绘画教学总结十篇

绘画教学总结篇1

关键词：初中美术；基础绘画；教学

作为一种艺术学科，美术绘画不单单对人们物质生活、精神生活带来积极效果，也能够给人们带来一定的实用价值。初中美术基础绘画内容有速写、色彩、素描这三个方面，要求对学生的创造能力、审美能力、绘画技能进行提升。下面先讲一讲促进初中美术基础绘画教学的示范教学法。

一、美术老师的示范教学法

初中美术老师也许会有这样的感受：老师经过对学生的画理进行一番细致讲解后，学生们只能一知半解，也不能够得心应手地去实际运用。只借助于语言来描述初中美术画理，具有一些抽象性，学生们也不容易理解，做不到融会贯通，即使听懂了，也不能掌握好“度”，对此，初中美术老师需要加强示范教学方法，让学生们能够进行直观感性地认识，使学生能够准确地获取知识。学生看书不如老师的讲解，老师的讲解不如老师的示范作画。初中美术基础绘画教学过程中，美术老师需要坚持示范教学方法不动摇，尽量多地借助于示范操作，使学生们掌握基础绘画技巧，把握好“度”的问题。例如在讲解水粉画里“湿画法”、“干画法”时，老师讲解的用水、用笔、用色这几个方面都可以一边讲解，一边示范，在难点、重点部分让学生们注意，使学生观察好自己的示范动作，这样一来，学生既有感性认识，也有理性认识，自热而然地提高了自己的基础绘画水平。

二、把握好写生和临摹，让学生掌握好学习方法

让学生勤加练习写生和临摹，能够很好地促进学生的美术基础绘画水平。临摹的过程需要把握好绘画技巧的学习，是吸收他人绘画技巧的重要方法；写生借助于绘画语言来表达自己对审美客体的内在感受，逐步练习中养成习惯，成为自己独特的艺术特色。初中美术老师，要结合好写生练习和临摹练习，进行整体的训练，使学生有个美术基础绘画的好基础。通过临摹使学生学习到的经验用在写生方面，让学生消化、理解自己所学知识，注重美术基础绘画基本功的学习，给学生以后发展做出有力的保障。对于美术绘画方法，可以从整体上观察事物，不能只重视局部，避免出现“只见树木不见人”的情况。然后美术老师还要把短期作业同长期作业相互结合起来，布置给学生长期作业的同时，也布置给学生一个短期的作业，让短期作业辅助长期作业，借此慢慢提高学生美术基础绘画技巧。在学生基本完工美术绘画作品时，美术老师要进行调整修改工作。让学生认真分析自己即将完工的美术绘画作品，反复研究、比较，对整体的感觉、画面效果进行品评、检查，查看绘画作品里的空间关系恰当与否，然后及时对欠妥当的地方进行调整修改。

三、对学生进行分层教学、因材施教

初中美术基础教学，还要注重激发出学生对美术绘画的学习兴趣，提高学生的积极性。为此可以从以下两个方面入手。一是美术老师要创造出良好的学习氛围，兴趣是学生最好的老师，也是学生进步的强大动力。初中的学生，耐性不够高、活泼好动，美术基础绘画教学需要学生不断地描画、观察、修改，有时会使学生产生一些厌烦的情绪，作画时也三心二意。这就需要美术老师营造出一种积极向上的学习氛围。例如，美术老师可以在学生注意力涣散时讲解国内外著名画家的故事，还可以带领学生走出教室，到校园外对校内建筑、树木花草进行写生，这样一来学生的美术基础绘画兴趣就会大大提高，学生就会精神饱满地进行美术绘画学习。二是美术老师要了解学生，分层教学，因材施教。走入学生中间，深入了解学生情况，对不同学生具备的不同美术素质潜能进行侧重点不同的开发教学，对学生可以设定出不同的美术教学目标，让学生都能够找到属于自己的发展空间，有效掌握好基本的美术绘画技巧，给学生以后的艺术发展打下良好的基础。

四、教师做好评价总结

绘画教学总结篇2

教材分析：

印象主义绘画是世纪年代在法国出现的艺术流派。在西方近现代科学的启发下，他们对绘画的光线、色彩的表现进行了独到的探索，并为西方现代主义绘画的发生创造了条件。

本课向学生介绍了印象主义绘画的许多作品，其中包括印象派，新印象派和后印象派的画。从欣赏中，使学生知道印象主义绘画探索的艺术原则和表现形式的独特风格，以及印象主义绘画尤其是后印象主义绘画在主观与客观艺术与自然的关系的革新及重大意义。

本课要讲清楚各个派系的画家、作品的名称、观念和形态的共同点和差异是什么？并重点分析画面色与光的千变万化的科学依据是什么？使学生听后感到多而不繁，杂而不乱，达到教学目的。

教学目标：

了解印象主义绘画的艺术观念，及表现自然界瞬息万变的光色效果的艺术风格。

提高对西方绘画作品的欣赏能力。

感受印象主义绘画的形式美感。

教学重点：

认识并了解西方印象主义绘画的艺术观念与风格。

感受印象主义绘画色彩变化的形式美感。

教学难点：

对西方印象主义绘画的艺术观念的理解。

教学方法：

欣赏法、讨论法、讲解法。

学习方法：

上网查资料法、总结法。

教学手段：

为了更好的完成教学目标，采用现代教学媒体??网络查找资料，实施创设情景，激发学习兴趣；主动探索，强化独立思考意识；点拨导思，激发学生自学能力。

教学过程：

一、导入

继浪漫主义以后，在世纪年代，法国又出现了一个新的艺术流派，就是印象主义绘画。印象主义的画家们走出画室，直接面对自然进行绘画，他们热中于表现自然界瞬息万变的光色变化和对自然的直接感受。他们不象古典主义，浪漫主义和现实主义画家那样强调画面的故事情节和主题思想，而是受光学理论的启发，把所描绘的客观物象作为绘画研究的实验媒体，探索和表现它们在自然光下所呈现的微妙色彩变化。使得画面在色彩上有一个崭新的面貌，为以后现代主义绘画奠定了基础，创造了条件。（实物投影欣赏不同画派的作品及网上查找有关印象主义绘画的资料，请学生分析他们之间的异同点，教师最后总结引出正题。）

二、讲授新课：

欣赏印象派画家莫奈和马奈的作品。

《日出·印象》是描绘日出时在晨雾笼罩中的港口景象。该画表现一种瞬间的视觉感受和活波生动的作画情绪，以往官方学院派艺术的那种呆板僵化的色调荡然无存，注重对光色效果的追求。

《酒吧侍女》色调明快而热烈。

以上两幅作品先请同学谈欣赏后对该作品的感受是什么？最后教师总结。

总结：印象主义绘画的艺术风格是活波、生动、明快、热烈、注意光色的变化。

、欣赏新印象主义画家修拉的作品《大碗岛的星期日下午》。

教师介绍该画的背景及艺术风格和特点：该画描绘的是巴黎附近一个小岛上风和日丽的下午，人们在悠闲散步，垂钓，游玩的场面。画家采用笔触明确，色彩鲜明的点彩画法，在绘画艺术上注意纯粹形式的分析和探索，画面显得呆板而缺乏生气。

小结：新印象主义，实际上是印象主义画派的一个分支，它流行于年以后的一段时间里。这一画派把印象主义绘画发展到了一个极端。他们主张绝对禁止在调色板上调和颜色，而只能以原色的小色点排列或交错在一起，让观众的眼睛自己去起调色作用，很像五彩缤纷的镶嵌画，有人称他们为“点彩派”。

、欣赏后印象主义画家塞尚，凡高，高更的作品。

《静物：苹果与橘子》

该画中的各种物体，尽管没有像古典静物画中强调的那种真实的质感，但其坚实，硬挺而内在的形体结构给人以独特的感受。色彩单纯、响亮而饱和，在对比中又使画面富有明快的节奏感和韵六律。塞尚的这种理性分析与主观表现，引发了人们绘画观念上的变革。塞尚被世纪的艺术家们称为“现代绘画之父”。

《向日葵》

这幅作品以包满而纯净的黄色调，展示了一个画家内心中似乎永远沸腾着的热情与活力，宣泄着画家对生命的尽情体验与永久的激动。凡高那种狂放不羁的风格对后来的野兽主义绘画产生了很大影响。

《塔希提妇女》

绘画教学总结篇3

初中美术课程是学生在未成年阶段，对形象表达的多维方式，而美术课程的开展是丰富学生想象力和实践能力的基础课堂。美术教学中应用科技绘画的方式，是为了提高学生的想象力，从而培养学生对未来科技发展的思维模式并应用到创新实践中。

科技绘画，即为科学幻想画。多数初中教师在这一观点上存在模糊的理解。之所以为科技，旨在以绘画形式表达学生对未来科技的畅想。科技绘画也并非胡思乱想，而是在一定的科学性之上进行想象。评价科技绘画的基础，也是从其畅想创意以及新颖程度上进行分析评价的。开发学生的创新实践能力，也是科技绘画的重要特征。科技绘画对于初中美术教学，具有很多实际教学价值。

首先，在初中美术教学中适当开展科技绘画的意义，在于引导学生接触科技前沿，从而对未来世界产生联想。其次，通过对未来科技的想象，以其绘画形式进行表达，培养学生对科技的想象力，开阔学生视野，提升学生学习科学知识的兴趣。本文重点在于明确科技绘画的教学方式，能在很大程度上培养学生的实践创新能力。通过运用绘画表达科学幻想，与实际生活相联系，鼓励学生大胆设计，构思描绘出对未来科学发展的画卷，从而在教学过程中培养学生的实践能力和创新精神。

二、引导学生在科技绘画中创新实践的思维模式

1.科技绘画引入初中美术教学的理论基础

美国教育心理学家霍华德·加德纳在“多元智能理论”中提出：“人的智力层面包括九种方式，其中包含了视觉与空间关系智力。”视觉与空间关系智力的阐述中，明确了人对色彩、空间位置、形状等元素具备表达和感受的能力，表现为个人对形状、线条、结构、空间和色彩关系的敏感，并且通过绘画将其表现在书面上的能力。将多元智能理论引申到现代初中美术教学中，就是通过视觉空间的绘画形式，引发学生对科技的表现形式。而对于科技绘画而言，本身就是对实践的探索，对创新的想象。那么基于这一理论基础，通过灵活、开放、不受约束的美术教学环境，促进学生想象空间的发展，便可以引发学生的创新意识，从而通过绘画过程培养学生的创新意识和实践能力。

2.科技绘画引入初中美术教学的实践方法

我国对科技绘画的教学方式引入实际教学中，尚未树立明确的教学方法以及经验总结。笔者通过多年初中美术教学的经验，总结出以下教学方式仅供参考。其在教学实践的尝试工作中应当明确，以培养学生个性化发展为前提，通过进行差异化的教学内容对比，从而找出绘画科技教学的方法与规律。

一方面，应当合理运用有效的绘画资源，包括：书籍、画册、网络、图书馆、展览馆等有效资源，开展素材内容的收集。然后通过网络资源查找相关资料，从而引导学生对未来进行合理的畅想，包括宇宙未知空间、生活居住环境、能源开发、环境保护、交通工具等，并应用到科技绘画的素材中，让学生在充分的想象空间中，描绘出对未来科技的主观想象，同时根据这一想象的画面配以相应说明。另一方面，利用社区资源开发绘画素材。例如通过某些地区的自然环境或者标志性建筑，引发学生不同的思考方向。也可以从农业角度引发学生的思考模式，或者通过参观科学展览和少年宫，丰富学生的思考内容。而一些科技杂志和视频资源也都可以成为学生描绘作品的素材。通过不同绘画作品的表达，建设学生对未来科技的联想，收集学生作品进行分析，整理成册作为主要研究方向。从以往的实践教学中总结出可以通过多方面引导的方式，提升学生想象空间。也能从培养学习兴趣的过程中，激发创新意识的形成。正面的评价，能有效促进学生实践能力的发展。

三、科技绘画教学内容培养学生创新实践的教学方式

1.培养学习兴趣，激发创新意识

新课标中明确指出：“通过培养学生的创新精神与实践能力，提升教学内容与科技发展、社会进步以及学生学习的内在联系。”这已经成为我国教育事业中首要突破的目标。科技绘画的教学，就是培养学生创新精神和实践能力的有效手段。那么在教学课程中，美术教师应当紧密结合新课标的重要制度思想，通过相应的教学经验规划出新的教学模式，应用于科技绘画的教学内容中。那么重点就在于培养学生的学习兴趣，从而激发出学生的创新意识。科技绘画的最大优势就在于，学生是通过自身的想象完成其绘画内容的。美术教师可以利用这一特点，让学生发挥想象，从而让学生在自由想象的环境中发挥其内在潜能。而这样没有约束的空间就是对学生兴趣培养的最好方式。

2.正面评价，提高学生实践能力

在科技绘画的教学过程中，教师必须重视正面评价的作用，它是促进学生实践能力发展的根本。要善于发现学生作品中的闪光点，也要勤于展示闪光点的内容，从而对学生进行正面评价和鼓励。对学生的作品进行表扬性的评价，就是在鼓励学生积极思考、勤于实践。不能因为对学生作品无法理解而导致负面的评价内容，也不能过于主观地评价限制了学生的思考空间。在这一过程中教师应当明确，想象是个人自由意志的体现，不能因为学生想象的内容而约束其发展。并非所有学生都能成为想象力的发挥者，而教师应当在这样的过程中进行正确的引导，从而让学生能根据教师的思路完成想象的拓展，以便于最终落实于绘画中，通过色彩、构图、形状等方式，将新颖的思维模式表达出来。进一步形成学生能自己掌握与发挥的绘画思维，以便于学生在这样的思维模式中完善自身的创新实践能力。

3.多方面引导，提升学生想象空间

在科技绘画的教学内容上，可以适当应用多方面的引导，为学创造更多的想象空间，从而通过科技绘画教学内容培养学生的实践创新能力。利用学生的课余时间可以适当开展科技实践活动，进行关于科技绘画的教学，例如科技绘画比赛、科技绘画联想工艺品展示、小玩具科技创新设计等。通过相关活动的组织与操作，必然能引发学生的联想，从而提升学生的想象空间。引导学生进行未來幻想的同时，也要注重联想生活科技的需求，为学生规划出合理的科学范围，从而在绘画中进行贴近实际生活的未来畅想。例如，组织学生在厨房中展开对未来的想象，如何加快厨房工作速度，如何清理厨房垃圾，如何提升厨房空间使用率，都可以引导学生进行想象模式的拓展。而在实际应用科技绘画的教学中，教师也可以引导学生进行关于现有教学内容的联想，包括对非美术教学的其他课程的联想，如化学、物理、数学、生物、体育、历史等。以物理为例，让学生想象未来实验室的模型，通过想象能实现诸如众多物理现象的实验过程。而这些教学内容本身就是与实践能力相结合的方式，必然能有效拓宽学生的想象空间，提升相关的创新实践能力。

参考文献：

[1]虞小新.领略艺术之美，提升创新能力：初中美术教学学生创新能力提升探析[J].美术教育研究，2015（16）：56-57.

[2]管红增.美在创造中：初中美术“设计·应用”领域教学中学生创新能力培养的实践探索[J].浙江教育科学，2012（3）：105-106.

[3]马丽莉，王文先.实施创新教育培养学生的科学幻想与创新能力[J].太原理工大学学报（社会科学版），2004（1）：86-88.

编辑任壮

绘画教学总结篇4

据这几年的跟踪调查，当代中国传统绘画教育的现状难以乐观，早在1985年,有人就在文章中曾经喊出了中国画已走到了“穷途末路”，持这种观点的人认为：“民族性、民族特色会阻碍艺术的现代化” 应该“另起炉灶”，应尽量从西方现代艺术中吸取绘画意识和形式方法，以便使中国画面向未来，走向世界，创造一种具有现代观念、当代意识的全新绘画形式。一些盲目追随者漠视了我们的传统绘画，曾经是中国人精神寄托的绘画形式日渐失去了欣赏群体，创作失去根基，也给艺术教学平添了许多盲目性，具体表现在：

（1）忽视绘画形式的多样化；

（2）否定传统教学模式；

（3）不能以现代的审美发展的眼光发掘传统绘画中的闪光点；

所以各大院校纷纷倾向于现在热门的设计专业，招收设计人才，像湖南这样的艺术大省，开设传统绘画专业的大学寥寥可数，湖南师范大学的美术教育专业有国画，也不是四年专修，这造成设计行业人才的过度饱和，而国画漆画版画木雕等传统手艺无人问津。

二、高职教育中的传统绘画教学

第一，愈是中国的愈能占有中国市场

当我们漫步在丽江街头、苏州园林、凤凰古城，古色古香的中国韵味能给我们带来心灵的舒畅，各种中国情结的纪念品铺天盖地，“物质文化遗产”“非物质文化遗产”成为新的宣传口号，往往一个遗留下来的传统能带动一个地区经济的巨大活力。中国书画市场也一再火爆，黄庭坚的一幅手卷拍卖过亿元。随着人们生活水品的提高，艺术品市场升温，盛世收藏，传统绘画市场也开辟了越来越多的就业机会，如职业画家、工艺美术师、鉴赏家、装裱师等等。

各个民族文化的特殊性，构成了世界文化的丰富性。作为中国传统文化的结晶，中国绘画与西方绘画有着不同的情趣和审美特征，她不仅摹形状物，以美感人，还寄托着清幽淡雅、超脱高逸的审美意趣，强调“注精以一之”，精、神具备；强调“气韵生动”，所以深得国人喜爱，外国人也趋之如鹜，传统绘画有着西方艺术不可替代的审美优势和广泛的群众基础。

高职院校以职业技术能力培养为重点，我们在人才的培养上不能盲从，而是要站得高望得远，紧跟时代步伐，根据社会需要，不断省视我们的人才培养计划，调整我们的培养计划。对于日渐升温有着广阔前景的中国画、版画、年画、漆画等中国人最喜闻乐见的艺术样式，我们要冷静分析，科学规划，依据我们现有的师资和条件进行合理布局。

第二，合理运用中国传统教学模式，建设科学的职业技能培训体系

现代职业教育应是科学的系统的合理的，如何使这些传统技艺焕发出新的活力，并形成一系列新的职业技能培训体系，构建艺术专业的传统教学框架呢？既针对传统绘画这一特殊的专业，又符合当代教育，且有效地为市场服务呢？

在历史上，中国绘画有着独特的教育方式――师傅带徒弟、手传身授式的教学方法。民间画工一般都是师徒关系，绘画口诀、绘画图式代代相传，合理地运用传统的中国教育模式重在理解中国画与西方绘画的不同之处，中国绘画重视程式，就要求遵循作画的秩序，多临摹优秀的中国画作品；强调师徒相传，就要求教师多做示范，条理清楚地剖析技法问题；强调画分十三科，就要采取分科教学的方法，不能求大求全。这种师徒式的教育方式与西方分班式的教学方式显然是有所区别的，五四新文化运动后，随着教育大众化观念的深入人心和西方教育体制的输入，中国传统的师徒相授的教育方式显得落伍和不合时宜，逐渐没落。现在中国画与西洋绘画的教学方式接轨，美术院校的中国画专业训练也是先学素描、色彩，导致创作效率太低。职业院校以训练学生手绘为主，必须提高效率，所以合理地运用传统的教育模式，采取导师制，一个导师带几个十几个学生，手把手传授，共同创作，可能是最好的捷径。总之，中国画的教学对教师的要求很高，教师不仅在技法上要能动笔示范，理论上能条理清楚，在修养学问上也要做学生的表率。

仅靠导师制还是不够的，职业技能的考核也非常重要，通过专家同行的认可，工艺美术师的职业资格的认定，是传统绘画教学走向科学化系统化的必要条件。

第三、遵循艺术发展规律

艺术都有自己发展的规律，当一种绘画形式普及后，必然会促使另一种相异的绘画形式的产生，人们的视觉总是追求不断变化、永不满足，这推动着艺术不断发展、不断创新，永无止尽，也推动着艺术市场“喜新厌旧”。一部中国绘画史，就是中国绘画的艺术形式为适应不同时代审美理想的需要，不断进行自我调整的历史。在中国画教学中遵循艺术发展规律，就要培养学生以历史发展的眼光来看待艺术市场，看待传统，以积极创新的思维来创造历史，勇于探索。

当历史进入一个新的的时期，人们的审美理想发生变化之后，作为民族精神体现的中国画也会自然而然地发生变革，以革新了的外在形态表现新时期的审美理想，比如热烈、堂皇、富丽、高华的金碧山水画曾体现了大唐蓬勃向上的精神气质；而水墨渲淡则成为元代文人在蒙古人铁骑统治下追求超脱隐逸的心理寄托；随着中国封建王朝的日渐衰败没落，并在文人的推波助澜下，色彩曾一度退出了中国画家的视野，而今天我们处于一个朝气蓬勃，五彩斑斓的时代，中国画也必然呼唤色彩的回归，中国画的色彩观念也是与时俱进，体现了时代精神的变迁，因而中国画在几千年的发展中，始终充满了生命力。在中国画教学中遵循艺术发展规律，还要教育学生不要困于象牙塔里，要深入生活，了解社会，把握时代精神。

遵循中国画发展规律、探寻中国画发展规律、符合中国画发展规律，才能科学地认识中国绘画在现代绘画语境中的位置与任务，才能确立我们的目标，把握前人的辉煌成果、研究前人未及研究的空间，总结我们这个时代的特色，将中国绘画推向一个新的高度。

三、小结

绘画教学总结篇5

摘要：观察力是“思维的知觉”，观察力敏锐并善于快速把握事物形象特征的儿童通常都具有突出的绘画能力。通过扩大儿童的观察视野，深化他们观察的层次，培养他们掌握正确的观察方法，能够提高他们的观察力，这是儿童开展创造性绘画的关键环节。研究结果表明：二年级、四年级和六年级儿童的绘画表现出不同年龄段所具有的特点，随着他们年龄的增长，绘画变得更复杂和写实。儿童的观察力也存在极其显著的年级差异，四年级儿童显著高于二年级儿童，六年级儿童显著高于另外两个中低年级儿童。而且绘画水平和观察力均存在显著的性别差异，女生的绘画水平和观察力均显著高于男生；相关分析显示，儿童的观察力与其绘画能力的各个维度均呈显著正相关，说明儿童的观察力越强，他们的绘画水平越高；回归分析的结果表明，观察力对儿童的绘画能力有显著的预测作用，这进一步验证了相关分析。

关键词：儿童绘画；观察力；家庭动力绘画

中图分类号： G633.955文献标志码： A 文章编号：16720539（2017）02011306

一、问题提出

儿童绘画泛指12岁前儿童的画作，绘画不是单纯意义的一门学科或一种技能， 更多的是儿童表达自我意识的一种途径，类似于内在认知的外显过程，而非传统意义上的艺术创作活动。儿童的绘画能力和作画水平是由其自身的生理心理发展阶段和规律所决定的，他们用画笔描绘出的各种符号代表了他们对现实世界的思维、想象和认知，虽然部分符号与其代表的现实物体相距甚远，甚至在成人看来是]有意义的，但儿童从自己的角度分析能够给出合理的解释，这就是绘画所具有的创造性意义。心理学研究认为，语言是传达思想（意见和观念）的最好的手段；而绘画（色彩和线条）是传达情感最好的方法，儿童绘画不只是美术作品的展现，而是蕴含着许多内在心理特征，从一笔一画和图案人物的布局都能分析出潜在的心理意识表达。

观察力是个体的认知能力和理解能力的综合，它指个体对周围事物和环境的细节进行仔细观察、充分了解、详细分析并理解记忆的能力。绘画中的观察力是指绘画者通过对事物的形状、色彩、结构、明暗、空间、布局等各种特征要素的把握，并有机地组成完整的形象来对事物进行理解和诠释。有研究认为，观察力敏锐并善于快速把握事物形象特征的儿童通常都具有突出的绘画能力，经过绘画训练的儿童往往都具备敏锐的观察力，表现为能够迅速捕捉到事物的形状、色彩、结构等外在特征。但是也有研究发现，一部分没有经过任何绘画训练的儿童也能在色彩、明暗、空间透视等方面有出色的表现，这说明观察力具有天赋性与后天培养双重结构。虽然研究者很早就开始对儿童的观察力与其绘画水平之间的关系产生兴趣，但是真正的科学研究却开始于20世纪初。由于众多研究之间的方法不同，对于观察力的测量各个学科间没有一致的界定，一些研究没有对儿童绘画进行标准化的定量分析，因此研究结论出现了不一致，正是由于这一多元化趋势，吸引了更多的研究者投入儿童绘画的相关研究。

心理学研究认为，观察力是构成人类的多元智力要素之一，是有目的、有计划、相对持久的知觉，因此又被称为“思维的知觉”。观察力对于绘画虽然主要是视觉活动，但广义的观察力是有机地将视觉、听觉、触觉、嗅觉等多种认知活动相结合的过程。观察是儿童认知世界的重要途径，要正确指导儿童的观察活动：确定认知目的，提高观察的实效性；教给认知方法，提高观察的准确性；发挥认知联想，提高观察的深刻性[1]。儿童绘画的过程是表达自己独特的感受和情感的过程，是用心灵建构美的世界，在绘画过程中体量感、空间感、比例感、节奏感等因素都与观察力息息相关，因此绘画技能的提高最终是审美的提高，是思想力的提高，反之没有审美力的提高，就没有观察力的提高，也就没有绘画能力的提高 [2]。因此美术教育并非教授儿童绘画的技巧，而是让儿童学会用眼睛去发现美、捕捉美，从而提高他们的观察力、领悟力和审美力。对相关研究进行梳理发现，虽然诸多研究从理论上都肯定了观察力对儿童绘画能力有重要影响，但是大都是美学和教育学关于儿童观察力培养的定性研究，从实证方面研究观察力与儿童绘画之间相关关系的几乎没有。通过研究儿童绘画与观察力的关系可以使研究者更好地理解儿童认知结构的发展。

二、观察力对儿童绘画水平的影响

（一）被试

实验在云南省昆明市某小学选取学生120人。将被试者按年级分为三组，即二年级组、四年级组和六年级组 （每组被试40人，男女各20人），平均年龄分别为8.1岁、10.3岁，12.6岁。所有被试的参与者均得到家长及学生本人的知情同意。

（二）实验过程

1.实验任务

（1）家庭动力绘画任务。本研究的实验任务是规定绘画主题，让儿童按照主题进行自由绘画，最后将绘画按照标准量化分析，分为图画细节性、具象性表现、探索程度和艺术水平四个纬度。家庭动力绘画（Kinetic Family Drawing，K-F-D）是1970年由Burns和Kaufman编制，在绘画过程中，要求小朋友画出每个家庭成员以及他们正在从事的活动，为用绘画分析家庭内部互动情况以及人际情感联系提供了可能性。国内部分学者己将家庭动力绘画测验应用于儿童心理的研究，并取得了相关研究成果。

（2）观察力测量。观察力作为认知能力的核心要素决定了儿童认知发展水平。观察力要求个体具备善于发现客观事物非典型特征的能力。观察力是儿童感知外界环境和事物的基础，是儿童高级的、复杂的心理活动。诸如注意、记忆、情感、想象、兴趣等心理活动倾向都是通过观察活动产生的。观察力具有以下特征：目的性、精确性、锐敏性、客观性、全面性。观察者要按照事物的本来面貌，善于从不同角度、不同侧面观察事物，并能够预想观察的结果，从复杂的现象中发现有意义细节，迅速准确地发现事物本质特征和重要细节。但是，人的观察力存在着个别差异。

该测验在12分钟左右完成，因此可以保证儿童在这段时间内注意力可以保持集中。测验是在计算机上提供12个flash小游戏（2个练习游戏，10个正式测验），每个游戏包含两张十分相似的图片，这两张图在仅7个地方有不同之处，请被试用鼠标指出。每找出一处计1分（每个游戏限时1分钟），纪录被试的总分。

2.实验材料

（1）每个儿童两张A4标准大小的白纸。

（2）6-7名儿童为一组，每组一套18色的水彩笔。

3.计分标准

（1）细节性。细节性，用可以阐明绘画关键概念的14个校标（12个用二分法计分，2个采用非二分法计分），各项量化指标见表1。

（2）具象性。具象性，是指创造可辨认的符号来代表物体的能力（如人、植物、动物、房子），以及在空间上把这些元素组合在一起，成为一个整体的能力。包括基本形式完整度、颜色使用量和空间组合三个计分维度。最高分为15分，最低分为5分。

（3）探索性。探索性，是指儿童的设计、具象性绘画和儿童使用艺术材料所反映出的灵活性、创造性和变化性以及程度，包括颜色变化、图案变化和动态变化三个计分维度，最高分为9分，最低分为3分。

（4）艺术性。艺术性，指运用不同艺术元素如线条、形状、色彩来表现情感、制造效果以及装饰艺术作品的能力，包括表现力、饱满感和美感三个计分维度，最高分为9分，最低分为3分。

4.数据的收集与处理

本研究的数据主要是儿童绘画在四个维度上的得分和观察力量表的得分。将数据收集并计算完毕后统一录入SPSS数据库。按照上述方法进行录入数据后，分别以性别和年级为自变量，以被试在家庭动力绘画和观察力测验的得分作为因变量进行统计分析，采用SPSS10.0M行数据处理，依据研究目的选择方差分析、独立样本t检验、相关分析和回归分析等统计处理方法。

（三）结果

1.儿童绘画水平和观察力的年级、性别差异

在本研究中，用绘画总分显示儿童的绘画水平，绘画总分又包括细节性、具象性、探索性和艺术性四个维度，分别计算三个年级和不同性别在绘画水平和观察力的得分的平均数和标准差。为了探讨不同年级、不同性别的被试在绘画水平和观察力上的差异，作进一步单因素方差分析和独立样本t检验，具体结果见表2。由表2可以看出，除了在细节性上四年级略低于二年级，在具象性、探索性、艺术性和总分上四年级都高于二年级，在这四个分维度和总分上六年级均高于四年级和二年级，显示出儿童的绘画水平随着年龄增长有增长趋势。

在绘画总分和四个分维度上，三个年级均存在极其显著的差异。经过进一步的LSD多重比较发现，在细节性、具象性和总分方面，六年级显著高于二年级和四年级，在探索性和艺术性方面，六年级显著高于四年级和二年级，四年级也显著高于二年级。在绘画总分和四个分维度上，均存在显著的性别差异，男生在绘画水平上均显著低于女生。

在观察力方面年级差异极其显著，随着儿童年龄的增长，观察力呈阶梯状上升，四年级显著高于二年级儿童，六年级显著高于另外两个中低年级儿童。观察力也存在显著的性别差异，女生的观察力要优于男生，说明女生更擅长观察周围的细节。

2.观察力与绘画测验水平的相关分析

为了探索儿童的观察力与其绘画能力之间的关系，对其观察力测验的得分与绘画总分及其分维度的得分进行相关分析，结果见表3。

如表3所示，观察力与儿童的绘画能力的各个维度均呈显著正相关，说明儿童的观察能力越强，他们的绘画水平越高。

3.观察力对儿童绘画水平影响的回归分析

为了进一步探讨观察力对儿童绘画水平的影响。以儿童绘画的总分为因变量，以观察力测验的得分为自变量，在进入水准为α=0.05，剔除水准β=0.10上做回归分析。结果如表4所示。

由表4可以看出，观察力对儿童的绘画能力有显著的预测作用，回归分析的结果进一步验证了相关分析。

三、讨论

观察是儿童认识世界和发展认知能力的重要方式。儿童每天都在观察着周围的世界，由于年龄和认知发展水平的限制，他们难以用文字或语言表达他们观察到的事物，但是他们能够运用绘画作为表达途径。观察力是儿童绘画水平外显标志，敏锐的观察力是画出丰富多彩、线条流畅的图画的基础。当教育者鼓励儿童用自己的眼睛去观察、发现、体验生活中的美并表现在绘画中，鼓励他们用绘画的形式来记录自己的生活，通过绘画来表达所见、所闻、所感，就有助于促进儿童多元智力的发展和身心健康的发展（张晶晶，2011）[3]。由于绘画要求儿童的大脑、双手和眼睛的协调配合，因此儿童可以通过对现实事物的注意、记忆、提取、再现来提高自己的观察力。

本研究通过收集三个年级儿童的绘画进行综合比较发现，每个年级的绘画都有独特的特点，并表现出随着他们年龄的增长，绘画变得更加写实，色彩更多变，能够用绘画表现情绪和艺术感。随着年龄的增长，儿童能创造更复杂的绘画与丰富的表征经验密不可分（Cherney，London，2006）[4]。一般来说，当认知能力提高了，儿童更容易区别各种表征，从简单表征（如，棍形人）到复杂表征（如，个体穿衣服，有面部的细节）。儿童绘画的比例逐渐接近现实，所画的人物本身和他们之间的比例能保持一致。绘画是儿童认知的复杂活动，儿童逐步学习运用视空间编码，并将其与符号概念编码相结合，逐渐出现认知冲突，意识到头大身小的不协调性（Burkitt，Barrett，Davis，2003b）[5]。画中头躯比例趋于正常反映出他们编码策略、认知水平及监控调节能力的发展。总之，儿童能够画出他们观察到的事物细节，大体上随着年龄的增长，他们能够画得更写实，事物外观画得更准确，画面追求完美充实，能够表现思想和故事情节（Isabelle，Cherney，Claire，Seiwert，2006）[6]。另外，随着儿童的成熟，他们的运动技能逐步完善，小肌肉运动技能在儿童5-9岁的时候发展迅速，表现出对线条的控制更随意，绘画水平也随之提高 （Braine，Schauble， Kugelmass，Winter，1993）[7]。然而，一个很有趣的发现是儿童绘画描绘的细节数量与年级并不呈正比。绘画中包含的细节数量是通过细节性来考察的，而对儿童的绘画能力要求较高的充实性和表现力是通过探索性和艺术性来考察的。因此，可能出现四年级儿童为了追求更高的绘画表现而减少一些细节的数量，从而出现细节性低于二年级、而在探索性和艺术性上的得分高于二年级这一现象。

研究发现，观察力与儿童的认知能力发展相一致，小学阶段是儿童观察能力迅速发展的时期，儿童的观察能力普遍随着年龄的增长逐渐增强，有比较明显的年级差异。对儿童绘画进行分析可以发现，幼龄儿童经常重复画曾经画过的东西，究其原因可能与他们缺乏细致观察力和把握周围事物的本质特征的能力有关。在儿童年龄小、经验少、思维能力较差的二年级阶段，他们很难保证长时间集中注意力，往往扫视外在事物而无法形成记忆，甚至只对外表具有新奇性的事物感兴趣，而忽略了事物的内在联系和整体特征。因此，注意力稳定性差、表象视觉水平低导致儿童在绘画过程中出现线条零乱、图形简单、画面缺乏条理性、物体形象不完整等特点，这都与他们的观察力有限有关。并且儿童观察力的强弱直接影响到他们进行表象思维的深度和逻辑性，只有引导儿童进行自觉的、有目的的、系统的观察，才是提高他们绘画水平和绘画能力的保证[8]。儿童自发的观察活动往往随意，他们容易关注新奇有趣、色彩艳丽、外形奇特的事物，没有目的性的观察导致他们只会关注事物的个别特征，容易被无关刺激影响而转移注意力，对整体和全局却视而不见。在教育过程中应该根据儿童的认知特点选择合适的观察内容，并且在绘画过程中引导他们选取合适的观察方式，通过提高儿童的兴趣和求知欲，引导他们用心进行观察，来培养他们的观察力[9]。

对儿童的观察力与绘画水平进行相关分析，结果显示观察力与儿童绘画的各个维度呈显著正相关。儿童的观察力越好，则绘画将变得更复杂和写实，包含更多的细节，所画的比例、色彩更接近真实物体的颜色。同时，回归分析的结果也显示观察力与儿童绘画能力相关最为显著。观察是获得感性认识的重要途径，儿童通过观察感知事物本质特征，加深对事物的认识，并对各种事物进行比较。并且观察的对象要求一定是真实的，因为任何电子模拟的事物的真实性都无法与实物相媲美，儿童只有观察什么是“真的”才能与“假的”相区分。因此，要为儿童提供真实而丰富的观察对象，从他们与观察对象近距离的接触中形成表象认知，提高观察力。另外，在绘画教学中常常会发现，对于那些绘画构图简单、造型单一、内容空洞、缺乏灵动性的儿童，需要培养他们进行有目的、有计划、有系统的观察，在绘画活动中，儿童通过视觉、听觉、感知、记忆，不断地提高自己的观察力。总之，提高观察力是儿童开展创造性绘画的关键环节。

四、结语

研究发现：（1）二年级、四年级和六年级儿童的绘画表现出不同年龄段所具有的特点，随着他们年龄的增长，绘画变得更复杂和写实。儿童的观察力也存在极其显著的年级差异，四年级儿童显著高于二年级儿童，六年级儿童显著高于另外两个中低年级儿童。而且绘画水平和观察力均存在显著的性别差异，女生的绘画水平和观察力均显著高于男生。（2）相关分析显示，儿童的观察力与其绘画能力的各个维度均呈显著正相关，说明儿童的观察力越强，他们的绘画水平越高。（3）回归分析的结果表明，观察力对儿童的绘画能力有显著的预测作用，进一步验证了相关分析。

总之，观察力对提高儿童绘画能力有重要作用，要为儿童提供丰富的观察对象，激发他们的观察兴趣，引导他们有目的地进行观察活动，通过扩大儿童的观察视野，深化他们观察的层次，培养他们掌握正确的观察方法，进而提高他们的观察力。

参考文献：

[1]朱灵华.幼儿观察力培养浅见[J].昭乌达蒙族师专学报，2003，24（5）：70.

[2]曾小桦.论观察力在素描教学中的作用[J].美术论坛，2004，（5）：53-54.

[3]张晶晶.浅谈幼儿美术教学中创造性思维能力的培养[J].新课程学习（上），2011，（12）：11.

[4]Cherney， I. D.， & London， K. L. Gender-linked differences in the toys， television shows， computer games， and outdoor activities of 5-13-year-old children， submitted [J].Sex Roles， 2006，54：717-726.

[5]Burkitt， E.， Barrett， M.， & Davis， A. The effect of affective characterisations on the size of children’s drawings [J]. British Journal of Developmental Psychology， 2003，21：565-584.

[6]Isabelle D. Cherney， Claire S. Seiwert，etc. Children’s Drawings： A mirror to their minds [J] .Educational Psychology，2006，26（1）： 127-142.

[7]Braine， L. G.， Schauble， L. Kugelmass， S. and Winter， A..Representation of depth by children： Spatial strategies and lateral biases [J]. Developmental Psychology， 1993，29：466-479.

[8]S玉洁.引生活之水灌美术之园――谈幼儿美术教学与生活的链接[J].课程教育研究，2011，（9）：23.

[9]李仁.儿童绘画想像力和创造力的培养[J].大连教育学院学报，2004，（2）：33.

成都理工大学学报（社会科学版）2017年第2期李文姣：儿童绘画与观察力培养的实证研究

绘画教学总结篇6

［关键词］电脑绘画 艺术价值 商业价值 角色 场景

［中图分类号］G427 ［文献标识码］A ［文章编号］1009-5349（2011）08－0076－02>［摘要］插画是近几年很多同学喜欢的画种，具有一定的艺术价值和商业价值。作为一种新兴的画种，它大多时候需要电脑配合完成，需要一定的电脑绘画技巧和传统绘画基础，并需具有一定的时尚感，深得一批年轻人的喜爱。但在插画课教学中，总会遇到这样那样的问题，这些问题如果在教学过程中解决不当，就会对教学成果有一定的影响。比如我们在插画课教学中，应该充分考虑到电脑绘制技法与传统绘画基础并重的问题、场景与角色并重的问题、插画的艺术价值与商业价值并重的问题、理论讲解教学与现场演示教学并重的问题等。

>［关键词］电脑绘画 艺术价值 商业价值 角色 场景

>［中图分类号］G427 ［文献标识码］A ［文章编号］1009-5349（2011）08－0076－02

在很长一段历史时期里，插画被普遍认为是一种运用图形语言对文字所表达的思想内容做出解释的艺术形式，是为文字做的附图，是对文字进行的说明，即插画是文本的插图。[1]随着社会的发展，电脑及一些数字绘画工具的出现，插画的种类和用途变得更加广泛。在一些常见的应用领域，插画为了适应需求都有了进一步的发展，衍变出了书籍插画、杂志内页插画、绘本插画、游戏动漫插画、包装插画、网页插画、海报插画等多种插画形式。[2]插画不仅具有传统绘画的艺术价值，同样具有一定的商业价值，这使很多普通高校开设了插画课程。这里要说到的是CG写实插画，CG插画简单讲就是利用计算机中安装的绘图软件、用鼠标、手绘板、数位屏等设备创作出来的插画。今天我们一起来分享一下CG写实插画课教学中的一点经验。

一、插画绘制中电脑绘制技法与传统绘画基础并重

很多同学在第一次得知现在的很多插画都是用电脑来制作的，便以为用photoshop或者某个软件，运用一些技术手段，通过制作或者处理就可以创作出一张插画，其实不是这样的。插画的绘制在大多时候还是和传统绘画一样，需要一笔一笔地来绘制。这就需要跟同学们强调，插画的绘制需要电脑绘制技法与传统绘画基础并重，不要有投机的心理，要不然我们在开始绘制之初会大失所望，严重的会丧失学习兴趣。

现在的插画大多需要电脑来完成，会用到一定的高新科技，比如需要在电脑上连接数位板，需要用使到数字绘画软件比如photoshop等，这些都属于电脑绘画技法方面的问题。插画绘制会比传统绘画更为方便，比如我们可以不使用纸张直接用数位板在电脑里起稿绘制，节省了准备纸张颜料画架等等画具，绘制和修改起来也比传统绘画更加方便，我们可以使用软件的标尺来对齐和绘制造型，可以使用软件菜单随时调整画布大小及图像大小，可以使用放大镜刻画细节使整个画面细腻精致，可以利用相应的面板调整画面上颜色的明暗、色相、纯度等等，可以随时对画面的某个局部调整形状如长宽之类，还有很多电脑绘制技法，需要任课老师在上课的时候现场演示给同学们。只要同学们在老师演示过后能认认真真临摹一张插画，就基本能顺利地使用手绘板及绘画软件。接下来，需要教师对学生的传统绘画基础进行提高，因为等同学们掌握了一定的电脑绘画技法，就需要从绘画功底这一块进行提高了。绘制作品要考虑到的构图，市场上专门讲解构图的参考资料不是很多，可以给学生介绍一些摄影方面的构图资料，其构图法则基本是一样的。构图的训练，可以让学生在创作一张插画的时候多做一些小稿子，最后从中选择比较合适的构图，让学生从对比中得到构图的审美和锻炼。造型方面的提高不是很容易，需要一个很长的时间积累，如人物的结构、建筑的透视等等，都需要学生对一些比较基础的资料进行大量临摹。在造型的提高过程中，需要任课教师对学生多做一些鼓励，因为造型的提高是一个比较漫长和枯燥的过程，有些学生容易放弃，任课教师可以列举国内外比较著名的插画人通过锻炼快速进步的例子激励大家的信心。颜色的学习也需要学生像学习构图和造型一样，扎扎实实地把握颜色的理论知识而后大量临摹，所以也需要任课教师能找这方面的理论资料给学生讲解其中的原理，并对一些照片和作品进行分析和让学生临摹。质感的表现需要对学生进行分类讲解，比如金属质感的表现，玻璃质感的表现、石头质感的表现等。通过这些知识的学习和掌握，尽量使学生绘制出一张比较完整的作品。

二、场景与人物并重

插画因为常常需要表现故事的一个情景，大多数时候需要同时出现人物及场景，这就需要我们在讲解插画课的时候，场景与人物都要讲解，避免有些学生只能画场景，而有些学生只能画人物。人物与场景都有绘制与设计的问题。关于设计我们可以为学生归纳和总结一些设计方法，有一些角色设计书籍上已经对设计方法有了一定的总结，我们可以收集资料进行讲解。而场景的设计，需要我们讲解关于场景的各种知识，如绘制天空需要学生了解到天空各种云出现的高度才能知道哪种云离地面近，哪种云离地面远，哪种云在哪种天气下出现。关于人物与场景绘制的问题比较难解决。像上面提到的一样，这要一个比较漫长的临摹过程，人物任课教师讲解人体骨骼、人体肌肉、人体动态等等。而场景，需要任课教师加强学生透视方面的知识，这样才能保证学生在绘制建筑的时候不出现形体上的问题。透视是一个学生比较难解决的问题，因为透视方面的书看起来比较难懂，而视频教程又比较少，这需要任课教师要注意讲解帮助学生提高。

三、插画的艺术价值与商业价值并重

我们绘制插画的目的，大多数时候是为了让它拥有艺术价值的同时拥有商业价值，因此我们在教会学生电脑绘制技法、提高学生传统绘画基础的同时，注意让作品符合市场的要求。在后期，我们可以为学生准备一些商业项目或者虚拟的商业项目，这里所说的虚拟的商业项目是指之前已经完成的项目，比如一个商业项目要求为《假如给我三天光明》这本书绘制插画，这个项目已经完成了。但教师可以把具体的约稿要求发给同学们让同学尝试绘制，让同学们有一次接近市场的机会以体验商业插画的创作。

四、理论讲解教学与现场演示教学并重

在插画课教学之前，学生大多没有用电脑绘制过作品，他们对数字绘画比较陌生，数位板的应用在开始的时候也不是很顺手，加上软件方面的问题，大多学生入门比较难。教师在教学过程中，应该多给学生演示，数位板的测试到笔刷的调整，整个作品的绘制过程等都应该给学生亲自演示，学生会比较直观和清楚地获得知识。不同于书籍与视频教程的是在演示过程中，教师和学生可以互动，学生有些地方不懂，可以现场提问，并且真人教学比较亲切，学生更容易接纳。在后期学生的创作过程中，教师也应该对学生的作品进行亲自修改，学生能从教师修改的过程中对比发现自己绘画中的不足，同时也知道了解决方案。插画课演示教学的重要性，要求学校配备相应的硬件设施，至少应该有一个计算机教室让学生在一起创作，比较有学习气氛，还可以得到老师的及时指导，及时解决绘制过程中出现的问题，不至于卡到某个小问题上浪费时间和丧失信心。

五、结论

CG插画作为这个时代的新产物，它独有的魅力吸引着很多同学为之投入大量热情，在普通高校的插画课教学中，我们应该既重视电脑绘制技法又重视传统绘画基础，既重视人物讲解又重视场景绘制，既重视其艺术价值又重视其商业价值，既重视理论讲解又重视现场演示，非常重的教学任务，任课教师责任重大，需要合理安排教学课时。关于高校插画课教学的一点点经验，希望对我们插画课教学有所帮助，在课程结束后能有一个比较好的效果。

【参考文献】

绘画教学总结篇7

1．1学习中国传统绘画艺术的学习意义

这些著述分别从艺术的角度阐明了对于加强中国传统文化的重要性，并已有论著从艺术理论为切入点分别将传统艺术中的哲学思维放在现当代艺术环境下阐述其发展态势，从绘画主张中探究其艺术教育的诸多现实问题。美国学者高居翰的《山外山》，书中对中国传统绘画的形式进行了深入地分析，阐述了中国传统绘画的精神境界。［2］这些研究侧重学生从艺术中吸收并继承中国传统文化，从而借此提升自身的艺术素质，或进一步将思想纳入艺术表现中；或在艺术形式上提出吸纳传统文化。另外，从理论与实际的结合上对此作专门研究，具有广阔的前景和空间。

1．2对体会传统文化的促进作用

传统绘画形式有利于学生更好的了解传统文化。将传统文化对传统绘画的影响及所涉及的中国文化的精髓引入课堂，可以优化教学过程，强化学生实践能力的培养，从而真正提升艺术课堂及学科的特色，使实践技能教学具有高效性和实用性。学生学习传统绘画艺术有利于提高艺术的教学效率和教育质量。充分将历代文人绘画理论及相关国学精神渗透到绘画中，对提高学生的学习兴趣和文化水平，增强学生学习传统绘画的积极性和自觉性，对提高教学效率和教育质量具有重要的意义。其表现如下：第一，从弘扬中国传统文化的角度出发深化学生对于传统文化的解读和认识。第二，较为完备地分析学生在学习传统绘画艺术的基础上所达到的思想意识的升华，从而激发对于传统文化的正确解读。第三，有助于学生在未来的艺术创作中能很好地将理论知识付诸于绘画实践，从而更好地指导其艺术行为。第四，更好地辨别和看待当下现代后现代艺术风格的流变，端正艺术学习的态度。第五，有助于国学的发扬和传统文化的传承，从而更好地提高高校艺术生的综合素质。中国传统绘画对中国传统思想进行了诸多艺术层面的阐释，体现了中国文化的精髓，传统的绘画在中国文化发展史上，既不是封闭的，也不是静止的，而是在不断的发展演变中壮大自己，延续自己的，同时中国绘画又有自己一贯的连续性和规律性，如何解读传统绘画的精神实质，理解个中的深层命题。怎样品评可以感观、可以心观、可以画观的传统艺术，以及如何跳开传统绘画的皮毛之争，鞭辟入里，发现新见以提高自身的艺术素养是非常有必要的。中国传统文化在21世纪有非常大的潜力，但现在的在校学生对传统文化的认识相对匮乏，而且缺少兴趣，所以教师教学面临一定的难度，老师既要把正确的观念灌输给他们，又要保持教学的稳定性和把握一定的依据性，让学生学有所长和学有所依，从而增加对传统文化的兴趣。怎么看待传统，也是艺术教学中要明确的问题。中国的传统艺术是通过长期的传承，发展中又不断淘汰掉糟粕，增加进精华，经过长期的论证才得以传承的，而艺术发展是一个继往开来的过程，艺术的发展只有根植在传统文化的土壤里才能得到创新和发展，所以传统并不会束缚学生的创造，反而会提高学生的艺术素养，这样才能让学生具有健康的人格和高尚的情操，成为符合时代需要的人才。

2如何通过学习传统绘画艺术去体会传统文化

绘画教学总结篇8

田颖颖，南京信息工程大学传媒与艺术学院助教

【作者简介】

动画电影《恶童》场景设计 动画场景教学是围绕动画场景制作需求展开的专门课程教学，是每位动画专业学生的必修课。传统动画场景训练课题的设计较为固定，一般从基础造型训练开始，首先练习场景线稿勾勒，之后安排线稿上色进行色彩设计的训练，最后进行主题场景创作。传统动画场景课题训练将线稿勾勒与色彩设计分开进行，学习目标明确，有助于教学活动的细化展开，同时遵循从简单基础训练到复杂主题创作的教学进度推进，方便学生领会与掌握。随着动画产业发展为创意产业的重要组成部分，动画艺术的教学过程也应当强调“创意”，枯燥乏味的训练并不能调动年轻学习者的学习兴趣和激发其学习动力。因此，上述传统的动画场景训练课题已经不能完全适应当今动画作品场景创作与学习的要求，急需顺应时代需求进行调整。笔者结合高校一线教学经验，提出三个较为新颖的训练课题，以期对传统动画场景训练课题进行有效的改革探索实践。

一、盆景设计

盆景设计课题主要针对动画场景的布局展开训练，要求学生首先从整体出发，把所要设计的场景想象为一个缩小版的盆景，根据一定的主题设计出场景的全貌，在A4纸上以手绘的形式画出场景鸟瞰图，完成后选择场景的局部，绘制至少五种不同景别的场景效果图。如何设计出主题鲜明，具有卡通趣味的场景是本课题的重点。教师可以设计一些容易入手且能够激发学生创作欲的主题供学生选择，如林中树屋、带仙气的房子、奇幻森林等，亦可让学生选择感兴趣的主题进行自由创作。课题的难点则是如何根据设计完成的鸟瞰图，进行不同景别的场景效果图制作，这就要求学生有足够的三维空间思维能力，能根据较为单一的视角结构绘制出不同视角的效果，同时注意画面的构图与美感，在进行后半段不同景别效果图的设计时可以根据需要对之前的鸟瞰图进行细节上的丰富及必要的改动。在本课题推进的过程中，配合讲解构成场景的各种元素的绘制方法及不同景别下动画场景绘制技巧等知识点。

另外，本课题的训练可适当结合二维与三维的制图方法。场景鸟瞰图可利用手绘或二维平面绘图软件制作完成，之后利用三维软件对场景进行简单的模型建造，于是在进行景别选取时，可以为不同角度的场景提供透视效果的提示，有助于场景效果图绘制的准确性。当然，也可以利用雕塑缩小模型的方式替代三维软件建模，同样能够为多角度的效果图绘制提供方便。需要指出的是，利用三维的方式制作场景模型为取景提供依据，这种方法看似是偷懒的学习方法，但笔者认为，这不但不会对学生学习产生消极的影响，反而能够让其对三维空间有更加深刻的认识，因为在利用三维软件或雕塑的方式建造模型时，需要学生对其所设计的场景有全方位、多角度的构思，从而加深学生对该场景不同角度透视的理解，并且，结合多样的形式进行场景设计也有利于调动学生学习的积极性。为动画角色制造雕塑模型在如今动画制作过程中早已不是新鲜事，即使是三维软件技术发达的今天，仍然有许多动画工作室为角色、道具制作雕塑模型，方便其他动画制作者掌握角色、设计动作。因此对于动画初学者的高校学生而言，在学习场景时制作场景参考模型也是有积极意义的。

二、色彩与风格

课题二强调动画场景效果图的色彩与风格方面的训练。针对二至三个场景线稿，要求学生依照这些线稿至少绘制出四种不同风格的场景效果图，并体现出一定的情感氛围，必要时可对所提供的线稿进行修改。四种风格场景效果图力求风格迥异、主题突出，表达出以下几种情感状态：热情奔放、孤单寂寞、浪漫温馨、紧张不安、阴郁伤感等。“如果能够为一部动画片绘制出成功的背景，会极大地提高观众的观赏体验，而且和音乐一样，可以为影片创作一种情感深度并提高整部作品的戏剧效果。”[1]因此，该课题旨在锻炼学生的图形设计能力，开发其动画美术设计风格绘制领域，避免同质化的动画场景造型设计，并通过色彩和图形的组合使场景传达出一定的情感。伴随课题的展开，教师应当为学生提供大量风格鲜明的场景设计图赏析，并较为深入地剖析场景图的氛围营造、情感传达、色彩、光影与风格设计。此外，在场景绘制方式上应当倡导多种方法的结合，如手绘结合电脑位图制作或电脑矢量图形制作等，鼓励学生根据主题创作出新颖的场景艺术风格。

·影视教育朱珠田颖颖：动画场景教学的训练课题设计三、综合训练之“我的一天”

课题三考察学生对场景设计知识与技能的综合掌握情况，属于教师命题式综合训练，一般安排在教学进度的后期进行。学生以“我的一天”为主题，首先以文字的形式设计一段简单的动画情节并绘制分镜头画面10张，挑选其中5张完成具有一定精致度、风格独特而统一的场景效果图绘制。动画场景的教学并不是单纯的具有卡通风格的风景写生或风景创作，不应与环艺设计绘图的教学相混淆，不应偏离动画场景是为动画角色服务的场景创作主导思想。动画场景的教学也不能忽视“动因素”，“动画场景是发展的、变化的、多维的动态图像，而不是静态的、不变的、平面的固定画面。”[2]因此，课题三的训练讲求结合动画剧情的“动态”连续图像设计，不再是单纯的风景绘制，而是要求学生根据其所设想的主人翁的需要和剧情的发展，去规划动画镜头中场景的变化与布局，完成场景效果图的绘制。“我的一天”中的“我”可以是学生自己，或是其他人类、动物等正常生物，也可以是怪物、怪兽等想象出的异类物种，甚至包括机器机械等没有生命的物体。总之，对于“我”的范围非常宽泛，这在教师布置命题时可以给予学生更多的参考和提示。“一天”则强调“动因素”，不仅要求在画面中体现出随着时间而改变的情感和空间的变化，而且要体现出场景在清晨、午后等的光影、色彩变化。该综合练习的绘图方法应当采取手绘与电脑绘图相结合，注重软件绘图的掌握能力，画面效果具有一定美感，风格独特创新。

以上三个课题是笔者根据实际教学经验及多本经典场景教材、相关论文的研读总结得出，课题间具有衔接关系，从易至难、循序渐进，能够覆盖课程的知识点，并达到实践技能点的训练要求。由于学生个人学习能力和教师指导方法存在差异，同一课题的学习效果在不同课堂、不同学生间会有所不同，所以有必要针对不同层次的学生对课题进行一定调整，并选择适合的引导手段。动画艺术的学习需要日积月累，如若在课题训练的同时配合大量日常速写训练，对学生掌握动画场景表现技法和从事场景创作有促进作用。总而言之，从笔者按照上述课题的教学实践来看，这些课题的设计能够有效得激发学生的学习热情，帮助学生建立具有创新精神的创作态度，完成符合动画场景设计规范的作品，达到课程的教学目标，为学生进行专业的动画制作打下良好基础。

参考文献：

绘画教学总结篇9

抽象绘画已经有了百年历史，以至于很多人开始质疑抽象绘画的当代性。但是，如果我们仔细研究某些中国当代抽象绘画，就会发现它们背后的哲学基础完全不同。正是哲学基础或者自我理解的不同，让今天的中国抽象绘画成为了当代艺术。

哲学基础或者自我理解，对于当代艺术至关重要。在阿瑟・丹托(Arhur Danto)看来，两个完全一样的东西，其中一个是艺术，另一个不是艺术，其原因就在于这两个东西背后的哲学基础或者自我理解不同。丹托将当代艺术称之为“后历史”艺术。历史上曾经出现过的所有艺术，在今天都可以再次出现，只要我们赋予它们不同的哲学基础，只要我们对于它们有不同的自我理解。甚至，从来就不是艺术的东西，在今天也可以成为艺术，如果我们给予它们一种适当的理解，潘公凯将这里的理解称之为“转念”，他力图通过“转念”将自己的日常生活转变为艺术作品。

中国当代抽象绘画中的哲学基础与欧美现代抽象绘画中的哲学基础有何不同?要回答这个问题，我们需要对欧美抽象绘画做一点简要的回顾。

从艺术史上来看，欧美抽象绘画作为一种艺术运动或者绘画样式，起源于20世纪初。一方面，由于摄影技术的成熟和照相机的普及，绘画不得不思考有哪些东西不能被摄影所取代；另一方面，由于宗教影响的式微，艺术有取代宗教的倾向，或者说人们对于艺术做了宗教化的理解。

艺术宗教化与宗教艺术完全不同。根据沃尔特斯托夫(Nicholas Wolterstorff)的观点，宗教艺术很早就存在了，而艺术的宗教化则发生在18世纪艺术独立之后。艺术的宗教化将艺术仅仅视为形式，将正确的艺术欣赏方式确定为无利害性的审美静观，将艺术欣赏经验理解为一种超越性的情感体验。但是，这种宗教化的艺术不包括宗教艺术，这种理解艺术的方式也不适合宗教人士对宗教艺术的理解。根据宗教人士对宗教艺术的理解，艺术服务于宗教目的，因而不是无利害性的。宗教艺术的目的不是无利害的静观，而是唤起人们的宗教记忆，在这种意义上可以说，宗教艺术是一种纪念艺术(memorial art)。

艺术的独立与康德的贡献密不可分。在康德的哲学体系中，他力图将科学、艺术、伦理等领域区别开来。随后，艺术家和思想家开始将独立的艺术与宗教结合起来。根据弗莱瑟(Hilary Fraser)的观察，英国维多利亚时期出现了许多宗教――审美理论(religio―aesthetic theories)，它们试图将基督教的主张与美和艺术调和起来。在20世纪初的抽象绘画运动中，我们可以看到，艺术与宗教的融合走向了以艺术代替宗教。根据戈尔丁(John Golding)的研究，抽象绘画的先驱蒙德里安、康定斯基、马列维奇等人，曾经都是布拉瓦茨基夫人(Madam Blavatsky)创立的“神智论”(Theosophy)的狂热追随者。“神智论”是一种宗教哲学和宗教团体，主张有一种绝对的超越性存在，哲学、科学和艺术等等可以让人接近那个绝对存在。在蒙德里安看来，“神智论”和抽象绘画是相同的精神运动的不同表达形式。“尽管艺术有自身的目的，但它像宗教一样，是我们借以认识宇宙的工具。当然，蒙德里安这里所说的艺术，已经不是传统的写实绘画，而是以抽象绘画为代表的新艺术。“新艺术是解除了压迫的旧艺术……，在这种意义上艺术变成了宗教。”随着蒙德里安发展出他的纯抽象风格，他开始拒斥“神智论”的某些内容，而将艺术视为宗教或者用艺术来取代宗教，因为蒙德里安认识到，神智论者绝不可能获得有关绝对的经验，因而“绝不可能体验到真正的、完满的人类和谐。”真正是因为认识到“神智论”的某些不足，蒙德里安开始用艺术来取代宗教，因为艺术比“神智论”还要纯粹，因而比“神智论”乃至比任何现实的宗教形式还要像宗教。“作为人类精神的纯粹创造，艺术被表现为在抽象形式中体现出来的纯粹的审美创造。”对于蒙德里安的这种转变，戈尔丁做了这样的总结：“总之，对蒙德里安来说，艺术开始成为宗教经验的替代者。”

克莱夫・贝尔(Clive Bell)于1914年出版的《艺术》，常常被视为后印象派绘画的理论总结，其实，其中许多观点用在抽象绘画上更加合适。在贝尔看来，艺术不是对外部世界的再现，而是有意味的形式(significant form)。根据这种新的界定，贝尔反对艺术再现，反对制造幻象，反对卖弄技术，将创造有意味的形式作为艺术的首要目的，那么，什么是“有意味的形式”呢?尤其是其中的“意味”指的是什么呢?贝尔直截了当地说，它就是形而上的“物自体”或“终极实在”。这种“物自体”或“终极实在”，既是宗教的对象，又是艺术的对象。当然，在20世纪初的艺术家和理论家眼里，这里的艺术只是以抽象绘画为代表的新艺术。可以说，不相信形而上的“绝对”、“物自体”或者“终极实在”，就无法理解抽象绘画先驱的作品，尤其是蒙德里安的作品。

20世纪初期由欧洲各国的艺术家发展起来的抽象绘画，于20世纪中期在美国获得了复兴。尽管杰克逊，波洛克(Jackson Pollock)仍然从“神智论”中获得启示。但支持美国抽象表象主义的理论基础不是作为宗教的“神智论”，而是作为哲学的精神分析学说，尤其是荣格的集体无意识理论。波洛克是个典型的荣格主义者，他的绘画可以被视为无意识尤其是集体无意识流露的踪迹。与形而上的“绝对”、“物自体”或者“终极实在”相比，无意识或者集体无意识触及到了人的欲望和本能，显得过于“形而下”了。但是，它们有一个共同的特点，那就是都是对意识或者理智的超越，“神智论”是向上超越，无意识学说是向下超越。

通过上述的简单回顾，我们知道支持西方抽象绘画的哲学基础是“神智论”的绝对实在学说和精神分析的无意识学说。这两种学说在中国都没有它们赖以生根的土壤。尽管中国抽象绘画在形式上与欧美抽象绘画有这样或那样的联系，但是支持中国抽象绘画背后的哲学基础或者自我理解非常不同。

20世纪80年代，中国艺术家曾经发起了一场语言纯化运动，试图用抽象绘画来维护艺术的独立性，反对将艺术作为政治宜讲的工具。艺术的独立运动，在西方起源于18世纪，到19世纪的唯美主义那里，在“为艺术而艺术”的号召下，艺术发展成了与道德、政治、宗教、实用等毫无关系的纯艺术，一种以美为终极目的的艺术。然而，当艺术从道德、政治和宗教等领域中独立出来之后，它的社会影响力也随之减弱。唯美主义在19世纪末的迅速衰落，表明美不能成为艺术的归宿，如上所述，20世纪初的抽象绘画，并不是建立在美的基础上，而是建立在宗教的基础上。但是，如同沃尔特斯托夫 指出的那样，20世纪的抽象绘画并不是传统的宗教艺术，而是对艺术的宗教理解，绘画成了不可表达的形而上世界的表达。无论是宗教所假定的绝对实在，还是精神分析所假定的无意识领域，它们都属于不可表达的领域。抽象绘画在20世纪的兴起，正是建立在对不可表达的表达上。

对于表达的有限性，中国哲学很早就有清晰的认识。《道德经》第一句就是“道可道，非常道。名可名，非常名。“禅师们也强调“第一义”不可说。文益禅师《语录》云：“问：‘如何是第一义?’师云‘我向尔道，是第二义。”如果说抽象绘画必须建立在对不可表达的表达上，中国传统哲学中并不缺乏这方面的思想资源。正因为如此，尽管绝大多数当代中国画家并不相信基督教，也不相信精神分析学说，但他们仍然可以找到支持抽象绘画的哲学基础。

需要注意的是，中国哲学所说的“道”或者“第一义”，与基督教所说的终极实在或者精神分析所说的无意识完全不同。中国哲学所说的“道”或者“第一义”，并不是指向“另一个世界”。西方宗教和形而上学所假定的那个终极实在，指的是现实世界之外的世界。在《人性，太人性了》中，尼采描绘了这种的谱系：人们最初是从梦中得到关于另一个世界的观念。当人类反思出现的时候，他们发现这种另一个世界中的事物对于经验方法是不可理解的，于是便认为经验方法是不完善的，真实世界只有对非经验方法才是可以理解的。因此，人们将经验世界当做另一个世界的表象或扭曲，而那个另外的世界则被认为是真实世界。形而上学就是关于这个非经验的真实世界的谣传知识。中国哲学中的“道”或者“第一义”并不指向另一个世界，相反它们指向最普通的现实世界。正如檗所言：“语默动静，一切声色，尽是佛事。何处觅佛?不可更头上安头，嘴上安嘴。”中国哲学只承认“这一个世界”，不承认此外还有“另一个世界”。“不可说的”不是“另一个世界”，而是我们正在经验的“这一个世界”。

绘画教学总结篇10

1.培养学生的观察力及总结能力

素描要求学生具有一定的观察力和总结能力。在进行绘画之前，画者需要先对绘画对象进行观察，对于各种细节和特点进行分析和总结之后再进行创作。观察力和总结能力是素描学习的基础，教师需要针对每位学生的不同情况对这两项能力进行训练，在开始绘画之前讲解基础知识，继而引导学生自主分析总结。

2.加强学生创新能力的培养

在素描学习中，不乏一些学生临摹能力很好但默写和写生能力较差的例子，这是因为这些学生缺乏立体感和创新能力。一般来说，优秀的作品不单单要写实，还应当加入一部分自身的创新思维。教师应当在教学过程中鼓励学生创新，通过自身的创造使作品更富有新鲜感。

3.培养学生良好的自控能力

素描是一种使人平心静气的艺术，使画者在绘画过程中慢慢沉淀心境。一幅简单的素描画完成时间约为四个小时，这要求学生耐得住性子，全身心地投入绘画。教师要营造安静的创作环境，循序渐进地使学生长时间投入绘画。

二、帮助学生养成良好的作画习惯

良好的作画习惯对于素描学习有重要意义。初步进行素描学习时，学生会经常出现因为不知道画什么半途而废的情况，这是由于学生没有养成良好的习惯。教师之于学生，不但有传授知识的功能，还是学生在行为习惯上模仿的直接对象。所以，教师在平常的教学中就要树立良好的形象，起正面的带头作用，避免不良作画习惯对学生产生误导。教师在教学中要尊重学生的自我意识，培养学生好的作画习惯，对于那些坏的习惯要加以制止摒弃。如，在教师讲解完所有流程之后，仍会有学生记不住，他们还会在接下来的实践中根据自己的习惯作画。这时教师需要认真观察每位学生的作画细节，对于错误的地方及时纠正，正确的地方及时表扬。另外，很多教师采取讲一部分画一部分的教学方法，笔者觉得有一定的可取之处，这样可以使学生不容易出现习惯性错误。但是这种方法不能长期使用，毕竟在绘画过程中讲解会打断学生的绘画思路，影响其绘画灵感。

三、充分利用多媒体等先进技术教学，调动学生课堂积极性

伴随着课程改革的进一步深入，多媒体教学在实践教学中的应用更加广泛，甚至逐渐代替传统的黑板和粉笔。多媒体教学使教学方法变得不再局限，使课堂变得多姿多彩。其通过对学生视觉、听觉等感官的充分调用，激发学生对于素描的乐趣，进而调动学生的学习能动性。所以在素描教学中，多媒体教学的利用变得不可或缺。

1.运用多媒体创造情境，充分调动学生学习自主性

传统教学中教师的板书占用了过多时间，不但显得枯燥乏味，使学生容易走神，更消耗教师的精力。而多媒体教学则没有这些弊端，多媒体课堂中影像、声音、动画的运用使课堂内容更加丰富且具有吸引力，使素描艺术的美升华成一种方便领略的动态美，充分调动了学生的审美情感，激发了学生积极的心理因素。

2.为学生搭建展示和合作学习的平台

素描的表现形式为画作，多媒体为学生提供了自我展示的平台，使其在画作展示过程中无可避免地产生交流，在使学生认识到缺点的同时汲取了别人画作中可取的部分，提高了能力。同时，网络的强大使学生的涉猎范围更为广泛，能力提高更为迅速。

四、做好学生户外写生教学辅导

写生是素描学习中不可或缺的部分，写生能力培养在素描学习中占很大的比重。外出写生时，学生更加接近形形的生活，在接近自然、陶冶情操的同时，画作更“接地气”。外出参观过程中，学生的激情很容易被带动，也开阔了视野。写生的过程使学生不局限于小画室之中，亲近大自然，心境更开阔，更能提高学生的创作能力。

五、结语