图上，“计白当黑”、“无画处皆成妙境”的简洁；布局上“疏可走马，密不透风”的对比关系，以及“似与不似之间”的形象夸张等这些都是前辈们留给我们的宝贵财富，已经在我国众多的招贴艺术设计中得到充分体现。香港著名平面设计大师靳埭强先生认为美的原则有三条：立意——意念先行，以形取神；创新——承先启后，破旧立新；活用——适身合用，灵活生动。这实际上强调的就是老庄的美学思想，就是中国山水画的表现意境。正是在这一思想的影响之下，他创作出了大量文化招贴画，在其招贴设计《自在》系列中，运用了中国的水墨画技法，融合了现代技术的特殊机理效果，具有现代性而又不失其传统性。他的“金、木、水、火、土”招贴图形形象设计，更是体现了中国传统美学思想的精神特征，同时也萦绕着极其强烈的现代主义设计的精神光环，是传统与现代相结合的典范。再如中国2008年的申奥标志可以说是又一个很好的范例：整个标志造型没有对传统造型的直接借用，而是运用了中国特有的介于“似与不似之间”的写意手法，恰到好处地传递出“中国结”和“运动员”两个意象，充分体现了中国传统美学思想特有的审美意韵，得到世界的认同而成为经典作品。

招贴画属于“瞬间艺术”，如前所述，欲使招贴画既要让人“一目了然”，又要让人“一见倾心”，被它所吸引，顾盼之余，留下较深的印象而达到“过目不忘”，这就要求招贴画必须具有精湛的立意和构思。众所周知，任何艺术都不可能面面俱到说明一切，尤其是像招贴画这种特殊的艺术设计形式，在有限的时空条件下要使人过目不忘、回味无穷，就需要做到“言简意赅”和“由此及彼”。招贴画中常常有充满画面的颜面特写：一双手、一只眼、一个动态、一个表情，只要是选择最富有代表性的现象而且着重它的某些特征，它就能构成“言简意赅”的好作品，这就是传统美学思想的“言有尽而意无穷”、“象外之象”等的具体表现。尽管构图简单，却能表现一定的、能吸引人的意境。在意境中，客观事物精粹部分得到了集中处理，达到了情景交融、能牵动人心的某种情思、体验和联想。

中国传统美学思想讲究均衡和内在的节律，在传统书画艺术设计中有“疏可走马，密不透风”的布局法则，强调变化中的均衡，这既符合科学上的相对原理，也符合艺术上的形式美的规律。在我国诸多招贴画设计中，这种统一的、生动的、有韵律和节奏的审美感觉随处可见。动与静、疏于密、多样性统一、宾主呼应、虚实相生、纵横曲直、黑白对比、重叠交错等传统构图法则也屡见不鲜。此外，远古的铜器纹样、画像石、金石篆刻，特别是中国画，巧妙的运用白底的匠心；民间剪纸和兰花布粗犷豪放的黑白联系；明代本刻插图的疏密聚散，都可以在现代招贴画艺术的构图中得到印证。这也正是传统美学思想在招贴画版面立意、布局的价值体现。

中国传统美学思想讲究形神兼备，讲究概括与变形，古人所谓“传神写照，正在阿堵中”。中国绘画从来不曾有如实的描写、逼真的再现；也没有人去指责人物、山水画不符合焦点透视的原则；也没有人批评传统戏曲程式化的表演模式。因为中国传统美学思想有一些固定的理念，抽象的形式美在造型艺术中具有重要价值。比如齐白石“画虾几十年才得其神”，就有一个不断概括、深入的过程，最终敢于舍弃虾的次要部分而以寥寥数笔突出虾的主要特征，使虾的形象更为完美生动。他的“作画妙在似与不似之间”的说法和石涛“无法而法，乃为至法”的观点是一脉相通的，这也正是道家美学思想“虚实相生”价值的体现。

三、中国传统美学思想对招贴画色彩装饰的价值

中国传统美学思想对于传统美术的色彩处理，主要是色彩装饰。由于招贴艺术的特征——我们知道现代招贴画艺术主要由图形、色彩、文字三部分组成——这就决定了色彩装饰在画面上所起的作用，色彩装饰具有一定的主观性，这正是招贴画艺术画面所刻意追求的。古之所谓“意足不求颜色似”正说明了这种关系。史载宋代文豪苏轼曾画朱竹，有人诘问他：难道有红色的竹子吗？而苏轼却反问：难道有黑色的竹子吗？言外之意，既然大家对黑竹习以为常，为什么不允许画朱竹呢？这正说明传统美学思想对色彩的主观想象是允许的，而且是必要的。但需要注意的是这种的主观想象并非主观臆造，色彩装饰同样来源于生活实践，依旧需要从客观事物中吸取养分。艺术家们常从彩蝶、霓虹、彩霞等自然色彩受到启发而创造出色彩绚丽的装饰效果。色彩装饰的主观性是用某些联想，将自然景色“拟人化”。不同的人物由于性格特征、情绪经历等的差异性，对客观事物产生不同的看法，比如杜甫说“恶竹应须斩万竿”，而苏轼却言“宁可食无肉，不可居无竹。”对于某些自然色彩的感受，可以是‘绿肥红瘦’、也可是“怡红快绿”。至于“伤心碧”、“塞烟翠”、“青欲滴”、“绿生凉”这些古人诗词下对色彩的不同感受，正说明了色彩给人感受的心理因素，早在宋代画论中就有“炎绯寒碧”之说。这些心理因素，色彩的联想是由人们在具体的生活中形成的。我们既反对形而上的把某种色彩硬说成是代表某种性格，又不排斥在具体生活中形成某种联想使人产生的感情，这正是传统美学思想中运用色彩象征性的前提。传统中国画中常把荷花画得红艳艳的，而荷叶只用淋漓的水墨，面对这些现象，人们自然会觉得所画的水墨叶子是绿色的。因为画家运用了自然现象相互联系这一科学规律、利用了欣赏者相应的联想作用。同样之理，在一张白纸上画上几只游动的小虾，人们根据自己的生活经验自然会把大片的空白联想成茫茫水面。在招贴画上，常常也有这样的例证，一幅蓝色的画面，上角画几束灿烂的烟火，这块蓝色自然会被欣赏者接受为深邃的蓝天；而在一张绿色的画纸上画上一对嬉戏的小羊，这绿色就成了茵茵草坪。正因为只是单纯的底色，空间更大了，给人的联想更多了。这种单纯是虚的，但又是实的；观者的想象是抽象的，但又是具体的。这样处理，不仅在形式上不见其虚，在内容上也具有某些启示与联想，使其更充实、更丰富。这也正是中国传统美学思想“虚实相生”观念的价值表现。“春风又绿江两岸”，一个“绿”字，给赏析者充实而深刻的含义和感受；“日出江花红胜火，春来江水绿如蓝”，古代诗人运用色彩象征的手法价值思想的确值得在设计招贴画时很好的借鉴。

四、中国传统美学思想对招贴画设计的延伸与拓展的价值

透过中国传统美学的历史发展脉络，可以看出美学本身是一个开放的系统，如果儒、道美学思想不接纳佛教文化，那么也就没有中国化的佛教——禅宗美学思想的产生。这表明只有通过吸收，才能发展；只有敢于继承、善于交融才能最终真正成为自己美学思想的主人。在艺术设计创新教育方面，我们仍然要“立足中华，面向世界”：既要尊重民族艺术的独特性，体现中华民族的审美心理，又要反映现代人的内在精神诉求。在具体的艺术设计实践中，我们要“寻根”：寻找我们民族传统文化中为其它民族所不及的思维优势和独特风采，在新的技术与意识观念的冲击下不断地更新拓展、与时俱进。因此要使中国传统美学思想在招贴画设计中得以延伸与发展，打造新的民族形式，在理解传统美学思想精髓的基础上取其“形”、延其“意”，从而传其“神”。

其一，取其“形”。既然取其“形”，绝对不是简单的照抄照搬，如照相机般定格，而是对中国传统美学思想的再创造：在理解的基础上，以现代审美观念对中国传统美学思想中的一些元素加以改造、提炼和运用，使其富有时代特色，或者把传统造型的造型方法与表现形式运用到现代艺术设计的诸多领域中，用以表达设计理念，同时也体现民族个性。比如我们耳熟能详的凤凰卫视中文的台徽，便是借用了彩陶上的凤鸟图形，使用中国特有的“喜相逢”和太极阴阳图的结构形式，反映出一种敦厚的文化底蕴，而凤鸟两两相对旋转的翅膀极富动态，体现了现代媒体特色。

其二，延其“意”。中国传统美学思想背后的“意”是人们迷恋其造型的关键，所谓的“意味无穷”、“意外之旨”，因而中国传统美学思想的吉祥意味同样适用于现代各种艺术设计创新教育和用于传达现代人的设计理念之中，众所周知的中国联通的标志设计，采用的就是源于佛教八宝的“八吉祥”之一“盘长”的造型，取其“源远流长，生生不息，相辅相成”之意。这种吉祥寓意的沿用，增添了文化气息和亲和力而少了几许商业气味。

其三，传其“神”。对于“形”和“意”的沿用，严格来说是对中国传统美学思想的一种浅层次的发展和提升，而一种新的民族形式的创造，则需要艺术家摆脱美学传统的物化表相，进入深层的精神领域去探寻，如石涛所言“无法而法，乃为至法”。因此只有在深入领悟传统美学思想精神、充分认识来自当下西方各种设计思潮的基础上，兼收并蓄、融会贯通，寻找传统与当下的契合点，才能打造出符合新时代的民族形式，才能找到真正属于我们本民族同时又为国际社会所认同的艺术设计产品，正是所谓“越是民族的就越是世界的”。

总之，艺术设计的再生力在于创新，但是创造力不是与传统的疏离或者决裂，也决不是为了求奇求怪搞形式主义。在艺术设计创新中，若想创作出好的艺术品，尤其是在中国这样一个具有悠久历史与灿烂文明的国度，艺术文化的发展更应与传统文化密不可分。但我们也要超越自身文化壁垒、冲出西方文明的迷雾，吸收其它优秀美学思想，丰富原有的传统美学思想底蕴来达到发展。独到的见解、谨慎的判断与前瞻性的思考加上切实的艺术实践才能寻找到当下艺术设计的创作之路。优秀的艺术设计作品应该是吸引人、感染人和鼓舞人的，是对现实世界的真实反映，是创作者观照时代的映射，这样的作品才具有旺盛的生命力，否则就是中国传统美学思想认为的“声一无听，物一无文”。艺术是个长远而谨慎的话题，其价值在于与其社会所容，永远走在时代的前列。所谓“笔墨不仅反映时代”更应“引领时代”，为人们阐释一种永恒而不灭的真与善，让越来越多的人们享受到艺术带来的情趣与欢乐。充分挖掘和利用传统美学思想的有益价值成分进行艺术设计创新，作品会让人们达到“生活艺术化”、“艺术生活化”的目标。处于文化多元时代的艺术家们，正是在现代广告招贴画设计中向传统美学思想汲取了资源和营养，扎根于本民族肥沃的土壤，才在世界文化艺术范围内具备独特魅力和话语权。

参考文献

[1]李砚祖.视觉传达设计的历史与美学[M].北京：中国人民大学出版社，2000.

[2]王受之.世界平面设计史[M].北京：中国青年出版社，2002.

[3]樊美筠.中国传统美学的当代阐释[M].北京：北京大学出版社，2006.

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[5]陈晓婷.传统美学观对现代宣传招贴设计的影响[J].江南论坛，2009，（06）.

[6]徐红.传统美学对现代广告设计的影响[J].教师，2009，（10）.

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[8]汪辉，张明远.浅谈中国油画风景中的传统美学[J].文艺生活，2010，（09）.

[9]李昂.中国传统美学中的和谐美[J].学理论，2010，（33）.

[10]杨平.关于中国传统美学与现代艺术设计的探讨[J].边疆经济与文化，2011，（12）.

[11]张静.论当代招贴设计与传统美学[J].美术界，2011，（07）.

[12]陈波，曾毓隽.传统美学对当代设计的影响[J].美术教育研究，2012，（06）.

篇10

关键词： 传统美学 现代 广告招贴设计 中国特色

在我国，广告有着悠久的历史。“战国时矛与盾的口头广告，《韩非子》中所描述的悬帜甚高的“望子”；两宋时期伴随着印刷雕版而产生的“传单”等，都可以看作是广告的雏形形态，都是我国广告历史久远的例证。”［1］然而，广告真正成为一种专业性活动并发挥其巨大作用却是从资本主义社会才开始的。从这个意义上讲，我国的招贴广告艺术可以说是引进的。招贴画是广告艺术中比较大众化的一种体裁，用来完成一定的宣传鼓动任务，或是为报导、广告、劝喻、教育等目的服务。

我国招贴的产生是以上世纪二十年代至四十年代出现在沿海城市的月份牌广告和路牌广告为标志。它们虽然带着一定的半殖民地色彩，但以群众喜闻乐见的形式深入到千家万户，因此，应该说是我国招贴广告的发展与开端。［2］

从我国文化发展的历史经验来看，一个国家、一个民族文化的发展，要想立于不败之地，就要勇于吸收，敢于继承，善于交融。在招贴艺术方面我们应该“立足中华，面向世界”，既要尊重民族艺术的独特性，体现中华民族的审美心理，又要反映现代人的内在精神追求。在招贴艺术的设计中，我们也要“寻根”，寻找我们民族传统文化中为其他民族所不及的思维优势和独特风采。正因为这样，外来的招贴艺术，在中国设计者的作品中，时时流露出传统的美学观潜移默化的影响。分析这些影响，肯定其中积极的因素，将会有助于发展中国特色的招贴艺术。下面，就从这个角度进行剖析。

一、传统美学对版面布局的影响

首先，招贴画传达信息鼓动宣传的作用肯定了它的特殊形式。它不同于架上油画或版画，要求一目了然，简洁明确，使人在一瞬之间、一定距离外能看清楚所要宣传的事物。因此，它的构思要能超载现实，构图要概括集中，形象要简练夸张，要以强烈鲜明的色彩为手法，突出醒目地表达所要宣传的事物，表现物与物之间的内在联系，赋予画面更广泛的含义，并使人们在有限的画面中能联想到更广阔的生活，感受到新的意义。在这些方面，中国传统的美学观能够为设计者提供大量的营养。

“例如，构思上的‘以一当十’、‘以少胜多’的精炼；构图上‘计白当黑’‘无画处皆成妙境’的简洁；‘疏可走马，密不透风’的对比关系；‘似与不似之间’的形象夸张，都是先辈留给我们的宝贵财富，已经在我国招贴艺术的设计中得到充分体现”。［3］香港著名平面设计大师靳埭强，创作了大量文化招贴。他认为，美的原则有三条：立意――意念先行，以形取神；创新――承先启后，破旧立新；活用――适身合用，灵活生动。这实际上强调的就是老庄的哲学思想，就是中国山水画的表现意境。他主张把中国传统文化的精髓融合到西方现代设计的理念中去。他的许多作品都无一例外地体现着这种思想，在其招贴设计《自在》系列中，运用了中国的水墨画技法，融合了现代技术的特殊机理效果，现代又不失传统。在国际“水”主题招贴艺术展中，“水―生命―文化”招贴图形作品，将极其强烈的民族装饰、风格化的图形形象作为整幅作品的大背景，进行了丰富而适当的虚化处理，整个画面以黑白两色加以艺术表现，形成了形与色的对立与协调、冲突与融合的视觉效果，构筑了一幅在中国特定大文化场景下的具有视觉冲击力的现代平面图形设计作品。2008年的申奥标志可以说是一个很好的范例，整个标志造型没有对传统造型的直接借用，而是运用了中国特有的介于似与不似之间的写意手法，恰到好处地传递出“中国结”和“运动员”两个意象，不仅体现了中国文化特有的审美意韵，而且得到了世界的认同。

招贴画属于“瞬间艺术”。招贴既要让人“一目了然”，又要让人“一见倾心”，为它所吸引，顾盼之余，留下较深的印象。这就要求招贴具有精湛的构思。任何艺术都不能说明一切，特别是像招贴画这种特殊的艺术形式，在有限的时空条件下，要使人过目难忘、回味无穷，就需要做到“言简意赅”和“由此及彼”。招贴画中常常有充满画面的颜面特写，一双手，一双眼，一个动态，一个表情，只要是选择最富于代表性的现象，而且着重它的某些特征，它就能构成“言简意赅”的好作品。尽管构图简单，却能表现出一定的、能吸引人的意境。在“意境”中，客观事物精粹部分得到了集中处理，达到了情景交融，能牵动人的某种情思，某种体验，某种联想。

中国传统艺术讲究均衡和内在的节律，我国书画艺术中有所谓“疏可走马、密不透风”的布局法则，强调变化中的均衡，这既符合科学上相对的原理，又符合艺术上形式美的规律。在我国的招贴画中，动与静、疏与密、多样统一、宾主呼应、虚实相生、纵横曲直、黑白对比、重叠交错等传统构图法则也屡见不鲜。此外，铜器纹样、画像石、金石篆刻、中国画巧妙地运用白底的匠心，民间剪纸和蓝花布粗犷豪放的黑白关系，明代木刻插图的疏密聚散，都可以在现代招贴艺术的构图中得到印证。

中国传统艺术讲究形神兼备，讲究概括与变形，齐白石“画虾几十年才得其神”，就有一个不断概括，不断深入的过程，最终敢于舍弃虾的次要部分而突出主要特征，使母虾的形象更为完美更为生动。齐白石提出的“作画妙在似与不似之间”和石涛的“无法而法，乃为至法”是相通的。［4］

靳埭强“金、木、水、火、土”招贴图形形象设计，也充分显示了这种文化艺术的精神特征，萦绕着极其强烈的现代主义设计的精神光环。

二、传统美学的色彩象征

传统美术的色彩处理，主要是装饰色彩。由于招贴艺术的特征，决定了装饰色彩在画画上所起的作用。装饰色彩具有一定的主观性，这正是广告画面所刻意追求的。“意足不求颜色似”说明了这种关系。宋代苏轼曾画朱竹，有人责难他：难道有红色的竹子吗？他反问：难道有黑色的竹子吗？意思是既然大家对“黑竹”习以为常，为什么不允许画朱竹呢？［5］这说明在传统美学观中对色彩的主观想象是允许的，而且是必要的。

装饰色彩的主观性是用某些联想，将自然景色“拟人化”。不同的人物由于性格、经历、情绪的不同，对客观事物产生不同的看法，对于某些自然色彩的感受，可以是“绿肥红瘦”，也可以是“怡红快绿”。至于“伤心碧”、“塞烟翠”、“青欲滴”、“绿生凉”这些古代诗人笔下对色彩的不同感受，说明了色彩给人感受的心理因素。传统中国画中经常把荷花画得红艳艳的，荷叶只用淋漓的水墨，面对这些形象，人们自然会觉得所画的水墨叶子是绿色的。这是因为画家适用了自然现象相互联系这一科学规律，利用了欣赏者相应的联想作用。同样，一张白纸上，画上几只游动的小虾，人们根据自己的生活经验自然会把大片空白联想成茫茫的水面。在招贴画上，常常也有这样的例证，一幅蓝色的画，上角画几束灿烂的焰火，这块蓝色自然会被人接受为深邃的蓝天。同样是蓝色的底色，画上几块白色的三角帆影，这块蓝色又会被人们视为无边的海洋。在一张绿色的画纸上画一对嬉戏的小羊，这绿色就成了如茵的草坪。正因为只是单纯的底色，空间更大了，给人的联想更多了。这种单纯是虚的，但又是实的，观众的想象是抽象的，但又是具体的，这样处理，不仅在形式上不一见其虚，在内容上也因某些启示与联想，使其更充实，更丰富了。“春风又绿江南岸”，一个“绿”字，给人多么充实而深刻的含义。“日出江花红胜火，春来江水绿如蓝”，我国古代诗人运用色彩象征的手法不是值得我们在设计招贴画时很好的借鉴吗？

以上所述是传统美学观对我国现代招贴艺术的一些影响。这些美学观在潜移默化地影响着我们的现代设计思想。当然，我们也在不断受到外来文化设计思想的冲击，同样从中受益匪浅。我们相信，在这种世界规模的文化交流与竞争当中，凡是我们民族确有的长处，绝不会丧失，只会发扬光大。

参考文献：

［1］王受之.世界平面设计史.北京：青年出版社.

［2］李砚祖.造物之美.北京：人民美术出版社.

［3］赵希岗.现代图形设计与传统图案.装饰，2003，4.