现代艺术设计论文十篇

时间:2023-03-18 20:27:05

现代艺术设计论文

现代艺术设计论文篇1

个性表现就是对自我价值的追求。美国人本主义心理学家A.B.马斯洛认为人类需求是由低级向高级逐级形成和实现的,人在基本需要得到满足之后,就会出现新的较高级的需求,并激励个体去满足它同时马斯洛将人类的需求由低级到高级分为七个层次:生理性需求、安全性需求、社会性需求、自尊性的需求、审美的需求、认知的需求、自我实现的需求。社会发展到一定程度,财富积累到一定程度,人的前四个层次需求在中已基本得到满足,尤其是部分发达地区,消费形式正逐步向后三个层次发展,而后三个层次发展,这也正是中国发展和追求的目标。现代商业艺术设计是建立在消费者的满意程度上的,也就是建立在满足个性需求基础上,每个人都具有一种个性,要满足不同消费者的个性需求,就需要设计提供可能是具有相同使用功能的,但是必须是不同形式、外观本质组合审美的产品。,现代商业艺术设计重在参与,充分体现消费者个人喜好的形式。艺术设计表现的最终目的就是充分获得消费者的满意度,即充分满足消费者的高级的需求。艺术设计的最终目标也就是满足人的自我价值的实现,满足人的个性消费,现代商业艺术设计以人为基础充分考虑人的个性发展,使艺术设计得到新的发展。

二、现代商业艺术设计具有时代性

现代商业艺术设计具有时代性表现为两个方面,即求共现象和求异现象,求共现象是一个社会现象,也可能由于某种社会因素(文化、政治等)的诱导作用。如:“世界足球赛”会引起足球热,从而产生足球时尚,于是足球产品盛行。这种求共性时尚的追求现象具有普遍性,表现为一种大面积流行的形式。求异现象是一个个体现象,是对自我价值的追求,是由于自我的个性因素(爱好、文化素养等等)起诱导作用,如:有人因为爱好体育,于是对周围的环境都要求具有体育的氛围,穿运动服装,使用体育的器材、图片来装饰。可见求异现象虽然是一种个体目的追求现象但也具有普遍性。总之,无论是从众的求共想象,还是立异的求异现象,都是现代的人们为了表现存在价值、克服自卑情节、寻求自我满足的现代思想意思,随着时代的变化经济的发展时尚现象会不断更新,艺术设计师就应具备时尚观念,为消费者预设更广大的空间,由消费者自由地追求自己的时尚。

三、商业艺术设计具有更丰富的适用性

艺术设计被认为是适用所有人群,是一种“通用设计”。现代商业艺术设计极富人情味,它追求平等的理念、期盼得到他人的尊重。通过设计师的预设,建立一系列方式,使所有的人不论他的身体条件、智力条件、经济条件、等客观条件如何,都可以根据自己的不同条件充分追求自我需求,这与人本主义理论所倡导极富人情味的关爱设计内容无不吻合,通过各种形式让消费者从设计中找到了他所能理解的情感语言,达到了情感诉求的目的。现代商业艺术设计能满足不同特征、不同类型的人群,这里有两层意思,其一,具有包容意义,即是适合所有的人,不论是人的年龄差别,还是人的身体条件,或是智力条件,都可以获得相应的满足。因此,这种包含是广泛的,它主要反映了的适应面。其二,是具有选择的余地,这种不同满足的通用性并非是指设计追求统一标准的模式化,或者是缺乏个性的机械化,而是提供不同选择富有个性的设计方案。也可以认为它是一种“菜单”的模式,而这种“菜单”的应用,还需要消费者参与、选择,通过这种互动式的消费使这些“菜单”得以实施。艺术设计提供了在不同经济层面上的人群的消费需求,如同饭桌上的拼盘,有经济实力的可选择高档精美的没有经济实力的可选择实惠价廉的。现代商业艺术设计类似这种“菜单式”的模式,满足了在不同消费层次上的消费需求。因而获得较高的满意度。商业艺术设计能使现代经济活动“产消共赢”把“产消共赢”作为现代经济战略目标,“产消共赢”在经济学意义上是相对零和而言的,意即在现实的经济活动中产消双方的关系不再是“此消彼长”的简单的线形关系,而是指在经济活动中互利互惠、共同得利。然而“产消共赢”的关键其实是消费者满意度,在经济活动中消费者想获得的就是只要乐意继续消费这种满意,生产者也就找到了生产的市场空间,从而形成了这种双方满意的良性的“产消共赢”的经济活动。现代商业艺术设计就是依据“产消共赢”原则,而建立的新的产消关系,现代商业艺术设计是设计师为消费者设计的一种消费方式,让消费者参与到产品的设计和生产的过程中,设计师首先必须掌握和了解消费者的消费信息,通过设计师的构划和设计,为消费者提供了一个设计、创造的空间,消费者的这种设计、创造活动,不但获得了一种参与的满足,同时获得了精神上的满足,被尊重的感觉,这种心理需要的满足,提高了消费者的满意度,从而加深了生产者和消费者之间的合作关系,从这个意义上讲,使消费者满意的产品是不可战胜的。

四、现代商业艺术设计符合绿色设计原则

现代艺术设计论文篇2

随着我国公共环境艺术设计的飞速发展,自然环境的恶化让人们尝到了环境破坏带来的恶果,使人们深刻的认识到空间环境艺术设计的重要意义。同时,随之而来的现代文化理念对公共环境艺术设计产生了一定的冲击,这一冲击主要表现在以下三个方面:一是设计理念僵化陈旧,缺乏创新性。现代文化理念的多元化变现形式和发展特征,严重冲击着传统文化理念,过去受公众青睐的雕塑类环境设计已逐渐被一些娱乐、实用、时代性作品取代,创新设计理念成为当下任务。二是设计局限性很大,且方式单一。目前单一的艺术设计方式很难符合现代文化发展需要,其个性化文化设计未能充分展示,使具有时代性和地方性文艺风格的作品未能问世。三是设计空谈人文内涵,严重背离大众审美观。信息技术的飞速发展促使环境设计目标多元化特征的形成,设计作品不仅要体现某种艺术特征,更应该呼吁公众参与,迎合大众审美,设计以大众审美和实际需要为前提,具有深厚人文内涵的公共环境艺术作品。

二、基于现代文化理念的公共环境艺术设计

现代文化理念对公共环境艺术设计产生了极大冲击,如何在公共环境艺术设计中巧妙融合现代文化理念,使公共环境艺术设计在更好的体现现代文化理念的同时,不断满足时展要求和公众对精神文化的渴求,成为公共环境艺术设计的重中之重。那么基于现代文化理念的公共环境艺术设计应该注意哪些问题呢?

1.设计要做到实用性和公众审美的高度统一。

从公共环境艺术设计发展的历程可以得知,公共环境艺术设计是一种不同于其它艺术设计的艺术形式,具有一定的独特性。这种特性要求设计的作品具有高度的实用性和效益性。随着现代文化理念的介入,实用性的设计原则被置于更高的地位,现代人对环境规划的要求是既要满足公共环境设计的功用性也要满足大众审美的需求,这就使公共环境艺术设计要做到实用性和公众审美的高度统一。只有这样,人们才可以从环境艺术设计的作品中,通过调动多种感官细胞,身临其境地进行一场酣畅淋漓的审美体验。

2.设计要在确保经济性的同时关注环保性。

经济高度发达的现代社会,将公共环境艺术设计的经济性特征置于十分显眼的地位,因此也引起了人们的高度重视。但设计目标在满足人们经济效益的同时不可忽视其对环境带来的或积极或消极的影响,这就要求人们在进行设计过程中同时关注经济性与环保性两方面内容。环境公共艺术设计也要遵循可持续发展的现念,在获取经济效益的同时确保生态平衡十分重要。现代文化理念要求,环境艺术设计不能单纯立足于经济效益,更要体现对环境的积极性,以确保环境的可持续、健康发展。

3.设计要注重文化内涵与自然性的完美结合。

公共环境艺术是一项综合性设计工程,其包含较多内容,尤其包含着人们对社会生活和生态环境的积极处理和相互协调,其设计的好坏直接影响着人们日常生活质量和精神文化需求是否得到满足等问题。公共环境艺术所附带的文化性,无论是从政治性还是商业性层面来看,都应该与公众效应、价值取向、审美需求完美结合,从而将艺术作品的自然性特征完美体现出来,即公共文化设计要注重文化内涵与自然性的完美统一,以不断迎合现代文化理念对公共环境艺术设计的要求。

4.设计要在继承传统性的同时关注时代性。

文化发展是一个去粗取精、去伪存真的过程,而非混沌盲目、僵滞不前,因此,公共环境艺术设计要在充分继承传统文化的基础上,关注现代性。目前,传统文化对艺术设计的吸引力有增无减,其表现形式与艺术设计理念或多或少的反映现代人的精神文化需求,并折射出人们对环境的某些审美需求。由于不同时代人们的自然和社会属性不尽相同,人们的思想文化也会产生极大的差异。于是,随着公共环境艺术设计的深入和渐进式发展,时代文化的差异性受到越来越多环境设计者的高度重视。更多的设计者也认为,在继承环境设计传统性的同时,要更加关注艺术设计的时代性。近年来,由环境设计时代性催生出的生态性,和长久存在的人文性也成为公共环境艺术设计中不容忽视的因素。

三、结语

现代艺术设计论文篇3

关键词:木雕艺术;现代室内设计;融合

作为我国艺术领域中的重要组成部分,木雕艺术与室内设计的关系源远流长。木雕艺术促进室内设计的统一,与现代元素相融合,形成多元化发展需求。木雕艺术在现代社会中,更趋向于实用性、私密性以及公共性的发展趋势,这也为传统木雕艺术的发展奠定了基础,从而促使它与现代室内设计的融合。

一、传统木雕艺术与现代室内设计

传统木雕艺术起源于石器时代,是我国悠久历史文化底蕴的体现,木雕将一些传统纹样或是历史故事等形式进行意象转化,用来表达古人的思想,从周朝时期开始,我国古代工匠就开始将传统木雕艺术运用到室内设计上,其设计思想给我国现代室内设计的应用提供了许多灵感。目前室内木雕艺术的发展大多数还处于传统艺术的状态,更多的是一种艺术摆设功能的应用。随着人们对于传统艺术的追求以及国家对于传统艺术的重视,木雕越来越受欢迎。近几年,人们生活水平的提高以及国家经济政治的蓬勃发展,越来越多的民众开始了解和喜爱传统文化。在很多居住、休闲、娱乐的室内空间中都会有传统木雕艺术的体现以及运用。中国传统木结构建筑的室内空间,其特色主要体现在建筑室内空间与室外空间交替,并运用木质构件或雕花物件的虚实空间节奏产生的美感上,又体现在利用隔扇、花罩等建筑构件分隔室内空间组织所产生的空间流动美上,不仅能够借用于现代传统家具、传统陈设物品来装饰室内空间,而且以此来共同塑造传统室内空间,丰富其传统文化艺术内涵。现代室内设计虽然不具备像传统建筑风格中虚实空间相互和谐的节奏形式,但可以通过传统家具或室内陈设物品来分隔和装饰室内空间,同样可以营造动静统一的设计美感。很多设计大师通过结合现代化的设计手法,将木雕中的各种艺术元素进行提炼和重组,将木雕所蕴含的传统文化与室内设计形成一种新的文化氛围,使现代室内设计具有亲切感的同时兼具设计感。

二、木雕艺术是室内设计的眼睛

从目前现代室内设计领域的发展以及其表现形式和作用上来看,木雕艺术得到广泛的应用与开发,说明了木雕艺术在室内设计中占据了重要的地位。

(一)木雕艺术在现代室内设计中的应用意义

在现代社会中,人们对于环境较为重视,尤其是室内设计整体格调的布局。将室内整体布局、格调得到统一后才会以此为基础进行进一步的细化设计,并在设计中求得变化与变通。使得室内设计更具有特色性,同时提升其舒适以及协和度。就因为如此,木雕艺术在室内设计中才受到越来越多人的喜爱。在室内设计整体的应用过程中,木雕艺术可以利用图案及色彩等,促使室内设计更富有变化与统一。在家居设计方面,设计师首要考虑的是室内整体的协调性,首先将沙发、茶几、天花板、背景墙、沙发等主要设计部分的风格、样式等进行统一,在此基础上进行细节上的变化,木雕艺术与时代元素紧密的结合在一起,促进整体设计的现代感。在现代室内设计中,木雕艺术留下了优秀的图形遗产。而这些图形遗产的产生为现代室内设计的应用带来有效的视觉资源。其次,丰富的题材为现代室内设计提供了广泛选择性的空间。同时,木雕艺术的构图进一步满足现代设计的形式,给予现代室内设计更多有利的题材,促进整体的发展趋势。传统木雕家具和木雕艺术作品在组织分隔装饰室内空间方面,有着极高的艺术性和装饰成就,是中国传统室内装饰上杰出的艺术成果,至今仍然具备旺盛的生命力。木雕不仅仅需要在本身的表现形式上突出艺术性,在室内设计中更要展现出实用性以及装饰性的效果。在如今社会中,木雕艺术在现代室内设计中占据了重要的位置。随着时代的发展,木雕艺术在室内设计中被赋予更多现代化元素,同时也赋予木雕更多的艺术文化内涵。木雕艺术除了对室内实用性有要求之外,也提出个性化与装饰性的要求。这为木雕艺术在现代室内的发展与生存提供了更多空间,也进一步的说明木雕艺术在室内设计中的审美作用。

(二)满足与现代元素紧密结合的多元化需求

在室内设计中,木雕艺术并不是一成不变的,具有较高的变通性以及发展性,与现代元素紧密的结合在一起,与社会时代的审美趋势紧密结合在一起。在设计风格上需要注重风格的多样化,与周围环境的紧密结合,实现其基本的功能性和实用性的前提下,进一步促进木雕艺术的发展。传统木雕应该根据现实的设计理念和现实需求进行再造,从而可以产生新的设计形式,一方面,可以选用现代化的材料以混搭的形式,将传统木雕与新型材料结合来体现现代化的设计理念,能够在满足室内设计对传统文化的需求的同时,体现创新的思想,另一方面,可以将木雕和其它的媒介进行组合,搭配色彩和科学技术等媒介,使木雕艺术在现代室内设计中变得更加现代,为室内环境增添鲜活的设计感。[2]室内设计中与现代各种元素相融合的木雕艺术,能够较为全面的满足不同阶层的人们品位上的追求。及时调整木雕艺术的设计趋势,与时代元素相融合,为木雕艺术的发展提供广泛的空间。

(三)结合室内结构,塑造舒适的室内空间

现代室内设计中,人们注重的是实用性,在家居生活以及办公方面更注重效率使用性。因此,木雕艺术室内设计中应该以室内结构为基础,合理利用空间。木雕可以利用自身的特点,可以调节大小、宽窄以及样式来满足室内设计的需求。在设计中,最常见的是木雕隔断的应用。传统建筑室内的灵活分隔主要是以空间隔断来完成,在传统室内空间中无论以何种隔断形式,其共同特征都是通过分隔,使大空间局部化,以满足各类空间职能的需要,对空间具有一定的组织划分作用。[3]隔断是我国传统室内空间布置和装饰分隔空间常用方法,常用来分隔室内空间或增加室内空间层次作用。利用木质屏风进行隔断,可以根据大的空间来进行有效划分,同时不会影响整体设计的需求。木雕隔断可以有效的塑造中空间的实用性,满足现代人家居空间的需求。

三、木雕艺术在室内设计中的发展趋势

对于现在的室内设计,木雕艺术所发挥的功能与应用越来越多。木雕艺术在室内设计的发展趋势,包括其空间性和实用性应用、以及私密性空间设计的概念。

(一)更多的应用于室内公共空间

公共空间主要指客厅、餐厅等,成员可以出入的地方,就此为依托进行沟通的环境,这是室内设计中最重要的环节。木雕艺术主要应用在不破坏整体的区域进行有效的划分,赋予空间更高的立体感,同时美观也不会受到破坏。为了确保餐厅与客厅风格上的统一,多数会利用门与屏障将客厅与餐厅有效的划分。现代室内设计注重的是房屋整体的统一,而不是简单小空间的统一。我国房屋设计客厅与餐厅往往是紧密相连的,将这两部分视为整体进行统一的构造。利用功能的不同,在设计以及色彩、理念中,更为有效的结合在一起。最大程度的确保整个设计的协调性,增加室内的美观。

(二)室内空间实用性设计的发展方向

实用性的设计主要包括厨房、卫生间等具有用途的空间设计,有效的保证家具设计符合人们的使用需求。而这部分空间的装修设计,更具备实用性的特点。在室内设计中,虽说应用型较为重要的,但是确保实用性增强其美观也是非常重要的。木雕艺术的应用满足了室内设计格局的统一需求,同时也满足了人们对于住宅整体审美的需求,提高人们的使用质量。

(三)私密性空间设计概念的应用

所谓的私密性空间主要是指卧室、书房,人们用来休息的地方。这部分的设计往往会根据人们实际的需求以及意愿来进行设计。而木雕艺术在这里主要展现出美观性与可塑造性的特点。在现代室内设计中,会根据人们不同的格调需求以及使用性的需求、空间色彩的搭配需求,充分的利用木雕艺术来展现,满足人们对于私密性空间的使用,而私密性空间的设计也成为木雕艺术在室内设计领域中重要的构成。[6]

四、总结

虽然木雕艺术属于传统艺术范畴,但是木雕艺术的发展与室内设计之间存在着一定的关联性。同时又能与现代因素紧密的联合在一起,有效的满足人们对于家居设计的要求。因此,室内设计领域进一步的促进木雕艺术的发展与传承,为木雕艺术的发展带来更为广泛的空间。而室内设计的发展中,木雕艺术将发挥更大的功效,促进整个行业发展,为人们家居生活带来更多更好的设计。

[参考文献]

[1]辛艺峰.传统建筑木雕装饰的风格特点及其在设计中的应用[J].古代建园林技术,1999:(3).

[2]李翔宇.浅谈中国木雕与现代室内设汁[J].长沙民政职业学院学报,2010:2.

[3]马涛.家居与室内设计中传统图案的运用[D].长沙:中南林学院,2003:10-20.

[4]中国非物质文化保护名录———宁波朱金漆木雕[J].中国生漆,2008:51-52.

现代艺术设计论文篇4

纤维艺术作为生活中的一分子,具备了坚硬、柔软、鲜艳、暗淡、宁静、活力、平直、曲折的一些不同的质感、色泽感、形态乃至肌理感等。纤维艺术在和现代人们的生存条件共处时,在符合相应的物质使用功能以及艺术审美装饰功能以外,在内容上更为丰富,风格方面更加别致,可以展现出人与环境的和谐气氛,可以体现出视觉美与触觉美的力量,还可以激发出人们对大自然浓厚的深情,在某种程度上,降低了当前人们使用硬质材料所造成的生硬与冷漠,再次让人们感受到人间的真情,通过总结获得以下特点:

(一)审美特点

现代纤维艺术通过其自身独有的材料质地以及富有个性的表现特征,形成了其他艺术所无法具有的审美特点。这样的审美特点也就是通过纤维艺术的材质、色泽、形态、机理等因素在空间构成的完善性,透过视觉表达,通过人的审美标准来完成。

1.材料美

物体外形是通过其基本特点结合而成,先要取决于运用材料的差别,其次为表现形式的差别。纤维艺术的材料大多是通过动植物纤维材料、人造纤维以及实物材料所构成。所有材料都具备了各自的物理属性,通过人的感觉器官变成各自的心理感应,材质之间的物理特性的差别通过艺术家的处理后可以发生不同的美感体现,金属材质形成的空间环境让人感受到纯净感;木石材质为人们提供质朴的亲近感;织物为人们打造温馨随和感;人造纤维由于具备了弹性光亮之美,不仅可以具有柔韧的共性美,还具有不同质感的个性美。材料自然属性的不同,令艺术家在创作中变为视觉方面美的心理感应,透过适当的艺术表现,为材料的审美价值赋予特殊的意义,进而引发了及其丰富的心理效应。

2.形态美

形态美是由于物体形态在外表上给人以和谐的视觉体会。形态包含了外部形态和内部形态,外部形态指的是空间特点,通常泛指形态的外表,也就是人们所观察到的外部状态。内部形态体现出形态里各部分相互间界限的形态,也就是结构形态。外部形态和内部形态属于局部和总体、背景和前景的关系,两者相互衬托,其之间的张力在相互作用里实现平衡。外部形态的轮廓能够体现出内部形态的结构轮廓。材料质地的不同,可以转变外部及内部结构轮廓线的质感,进而丰富形态在视觉方面的美,例如竹、藤等纤维类,其一同具备的弹性张力由于外形和馁形的结构结合,构成相对鲜明的结构轮廓,从而产生了挺拔利落的形态美。质地柔和的麻、棉、毛等纤维,每个人的柔软属性对于编织不同的交织里构成了任意张力结构轮廓,以此体现出柔美和谐的形态美。对于软硬兼施的材料来讲,它对比的张力对于其他部分形态之间的表现属于曲直刚柔的形态美。

3.肌理美

纤维材料由于质感的差别,才可以进行人为加工处理,引发了一些具有历史性的美的视觉体会———肌理。这也是此类肌理美缔造的纤维艺术碰触空间。其一,肌理美属于视觉形态。其具备的物质倾向性张力在各自组织结构里的穿行延展属于打造肌理美的表现方式,而且还会对人们在心理方面有所影响,视觉形态在肌理方面的体会以及材料构成的富有内涵的心里体会。其二,肌理美的不同质量感。其与颜色、光影、形式以及关联方面和人们的心理体会融为一体的美感,一类有别于屋里定义方面的质量。色泽暗淡、反光、表面皮肤粗糙,构成严重的心理障碍。

4.色彩美

色彩美的缔造应当是通过美感体会为根本,将创造总体空间色泽的审美内心需求以及和谐色调空间为己任。现代艺术在色彩美方面,是透过纤维艺术本身的色泽体现以及纤维艺术体现来完成不同层面的和谐。

5.空间美

纤维艺术作品不论是二维还是三维空间状态,其状态、色泽、肌理等都与周遭空间的因素产生联系,艺术家一定对此进行平衡,且令人们在视觉的心理方面引发审美联想,如此才可以最终完成总体空间美。

6.表层审美

其特点为对形式美伊苏的结合体会,包含了人们对纤维艺术作品的视觉形态在形、光、肌理、色泽等视觉因素方面的初步判断与基本体会。现代纤维艺术则通过自身的材质肌理以及特有的个性所体现的形式,结合成为艺术的审美特性。

7.深层审美

不论是现代室内设计还是纤维艺术,都对人们的心理造成影响,这样文化系统包含了人们对文脉的认同感,以及城市环境的连续性以及渗透性,或者将民族性、地域性、时代性的特征展现出来。

(二)空间媒介特点

相关人士层为现代室内设计给予了一个定义,建筑空间属于一个穿越了经济过程,也就是四处走动且改变位置,在相继的空间发展里的作用,透过感受运动的顺序逐步获得激烈的感受其通过纤维材料为媒介,构造的物质体现以及精神体现。

二、纤维艺术在现代室内设计中的应用

现代纤维艺术身为室内设计的主要构成内容,在室内环境里具有非常关键的地位,也有着非常重要的作用,不仅可以令空间更为丰富,还可以和建筑内部空间的照明、颜色、材质构成一个琐碎的,并且可以同建筑内部空间的材质、色彩以及照明相结合,让人们的艺术氛围与建筑设计里相结合,进而令建筑内部环境更为温暖,并缔造出较为丰富的人性空间。由于审美情趣的持续提高,纤维艺术逐渐被人们所关注,纤维艺术品多余空间环境的束缚有着较大的作用。纤维艺术品由于材质丰富、色泽鲜艳,且建筑用材大部分构成了明显的对比。不论是平面还是例题,都能够更加人性化,打造出丰富多彩的人生。纤维艺术品通过软性材料进行硬性控制,再次打造建筑空间里的人文形象,且不忘填补人们在精神方面的需求,形象且活泼的色泽,令温暖的人性化艺术氛围与室内空间有效结合。

三、结束语

现代艺术设计论文篇5

关键词:现代主义后现代元素表现

在19世纪,对资产阶级自由派趣味及习俗的反动,引发现代主义的出现,在现代主义设计中,现代主义设计追求功能性,以极简主义风格为特征,追求设计的高度民主化和设计的社会工程性,是一种理想主义的探索;事实上现代主义者在造型元素和表现上是致力于一种非个人的、能够以工业化方式批量生产的,代表工业社会特征的新设计。

之后随着设计者的增多,造型元素也在不断的过滤与提炼。在20世纪早期,现代主义不是孤立地建立在统一的视觉特征上,尽管它已表现出独特的外貌特征如:以机械化代替手工绘制和不对称取代对称的构图,红黑相间的条纹和无衬线的哥特式字体等。现代主义的造型的表现具有革命性、是激进的,是对个人主义的否定,追求一种无差别的至上主义,而达到一种理想状态的民主;这是一种通过形式上的民主达到思想上的民主的努力,现代主义这种社会工程式的努力在战后经济逐步恢复中变得更加理性、现实和商业化,这在荷兰风格派和俄国的构成主义运动探索上显得更加明显,包括包豪斯的探索成就,其对造型形式的贡献远远大于对工业化生产条件下的设计的探索。在包豪斯学院里,伊顿、康定斯基都是教导学生单项或综合的研究造型的基本元素,伊顿在教学过程中重点研究了造型形式中有规律性的东西,他教学生分门别类或综合地研究形——点、线、面、体(方、三角、圆),色彩,明暗、质地的特征中找出规律而加以应用。

尔后德国乌尔姆设计学院也致力于理性主义和功能主义造型元素和表现的设计探索,并发展出高效率、次序化极强的系统设计。在设计教育中注重对造型元素的表现技巧的研究以及各种理论的培训与教育。从它的基础课程设置上也可以看出,其基础课程有视觉方法学、符号理论、传达技法与技术等等。总的来说设计造型元素和表现脱不开包豪斯教学的影子。

包豪斯学院是设计教育的发源地,乌尔姆设计学院则是包豪斯学院的继承和发展;对发生在20世纪的设计造型元素和表现的梳理和对传统的借鉴和发展,对我国当前艺术设计教育的基础课程教学有一定的启示作用。

笔者从对20世纪设计师作品不同时期的设计风格的考察来看,可以大致归纳现代主义的具象造型元素与表现有:

(1900-1909):有意味的字迹、儿童故事、人格化的图案、政治的辩论、面部对称、划分方格、客观的简约、扁平的人、玩具书籍、长腿的幻想。

(1910—1919):网格、古典的男人体、表现主义的真实、催眠的迷宫、我责问、混乱的原则、隐喻的铅字、欢呼方形(用格子坐标纸写字母)、你是野兽(非人化的反面宣传画)、几何原则、条纹和角。

(1920—1929):圆形和三角形、铅字字母(字母按图画构图,逻辑的安排在一起)、红色叠印、应用圣象的概念、系统的排列(将各种差异很大的字体进行杂乱的排版,成为新的系统等级)。封面女郎和男子(沿袭海报风格,通过形象激发一个主题,或对杂志、艺术家的风格进行区别)、未来主义的幻想(通常借用机器人的形象,设置在摩天大楼的背景上)、手的表现(拳头、敬礼、抓取表现性动作激起人们愤怒、强权、渴望、绝望、效忠、抵制等情感)、封面艺术。

(1930—1939):扭曲夸张的肖像、邮票设计、对角线的应用、报纸上叠印大字标、日历设计英雄概念的头、新闻摄影、平涂色彩的海报。

(1940—1949):三维字母图案、唱片包装设计、带手套的手、拳头、现代的书籍设计、正负人形、象征化、文字编排中白色的妙用、扉页。

(1950—1959):螺帽与螺钉、杂志(扎切、外折页、插页、线装)、字体图画的视觉妙语和讽刺、字母O的变形、阐释性的绘图文字,抽象形状的视觉辨认、圆中圆、象征符号、制版时飞舞的文字、棱镜的色彩、情绪化的动作(赋予静止的物象以生命,产生明显的张力)。

(1960—1969):原始的尖叫、风格各异的字体、排列有内部障碍的字母形式,刺激视觉神经、标语、图画性的叙述、放射性的微粒、流动的图案、脸部、漫画板、超现实的摄影。

事实上,从以上70年的设计思潮中可以看出现代主义的特征主要表现是以绝对的次序组织造型元素来创作,其元素表现呈现以下特征:

1.形式是联合的、封闭的

2.是带有目的的。

3.是有意识的。

4.是有秩序的。

5.是对具体的艺术对象来完成作品。

6.是有距离感。

7.是有选择的。

8.是形而上学的。

9.具有确定性。

10.整齐、统一,纯粹的。

70年代后由于社会的发展,科学技术的革命,设计开始转向对多样化的个体存在的关注。社会生活和文化的多元化以及社会各阶层的人对市场的不同需求瓦解了现代主义的设计风格,从而兴起后现代设计思潮,后现代设计是对现代主义设计的再次反思和重新思考、设计家在对现代主义的造型元素和表现批判反思提出了一些新的批判观点和方法,如当代法国哲学家雅克?德里达(JacguesDerrida)他认为所有即定的界限,概念,范畴,制度都应该,他的批判方法是:“从某个理论当中抽出一个典型的例子,对它进行解剖、批判、分析、通过自我意识再确立对于事物真理的认识。”这种解构思想在西方设计界引起了很大的影响。从而也引发造型元素和表现的变革,比方说在后现代设计中运用了矛盾修饰法,讽刺和隐喻的手法来进行设计,多悬念、空白、错乱等游戏性表现语言进行了大胆的尝试等等。

造型元素和表现于是在后现代时期发生很大变化,造型世界的元素家族被无限扩大化,对造型元素的盘点,有助于理清思路。故将元素归纳为:(1)人,社会人(带有身份标志)、自然人;(2)物,人造物、自然物;(3)环境,人的活动空间与物的活动场所;(4)文字和图片,人的意识的视觉形态。(5)视频、听觉形态

从后现代的话语中以及再次阅读设计思潮演变的世界著名设计作品中可以归纳后现代设计的具像造型元素和表现主要有:

(1971—1979):导航图的简化、书籍设计、图形评注、选择封面专题来表现自身的特色,直接说明个性设计是怎样成为可能的;将物体变形为字母,或将字母转化为物体,以及创造隐喻的字母。象原始的尖叫一样喊叫或低语。书籍变成其他物体的容器或隐喻—其中包括人体后背,雪茄烟盒,门或窗。切分字母,然后重组他们,使其在交流中具有几分无个性特征、不正规的外形。拼贴和蒙太奇使设计师和艺术家可以创造出非真实的可视环境。

(1980—1989)三角形的构图,改变中心轴对称的变更。以青年人为题材,用于青年人文化交流的设计代码,这种代码包含着体现直接关怀(如政治、性)或捕捉时代风格的视觉观念。用符号和标记代替字母组成单词—还有形状的创意—和早期儿童字谜游戏一样。将动物的某些特征转化为人形即拟人化。含情脉脉的眼睛。突破书页限制,向外扩展、将一些简单的单词大写,每一个单独成立;动态叠印(印在图象上的文字和印在图下方的解说词类似。)物体摄影(可以是拼贴画、剪辑、人物、图象方式静物和单词,字母的组合。)

(1990—现在)剪辑与碎片、作为隐喻的块状文本:宽的和窄的纵列文本,歪曲和糟蹋、设计字母、重复的空中书写、视觉化的音乐、个性化的鸡爪字、加入新奇成分的书籍设计、新媒体的高度互动性。

从后来的这些造型元素和方法我们可以看出后现代时期的造型元素和表现同样反对元叙述,如艺术风格上反对阐释,主张挪用:“把大众的‘文本’错误地放置到一个不宜的‘环境’里去,达到‘情景错置’。”造型元素概念进一步扩大化。在科技的进步发展的大潮流中,现代主义的“联合、封闭、整齐、统一”的特征,已不能适应人们的需要。后现代设计成为新宠,它是对现代主义法则的的超越,继承和发展设计元素和方法,基于笔者的观点,可以大致总结造型元素的方法有以下:

(1)解构:对即定的概念、范畴等的批判和发展

(2)错乱:将传统的元素肢解打散、组合。

(3)残缺:故意将元素破损,强调不完整状态。

(4)变异:将几个不同的后不相干的元素排列在一起。

(5)失重:将元素倾倒、扭曲、弯转等。

(6)标新立异:打破常规的元素布置方法,视反常为正常。

(7)挪用,把元素置入新的语境;

(8)反讽、搞笑:对事态而非物态的挪用;

(9)元素变形:对物象进行变形处理

(10)原形分解:将原来的元素进行解体和打散

(11)释义附加,用语言进行的挪用

(12)多义化、(13)歧义化、

(14)变态化、(14)情景化、

现代艺术设计论文篇6

关键词:现代艺术;广告设计文化;视觉现代性

国内设计史家王受之先生在《世界现代面设计史1800-1998》中把现代主义艺术对现代平面设计从观念价值、意识形态到设计艺术语言的影响置入一个决定性的地位,并把这些影响精确地归结为:“立体主义的形式、未来主义的思想观念、达达主义的版面编排、超现实主义对于版面和插图的影响.

它们或是在意识形态上提供了现代平面设计的营养,或是在形式上提供了改革的借鉴,对现代平面设计总体来说具有相当重要的促进。”[1]142的确,现代主义绘画带来了艺术观念和艺术语汇的现代转折,从而深深地影响了平面视觉形态的变化,然而在他的论述中似乎忽视了另一股以俄国构成主义和荷兰风格派为主的更为前卫的现代艺术精神的力量,正是他们对艺术形式的更为持久和深入探寻,成为塑造现代主义艺术设计语言特征的重要力量之一,并最终促成了现代平面设计现代性内涵的定型,以广告设计为代表的平面设计也在这个转折中走向具有现代性质的审美风尚和视觉形态。本文正是以此为基点展开论述.

一、构成主义的视觉语言创新

俄国构成主义设计运动在艺术上也称为“至上主义”,是一场具有前卫精神的艺术运动和设计运动。它们在起源上具有相似性,至上主义和构成主义有一个共同的艺术理念,这个理念阐述重点落实在了对艺术形式的革命性认识:视觉艺术的某一要素,如线条、色彩、形式都具有其自身的表现力,从而独立于世界表象的任何关系之外,这无疑突破了西方绘画自文艺复兴以来的传统理念———形式因素只能是再现性绘画造型的基本手段。马列维奇(K.Malevich)、加伯(Gabo)、利西斯基(E.Lissitzky)、克利(Klee)等人,他们把最新奇的抽象艺术带入构成主义体系中来。二十世纪初的现代艺术,尤其是立体主义和构成主义雕塑的几何造型和构成形式,对二维艺术设计和建筑空间设计有很大参考价值。构成主义对平面设计语言的贡献主要在于:平面视觉图形进一步向更加简单化和立体化的方向转化.

(立体主义的理性化、绝对化和逻辑化)虽然,构成主义艺术大师们的视觉探索往往来自于艺术表现的基本动机和具有独特的意识形态内涵,但是,构成主义的平面结构的理性处理、次序感最终奠定了现代版面设计系统的基本模式.

构成主义(Constructivism)认为平面视觉元素具有明确的意识形态内涵,设计是为无产阶级和政治服务的。构成主义认为应该抛弃表现主义的方式而转向理性主义。在视觉形式上它是未来主义与立体主义的一种综合,但是在意识形态内涵上却是艺术家和设计师为新兴的苏维埃政权寻找视觉风格的积.

和设计哲学说明了现代主义设计的复杂性质,而至上主义在后来的发展中精神内容和意识形态立场和构成主义出现了分歧,它并不具有明确的意识形态内涵,主张形式语言探索的第一价值。其构成主义的代表人物马列维奇(K.Malevich)崇尚至上主义的艺术观。他否认艺术上的实用主义的功能性和绘画的再现性,主张探索绝对的至上的形式构成,甚至把艺术经验凝结为单纯的色彩要素的感觉效果。因此马列维奇的至上主义艺术创作往往表现出立体主义的结构、简单的几何形式以及鲜明的色彩对比,形式探索和组合成为艺术创作的唯一核心。这种视觉哲学直接催生出日后国际主义平面设计重视图形的视觉风格。同时与之理念相同的抽象表现主义大师康定斯基(WassilyKandinsky)也进行了大规模的现代形式语言的探索,但是这种纯粹视觉形式的探索虽然没有社会政治的意识形态背景,取而代之的是更加耐人寻味和不可理解的神秘主义精神动机。康定斯基的形式探索在现代主义设计教育中心———包豪斯的基础课程中发扬光大,影响所及几乎遍布每一个深受包豪斯熏染的现代主义风格设计师的造型语言和视觉形态之中.

构成主义的形式语言探索有鲜明的艺术主张和理论基础,1922年亚历克赛•甘(AlekseiGan)在《构成主义宣言》中不仅阐述了构成主义明确的意识形态追求,更为重要的是还提出了构成主义视觉语言创造的三个基本原则:技术、肌理和构成。技术是社会功能和实用价值,肌理是对现代材料的了解,构成就是视觉元素的组织规律。这三个原则深深地渗透在了这个设计家群体几乎所有的设计类型之中。利西斯基(E.Lissitzky)是构成主义的集大成者,被视为现代主义平面设计风格的创始人,他的贡献主要在于对现代版面的理性基础的探索和广泛采用摄影拼贴。利西斯基安排视觉元素的出发点是结构,清晰的结构本来源于建筑设计现代视觉形态和技术要求的基本标准。然而,在利西斯基之后结构的展示成为平面视觉形态的基本面貌。在构成主义另一位重要人物罗钦科(AlexanderRodchenko)的平面视觉形态创造中仍然是将平面元素组织为清晰的结构,只是字体更为粗壮,图形更为几何化,线条更为抽象,对比和视觉规律、视觉流程一目了然.

二、荷兰风格派运动的理性视觉编排

荷兰风格派运动是立基于立体主义的理性化视。(Mondrian)、杜斯伯格(Doesburg)等风格派画家的绘画探索创造出纯粹抽象、高度简单的几何组合。这是一种新的观察世界的视觉方式使然。这种视觉哲学认为,世界是由纵横两种基本结构组成,红、黄、蓝是构成世界的三种基本色彩;所谓艺术真实在于从有机的运动过程中寻找理性的平衡,这也是视觉艺术的灵魂与核心追求。这种艺术观进而影响到对平面版面编排风格,出现视觉元素的高度抽象和理性化编排模式,强调纵横编排的理性逻辑次序和简单的色彩计划。这种视觉哲学还认为:立体主义还存在巨大的发展空间而延伸为真正的视觉艺术,即通过有机运动、在对抗中而达到高度的平衡与和谐。这个对抗于平衡的中介点对人类来说意义非凡,也是所有视觉形态的意义和价值所在。1925年包豪斯平面设计大师拉兹罗•莫霍伊—纳吉(LaszloMoholy-Nagy)与风格派大师西奥•凡•杜斯伯格(TheoVanDoesburg)合作出版《新格式塔的基本观念》就是这种新的视觉方式和设计理念的理论集成。荷兰风格派是视觉语言现代性表述和现代转折的界碑和中坚力量,从绘画而至现代设计的所有领域都受到构成主义视觉哲学的影响和渗透:绘画、雕塑、建筑、家具、工业产品的设计无所不包。它们的视觉形态完全摆脱装饰动机,被抽象出丰富的几何单体元素,这些元素的组合、视觉流程和结构清晰,在色彩计划上原色和中间色广泛应用。这些视觉理念没有被封存在形而上学的乌托邦之中,尤其在广告设计领域广泛传播、发扬光大。这种影响在西方视觉语言创造中已经成为一种千丝万缕的文化基因至今挥之不去,共同塑造着当代视觉环境和视觉形态的文化表述.

三、传播与意义:广告设计文化功能的显现

现代艺术设计论文篇7

1.1墙体

传统的墙体结构多为石墙或者砖墙,虽然外形古朴,但是已经不符合现代社会的审美观点,而以蘑菇石为材料的贴面墙受到人们的喜爱,成为墙体设计的主流趋势。同时,随着墙体材料的改观,墙体的种类也丰富起来。例如挡土墙、隔音墙和浮雕墙等,尤其是现代化的玻璃墙更是在墙体设计中比比皆是,其坚硬的质地和良好的透明度使得墙体不仅满足了分割空间和防卫功能,而且艺术性更强,可以给身处其中者更多的艺术感受。

1.2小品

硬质景观设计中小品的种类繁多,例如雕塑、花架、坐凳和健身器材等,这些小品设计可以在硬质景观设计中起到很好的点缀作用。以坐凳的设计为例,设计师在布置坐凳时既需要前面有宽敞的视野,又要坐凳空间周围的景色怡人。同时,设计师还需要从安全防护性的角度考虑,注意为坐凳设计提供辅助设施,例如花池、台阶和矮墙等。这样既可以为园林参观者提供良好的休息条件,又可以满足其精神享受和安全性方面的心理需求。

1.3景观构筑

现代园林的景观构筑主要为灯柱、检查井、雨水井和垃圾桶等必要的景观设施。在传统的景观构筑设计中,其艺术性常被设计师所忽视,从而影响了现代园林建筑设计的整体美观效果。随着设计经验的积累和思想意识的提高,景观构筑在现代园林景观设计中的重要性也逐渐引起设计师的重视。例如,在设计检查井盖时,设计是可以对井盖颜色进行合理地设计与搭配,以丰富多彩的图案进行修饰,这样既可以将井与周围的环境设计融为一体,又可以起到独特的视觉效果,使园林景观设计令人耳目一新。

2现代园林软质景观艺术设计

2.1园林植物

植物造景是现代园林景观设计中最为重要的部分。设计师将草本植物、藤木、灌木和乔木等合理搭配,充分发挥植物在色彩、线条和形体结构等方面的自然美,从而形成和谐美观的画面,给参观者以美的享受。为了保证植物造景达到预期的效果,设计师需要对植物的生长速度、种植区域地质、小范围的气候和受季节变化的影响等多种因素等综合考虑,使植物造景的形状、色彩、数量和成活率等符合园林景观设计的要求。同时,设计师还需要在保证植物成活率的基础上,结合植物造景的艺术原理,形成疏密结合、层次分明和群落结构丰富的植物景观。

2.2水体

水体分为喷泉、溪涧与瀑布等形式的动水和湖与潭等形式的静水,其为园林景观充满了活力与生机。因此,设计师在水体设计中需要充分发挥水体特点,使现代园林景观动静结合,构成活泼生动的画卷。以喷泉设计为例,设计师可以将其设计为音乐喷泉,并辅以光影配合,增加喷泉的变换效果,从而让观者得到全方位的艺术享受。同时,设计师需要尽可能地借助自然水体,不露人工雕琢痕迹地将其嵌入园林景观中,这样既可以使观者仿佛身在大自然之中,又可以体现出设计者的匠心独运。

3结语

现代艺术设计论文篇8

1.装饰艺术概述

装饰一词泛指艺术修饰,在西方,装饰一词起源于17世纪中期,而在中国,这个词的出现更为久远,早在5世纪到6世纪,对于依附于某一主体的绘画或雕塑工艺,统称为装饰。这一艺术形式不仅仅包含追求形式美感的装饰艺术,也包括了抽象性和象征性的因素。这是比较广义的概念划分,对于装饰一词的狭义定义是指一件事物按照形式美的规律来对艺术对象进行抽象、变形或者加工整理,从而使其产生形式美的一种艺术风格,其中,这些艺术加工运用到了平衡、秩序、韵律、节奏、统一等的形式法则。

2.服装设计概述

服装设计是一门综合性很强的学科,它涉及到了美学、心理学、材料学、市场学、工程学、文化学以及色彩学等。服装设计是一项系统的过程,从对设计对象的构思到实际图像的绘制,再到效果图的完成,最后到服装的剪裁、缝纫等一系列的流程,都是服装设计里面的范畴。其中最重要的是,服装设计不等同于普通衣物的制作,它在实用性的基础上要求个性化,要求设计者设计出集实用、美观与个性化于一体的服装。

3.装饰艺术与服装设计的关系

装饰艺术在某种程度上依附于服装设计,因为它要依靠服装这个载体来展现自己的美感,如新时期时期彩陶器上面的装饰都是经过夸张变形之后的图形,这些装饰艺术为彩陶器增添了艺术美,在服饰的装饰上亦是如此,特别是发展到现代,装饰艺术与服饰设计更加密不可分,服饰脱离不了艺术装饰。

二、装饰艺术对服装设计的影响

1.装饰艺术对服装设计观念的影响

艺术家在创造作品时,先是从日常生活中选取素材进行加工制作,最后完成艺术或文学形象的创造,在这个过程中所动用的思维活动则是形象思维的活动过程,在人类历史千百年的流变中,服装设计的灵感来源丰富多样,有生物学的因素,也有传统民族文化和社会文化的缩影,因此,装饰艺术对现代服饰设计的思想观念产生了巨大的影响,其中包括一些夸张的造型、艳丽的色彩、环保理念等现代思维方式。

2.装饰艺术对服装设计实践的影响

现代服装设计师在灵感的来源上不再局限于自然事物和传统抽象思维,在实践过程中,更多的是运用装饰艺术中的灵感,比如中国的龙图腾、摩洛哥的靠垫、巴布亚的屏风,这些意象直接成为现代服装设计师的取材来源,这种直接现实性也是现代服装设计的一大特点,但是究其根本,还是因为装饰艺术的发展充分成熟,灵感的来源能够直接作用到服装设计中,在当下大热的豹纹图案、复古军用鞋上面,设计师们在用装饰艺术潜移默化地影响着我们的日常生活。

三、装饰艺术在服装设计中的实际应用

1.装饰艺术色彩在服装设计中的应用

色彩对人的感官影响直接而鲜明,因此在服装设计中对色彩的运用于把握是一项重大的课题。色彩具有自然与社会双重属性,其自然属性比较固定,因为基于人类的生理属性,在对颜色的反馈上具有一致性和稳定性,但是其社会属性则会随着历史文化的变迁而被赋予不同的内涵,甚至在不同的地域间,其意义也不尽相同。这就造成了色彩在装饰艺术运用上的丰富性,特别是在服装设计上,色彩的运用影响到了服饰的视觉效果、心理效果和文化特征。

2.装饰艺术材料在服装设计中的应用

随着人类文明的进步,服饰的材料选择上面也在不断出现新变化。从最初的动物皮毛、树叶草皮等就地取材的原料选择,到如今的棉、麻、丝绸、雪纺、牛仔、呢绒、皮革等等材料,这极大地丰富了服装设计的选择性,而装饰艺术上的材料也发展为金属、石器、木材、贝壳、绳索等,这些材料因为自身天然属性的特征,在装饰艺术中呈现出诸如透明、粗糙、莹润、奢华、细腻等视觉效果,通过装饰艺术对现代服装设计的思维进行重组,创造出富有个性和时代感的作品。

3.装饰艺术图案在服装设计中的应用

广义图案是指某种器物的造型样式、结构色彩,而在服装设计中,图案则专指设计艺术中的装饰纹样,它包括了几何图形、人像、花卉、动物、风景以及其他抽象的图形,这些图案以或规律或杂乱的形式布局在衣物上,造成强大的视觉冲击力和特殊的艺术魅力。得益于现代科学技术的发展,现代服装设计中对于图案的应用技巧更为灵活方便,由此衍生出多种多样的服装图案,为现代服饰文化增加了丰富性。

四、结语

现代艺术设计论文篇9

从商周时期的记载中可以看出,当时的荷包、香囊之类的产品中已经开始出现贴、绣等工艺手法,可以称之为贴布的雏形。东汉时期,随着佛教的传入,袈裟这种又称百衲衣、福田衣的衣服形式逐渐为人们所熟知。唐朝时期佛教繁荣,布艺形式也得到了进一步的发展,在佛教蒲墩垫、经幢中可以看到贴绢、堆绫的独特工艺手法。贴绢是将面料平贴形成图案,而堆绫则是将面料层层叠叠堆成立体的图形,这是民间贴布早期的形制。明代妇女中流行的水田衣就是吸收了百衲衣的特征,以各种零碎布头拼接缝制而成,因其纵横交错,大小不等,犹如水田而得名。明清时期,贴布的工艺手法达到鼎盛,明官服上面的“补子”,被认为是民间贴布艺术较早的完整形态。从中国民间贴布艺术的发展历史来看,贴布艺术随着佛教的传播而流行开来,到了明清时期达到顶峰。随着时代的变迁和审美的不断发展,贴布艺术有着不同的艺术形式和表现手法。在现代,贴布成为面料二次设计中最常用的艺术设计手法之一,以其丰富的面料视觉效果、多变的设计手法和丰满的立体造型形态,正逐渐成为家用纺织品造型设计的新方法和新趋势。而在西方国家,贴布起源于17世纪20年代的美国,来自欧洲各国的移民在丢弃的旧衣服中寻找可以使用的部分,并将之拼缝在一起,做成棉被或者抵御寒风的壁挂来使用,这种工艺手法在当时很流行。虽然工业革命的兴起曾经使这种工艺手法一度衰退,但是威廉莫里斯的“艺术与工艺”运动又使这个古老的手工艺术重新焕发了生机。直到今天,贴布在西方国家,依旧是以艺术品的身份而存在。

2贴布艺术的艺术语言及表达手法

从结绳记事到纤维材料织成的织物成为人们的第二层肌肤,纤维材料与人们不断接近,成为了一种表达艺术美感的语言,也是表达设计者设计构思的最直接的基础物质。贴布艺术可以说是对材料美的发现和运用的过程,棉布的柔软轻松,朴实无华又平易近人;麻布的古朴粗犷又自然醇厚;丝绸的细腻光泽及毛料的丰满奢华等,这些面料的特性在贴布艺术中都能够得到最好的发挥。贴布艺术与绘画的不同之处,就在于贴布设计师需要读懂各种材料的语言,能够恰到好处地组合运用各种面料,通过改变面料的外部特征并赋予面料新的面貌和性格,从而达到丰富视觉效果的目的。另外,不同贴布手法的运用,也能将贴布的魅力发挥到极致。

2.1平贴手法

平贴是比较简单且视觉效果比较平面的装饰手法。即按照设计好的图案,在选好的面料上剪下相应的样子,然后在底布上拼贴缝合即可。这种手法主要强调塑造块面,强调块面的颜色或轮廓,少用或不用填充物,适宜塑造一些复杂又色彩多变的图形。一般采用的是现成的色布,但为了达到更好的装饰效果,可以将选好的面料染色后进行贴缝。将本色的坯布漂洗之后,放在调好的颜料水中煮开,加入适量食盐,等其上色之后晾干。然后对干好的布进行上浆处理,再次晾干后即可使用。这种方法可以丰富色彩的选择范围,制作出更有个性的作品。

2.2浮雕手法

在贴布的发展历史中,绗缝、拼缝、暗缝、补花等手法被频繁运用。绗缝由于其能够运用特定的线迹将底布、填充物及面料表布缝合在一起,起到结实、耐用、均衡、保暖的效果而备受贴布设计师青睐。绗缝工艺特有的装饰线迹与面料凹凸起伏的肌理效果,更是浮雕手法中不可缺少的工艺之一。另外,不加填充物,将面料按预想的图案剪下,用暗缝手法缝在底布上,然后在图案上手缝线迹,也能实现图案的浮雕效果。在制作具有浮雕效果的贴布作品时,材料的肌理感及制作技巧产生的自然连续的形式都能够改变人们对面料的最初感受,使人们体会到或粗糙或细腻、或轻柔或坚硬的肌理质感。

2.3综合技法

随着科技的发展,新型面料层出不穷,了解面料间的内在规律,掌握面料的特性,运用各种不同工艺手法,艺术地展现贴布作品显得尤为重要。镀金、喷漆、拓印、压皱、打摺、缠绕、系扎等工艺手法越来越多的运用到贴布艺术的创作中,纽扣、珠片、花边等辅料也成为了贴布作品的点睛之笔。多种工艺手法与多种面料的搭配使用,能够极大地增强贴布作品的视觉效果,满足人们不同的审美需求。

3贴布手法在家纺产品中的运用

随着社会经济的不断发展,人们审美水平的不断提高,人们对家纺产品的要求已经不仅仅局限于它的实用性及美观性,而是对产品个性、配套性、文化内涵及功能性的要求越来越高。传统的贴布工艺融入到现代家纺产品设计之中,既能丰富家纺设计的元素,又能实现传统艺术与现代工艺的完美结合,使贴布艺术能够得到更好地发展和延伸。另外,新材料及多种工艺手法的混合使用,使贴布这项传统的艺术形式散发着时尚的美感。但是由于家纺产品必须兼顾审美性与实用性,贴布工艺在家纺产品中多以田园、卡通等风格出现。

3.1田园风格

运用中间色调的自然色系,营造出“采菊东篱下,悠然见南山”的田园风光,将自然界中的花、鸟、虫、鱼、人、树、屋等元素,经过简洁概括的图案处理之后,展现人与自然和谐相处的温馨画面,多出现在靠垫等客厅家纺用品上。作品《心花一瓣》中,以贴布手法为主,并结合手绣、拼布、打摺等工艺手法,选用自然色系的棉麻面料,并对自然界中的花、鸟、景物等进行简洁化处理,营造出清新浪漫、温情脉脉的现代田园风格的家纺作品。其中,靠垫1中的树枝、房屋、小鸟都是根据图案在纸样上裁剪好,在面料上面放缝、熨烫之后,在里面铺上填充物,接着用暗缝的手法缝到面料上。为了避免块面面积的单调,特意在房顶和房屋上手缝几条缝线来打破块面的单调感,增加房屋的肌理感。纽扣的使用可以增加作品的层次感和触感,树枝和花朵采用虚实结合的刺绣手法,增加了画面的视觉效果。在靠垫2、地垫、靠垫3中,分别使用了立体花及抽褶花的工艺手法。在靠垫2和地垫中,先将面料裁剪为长条状,再用手缝,缝完后抽起来,重复的几条重叠起来就形成一朵立体花。靠垫3中的立体花则是先把每两个裁片背面相对缝起来,留出缝口,然后再翻到正面,塞好棉,将缝口进行暗缝,6瓣花朵都塞完棉之后需要把6片组合起来成为一朵花,再将花朵固定到靠垫的面料上。整套作品中,平面及立体相结合,一种工艺手法为主,多种手法补充。

3.2卡通风格

由于贴布手法采用的面料块面比较大,立体感比较强,能够营造丰富的视觉效果,工艺手法比较安全,常用在儿童家纺产品的装饰之中。鲜艳的色彩,不同尺寸块面的对比,不同辅助装饰品的使用,营造出一幅活泼快乐的画面。多用于儿童床品的局部,或者儿童房的装饰靠垫及壁挂装饰上。

3.3混合风格

多种手法与多种风格混合使用,营造或唯美或奔放、或清新或厚重的艺术氛围,常见于装饰壁挂。

4结语

现代艺术设计论文篇10

[关键词]艺术设计学;理论性;实践性;发展性

[中图分类号] J02[文献标志码]A

[文章编号]1009-3729(2009)02-0036-04

艺术设计学是不是一门自成体系的独立学科?如果是,那是一门什么样的学问?对于这个问题,自1970年代末以来,我国广大的艺术设计教育工作者和设计师从工作实践和研究需要出发,不断探讨。1998年,国务院学位委员会决定在高校工艺美术各专业的研究生教育中增设“设计艺术学”,本科用“艺术设计”取代“工艺美术”。二级学科名称的变化,反映了现实的需要和未来发展的方向,标志着艺术设计学科的发展进入了一个新时期。然而,对“艺术设计”这一学科性质的界定却众说纷纭,这直接影响到艺术设计学课程改革的方向和艺术设计学学科理论的创新与发展。

笔者认为,艺术设计学是一门具有复合结构的多层次、综合性学科,它始终处于不断发展、更新中。艺术设计学具有历史性、前瞻性和未来性,随着社会科技文化的发展而演进,随着教育实践的前进而不断革新。艺术设计学的核心层面有三个:理论的层面、实践的层面和发展的层面。因此,“艺术设计学”包括“理论的艺术设计学”“实践的艺术设计学”“发展的艺术设计学”,三者统一构成艺术设计学的整体。

一、艺术设计学的理论性

艺术设计学是人文科学的重要内容之一。艺术设计是实践性较强的活动,其行为一经产生,对它的研究和理性思考实际上也就开始了。这些已经产生和将持续不断产生的理论,无非是对所观察到的现象进行归纳、总结,然后提出一整套逻辑体系,并用这套体系来阐释和说明这些现象。张道一教授曾将艺术理论分为三个层次:技法性理论(技法的归纳和系统化)、创造性理论(创造方法的总结和提炼)、原理性理论(共性和规律的总结和提炼)。这三个层次逐渐升高递进,技法性理论有待于升华为创造性理论和原理性理论。尹定邦教授认为:设计学不止于研究性质理论,还要研究规律理论和关系理论。设计的规律理论指设计的性质理论在时间、空间、环境、条件无始无终的运动变化之中所呈现的规律。首先是设计的诞生、成长、成熟和变异的生命周期描述理论,其次是不同设计之间的平行、交织、矛盾、斗争、推陈出新和继承借鉴理论,再次是设计与科学、技术、艺术、经济、管理的相互制约和相互促进作用的理论。关系理论首先是设计与人的关系,主要有生理关系、心理关系、行为关系、经济关系等;其次是设计与人的集团的关系,主要有交换关系、占用关系、服从关系、服务关系、竞争关系等;再者是设计与实施的关系,生产实施、运输实施、储运实施、传播实施、销售实施等。这些方面是设计批评的用武之地,不但可进行评判性批评,还可以进行创造性批评;不但可进行经验性批评,还可以进行理论性批评。进而,对关系批评的理论化和系统化,又形成了设计关系学,如人机工程学、消费心理学、接受美学、设计营销学、设计工艺学、设计工程学、设计文化学等分支科目。

艺术设计学的主题内容是艺术设计本体,但对其定义和学科属性的阐述一直以来都不确切,国际上“Design”的含义也时时在发展,莫衷一是,但至少有一点是一致的,即形式属性――兼用感性和理性去解决人造物与人之间的关系问题。什么是“设计”?广义指为完成某一项工作所做的计划和准备。在美术领域,“设计”指利用不同的材料、采用不同的构成方式,使预定的整体形象得以实现的行为,要求在追求对象完美造型实现的同时,也包括对于对象功能的实现。产品的设计首先指的是怎样处理准备制成成品的部件之间的相互关系,这种设计通常受到四种因素的限制:材料的性能;材料加工方法所起的作用;整体上各部件的紧密配合;整体形态对于观赏者、使用者或受影响者所产生的效果。对“设计”进一步阐释,应将广义的“设计”即人们为了实现一定的目的而进行的一般性的设想、筹划、安排、布置,与狭义的“设计”即人们从事某种特定的物质创造活动而进行的构思和规划区别开来;而狭义的“设计”,还应将工程技术的设计与艺术的设计区别开来。艺术的设计特别意味着在绘画、雕塑、建筑、工艺等活动中诸多视觉造型因素的配置,也更强调设计对象的功能性和先进科技手段的利用。艺术设计家的工作既是精神生产劳动,又是物质生产劳动;艺术设计作品既是强调功能的实用品,又是具有审美价值的艺术品。

艺术设计学研究对象的结构、形态因素、功能与形式的关系、艺术设计语言和信息传递系统,各种门类艺术设计不同的审美特征、它们的联系和相互作用等,形成艺术设计学疆界的不断扩展:艺术设计的思维与方法,艺术设计的心理学研究,艺术设计管理方法,艺术设计学研究对艺术设计的欣赏和批评,艺术设计评判的性质、作用和标准,艺术设计学的现状、发展和未来趋势,艺术设计的起源、发展、继承和革新,各民族地域艺术设计的相互影响等,共同形成艺术设计学的完整体系。

艺术设计学是一个成长中的学科,艺术设计学理论因为资历浅而尚未达到十分科学的程度,待探讨的领域还有很多,如艺术设计学与社会经济、政治、文化等因素的内在关系,设计实践所应遵循的可行性指导思想和艺术融合技术的规律,以及对未来社会发展趋势的可靠性预测与把握等。社会高度信息化促使艺术设计学同其他众多学科相互渗透,社会学、环境工程学、心理学、系统工程学、市场学、经济学、管理学、未来学等领域正在并将继续对艺术设计学产生影响,这就大大拓展了艺术设计学的研究领域及学术深度。艺术设计学应充分利用现代科技条件和多学科协作的优势,更好地满足人们在物质与精神上的需求,为人类社会提供更合理的生活方式及更和谐的生活环境。

二、艺术设计学的实践性

艺术设计是一种创造性实践活动,它表现为一种有目的的实施过程和操作过程。艺术设计学理论必须具有可操作性,否则就是空谈。因此,艺术设计学不能仅仅被当做一种意识形态来研究,艺术设计学所关注的终极目标不在于它的指导性原理,而在于艺术设计学应用过程的实现。一方面,理论来源于历史经验,用于指导实践;另一方面,艺术设计学在其发展过程中不断发生更新调整,如经历工业化时代、后工业时代及信息社会,艺术设计学所面临的问题各有区别,价值观及方法论引领着艺术设计学原则导向,甚至市场的需求关系也在左右着艺术设计学教育体系、办学方向及专业设置和课程定位。实践性构成了艺术设计学的另一个重要特性。

艺术设计教育对于引导和推进现代艺术设计的发展曾起到重要作用。在西方现代艺术设计教育领域中,一直存在着强调“艺术”和强调“技术”两种教学模式。20世纪前期德国包豪斯学院的一批设计家和艺术家及建筑师的教学思想和活动,形成了较为完整的现代艺术设计教育体系,将现代主义设计推进到了一个崭新的阶段,同时也确立了现代主义设计运动的历史地位。如果说包豪斯是现代艺术设计教育的艺术流派,那么乌尔姆则是现代艺术设计教育的技术流派。乌尔姆高等造型学校力图摆脱包豪斯传统的艺术和手工艺模式,更强调艺术设计与科学技术的联系,《乌尔姆》杂志1962年第6期发表文章宣称:“乌尔姆学校主张,艺术设计应当被看做一种社会活动和文化活动,但是反对把艺术设计理解为某种救世的政治活动;它主张应当适应竞争经济的要求,但是反对把艺术设计归结为商业的刺激剂;它承认艺术设计是工艺学过程的工具,但是反对把它理解为自在的科学目的和工艺学目的;它主张在艺术设计的某些领域存在着艺术,但是反对把艺术设计完全当成艺术的替代品;它主张可以把艺术设计评价为对重商社会的抗议,但也反对这样的信念:仅仅通过改变社会的消费品就可以改变这个社会。”乌尔姆要求适应工业自动化和技术专门化的时代要求,将最新的科技成就传授给学生,培养有能力从事技术复杂的产品设计的艺术设计人才。学校教学注重系统论的理念,开展跨学科合作,加强各类设计对象的联系。乌尔姆与德国布劳恩家用电器公司长期合作,将功能主义设计应用到工业生产中去,形成了理性设计风格的经典象征,在西方现代设计发展的历史上具有极为重要的意义。

英国皇家艺术学院也是一所对西方现代艺术设计产生重大影响的学校,它创建于1850年代,1899年,英国皇家艺术学院开设了工业艺术专业。近年来,学院设立了生产艺术设计系、交互艺术设计系、造型艺术系和人文科学系。生产艺术设计系是全校的核心,包括工业设计、工程设计、电脑艺术设计、交通工具艺术设计、艺术设计管理、建筑和室内装饰、家具设计、陶瓷玻璃、贵金属和珠宝首饰加工、织物和服装设计等专业。英国皇家艺术学院的艺术设计教学既不同于包豪斯学院,也不同于乌尔姆学校,而是较好地处理了艺术设计与艺术、艺术设计与技术的关系。英国皇家艺术学院的艺术设计教学表明:造型艺术是艺术设计不可替代的基础,高水平的艺术设计学校不可能脱离传统的造型基础训练;艺术设计又必须注重与技术的关系,重视艺术设计在市场营销活动中的时尚作用;艺术设计管理专业硕士学位的设立,使艺术设计的活动领域更加广阔,艺术设计在社会生活中发挥了更大的作用。

20世纪后期,西方艺术设计呈现出现代主义与后现代主义并存且相互渗透、相互促进的多元景象,流派纷呈、面貌各异,处在极度的商业需求和高科技迅速发展的双重挤压下,仍有不少国家的艺术设计依然努力保持独立的品格,南欧的优雅设计,北欧的质朴设计,东亚的精细设计,对于面临全球化语境的中国当代艺术设计都有着重要的借鉴和启示意义。

近年来在国内艺术设计教育领域,普遍存在并开展着关于艺术设计学实质性问题的探讨,并取得了许多共识:艺术设计教育是一种具有创造性的教育活动,具体到艺术设计学课程中的内容,表现为一系列带有应用方法原理和技术性质的课题:从宏观方面讲,有艺术设计学教育体系的建构方案;从中观方面讲,有对艺术设计学学科门类学术定位的思考;从微观方面讲,以艺术设计专业领域某一具体课程的教学改革为例,诸如如何建立数字化的艺术设计教育平台,掌握数字化设计语言的尝试等,与传统的接受式学习相对,有情景教学、现场观摩演示、虚拟现实场景体验、目标教学、合作教学等。这些内容都是在当代全球化状态下以创新的理念指导艺术设计教育活动的具体应用。通过它们,实践活动的具体实施和操作过程便生动地展现出来。因此,这种与时俱进的教学方式,不仅能帮助学生艺术地感知设计对象,也促使其科学地思考;艺术以其生动的表现形式陶冶学生的情操,科学以其严密的逻辑和知识丰富他们的才智。

三、艺术设计的发展性

艺术设计与社会的经济、政治和文化发展紧密相关,并且以其超前的判断力开拓和引领大众的生活方式。因此,艺术设计学科的时代性和未来性决定了它的结构是不断发展更新的。

首先是发展上的一体化。艺术设计是文化产业中创意产业的一部分,鉴于经济与文化之间的距离越来越小,相互关系越来越显示出融合、整合的趋势,艺术设计既要为经济建设服务,同时还要引导人们的消费观念,它采用现代工艺手法推进生产力结构的发展,引起社会结构的持续改善和提高。

其次是视野上的全球化。如今的世界是开放的,世界经济贸易逐渐一体化,文化互动更加密切,世界已成为一个共生的整体,无论是“西方中心论”还是“东方中心论”都是狭隘的。全球化为所有国家与民族提供了交流思想、展开对话、沟通观念、缩小分歧的平台,为不同文明和信仰之间的包容提供了良好契机。艺术设计作为一种物质文化载体,运用视觉语言传达信息,既要有共通的国际风格,也要保持地域特色个性,多元并存,丰富多彩,可跨越文化界限。

再次是旨归上的人本化。人是社会发展的主体,艺术设计的发展在于通过人的消费能力、审美能力、发展能力的提升,来促进人的全面发展,因而,艺术设计发展的根本在于人的发展。一方面,艺术设计要着眼于人,从人的需要的全面性来提高自身;另一方面,艺术设计需要以自身的努力来满足人的全面性,促进人的提高。从方法的角度来看,艺术设计要综合运用多维的方式、先进的技术、多元的手法,避免形式上的简单生硬、呆板粗暴,以调和科技与人性的冲突,召唤感情的力量,实现情理交融。

艺术设计学既是理论的,又是实践的,也是发展的;既是基础性的,又是应用性的,更是开拓性的。对艺术设计专业来说,脱离理论的实践,或脱离实践的理论都是难以成立的。艺术设计各专业的实用性特质,决定了其理论与实践互为依托、互相促进的关系。我们有理由确信,由理论的艺术设计学、实践的艺术设计学和发展的艺术设计学统一建构起来的革新的艺术设计学,是一门充满蓬勃生机的艺术设计学。

[参 考 文 献]

[1] 胡寅生.教育学是一门什么学问――一场持续不断的探究与争论[M].课程・教材・教法,2008(1):6.

[2] 凌继尧,徐恒醇.艺术设计学[M].上海:上海人民出版社,2006.

[3] 陈瑞林.中国现代艺术设计史[M].长沙:湖南科学技术出版社,2005.

[作者简介]姚民义(1968―),男,河南省许昌市人,郑州轻工业学院讲师,中央美术学院博士研究生,主要研究方向:设计艺术学。

[作者已有相关成果]

[1] 姚民义.先秦时期工艺设计思想与现代设计观念的照应[J].郑州轻工业学院学报:社会科学版,2008(2):10.

[2] 姚民义.家具设计“表”述[J].家具,2007(4):25.

[相关主题文献]

[1] 陶昌平.论艺术设计之性[J].攀枝花学院学报,2008(2):24.