油画艺术论文十篇

油画艺术论文篇1

（一）颜文樑油画的构图特色

不同于其他油画画家单一的构图形式，颜文樑油画的构图形式灵活多变，主要表现在以下几个方面。

1.构图饱满

西方油画家一直认为空间对所要表现的物象是没有任何意义的，所以西方油画家在进行构图的时候一直都在空白处填充以各种物象，如天空、白云、远山、飞鸟、湖泊等。颜文樑受西方油画家的这种影响颇深，所以他在进行油画创作的时候也遵循着“饱满”这一构图原则，并在此基础上形成了自己的构图特色。他的油画构图饱满丰富，却井然有序，丝毫没有臃塞之感。以油画《百果丰收》为例，椭圆形的画面中充斥着各种各样的水果，葡萄和西瓜包围着桃子和苹果，桃子和苹果中间又塞满了南瓜，而南瓜中间又有几朵红花作为点缀。这幅画面中没有留有任何空白之处，整体密实，物象丰富，带给人一种丰收的喜悦之感。虽然整体构图较为饱满，画面中物体众多，但是画家却将各种物象安排得井然有序、繁而不闷。

2.纵深感强

纵深感极强是颜文樑油画构图的又一大特色。他极为重视画面的纵深感，擅长对不同的物象进行空间摆位，然后通过不同物象的摆放位置来表现出一种前后不同的感觉，从而最大限度地体现出画面的纵深感和透视感。这种纵深构图有利于在二维平面上打造出一个三维立体空间的画面，加强了画面的真实感，能让受众产生一种“画中游”的感觉。颜文樑在进行纵深构图的时候通常将整个画面分为三个部分，即前景、中景、后景。其中，中景是画家所要重点描绘的部分。例如，创作于1919的《厨房》就是采用的纵深构图方式，画面分为前、中、后景三个部分，前景和后景都极为简单，作为整幅绘画的背景，画家对中景的刻画非常细致，画面中有玩耍的小猫、睡觉的孩童、逼真的瓷器以及各种厨具等，带给人一种极为强烈的视觉空间感，使观众好像身颜文樑油画艺术的创作特征李哲虎摘要：颜文樑是我国近代著名的油画家和美术教育家，他在精研西方各时期油画的绘画技巧及吸收借鉴优秀绘画传统的基础上，结合自己对油画的理解创作的油画作品在国内外引起了轰动。本文先概述颜文樑的艺术人生，然后从构图和色彩两个方面分析其油画的创作特征，希望能够为大家了解颜文樑油画艺术提供一些参考。关键词：颜文樑；油画；创作特征美术研究处作家所描绘的厨房中一样。

3.互相呼应

颜文樑自幼受国画的影响和熏陶，对我国传统绘画中的“笔不同意同”“画外之境”等理念有着独到的见解，并将其创新性地应用在油画创作中，形成了“互相呼应”的构图准则。颜文樑在进行油画构图的时候十分注意气韵的连贯，画面中各个物体之间都是相互联系、互相呼应的，这也使画面构图表现出一种完整性。仍以《百果丰收》为例，画面中的大西瓜、葡萄和莲蓬三种水果组成了一个大的三角形，且都为绿色，三者相互呼应，而被切开的西瓜、柿子和右边的红色的苹果又形成了一个红色的三角，和绿色的三角形成了鲜明的对比，两个三角形互相呼应、相互协调，这些水果在画面中协调统一。

（二）颜文樑油画的色彩特征

1.色彩饱和度较高

饱和度指的是色彩的纯度，纯度越高，画面色彩越鲜明；纯度越低，画面色彩就越黯淡。众所周知，西方油画色彩的饱和度比较高。颜文樑在作画的时候也倾向于选择饱和度较高的色彩，使画面呈现出鲜明、亮丽的特点，也有利于塑造画面中所要表达的物象的体积感和质感，如《肉店》《印度洋之中秋》《印度洋之锡兰》《雪霁》《鸟瞰香港》等作品中的色彩饱和度都很高。以颜文樑的油画作品《雪霁》为例，该作品描绘的是雪后初晴的景象，地上的雪为亮白色，天空中的太阳为鲜艳的橙红色，周边是被太阳染红了的红彤彤的云彩，整幅画面的色彩饱和度较高，亮白、橙红、鲜红等鲜艳、亮丽的色彩的运用也使画面极富立体感，能使观众产生一种身临其境的感觉。

2.色彩色调较为低调

颜文樑拥有丰富的绘画经验和高超的绘画技巧，善于运用不同的颜色来表现不同时节的不同物体的特点。但无论所要描绘的客观物象如何变化，颜文樑所采用的色彩的色调都是比较低的，黑、白、灰这三种色彩在其油画中出现的频率是最高的。颜文樑认为“黑、白、灰”三色是万能的颜色，不同明度、饱和度的黑、白、灰色可以用来表现不同的物象，且这三种颜色会给人带来一种低调奢华的感觉，符合大多数人的审美观念。例如，《普陀市街》的主色调就为冷紫色的灰色调，将南方小镇的清冷的感觉形象地呈现在了受众的面前。在创作这幅油画的时候，颜文樑所采用的灰和古典主义所钟爱的单调的灰色不一样，增强了画面的层次感，表现出了画家高超的色彩运用技巧。再如，《雁来红》这幅油画中，天空中略带暖黄色的白云及白色衣服都显得格外醒目，吸引了受众的注意力。总之，颜文樑油画的整体色调都较为低调，既单纯，又丰富。

3.色彩极为厚重

不同于一般的油画作品，颜文樑油画作品的色彩具有厚重感。在进行油画创作的时候，他倾向于运用厚涂这一创作技法，充分表现出所描绘对象的质感。通过研究可以发现，颜文樑的油画作品凹凸不平，颜色有高有低，且方向也不同，或是向左，或是向右，或是上，或是下，这样能使色彩表现出一种立体感，并且在不同角度的光照作用下可以表现出微妙的视觉变化，这也就间接丰富了画面的表现效果。颜文樑在实践经验的基础上总结出了薄涂、薄贴、厚贴、埋没、拍贴等不同的色彩厚涂技法，增强了色彩的表现力。如《前祠大殿》《普陀》《普陀前祠》《菜花》等作品的色彩是极为厚重的，无论是色彩的明暗对比度，还是色彩的冷暖色调，色彩的变化都异常丰富。尤其是《菜花》的用色让人感觉到“几乎可以抓住某些厚色将整幅作品提起来”。

二、结语

油画艺术论文篇2

与传统绘画技艺相比较的当代油画，在题材、内容、表现手法以及情感表达上都愈加丰富。从当代油画艺术的现状来看，一些艺术家不仅只满足于以写实再现的绘画方法创作作品，而是常以夸张、变型、抽象、扭曲等手法，对艺术形象加入主观个人色彩进行描绘，这种倾向于表现形式的绘画风格，在绘画语言上进行大胆探索，在情感内容上进行有意识的表达，更加关注画面背后的社会问题。在艺术市场火爆的今天，大多艺术作品的创作出发点多趋于类型化、形式化，甚至存在趋利倾向，使得评判艺术标准不再鉴于审美规律标准，更多的是看行情见高下，导致绘画本体受到各个方面的挑战，也使更多艺术家为了迎合市场、谋求生机，懈怠于对艺术生命力和作品质量的追求。但为了防止过度形式主义，需从艺术的本质出发，正视各要素之间的利弊权衡关系，在注入新鲜活力的同时仍需将作品的质量放在首位。图像资源成为当今油画艺术创作的主要素材来源，这是受以张晓刚、王广义等人的影响，他们以其具有典型符号的成功案例，证明了图像挪用嫁接于图像绘制的可行性（王广义的大批判——可口可乐与图3采用同一可口可乐标志，但王广义的重点在于他用什么方法处理画面，在于用自己绘画语言解析这一符号，在于他与画面建立的关系）。而当代一些年轻画家没能正确认识画面与图像的关系，直接采用图像复制，这不仅消弱了画家的想象力，同时也替代了写生、速写等传统描绘形象的创作方式，弱化了直接观察形象的塑造感，使得油画作品的绘画语言逐渐模糊。当今，艺术观念愈加受到油画家们的关注，强调观念成为他们的绘画重心。但过度强调的结果，务必陷入美学唯心主义的观点，曲解艺术本质为艺术家的主观自我表现，从而否定了艺术与现实生活的依存关系，混淆了意识与存在的关系。纵观古往今来的绘画作品，无论是注重于“再现”抑或“表现”的绘画形式，都需建立于审美对象的审美体验之上，进行艺术概括，而非艺术家自我内心、主观精神的绝对外化，否则则脱离了现实生活，背离了美学唯物主义的意识与存在的关系。因此，马克思主义的艺术本质观表明，艺术以审美的方式反映现实社会生活，又通过人的审美意识反作用于经济基础、上层建筑，影响其他意识形态。归根结底为现实世界在艺术家头脑中的反映，以审美符号所表现。作为艺术本质的原则规律一定存在，并且具有普遍性，不仅适用传统或古典绘画艺术，更适用今天诸多艺术形式。剖析油画本体语言无疑是对油画本质区分其他艺术形式的一个重要衡量标准。中国当代油画艺术在语言样式上表现出多样化，多维度发展。绘画语言的呈现是直面熏陶观者的载体，不仅是创作表达的基石，更是观者感悟作品的途径。然而，当代油画艺术家为了夺取观者眼球，立足艺术界多在绘画语言上花大力气，创新成为他们的突破口。新绘画，并非是针对前人绘画所制造的新，而是介入当今社会经济以及意识形态与自我意识相结合的新，这样的绘画是符合艺术规律发展的绘画。

二、中国当代油画艺术需关注的侧重点以及艺术家的责任和使命

就油画本身创作而言,是将现实生活中存在或潜藏的事物，以真、善、美的艺术表现手法，对其进行提炼、放大、夸张等，以实现审美情感交流和价值的艺术的形式。而当今中国油画创作,则表露出背离了艺术创作应有的社会价值和审美目的，倾向于艳俗、荒诞、边缘等现象，这不仅使得油画艺术失去了应有的艺术本质，也使得整个艺术圈的局势不稳定，割裂了艺术家主体创作的社会责任感和文化使命，放低对艺术生命力和高质量艺术作品的追求。为了使油画艺术在中国长期健康的发展，需关注以下几点：

1社会生活的表述

从本质上来说，艺术源于现实生活，又为现实生活服务。现实世界是每一个人都无法逃避的社会背景，艺术创作是一种特殊的社会表述，属于一种社会行为，为历史的发展进程产生作用。所以，艺术与社会生活是一个密不可分的整体。今天的绘画并不是脱离人的存在意义的绘画，也不是追求金钱利益的绘画，而是关乎自身与社会生活关联的绘画。它可以愤慨悲怨，也可以自我陈述，但它绝不是迎合时尚，也非谋求利益。做到真正的艺术，需立足于社会生活，通过自身的社会体验人生经历进行艺术创作。

2符合审美规律

艺术具备审美人类学的本质，是人类创造审美的符号形式。当代艺术对美的追求逐渐让真的表现所替代。传统绘画的评判应以美为标准，一幅作品如果是真和善但不美，则不可称之为艺术作品。但目前，由于受到西方后现代艺术思潮的浸染，打着“反传统”的旗号，逐步降低了对美的要求，高雅脱俗的审美倾向逐步衰退到大众文化的消费时代中去，从形式和内容上消除审美深度和文化内涵。审美情感是艺术家审美情调，人格境界的体现，是作品主体内容的升华，如果违背了审美规律，则违背了艺术本质的精神，则与非艺术作品没有任何区别，因此，艺术家在创作时需注重审美规律的运用。

3把握创新求异的尺度

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“卡通”指用动画和动漫的相关形式创作的作品。广义指用夸张的、象形的、想像、隐喻等手法塑造各种夸张造型通过一定的情节设定所演绎的故事；狭义指给儿童这一单一受众群体观看的情节简单内容单纯思想积极上进的动画或动漫作品。近些年来，动画作品多带有隐喻、嘲讽的深层社会含义，加上夸张变形的造型，除了儿童成年人也同样适合观看，带给观众视觉盛宴的同时发人警醒和思索，又在其中某些时期演化成为艺术创作者对社会现实的评论和审视，是社会精神文化的不可调和的所有物。卡通画在中国所历经的各个时间段也多多少少融合了一些中国特色，蕴含各种民族特色的卡通风格作品也在受众头脑中留下了深刻印象，早年间的动画创作手法也蕴含了老一辈的艺术创作者的大量心血。因为卡通的作品风格也使很多严肃、沉重、沉闷的内容转变得轻松愉悦，给人们的日常生活增添了许多欢乐气息。多样化的油画创作形式使得卡通动漫元素能够很轻松的融入，卡通元素在油画中的存在因素因创作者的年龄段的不同而不同，年纪较轻的画家因童年时期卡通动画片的影响，在油画中运用卡通动漫元素更加的大胆、自信。于此同时，当今强压力普遍的社会生活也使得受众期待观看到愉悦的艺术表现形式。然而，这并不是这个时期所有油画艺术创作的倾向，这只是一小部分对于自己个人爱好和新兴艺术形式表达崇拜和喜爱的方式。对于丰满油画创作表现技法来说，是人类社会精神文明水平日益增长进步的表现。

艺术创作源于生活，艺术家们把自己成长过程中的片段章节用自己富有艺术表现力手法概要总结出来，在展现自己生活阅历点滴的同时也验证出了和普通受众生活近似的一些普遍特征。比如：张晓刚、岳敏君等艺术创作者们的题材内容都是自己生活的章节片段。岳敏君是“政治波普”的领军人物，在他十几年从事油画创作的时间里，他自己的品牌符号就是他在油画创作中其鲜明的人物形象和特定的个人风格，用自己的生活点滴去在创造艺术，充实艺术，从而达到表现社会本质内涵的目的。他所描摹的“人物形象”露出牙齿，闭紧双眼，开怀大笑，不问世事，作品中表现出对“社会政治”问题的嘲讽的态度，对社会等一切外界事物的不问，傲慢和自信，也充分体现出个人崇拜的感觉。张晓刚的代表作《大家庭》这一系列，是通过一个一个小家庭的描述，从而诠释出个人的小单位与社会这个大熔炉的复杂关系，这一系列作品根盘错节的、复杂交错的关系网，引起社会受众普遍的共鸣。他的作品中所表现的男女主人公几乎长着同样的容貌，容貌色彩灰暗，脸上无过多表情，画面整个无可奈何、简单质朴、忧郁的伤感情绪，构图形式上又近似于旧年间的黑白全家福照片。

波普艺术发源地在英国，在艺术风格上发展并继承了“达达主义”的思想观念，至于后续的发展却是在美国，是美国的艺术创作者们所热爱的艺术表现方式。波普艺术的代表人物是美国艺术家安迪•沃霍尔，他是一种流行文化趋势也是流行和时尚的代言人。，他的创作素材大多取材于普遍的大众传媒，通过借鉴特定元素成分在画面上的单一重复和有序编排，并利用强烈夸张的色彩对比，从视觉感官上吸引了人们的视线。波普艺术通过长久成熟的发展，已经影响到招贴设计、服装设计、工业产品造型设计、大众传播媒体、纯艺术绘画等各个范畴，中国现当代油画中的动漫卡通元素的应用元素就是受到了波普艺术的影响。二十一世纪九十年代中后期，刘小东、王广义、魏广庆、喻红、方力钧等一批艺术创作者开始表现带有波普艺术风格内容的艺术品，色彩强烈浓艳，时代感逼人。当时中国的大城市就像是被鲜艳华丽的色彩所环抱着，艳丽的颜色甚至被运用到了原本素雅的苏州园林上，他们通过作品浓妆艳抹色彩表达了对这种艳俗化社会倾向的极度不满情绪，从而讽刺挖苦这样的社会大熔炉和讥讽自己本身。通过卡通元素的嵌入，艺术创作者们表现出一种玩世不恭的社会生活态度，用视觉玩赏性去牵引自己的作品，表达自身在社会大环境下的生存态度。

油画艺术论文篇4

油画肌理的美感会与个人的实际生活经验结合起来，个人的成长经历直接影响对油画肌理美的感知。油画肌理的美感有一定的规律性，其美感来自于艺术家内心的感受，也来自于所创作的载体，是感性和理性的结合。油画肌理有一定节奏性，秩序也是节奏的一种表现形式——源自变化。在进行创作的过程中，变化产生美。但是这种变化是按照一定的心理预期来进行创作的，也属于一种感性的表达规律。油画肌理有一定的韵律性。韵律作为一种形式上的东西，并不是单独存在的，是建立在一定的创作载体之上的，也属于构成美感形式。油画肌理秩序也是画面肌理形式美的表现形式，形式美符合大众的接受能力，油画肌理来自于创作者的思想，油画绘画肌理是有一些元素规律的。油画肌理构成的秩序感与节奏、韵律共同完成油画肌理的美。

二、油画肌理的表现形式、方法

油画肌理的表现形式、手法可以说是多种多样的，但主要有隐性肌理和显性肌理。隐性肌理需要借助一些必要的工具来发现，显性肌理在正常光线下能给人一种视觉效果的肌理。油画肌理的其他表现形式大致可以分为意象肌理、抽象肌理、具象肌理、材料肌理等。意象肌理广泛用于油画的创作之中，将绘画的本质特征进行提炼，转换为油画善于表达的语言。抽象肌理是不再现所要表达的绘画对象，而是绘画者通过自己的理解、组织将其转化成另外一种表现手法，是一种抽象画的表现元素。具象肌理真实地反映绘画的对象形制，其肌理形式是如实地表现出纹理的视觉特征。油画具象肌理在写实主义里表现的比较多，也会借用其他材质来增加其质感的表现形式。材料肌理是利用不同材料的物理属性来表现的物理属性，所关注的是使用材料本身的特性。油画的表现方法有三种：直接绘画法、边画边做肌理、先涂底再绘画。直接绘画法是最传统的绘画方法，其绘画肌理效果也是最常见的。在绘图过程中肌理表现自然流畅，其肌理效果不会借助其他工具和材料；边画边做肌理是表现比较厚重感的画面时常用的方法。先画一层，再用画笔或刮刀涂上一层颜料，通过这种手法达到一种厚重的油画肌理；先涂底再绘画，一般是先用一些凝固快的材料来做底，如丙烯、立德粉等，待底料干后再绘图。

三、油画创作过程中肌理的运用

油画艺术论文篇5

我的毕业创作分四个部分：一副是颜色艳丽的，一副是黑白的，一副是金色和黑色的结合，还有一个是电脑制作的视频。四者相结合，突出了我的油画与现代艺术的结合，利用了一些现在的科技元素构成了我整个的创作作品。其中那幅黑白作品，利用了一些技巧，以便来突出它的主题和它的视觉效果。（利用了毛线突出女人的长发的感觉，采用真实的饰品添加给人物，利用打碎的贝壳制作背景的肌理效果，采用了碎玻璃表现出女人透明的肢体……这些都为了使画面更美），那么我用了一些综合材料，来填充我油画的效果，我自认为是油画的一种技巧，并也能够体现质感的一种方式。当然，从根本上说，美的领域涵盖人类活动的一切领域，我想油画也应如此，凡是正确的、有效的，能体现美的我们都可以借鉴。我在创作过程中，想尽了一切可用的东西，甚至有些被称之为垃圾，但是它用在了可用之处，它就是美的，给整幅画面增添了更完美的艺术效果。

艺术不追求直接的实效，它追求的是美。这是一种活的、有生命的、千差万别的、变化无穷的形式，所以它在不同的作品里永不重复。如果把那些材料相同的作品归类，那么相同的材料又都各表现着不同的美。艺术是人所创造的美，油画亦如此。任何事物，它必须首先能使人感到美才可能成为艺术。离开了这个最基本的出发点，就很难理解艺术是什么。艺术靠技巧来表现和创造美，但如没有美，技巧也就白费了。总之，艺术是一种美。任何事物，它必须首先是美的，然后才有可能是艺术，这是我所表达的第一个层次。

二、艺术是情感的表现艺术的任务，在于捕捉和表现。

我们把它定义为情感的表现。油画从颜色、用笔等也表现出其画画人的情感。比如梵高的《向日葵》，莫奈的《日出印象》都表现了他们的情感。其实“情感”一词并不确切。通常所谓“情感”，往往是指“愤怒”“、快乐”、“悲哀”等心理过程。这里的情感概念内涵要丰富、外延要广阔。它无法获得一个明确的心理过程。包括一切“只可意会，不可言传”的东西；那些“忧来无方，人莫知之”的东西；那些“才下眉头，却上心头”等。现代心理科学早已证明，正是那些东西的总和，构成了我们的内心生活的基本内容，构成了我们的“自我”。在这里，所谓“表现情感”，同“表现自我”是一回事。在创作过程中，我对这些作品都有了很深的情感，尤其是那张彩色的装饰作品，我在它身上注入了对现代时尚美的追求！并大胆地采用了纯色和当今的流行色，表现五彩的世界和人们的激情。在此幅作品中我还融入了当今最流行的影视艺术，在此表现出社会时尚元素不断追求的情感。这是我所表达的第二个层次。

三、艺术的创作作为情感的表现，实际上是一个意境问题。

若问艺术家创造了什么，回答就是创造了意境。画布上涂满各种颜色，键盘上敲出各种乐音，稿纸上写着各种单词……如果这些颜色、乐音、单词是有机地互相关联而形成一个活的有生命意味的整体时，那么不论它是抽象还是具体，不论它是否合乎逻辑，它都必然地构成这种或那种意境，具有这种或那种表现性。这个有机整体，我们称之为艺术。它是被创造出来的，是艺术家按照自己感情的旋律创造出来的。在它被创造出来以前，它并不存在。这就像各种颜色是原先就存在的，但是用几个颜色构成一个活的有机整体，是画家的创造。在他创造以前，你可以找到颜色、画布，等等，但却找不到那个意境。在作画过程中我的调色板，我感到就很有创作性，它的美我认为不是一般人可以感受到的，慢慢的体会每一个色块的安排，慢慢的体会同一种颜色的变化，它是很有艺术性的，很有层次，很有韵味。假如颜色在画布上不能构成活的有机整体，那它就是涂在画布上的颜色，此外什么也不是。活的有机整体并不活在画布上，而是作为一种具有虚幻维度的形式，活在欣赏者的感受之中。所以它是意境而不是实境。一种意境就是一种艺术形式，一种艺术形式就是一定情感或心绪的动态形式的同构形式。情感本身及其表现也不等于艺术，只有它客观化为一定的物质形式才是艺术。在实践中艺术灵感总是来源于生活。这是我所表达的第三个层次。

四、艺术与社会生活艺术与社会生活不可分离。

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一、靳尚谊肖像油画的艺术特征

（一）含蓄美

靳尚谊是一个含蓄、内敛、谦虚、沉稳的人，这种性格气质使其油画也呈现出了独特的含蓄美、朦胧美，犹如一首首隽永清纯的婉约诗。靳尚谊曾研究过博巴、弗鲁贝尔等画家的绘画风格，在总览各家所长后，靳尚谊找到了适合自己的画风。他在严谨中求流畅，在柔和中求典雅，在变化中求含蓄，从而形成了朦胧、含蓄的油画风格。例如，在油画《塔吉克新娘》中，画中人物微微低头，含蓄地望着前方，眼中流露出点点喜悦，人物的手指、手腕、肘关节等自然弯曲，拇指和食指拉着披巾，使大红披巾半遮半露，形象地刻画了一位美丽端庄、羞涩拘谨、典雅含蓄的塔吉克新娘。油画《小提琴手》也是含蓄美的典范之作，棕色的背景、白皙的皮肤、绿灰色的桌布等组合得自然和谐，细腻的笔触、柔和的色调使人物显得含蓄而自信，充分展现出了“小提琴手”的精神气质。

（二）整体美

靳尚谊擅长经营布局，注重通过构图的变化来创造平稳、完美、和谐的画面形象。如《十二月会议》的构图稳定饱满，充满了艺术张力，有一种博大、浑厚之感。在《塔吉克新娘》中，画家采用了三角形构图，人物形象饱满稳定，下垂的头巾形成了许多纹理和曲线，使画面充满动了感与活力。《女人体》由两个三角形组成，轮廓线明显，构图稳定、大气、饱满、完整，富于变化。靳尚谊曾在中央美院学习，后来又到苏联进修学习，这不仅使他具有了扎实的油画功底，而且还形成了严谨、厚实的画风。如《维族老人》中严谨厚实的人物造型，就充满了雕塑感和装饰感，展现了画家扎实的造型功底。

(三)色调美

靳尚谊油画色彩深沉而明快，鲜明而典雅，强烈而柔和，非常富有个性。如《塔吉克新娘》中深红色的背景和大片的红色形成了鲜明对比，人物脸庞、服饰、背景等的色彩变化使画面显得流畅而优美，洋溢着青春活力。在《双人体》中，画家通过冷暖色调的对比，即一个人体偏绿色，另一个人体偏黄色，令色彩典雅、柔和，展现一种古典主义美学张力和令人迷恋的东方美。

（四）意境美

在长期绘画实践中，靳尚谊意识到唯有扎根于民族传统文化，将水墨画的写意性和西洋的油画融合起来，才能使油画具有中国风格和中国气派。在油画创作中，靳尚谊将山水画作为一种文化符号引入到了油画创作中，打造了一种含蓄、恬静、淡雅的意境美。在《画家黄宾虹》中，靳尚谊以雄伟的山峰、突兀的巨石、苍翠的树木为背景，营造出了一种巍峨浑厚、苍茫深沉的山水画意境。在油画《山人》中，山人手持斗笠端坐于岸边，凝思着生命和宇宙的真谛，画面色彩自然淡雅，线条流畅有力，人物形象结实而灵动，另外，他还将“留白”技法融入到了油画创作中，从而创造出了一种空灵的意境美。

二、靳尚谊肖像油画的艺术风格演变

靳尚谊从人物肖像画开始，便一直锲而不舍地研究油画艺术的民族化、本土化，并最终开创了一代画风。张祖英说过，靳尚谊对当代油画肖像艺术的影响最大，他那纯正的艺术语言、鲜明的艺术风格成为了中国肖像艺术成熟的标志。

（一）历史肖像画

靳尚谊油画创作始于“革命历史画”，在上世纪60年代，靳尚谊先后创作了《送别》《十二月会议》《长征》等反映重大历史事件的油画。在历史画的创作中，靳尚谊不断进行艺术探索，用简练的构图、浓重的色彩表现了广阔的社会生活，并形成了风格独特的肖像画。《在十二月会议上》是靳尚谊早期肖像画的代表作，该画的选材角度新颖，构图简洁有力，突破了概念化、公式化的人物刻画，并通过人物的动作、手势反映了人物的内在精神，展现了英明、智慧、果断的领袖气质。从总体上看，靳尚谊历史肖像画有着构图简洁单纯、面部塑造坚实、动作姿态传神等特点。

（二）新古典主义画风

上世纪80年代，靳尚谊到美国探亲和学习，他系统研究了欧洲古典油画，这使他对油画的光色、体积、空间、整体美等都有了新的认识。回国之后，靳尚谊对油画创作进行了积极探索，试图从边线、结构出发解决形体的体积问题，并创作了《蓝衣少女》《自然的歌》《果实》《青年女歌手》等油画作品。1983年靳尚谊展出了油画《塔吉克新娘》，该画采用金字塔的构图方式，运用单纯而强烈的色彩和“点”的塑造方法，使整个画面轮廓鲜明、明暗得当，刻画了一位含蓄、羞涩、恬静的女性形象，表达了人们对美好生活的向往，展现了普遍的人性美，同时也标志着中国“新古典主义油画”的诞生。在新古典主义的经典之作《塔吉克新娘》中，靳尚谊以敏锐的眼光、娴熟的技巧表达了一种宁静、和谐、崇高的情感。许蚌这样评价道：“《塔吉克新娘》以安格尔式的严谨开拓了中国油画的视野，以纯净的古典美把人们带入了超功利的境界，将中国学院派油画提升到了新高度。”在创作油画《青年女歌手》时，靳尚谊借鉴了达•芬奇的《蒙娜丽莎》，采用金字塔构图法，将人物置于中间，细致入微地刻画了人物的胸部、双手和脸部，并以平光处理法突出了人物形象的轮廓和体积变化，从而使人物形象生动、内秀，富有韵味。从总体上看，靳尚谊的古典主义油画具有层次丰富、结构稳定、古朴厚重、理性宏阔、富有质感和空间感等的特点，具有隽永深刻的独特韵味。

（三）油画民族化

靳尚谊是油画民族化、本土化的积极倡导者，他将传统绘画作为背景引入到了油画创作中，探索了人物和环境的意境交融。在油画《青年女歌手》的背景处理上，画家以范宽的《雪景寒林图》为背景，实现了传统文化与现代艺术的融合，整幅画作色彩单纯、古朴厚重、质朴典雅，展现出了独特的东方韵味。油画《髡残》以自然山水为背景，边线清晰的人物形象和灰色的写意背景相互交融，使画面显得厚重而淡雅，展现了一种奥境奇劈、缅邈幽深的意境美。进入90年代之后，靳尚谊开始尝试水墨艺术和西洋油画的融合，并试图用油画技法来表现中国画的意境。在油画《画家黄宾虹》中，他采用印象派笔法和写意化的手法，以淡雅的色彩、质朴的衣饰、结实的头部和细腻的双手拉近了观众和人物的距离，同时松散而阔远的背景又将观众的视线引向了远方，从而创造出了一种若即若离、含蓄朦胧的意境美。这一时期靳尚谊肖像画均为文人写意画，他将中国画的意境和文化气质融入到了油画创作中，实现了人物和环境的交融；又将“墨分五色”的水墨画艺术融入到了油画之中，使色彩变得更加单纯，从而展现了独特的笔墨情趣和抽象意境；他还将书法的用笔之道融入到了油画中，使画作具有了超凡脱俗的文人气质；之后又将“留白”技法融入油画创作中，营造了空灵的意境美。

（四）装饰化风格的探索

早在上世纪80年代，靳尚谊就对装饰画产生了浓厚的兴趣，他借鉴了山西永乐宫、敦煌壁画等艺术风格，创造出了许多线条流畅、色彩绚丽、装饰性强的油画作品，如《探索》《画家黄永玉》《白衣女孩》《背影》《蜻蜓》等。在油画《蜻蜓》中，画家以纯净的色彩、新颖的构图、流畅的线条描绘了爬在棉塌上的年轻女性，以白净的皮肤、灰紫色的棉塌、黑色的背心等元素创造出了一种舒适自由的意象空间，留给了人们无尽的畅想。新世纪以来，靳尚谊油画风格变得更加明澈亮丽，其常以平光处理画面，以大色块的对比来凸显人物个性，用小笔触的“点”来点缀画面，从而创造出了悠远、柔和的意境。

三、靳尚谊肖像油画的艺术价值

油画艺术论文篇7

1.意象油画及油画民族化思考  

2.试论吴冠中油画语言的民族特色 

3.近现代油画艺术中色彩的情感表现 

4.文人油画——中国油画民族化的必然 

5.意象油画百年  

6.论油画中的情感色彩表现  

7.当代中国油画的现状与思考——从第10届全国美展看中国油画的价值取向 

8.本土化:百年中国油画的主题词  

9.油画作为中国艺术样式的机构化——立足于20世纪二三十年代的考察 

10.中华传统文化精神对中国油画发展的作用  

11.城市文化产业集聚体:深圳大芬油画  

12.中国油画民族化的再思考 

13.90年代的中国油画 

14.意象油画,形而上还是形而下? 

15.新中国50年代“油画民族化”讨论的两次会议 

16.中国民俗文化对新时期油画创作的影响 

17.论中国现代油画之写意精神  

18.艺术市场化背景下的中国油画艺术发展之路 

19.浅析女性油画家的创作特质  

20.油画艺术教育与艺术市场 

21.审美的失落——超写实油画艺术和抽象油画艺术的共同特征 

22.论油画的中西融合之路 

23.谈具象油画创作的技法运用 

24.现代中国油画表现性中的审美意象  

25.中国油画的本土化与意象油画 

26.借鉴与融合——俄罗斯油画艺术在中国油画本土化进程中的影响 

27.油画的民族化与本土化之路——中国油画的写意解读

28.油画的突围——改革开放40年来中国油画民族化路径探析

29.论我国油画创作的民族性与本土特点——以西部新疆、内蒙、广西油画创作为例 

30.浅析油画的色彩与形体结构  

31.浅谈色彩在油画创作中的作用及情感表现

32.油画形态的演变研究 

33.写意油画用笔的书法意识 

34.浅析油画技法和鉴赏的认识  

35.探寻中国油画民族化历程  

36.由“气韵生动”解读当代中国风景油画中的山水精神 

37.色彩:油画艺术的灵魂  

38.油画的中国特色研究  

39.罗中立油画的“本土性”与“当代化”探究  

40.构成和意境——西方油画赏析 

41.关于油画中的情感表达分析  

42.油画教学之我见  

43.论中国写实油画的现实主义之路  

44.关于油画创作教学的思考  

45.析当代中国女性油画创作的情感表现

46.简论油画笔触之美  

47.多元文化视域中的油画民族化创新探析 

48.论油画民族化与民族审美文化-心理结构 

49.也论中国油画艺术的民族化 

50.中国油画风景的意象之路  

51.当代油画本土化思维初探——浅谈中国油画意象表现与审美

52.油画创作探析——油画创作的教学思考

53.明清西方油画传入中国研究 

54.试论吴冠中油画民族化思想

55.油画人物创作谈  

56.论意象油画的诗意魅力  

57.浅谈中国当代风景油画的发展状态 

58.论风景油画创作中的艺术表现形式

59.20世纪初期徐悲鸿、林风眠、刘海粟等人对油画民族化的探索

60.黑龙江地域性油画的创新  

61.中国当代油画家的群体意识与油画创作风格演变

62.关于油画中国风的认识 

63.油画色彩语言的精神表现

64.利用色彩和谐模式辅助提取油画主题色 

65.浅谈中国当写作意油画的语言形式 

66.中国元素在当代油画艺术中的体现  

67.中国当代油画“民族化”的探索与实践 

68.意象油画:油画的本土化之路 

69.浅谈油画创作中的装饰性色彩语言 

70.中国油画语言中的写意精神 

71.《六胖子油画技法》编后谈 

72.油画教学中创造性思维的培养 

73.俄罗斯传统现实主义油画中的个性视角——从安德烈·斯克拉良科看“俄罗斯新生代现实主义油画”的转型与发展

74.多元化教学在中国高校油画教学中的应用价值

75.浅谈油画技法研究  

76.《油画人物写生》教学研究——兼论关于写实性油画的理解与认识

77.中国当代意象油画的表现语言探析  

78.浅谈油画风景创作对中国画形式美的借鉴  

79.论民族色彩在中国油画中的体现 

80.谈高等师范院校油画教学第二课堂的构建  

81.多元文化背景下的油画民族化  

82.新疆油画发展现状及其在国内的影响  

83.环境对广西当代油画创作的影响  

84.中国传统油画三千年考略  

85.从中国绘画的表现方法谈到油画中国风

86.油画中装饰性色彩的艺术表现  

87.油画技法中的灰色表现  

88.中国油画发展现状及对写实油画当代属性的思考 

89.中国油画的基本问题(上)——油画艺术讨论会书面发言

90.新疆当代油画家群体与其创作风格特征 

91.多元化教学在中国高校油画教学中的应用价值 

92.油画材料技法教学现状与改革思考 

93.中西方油画艺术中写意精神的比较研究

94.潜意识在油画创作中的运用研究 

95.西方传统油画技法与东方绘画表现形式的渗透与融合 

96.试析近现代油画艺术中色彩的情感表达 

97.寻求东方文化品格的中国油画——中国油画艺术展的历史叙述 

98.从油画在中国的发展历程谈“民族化”问题 

99.色彩对油画风景创新的意义

100.新疆油画源流拾遗  

101.摇滚乐对于当代油画艺术借鉴价值分析

102.浅谈中国当代油画的创作与发展  

103.现代油画创作中个性化油画语言的选择

104.油画审美略论  

105.民族元素在中国油画中的体现 

106.浅谈当代中国油画的写意 

107.中国当代意象油画图式语言探析 

108.中国装饰元素在当代油画中的应用  

109.从再现现实到意象表现——新时期对于现实主义油画创作方式的反思与突破 

110.油画民族化的历程及启示  

111.论油画创作的主观性色彩语言 

112.厦门油画产业现状分析与发展策略 

113.谈清宫皇帝后妃油画半身像  

114.油画创作中对装饰艺术语言的借鉴与运用  

115.中国意象油画作品中的线语言解读 

油画艺术论文篇8

关键词：油画；艺术；形式语言

中图分类号：J213 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2015）12-0019-01

一、当代中国油画艺术形式语言的思考

当代中国油画艺术似乎想直接套用西方的理论观点以及艺术语言和表达形式，建立我们自己的艺术理论和艺术形式。显然针对当前艺术的多元化、地域化的发展特点，这种形式无疑是最简便最快捷的方式方法。但是中国的艺术语言应当建立在我们自己的文化传统和审美意识上的，而不是仅仅只基于西方的理论和形式语言特点。

我国有着悠久的艺术历史，而且艺术是有其共通性、开放性和宽容性的特点。谈论中国绘画和西方绘画语言是好的，中国的油画不排斥西方文化的影响，但是我们更希望找到一条可以代表中国传统美学的言语来诠释我们自己的艺术之路。罗丹说：“在生活中并不缺乏美，缺乏的是发现美的眼睛。”在这方面，中国古今艺术家对佛教艺术的探究与表现就是最好的诠释。

闻一多先生说过，中华民族的传统文化最大的特点是善于授和受。我们民族很慷慨，乐于把自己的长处传授给别人；也有开阔的胸襟，乐于学习和接受别人的长处。中国画的语言大多关注的是图像和视觉的统一，但随着世界经济文化的发展中国画也渐渐受到西方艺术的影响。同时油画作为一种新的艺术形式传入我国，近些年油画在国内迅速发展，也逐渐摆脱了西方的理论束缚，在表现形式和艺术语言上都带有浓重的中国文化特色，直到现在已经成到达了空前繁荣的阶段。引用吴冠中先生的话说，西方重视构成，中国传统谈经营位置，其实都是推敲平面的分割问题。欲控制画面上下左右的所有领域，其间必然要运用纵横之术，无论以何种形象状貌出现，都不能疏忽纵横的构成，其间的相辅相成。这种纵横手法用多了，就逐步想扬弃物象，抽出纵横的魅力，这抽象画面的启示者正是我所拥抱过的大量现实。

这充分证明了中西方艺术的形式语言是可以相互联系，相互融合的。如今人们艺术的观念和审美的观念发生了转变，使当代中国艺术家不再满足于传统艺术的语言形式。他们不仅从中国传统艺术中吸收养分，同时他们更多的关注世界前沿的文化发展动态。

二、浅析油画艺术的形式语言

油画有其独特的、丰富的艺术语言和表现形式，不仅能够穿越国度、时空和语言的限制与不同的观众心灵交流。而且能够通过不同的艺术语言来表达艺术家的思想和感情，更重要的是艺术家可以各种形式的艺术语言来表现一切想表现的对象。表现对象在我们的生活中随处可见，用什么样的语言来表达你的思想，如何表现，这里涉及到一些技巧。

油画的色彩十分丰富，但是光有色彩还不够，油画的最大魅力在于它的由瘦到肥由深到浅，按需要逐层覆盖而产生的强烈的透明感、立体感。我们可以通过以下技法来表达油画的形式语言：构图、空间、光感、线条、明暗、笔触、质感、肌理等。经过画家灵活的笔触，托、拉、提、扫、抹等形成带有浓重个人色彩的独特的形式语言，把画家自己的内心世界向读者娓娓道来。

当代中国油画家们的绘画不仅表达他们自身的思想，同时也具有极强的时代特征。艺术作品靠的是形式来感染人，形式语言用的不好就不能使人感动，正所谓题材不是最关键的，形式语言如果不能感动人，艺术作品就不能发挥其特点和价值。画面的视觉形式感一直是画家高度重视的问题，因此他们特别注重画面节奏的变化，油画的艺术形式语言的发展总是伴随着画家们对画面的形式语言的完美的追求而获得。绘画的内容决定着绘画的形式，绘画的形式反过来也制约着绘画的内容。因此，艺术语言的形式不应成为画家的束缚与负担，为表现而表现，由此失去了简约与自然并葬送了绘画的本质。

三、结语

当前，中国油画艺术语言的表现形式很丰富，但问题是过度的、片面的强调个性和创意，由于油画表现力太强，使很多画家一味的追求形式语言的表现，由此形成太多表面的东西，顾此失彼，画家创作出的绘画作品缺乏个性和想法，表现的形式和语言缺乏感染力。因此为了更好的表达艺术内容和形象，我们只有寻找到合适的艺术形式语言，才能更好的表达我们的主观思想和强烈的情感。

参考文献：

[1]吴冠中.吴冠中画作诞生记[M].北京：人民美术出版社，2010.

油画艺术论文篇9

【关键词】中国当代油画；艺术市场；争议；生存空间；思考

1 当代中国油画发展受到争议

1.1 受到“架上绘画”死亡论的抨击

架上绘画的产生是由于人们对室内装置艺术的渴望，而对于大型装饰插图和壁画等，尺寸过大不便于室内装饰和悬挂，所以架上绘画逐渐走向市场，以装饰的形式出现于办公室、公共服务区、私人豪宅等等。回到21世纪的中国，我们生活的空间里到处都是影响着我们视觉的图像，比如海报、书籍封面、电影、动漫产品、商品的包装、网络图像等等。他们的出现促进了架上绘画，它的诞生直接充斥着传统的绘画艺术。至今，全国学院教学的手段和方法均以架上绘画的形式为主，成了中国学院油画教学的基本方式，随着画室、画框、画架、画布、画板等的不断革新，一方面促进了架上绘画的发展，另一方面抑制了传统的油画艺术，使得全国学院师生的绘画视线都仅仅限制在画室之中，虽然也学院开展室外写生的活动，那也是少之又少的事了，使架上主义的繁荣沉重打击了中国绘画的发展。跟随时代的变更，更多的中青年画家已经赋予架上绘画以新的修辞学，使绘画缺少了自由，没有融入个人感情，这种架上绘画主流的发展同时削弱了中国绘画的地位。

对纯粹的“架上绘画”产生了一定的影响，有人不断提出“架上绘画”已经衰落，或者“架上绘画”死亡论的论调。中国当代油画也受其影响，不断受到“架上绘画”死亡论抨击。自照相机发明之后就预示着“架上绘画”死亡的困境，因此好多批评家预言“架上绘画”会在当代艺术中被淘汰，这种偏激的理论是错误的，中国油画在一百多年的发展历程上，不但没枯萎，吸收了当代世界现代艺术的影响，当代中国油画依然迈着坚实的步伐不断向前发展。中国当代油画吸取了现代艺术中观念艺术、行为艺术、装置艺术、新媒体艺术的新型的观念和养分，不断从中国传统文化和民间文化中借鉴好多宝贵的观念，对中国当代油画不断的调整和革新，在这个多元化艺术时代，中国当代油画处于全球化语境下，在学习西方的艺术精神和表现技法的同时，要求中国优秀的当代油画家在传统与现代、全球化与地域化的交流中创造出更具有时代性、观念性优秀的艺术作品。

1.2 中国油画受到“照相科技”论的影响

从18世纪60年代欧洲工业革命开始，到1839年8月19日法国画家达盖尔公布了他发明了世界上第一台可携式木箱照相机。当代世界艺术不断受到“照相科技”的影响，自19世纪印象派开始，现代艺术登上历史的舞台。在20世纪以后，野兽派、立体主义、表现主义、未来主义、抽象主义、超现实主义等流派相继出现。之后产生在美国产生了抽象表现主义艺术，20世纪60年代之后，现成艺术、行为艺术、装置艺术、观念艺术、新媒体艺术相继登上历史舞台。

真如雕塑家罗丹所说：“艺术家讲真话，摄影机讲慌话”[2]经过多年的历史发展，中国油画艺术发展也不断壮大，越来越受广大市场和人们的欢迎。但是同时也引起了很多的争议，就拿照相主义来说，现实生活中许多画家人手都有一部照相机，或者更多的是画册，在这个图像时代人们过于依赖图像而缺乏写生。照相主义也有他的优点正如画油画风景的时候，有时候也有天气因素的限制，所以把它拍成照片，当天气变化了或者光线错位的时候可以把照片作为辅助来完成没有完成的作品。也取决于对高科技的依赖，除了照片的辅助以外，甚至还运用幻灯机作画，把眼睛所所看不到的，不清楚的照片，通过幻灯机投放到幕布上，然后再去作画。这样即可以是所描绘的形象更加逼真，也可以创作出更大篇幅的作品。开阔了油画发展的领域，但是长期画照片不画写生画也有它自身的弊端，第一，会使更多的人变成色弱。第二，画面中缺少对比色，形成色彩的破坏，使色彩画变成彩色画。我们应该以写生为主，也可以把照片作为一个辅助去作画。正如所以，我们应该合理要求自己，利用照片而不是去画照片，多画写生画，置身于自然当中，体会自然，要发掘源于生活而高于生活的艺术韵味，不要因为市场的需求，而走入歧途。

2 中国当代油画的发展道路

纵看中国当代油画发展历程，我们不难看出中国当代油画发展是借鉴西方油画的艺术风格、艺术语言、各种表现手法和造型因素，使中国油画具有西方油画的表现形式。“仅仅肤浅地移植模仿西方文化外壳，忽视本土文化民族遗产及赋予艺术和思想意义的情感内涵终将导致其作品只是一种表面的技法显露，而使之主体精神贫乏无力，因而是应该避免的”。[3]西方油画发展以经历了几百年的发展历史，如同我国的中国画一样，已有深厚的文化底蕴和辉煌历史进程，在西方灿烂、辉煌的油画历史长河中，汇集了各种美术思潮、艺术流派、绘画大师。而中国油画只发展了一百多年的历史，不管在油画技法上和艺术观念上都是对西方油画的模仿和借鉴。

中国油画在中国这片热土上生长已有一百的历史，早在辛亥革命前后就有大多数出国学习美术的留学生，如李铁夫留学美国和英国、李毅士留学英国、吴法鼎留学法国等学习和借鉴了西洋画，目的是寻找一条救国救民的光明之道。之后徐悲鸿、林风眠、刘海粟等人留学欧洲，徐悲鸿1919年留学法国，他“提出改良中国画的基本观点：古法之佳者守之，垂绝者继之，不佳者改之，未足者增之，西方画之可采入者融之。”[4]徐悲鸿深受欧洲古典艺术的影响，借鉴西方古典写实主义的艺术语言和表现手法。林风眠1920年留学法国，他的绘画是借鉴了欧洲古典写实手法的同时，还借鉴了德国表现主义油画的绘画语言，是绘画在中西绘画的长处加以“调和”并具有独特的绘画语言风格。其作品在形象描绘和色彩处理的基础上，又强调作品所表现出的意境、神韵和思想。刘海粟1929年赴欧洲留学，个性和他的绘画一样都有独特的风格，主张写实、个性解放，无疑是受到西方古典油画和教学的影响。他在教学中首倡人体模特教学，被当时社会现实成为“艺术叛徒”。通过他们的不断努力，把西方油画观念和技法陆续传入中国，为中国油画发展奠定了基础。

新中国成立以后，中国油画创作基本上是描写新中国的现实生活，表现共产党的革命历史起步和发展。在20世纪50年代开始，苏联油画的引进奠定了中国油画的发展基础。苏联大量的历史画和现实主义题材的油画的复制品流入中国，有相当一部分美术院校成立了油画专业体系，中国学子也不断的向苏联、欧洲、日本留学，为中国油画教育的发展具有推动力量，尤其是学习和了解苏联写实的社会主义现实主义油画打开了一条光明之路。中国油画历史上具有重要意义的事件是1955年开始又请前苏联的马克西莫夫来中国在中央美术学院举办油画训练班。这对中国发展产生了极其深远的影响。对苏联“老大哥”的尊敬，使油画艺术创作发展在很大程度上受到前苏联油画的影响。中央美术学院副院长江丰在主持美术家协会工作会议上这样说到“马克西莫夫同志来到中国，使我们有机会直接地有系统地学习苏联的先进艺术经验。我相信，在马克西莫夫的指导下，不论在我国美术教育事业上，或在油画教育师资的培养上，将会带有非常重点的、宝贵的贡献”[5]“马训班”的成员后来成为美术油画界的重要人物和各大美术院校的学术骨干。成为现代美术教育的重要核心力量。

在多元艺术语境下，艺术全球化的大背景中，在改革开放以来中国油画借鉴了西方19世纪、20世纪的现代艺术的发展，中国现代主义艺术也蓬勃发展。靳尚谊油画风格吸收和借鉴了西方古典主义和印象主义的风格，《塔吉克新娘》《自然之歌》就是其反映，大多数风景画和人物背景完全借鉴了印象派的风格。陈丹青《组画》借鉴和吸收了伦勃朗和米勒的古典主义和现实主义的表现手法，罗中立《父亲》借鉴了美国照相写实主义的表现手法，以巨幅肖像画的特点表现父亲苍老、质朴的社会现实意义。从上述论述中国油画是在全面吸收、借鉴、不断探索的道路上发展起来的，我们要在借鉴西方绘画语言的同时表达自己的内心情感，来传递中国的社会生活和情感内涵。正如靳尚谊所说“对于油画艺术本身的认识、学习、理解、掌握也有一个相对漫长而艰难的过程[6]”中国油画的发展也一样，这需要中国优秀艺术家继续探索和发展一条有效、卓越、独特的艺术价值体系。

3 中国当代油画发展的生存空间

中国油画发展自改革开放以来，中国市场经济的兴起，多元艺术发展的语境下，全球一体化进程的加快，艺术市场的繁荣。中国油画在进入新世纪，东方、西方，全球化时代，创作形式的自由，创作风格的多样化，“这是一个民族文明意识觉醒的标志，是艺术家主体人格张扬的标志。这些现象也许不是艺术繁荣的表示，但它们是艺术繁荣的前兆，这却是确凿无疑的。因此，这段历程在中国油画发展史上会有特殊意义。（邵大箴语）”[7]人类的需求、生存方式、思想意识也是多元的，总之，艺术都能给人以希望和勇气，使人类的天才和智慧得到充分的发挥和施展。艺术市场的繁荣发展，艺术家的作品拍卖不断刷新拍卖纪录，艺术的开放性，油画也已开放的姿态创作具有时代感、社会内涵、符合人类文化艺术的作品。在新的世纪“没有任何艺术形式和手段被认为是不合理的，也没有任何艺术形式和手段被认为是不合理的，重要的是艺术家在什么样的观念和立场下从事他的艺术实践”[8]新世纪的艺术之花正在盛开，这将是一个具有强烈竞争的时代。中国当代油画取得了长足发展，需要一批优秀的艺术家对社会现实和艺术现状不断思考，中国当代油画发展会有更大的生存空间。

4 艺术市场异常火爆，评价标准不断多元化

中国艺术市场的火爆，莫过于中国油画拍卖市场的持续上升，2006年油画市场拍卖作品超过千万的艺术作品有5件，比如吴冠中作品《长江万里图》以3795万元成交，2007年油画拍卖作品超过千万的就有72件，蔡国强的《APEC景观焰火表演十四幅草图》高达7424万港币，在拍卖会上也出现了如程丛林的作品《华工船》，陈丹青的作品《组画》不仅有极高的艺术价值，更具有一定的历史文献价值。数字的变化揭示了中国艺术火爆的异常，主要来源于中国艺术市场的体制的不健全，正如吕澎所说：“没有市场，艺术品的价值就只能保留在艺术家的灵魂里，而这个社会则永远不会知道这个艺术家灵魂的秘密[9]”

在21世纪当今时代，中国油画发展趋势是富于变化，在“主旋律”和“多样化”的艺术指导下。各种创作形式多元并存，形成了丰富的艺术景观。“从人类历史发展进程看，文化是被不断创造，不断演进，不断完善的，它既是一个不断建构的过程，也是一个不断重构的过程。”[10]中国油画发展过程也是一样，是不断完善，不断建构，不断发展的过程。当代油画艺术家的不断探索和尝试才能创作出具有较高艺术价值的作品。

中国当代油画一直受到西方文化的价值观念和艺术形态的刺激和影响，在全球化艺术语境下，中国当代油画发展也面临着挑战和机遇。在“架上绘画”死亡论和“照相科技”论的抨击下，这是中国油画家所面临的现实。我们要抓住“全球化”这个机遇，在国际当代艺术中，以多元主义为创作条件，创作的艺术作品价值要作用于当代社会，是艺术家的智慧和能力得到充分体现。

【参考文献】

[1]邹跃进.新中国美术史[M].湖南美术出版社，2002，11：242.

[2]罗丹.罗丹艺术[M].林瑜，编，译.金城出版社，2011，8.

[3]吕山川.模仿和回避-对中国油画现状的思考[J].美术空间.

[4]中央美术学院美术史系.中国美术简史[M].中国青年出版社，2002，5：388.

[5]朱沙.苏联美术与新中国油画[M].东南大学出版社，2013，3：67.美术，1955.

[6]靳尚谊.我的油画之路[M].吉林出版社，2000，1：207.

[7]冷林，赵力.中国当代油画现状[M].今日中国出版社，1993，8：2.

[8]吕澎.20世纪中国艺术史：下册[M].北京大学出版社，1997，2：988.

油画艺术论文篇10

    【论文摘要】二十世纪五十年代,我国引入了苏联契斯恰科夫体制的绘画教学模式。毋庸置疑,这种教学模式的引进在当时对我国的油画艺术教育产生了极为重要的影响。然而,经过几十年的发展之后,这种传统的教学模式的弊端也逐渐显露出来,我们的当代油画艺术教育也不应该是工具主义式、技术主义式的培养艺术匠人,而是培养具有社会责任感的知识分子。 

    20世纪50年代,我国引入了苏联契斯恰科夫体制的绘画教学模式。毋庸置疑,这种教学模式的引进在当时对我国的油画艺术教育产生了极为重要的影响。然而,经过几十年的发展之后,这种传统的教学模式的弊端也逐渐显露出来,比如,过分着眼于学生的技能训练,偏重于科学、理性地观察和描绘对象。这种日趋于保守化和程式化的教学模式,似乎使艺术日渐演变成为一门追求技术和理性的学科,从而变成了一种机械化的劳作。当然,对于油画艺术来说,科学、理性的观察表现能力和精湛的造型能力固然重要,但是艺术毕竟是一门强调形象思维的学科。而从艺术匠人到知识分子的蜕变必然要有几个因素的保证。也就是说,当代油画教育工作者在教学过程中除了训练学生的造型能力之外,更加要注重对学生的理论素养,批判性思维能力以及个性化的艺术语言的培养。15世纪,意大利雕塑家季培尔底曾提到,希腊人是绘画、雕刻的研究家,这表现在他们的素描理论上,没有这种理论,就不可能是个优秀的雕刻家或画家。可见,一个艺术家之所以优秀,并不仅仅是因为他所拥有的精湛的技能。因为,精细的模仿能力只是艺术活动的基础,但却不是决定艺术成就的最主要的因素。个性化的艺术语言,以及作品中所呈现出来的艺术家的学识修养和深刻的思维建构才是决定性的因素。这也就对当代油画艺术教育工作者提出了挑战。在教学过程中,当代油画艺术教育工作者在强调学生的技能训练的同时,也要重视对他们创造性思维能力的培养。教师可以根据不同学生的特点因材施教,对学生的大胆创造给予鼓励,在培养学生兴趣的同时,发掘学生的创造性热情,从而培养学生的思维创造能力。另一个层面上说,这也对当代油画艺术教育工作者自身的素质提出了很大的要求。在过去几十年的油画教学理论中,曾出现过油画教师应该首先作为一个艺术家还是一个教育家的争论,但我国现阶段的教学来看,时代对油画教师又有了新的要求。就笔者看来,一个好的艺术家未必能成为一个好的教师,好的油画教师不仅应该是一位优秀的艺术家,更应该是一位优秀的教育家。但是,针对中国当代艺术的教育现状,油画教学要想适应当代艺术的发展,油画教师不仅应该是一位成功的艺术家、教育家,更应该是一位了解当代艺术发展现状的“半个理论家”。其中,很重要的一点就是当代油画艺术教育工作者对当代艺术的目前成果的接受、梳理和转化。当代艺术的前卫性、实验性和批判性都是值得年轻学生学习和借鉴的。甚至,美术院校可以开设融会当代艺术成果和经验的新课程,通过对学生传授当代艺术成果,使学生能够得益于多元的当代油画艺术教学资源。 

    相比而言,传统的学院派写实教学体系的课程设置较为单调,教学内容也相对过时、守旧。在以往的油画教育中,各大美术院校多贯彻培养学生全面发展能力的方针,而忽视了对学生的个性发展的培养。在这种教学模式下,年轻学生没有过多的自我判断和辨别意识,在创作过程中普遍缺乏自信,过分的依赖于教师的判断。因为现有的艺术教育体制多引进苏联契斯恰科夫体制的教育模式,在强调技能训练的同时,并没有注重培养学生的理论素养和批判意识。当然,现在中国目前的学院体系里面,除了传统学科之外,另外还增加了许多新的课程设置,比如中国美术学院成立的新媒体艺术系、四川美术学院的油画第三工作室以及天津美术学院的现代艺术学院等,都开始注重实验教学。中国美术学院新媒体艺术系拥有很长的办学历史,虽然被称为新媒体艺术系,但是他们的学科带头人张培力却是油画专业出身,由于对油画专业本身的了解,在指定教学方针政策时便更为自由灵活,可以吸收油画的一些技能用在多媒体创作中,所以,中国美院的影像艺术在中国当代艺术领域一直出于遥遥领先的地位。四川美术学院第三工作室也是油画艺术的延伸。就体制上来说,第三工作室就是油画系的一部分。在这种体制之下,第三工作室的教学对扩宽油画系的视野起到了很大的作用。从总体上来说,当代油画艺术教育的改革要把握住一个要点,即要与当代艺术产生良好的互动。油画教育要与当代艺术产生良好的互动,就是要让油画与油画教育真正的具有当代性。但如果依照陈默先生对艺术教育当代性的四点定义,我们油画教育并没有真正体现出其当代性。其中第一个标准即对当代艺术教育的反思必须落实到第二条当代艺术教育转型的实践过程之中,不然,当代艺术教育反思就没有任何说服力。同样,无论艺术教育与当代艺术融合到何种程度,以及当代艺术教育具有何等的前瞻性,它们的最终决定性因素还是要归为艺术教育的转型。当代艺术专业杂志上也不乏对当代艺术教育进行反思的文章,网络上也时常看到呼吁艺术教育改革的口号,但是我们却没有看到当代艺术教育转型的实际行动。中国当代的主流艺术教育体制一直延续了50年代中期以来的以画种为界线的分科方法。在具体教学实践中,中国当代的主流艺术教育也没有从本质上超越50年代苏联的教学模式。其实本文反复强调的是第三点,即当代艺术教育与当代的融合,也即当代油画教育与当代艺术的融合。既然我们还称之为油画,我们就要保持油画的基本属性。我们必须认识到,当代艺术发展今天,已经没有语言上的差别,油画和雕塑、装置等语言已经不再有前卫和后卫之分.基于这一点,在教学过程中,油画应该吸收其他艺术语言,而又不放弃自己的语言模式,这才可能称之为油画教育转型。