初学者配音技巧十篇

初学者配音技巧篇1

手风琴是我国乐器中的一种，手风琴所特有的音域宽广、音色甜美、和声变化多样、音响浑厚有力等魅力不言而喻，它既可以独奏，也可以配合其他乐器联合演奏，效果震撼。并且手风琴小巧灵便便于携带，是深受广大音乐爱好者喜爱的一款乐器。手风琴一般有两种类型：一种是键盘式，一种是键钮式，而键钮式的键盘布置和钢琴很相像，因此这种类型的手风琴是比较常见的和被人们所认可的。手风琴主要由三个部分组成：高音键盘、风箱以及左手低音键盘，其余配件主要有左、右手的变音器和背带等。在手风琴的弹奏过程中，演奏者需要变化各种姿势，比如手法的灵活变化、风箱的熟练掌控等，这些都是在长期的学习训练中摸索并逐渐熟练的，而在手风琴演奏时，就必须做到各部分协调配合完好，这样演奏出来的曲子才能和谐动听。正因为手风琴的独特魅力和便于上手，才吸引了一大批爱好者投身到手风琴的学习钻研中。从手风琴的学习到熟练弹奏不是一朝一夕的事情，特别是对于手风琴零基础的爱好者，入门的难度是挺大的，但是只要能耐心学习，勤加练习，入门后的学习进程就会很快，基于此，朱春铃、李锐、杨光灿编写了《手L琴演奏与技法分析》（2006年9月由西南师范大学出版社出版）一书。该著作是编者多年从事手风琴教学的理论与实践后，针对高校手风琴普修课和选修课的特点以及本专业硕士生的基础理论研究编写而成。该书将键盘手风琴多种基本演奏技巧进行了较详尽、系统的说明，其中包含许多规律性、科学性的内容，对基础技法进行了整理归类和规律性的总结，力求使学生通过循序渐进的学习积累得到较为系统、规范的专业化训练；综合练习选编了多种演奏技巧，让练习者逐步进行技术技巧的多项学习；按教学目标对乐曲进行了编选，并做了较为细致的分析，从作家、作品到作曲技法，让练习者注重演奏技巧与音乐的密切结合，将演奏技法运用于具体的情感表达的音乐表演中。

该书共分为三部分：基本练习、综合练习和乐曲演奏。编者在基本练习部分讲解了左手和弦练习和双手配合练习，这是手风琴入门的必修课，只有将左手和弦练习熟练到位，才能进行双手配合的练习。而在左手和弦练习的篇章里，编者分五个步法进行讲解：大三和弦原位及其转位练习、小三和弦原位及其转位练习、属七和弦原位及其转位练习、减七和弦原位及其转位练习和低音和弦的综合练习。这五个和弦法循序渐进，由浅入深，引导初学者逐步熟悉并入门手风琴。学习完左手和弦练习的基本方法后，编者开始讲解双手配合练习的技巧，主要有以下几点：右手五指练习、双手配合练习、音阶练习、半音阶练习、琶音练习、分解和弦练习、三度音阶和六度音阶练习、和弦的断奏练习、四度音阶和五度音阶练习、八度音阶练习。这部分的练习是基于右手和双手配合练习熟练的前提下进行的，也是层层深入的练习方法，经过这部分的逐步练习，更能加深初学者对于手风琴的了解，使他们加快掌握这门乐器。经过基本练习后，才开始教授综合练习的相关内容，综合练习部分共讲述22首曲子的练习，是对基本练习的一次总结升华。最后一部分是18首曲子的自我演奏，先将曲子的谱子等呈现给读者，让他们将前文所学知识发挥出来，自主练习达到检验巩固的效果。

手风琴这门乐器比较特殊，它在音色和音域上都有其独特的魅力，这也吸引着越来越多的人开始喜欢并学习这门乐器。初学手风琴的时候，除了学习基本方法之外，还应把握住一些技巧，首先要对乐曲进行了解，对手风琴的构造进行了解，这样才能更好地驾驭手风琴，才能逐步演奏出美妙的曲子。尽管手风琴教育的发展正处于上升趋势，但对基础理论和专业文化的研究还较少，这有待于专业人士的开拓和发展。《手风琴演奏与技法分析》一书的出版可谓久旱后的甘霖，在手风琴教学这片领域上滋润着众多初学者，编者首先将理论知识讲解得特别系统透彻，易于初学者理解，而且还对众多知名曲目进行了详细的讲解指导，可以说该著作对手风琴教学指导作用不言而喻。它不仅是为本科生的基础课而编写，也为手风琴专业硕士生的理论研究提供了一个思路。在本科生学习进程的基础上，对演奏技法进行了较为深入的分析研究。因此，编者编写的目的在于：不仅为本科生提供学习、演奏的教材，也为手风琴专业硕士生的学位课程提供研究素材。该著作也在教育界得到普遍推广，并且获得了上自教育管理者、下至广大手风琴爱好者以及学生的一致好评，对提高手风琴的演奏水平起到了积极的作用，这是一本值得手风琴学习者和教育工作者深入学习研究的好书。

（包颖/北方民族大学音乐舞蹈学院讲师）

初学者配音技巧篇2

以传授钢琴初级演奏知识、技能为目的的教材都属于钢琴基础教材。基础教材选用的含义：是否更新了观念、明确了方法、体现和运用了最新成果；是否体现了基础教学特定的教学目的、教学内容及教学方法。因此，选择适当的基础教材进入钢琴基础教学就显得尤为重要了。对于目前市场上出版的各种钢琴基础教材，笔者进行了深入的了解和分析，从结构、内容、进度、趣味、音乐等方面进行比较与研究，根据它们各自存在的优点和不足，兼收并蓄为我所用。如上海音乐出版社出版的《天天练练》，四川文艺出版社出版的《新编钢琴入门与进阶》等,目的在于帮助练琴者锻炼手指，使之坚实有力和灵活。

时代在发展，教材在更新，这必将促使教学内容和教学方法要改进。随着钢琴演奏技术的不断提高和创新，双手最初都只在高音谱号的范围内弹奏的形式已不能适应当前的学习要求，要想在初级阶段让学生感兴趣，首先要采用趣味的、形象化的教材导入，既注重在趣味中培养音乐爱好，又注重在训练中目的性较强地解决演奏技巧。笔者选择了在我国钢琴教学中应用较广泛和正在推广的教材进行比较分析研究，提出一些自己的观点，供参考和探讨。它们是《拜厄》《车尔尼钢琴初级教程op.599》《约翰·汤普森现代钢琴教程》《天天练练》《新编钢琴入门与进阶》。

德国作曲家费迪南德·拜厄在编写《拜厄钢琴基础教程》时，正是德国古典乐派最兴盛时期，也是浪漫派初期时代。

卡尔·车尔尼作为一名奥地利音乐教育家、钢琴教育家，一生写了无数钢琴练习曲。他在钢琴教育史上的地位是在贝多芬时代和现代钢琴演奏间架起了一座桥梁。

美国钢琴家、作曲家约翰·汤普森尝试运用简明扼要的教学方法让儿童对钢琴弹奏产生兴趣而出名。

美国钢琴家、教育家埃得纳-梅·伯纳姆编写的《天天练练》，以循序渐进的短小练习，达到手指坚实、有力、灵活，被广大教师和学生所喜爱。

我国著名钢琴教育家但昭义编写的《新编钢琴入门与进阶》，是他以自己多年的教学经验和博采众长的方式总结归纳写出的教材。

从教材的结构内容来比较

《拜厄》大致可分四部分：第一部分为音乐入门知识，主要特点是直观性强。例如：在学习等音时，运用键盘图说明，一目了然。第二部分为触键的准备练习。如：左右手单、双手触键练习，训练手指的独立性，与教师的联弹练习增强了学生的学习乐趣。第三部分为教材的核心部分，是技巧训练渐进的双手练习，逐步达到锻炼手指有力、灵活之目的。第四部分为一些基本练习和二十四条大小调音阶。

《车尔尼钢琴初级教程op.599》是车尔尼系列钢琴练习曲的入门教材，创作于车尔尼开始专门从事钢琴教学时期。斯特拉文斯基也提到：“车尔尼练习曲不但给我带来好处，也带来真正的音乐享受……”练习曲是根据不同的训练对象和各种技巧从实际应用中编写出来的。它基本是以旋律加伴奏式的技术训练为主，与《拜厄》有一定的相似之处，但在触键方法、音乐表达和应用各种表情记号及在调性变化、音色变化的分辨力上都比《拜厄》提出了更细、更高的技术要求，同时在歌唱性连奏、手腕断奏、和弦、两连音的训练等方面都给予了大量的训练内容。如第11、19、29、38、43、51、56、57、66、73、80、92课等，以右手的五指独立训练为主，左手伴奏为辅，一定要注意4、5指是否站稳，声音是否到底。准确使用指法、熟练转换和弦并合理利用手指的重量是弹好练习的关键。

《汤普森现代钢琴教程》俗称大汤普森，共五册，前三册以基础教学为主。这套教程的特点是以音乐名作为基础，进行简易改编，每首乐曲具有标题及特别技巧的说明，对于初学者来说增添了不少兴趣。此外一部分乐曲附有歌词和相关插图。汤普森在编完此教材后又为更年幼的孩子们编写了一套教材，共六册。俗称小汤普森，其特点与大汤普森类似，只是程度上比大汤普森安排的浅显一些。这里只就一二册加以比较分析。第一册的学习重点是：（a）理解音乐的基础上学习弹奏，注重感受音乐和音乐基础知识的引入；（b）从c大调开始逐步引进其他调性，在出现的节拍、全音、半音、音程、和弦及转位等方面都逐步引入并将有关的音乐常识和常用音乐术语恰当地加在练习曲中；（c）在一些乐曲中出现不同手位，培养学生的移调能力；（d）注重培养读谱习惯和识别音型，通过各种不同类型的模式培养弹奏音乐的流畅性与节奏，把握整体的结构感；（e）引入触键的不同要求，在连奏、手腕断奏、和弦、两连音的训练方面都引入较形象的乐曲，如《讨厌的啄木鸟》《布谷鸟》《钟声》等。第二册是在巩固基本技术的基础上加强音乐的理解力和表达能力，循序渐进地扩大表达的音乐内容，它不局限在钢琴音乐，引进歌剧音乐、舞剧音乐、歌曲等，如《哈巴涅拉》、奥芬巴哈的《船歌》等。乐曲的曲式结构前三册多采用单二部和单三部曲式，多采用近关系调、关系大小调和同主音大小调的转换。同时引入穿指练习、大、小调音阶、半音阶、琶音、倚音、踏板等乐理知识和弹奏技巧方面的学习，为掌握新的技巧奠定了基础。这些形象化的乐曲使学生在趣味学习中淡化技术概念，趣味学习，使技术的训练在不知不觉中得到了发展和提高。因此，此套教材很适合与《车尔尼钢琴初级教程op.599》搭配来进行教学。

《天天练练》共七册，是一组组的系列练习曲（每组十二首）。这里也只就较基础的前四册加以分析、研究。它们以循序渐进的练习形式为引导，以独特的短小练习为单位并配有形象化的标题和简笔画，让学习者很容易理解。这一点与汤普森较相似。开始，先作轻柔的慢练习，熟练后再逐步增加练习量，直到能正确地弹奏十二首为止。当学生能熟练而正确地弹奏第一组十二首时，再以同样的方法练习其他各组。可将每一组练习在不同的调上进行移调练习，这对学生是很有裨益的。虽然练习短小，但训练内容极其丰富，在每一组（十二首）练习中都安排有不同的节奏、音型、音区、奏法等各方面的技巧训练，如：开始练习短音阶、分解和弦时是以四分音符为单位，弹奏得慢、轻一些，然后逐渐地快、响一些；练习和弦时用中速，并用弱、中强、强等不同的力度变化来学习，逐步达到手指坚实、有力和灵活之目的。

《新编钢琴入门与进阶》分上下两册，上册按照技术课题以循序渐进的方法，使学习者通过一本书即可学到较全面的基础弹奏知识，这是本教材的一个特点。下册主要是把适合初、中级教学的一些中外优秀曲目编辑成册，是上册的延伸和发展，但没有逻辑上的依赖关系。就上册进行比较分析，基本内容由四个部分组成：第一章，钢琴弹奏基础；第二章，奏法与技法；第三章，综合进阶训练；第四章，手指快速跑动。它在开篇处和每一个新的技术课题出现处都作了详尽的教学说明，使教学进行的目的性和实际运用性得以充分体现。

以上五本教材在基础训练安排方面都有各自的要求，但在入手上又各有所长。总体要求是开发手指的基本机能，强调手指的独立性及乐谱的基本知识。不同的是《拜厄》《车尔尼钢琴初级教程op.599》较传统，在手指训练上缺乏灵活性、趣味性、音乐性，安排进程较平板；《汤普森现代钢琴教程》《天天练练》及《新编钢琴入门与进阶》结合识谱，开放式思路，不局限在一个音区，在训练安排上注意了音乐性和趣味性相结合的教学思路，使学习者有弹奏的兴趣，而不被枯燥的手指练习击灭学习热情。

从教材的进度安排来比较

《拜厄》在结构、进度安排方面有较强的逻辑性和系统性，主要表现在两方面：其一，从手在键盘的位置上来看，是按五指顺序从c——g音开始的训练，逐步转移到g——d、a——e音。先是双手平行八度的进行，再发展成右手保持c——g，左手移至g——d位置，既拓展了双手弹奏的音域，又训练了双手相对的独立性。同时运用乐句的高八度重复以及音阶的引入使五指支配音域得到自然、合理的展开。其二，在时值的学习上是以循序渐进的原则安排，从全音符到二分音符、从附点二分音符到四分音符、从八分音符到十六分音符由浅入深、由易到难、由简到繁的学习过程。

任何教材都不可能是完美无缺，总会存在一些不可避免的缺陷，《拜厄》同样不例外。其一，从开始学习就一直放在高音谱号上，直到第54首突然出现低音谱号。其二，将五指固定在五个音上，使手指在较长的一段时间内，在键盘上的活动受到束缚，造成学习枯燥乏味之感。其三，没有专门的断奏训练，只有在少数的乐曲句尾中出现跳音和顿音。其四，音符时值的安排不太合理，如：八分音和十六分音符的练习安排间隔太长。其五，教材的后半部分（从85—105）技术难度加深的不合理，有些过快了，学生往往学到此就立即反映出不适应。

《车尔尼钢琴初级教程op.599》在结构、进度方面有较强的逻辑性和规范性，表现在：其一，no.1—10以4/4拍为基础，双手全部在高音谱号范围内，少量出现三和弦的练习，五指位安排较平稳。no.11—31左手多以各种分解的形式出现，其中n0.19是第一条弹奏一个八度内的音阶练习，n0.32第一次出现低音谱号，n0.33首次出现左手弹十六分音符，n0.36出现临时升降记号。其二，整套教材奏法丰富——n0.20、23、30、31、51、56、57、68、73、84等有跳奏、连奏、断奏、断连奏、双音、和弦、三、六度、半音阶、同音轮指、临时升降记号、音阶、琶音、倚音等等。其三，音乐性较强。在歌唱性乐句中对连贯性提出要求，如29、36、73、84等，在欢快性乐曲中对手指的弹跳性要求较高，如44、83、95等。其四，技巧训练循序渐进。断奏与连奏频繁交替，双音、和弦、大跳及双手交叉等技术领域进一步扩大。

《汤普森现代钢琴教程》根据前三册的结构内容来观察其技巧的发展与演进，可发现作者对教材作了系统的安排和持续的计划。其进度不像《拜厄》那样前松后紧，而是整体都比较紧凑。在读谱方面，也很有特点，每首乐曲都有标题及特别技巧说明，对音乐欣赏和基本乐理有较系统的引导，并配有适当的笔下练习作业。此外一部分乐曲均附有歌词和插图，对初学者来说增添了不少兴趣。逐渐展现了钢琴演奏的基本技巧，教材从一开始引入大谱表，同时出现了全音符、二分音符、附点二分音符、四分音符等，表情记号和临时记号也较早就出现使用了；在手位安排方面，从平行八度的c大调五指音型手位开始，逐步延伸到g大调的五指音型手位，很自然地引出双手弹奏这两个调性的音阶，在第一册结束前引出了四个升号和四个降号以内的其他大调；在技术训练方面，一开始就学习双手弹奏单音连奏、双音与和弦练习及力度、乐句的要求，手腕的断奏训练也较早出现。在节拍节奏方面，常见的拍子（2/4、3/4、4/4、6/8）及附点和切分节奏在第一册就有出现，并设有专门的练习。此外，安排了较多的弱起节奏的乐曲。

《天天练练》共七册，以循序渐进的练习形式为引导，入门册以走路、单脚跳、右手拍球、左手拍球、翻滚……预备册以跑步、跳跳蹦蹦、双脚跳、大劈叉……第三册以深呼吸，第四册以醒来、双手伸展、刷牙、下楼、引体向上等形象化、生动简练的提示来进行学习。在练习进度方面第一二册从四分音符入手，以原位训练为基础，多种奏法并存的方式来进行训练，如第一册第四组的第10首就较早地接触同音无声换指的训练方法，目的是在短小精悍的结构下逐步完善技术培训。从第三册进入音阶、柱式和弦、分解和弦练习，打破常规的训练方式，让练习者开始训练就不畏惧在键盘上的远距离跑动，笔者认为此套教材的最大特点是，每进行一组学习都在强化左、右手同步训练的可能性和必要性，这是其他教材所不及的一个方面。从手的位置来看，教材从双手固定的五指位置开始，练习中有手位的移动和手指的扩张、收缩、穿跨。在读谱方面，不像《拜厄》《车尔尼op.599》，而是在入门册当中就涉及到大谱表、临时记号、黑键等。

《新编钢琴入门与进阶》在学习的进度安排方面是有意识地将各个方面训练内容有计划、有目的、有趣味的设计。从手指支撑这门课题开始，强调它在基础中的重要地位，入门阶段必须把落指的支撑训练贯穿在学习的全过程中。从分列的18个奏法与技法中体现了现代钢琴演奏需要的基础不仅仅是手指这一个“点”，而是一个更宽大的“面”的教学理念。从弹奏发音正确、清晰、均匀，到基本流畅，加强手指的挥动能力，增强手指的独立性、灵活性，注重开放式的训练，纳入丰富的训练方法，增加音乐知识，充分体现现代教学新理念。

从以上教材的比较分析研究，我们发现，《拜厄》从现展了的科学教学体系的角度来审视，总体来讲显得太单一、太局限了；《车尔尼钢琴初级教程op.599》较之好一些，在训练上比《拜厄》进阶速度平稳、系统，但也是显得单一、局限了。《汤普森现代钢琴教程》《天天练练》《新编钢琴入门与进阶》总体来讲较注重实效，主张钢琴演奏技法和音乐表现要根植于启蒙教育，并要求在入门阶段就为日后更深层次的演奏建立基础，抛弃了“基础”仅仅是“手指”训练为主的较为陈旧而片面的观念，故它们的进阶链条是开放式的、综合性的。

从教材的音乐性来比较

《拜厄》是一个典型的手指性训练教材，它着重于技术练习，绝大多数作品是旋律加伴奏的主调性音乐形式，极少涉及到复调音乐（个别几首运用了一点复调手法）。旋律写作略显单调，和声运用多是主和弦——属和弦——主和弦，主和弦——下属和弦——属和弦——主和弦的终止式等，调式、调性变化不够丰富。在教材中虽然也选用了一些民歌，但在技术方面不太适合初学者弹奏。综合几方面来看，此教材偏重于技术训练，而对歌唱性训练有所忽略。

《车尔尼钢琴初级教程op.599》的内容以技术性练习为主，基本写作手法也是以旋律加伴奏式的主调音乐形式，复调写作手法在教材中几乎没有体现。但在旋律的写作上具有较强的歌唱性，并在奏法的运用上也比《拜厄》丰富，如：装饰音的使用、临时升降记号及各种不同类型技巧的综合运用。和声写作方面，主要以大小调体系的功能和声为主，伴奏织体较简单。多数乐曲为活泼欢快性质，少量有进行曲风格的，如no．55，如歌的有no．71、典雅风格的有no．78作品等。节奏节拍写作方面，常见的节拍都有体现,节奏的写作变化丰富多样, 综合几方面来看，此教材既重视于技术训练又重视歌唱性训练。

《汤普森现代钢琴教程》基本是以风格各异的主调音乐为主的结构形式，节奏鲜明、形式多样的旋律为特色，乐曲情绪有欢快的、恬静的、热烈的、忧伤的等。从取材风格上来研究，尽管大多数乐曲是采用编曲的形式，但它从巴洛克风格到现代风格的作品无所不包。特点是以音乐名作为基础，简易改编为特征，每首乐曲具有标题及特别技巧的说明，对音乐欣赏和基本乐理有较系统的引导，并配有适当的笔下练习作业。此外一部分乐曲均附有歌词和相关插图，对于初学者来说增添了不少兴趣，逐渐展现了钢琴演奏的基本技巧，变化丰富多样，因而也成为一个教育性和音乐性结合较完美的钢琴教材。循序渐进的扩大表达的音乐内容，它不局限在钢琴音乐，引进歌剧音乐、舞剧音乐、歌曲。如《哈巴涅拉》、奥芬巴哈的《船歌》等，音乐类型丰富多彩。同时引入了穿指练习、大、小调音阶、半音阶、琶音、倚音、踏板等乐理知识和弹奏技巧方面的学习，为掌握新的技巧内容奠定了基础。这些形象化的乐曲使学习者在趣味学习中把技术概念淡化，使学习变得趣味起来，技术的训练在不知不觉中得到了发展和提高，在音乐鉴赏能力方面也得到了同步增长。

《天天练练》是以培养学生良好的、赋予形象化的、较渐进的动机来创作的。除了在训练演奏技巧方面上的精心设计外，在培养学生的音乐知识和音乐素养上做了精心的安排。形象生动的标题小曲不仅训练了学生的弹奏技巧，而且有利于培养学生的乐感和音乐理解力。它注重鲜明的练习要求、体现表达音乐上的趣味性。形象的标题与插图不仅可以从视觉上加深对小品的印象，而且有益于激发初学者的想象力。

《新编钢琴入门与进阶》强调钢琴教育应把艺术教育放在首位，摒弃了基础就只是手指技术这单一的概念，对音乐生动活泼的体现加以强调。如把经典作品的主题移入初级教学中，注重把民族音乐注入教材等等。

如何认识音乐与技术的关系，是基础教学中重要的一个课题，笔者认为它们是辩证统一、相互依存的关系。音乐依靠技巧来表现，技巧为音乐服务时才体现出它的价值魅力。音乐表现是目的，技术是表现音乐的手段，它们是相互转化的关系。《汤普森现代钢琴教程》《新编钢琴入门与进阶》在处理此课题上有一定的突破。

初学者配音技巧篇3

关键词：声乐学习 心理活动 心灵的歌声

声乐艺术是人的艺术，它通过人的思想、感情利用声学上的各种技能而获得成功。它的整个过程，既是技能方法上的过程，又是充满了心理意识的过程。声音的高、低、强、弱、快、慢、长、短，共鸣的嘹亮，声音的优美，色泽的圆润，以至个性、风格、色彩，激情演绎，无不从心理意识上打动人心。声乐学习从开始学习发声到表演，处处都离不开思想意识和心理准备。本文从心理学角度谈笔者对声乐学习的几点思考。

一、声乐学习从感觉入手是很有效的方法

模仿的运用

歌唱与发声技能技巧离不开歌唱者的感觉。对于初学声乐的学生来说，有些歌唱发声技能技巧很难用语言描绘，即使语言能描绘清楚，初学声乐的学生也很难理解。此时，就需要有一种最初级最直接的、让学生认知和理解声乐学习的方法——模仿的运用。

对于声乐的学习来说，模仿是其中一种常见的手段，恰当的模仿可以很快达到学习的目的。早在2000年前，古希腊哲学家德谟克利特就认为艺术起源于对自然的模仿。他说：“从蜘蛛那里我们学会了织布和缝补，从天鹅和黄莺等鸟的歌唱我们学会了唱歌。”亚里士多德认为模仿是人的本能，只是模仿所用的媒介不同，所取的对象不同，所用的方式不同。教师的示范极其重要，一些只能意会不能言传的技巧，如“声音位置的感觉”“声音共鸣的感觉 ”“气息控制感觉”等，如果从心理、意识上着手，运用模仿手段，就会变得简单、容易，心理意识使复杂的肌肉运动过程自动实现。通过教师的示范、学生的模仿，学生才能对“难以理解”“难以控制”的复杂过程得到感知。由此可见，模仿这种学习方法不仅出自人的本能，而且能最大限度地适应音乐艺术的规律和人的心理特征，它是通过视觉、听觉、动觉等感觉产生的，也是人类“呀呀”学语本能对位性的显现。

灵敏的听觉训练

初学声乐的学生，总是要不断认识歌唱的科学规律，一切声乐技巧都靠意识来统治发声器官，使它按照预定要求进行动作的结果。意识指导正确与否，通过声音效果和演唱效果来进行判断，耳朵最先对这种效果进行感受，通过听觉反应，经过思维的分析、综合，便形成一个正确的心理及科学意识，进而指导肌体动作。有些学生在声乐学习的过程中，学习的热情非常高，歌唱的欲望非常强，张口就唱，对听觉反应没有任何心理意识，没有内心的自觉意识，演唱盲目，这是非常错误而有害的。灵敏的听觉反应是声乐之舟的导航器，它可以让你感受声音的刚、柔、强、弱，节奏时值的长、短，声音的喜、怒、哀、乐。灵敏的耳朵不但要聆听“优美、动听”的科学声音，还要听紧张、虚散等不对路的声音，通过这样的对比，找到正确声音的路子和方向。不但要听自己的声音，还要听别人的声音，分析别人的缺点自己是否存在，别人的优点自己如何学习借鉴。通过灵敏耳朵的聆听来进行自我观察，逐渐提高对歌唱发声技能技巧的认识能力。

声音既不像文学所用的语言那样具有清晰具体的语言性，也不像雕塑所用的形体那样具有鲜明实在的造型性。声音在现实中缺乏原型，造成了它的朦胧性，看不见、摸不着，但是通过听觉，我们却可以掌握它的一些基本特征，从而可以根据相应的感受作出肌体的反应。所以，耳朵的听觉反应，是声乐学习者的良师益友。

二、声乐学习要注意分配技能的培养和训练

声乐学习中的注意是心理活动对一定对象（歌唱技能、发声技巧等）的指向和集中。在同时进行两种或几种活动的时候，把注意同时指向不同的几种对象叫做注意的分配。实践证明注意分配是可能的。如歌唱家在舞台上表演时，眼睛看着观众、耳朵听着伴奏、嘴里唱着歌词、手在表演，注意还指向速度、节奏节拍、技巧、情绪和情感、人物形象等等。

声乐学习中要合理分配注意的能量，没有反复的、长时期的训练是不可能做到注意能量的分配进而达到自如运用。认知心理学家把注意的能量分配看作“聚光灯效应”，即：“在灯的瓦特数不变的情况下，聚焦大小与灯的亮度成正比”。 当注意心理指向多种活动或一个系列的运动时，注意的能量就会有意识地出现不同程度的分配问题。

人的注意分配技能是后天培养和训练出来的，我们能否在同一时间内把注意分配到几种活动上，必须依靠一定的条件。同时进行着的两种或几种活动中，必须至少有一两种活动是已经熟练和自动化了的，只有这样才不至于顾此失彼。声乐学习是多种活动的训练，如呼吸训练、打开喉咙训练、吐字训练、表情训练、放松下巴训练、歌唱姿势训练、表演训练、情感体验训练等等。当这些活动都很生疏时，把注意同时指向各种活动肯定是不行的。因此，必须分别练习、各个突破，经过长时间的磨练，在头脑中形成一定的反射系统，演唱时才可以不费力气地同时完成各种活动。

三、声乐学习离不开丰富的想象与积极的联想

想象与联想是一种特殊的思维形式，通过积极主动地想象与联想，能生动形象地间接概括歌唱的发声特点。在声乐的学习过程中，想象与联想的空间是无限的，它是一种无形的力量，推动着声乐学习者的进步。

积极主动的想象与联想是声乐学习的必需方法之一。音乐家史开勒斯说：“在唱一首歌的时候，是思想把歌儿唱起来。”歌唱者本人就是自己的“乐器”，在操纵自身乐器的过程中，人的声音看不见、摸不着、难以观察，是种抽象的物理音响。教师为了让学生理解声音、习得演唱方法，会用上许多具有启发意义的教学语言，例如用比喻性词语、某种场景的写实或夸张性的描述等等。学生依据教师的启发与引导，展开想象与联想，想象与联想越丰富，对音乐、发声技巧的感觉力就愈加敏锐、愈加强烈，对抽象声音、技巧的概括重组就越快。

想象与联想为建立正确的声音概念、掌握正确发声技巧提供了更多的可能。例如“哼鸣”练习，要求口腔里像含着一小块糖，脸部保持含蓄的微笑，声音靠前，集中在鼻腔，像小声哭泣般送出来，学生通过以上的语言引导，通过积极想象，联想“伤心、小声哭泣”的情景，便可以很快找到声音的位置以及面罩感。再如“闻花式”吸气，为了让学生在吸气过程中能充分打开鼻咽腔而又不至于提气，要求“把花的香味闻到肚子里去，甚至更深的丹田周围去”。通过这样的引导启发，学生加以想象联想的积极配合，不但能打开鼻、咽、口腔通道，还能很好地稳定气息，达到更好地演唱的目的。

四、声乐学习需要坚强的意志行动和自信心

意志行动

“意志”在《辞海》的解释是为达到既定的目的而自觉努力的心理状态。在每一个声乐学生的心中，都有一个共同的目标：学好，唱好。在这个艰难而漫长的过程中，所谓“自觉努力”，应该是指在声乐的学习过程中，始终保持强烈的歌唱欲望和积极的学习心态。来到声乐课堂，看见老师，看见钢琴，内心就要进行积极的心理暗示“我想唱”“我很想唱”，把老师所讲的歌唱方法在内心进行意念式练习，从无声的气息练习开始，从简单的发声练习开始，就要表现出这种兴奋状态。在演唱或发声之前，演唱和发声的效果已经作为行动的目的存在于大脑之中。通过意志的心理调控，带动意志的行为调控，促使肌体肌肉微妙恰当协调，这样，口、咽腔打开了，气息顺畅了，声音通道建立了，声带的张力精确了。随着音高的逐渐增高，意志的支配力量也越强。

实践证明，意志坚强的歌唱者克服歌唱发声中缺点和错误很快，接受正确方法也较快。意志力薄弱者，不仅克服歌唱发声中的缺点和错误较慢，接受正确方法也较慢。歌唱家卡鲁索毕生刻苦磨练，意志坚强，被誉为有史以来最伟大的男高音。男低音歌唱家夏里亚出身贫苦，小时候做过鞋匠、艺徒及商店抄写员，还在流动剧团当配角，由于酷爱声乐，刻苦好学，毅力超人，唱作俱佳，表达歌曲入木三分，刻画人物栩栩如生，具有崇高的国际威望。声乐学生运用意志心理进行声乐学习，是一种极为重要的方法。

声乐学习是一项艰苦的劳动，不但要付出辛勤的汗水，还要求学习者有百折不挠的顽强毅力。一般来说，基础训练并无速成的诀窍，一个技术、技巧的获得，声音观念的树立，需要花大量的时间和精力。歌唱的技术、技巧只有在实践中反复训练，在对与错中反复感觉、分辨，才能理解进而掌握。

“自我意识”与自信心

声乐学习保持良好的心态，有强烈的歌唱欲和表现欲是十分重要的，没有信心就不会有饱满的热情，更谈不上学好声乐。多唱（歌唱欲望）、敢唱（表现欲望）对声乐的学习是十分必要的。随着学习的逐渐深入，在歌唱的“不自然”阶段，有些学生的心理会产生微妙的变化，意识到自己的声音离老师的要求较远、有差距。一段时间内仍没有找到理想的声音，缺乏学习声乐应有的耐心、恒心，以至逐渐失去了歌唱的信心，认为自己唱不好，对自己的声音没把握，便不愿去练，不敢开口，纵使是开口唱了，也是被动、消极应付，久而久之便产生歌唱恐惧心理。这里需要指出的是，多唱、敢唱的目的，并不是去炫耀你的声音有多么好，而是通过多唱、敢唱来发现自身存在的问题，这就是歌唱中的“自我意识”。通过这样的自我意识，接受他人对自己的评价，总结自己的优点与缺点。当自己的心理意识评价与老师对自己的评价相矛盾时，学生就应该对自己的心理意识进行实事求是的检查，从而朝着正确的方向发展、进步。

多唱、敢唱为别人和自己提供了正确评价自己歌唱能力的良好途径，这对于提高学生歌唱发声的认识能力，培养和发展歌唱发声正确的心理意识是非常重要的。

五、多种记忆方法的运用有利于声乐技巧的提高

学生在声乐学习过程中，通过演唱实践感知过的技能技巧、思考过的内容、练习学过的动作、体验过的情感等等，在演唱完毕后，并不会消失得无影无踪，仍会在大脑皮层留下演唱兴奋过程的痕迹。根据遗忘先快后慢的规律，多回忆演唱感觉，勤做声乐学习笔记，不失为声乐学习的好方法。笔记的内容是多方面的，可以是唱某个高音的肌体感受，对好与不好的声音色彩的听觉感受、气息运用的控制感受、酝酿某种歌唱情绪的心理过程、咬字吐字方式方法、自己的某些演唱发声想法等等。通过多回忆、勤笔记的方式，就能使在声乐课堂上习得的歌唱技能技巧得到进一步强化。歌唱神经联系的形成，就是要依赖反复的练习，反复强化才能暂时巩固神经联系，识记的东西才能得以保持。声乐笔记可以很好地帮助学习者进行歌唱技能技巧的重现、再认、巩固并保持下来，逐渐积累成演唱经验。

正是由于音乐记忆，才使声乐学习者的歌唱技能技巧从无到有，从少到多，从浅到深，从单调到丰富。在声乐学习中，必须运用各种记忆方法，把知识巩固起来，否则永远是个“新生儿”。

六、声乐学习需要加强情感体验

音乐艺术不是反映事物的具体形象，而是侧重表现自我内心的情感、精神体验。在艺术实践过程中，人们必须通过各种音乐表现手段才能实现自己的艺术目标。假如把歌唱完善的技能技巧比作一棵大树，歌唱者的文化素养就是装饰这棵大树的绿叶，它对于歌曲演唱的内涵表达起着十分重要的作用。相同的一首歌曲，为什么有些人唱起来像一杯白开水，而有的人却唱得叫人回味无穷？这正是文化素养体现在歌曲中的理解力和表现力。

随着声乐学习的不断深入，学生建立起稳定的声音通道，声音色彩调整俱佳之后，在歌曲演唱方面的要求更多的就是怎样表达歌曲的思想情感，表现这种“自我内心的情感体验”，在这种“自我”的感悟过程中进行二度创作。此间二度创作过程正是检阅歌唱者文化素养以及综合素质的过程，一个优秀的歌唱者不仅要有精湛的歌唱技能技巧，更要有丰富广博的文化知识修养。演唱一首声乐作品，只有深入地分析其内涵，理解其内容，才能把作品表现得淋漓尽致。例如演唱歌曲《黄河怨》，为了恰当准确表现“国破家亡”“妻离子散”的深重苦难以及“清算血债”的决心，演唱者首先要深入了解中国的抗战历史，了解此音乐作品产生的时代背景以及作曲家的生平，甚至要去欣赏相关的影视资料，如《南京大屠杀》等，激发强烈的爱国热情，在演唱时通过内心积极想象联想，心潮澎湃，在这样的情绪之中就一定能很好地表现这首声乐作品。

可见，学习声乐不但要有好的嗓音、乐感和良好的声乐基础训练，还应有较高的音乐素养、艺术修养和相应的文化水准，这里且将其统称为文化素养。要通过文化素养来加强情感体验，提高声乐学习者的悟性、理解力和表现力。因此，声乐学生在歌唱技能技巧提高的同时，不要忘记提高自身的文化素养，让歌声真正成为“心灵的歌声”。

参考文献 ：

初学者配音技巧篇4

一.儿童歌曲弹唱课程教学现状

在儿童歌曲弹唱课程的教学方面，许多学校的教学都存在着较为严重的问题，其中最主要的教学问题就是将弹唱简单地进行了弹与唱的叠加。弹唱需要的是一种技术性与艺术性要求均较高的综合艺术修养能力。我国许多城市的教育教学及研究机构普遍存在问题，不仅是师资力量的严重不足，而且弹唱方法的失误与失策。我国目前有近百分之九十以上的小学校甚至根本未开设弹唱这门课程。在实际的教学过程中，绝大多数音乐教师仅仅能够做到音乐的理论教学阶段，而未能将音乐理论与音乐实践融入到音乐教学中去，就更谈不上使得儿童们能够达到五官与肢体的自如配合与音乐技巧以及音乐语言的灵活运用了。针对上述儿童歌曲弹唱课程教学过程中所存在的诸多问题，我们提出了教学方法与教学策略方面的解决之道。

二.儿童歌曲弹唱课程教学方法解决之道

从整个音乐理论来看，弹唱教育与弹唱训练不仅与音乐实践密不可分，而且还与作曲理论、和声理论等音乐理论息息相关，好的弹唱教师不仅可以在弹唱教学的过程中将这些音乐理论潜移默化地教导给儿童，而且还可以通过弹唱达到提高儿童的整体艺术修养的超出教育预期期望的目的。弹唱也常常被通俗地称之为自弹自唱，弹唱的表现形式已经充斥于各大媒体与各种“秀”的现场，弹唱也因其较强的实用性、大众性、艺术性而被应用到包括影视剧、电影等更多的艺术形式当中。

儿童歌曲弹唱方法在单纯练习弹奏技巧的同时必须兼顾其艺术性，同时还要考虑到演唱的配合。弹唱与其他音乐形式的特殊性在于弹奏与演唱之间的弹奏动作触觉与演唱声觉的完美融合。无论是演唱技巧还是弹奏技巧都是音乐艺术的一部分，绝对不能脱离音乐艺术单独存在。在教授音乐弹唱方法时应该将音乐对弹奏的技巧要求交待清楚，同样一个音在与不同的演唱配合时要弹成不一样的效果，不一样的弹奏效果可以从触击键盘的角度、柔音保留延音踏板等技巧加以实现。初学弹唱的儿童最易出现的问题绝大多数表现在手指与键盘的距离过远，这就使得弹奏的半径过长，对于较为紧凑的乐句就会显得有点忙乱。应训练儿童们对于音乐的表达应融入到每一句唱腔之中与每一个击键动作之中，久而久之，儿童们会主动从音乐的内容中自然而然地找到恰当的音乐表达方式。和弦弹奏是弹唱的一个必备的基本功，娴熟地掌握所有和弦的弹奏技法与表现是弹唱所必需的支撑技能，在熟练掌握了和弦之后才有可能进一步实现音乐艺术的艺术性表达与感情的渲泄。

三.儿童歌曲弹唱课程的教学策略解决之道

儿童歌曲弹唱课程是融弹奏技巧、和弦技法、乐理基本知识、曲式与作品分析理解等于一身的音乐课程。儿童歌曲弹唱课程的基本方法的练习策略亦不外乎在键盘方面熟练掌握与领会和弦的使用与表现方式以及音乐元素的技巧处理方法。儿童的音乐弹唱练习是儿童学习音乐的最为重要的基础，不仅可以在练习弹唱的过程不知不觉地学会视唱的基本知识与演奏的基本技巧，而且还因为儿童的音乐素养具有极大的可塑性，使得儿童从小就具备了不练习弹唱的儿童所不具备的音乐气质与艺术修养。弹唱的基本练习策略应从声乐练习配合机体的肩、臂、肘、腕、指有序的进行，以发掘儿童的对于音乐的理解潜力为主，教师宜采用实践为主，理论随辅的原则，在实践教学中将理论知识内化到实际的教学实践之中去。根据演奏风格的变化对弹奏技巧做出相应变化，进阶的练习可以以乐句为主，逐渐变成乐段、乐曲练习。儿童歌曲弹唱课程的教学过程中应教会儿童改变弹奏风格的技巧，不仅可以通过和弦的变化，还可以通过踏板的恰到好处的控制与指力的触击角度、方式、力度对音乐的表现力加以铨释。在讲解弹唱的基本方法的练策略过程中，教师可以采用慢动作的方式，将手指触碰键盘的角度直观演示给儿童们，让他们真切了解弹奏的高级技巧及其与演唱的完美配合。弹奏与其他音乐的最大的不同就在于演奏者必须学会情绪与身体机能最快的融入音乐配合实现音乐艺术的表达。儿童歌曲弹唱课程的练习策略应该采取循序渐进的形式，从最基本的视唱开始，然后发展到边弹边视唱，让音节与键位在儿童的脑海中留下难以磨灭的印记，然后再进行双音、三音、乐句的一步步的进阶练习，每一步练习都要求边弹边唱。儿童有了一定的基础之后就可以采取练习中学习的方法向儿童教授更多的音乐理论，这些技巧一旦融入到儿童歌曲弹唱课程教学实践中去，儿童们就会觉得这些音乐理论并不是太难，是完全可以通过练习与音乐实践获得的。

（一）协调与配合是儿童歌曲弹唱课程教学中的关键策略

钢琴弹唱的老三样要求弹唱者在演唱过程中与弹奏过程中必须很好地把控音准的正确性、节奏的稳定性、速度的均衡性。在老三样的基础素质要求上，随着新时期音乐教育水平的不断发展，为老三样赋予了新的话题。首先在音准方面，发音的正确性与弹奏的按键的正确性已经成为基本要求，优秀的音乐教育工作者们还会在儿童学习的过程中有意识地为儿童指出弹奏乐音的柔化以及演唱发声的感情化。其次在节奏方面，节奏的稳定性之外，还要指导儿童在实现基本节奏的前提下有意识地调整按键的触点角度与力度以及踏板的初级应用，同时在发声的过程中应依节奏的要求注意发声的铿锵。在速度的均衡性之外，还可以教授儿童们注意连奏与断奏的灵活运用以及演唱过程中的速度疾徐的稳定控制以实现演唱与演奏的流畅性配合。

（二）技术性与艺术性之有机结合的儿童歌曲弹唱课程教学方式

音乐的技术性与艺术性的有机结合也是老生常谈的一种音乐教学企盼，但是往往在训练方式方法上觉得无从下手。其实，技术性的发声与弹奏的一点一滴的微小组合与积聚过程中，只有每一步教授的都是正确的方向，那么最终的技术性与艺术性的结合必将是水到渠成。但是，如果训练方式方法有误，那么后期的矫正也是极困难的事情。

（三）儿童歌曲弹唱课程教学方法策略探究

弹唱方法的策略是音乐教育教学中的战略性问题，那些只将究墨守固定流程式的音乐教育教学是过于死板与机械的，音乐的教育与教学首先应该形成策略，然后按照既定的策略实现教育与教学框架，在框架之下实现各种弹唱训练方法。一个好的弹唱方法策略的示例是教育与教学工作应从分析作品着手，将作品本身的曲式架构、伴奏织体的改进、和声对位的调整以及调式特点内涵的理解，并将其消化成教学的策略，然后就可以根据音乐作品中的这些精髓进行弹唱方法的系统性策略安排。在儿童的弹唱教学中的主要策略可以将气息的练习方法、音域的拓展练习方法等纳入其中。

四、儿童歌曲弹唱课程方法策略探析

弹唱方法策略大致包括弹唱的和谐性、伴奏的渲染性、伴奏的引导性、弹唱的双重内涵性以及乐感的多重性等策略。虽然从理论上儿童可能无法全部理解这些策略，但是做为音乐工作者至少必须了解这些策略，并在这些策略的指导下进行音乐教育工作。

（一）儿童歌曲弹唱课程教学之和谐性探析

弹与唱的和谐统一是儿童弹唱方法策略中的基础，也是以下各项策略的大前提，对于儿童们而言，达到这一点相对要比成人初学者容易许多，这也是许多音乐教育家们呼吁对儿童进行早期音乐教育启蒙的一个重要原因。传统的弹唱和谐策略是先从儿童的右手练习开始，逐渐加入右手与左手的配合，自如以后就可以加入左脚的配合，然后就可以加入演唱的配合。但是，这种传统式的练习方式从一开始就忽略了演唱与手脚的配合，使得儿童从一开始就会出现弹与唱的人为不和谐屏障，正确的策略就是从一开始练习就力求演唱的加入。

（二）儿童歌曲弹唱课程教学之伴奏的渲染性探析

相对于小提琴、小号等其他“人味十足”的乐器而言，钢琴是人味化、歌唱化较差的乐器，但是其在烘托乐曲的氛围、创建宏大的场景、补充和声与对位、产生丰富的旋律方面则更擅胜场，因此弹唱过程中应善加利用钢琴的特性更好地增加钢琴对于环境的渲染性。因此，在教授弹唱技法的过程中必须着重对儿童进行连奏、音色变化、踏板运用等方面的训练，使儿童从小就将优美的连奏、丰富的音色转换、踏板的灵活应用熟稔于心。

（三）儿童歌曲弹唱课程之由内心乐感到多重乐感的飞跃

儿童歌曲弹唱课程中的声乐钢琴伴奏在声乐教学中的作用没有得到充分发挥。钢琴艺术指导的作用及其与声乐教学的关系常常被忽视，是其最薄弱的环节。因此，声乐艺术指导应该受到声乐演唱者与钢琴演奏者的重视。

初学者配音技巧篇5

关键词：练习曲 来源 技巧 功能 方法

在中外器乐创作、表演、教育史上，练习曲作为一种为掌握某种乐器演奏的基本技巧或特定的技术及表现手法的乐曲，为各类器乐演奏艺术日臻完善起到了极为重要的作用。二胡从民间伴奏乐器中脱颖而出成为一门独奏乐器，发展至今已有近百年的历史，与其他著名的乐器比较，二胡艺术还很年轻。虽然二胡艺术发展起步比较晚，但因为有许多热爱二胡艺术的前辈们为之努力奋斗，积极探索敢于创新，使得二胡的发展如今有了一套相对完善的教学体系，将二胡这门学科带入了专业化的发展道路。

一、二胡练习曲的定义与来源

在西方音乐中练习曲的定义：它是一种专门为掌握某种乐器演奏的基本技巧或特定的技术及表现手法而设计的乐曲。这类乐曲可以具有一定的旋律艺术性，也可以是只为锻炼手指的各类技术而提供的技法训练的素材。可以通过这些练习曲来改善在二胡演奏技巧中存在的不足，从而提高演奏者的演奏技术，更好的服务于乐曲的演奏及表达。

在20世纪之前，中国的传统乐器都是以“口传心授，以曲代练”这一民间传统教学模式来教授，并没有科学的练习曲。直至20世纪20年代，我国伟大的民族音乐教育家刘天华先生借鉴西方乐器的教学体系及经验，为二胡编写了47首规范性的练习曲，把小提琴的科学训练移植到了二胡上，才打破了中国乐器的民间教学模式。随着时代的发展，由王国潼，赵砚臣等名家丰富发展，二胡艺术有了一套系统，科学的教学模式，从而促进了二胡教育逐步的规范化、专业化。

二、二胡练习曲的主要功能

（一）练习曲的基础性

学习乐器是一个长久的过程，在这个过程中花费时间最多的就是基本功训练。许多练习曲主要训练右手的运弓和弓法及两手配合的训练。虽然这些在二胡教学和演奏中都是最乏味的东西，但是这些基础性的练习曲可谓是重中之重。从刘天华先生的47首练习曲开始，作为二胡基础性训练的练习曲发展至今依然很受重视，占据着练习曲教材的较大部分。

（二）练习曲的针对性

在整个二胡的学习过程中，从最基本的入门学习到后来的乐曲学习以及演奏，随着学习内容级别的提高，演奏技术也越来越难。每一首练习曲都有它的目的性和针对性，这时，演奏者应该找出自己的不足，通过练习曲进行有效的训练，来改善在二胡演奏技巧中存在的问题。

1.针对基础技术技巧的练习曲

如：音阶练习、指法练习、弓法练习、换把练习、节奏练习、换弦练习及两手配合练习等。这些都是我们在二胡学习过程中必须掌握的基本技术技巧，透过这些技巧可以丰富乐曲的表现力。

（1）音准对于二胡来说既是重点也是难点，由于二胡是一种多律制混用乐器，没有品位和指板，这就给演奏者带来了音准方面的困难。除了平时要进行严格的听觉训练外，还应勤练各个调式调性的音阶练习，熟练每个调式在不同把位的指距关系，能够熟练地掌握每个音的准确位置，由而改善音准问题。

（2）右手的运弓技巧是完成乐曲和表现音乐的重要手段之一，乐曲中静与动及其缓、急、轻、重、抑、扬、顿、挫的变化，乐曲优美的音色、纯净的音质和风格都要通过右手的运弓技巧来体现。运弓最基础的就是长、短弓，换弓，换弦这三方面的技术练习。针对运弓练习有闵慧芬的《长弓练习》、赵砚臣的《十一种换弦练习》、王国潼的《混合弓法练习》、张韶的《四种换弦方法练习》等各个弓法练习。

（3）两手配合主要是节奏、力度、音色这三个方面的配合和动作协调平衡的问题，这要求我们的两只手在配合过程中要达到高度的统一。这方面的练习曲有王国潼的《两手配合练习》、周耀锟的《两手配合练习》、张韶的《两手配合练习》等。练习时我们要找出配合好坏的关键问题，对症下药，以勤补拙。

2.针对地方风格的练习曲

如：《豫剧风格练习》（杨永林编曲）、《河南音乐风格练习》（张泽伦曲）、《河北梆子风格练习》（谭明才曲）、《湖南花鼓戏风格练习》《广东音乐风格练习》等等。在众多的二胡作品中，民间乐曲和创作乐曲比例非常大，而这些乐曲大多取材于各地的民间音乐。各种不同风格的民间音乐在滑音、装饰音、揉弦、压弦以及特色音程关系等方面都存在着一定的差异性。所以，想要演奏好这些具有地方性的音乐作品，就必须要掌握好全面的风格。

（三）练习曲的音乐性

随着社会的发展和时代的进步，二胡乐曲的演奏技法仍在不断创新，其技法越来越复杂、艰深、学术含量和技术含量也越来越丰富，二胡练习曲的表现形式及内容也越来越多样化，发展至今练习曲已不单是纯技术的练习。练习曲在以技术训练为目的的基础上，逐渐加入了音乐元素，丰富了练习曲的音乐性。练习曲由原来单一的音型变成多种音型相结合、速度从前后统一到不断变化、音乐情绪从无到有，这些变化都逐渐呈现在我们的练习曲中。

三、科学的练习方法及步骤

学习与练习练习曲是两个不同的概念，在学习了练习曲之后，更多是要练习。需要一个科学的方法和步骤，才能有效的练习练习曲。

（一）做全面的分析

在平日练习过程中，有很多学生一拿着曲谱就没有计划，不动脑地乱练习，效率低下。所以在练习时首先应该做的是对其全面分析，重点注意以下三点：

第一，练习曲中的各个调号、拍号、速度、力度记号、变音记号、表情提示记号等，这些记号都是先要辨别清楚的。

第二，要学会分析乐句、乐段的结构，分析音符的组合规律。以及在一个练习曲中它的调式、调性、织体等变化情况。

第三，确定练习曲中需要解决的一个或多个技术难点和重点。

通过对练习曲整体细致的分析，能使练习者对练习曲总体内容有个初步印象，对需要解决的难题做到心中有数，从而为正确顺利的完成练习曲做好充足的准备。

（二）学会慢练

在学习任何新的练习曲时，开始都必须放慢速度练习。这样可以减轻技术上的压力，这样才能有充分的精力去处理好难点和音色上的问题，保持正确的演奏方法。在新的练习曲中，如有没能掌握的技术技巧，慢练能加快大脑与演奏器官的神经联系，有利于大脑与演奏器官的协调性。随着反复的练习至熟练，这些信息便沉淀在大脑中，一旦某种音乐信号出现，大脑就会自动指挥演奏器官正确的把它演奏出来，这种协调一致的演奏行为也就标志着技能的练习已经基本掌握和完成。

（三）攻克难点

每首练习曲都有它的技术难点，练习时我们可以将难点分解出来一句句反复练习。如赵砚臣的《活指换弦练习》，这首练习曲的难点就在换弦技术上。“换弦练习”目的是为掌握各种不同弓序和弓向的快速换弦技术。四种不同组合方式，再加上推拉弓变化就有了八种。在练习换弦时可以先抛开音符，用空弦练习这八种不同弓序组合的换弦练习，通过空弦练习过后再将整个曲子连接起来练习，掌握了换弦技术那这个练习曲的难点也就攻克了。

（四）完成练习

难点的攻克只是局部的练习，当技术难点解决之后，就应该将练习的重点转移到全曲的完整性上。练习曲中要求的速度、每个音符、每个力度记号、表情符号等都要有所体现，然后将这些带入其中完整地演奏，这样才算是完成了一首练习曲的练习。

（五）带入情感

学习演奏技能的目的是为了提高乐曲的表现能力，但好的音乐是离不开情感的投入，所以演奏者在学习练习曲时也应该注重情感表现的培养。练习曲现在可分为两大类：一种是旋律型的练习曲，这类练习曲多蕴含着情感与意境，在学习这类练习曲时比较容易培养情感的表现：另一种则是技术型的练习曲，这类练习曲缺乏旋律感，不容易带入情感练习。但是只要认真的去聆听去感受，仍可以在这类练习曲中捕捉到某些音乐气质和情感，这些朴素的情感同样能唤起我们的某些联想，从而使内心产生情感上的触动。

丰富的情感培养不是一天两天就能形成的，它是从学习生活中的点点滴滴积累而来的。所以，在练习中一定要力将乐曲所蕴涵和捕捉到的音乐情绪、意境、情感表现出来。只有日积月累使自己的情感丰富起来，才能成熟地表达乐曲的内涵，提高和丰富乐曲的表现力，使演奏技术得到升华。

四、结语

二胡技术的学习、巩固和提高，都是从无数次的重复练习中才能达到熟练的程度，即使是最优秀的二胡演奏家，也必须不断的重复练胡的基本技能，才能使自己的演奏技术稳固在最佳状态。二胡练习曲不仅仅是入门技术的学习材料，在日后的学习过程中，通过练习曲的训练还能够改善我们在二胡演奏技巧中存在的不足，对掌握各种技术技巧和音乐表达能力有明显的促进作用。因此，无论是在教学研究中还是实际的学习过程中，二胡练习曲都是具有实用价值和重大意义的，它更是二胡这门学科不可或缺的重要组成部分。

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初学者配音技巧篇6

【关键词】乐理；钢琴；初级教育

中图分类号：G623.71 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2016）12-0209-02

目前，素质教育是人们热议的话题，学校与教师逐渐把素质教育的目光放在钢琴音乐教育上。那么，怎样使学生对钢琴音乐教育产生浓厚兴趣，是每一位一线音乐教师需要考虑的问题。笔者从业多年，发现许多钢琴初学者的学习态度是积极的，不过他们对基本乐理知识的学习还不够，更有甚者，认为看明白乐谱就可以了，关于理论知识的认知持不在乎、不予理睬的态度。这些人通常喜欢具有情感意义、现实的钢琴演奏，对比较难以理解的、具有客观性理性主义的乐理知识不感兴趣，但是基本乐理掌握不足会影响到他们未来钢琴技术技巧的学习。那么，怎样为钢琴初学者普及乐理知识？本文将以笔者的自身经验进行浅析。

一、乐理

乐理是钢琴初学者首先接触的、必须掌握的知识，学会基础的乐理知识，才能把握乐谱上各种演奏记号，学会看谱弹奏。笔者在教学过程中发现，在学习钢琴之前能熟练把握五线谱的学生，学习钢琴之后一边进行基础练习，一边学习音乐基本知识，这样会达到事半功倍的效果，并且对学习钢琴的兴趣也会增加。这些人对作品的理解程度、把握技巧、展现力都会远远高于一般学生。

二、钢琴初级教学中引入乐理知识的重要性

乐理是最基本的音乐知识，从宏观上讲，其包含音乐技术理论与音乐学理论；从微观上讲，包含所有的基本理论知识。学习乐理知识是表演艺术及理论课程的首要前提，它为未来学习钢琴技术技巧打下坚实基础。大多数钢琴初学者并未认识到乐理知识和钢琴演奏的关联性。事实上，乐理理论与钢琴的演奏是不可分割的，倘若乐理理论没有充分掌握，学习者很难进行下一步学习。首先，无法预知作品的旋律走向，对句法了解不通透；其次，一些专业术语无法理解，对作品的寓意理解出现错误；最后，对五线谱感到陌生，ψ髌返慕峁共愦尾磺宄。这些因素无形中影响了学生对钢琴的练习。因此，对于钢琴学习者来说，不仅要掌握音乐基础知识，还要能熟练运用。尽管乐理理论晦涩难以理解，不过对于钢琴初学者来说也不是无法掌控的。第一，钢琴初学者基本是少年儿童以及青年，这一阶段的人群思维运转的相对较快，能够熟练运用与记忆。第二，钢琴之所以能引起初学者的注意，得益于钢琴演奏能表达出多种多样的音色。面对如此精彩绝伦的音乐器具，初学者对其产生浓厚兴趣，从而激发对钢琴的热爱，努力认真学习。第三，社会的发展为我们带来极其便利的物质条件，钢琴课上出现了多样的教学器具，如果老师改变教学方法，丰富教学手段，激发学生的能动性，就会实现理论与实践相结合的教学理论，钢琴演奏与乐理理论完美演绎钢琴音乐的韵律美感。

三、钢琴初级教学中引入乐理知识的方法

（一）把握好乐理教学原则

初级钢琴学习者大都是幼儿与青年，他们的思维跳跃快，富有创造性，所以在教学中要尽最大努力把钢琴乐理理论以游戏的形式教授给他们，不能一味地灌输，要形成“学中学，学中玩”的教学方法。如在练习听辨音时值的长短时，把四拍的节奏比作慢慢前行的外公外婆，二拍的节奏比作成熟稳健的父母，一拍的节奏比作蓬勃向上的兄弟，而半拍的节奏则比作活蹦乱跳的小孩子。另外，乐理理论还可以和其他形式的歌唱、舞蹈结合在一起学习。

（二）在钢琴演奏技巧练习中穿插乐理

钢琴集中授课形式是与“一对一”的授课形式相对立的，在理论的传播中要注意乐理知识与钢琴实际操作相结合，使用现代先进教学设备，能够有效的提升学生的音乐素养。如在教授学生乐理理论与重点时，我们可以用幻灯片展示乐理知识，加以动态的效果，这样学生能够拥有直观的感受，激发学生学习兴趣，挖掘学生的潜在能力，在听音乐、思考、说音乐的各种环节中细细体会乐感，使学生真正喜欢上音乐，感受到乐理也有其有意思的一面。通过一系列学习，学生学习兴趣提升，不再恐惧反复练习的枯燥感，加深记忆力，也能在技术技巧的训练中把乐理理论熟练运用。这样，在钢琴演奏技巧练习中穿插乐理知识，使学习者理论与实践综合运用。

（三）乐理教学方式的多样化

在传统的乐理理论教授中，教师是学习活动的中心，而学生只是接收知识的“容器”。事实上，真正意义上的学习应该是教师引导学生自己学习，学生具有一定的主动性。老师在组织活动中也要以朋友的身份积极参与进来，教师与学生是亲密友好的伙伴关系。例如，在演奏需要双手相互配合的作品时，首先要带领学生弹奏，让学生体会音节与音节之间的联系，理解其关系后再用语言表达出来，从而能够引导学生对乐理理论的学习，使学生能够独立思考，具有主观能动性。另外，老师与学生之间进行互动，使学生能够欣赏老师的示范，学会画折线图，也就是让学生在一张用硬纸壳做成的空白五线谱上，把刚刚听到的音用笔在其相应的线、间位置上画成一副线条走向的折线图，这些都可以增强学生的参与性，能集中初学者的注意力，取得不错的教学效果。再如，播放一些学生喜欢的流行作品让其倾听，启发他们在演奏中剖析乐理。教师可以从学生的角度来设计教学方案，将有关联的乐理理论和音乐作品联系起来，更好地激发学生学习兴趣。为了打破乐理理论学习的乏味性，教师可以采取合作与竞争的手段来提升学生学习兴趣，把学生积极向上的心态和知识联系起来，激发学生主动学习能力；还可以在钢琴教学中采取问答、抢答的教学方法，阐述答案、解释答案的根据，依据学生回答问题的准确率决出第一名，在班级予以激励表扬。经过一系列比赛游戏的方法使学生投身于钢琴学习中，师生有效互动，在无形中培养学生独立自主的学习习惯，增强学习能动性，实现乐理教学方式的多样化。

（四）用感悟促进技巧的掌握

学生对音乐产生浓厚兴趣、深入理解后，就会产生真正的依赖与热爱，这可以使学生拥有更加迫切的想要了解音乐的动机。拥有寻求知识的欲望与持续的动机后，接下来培养学生情感的感召力与感知能力，主要是指感，基本乐理的理会、领会和独自处置音乐作品的能力。每个人对作品的理解程度都是不同的，这与生活经验、音乐感悟力息息相关。钢琴基础技术技巧的练习是为了深入表达作品的内容与感情。从学习音乐开始就要注意引导学生对每部作品的感知能力。比如练习拜耳等作品时，就要求学生依据谱子上的表情记号进行演奏，并且注意手臂、手腕、手指的密切合作，将强与弱的力度细致地表达出来。在反复练习时，要认真听、品、说，认真弹奏好所有的小节亦或是音符。由此对作品的掌控力就水到渠成，随意的变换节奏、强弱，达到天人合一，融于音乐殿堂之中。

（五）乐理知识学习必须坚持长效性

音乐理论因为表象性不强，本质比较晦涩，所以多数学生短时间内不能学会，并且遗忘速度非常快。在教学中，教师教授的知识是有限的，并不能把全部技术讲授出来，这就需要学生养成良好的学琴习惯，把音乐理论与实际演奏相结合。例如，旋律与和声、三和弦等可以分配到练习作品中，每天坚持练习，渐进学习。而且，在训练过程中不仅是单纯的手指运动，还要形成带着问题弹奏的习惯，要善于发现问题，才能不断进步。钢琴音乐理论知识的学习不是死记硬背，而是应该活学活用，只有能够熟练运用了，才能辅助钢琴演奏，例如，在能够熟练演奏一首作品后，要做到能够依据自身的知识，自然改变旋律、节奏，学生可以增加一些辅助音来充实作品的韵律。经过一系列风格的弹奏，使学生能够自己创造曲目，把钢琴演奏加上个人色彩和个性特征。

上述提到，大多数钢琴初学者都是幼儿与青年，他们拥有一颗单纯、善良的心，他们的内心希望得到夸赞与鼓励。如果教师能关注他们的内心，对待他们渴望的目光，积极予以赞扬鼓励，使他们感受到尊重与关注，那么学习钢琴理论知识的效果就会提高，更有甚者对音乐理论知识产生极度偏爱，为未来钢琴学习之路打下坚实的基础。与之相反，如果教师采取强制管理、粗暴语言的评价方式，有可能伤害学生的自信心与自尊心，学生对乐理知识产生消极的心理，甚至对其成长与未来发展产生消极影响。当学生能够熟练弹奏后，老师应该有目的、有层次地提出一些问题，不过要掌控好问题的范围与难度，不要超过学生的认知维度。比如“你弹奏得非常好，那你能给老师讲一讲这句话是什么意思，什么节奏吗？”，用求知的语气与巧妙的方式提问，会增强学隆的自信心，他们会认真思考，组织语言来为你解疑。

（六）在乐理掌握中加深感悟

儿童天生就会对一切美好的事物感兴趣，他们对音防砺鄣恼瓶厥欠⑾忠衾置赖母源。儿童对音乐作品的内容与情感更敏感、执着，他们会在享受听觉盛宴与自身演奏中产生丰富的情感，释放自己的情绪。这些情感的领会，会使儿童与音乐之间的情感能够密切联系，建立丰厚的实质感情。

综上所述，在我国实际教学中，钢琴教学一直注重弹奏技术技巧的练习，而忽略了与之密切联系的基本音乐理论知识，这直接影响到中国钢琴教学健康发展。实现钢琴初级教育中的乐理普及是一项系统且耗时的课题，它不仅要求理论充足完善，还要求具体实践的检验。音乐教师依据学生的具体情况，制定一套完善的系统音乐课堂教学方法，充分调动和培养学生对钢琴的学习兴趣。

参考文献：

初学者配音技巧篇7

关键词：初中英语；薄弱环节；对策建议

一、引言

对多数学生来讲，学习英语不是为了用它交际，而只是简单的应付考试。由于缺乏和新教材配套的多媒体教学仪器和手段，大多英语教师都凭一个录音机和一块小黑板授课，难以突出教材主题、创造教学情景，更无法调动学生学习积极性，听力往往是学生考试中得分最低的版块，学生讨厌上英语课的倾向十分严重。但对于部分优秀学生来说，他们毕竟要升学，需要进一步提高听的能力来适应高中的学习。优秀学生上高中后的普遍现象就是难以适应高中英语教学，严重影响英语学习，甚至一蹶不振，对自己多年的英语学习产生怀疑，失去学习英语的兴趣，由此可见初中生听力能力是比较薄弱的。

二、存在的问题

要想提高英语听力课的教学效果，首先在于认清英语教学中面临的主要问题：

1.中学有听力课，但有些教师只是提供听力材料，放录音，然后对答案，不提供必要的指导，学生的听力很难有大的突破。学生听力水平参差不齐，听力水平较差的学生，在上课时要听懂老师的英语讲解都觉得困难，要理解原汁原味的英语就难上加难了。

2很多学生由于听不懂而产生挫败感，使其产生自卑、惧怕的心理。有些学生一听英语就紧张，一堂课下来没有领会多少内容，由于听不懂而失去信心，从而导致心理和行为上的回避，形成了严重的恶性循环。

3.学生听力普遍存在的弱点，即便程度较好的学生，也普遍存在问题：遗忘现象严重，不善于把握重点。有些学生觉得自己听到了，但转瞬间就忘了，有的注意了细节，却忘了主体分不清主次，没有篇章概念。

4.教师教学中存在的误区。有些老师过于关心学生听懂了没有，忙于对答案而忽视了传授听力的基本技能和技巧。也有的老师没有耐心，对听不懂的学生加于指责，而不是进行耐心细致的启发和给予必要的鼓励，以致有的学生很快就觉得怕上听力课，认为听力课闷，对于该听什么，如何听，如何提高听的能力，一无所知。

三、解决的对策和建议

1.注重语言知识的传授

首先，要认真教好音标，严格把好音标关。学好音标是学好英语的前提。音标基础的好坏决定了语音、语调的好坏，初中生打好语音基础，对提高学生的听力水平无疑会起到事半功倍的作用。其次要注意朗读技巧的训练和培养。教师在课堂上应有意传授语句重音、节奏、音变、连续及语调等知识，提高学生的朗读技巧。朗读技巧的培养和训练不是一朝一夕的事，无捷径可走，必须坚持不懈、持之以恒。再次，要正确引导学生记忆单词，任何一门语音的学习都离不开词汇的学习和积累。词汇的学习要边学边记，最有效的方法是根据读音规则进行记忆。拼音文字的最大优越性就是词的读音与拼写一致。根据这一特点，会读的单词自然会拼，按读音记忆的单词也不会遗忘。

2.重视培养学生听力理解的技巧与良好的听的习惯

在听力教学中，教师要注意对学生进行听力技巧的训练，这是提高学生听力理解水平的有效措施。所谓听力技巧，包括语音技巧和听力技巧。语音技巧包括连读、弱读、句子重音、意群划分等，而理解技巧是指对所听内容的检索、预测、取舍等技巧。教师要教会学生听音前注意操练、捕捉信息，即要快速地浏览习题。捕捉一切可以从题面上得到的信息.听的时要边听边记，强化记忆，记录时要有重点，有技巧，如数词用阿拉伯数字记录，地点、人名用代号，长词用缩句.长句抓住主要成分。“抱住西瓜。再捡芝麻”，听句子回答问题时要把题干和问题有机地联系在一起.听对话和短文时要抓住主旨大意，切忌因一两个词而忽视全文。

3.寓听力理解训练于日常教学中

训练学生听力要与日常教学结合在一起.首先在课堂教学中教师要尽量用英语组织教学.这是听力训练教学的出发点，也是最有效的听力训练方法。其次，在课时安排上，可充分利用课前五分钟或每节课的复习时间.让学生听一些有关材料，作为“热身运动”或者利用课堂教学结束前数分钟安排训练听力。再次，在内容选择上，充分挖掘并利用教材中的听力材料，不要轻易放弃，在内容的呈现上应遵循听、说、读、写教学顺序，做到先听后说，先说后读，先读后写；或者把教材中的内容改成听力材料。最后，与课本配套的同步听力以及练习册、目标测试中的听力练习等.更是要坚持随着教学进行训练。

4.注意学生良好心理素质的培养

保持良好的状态。自觉养成好习惯对于听力的培养十分重要。目前，初中生的心理控制能力有较大的发展，且具有心理状态可塑性强的特点。从听力训练的初始阶段就应强调培养良好的心理素质的积极性。首先.要对学生加强学习目的教育，鼓励学生树立信心，增强克服困难的勇气。教师要明确告诉学生，听是学好英语的重要途径之一，要加以重视。同时不否认听力理解有相当的难度.只要正视它，经过持之以恒的努力是能够克服的。其次教师在课堂上要创设轻松和谐的气氛，努力消除学生因害怕、担忧、反感而产生的心理障碍。再次，教师在课堂上要引入竞争机制，激发学生听的兴趣，对于学生一点一滴的进步都要适时给予表扬。如在训练时可采用抢答方式，看谁反应迅速，答得正确。

四、结束语

总之，听力教学是英语教学中不可缺少的重要环节，是培养学生语言运用能力的必由之路。教师应根据教学实际，采用切实可行的教学方法，不断更新教学观念，提高自身素质，才能更好地开展英语听力的教学。

参考文献

[1]易华.影响英语听力理解的根本原因卟出国与就业（就业版），2010，（21）.

初学者配音技巧篇8

蒲洁 湖南涉外经济学院音乐学院

摘要：学生在音乐作品鉴赏中的情感认知程度较深，但大部分学生的音乐鉴赏水平却停留在愉悦的层面，在表现音乐和创造音乐

上有太多不足。社会、家庭、教师等因素都对音乐审美教育存在影响。在教学实践中应该注重因地制宜，合理施教，注重音乐基础教

育，加强训练，培养学生的审美能力。

关键词：审美教育；初中音乐；学生

初中音乐审美教育在我国并不是新生事物，在古代音乐教育中

就已涉及音乐审美教育。20 世纪80 年代以来，随着改革开放的逐

步推进，政治、经济、文化不断进步，教育事业也是突飞猛进。“七

五”计划报告，重树“美育”地位，2001 年，《全日制义务教育

音乐课程保准》将审美教育放在首要位置，强调对音乐的教育不是

简单的解释教育内容，而是有感情的参与其中的音乐学习过程。音

乐的美作用于人的思维，渗透于人的情感，音乐的美激发人对音乐

的感触与喜爱，发现音乐的形式美、内容美，最终实现音乐审美。

一、当代初中音乐审美教育的教学现状

（一）初中音乐教学基本现状

调查结果显示，学生在音乐作品鉴赏中的情感认知程度较

深，但大部分同学的音乐鉴赏水平却停留在愉悦的层面，在表现

音乐和创造音乐上有太多的不足，导致这一情况的最主要原因在

于学生的音乐基础知识和技能技巧的欠缺，其次在于教师不能很

好的引导学生，不能将音乐基础知识与技能技巧有机的结合，造

成了学生学习能力与音乐审美能力的脱节。

（二）师生观念对音乐审美教育的影响

音乐具有启发思考、传承文化、情感体验的功能，师生已慢

慢普遍接受这一理念，但学生更认为音乐是消遣、娱乐的大好工

具。对于音乐的喜好上有明显的趋势是学生大多喜欢现代流行音

乐，对于古典音乐和民乐则表现的兴趣很少。音乐课堂上学生最

喜欢的是音乐欣赏，而对于音乐基础知识和技能技巧的学习则不

感兴趣。

教师们则根据学生的观念变化不断改变自身的教学策略，通

过各种各样的方式给学生提供更大的欣赏空间，使学生最大限度

的感受音乐的魅力，使学生的身心得到最大的愉悦。教师通过认

真钻研，运用灵活多样的教学方法和多种多样的教学情境，充分

利用学生已有的学习兴趣，不断提高学生学习音乐基础知识和技

能技巧的兴趣，不断增强学生通过音乐表现自我的能力。

（三）社会、家庭因素对音乐审美教育的影响

无论从物质基础还是从精神支持上看，家庭对学生的音乐审

美教育都有非常重要的作用，家长的支持与鼓励，加之学习的合

理教育，才有可能增强学生的音乐审美能力。

现代社会媒体传播，带给学生的影响是显而易见的，提高了

学生的鉴赏水平，尤其是学生的歌唱水平，社会大音乐环境的影

响在某些方面甚至超过了学习音乐教育的作用。

二、初中音乐审美教育的对策

（一）因地制宜，合理施教

初中学生无论在生理还是心理上都处于非常重要的成长阶

段，在审美意识与鉴赏能力的培养方面，教师起着重要的引导作

用，因此在教学活动中，教师需要选择健康、合理的音乐作品用

于学生的音乐鉴赏课堂教学中，以帮助学生树立正确的音乐学习

态度和音乐审美观。

（二）注重基础，掌握要领

音乐基础知识的学习是学生进行音乐学习的基础，只有具备

一定的音乐基础，才可能对接触的乐曲进行分析和评价，不能说

没有任何音乐知识的人就不能进行音乐审美，但具有音乐基础知

识为音乐审美提供了更好的条件。学生需要具有感知音乐与鉴赏

音乐的能力，培养学生发现与创造音乐的能力，要求学生需具有

一定的音乐技能技巧，如何通过一定的技能技巧去鉴赏音乐的

美，如何通过一定的技能技巧去表现音乐的美是音乐教师在教学

中应当重点灌输给学生的，因为技能技巧知识是进行音乐审美的

重要工具。所以，在初中音乐审美教育中要注重学生音乐基础和

技能技巧知识的掌握。

（三）加强训练，保证效果

既然大部分学生对音乐学习的兴趣多集中在音乐欣赏课中，

那么在整个音乐审美教学中就应充分发挥音乐欣赏课的优势，可

通过多样的音乐欣赏教材，巧妙的穿插分配，通过对学生进行内

容丰富的、有针对性的音乐欣赏，以此来训练和培养学生对艺术

作品的审美能力。

（四）培养能力，不断创新

教师在教学中应不断培养学生的表现音乐美和创造音乐美

的能力。学生在对音乐作品进行审美的过程，其实是音乐欣赏者

在遵循一定的审美原则、运用一定的技能技巧知识，对音乐作品

进行分析评价的过程。通过教师的正确引导，学生进行歌唱、演

奏的过程，是对音乐作品的再发现与再创造的过程。学生通过对

原有作品的审美体验，并对原作品进行再现，不仅将作品原有的

美感传达和表现了出来，并且通过本身的表达与创造能力制造了

作品的二重美感。教师可以通过对作品的演唱技巧、演奏方法、

乐曲速度、演奏力度、伴奏等方面进行讲解与沟通，培养学生自

信的表演、歌唱、演奏及综合能力，将“用音乐表达自我”的理

念灌输到学生的脑海之中，增强学生的审美能力。

（五）发挥优势，事半功倍

初中音乐审美教育，不在于让学生掌握多深的音乐理论知识

和技能技巧，提高学生的审美能力，而在于培养学生的学习兴趣，

由兴趣带动的审美动机，驱动学生主观上主动体验、感受和创造

音乐美。当然，掌握一定的基础理论知识和技能技巧是最基本的

前提，面对这些相对枯燥的学习，给教师提出了一定的难题，教

师应掌握一定的方法与技巧，充分利用广播、电视、网络、媒体

等大音乐环境的优势，并充分发挥多媒体技术在音乐教学中的作

用，运用灵活多样的教授方法，将音乐的美传达给学生，将基础

理论知识和技能技巧知识有机的渗透到课堂中，巧妙的提高学生

的音乐审美能力。

参考文献：

[1]郭声健.《音乐教育论》〔M].湖南:湖南文艺出版社,2004:3.

[2]吴跃跃.《新版音乐教学论》〔M〕.湖南:湖南文艺出版

社,2005:9.

[3] 邓兰.艺术教学艺术的审美追求[D]. 长沙:湖南师范大

学,2008.

初学者配音技巧篇9

【关键词】钢琴；演奏；技巧

中图分类号：J624.1

前言

所谓钢琴技巧它其实是一个泛指，在这里它包括的内容有琶音、音阶、双音、和弦、八度、断奏触键及各种连奏，同时还有力度强弱与否，想要得到相对完美的钢琴演奏技巧，上述所说的各类都是必不可少的。其实对于钢琴的一个整个学习过程我们可以这样理解，它是整个演奏动作技能的一个养成过程，所以可以说是一个必须经历不断练习，同时一直保持而且也需要迁移的这样的一个过程。对于每一个钢琴学习者来说，可以在对于接受教师所教授的动作技能上会有差异，而且在学习钢琴的天赋上会有非常大的差异，我们先排除这一部分的差异，所以如何得到这些技能就是最重要的了。

一、钢琴技巧的显现形式

通常是以各类练习曲与各类音乐作品为载体，纯粹的技能练习其目的同样是为了完成音乐作品所设计的。因此，钢琴演奏技巧的提高必须通过大量的练习才能得以实现。所谓“练习”是指为了获得技巧而经常进行的某种动作。钢琴练习即指钢琴学习者通过钢琴音乐作品获取各种信息输入大脑然后进行加工整理，大脑将加工整理好的有关练习信息指令通过输出神经系统传达给运动系统的各个感觉器官，各感觉器官及肌肉各器官协调运作，促使大脑中枢神经系统协调一致达到弹奏练习自动化的阶段。练习的目的是有效地提高钢琴演奏技巧，以期用于准确地表达音乐形象。

二、钢琴演奏中的震音与滑奏

震音说的是在快速弹奏时，手指不能离开键盘，就好像长在上面似的，手腕与手指要结实有力，能够无损耗的将下臂产生的力量进行传递，如此才能成功演奏震音。拉威尔的钢琴作品《水的嬉戏》在48小节处便有了震音与滑奏的双手交替，在26小节出现了单手震奏颤音。这些特殊的演奏技巧，如何才能科学的学习与掌握？在左右手交替震音处应该均匀弹奏，手臂不可以过快或者过慢，这就要求在训练过程中有着良好的听觉能力。同时在此处小节中的震音还有些特别之处，它不需要下臂足够大的力量，而是将肩膀作为重要补充，以最小的力量演奏出最大的声音。在对震奏颤音演奏时需要用手臂回转的下臂完成，手腕保持着准确传递下臂最微小的动作，而上臂不能回转，仅仅是积极参与，它随着下臂回转而自由抖动。滑奏不是单个音的演奏，而是通过掌部动作让整个键盘上划出声音的演奏方法，因此也叫刮奏。在使用这种弹奏技巧时，手掌要坚实而不是僵硬，能够协助拇指弹奏。

三、身体的协调

1、手腕

手腕是连接指尖与大臂的桥梁，更是大臂向指尖输送力量的唯一途径。对手腕的要求比较高，必须坚挺，又必须富有弹性的.手腕的灵活表现在它的动作方式。手腕的动作主要有三个方向，即左右，上下，周旋。左右方向的动作主要在于，一是配合大指的转弯。在弹奏音阶与琶音时，以及其它需要大指转弯的经过句时，大指要主动向里作水平状伸展，需要适度的手腕左右运动加以配合。大指需外推出，将整个手掌向外侧转出，手腕必须辅以必要恰当的水平运动。因而，大指与手腕作柔顺的水平动作的配合是手掌转弯的最重要的关键。二是弹奏连奏句，手腕必须作水平运动，从而实现力量的转移，确保声音具有连贯性和歌唱性。三是手腕的上下方向运动是用来弹奏某些轻巧的连续快速的双音、八度、和弦、以及强化触键深度。在演奏此类乐句时，手腕完全需要本身的爆发力，要具有在极短的时间内以最小的动作幅度将最大限度的力量集中的能力。随着手腕自身的控制颤抖能力越强，肘部，大臂乃至全身放松的可能性也就越大。手腕的第二种动作方向，是由里向外或由外向里的周旋。这种用手腕“转圈圈”的动作很难掌握自如，凡是不能用手指直接连接的远距离音符或同一音型的重复都需要用这种手腕动作将这些音符充连续起来。手腕是钢琴演奏中最重要的发力“中转站”，运用不好，必定使整个演奏呆滞、无生气。

2、大臂

音与音之间的连接，应当是发自大臂的连接，不仅仅在音量响亮或大和弦处要运用大臂，在最轻弱处，在转弯处，在连贯处，都需要运用大臂。大臂的发力在于直接，它是一种高度集中的放松状态，大臂的用力其实就是一种以放松为基础的震动，在用力前，全身各部位非常放松；用力后也非常放松。大臂的用力可能速度非常快，时间非常短，非常大，也可能速度相当慢，时间相对长，而且不仅仅以爆发力的形态，而是以某种“拉压力”的形态存在，应当按照所需要的音色决定大臂运动方向速度及方式。

四、踏板的运用

踏板，在每一首作品中的使用都各不相同，作曲家们有的作了明确的标记，有的则没有标注，还有的并不使用踏板，因此，谱子上的标记也只能是作为演奏时的参考。这就如同一个人的讲话，她的呼吸是不用做标记的。使用踏板主要根据作品的需要，在连奏时踏板的使用较为突出，它的作用是既要连贯又不能使弹奏变得混乱；当弹奏密集和弦上行下行时，尽量采用切分踏板。

五、提升钢琴演奏技巧的途径

1、对于新的作品进行正确的弹奏。

首先对于一个新作品，不要去将整个作品都演奏出来，这样做的目的是可以使作品的新鲜感保留下来，在练习中依次去进行乐曲的短小片断或个别声部进行练习；在遇到了一些难演奏的片断的时候并不一定要第一时间去解决，因为当一个东西在重复了几次以后就会出现分神的现象，处理方式就是可以先去弹奏其它的一些片断，之后再全神贯注对之前难以掌控的片段来进行练习。

2、对于教师的指导和示范进行有效地掌握

首先钢琴学习者必须要对教师的指导方法注意观察，这是由于在课堂上教师会通过作品来示范钢琴演奏当中的技能动作并且做详细的解释。因此学习者一定要对老师的讲解注意观察。只有对理论知识掌握了才可能在实践当中有更加扎实的功底。

3、充分把握注意力与科学地安排练习时间

在进行钢琴演奏练习的时候，学生的注意力是集中并且精力是充沛的时候，才可能提高效率得到正确的演奏技巧。我们可以将练习时间分为集中练习和分配练习两种，前者指的是进行连续地练习，不休息直到掌握；后者指的是把要练习的曲目分成几个阶段，中间会有休息的时间。在时间的安排上要看个人的能力，同时教师在进行时间的安排上还要针对不同的作品来进行安排。所以说，教师在安排学生的学习时，要将学生的注意力集中起来，同时合理的分配练习时间，相信通过这样的方法可以很好的掌握钢琴演奏技巧。

结论

综上所述，提高钢琴演奏的有效途径就是掌握一套科学的行之有效的钢琴学习方法，只有科学的钢琴学习方法才是通向钢琴学习成功的保证，只有科学地练习才能获得高深的演奏技能，只有科学地练习才能使每首作品成为一个真正的艺术品。

【参考文献】

初学者配音技巧篇10

一、如何加强听力技能训练。

首先谈一谈什么是听力技巧？听力技巧是对英语会话和语言表达方式的一般规律和方法进行的总结与归纳。包括语言，一般句型，时间，条件描述，习惯用语等方面。其中值得注意的是：连续省音辅音连缀与语词等。

1、连续：例如 ： 1 ）stand up（du 连读） 2）Not at all（t a/t a连读） 对初中生来说，英语语音的连续，特别是听英美人士的连读是学习中的一个薄弱环节，不懂得连读会影响学习的理解和进步，故从初中生开始就要开始注意连读养成读 、听习惯。

2、省音：爆破音/p/，/b/，/t/，/d/，/k/，/g/后面紧跟着其中任何一个爆破音或音/t s/， /d z/， /t r/， /d r/时，第一个爆破音只做出准备发音的姿势，但不爆破。在极短停顿后随即改发后面的辅音，这种语音现象的省音或音的不完全爆破。例如：1）doctor c/k/ 3） Sit down t/t/ ， 另外，爆破音在摩擦音/f/， /v/， /s/， /z/ ，鼻音/m/、/n.舌音/l/前面时，部分失去爆破。例如1）workshop 2）a red flag 音的不完全爆破，我们应注意，既不可以把不完全爆破的音爆破出来，更不能略掉而只有后面的一个音。

3、辅音连缀：英文单词中，两个或两个以上的辅音连在一起，叫做辅音连缀。

4、语调：熟练地掌握句子的语调，可以使我们正确的掌握这个句子，从而达到提高听力的目的。英语语调有降调和升调两种。1）降调：在一般情况下，英语中的陈述句、特殊疑问句、选择疑问句、祈使句和感叹句都用降调，即在最后一个重读音节上语调下降，后面的非重读音节语调低平，例如：This is your classroom。（陈述句） （降调） What is your name？ （特殊疑问句） （降调）。2）升调：英语中的一般疑问句或表示请求的祈使句，表示犹豫、不肯定、委婉等意思未完的句子，通常用升调。例如：Has he got a ruler？ （升调）Give me a hand， please？ （升调），所以说熟练掌握听力技巧可以使我们很好的加强听力技能。

二、提高英语听力水平训练的方法。

1、多听：分听与精听两种方法。所谓听就是把要听的听力材料从头到尾听二至三篇，掌握其大意。所谓精听是在听的基础上，把复述、猜测、回答问题等综合考虑。对于选择“精听”还是“听”可根据听力材料的目的、要求自我决定。

2、多说：提高听力，首要问题应该是会说，不然听将成为无源之水、无木之本，其意义也不复存在了。每名学生都要熟练掌握和了解课本，以及熟练与之相配合的课外书的基础上再进行听力。而且还要运用多种技能提高说的质量，为听做好基础。

3、多读：英语是一门综合性的语言艺术。要想提高听力，必须大量地阅读，这样才能巩固基础知识，提高词汇，扩大知识面，从而提高了英语的辨音能力和猜测能力。

4、多变化角度：学习英语的听、说、读、写是相结合的，又相互独立。只要正确地对待他们的关系，加深自身的英语修养，并且配合自我的学习方法丰富多样的选择听力内容，扩大视野。

听力不仅与听力技巧有关，与个人掌握的熟练程度、与听者的知识度、思维能力等都有密切关系，所以我认为以上的四种方法也是综合性训练的实践的过程。