表现方式范文10篇

一、外在形象

这里的表现，可以分成三个层次：弱化——模仿——强化。顾名思义，在戏剧演出中，为了适应不同的戏剧风格，满足不同的剧情，表达不同的含义，灯光设计者在利用灯光塑造人物的时候会有意识地不同程度地显现人物的外在形象。这里尤其需要指出的是，这里的模仿，并不是纯粹地为了模仿而模仿，而是一种有意识的“再现”，一种主观能动的“再现”，是“表现”的一种。

一般来说，对灯光来说，人物的外在形象主要有以下几点：

1.服装、化装

灯光对服装和化装的再现最常规的作用便是用白光、浅色光来显现人物，再造形象(化妆)。呈现人物的服装(服装的颜色、材质、结构、组成等)。

此外，灯光的着色作用在这一方面也表现得尤为突出。不同颜色、质地的服装在不同的灯光的照射下会呈现出不同的状态。有时是有助于表现服装、化装的，考虑得不周到却会适得其反。

通常人们对自己周围客观存在的事物习以为常,往往不太容易引起语言上的注意,而艺术作品中丰富微妙的光影变幻、生动真实的光影效果却可立即引起人们的注目,甚至情绪上的波动,从而唤起人们对语言的某种思考与探索。事实证明,语言是油画的主要艺术之一,大至油画创作的全过程,小到极其细微小节的处理,都受着语言的影响,冲击着人们的视觉。

由于具有很强的表现力,油画在视觉上给人较强的真实感,主要表现于所描绘的物象的质感、体积感、空间感、光感等方面,有着其它画种所不能及的独特能力。油画作品在表现灿烂的阳光、通红的炉火、闪光的水面以及各种厚重或突出的物体,表现人体与人身上不同肌理、不同质料、不同性质的服装饰物的时候,都具有优于其它画种的能力。油画艺术的色彩与绘画性作为油画艺术语言的独特魅力,便是要将这种优越的能力充分发挥出来,特别是色彩在发挥这种能力上有着重要的作用,像色彩的浓淡、冷暖、厚薄、用笔的轻重,刚柔、虚实,对于表现物象的质感具有关键的意义,通过质感的表现,从而展示了油画艺术语言独特的美。

油画在西方国家经过了数百年的发展,画家在发展油画色彩的表现力上取得了巨大的成就。像世界油画大师鲁本斯、委拉斯贵支、伦勃朗等画家都强调色彩的表现意义;与古典派不同,法国印象派研究外光,到室外画天光下的真实、自然的色彩,他们探索不同物象的不同时间、不同光线照射下产生不同的色彩变化,为油画艺术的色彩表现开拓出崭新的境界。油画家莫奈有时甚至采用未经调和的纯净颜料,以提高色彩的鲜明度,使画面的调子更加明亮。在那些见不出光线照射的绘画风格中,黑暗与光明的象征作用和表现作用,是通过物体自身的种种内在特征体现出来的。丢勒的雕刻画《患优郁症的人》是说明上述情况的一个富有指导性的例子。在使用传统手法描绘一个患优郁症的人时其脸色大都被涂成灰黑色,这种处理方法好就好在,既合乎情理地赋予被表现物体一定的亮度,又不会损害这一物体的客观形象既可以把一件白色的物体画成黑色的,又可以暗示出这个物体本身并不是黑色的。

丰富的油画语言是发展油画表现力的重要手段。欧洲的油画家在文艺复兴时期后大都采用透明覆色画法和不透明覆色法。所谓的透明覆色画法,即只是用调色油将颜料稀释,不使用白色颜料,然后进行多层次的描绘,每一层干透后再画下一层。由于每一层的颜色都比较稀薄,下层的颜色隐约透露出来与上层的颜色形成变化微妙的色调,如在紫罗兰的色层上涂上桔黄的颜色,就会产生紫中透黄、冷中寓暖的丰富效果,而这种色调在调色上是很难调出来的,描绘人体肌肤的细腻的色彩变化尤为精妙。

在人物画的光影技巧中的表现最具代表性的可追溯到十六、十七世纪,出生在意大利北部的卡拉瓦乔把光与影的因素、明暗变化的效果,作为一种更重要的揭示空间感的表现手段,在绘画中别开生面。他通常把主体人物安置在深暗的背景前,让一束精心设置的光线,闯人物像中间,使他的绘画产生了一种令人兴奋的视觉现象,唤起观者种种真切温暖的体验,他在《召唤圣马太》中采用明暗对比的方法来处理这幕“戏剧”。

“不透明覆色画法”,则是油画家先用单色大致将物象形体的大概面貌画出来,然后用颜色多层次地塑造物象,画面的暗部往往画得比较薄,亮部与中间调子层层厚涂、覆盖。由于颜色的厚薄不一,可以显示出色彩的丰富韵味和肌理效果。当然这两种画法并没有非此即彼的截然分别,在一幅画中也可以综合运用。也有油画家,在暗部使用透明的颜色,亮部则用稠密的颜料,以豪放的笔触覆盖,然后用画笔小心巧妙地处理明暗交界的部位,使透明色与不透明色相接,这需要画家有深厚的功底。荷兰画家维米尔更喜欢让他的人物靠近窗口,让柔和的室外冷光鲜明地照亮他的人物之后,渐次地消溶在色彩温暖的室内空间之中。他并不追求戏剧的效果,而是用光创造出一个结构明确、条理清晰的天地。他把一些鲜艳娇嫩的光亮色编织在这个夭地中,从而给它添加了几分娇媚的风致,创造出一种诗的意境。

摘要：奥运会是全世界关注的体育活动，奥运吉祥物具有展现奥运精神与和文化特色的任务。本文对1968—2016年的奥运吉祥物进行造型元素分析，了解奥运吉祥物与奥运精神的关联性。研究得出：奥运吉祥物通过脸部表情、肢体语言来拟人化地展现奥运精神；奥运吉祥物展现的奥运精神主要有：和平、友好、团结、公平竞争等。

关键词：历届奥运吉祥物；造型设计；奥运精神

奥运吉祥物是东道主国家采用拟人化的手段、漫画的造型和线条为奥运会设计的生物图案，多体现该国家、民族的传统和社会风情。奥运吉祥物可以是人、动物或者虚构的形象，能带给人们正能量和象征意义的角色。从1980年奥运吉祥物竞相成为运动员收藏的对象，到1984年奥运吉祥物以商业化的形式呈现，从此以后，成功的吉祥物能让人们对产品产生信赖与崇拜，奥运吉祥物能广泛受到人们的喜爱，这对奥运的宣传具有重要的影响。然而，奥运吉祥物不仅仅是为了营造奥运会热闹的气氛，还有更重要的存在意义。奥运吉祥物是国际奥运中的一种标志，是奥运文化精神的一种象征。以2008年北京夏季奥运会的奥运吉祥物福娃为例，设计者应用了中国传统的艺术表现方式，展现了中国的璀璨文化，体现了奥运精神的传承与奥运精神层面的不同价值。《奥林匹克宪章》明确规定，吉祥物的图案设计要生动活泼，个性鲜明，具有民族文化与时代特征，要充分反映举办国的民族特色与文化传统。因此，奥运吉祥物的外形必须含有奥运精神与主办国的文化特色，还能吸引全世界的眼球，奥运吉祥物的表现形式常以卡通漫画形式设计，通过动物和非动物的形象拟人化呈现，奥运吉祥物造型要素上五官的变化，能展现不同情绪的面部表情，其姿态的展现在没有语言的情况下赋予了吉祥物更加鲜明的个性，使得吉祥物更加地充满美感与人格化。本文梳理了1968—2016年的奥运吉祥物的造型元素，从吉祥物的脸部表情、肢体语言、动物与非动物形象、数量、装饰物5大部分来分析其所展现的奥运精神。

1奥运吉祥物表现方式分析

历届奥运会属于拟人化的图像，全世界使用肢体语言与对方问候时，在文化上有很大的不同，然而却存在着大量的普遍因素。例如，扬起眉毛、微笑、互相注视、身体接触等，这些也时常表现在奥运吉祥物上。达尔文著，周邦立译的著作《人类和动物的表情》中提到人类行为表达感情的部位为脸部、眼睛、手势、姿势和音质5部分。而奥运吉祥物目的在于奥运会的宣传，以拟人化的方式展现奥运会的生命力与吸引力，表达奥运精神。1.1脸部表情。脸部表情是人类表达感情和接受对方感情的首要之处，达尔文在《人类和动物表情》中提到，所有生物都有表情，最高等的动物脸部表情比较发达，能够表达更加细微的感情。因此，人们在观察奥运吉祥物时，脸上的容貌成为第一印象的地方。然而，全世界人类的面部表情并非能受到不同区域的民族认同。所以，奥运吉祥物的脸部表情的展现，尽可能符合通俗的一面。不同的脸部表情让人感受奥运吉祥物性格的不同，在对历届夏季奥运吉祥物的表情进行统计得出，只有第1届和第12届的夏季奥运吉祥物没有笑容，其他都面带笑容。有笑容的吉祥物给人快乐的印象，感觉亲善，真诚的笑容能使对方感受到愉悦，无笑容的奥运吉祥物则给人理性、认真、专业的感觉，奥运的宗旨希望来自全世界各地的运动员能以一颗和善愉悦的心情来参加这场运动盛会，因此奥运吉祥物的笑容正好可以帮助人们提高正面的情绪，传递正能量，充满快乐表情的奥运吉祥物，最能融化运动员的紧张与观众失落的情绪，为了吸引更多人的目光，奥运吉祥物微笑的表情最能达到宣传效果。1.2眼睛。《人际交往中的肢体语言》提到，人的眼睛和舌头所说的话一样多，不需要字典，却能够从眼睛中了解整个世界。当我们观看一副肖像画时，首先被画中的眼神所吸引，不同的眼睛轮廓和眼珠的大小能产生不同的情绪，表达不同的情感。卡通漫画为了塑造可爱的性格，通常将眼睛放大描绘，给人感觉可爱、好奇与开心的情绪，所以我们通常看到卡通漫画里面的人物眼睛都比较大。为了研究的需要我们将奥运吉祥物的眼睛分为两种形状：有眼眶和无眼眶。无眼眶的眼睛：历届奥运的的吉祥物中，无眼眶的眼睛以点形和线形居多，无眼眶的眼睛虽然面积小，没有眼眶和眼白，眼睛看起来大多都是大且黑，眼白部分极少，感觉天真可爱，点形眼睛的呈现，可以让吉祥物看起来柔和。有眼眶的眼睛，因为有眼白和眼珠的描绘，看起来眼睛比较大，给人热情、乐于交友，没有心机的感觉。圆形的眼睛具有感觉单纯，没有杀伤力，增加和善亲切的效果。眼睛为半圆形的吉祥物，则有增添微笑表情的效果。半圆形的眼睛比圆形的眼睛容易产生喜悦的表情。1.3肢体语言。1.3.1手势。当人们表达善意的欢迎时，最常见的不外乎脸上微笑的表情、加上招手、挥手、拥抱等。达尔文在《人类与动物的表情》中提到，人类的相互往来，其实已有独特的构成要素，微笑、扬眉。点头是人类表示欢迎的反射动作，表达愉悦的欢迎之意。手势则因为距离的关系，常以招手或者挥手来表达善意的回应。即使世界各国在文化上有所差异，但是这些动作基本上属于人类直接反应的动作，有些手势的表达也慢慢为大家熟知。奥运举办国常以这些因素来表达欢迎的意愿，因此可以从历届奥运吉祥物的手势发现一些共同的地方。奥运吉祥物的肢体动作可以分为单手掌心向上、单手高举、单手招手、单手叉腰、手臂张开等。肢体语言专家陈今夫曾提出手掌朝上是一种顺从的、无威胁性的姿势。手势上扬，代表赞同，满意与鼓舞，有时候也用于打招呼。奥运吉祥物高举手臂并手掌向上，能表达出友善、好客。手势上扬给人个性开朗、不拘小节、表示欢迎、共嚷盛举的含义。高举的手臂，加上手掌的V的手势，是丘吉尔在二战引进的，此手势象征热爱和平。历届奥运会的吉祥物设计常以单手做手势，单手的手势常表示邀请、欢迎、友善、积极等，挥手和招手是一种欢迎与友善，牵手最能表现彼此的友好与团结，也是和平相处的表达，摊开的双手表示毫无掩饰的热情，叉腰则能展现卓越。1.3.2身体姿势。陈今夫在《人体肢体语言》中将身体姿态分为社交型、功能型、仪式型和情绪型4种，社交型姿态属于人类互相交流时，为了表达善意，使得对方愿意与自己展开互动的姿势形态，常见有鞠躬。握手、拥抱和致意等方式。功能型姿态是人类为了让意思更清楚的表达，或者为了某种目的而做出的姿态。仪式型姿态来自于文化或个人不由自主的惯性行为。功能型姿态是人类活动达成某种目的的必要姿态。奥运会属于运动员追求最高荣誉的竞赛，因此为了表达这一活动的意愿，奥运吉祥物摆出运动的姿态，让人清楚明白奥运是代表体育的重要活动，夏季常见跑步姿态等。仪式型姿态，具有特殊表达的意义。例如，第8届奥运会吉祥物跑步高举圣火，属于奥运举办前圣火传接仪式的姿态；第6届夏季奥运会吉祥物传统舞蹈搭配V手势，则是为了宣传韩国传统文化和表示胜利意义的姿态；第12届奥运会吉祥物边跑边高举拳头，表达积极向前的意义。

2奥运吉祥物对应奥运精神的表现

摘要：87版《红楼梦》堪称影视剧的经典之作，其中的音乐插曲更是家喻户晓，广受喜爱。通过音乐与中国古典诗词相结合的方式，为观众留下了深刻的印象，本文通过分析《红楼梦》影视剧中的部分音乐的唱法、词曲和声音等要素，浅析现代影视剧音乐与古典诗词相结合的表现方法，探究其塑造方式。

关键词：87版《红楼梦》；插曲；民族唱法

87版《红楼梦》是由中央电视台和中国电视剧制作中心联合摄制的一部古装连续剧，根据中国古典文学名著《红楼梦》改编。由王扶林导演，陈晓旭、欧阳奋强、张莉、邓婕等人主演，并邀请了周汝昌、王蒙、周岭、曹禺、沈从文等多位红学家参与制作。该剧一经播出，得到了大众的一致好评，重播千余次，被誉为“中国电视史上的绝妙篇章”和“不可逾越的经典”。1987年上映的电视剧《红楼梦》，其文学底蕴丰厚、改编剧情生动，堪称中国电视剧的经典。除了剧情上贾史王薛的兴亡盛衰、宝黛二人的爱恨纠葛之外，最令观者印象深刻的，当属《红楼梦》影视剧中的经典音乐，声声余音绕梁、字字扣人心弦。《枉凝眉》中的“一个是阆苑仙葩，一个是美玉无瑕”，至今仍在无数中国观众的耳边悠悠回荡。可以说，《红楼梦》中的组曲在中国古典诗词和现代音乐的结合上有着一定高度的艺术表现力和传播力，其表现方式更是为后世的影视剧音乐提供了巨大的参考价值。主要体现在唱法改良、词曲表现和声音塑造三个方面。

一、婉转抒情的唱法改良

《红楼梦》系列音乐主要采用的是民族唱法，民族歌曲唱法是中国歌曲艺术的根，可以追溯到远古时期母系社会时的“弹歌”“劳动号子”，其发展经历了三个阶段，分别是在中国上世纪四、五十年代融入戏曲元素的真声唱法、六、七十年代以马玉涛、朱逢博等老艺术家为代表的真假音混合唱法，和上世纪八十年代融入美声的新民族唱法。民族歌曲的唱法的基本特征在于声音甜美、音调高亢，富含多种民族文化，贯穿着中国古今历史、南北地域的民族特色和强烈的中华民族色彩。1987年电视剧，《红楼梦》中的组曲，作曲与唱腔相辅相成，依靠王立平先生深厚的艺术功底所打造出的美妙动人的曲作，和演唱者陈立凭借其独特的民族性嗓音和浑厚的民族唱法，将这一系列扣人心弦的音乐带入大众的耳中，成为了影视剧音乐中的传世之作。但是，《红楼梦》组曲中所运用的民族唱法并非是中国传统的民族歌曲的唱法，而是在原有的唱法基础上进行的科学改良。早期的民族唱法以真声为主，声音细腻，带有淳朴的自然风情，缺点是发声的位置较为靠前，依靠的是口腔与头腔的共鸣，因而气息较弱，流动性不强，声音也较为淡薄，在演唱中难以呈现出婉转、萦绕的诗意效果，且对演员的嗓音寿命也有一定的损伤。这样的唱法，运用到《红楼梦》的诗词曲调当中，不足以营造出抒意的情感表达。因此想要与《红楼梦》的意境相结合，通过音乐打造出如泣如诉的故事氛围，选择一种合适的演唱方式，并与中国传统的唱腔、诗词曲调相融是十分必要的。要解决这一难题，“新民歌”唱法的出现至关重要。自20世纪20年代开始，中国音乐界开始将目光投射到西方音乐，通过引进传统的“美声”的发声方式，与原有的民族唱法相结合，形成了具有中国特色的“新民歌”。“新民歌”的优势在于声音圆润明亮，咬字温和，音域宽广，且在高音中通常能够带有泛音。《红楼梦》系列音乐通过采用“新民歌”唱法，解决了唱腔与曲词的矛盾问题。这样的唱法特点使得其能够很好地与中国古典诗词相融，婉转悠扬，极具表现力，同时也在一定程度上提高了技巧难度，促使唱法的风格多样化，深广受观众喜爱。以《红楼梦》系列音乐中的《枉凝眉》《葬花吟》《晴雯歌》等作品为代表，诞生了“怎禁得秋流到冬尽，春流到夏！”“霁月难逢，彩云易散，心比天高，身为下贱，风流灵巧招人怨。”“花谢花飞花满天，红消香断有谁怜？”这类连绵悠扬、情凄意切的经典歌曲。一方面，体现了古典诗词与传统音乐的成功结合，另一方面。也为诗词与音乐的创新开拓出了新的可能，促进两种艺术共同发展。可以说，民族唱法的改良，造就了《红楼梦》组曲中的现代性和传播性，使得这一套曲目成为了大众耳熟能详的音乐，传唱至今。加之与悠扬的曲调，精美的歌词相结合，既有利于影视剧的情感表达，突出人物性格、情感与命运，也能够很好地在人物环境中通过听觉语言激发观者的情感共鸣，营造出抒意、萦绕的表达效果。

二、含蓄蕴藉的曲词表现

声乐表演是一种全新的表演形式，是一种二次创作的全新过程，表演者需要理解作品要体现的内容，还要对作者创作背景和风格进行全面了解，表演者才能在表演中很好体现，展现出音乐作品的艺术性，最重要的是展现作品的情感。所以，真正优秀的声乐表演除了表演者自身的功底之外，同时还需要高质量的作品作为基础，这样才能让声乐表演艺术展现出应有的艺术内容，对观众有持续的吸引力，体现出作品和表演的艺术特色。

一、声乐表演的基本特性

由于声乐表演者在早期学习阶段声乐基础和演奏技巧薄弱，必须以模仿学习的形式借鉴成功艺术家的经验，借助这种学习形式，一方面可以降低学习声乐表演的难度，另一方面可以帮助表演者尽快掌握声乐表演技巧，快速提高个人的演奏水平，带动自身的能力。声乐演唱是由“演”和“唱”两部分组成的,其中的“演”,从本质上来说就是对形体语言的运用。所谓形体语言,是指人们利用头、眼、手、壁、胯、腿等肢体来表达思想、传情达意的语言形式。在声乐演唱中,演唱者在技术运用、情感表现等过程中,会自然地运用形体语言,如果运用的十分得当,就会给观众以形象、生动之感;反之,如果不善于利用肢体语言,则不但不利于个人演唱技术的发挥,还会给观众以生硬、刻板之感。所以是否善于利用肢体语言,是决定演唱效果的重要因素。在模仿学习过程中，表演者主要学习的内容包括声音的运用、台词的发声、舞台表演艺术等不同内容。初学者往往缺乏舞台导演的经验，所以即使基本功比较扎实，但由于场景氛围等的影响，心理负担往往更大。通过模仿学习，可以在模拟环境中逐渐适应舞台表演的气氛，从而增强声乐表演的艺术效果。表演者的声学特征、对音乐的理解和表演艺术风格差异很大。因此，即使是同样的乐曲，不同的演奏者也会表现出其独特的艺术效果。正是由于这些特点的存在，声乐表演艺术呈现出多种发展趋势，提升了欣赏价值，丰富了艺术形式。此外，表演者在表演声乐时，将个人的理解和思想运用到作品中，实现音乐作品的二次创作。从表演的角度来看，二次创作的音乐剧并没有改变原作者的初衷，但从表演的形式来看，二次加工创作的音乐作品更具想象力，更接近于原作者所要表达的艺术初衷。

二、声乐表演艺术中的情感表达要点

（一）尊重作品背景历史

每首乐曲的创作都必须有其独特的历史背景，在作品的演奏过程中，表现出一定的时代特征。这时，艺术表演家必须用特殊的表现能力来表现声乐作品的历史和当代特征。以钢琴演奏为例，由于巴洛克钢琴曲的节奏快而有力，歌手必须用灵活的手指和快速地触键来控制键盘的刚度和灵活性。经典作品《浪漫时代》，钢琴更加发达和创新，让演奏者的手指力量得到充分利用，使演奏效果更加震撼和戏剧化。所以，艺术表演家拿到作品时，首先，要确定它属于哪个时代，然后再选择用什么方式展现出来。

当然，使用不同的工具或基底所画出来的效果也不同。基础绘画的学习一般使用的是铅笔、木炭条、炭铅笔等在素描纸上绘画，因为这几种工具较容易掌握，在绘画过程中也容易修改，其画出的效果也较柔和细腻。而用钢笔、圆珠笔、毛笔等工具作画时因其不易修改，对绘画者的要求也相对较高，其画出的效果与铅笔等有着明显的区别。所以绘画的效果在某种意义上又取决于所使用的工具和材料。在线条的种类上，按线表现物象的功能，可以分为轮廓线、结构线，以及表现性的线。

轮廓线的表现手法轮廓线是通过对物象外形的描绘，表达出物象的空间属性。在许多古今中外的艺术作品中都有以简练、流畅的轮廓线画法表现物象的手法。采用单纯外轮廓画法就要求画家具有敏锐的观察力和准确的造型能力。运用轮廓线可以准确地描绘物象形态，也可以通过夸张变形的手法来表现物象，它的特点是捕捉物象瞬间的意象，同时抓住物象的实质。

结构线的表现手法结构线是描绘物象运动的方向，表示物象的形体构造及物象之间的构成关系。结构线的作用是可以构成体积，创造三维立方体空间，从而使我们更深入地分析和认识形体及形体空间的构成关系。我们知道，观察物象本身并没有这类线条，这些线都是从对象身上概括提取出来的，实质上是物象结构轮廓处转折面的概括和浓缩。现实中形体结构总是互相遮挡、叠压的，用线表现时就可以使不同结构部位的线互相穿插、叠压，找出必要的疏密关系，表现形体的前后层次关系。由于线条实质上是面的浓缩，可以代表正、侧、背等不同转向的面，因而可以依据特定的结构起伏及其与光的关系，画出相应的粗细、浓淡变化，所画的虽是一条线，却能让人感觉到形体的转折和结构的起伏。俄国著名画家列宾曾认为形体的起伏并不像初学者那样要依赖于明暗，而是依赖于那些组织恰当的线，如果线条的组织合理、位置恰当，单是用线就足够了。

表现性的线当我们在阅读大师们的素描作品时会看到，他们所表现出的线是那样的随心所欲，同时每条线中都明确地渗透着对物象形体结构独特的理解和把握。线条在他们手中真正成了表达精神内涵的语言，超出了纯客观再现的意义，形成了富有表现性的线。当我们在纸上画出一道黑色线条时，黑与白的鲜明对照就会产生一种颤动感，这近似于互补色所引起的颤动感。例如凡•高的《从蒙马约俯瞰拉克罗》，画家把自然景物中的树木、田野、山脉等概括归纳成不同节律、形态的点与线，并把这些点与线合理、恰当地组合在一起，使复杂的大场景变得有序而富于变化。在凡•高的另一幅作品《法国轻骑兵》中，我们看到不同长度的线与点的互相作用。使不同性质的有动感的线痕斑点构成了一幅统一的肖像。常言道，独线不成形。一个好的造型，一个好的构图，都需要由一组搭配得当的线条构成，而线与线之间可以围绕造型和构图形成非常好的、丰富的多样统一关系。既可表现出方圆、曲直的韵律，又可形成畅快、顿挫的节奏，或飞扬挺拔，或古朴遒劲，或丰满圆润，或坚实峻峭。

以明暗为主的表现手法

所谓明暗，是光线作用于客观物象而又反映视觉的物理现象，明暗不仅是光线作用于人的视觉物理现象，同时明暗也具有着主观情感的因素。在人类的视觉经验中，明暗在其对视觉作用时由明到暗的变化，也对人的主观情感产生不同程度的刺激作用。如亮色能与光明、纯洁、舒朗等形成联想。灰色能使人产生平稳、柔和、宁静、雅致的感觉。而黑色又容易使人与深沉、庄重、严肃、收缩等相联系。所以说明暗既是客观世界中的自然现象，也是绘画艺术中不可或缺的一个重要因素。因为无论从理论角度还是实践角度，明暗关系中最本质的问题还是黑白灰关系的问题，可以说只要有明暗色调，就会有黑白灰。首先从对比意义上讲，不仅是素描，几乎所有绘画，除有特殊需要外都要运用黑与白或者近乎黑与白的对比关系，黑与白这种强烈的明暗对比是表现形体空间的形式结构层次的重要手段。在许多杰出的作品中强烈的明暗对比还会产生惊人的情感表现力。当然，除了对比作用外，正确地布局黑白色块，会对构图的均衡与节奏效果起到重要的作用。从衔接与协调的意义上讲，中性的灰色调发挥着更加重要的作用。在素描作品中，完全用黑色和白色组成的构图是很少的，即使有些作品有意强调黑与白色的对比，也总是要通过一些线条的粗与细、疏与密的组合形成一定的灰色层面。这种灰色层面在画面中往往起到举足轻重的作用，有了这个层面，画面就不至于单调、生硬。当我们仔细观察、分析时就会发现，由于客观物象受周围复杂光线物影响，最黑与最白的色调在物象中所占比例并不大。我们仍以球体为例，真正的黑色块主要集中于明暗交界线和影子的某个部分，真正的白色块也只是高光处，而其他部分都是不同层次的灰色块。对于造型来说，这种灰色块是非常重要的过渡区域，大部分的结构层次都要在这个区域展开，如果这些过渡色调能处理得好、画得丰富，那么整个形体就显得丰满、厚实，反之则显得单薄、生硬。所以对于整个画面来讲，灰色调处理的好与不好，往往能体现出作者对复杂的色调关系的控制和驾驭能力。

【摘要】空间形态构成课程通过导入观察和抽象思维练习，强调内容表达与空间界面的关系，建立学生对空间概念的思维引导，使学生能够深入理解环境设计学科的本质。课程教学从人和环境关系的视角出发，重视对多种对象的特性研究和要素解构，把握事物内在联系，以此提升学生对空间的架构和表现能力。

【关键词】空间形态;构成方式;设计元素;特性

表现空间形态构成是空间设计的基础，其课程的科学性、系统性和逻辑性是对二维课程的升华，也是确立空间形态构成体系的基础。课程设置的目的不仅是为了提升学生的造型能力，更多关注的是后期如何将形态与功能组织、比例尺度、施工材料等结合到一起，解决在二维平面构成中不能解决的问题，从而综合表现空间所需的设计主题。该课程在提高学生审美能力的同时，引导学生研究空间内在结构特点及外在表象关系，提高对事物形态的理解和表现能力。

一、形态构成基础在空间表现中的重要作用

将构成元素导入空间的过程，也是空间与元素相互作用、优化设计的过程，应注重整个演化过程，而不仅是最终的结果。在空间设计中，形态表达的适度性与主题要求紧密相连，元素在空间中的应用成功与否，关键取决于对其特性的理解与把握。将设计形态导入空间，从视觉观察和感受出发，根据实际功能布局要求，利用元素的特性对空间进行重新诠释，能够达到突出空间主题的目的。同样的设计元素有不同的定位和理解，最终呈现的结果千差万别，从形态上往往很难分出好坏。因此，如何把握元素特性在空间中的使用方式极为重要。

二、元素的特性表现与应用

摘要：绘画的表现形式和思想内涵两者间关系独立而又相互依存。文艺复兴时代的画家注重构思典型情节和塑造典型形象。现实主义要求艺术家揭示事物的本质。在现代派这里传统的画面构成法则都被逐渐放弃，创造者的印象、感受成了主导。

关键词：形式思想古典现实现代

应该明确，艺术品的表现形式和思想内涵两者间无非是主次、渗透与融合的关系。这些关系独自存在、相互依存又逐渐演化，形成了无数的经典作品，表达了不同时期艺术家的深刻思想和探索、追求的勇气。

一、古典主义美术

在古典主义风格盛行的时期，各个民族和地区的艺术流派都呈现出独特的表现形式与精神意义。以古希腊、罗马神话、历史事件以及圣经故事为绘画题材，表现某种哲理观念和社会问题，宣扬一种理想化的崇高境界。

文艺复兴时代的画家形成了注重构思典型情节和塑造典型形象的艺术手法。与此同时，画家还分别探索解剖学、透视学在绘画中的运用、画面明暗分布的作用等，形成了造型的科学原理。这一时代的意大利画家比较注重明暗法的运用，画中景物的暗部统一笼罩在阴影中，明暗交界线呈柔和的过渡，造就了画面集中而浑然的效果。列昂纳多·达·芬奇(LeonardodiserPierodaVinci，1452－1519)的《岩间圣母》就是这种风格的代表。

编排设计应该遵循一定的原则，注重视觉流程的表现方法和画面的空间运用。具体来说，编排设计的要求是：视觉流程要合理，视线的导向要明确，线路要通畅，且要有意识地引导受众的视线按照流程轻松、省力、愉悦地观看和阅读。编排设计的可视性给受众以舒适和美的享受，能提高受众的阅读兴趣，有利于充分地进行信息传达。广告编排设计成功与否直接影响广告的宣传效果。设计作品实际上就是对一些具有特质的构成要素进行一番组织，使其达到最必要和最终极的一种形态。因此，广告设计者要在广告编排的艺术处理上精心构思。

一、编排设计的视觉流程

广告画面编排是指在广告设计时，设计者将所要传达的各种要素通过一定的形式美法则，进行适当地关联视觉与配置安排，以发挥广告设计的最大效果。视觉流程指当广告受众在注视广告画面时，能够很自然地按照内容顺序浏览所形成的无形的视觉空间流动线。受众在接受信息时只能接受极少的一部分，对其他大部分会视而不见。因此，设计者要了解受众的视线流动规律，使受众在阅读广告时能使视线流畅地到达信息点。在广告画面的编排设计上，设计者可以通过适当的编排对视觉构成诸要素，如标题、插图、广告语、企业标志、色彩、公司名和商品名、文字说明等，进行有机的组合与排列，让受众视线按其设计意图进行一定方向有顺序的、由主及次的流动，让受众有序地了解画面的全部内容，层层到位、点点相通，最大限度实现广告的信息传达功能。设计者要从心理学和美学相结合的角度运用线条、形状和色彩的形式特征及象征意义，让设计给予受众预期的审美感受如方向、节奏、间隙、紧张、期望、惊奇、和谐等，把握作品正确的构成以及主动因素和被动因素的分寸，这样就能左右受众的注意力，利于受众理解作品。对于受众来说，形式因素相互间的结构关系，有时是显而易见的，有时则是隐而不显、有待去发现的，其中充满了力量和紧张，正如一则好的广告有一个“醒目处”，由此形成一种视觉震撼。编排设计对准确传达信息、强化形象、加深记忆和推动销售等起促进作用，为了实现理想的“瞬息间注目”的视觉效果，编排设计应达到统一、连贯和重点突出的基本要求。总之，编排设计若想达到“瞬息间注目”且信息传达顺畅、及时的视觉效果，就应删繁就简，化“晦涩”为“易懂”，坚持“以少胜多、主次有序，虚实相生、活泼有致”的美学原则，确保视觉形象的图文传达与色彩传达协同合作，共创完整统一的最佳印象。

二、视觉流程的表现方法

1.人体导向型人体导向型是指巧妙地运用人体的五官、身势语等艺术手段，引导受众视线沿着一定的方向和途径移动，最后注目在广告诉求上。为使广告画面产生良好的视觉诱导效果，在以人物为主的主题表达中，人物形象常采用动或静的姿态吸引受众的视线。画面中人物的眼神、手指和身体的方向都是极好的诱导元素，可以轻松自然地把受众的视线引向广告主题。人的视线在画面上的流动有比较固定的模式：自上而下、从左到右、由左上沿着弧线向下自然流动，一步一步地移至广告的诉求重心。设计者在安排广告人物形象的动势时，一般让人物形象的视线朝向版面之内，对人物形象的手、脚的动态设计，也配合视线的方向，以强调视线的方向，引导受众的视线最后到达产品上。如果广告人物形象的视线朝向版面之外，那么受众的视线流动就会中断，视觉流程的设计就不能发挥其预期的功能。

2.图文导向型图文导向型指在画面上以图形或文字为诱导元素，使受众的视线按一定的方向顺序运动，并由小到大、由主及次，形成具有活动力的、流畅的视觉因素。如箭头图形、物体运动的方向、指针等，其指明方向，使视觉流程清晰、明确。文字在画面中其实也是图形，其作为最基本的点、线、面出现在画面中。由文字组成的图形极具个性化的特征，能调动受众的兴趣，视觉传达力度感强。文字的有效运用能使广告在整体上达到图文并茂、别具一格的效果。为了使广告画面产生良好的视觉诱导效果，设计者在以图形或文字为主的主题表达中，常采用常态的、透视的、水平的、垂直的、倾斜的、波动的形式和一定的重心设计，来吸引人们的视线。受心理和生理的影响，人们形成了一个习惯的视觉流程，先快速浏览整个画面形成整体印象，而后其视线被可视性最强的地方吸引，然后视线随着各要素的强弱变化有序地流动，最后读完整个画面。视觉流程是一个视觉传达过程，也是由总体感知、局部感知、印象这三个感知阶段组成的心理感知过程。了解和掌握视觉流程的规律，有助于设计者根据这一心理感知过程和不同的设计内容确定相应的表现方法，以使受众在不自觉的情况下接受完整的信息，并充分感知设计意图。

早在20世纪80年代，我国电影理论的先驱钟惦棐先生在《中国电影进入80年代》一文中，深情预言“中国电影将有两大深刻变化”:一是就“电影艺术的内容而言，它势必从浮泛转向深邃，从狭窄走向宽恕;或者说，从具有浓郁的政治宣传色彩走向艺术现实主义的深化”。二是就“电影艺术的风格、样式以及方法、体制而言，‘十年考核’亦使我们无师自通的学会了许多东西”。老先生在20多年前所预言的关于电影内容和形式的变化，在21世纪以来已经有了佐证，突出表现在了电影表现方法与传播过程的文化转向上。

一、电影表现方法的文化转向

(一)声音、画面、场面调度等:从故弄玄虚到内容关联

电影作为视听艺术，通过声音、画面、场面调度等形式元素诉诸于受众的感觉神经，进而形成独有的审美心理体验。所以，电影创作者通过追求“形式美”来实现主题的表达和内容的升华，是一个正确的过程。但形式要素之间并不是简单相加的关系，电影艺术的形式美，首先表现为它的画面构图、色彩、音响等电影语言的有机组合。之所以说“有机结合”，即形式必须与内容相关联，从而起到相得益彰的作用。但如果电影的形式被滥用，就难免落入故弄玄虚的窘境。2002年的《英雄》和2005年的《无极》都不幸同时落入了“形式大于内容”的诟病中。两部影片在内容上过于单薄，形式所叙事的“内容关联”不够，甚至在情节中难以自圆其说，故弄玄虚的画面消解了文化内涵的缺失。尽管两部影片在形式上无可挑剔，但在内容同样乏善可陈。

(二)镜头剪辑:从因循守旧到合理技巧

21世纪以来，受众对电影剪辑提出了更高的要求。例如，1999年的《紧急迫降》和2008年的《超强台风》都是国产电影中为数不多的灾难大片之一，坦诚的说，二者的镜头剪辑都比较因循守旧，毫无创新可言，《紧急迫降》的特技处理很显然模仿了刚刚在国内上映的《泰坦尼克号》，采用了3D建模动画与实景合成。《超强台风》则采用了更为古老的纯模型特效。时隔近十年，观众对二者的反馈很值得玩味，《紧急迫降》尽管做得很假，但观众认为这是一种“可贵的探索”。《超强台风》则遇到了强烈的舆论责难。一位网友毫不客气地向导演发难道，“在全球电影产业迈入21世纪已有8年的今天，您的特效观为何仍然停留在上世纪80年末90年代初好莱坞的水平，把一部可以很大气的特效商业片拍成一部很小气的特效山寨片———我的参照系是卡麦伦的《深渊》，您2008年的片子的特效水平离他1989年的片子仍然差那么一点点。在中国拍特效是需要勇气的，尤其是自己制作特效———这一点我觉得您尤为可贵，但是好比人们用惯了双核的CPU，您把当年的奔2电脑再优化都是白忙活。哪怕把模型特效做到极致，仍然难以让最不挑剔的观众买账。”当前国内电影审查制度或是影院公众放映的缘故，很多国产电影在送审时往往会剪辑出一部所谓的“送审版”、“大陆版”，但在影片上映结束后，在其他地区发行，或者推出DVD时，往往会推出所谓的“导演剪辑版”、“港台版”、“海外版”。2006年上映的《霍元甲》，导演剪辑版比大陆影院放映版足足长了1个小时，很多镜头组合也都按照蒙太奇手法进行重新处理。2007年的《投名状》在上映之后，很多学者认为这部影片删去的部分已经伤害了受众对电影的正常理解。2008年，该片在港台地区发行DVD时，推出了比原来多出40多分钟的导演剪辑版，弥补了观众对电影的审美期待。这种针对不同受众所进行的电影形式上的处理，一方面凸显电影制作人对受众固有审美方式的重视，另一方面也使广大受众体会到电影剪辑的强大魅力，以及合理的剪辑技巧对影片表现力的助力效应。