舞蹈服装十篇

舞蹈服装篇1

【关键词】舞蹈；服装；戏曲

中图分类号：J

戏曲服装作为戏剧中舞台表现最外在的直观形式，是塑造角色外部形象的艺术手段之一。也用以角色的年龄、职业、身份、性格等特点，戏曲服装需显示剧定的时代、生活习俗和规定情景等，在中国戏曲中占有重要的组成部分，习称“行头”。

一、舞蹈服装与戏曲服装不同之处

（一）审美追求不同

在角色的形体表现方面，戏曲服装相对要保守一些，几乎是全封闭，不需要暴露演员的身体，演员通过服装本身的特定性格和身段表演，来变现一种含蓄美。舞蹈服装款式则要开放，通过演员的身体四肢显示演员的形体美。舞蹈服装强调的是给角色所带形式美的物资手段，而戏曲服装本身每种服装都具有特定的人物身份、性格的特征性，和舞蹈服装对比，着重强调的是角色造型。

舞蹈演员从古到今，都是有男性演员和女性演员，而戏曲演员最早只有“男旦”，也就是男扮女装，男唱女腔的角色。在我国古代，汉画中舞蹈角色不少是男女双人对舞，秀颈、束腰，舞臂甩袖，舞姿轻盈，对面男伴，上体……那时就强调男性的阳刚之气和女性的人体曲线美。舞蹈作品里都是通过肢体语言所表达出来的，因此动作幅度大、速度快，复杂繁琐的服装，会不利于演员动作的表演，短小、轻便、开叉多的服装，才便于舞蹈动作的完成。戏曲百年的历史中只有“男旦”，男演员都不具备女性的曲线美，穿着的演出服装大多都是要遮掩身体，通过身段表演来体现，女性的曲线美，这与舞蹈形成了极大地反差。戏曲主要强调的是坐唱念打，大多以唱为主，它的动作只是一个辅助表现手段，比舞蹈动作幅度要小、速度相对缓慢很多，这样就对服装的精美度，有着高要求。演出时，台下观众能清楚地看到服装，服装的每一个具体细节，观众都会仔细品味和观赏，因戏曲服装成为刺绣之服，刺绣成为戏曲服装的一个显著标志。舞蹈动作是表现舞蹈艺术唯一的艺术手段，演员的肢体语言是传达情感的路径。身体幅度大、动作速度快，演员通过舞蹈动作带动服装的衣片（裙片、袖片）等，它的动感就造成了服装的新造型。因此，舞蹈服装具有动态美。

（二）设计理念不同

传统戏曲服装的设计，大多来源于明朝和清朝的生活服装，后对生活服装进行了艺术加工，融入了戏衣之中。由于我国历史的原因，当时并没有布景等，其它说明性附属手段，所以戏曲服装也是舞台表现最外在的直观形式。它有一套程式化很强、很严格的穿衣规制-《衣箱制》，《衣箱制》的核心是：以一套固定的戏曲专用设备及其应用制度，服务于不同题材，古典剧目的一切演出。在戏曲行当中对服装有着这样一句老话：宁穿破，不穿错。舞蹈服装的设计也有程式，但它与戏曲的衣箱制不同，它有不同的舞种、不同的地域、不同名族等，每个舞种都有不同的律动和感觉，不同地域的各自民间的艺术特色截然不同，不同的名族传统文化与民族心理，使艺术形象有着不同的处理，不同的审美观念，显示出不同文化传统与艺术手法。不管怎样，舞蹈都是要表现人物时代和主题，服装采用的设计理念和手法，也就各异。

舞蹈服装篇2

关键词：服装表演专业舞蹈课程

目前，国内很多院校的服装表演专业都开设了舞蹈课程，并不同程度地加大了舞蹈课程的开设比重。但各校的情况不尽相同。就笔者所在的学校服装表演专业，立足于复合型人才的培养，比较重视舞蹈课程的开设，充分利用本系专业的师资条件，除了在第一年必修的基础上，还在以后的两年分别设置了不同层次内容的舞蹈课程，并且为有一定基础和有兴趣的学生还设置了较深层次内容的特色舞蹈班，走出了具有自身特色的办学途径。

然而，任何问题都有两面性。存在的问题表现在：（1）缺乏专业舞蹈教师，有些院校的舞蹈课是由服装表演的老师兼任。（2）缺乏合适的教材。就服装表演专业舞蹈课程使用的教材而言，国内目前尚少见有出版过一本合适的面对高校服装表演专业的舞蹈课教材。（3）开课学时偏少。从舞蹈作为一门基础课来看，大多数学校的学时安排还相对有限，加之真正实施时还会因其他活动的冲击影响而打折扣。（4）生源基础差。长期以来，舞蹈教育一直处于附属和依从的地位。就生源基础来看，虽然服装表演专业的学生自身体形条件较好，但绝大多数学生在中小学阶段从未接受任何形式的舞蹈教育，对舞蹈的认识几近空白。（5）重视程度还不够。有些院校舞蹈课仅作为服装表演专业中副设的专业基础课，对舞蹈修养基础知识的学习和利用所学舞蹈知识进行服装表演编创能力的培养还不够重视。

总之，在面对社会新时期复合性人才的需求，笔者所在的学校服装表演专业在制订教学培养计划时，根据本校实际情况，借鉴其他专业服装学院的教学经验，对服装表演专业中舞蹈课程的设置和教学大纲内容的编排进行了大幅度的调整，形成了自己具有特色的教学优化体系。首先，根据学校专业办学培养复合性人才的方向和特色，对2007本科培养计划中有关舞蹈课程的设置进行了大幅度调整。既考虑到开设具有实用意义的课程，如舞蹈基训、形体训练，又兼顾到学生的基本素质和舞蹈理论学养的提高，尽量使学生在有限的学时内，更多地了解掌握不同风格、不同舞种的典型素材以及编排能力。调整教学培养计划时依据“一专多能”“循序渐进，因材施教”的基本原则，改变以往服装表演专业学生学习舞蹈走过场的误区。在夯实专业基础的前提下，形成了以“舞蹈基础，舞蹈素材，舞蹈鉴赏，舞蹈编导，T台表演编创”为线索的学习板块。这些课程可分为三个学段来实施完成。第一学年为基础阶段，第二学年是提高和积累阶段，第三学年除了继续进行不同层次内容的舞蹈作品鉴赏外，学习重点则转为舞蹈编排并结合专业进行T台表演编创，达到学以致用。此外，又因本校地处江西赣南，赣南有客家风的赣南采茶戏，赣南采茶戏有着动听的音乐，优美的舞蹈。因此在舞蹈课时，我们也增加了赣南采茶舞，让学生更多地了解了客家生活情态，也丰富了课堂教学内容。这样，不仅使服装表演专业的学生在T台上能走“猫步”，还能使他们更好地适应毕业后走进社会的实际需求。

我们在合理修订教学计划的基础上，进而对舞蹈课教学大纲进行了妥善细致的修订：舞蹈课程教学大纲内容是为服装表演课程奠定基础。例如根据服装表演学生舞蹈知识技能欠缺，但理解能力相对较强的特点，通过对一些有深刻主题寓意和表现手法独特的经典作品赏析，培养学生的审美情趣、知识学养和鉴别能力。如根据学生基础较差且大学生入校年龄在18岁以上，骨骼发育基本定型（比较硬，软度差）的生理特性，加上服装表演自身的专业特点，在舞蹈课上更多要求形体的训练、身体韵律和协调感的训练，而非专业性较强的技能技巧训练。使学生能够完成大部分规定的基本动作，了解舞蹈训练的基本步骤、方法和要领，适度地淡化或删除专业性较强的高难度动作要求，培养学生利用舞蹈课所学的舞蹈知识，充分运用到服装表演当中。

大纲内容的编排要有明确的计划性和目标性。就本校服装表演专业三个学年分设的舞蹈课程教学内容来看，如何合理分配教学内容和教学进度需要认真思考，第一学年具体内容安排应以基础训练为主，这样才能使教学获得实效。到了第二学年，课程内容的设置要体现层次性。应在继续加强形体训练的同时，着眼于舞蹈素材的学习和舞蹈创编（流动造型训练、结构训练、组合编排等）能力的培养，为服装表演时不同的服装展示奠定基础。此外，还将舞蹈赏析的内容始终贯穿在教学过程中，以培养学生鉴赏能力，提高他们的综合审美能力。在课堂授课练习的基础上，还要引导学生把舞蹈课程中所学的创编知识融合到服装表演的编创中，创编出学生自编自演的节目，鼓励他们积极参加各种有益的艺术实践活动，让他们在实践中锻炼，在实践中体验，达到学以致用。

坚持因材施教与循序渐进。要充分考虑到教学对象的生理、心理的个体差异，不能“一刀切”。在施教中，要尽量考虑确定某种让绝大多数学生都能接受的教学方式和教学进度，既不能按照舞蹈专业的舞蹈课内容来教学，也不能当作是业余爱好课程来对待。在教学形式上，除了集体课外，也可以组织学生走出教室，观摩优秀的演出。此外，在教学中采用鼓励欣赏、扬长避短的原则，可以增强学生自信心，进一步激发学生的学习兴趣。

鉴于服装表演舞蹈课程教学内容和培养目标的特殊性，在施教中选用合适的教材非常重要。至今，我国还鲜见有专用的服装表演专业舞蹈课的统编教材，但我们可以借鉴高、中等院校专业舞蹈教材，也可以根据服装表演专业的特点和实际需要，并结合以往教学经验，自己编撰适合本专业实用的教学讲义。

参考文献：

[1]舞蹈论文：高校音乐专业舞蹈课程开设探索.三十二路音乐网.

舞蹈服装篇3

舞蹈服装设计主要包含三大元素，色彩是其中的一种。色彩能够有效促使服装的视觉效果得以增加，在对舞蹈服装进行设计时，色彩为舞蹈或者舞者增加了另类的美感，在舞蹈充分发挥舞台魅力以及感情共鸣、表达舞蹈主题、人物个性等方面均具有十分重要的意义与现实价值，对此，应该强化色彩元素于舞蹈服装设计之中。首先对色彩的特性进行分析，然后提出了色彩元素如何应用于舞蹈服装设计之中，旨在为提高舞蹈服装设计美感以及表现舞蹈主题等。

关键词：

舞蹈服装设计；色彩元素；应用

对于一件服装而言，当它摆在人们的面前时，首先映入眼帘的就是色彩，也就是视觉对色彩的反映，其次为服装的造型，最后才是服装的工艺以及质地材料等方面的问题。因此，在对服装进行设计时，尤其对于舞台服装的设计，色彩发挥着刺激感观以及视觉醒目等方面的效果，服装色彩作为服装设计的一个重要方面，其价值非常高。本文基于色彩的特性，提出了色彩元素如何在舞蹈服装设计中的实际应用。

1色彩的特性

1.1色彩对比

色相对比是色彩中最为常见的一种类型，不同色相的色彩并置，可产生强度差异很大的对比效果。其中色相环上间隔为平角度数左右的对比属于色相的强对比，其效果非常明显，显得生机盎然。间隔角度为直角度数左右的对比属于色相的弱对比，其对比效果不够显著，给人们的第一印象就是平静及安稳等。所致明度对比，主要指的是各种色彩元素在明暗程度方面的对比。色相环上饱和的黄色属于纯色中亮度最大的，紫色是纯色中亮度最微弱的，其他色彩在明亮程度方面均明显小于饱和的黄色，而比紫色要高。对于明度较高的色彩而言，唯有通过与低明度的色彩之间对比，才可以彰显出自身的亮度；反之，明度较低的色彩唯有通过与明度值高的色彩之间对比，才会显得更为深沉。所谓纯度对比主要指的是纯度方面存在差异的两色配置在一道时，纯度高的色，鲜艳度更大；纯度低的色，其灰度值更大。服装色彩应用方面含灰色为主的颜色之中，可采用局部的鲜明色彩。如此，可使得鲜明色彩非常醒目，灰色则显得更加确切。

1.2色彩的心理学效应

根据色彩心理学相关理论，色彩可以促使人们通过视觉产生联想，从而导致心理学作用的产生，不同的色彩会对人们的心理产生程度不同的影响。下面主要对各种颜色与心理学之间的关系进行着重阐述：（1）红色：该种颜色是最强有力的一种色彩，给人的心理感觉就是：热情、刺激以及活泼等方面的感觉，可以使人联想到烈火与鲜血；同时，红色又是快乐以及喜庆等方面的象征。所以，红色往往会被用于欢乐以及节日主题的服装方面。（2）橙色：该种颜色属于一种明快的颜色，其能够很好地对人们的食欲产生刺激性，还具有启迪人们积极向上的效果，对于世界上大部分民族而言，均喜好橙色。穿着橙色的服装显得自由以及外向，同时它也是运动场所或餐厅位置所青睐的色彩。（3）黄色：该种颜色属于亮度水平最大的一种色彩。黄色给人们以明亮、灿烂、亲切且柔和等方面的感觉，其极易使人们联想到收获、物质的富有以及前景的广阔。（4）绿色：该种颜色是植物本有的颜色，可以说完全占据着统治位置，可以容纳各种颜色，但是不与其他颜色争辉，其品格主要体现在大度以及宽容。绿色最易被视力而接受，而且不会引起人们视觉方面的疲劳感，因此，绿色为世界上公认的“和平色”、“生命色”。（5）蓝色：该种颜色主要是纯洁以及理想的反映与代表，中国人从古代时期就对蓝色情有独钟，一直以来将该种颜色当成朴素及庄重的色彩，如：传统的蓝色印花布，到目前为止依然将该元素应用于服装设计之中。（6）紫色：该种颜色稳定性最差，它不仅是鼓舞性的象征，而且又具有威胁性的象征，有时是虔诚的表现，有时是恐怖的表现。将紫色与黄色之间进行搭配，会使得黄色亮度更为明显。

2色彩在舞蹈服装设计中的实际应用

由于服装色彩在生活中具有十分重要的现实意义及价值，对此在实际应用中，应该注重穿衣者的种族肤色、性别、年龄、民族习性以及穿衣环境等方面的问题。下面仅着重阐述色彩在舞蹈服装设计中的实际应用。

2.1舞蹈服装色彩与人体

对于任何一种服饰而言，其中最为重要的功能是美化修饰人体；而对于标准体型者而言，是能够很好地凸显他（她）们的阳刚美以及曲线美。然而，对于体型方面存在缺陷的人而言，色彩更显得十分重要，需经特殊的设计，可将体型不美之处加以掩饰与弥补，从而获取最佳。如：肥胖者不适合穿体型扩张的鲜艳色以及宽条纹的服装，而对于瘦人而言，则恰恰与之相反。

2.2舞蹈服装色彩与种族肤色之间的关系

肤色是呼应服装色彩美感不可或缺的一项重要前提，所以要求服装色彩的配置不仅要对肤色具有衬托性效果，而且也要在体现肤色美的同时，对服装色彩美加以衬托。在对人们的肤色与服装色彩之间的协调以及美感进行考虑时，要注重强烈对比的服装色彩设计，将两种颜色之间的明亮程度以及纯度等方面的距离拉开。

2.3服装色彩与环境之间的关系

色彩学领域的专家学者认为服饰色彩与其所处的自然环境息息相关。北方温度一般较低，持续时间比较长，干燥多风沙，所以北方人的服饰色彩显得非常沉稳，如：深蓝以及墨绿色等，旨在对视神经对色感的补充要求进行调节；南方温暖持续时间久，水量多，一年四季郁郁葱葱，因此南方人偏爱色彩明亮浅淡，如：白色以及天蓝色等。城市色彩非常丰富及强烈，服饰色彩一般采用灰色以及含蓄的色彩；而农村季节性色彩十分显著，冬天属于单一的黄色、褐色，春夏秋又为单一的绿色，色彩环境十分单一，人们不禁要追求色调上的浓郁，故在服装设计上，一般选用色彩鲜艳的以及强烈的。在夏天，天气炎热，人们追求清凉，喜好明亮以及单冷色等色调，这些颜色不会对视觉产生冲击性作用，让人感觉到十分舒服；冬季寒气逼人，人们追求舒适以及温暖的心理，喜好暖和以及吸热的深色系列。

2.4舞蹈服装色彩与民族禁忌

在世界上由于地域文化和生活习俗的不同，以至于服饰色彩的选择上都有所禁忌。如汉族人多喜欢红色，而黑、白色多在葬礼使用；法国人喜欢粉红色、含灰高雅色，厌恶使人联想到纳粹军服的灰草绿色。因此，作为一个优秀的服装设计者，不能仅从本人对色彩的喜好入手，必须要注意不同民族、不同国家对色彩的禁忌，这样才能在服装设计中投其所好、成其所爱。

3结语

综上所述，色彩元素在舞蹈服装设计中的应用主要是由色彩的特性而决定的，它对于表现舞蹈服装的色调、舞蹈主题以及舞者装扮等方面具有十分重要的意义与现实价值。因此，对于一名舞蹈服装设计师而言，应该将其与舞蹈作品的感情内涵以及音乐情绪之间紧密结合。此外，舞蹈服装设计师还应该充分地对色彩的物理特性以及特征进行必要了解，考虑到舞台灯光对舞蹈服装色彩变化所产生的影响，服装设计师需要具有驾驭色彩的能力，在设计服装色彩时要有效利用光色物理变化效应，以完美结合服装的色彩与舞蹈的感情内涵。

参考文献：

［1］金秋编.舞蹈欣赏［M］.北京：高等教育出版社.2003.

［2］于平.中国现当代舞剧发展史［M］.北京：人民音乐出版社.2004.

［3］赵艺峰.色彩美人［M］.沈阳：辽宁科学技术出版社.2006.

［4］王蕴强.服装色彩学.北京：中国纺织出版社.2006.

［5］马大力.新编服装色彩与图案设计实用问答［M］.北京：化学工业出版社.2008.

舞蹈服装篇4

关键词：舞蹈服饰；舞蹈意象

中图分类号：J705 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2013）26-0126-01

舞蹈作为一种艺术，是视觉艺术、表演艺术、动态艺术三位一体的艺术。在一定时间和空间内给人以独特的审美享受。

一、意象的研究

“意象”是中国传统艺术的本体和审美旨归，亦是中国古典美学中一个很重要的范畴。“意象”作为一个美学范畴，是南朝粱时文学理论家刘勰在其《文心雕龙・神思》篇中提出的。他说：“独照之匠，观念象而运斤。”但最初，“意象”并不是一个艺术和美学的概念，而是卜筮活动的术语作“意”与“象”分别出现的。“象”是感性的、可见的，“见乃谓之象” （《系辞卜》），它是一种外表形态、形象，具体而明晰；“意”是精神性的，不能为视知觉所感知，但能理解、想象，在艺术作品中是一种情思、情志、情意，深远而隐含。所以， “意”并非是概念所能穷尽的东西，它与主体的理性修养密切相关、与其经历、情感乃至个性密切相关而带着一种深微神妙的、模糊的性质。简言之，意象是带有情感的符号象征性、并具有精神内涵的艺术形象。它是外物形象的知觉审美形式与其象征意蕴的有机统一。“象”为什么能“尽意”？因为“象”不是生硬的概念。而是一种活脱脱的能变化的生命体，鲜明生动的形象易于为人所感知。并在感知的过程中通过联想、体悟去领受更多、更深的“意”，有利于人们从整体上把握对象。

二、舞蹈服装色彩设计是深化舞蹈意象的首选

舞蹈服装设计是舞美设计的重要组成部分，它的创作设计首先必须符合一度创作所预先设定的规定情境，即时间、地点、人物、事件。这是现实主义作品创作过程中所共同遵循的普遍规律，也是舞蹈服装设计的前提。因此，舞蹈服装设计应具有时代特征、地域特色，必须符合人物的具体形象要求，还应适应舞蹈艺术的特点。前苏联著名的舞蹈理论家扎哈罗夫这样说过：“舞剧中的服装是舞剧重要的表现手段之一，不仅色彩，以至样式，在这里都具有重大的意义。服装使得舞蹈结构的每一变化同时也带来色彩结构的变化。造成美妙生动的色谱。”可见，注重和强调色彩的运用是舞蹈服装设计突出的个性特征之一。

色彩是视觉传达信息中的一个重要因素，它不仅能有效地表达情感，还能给观者带来不同的情绪反应。这是因为不同的色彩会给人的大脑不同的刺激，使之产生不同的心理感受。比如白色，它所固有的情感特征是既不刺激也不沉默，它象征洁白、光明、纯真、轻快。这应该是舞蹈《扇舞丹青》的服装设计师将舞者的服装色调定为白色的理论依据。女生独舞《扇舞丹青》成功地将中国古典舞蹈、绘画和音乐熔为一炉，如果从色彩的角度去观赏，它简直就是一幅淡雅空灵的水墨画。黑白两种颜色几乎占有了观赏者的全部视野。舞者一身纯净洁白的素装，惟有腰际似不经意地缝上一根细细的粉红色的飘带，如同一个白色的精灵游弋在片片黑色荷叶和粉色荷花之中。翩翩扇舞在古筝的伴奏下，使观者既欣赏到中国传统舞蹈的“拧、倾、圆、曲”的外化动作，更能领略到中国传统舞蹈刚柔并济、含蓄柔韧的舞姿所体现出来的“以神领形，以形传神”的内在精神，形象地折射出具有深厚底蕴的中华民族传统文化的精髓。

三、舞蹈服装装饰性设计对深化舞蹈意象的作用

“与其它表演艺术门类的设计相比，舞蹈服装更强调符号的表现性，这种表现性往往根据作品的需要而承载更多的象征性和装饰性。”我国是一个多民族国家，众多的少数民族舞蹈绚丽多姿，那些精美的装饰更是给观者留有无限的想象空间。如蒙古族舞蹈中的女性服装，其上装前后都点缀有大量的亮片，当舞者抖动双肩时，亮片在灯光的折射下如精灵般跳跃，使原本就是高频率快节奏的形体动作更显其娇媚动感；同样，蒙古族舞蹈中的男性服装总是点缀很多色彩丰富的小布条，舞动起来飞飞扬扬，飘飘洒洒，使我们在感悟舞者形体美的过程中，更加深刻地领略这个马背上民族热情开朗的天性。

还有一些舞蹈服装装饰性设计，更是渗透到人物的个性之中。如《胭脂扣》中的一条酒红色薄绸无袖立领旗袍，整体设计简洁，细节设计上别有意味：酒红色的选用隐含了“返回阳间寻找爱人的”这一特殊身份的潜台词；夸张的偏大襟装饰性设计打破了单调的红色，以肉色弹力绸连接至胯部的开衩处，其问丝绳盘扣又起到了极好的修饰点缀；衩的设计便于舞者的大幅度腿部动作，同时也使其双腿在视觉效果上更加修长完美，充分展现了人体美。其设计中最为传神之处在于右胸前的盘扣上垂下的黑底红花丝质长绸，在右腰间的第二颗盘扣处又稍加固定，在腋下形成了松散的弧形，然后坠至裙脚处，飘逸的长绸随着舞者的旋转舞动如柳丝款摆，更显风情万种。总之，舞蹈以人体为媒介制造、传播和接受信息，舞蹈服饰也同样如此。

舞蹈服装篇5

关键词:少数民族舞蹈 舞蹈服饰 风俗

一、民间少数民族舞蹈服饰

最早的舞蹈服饰并非像现在的民族舞蹈服饰那样复杂,多层次。处于原始时期的民族舞蹈服饰更多的是原始人体的装饰和有实用性的身体保护,原始初民多用油和灰图在身上以御寒,或用牛粪和灰涂在身上防蚊患。当这种实用性得到满足的同时,原始初民会出于审美的需要或图腾崇拜祭祀的需要,来进行一种自己认为美观的装饰。随着社会不断的发展,各种布料和材料的出现,给少数民族舞蹈服饰的变化发展提供了条件,但其变化发展的“宗源”是不变的。

如苗族女子在节日或重大活动中都会戴的银牛角头饰,是由于牛耕改善了苗族的农业生产条件,提高了苗族的农业效率,给苗族农业劳动带来更多的财富,于是对牛充满了崇拜和感激之情,于是把牛角形象作为装饰纹样,大量运用在其服装的织绘绣染中,同时根据牛角形状制成银牛角头饰。这种装饰行为,其实是“具有宗教、祭祀和祈求财富的象征意义”的。

“在人类文明的进程中,其文化的诸方面都是为了适应环境而形成的,故而环境对文化的形成起了一定的限制作用。”例如傣族根据其居住的自然环境的不同又分为“水傣”和“旱傣”。“水傣”是傣族的一支,因生活在水边而得名。水傣姑娘大都赤脚,喜欢穿长长的筒裙。这种筒裙多是用一块艳丽的花布对接缝成,有折幅,既美观又不误劳作。傣族的另一大支系是依山而居的旱傣。与水傣服饰的轻巧灵秀相比,旱傣的 服饰更加华丽斑斓。多穿长裤或短筒裙,并在腰间系一绣花围腰。故傣族民间舞蹈服饰也是根据生活的自然环境的不同而不同。

由此可见,由于自然环境、生存方式、、生活习俗、审美心理乃至民族气质等的不同,各民族的服装款式、色彩搭配、纹样装饰、饰品造型造型等都是多种多样的。其舞蹈服饰也是多种多样的,而且各民族对布料的

使用会根据各民族所生活的地域和气候不同,宗教图腾崇拜的不同和本民族喜好的不同来设计制作。

二、舞台少数民族舞蹈服饰

随着舞蹈表演空间的转换,舞蹈服饰的设计也随着其艺术需要而变化。就在少数民族的广场舞蹈成为创作舞蹈的同时,其舞蹈服饰也发生了巨大的变化,并显示出“万变不离其宗”的特点,预示着少数民族舞蹈服饰舞台化、艺术化、舞蹈化的发展方向。如何在少数民族创作的舞蹈艺术中再现各民族传统服饰的特点,而又符合时代感,就必须从艺术审美的舞蹈表演艺术效果出发,进行夸张、变异和丰富。但所有的变化,都必须是在尊重传统服饰的前提下,也就是“万变不离其宗”。需要说明的是,少数民族舞蹈服饰艺术化的改造并不是随心所欲的

随着创作民族民间舞的发展,民族民间舞蹈创作内容呈现出多样化、多层面,反映出民族民间生活的方方面面。此时的舞蹈服饰为了配合视觉效果强烈的民族民间舞蹈新语言,必须将民族民间盛装原生的装饰、佩戴及穿着体系打散、解构,其中最具民族民间服饰风采的元素,诸如款型、饰品、图案纹样等,作为民族民间形象的象征,被有选择地用于或重新组构于民族民间舞蹈服饰的设计中,使民族民间舞蹈服饰变得艺术化。

例如傣族原生态广场孔雀舞,具有繁琐而笨重的形式,到后来的《金孔雀》舞蹈作品,其舞服的设计已完全摆脱了原有的样式,以长裙和头饰象征孔雀形象,上衣保留了傣家传统民族服饰的款式:湖蓝色窄袖、紧身大襟圆领衫,360度的湖蓝色裙摆上饰满孔雀翎毛花纹,舞服从色彩上追求与原型的相似,既有明确的孔雀形象,又具有傣族风格特征。再到后来杨丽萍的《雀之灵》,长裙形似《金孔雀》,裙摆上饰满金色的孔雀翎纹,以白色薄纱为长裙面料,使长裙静止时贴身、修长,旋转时裙摆令人眼花缭乱。同时,为突出手臂动作而裁去其衣袖及肩部衣料,上衣变形为吊带紧身背心,从腰部到臀围仍然保持傣家筒裙的样式,加上头上的羽冠,显现在人们面前的仿佛是一只洁白、飘逸的孔雀精灵。此舞服模拟孔雀形象更简洁,拓展了舞者的形体表现力,舞服设计更显艺术化。

舞蹈服装篇6

提前起步抢占商机

1998年,黎君开始用业余时间做舞蹈服装。“当时卖得最好的是健美服”,他从深圳青少年宫、商场和体育馆慢慢扩大客户群。两年前,他花了6万元租下小店成立新雅舞蹈服装店,是深圳当时为数不多的专业舞蹈服装店,卖健美服和各种舞蹈服,每月营业额4至5万元,利润占两成左右。

投入20万月赚5万

黎君说,当时店里租售的舞蹈服从各地采购,种类跟现在来比少很多,顾客必须提前定货。由于店铺太小,很多服装无法摆出来,有时候遇到七八个客人一起来挑衣服,试衣也很不方便。一年多前,黎君扩大经营,租下了一间比原来面积大10倍的店铺,一半租售服装,一半用于将来开舞蹈训练班。

店铺面积扩大了,解决了很多问题。黎君发现,顾客对服装款式要求不同,从外地厂家批发的产品不能满足需求。于是,他又在布吉开一间小作坊,自己设计服装款式,雇七八个员工制作服装。黎君说,小作坊加工形成不了规模效应,一些生产成本较高的服装如训练服、健身服主要是从其他厂家进货,但演出服就不同了,自己可以根据客户的需要加工生产,成本也不高。

黎君举例说,一套秧歌服装自己制作的成本是五六十元,在店里出售能卖到是八十元左右,但如果从厂家进货最少要七十元。由于自己能够根据客户需要设计服装,服装的颜色、款式等各方面都个性化,供货更及时,利润节节上升,顾客量也比以前翻了一番。除了深圳,现在他的客户遍布广东,曾有一家东莞公司一次性订走3万元服装。黎君给记者算了一笔账,店铺和小作坊的投资额在20万元以内,租金、员工工资、广告费、运输费等加起来每月支出4到5万,现在月营业额平均10万元,净赚5到6万。

旺季淡季销售有讲究

黎君说,经营舞蹈服装店的入行门槛并不低。首先,投入资金额相对较大,除了启动资金外,还要追加投资。舞蹈服装租售在不同时间大有不同。节假日、年底为旺季,每次旺季之前都要预先备好大批量服装,但在淡季时又不能像普通服装那样一次性出清让资金回笼。加上很多服装是用于租借,因此资金周转慢,压货量大,有一定风险。这需要经营者有较强的判断力,掌握好每个季节顾客的需要量,以尽量降低压货量。

舞蹈服装篇7

创意舞台表演化妆造型舞蹈舞台化妆，就是演员和化妆师，为剧情人物角色的外貌形象特征，采用各种各样的化妆特效手段以及特有的材质油彩、羽毛、胶水黏贴、亮片、蕾丝、水钻、花瓣等用品，已达到剧情人物角色的吻合，用化妆师一双“巧手”从“形”“色”“意”的结合，服饰搭配，最后灯光舞美效果。使舞者扮演的角色在舞台表演中所产生的舞台效果更加明确。

舞蹈化妆设计一般是指为舞蹈作品、舞剧歌舞剧中的舞蹈部分等专业演出所进行的创造性艺术设计。

一、创意化妆在舞蹈舞台中的联想性表现

创意化妆的联想是在人的认识思维活动中对一件事物表现因素假设和对本质因素的异想与绘画造型设计结合，再通过化妆技法达到对其作品“神似”的统一和谐。例如，在2012年春晚杨丽萍舞蹈《雀之恋》以双人舞民族自由舞风格来演绎，在原始森林的一对孔雀，传达的爱意，其作品中在化妆造型中采用人体艺术彩绘化妆技法（油彩）和羽毛的修饰，尤其是在局部彩绘中眼部面积、部位、自由曲线的生动、面部和服饰色彩的搭配，才能把握舞蹈与自然界的融合，表达出对作品内容的意境情感。艺术设计在构思和创作中相互结合加上丰富的联想，才能有艺术生命力和感染力。

二、创意化妆在舞蹈舞台中的色彩搭配作用

创意化妆在舞蹈舞台中是以用“形”和“色”的完美融合配美。“形”是表现在舞蹈作品中演员的妆容与舞蹈动作展现立体形态效果的方式，而“色”是以明暗度色彩的选用使妆容的效果更加与角色接近。色彩同时也是表达情感的一种方式，其色彩的表现极为丰富，其实生活离不开色彩，都说艺术来源于生活。色彩的各种表现也影响着我们的生活和感受。一个好的舞蹈作品在妆容上，特别是色彩明暗度、纯度的搭配上起到一个举止轻重感、软硬感。服饰和妆容对整个舞蹈作品在舞台的效果和整体造型设计中起到关键性的作用。例如，舞蹈作品《雀之恋》在2012年春节晚会上演了一段缠绵唯美浪漫的爱情故事，从演员的眼妆部位选用色彩的明暗度，小面积的彩绘加上装饰品，这样的妆面色彩比较与作品内容相吻合，当然，会为整个舞蹈作品增加绚丽感，同时搭配服装设计款式色彩选用、舞美效果，使的两只美丽的孔雀，在森林中随音乐翩翩起舞，走出来让整个舞台画面效果出现了幽静、绚烂、静谧，最后孔雀的开屏瞬间更是让人的视觉感受到的震撼。

三、创意化妆在舞蹈中舞台灯光效果的影响

良好的灯光效果，可以烘托舞台气氛，舞蹈的灯光布置不应只满足一般照明，应有更高的要求，灯光具有较强的装饰性。包括：灯光布局区域光和特殊效果光。电脑特效灯光使舞台更加绚丽多彩，图案设计图案的组合变化进行舞美设计，创造韵味十足。例如，上海卫视一个栏目《舞林争霸》每个舞蹈作品都是有故事有内容，如何能吸入观众的眼球和评委的眼球那就是舞台的灯光布局。在设计舞台时，舞台的灯光使用电脑特效的控制，变化不同的图案、角度、旋转色彩，才能使舞者在表演中达到淋漓至尽的效果，展现给观众视觉的享受。创意化妆造型在舞蹈形象中还要考虑舞台诸多因素形象外，主要就是一个光。化妆师不但应该有良好的色彩感觉，而且应该非常了解颜色和光的物理特性和变化规律。特别是在舞蹈晚会和大型广场表演，化妆师要对舞蹈设计空间和灯光设计处理都要十分了解和各个方面的充分沟通。在掌握总体效果的基础上，有效利用光色和化妆造型、服装颜色的互补效应，达到舞者对整个妆面设计到最好的体现。通过舞者的肢体语言对整个舞蹈作品流动路线，方位、舞蹈技巧，在灯光效果反射出来的光，刺激到观众的眼睛，再经过人视觉传递到人大脑神经，形成对整个舞蹈作品的色彩、形的印象信息表现出来了（“使舞者让舞蹈的内容活了”），能够打动观众。

同时化妆离不了色彩，同样也离不开光，不同的光源，带来的信息也不同，会使色彩发生变化。通常是在舞台的一、三维空间有演员进行第二次创造的综合表现，以视觉为主。灯光具有造型性，合理的运用可突出舞者在舞台上有肌理感、层次感，营造出独特的艺术氛围。使舞蹈动作更加优美，流畅。同时，对舞蹈的服装、化妆造型设计等有传达视觉的传递作用，会让我们在各个领域中绽放异彩。

四、造型设计与舞蹈作品中的要点

一个好的舞蹈作品成功与否，是在服装和化妆造型、色彩搭配和特殊的结构方式上进行，以及掌握舞蹈的舞种人物动态要求来设计的。要通过舞蹈编导和服装设计师、化妆师在对整个作品分析创作别关注的一个要点。

舞蹈作品一般分为独舞、双人舞、三人舞、群舞等；从内容上分为民族舞、古典舞、现代舞、芭蕾舞、国标舞现在自由舞等不同舞种的表现。就舞蹈服饰和化妆造型讲，舞蹈作品几乎包含了所有的设计特征。

1.应充分展示舞蹈演员肢体的美

因舞蹈作品编导在编排是往往强调演员动作的技巧难度、夸张的造型和动作的流动性，所以设计的服装应该根据演员自身的条件，强化舞者的肢体造型美，并能注意到舞者在动作流畅中造型，充分展现动作的自由性，尽量掩盖舞者的身体缺点。

2.强化化妆造型舞蹈作品所表达的象征性

舞蹈的作品一般时间控制在2～8分钟左右。使编导、化妆师和造型师还有舞者共同进行分析作品，从而对舞蹈特点有较深入的理解，然后才能比较准确地把握设计风格与造型设计，从而才使化妆造型中的色彩运用恰当好处。如舞蹈作品《雀之恋》就是非常典型的案例，整个作品通过服装款式设计、颜色搭配、化妆技法、舞蹈的肢体语言，才把两只美丽孔雀演绎的完美。从而达到视觉艺术和空间艺术形态之美，艺术的通感。

舞台舞蹈的创意化妆是一门综合的艺术，一个好的舞蹈作品，最终，离不开舞蹈编导、舞美设计师创编和设计，他们都需要用艺术形态来表现，其中包括时间艺术、空间艺术来营造出艺术的氛围。无论艺术创作灵感来自哪里，都离不开生活，需要化妆设计师不懈的追求，加工在创作中，寻求设计思路，才能到达舞蹈的艺术之美。

参考文献：

[1]君君.创意化妆造型设计.中国轻工业出版社，2010，9.

舞蹈服装篇8

关键词：少儿舞蹈；编排；方法

舞蹈是少儿音乐艺术教育中非常重要的一部分，它是一种以人体动作为“语言”的艺术形式，有着其独有的价值和功能。一个好的少儿舞蹈作品能够使孩子们在受到美的熏陶的同时，还能从中受到启迪和教育，促进少儿思想品德向着正确和健康的方向发展。那么如何才能编排出优秀的少儿舞蹈作品呢，下面笔者谈谈自己在工作中总结出的几点体会。

一、深入少儿的生活

儿童舞蹈的创作与艺术一样，也离不开生活。它来源于生活，而又高于生活。当然，这里指的是儿童生活。

我们要张开全身的感觉器官，投入到儿童生活里去，和他们共同生活、学习、游戏等，和他们建立起平等、友好、亲密的感情。用敏锐的眼光去观察、体验、研究孩子美丽的内心世界，了解他们的思想、感情、动作、姿势等，从中选择具有儿童特点的有代表性的动作，进行提炼、加工和美化，采用童话、幻想、游戏等形式，利用短小精炼、形象鲜明、生动活泼等特点进行构思，这便能创编出丰富多彩的儿童舞蹈来。

二、精心选择舞蹈的题材和音乐

题材和音乐是舞蹈的灵魂，因此，在编舞前必须确定好舞蹈的题材，选择题材最好是选择一些少儿所熟悉的、喜欢的和他们生活较贴近的内容，这样孩子学习或表演起来就会更易理解、更易接受、更感兴趣一些。然后再根据题材去选择音乐，音乐可以是完整的一首歌，也可以根据舞蹈的表现需要重新编辑。总之，舞蹈的题材及音乐是编舞准备的两大要素，没有预定题材及音乐这两者，舞蹈是不可能产生的。

1.选择恰当的题材

就舞蹈创作来说，一个舞蹈作品题材选准了，主题抓对了，这就为作品的成功打下了坚实的基础。孩子们的生活丰富多彩，任何一件发生在他们身上的事都可能对我们有一定的启示，成为我们构思一部作品的素材。

少儿舞蹈的选材要注意从儿童的心理和生理特征出发，终追寻幼儿思维的奇特性，从孩子们所见、所想和所做中取材，去反映童心、追求童趣。如《堆雪人》《踏浪》《我的朋发在哪里》《唐老鸭》等，这些题材反映了孩子们生活的世界，表现了儿童独得其乐的生活。同时，少儿舞蹈的选材还要追求主题的新颖性及教育性，这样才能表现出作品真正艺术价值。

2.选择贴切的乐曲

我们常说“乐是舞之魂”。在舞蹈创编的过程中，选择贴切主题的音乐是非常关键和重要的一步。对于少儿舞蹈编排来说，我们选择的音乐应当是旋律动听、节奏鲜明，能够引起少年儿童兴趣和动感的乐曲。乐曲中所表现的象应当是能让少年儿童理解的具体的、生动的形象，选择这样的乐曲有助于少年儿童更好地诠释舞蹈形象和释放自己的情感。对于依靠形象思维理解事物的少年儿童来说，他们对事物的喜爱和厌恶都是通过直接的语言和行动表现出来，所以说，我们在创编少儿舞蹈的时候，要采用形象鲜明、旋律动听、简单易懂，容易被少儿接受的乐曲，这也是少儿舞蹈能否编排成功的前提。

三、注意观察生活，提高自身素质

作为一名少儿舞蹈创编者要努力提高自身素养。首先要不断学习、丰富、提高自身舞蹈的知识与技能并加强广泛艺术修养的基本功。有时为了增加舞蹈的表现力，要较好地掌握一些民族民间舞的基本动作、韵律和风格特点，根据幼儿思想、感情、生理特点、动作发展水平加以变化，创作成为少儿能跳的舞蹈。例如，藏族踢踏步，两臂先后划圈扩开的动作，少儿也很难掌握，因此可改为双手同时在体前交叉后打开等等。

其次，要热爱少儿舞蹈教学工作。在和孩子共同生活、学习、娱乐中，仔细洞察孩子们美丽的童话世界，了解孩子们稚朴的情感，广泛地搜集、提炼，为孩子们加工天真、形象的动作，成为少儿舞蹈表现的基本素材。这样少儿舞蹈表演才能不断丰富发展，才能创造出既有幼儿特点，又有民族特色和时代感的少儿舞蹈作品。

四、少儿舞蹈要有一定的情节

兴趣是我们每一个人学习的动机，只有对自己周围的事物产生兴趣，才会有学习和研究它的动力。我们在创编舞蹈的时候，要把舞蹈的内容及情节编成故事，讲给孩子们听，利用有关的图片、照片让他们看，编成游戏或利用玩具让他们玩，让他们在听、看、玩中熟悉舞蹈的内容及情节，对舞蹈产生浓厚的兴趣。舞蹈对于孩子们来说，不仅仅是舞蹈，更深入的应该说是一种游戏，或者说是一个正在表演的故事，少儿感兴趣的不仅是舞蹈动作，更感兴趣的是它的内容情节。单纯的舞蹈动作只是一种外在的表现，而内容情节才会真正深入他们的心灵，感化他们的情操，他们才会用动作把他们心理的真正想法表现出来，舞出他们的感情，舞出舞蹈的内涵。如我们在编排少儿舞蹈《小毛驴》时，要告诉孩子们，他们是骑着小毛驴去赶集，手里扬着鞭子可神气了，可是半路上摔了个大跟头，弄了一身泥，孩子们听后会有兴趣跳这个舞。因为他们了解舞蹈的情节内容，有了学的兴趣，也就爱跳了。每一位少儿舞蹈的教育者，都应该怀着一颗童心去创编舞蹈，才能使孩子们的舞台更加绚丽生辉，童趣盎然。

五、选择符合少儿舞蹈的服饰

我们经常会在少儿舞蹈节目中看到表演者的服装与其所表现的舞蹈不相符的现象，这会给整支舞蹈的表演降低观赏性。因此，在完成舞蹈编排后，还要注意设计和选择与其相适应的服装。第一，服装的设计上不能影响动作的表演，不能让演员戴太多的装饰物，特别是双人舞的服装上、腰上和手上不能有装饰物。第二，幼儿舞蹈服装应突出幼儿的特点，在服装设计上应注意色彩的选择及搭配，鲜艳明亮的颜色在幼儿舞蹈服装上运用的较多，也较能体现儿童多彩的生活和乐观向上的积极心态。

舞蹈服装篇9

关键词：体育；舞蹈；美学

一、引言

体育舞蹈迄今为止大约有将近一百多年的历史了，体育舞蹈是由英国皇家舞蹈教师协会对交谊舞的整理与加工而形成，集多种美学价值于一体的运动项目。体育舞蹈不仅有丰富的肢体表现力，还有这细腻的情感表达，这也是体育舞蹈风靡的主要原因之一。20世纪30年代体育舞蹈传入中国，如今更是在我国蓬勃发展起来，其中根据英国皇家协会界定，体育舞蹈分为拉丁舞（Latin Dance）与摩登舞（Modern Dance）两大种类，其中摩登舞又囊括了华尔兹、探戈、快步、狐步、和维也纳华尔兹五个舞种；拉丁舞同样包括了伦巴、恰恰、牛仔、斗牛、桑巴舞五个舞种。十个舞种的不同风格，满足了人们不同的审美需求。

摩登舞由贴身握抱姿势开始，沿着舞程线逆时针方向绕场行进，步法规范严谨，上体和跨步保持相对稳定挺拔，完成各种前进、后退、横向、旋转、造型等舞蹈动作。具有端庄典雅的绅士风度。曲调大多抒情优美，旋律感强。拉丁舞舞伴之间可贴身可分离。各自在固定范围内变换方向，展现舞姿。步法灵活多变，各舞种通过对胯部以及身体摆动的不同技术要求，完成各种舞步，表现各种风格。舞姿妩媚潇洒，婀娜多姿。风格生动活泼，热情奔放。曲调缠绵浪漫，节奏感强。体育舞蹈作为艺术的一种存在形态，引导练习者形成健康审美的价值取向。在舞蹈动作的编排上趋向于表现和抒情。目前在我国，受到金牌主义的影响，体育舞蹈向着竞技运动方向发展着。由此在内外两种方向的影响下，我国的体育舞蹈有着竞技与艺术的双重价值导向。

二、体育舞蹈美学价值体现

体育舞蹈有其独特的多元美学特征，它融合了竞技性与艺术性，在男女舞者配合中诠释不同风格的音乐。美是人们对生活中所遇到事物的评价，如今审美标准的不同，也是拥有十种舞蹈曲风的体育舞蹈发展与普及的契机。

1.舞者形体。在体育舞蹈的学习过程中舞者的四肢、五官、头部以及躯干需要进行协调配合来表达姿态与线条。完成的动作与内在的情感，衬托出舞者高雅的气质。在进行综合的体育舞蹈训练之后练习者会自觉的形成收腹、健身、塑形的作用。

形体是如今各大院校体育舞蹈专业人才选拔的重要标准之一。这是一项最能体现人体美的运动项目，形体美食进行体育舞蹈的先决条件。舞者通过人体表现出来的动作和表情，展现着艺术的韵味。把细腻的情感注入躯干和四肢，所完成的动作，打造体育舞蹈之美。

2.音乐。一般的体育舞蹈音乐所采用的是纯音乐或是世界名曲，可以使舞者和观赏者的着重点集中在舞者的肢体表达上。体育舞蹈的音乐不超过4分30秒。如今许多舞者将具有地域特色的音乐融入舞蹈中，在进行比赛、表演时引起观者共鸣。例如拉丁舞中的斗牛舞，是西班牙风格的曲调，音乐刚劲激昂、振奋人心；摩登舞中的探戈舞，音乐节奏明确，配合舞者稳重、干净的步伐。舞蹈与音乐是相辅相成的存在，在体育舞蹈中音乐史舞者展现动作的依赖，也是观者体会体育舞蹈之美的桥梁。不同的舞种其音乐旋律和风格都是不同的，恰到好处的音乐配合可以使艺术的表达更有感染力。

3.舞蹈动作。体育舞蹈十个舞种的风格各不相同，所表达的美也不尽相同。这十个舞种是世界文化融合的结果，它们来源于不同的国家，不同的地理环境、人文特点、风俗习惯、文化背景铸就了各个舞种之间独特风格。在全球化的推动下，体育舞蹈在不断普及，同时又在不断吸收各个地区的本土文化。体育舞蹈男女舞伴彼此力量相互支撑于对抗，构成了张弛有度、动静相成的美感。通过舞者的肢体语言讲述浪漫故事。

体育舞蹈动作讲究全身各个部位的协同，在不同的音乐背景下阐释不一样的动作之美。拉丁舞中，伦巴四拍走三步，展现多种跨步动作，跨步动作时由控制重心的一脚向另一脚移动形成八字形摆动，动作舒展优美。多用来表现爱情男女的甜蜜、惆怅、缠绵之美，女性舞者动作更加的柔美、婀娜，舞蹈甜美、抒情；拉丁舞中，斗牛舞源于法国，盛传于西班牙，模仿西班牙斗牛士动作的一种舞蹈。男舞者如斗牛士般气宇轩昂；没有胯部的扭动动作，脚步干净利落，舞蹈激进、无畏；摩登舞中，华尔兹每小节三拍为一组舞步，每拍一步，第一拍为重拍，三拍一起伏循环。通过膝盖、脚踝、足底、脚掌的动作，结合身体的升降、倾斜、摆荡进行移动，是的舞蹈起伏连绵、华丽典雅，男女舞者动作飘逸柔和，男舞伴如王子般绅士，女舞者似公主般雍容，整支舞蹈充满了华贵、浪漫之美。

4.服饰之美。拉丁舞多热情洋溢，进行直接的情感表达，拉丁舞者的服装更为多彩，女舞者的服装多在后背、腰或者腿部进行合理裁剪以便完美展现舞者的线条美。男舞者上衣为紧身便于动作的上衣，在进行比赛时还可以根据舞伴的服装进行相应的制作，在颜色或款式上进行裁剪。而在摩登舞中女舞者的服装与晚礼服更为相似，衬托舞者的高贵大方，男舞者多是白色衬衫、黑色领结、黑色摩登裤外加黑色燕尾服。在进行体育舞蹈比赛时拉丁舞和摩登舞的女舞者会在舞服上用钻、珠管或者亮片进行装饰，形成更为亮眼的效果。并且会在头发用用假发、镶钻等进一步装饰。

体育舞蹈在服饰上的要求强化了它的美学价值，它的美学价值主要体现在对服装的设计、色彩与个性的统一。其中不同的舞种，也要求舞者使用不同的服饰来表现。但在体育舞蹈中男性服装需展现男士的绅士风度或阳刚之美。女性服装需展现女士的高贵气质或柔美线条，适当的服装配以舞者协调的舞蹈动作、充沛的情感表达，展现舞蹈之美。

5.修养之美。舞蹈是人类历史中的一种社会现象，室人与人之间形成的一种和谐之美。托尔斯泰首先提出：艺术起源于一个人为了要把自己体验过的感情传达给别人，于是在自己心里重新唤起这种感情，并用某种外在标志――动作，线条，色彩，声音，以及言词所表达的形象来传达这种感情，使别人也能体验到同样的感情。舞蹈是人类情感满溢后的肢体冲动。如果舞蹈没有心灵上的悸动，那就是一场欺骗观者的骗局。在体育舞蹈是男女舞者之间的协作，更加需要舞者用清醒的意识、充沛的情感和对音乐的准备拿捏都是舞者修养的体现。文化是一切的基础，舞蹈意识的觉醒是在扎实的文化累计之上的。

在体育舞蹈练习过程中，人得言行、举止都是修养的良好表现。更因为这是男女双人的舞蹈，需要男女娴熟配合，造就了人与人之间的和谐。舞者在舞蹈过程甚至生活中表现出来的文化修养、音乐修养、艺术修养、留意修养等，都是体育舞蹈修养之美的具体体现。

体育舞蹈中的一些造型动作也进一步的展现了体育舞蹈的修养之美。如：在拉丁舞和摩登舞种进场都是在男士手挽女士入场，拉丁舞由女士在旋转之后向观众致意，摩登士则是向观众古典行礼；结束后一样由男士引导女士向观众行礼，需女士站于男士前方，彰显男士绅士气质，这些无不体现着体育舞蹈的素质之美。

三、结论

体育舞蹈的是一项最能体现力与美得运动，它使得人们跳出传统体育锻炼项目，进行新颖的舞蹈练习的过程中感受到音乐美、形体美、音乐美的享受。通过在不同曲风的舞蹈动作中，体现其形体、健康之美，由于其对音乐、场地、舞者的要求，在进行体育舞蹈学习的过程中人们在不断的加强自己对美学的感受。人类在物质生活满足之后，更多的是进行精神上的追求。我们需要用发展的眼光看待体育舞蹈的美学价值，随着时代的发展对体育舞蹈的美学价值进行更深层次的探讨。（作者单位：上海体育学院）

参考文献：

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[9] 唐海英，谢鹏. 音乐在体育舞蹈教学中的应用研究[J]. 教师，2015，02：39-40.

舞蹈服装篇10

关键词:时装模特;舞蹈;素质

中图分类号:J703文献标识码:A 文章编号:1005-5312(2011)17-0123-02

在生活中往往有这样的场景:刚上幼儿园的邻家女孩穿起大人刚刚买给她的新款外套,情不自禁的手舞足蹈一番,一副兴高采烈的样子,原本可爱的外形加上服装的夸张与艳丽,更是令她的天真如同盛满玫瑰露的水瓶,芳香四溢。殊不知,她下意识的动作,其实同时完成了实质意义上的舞蹈与时装表演。时装表演虽然是从西方传入,但是它并不是现代社会独有的。早在古代,先人们就在进行着这项活动,只是那时候还没有现在的称谓罢了。《一千零一夜》中介绍到:古代阿拉伯贵族女性在婚礼中要换装七次,每次都要在宾客和新郎面前经过,以显示自己的美丽;唐朝的霓裳羽衣,夏威夷酋长鲜艳夺目的羽毛装饰,这些都显示了用服装表现自己并不是哪一国那一地区的专属活动,而是全人类的共性。

由于最初的服装表演伴以舞蹈,有些喧宾夺主,所以自从台步被确定为主要的服装展示方式之后,有些人的看法走向了另一个极端,即:舞蹈被认为是表演中的有害成分。但是这种看法是片面的。舞蹈是台步与造型的灵魂,灵魂不在现实中出现,但它支撑着人的神韵,没有经过舞蹈的专门训练,人体动作的审美化就不是自觉与自由的。表演必须从内到外,用内心的情感引导动作,动作才会灵动自然而不呆滞僵硬。这在艺术中是共通的。

舞蹈具有象征表现性,它必须设法创造出意境,表现人物的情感,写意特点鲜明,写实能力不强。舞蹈是古老的艺术,与音乐与诗歌一体,在原始社会是宗教活动的一部分,而且是其中情感最强烈的部分。在文字与音乐不足以表达感情的时候,人们就用手舞足蹈的动作表现起来。舞蹈是头脑、心灵和肌体相结合的造型艺术,核心是情感逻辑,它以“形”传“神”,任何身体形态、形体动作对于舞蹈者来说,都是内心激情外化的表现,并且随着舞蹈的思维目标和情感取向展现其功能,不过,它们在精心选择组织和运用之下,已成为比拟性、象征性的动作了。人体这种媒体限定了再现的自由,用具体的动作来表现比较抽象的感情,是舞蹈天然的长处,动作的有限性和生活的无限性,使舞蹈带有强烈的抽象色彩和高度的概括特点。这就是所谓的“类型动作”。在这方面,服装表演需求尤为迫切,模特的动作更加简练、更加程式化,需要表达的感情也更抽象,从舞蹈艺术的思维方式中,模特会得到比较直接的启发。

舞蹈具有直观视觉性,它需要利用流畅的肢体语言,来表达主题,是与服装表演最具有血缘关系的艺术,借鉴起来最为方便。事实上,作为人类的天赋之一,舞蹈被广泛地借鉴着,例如艺术体操,例如女子仪仗,但是对于时装表演者的表现,比以上更苛刻。时装模特的舞台动作既要生活化,又要有超然美妙的艺术感染力,它是浓缩的舞蹈艺术,表演艺术,一种技术,一种工作。利用短暂的十几秒种,发散大量高效率的信息,给观者最佳的视觉欣赏价值和心理感染力。一个模特的训练过程是艰苦的,而舞蹈可以更好地训练这种素质,舞蹈可以将人体的固有习惯去粗存精,这对时装表演是有很大益处的。让我们举个例子吧:舞蹈中的手势——撩掌,先抬起胳膊肘,然后通过小臂到手腕,最后到手指,一节一节地慢慢提升上去,这样表演出来,就会产生优美的柔姿。模特应该学会既要有把动作分解出层次,又能流畅而没有断位地表现出来的能力。模特转体要先转身后转头,把头留给观众,而不是头与身体一起转,能把每一个层次都变现地具有美感、整体上又产生统一印象并不容易。舞蹈训练还有一个作用就是使模特体态变得均衡、和谐和健美,纠正一些不好的习惯,如探头、歪脖、耸肩、含胸、挺腹、塌腰、撅臀等。舞蹈表现着生命的机能,是运动着的生命存在最直接、最强烈、最简单而又最充足的表现。在高度的律动中,舞者自身得到一种生命的真实感,模特在训练中要体验这种真实,在离开舞蹈境界时,依然可以保留这种感觉。

舞蹈可以使体态更加丰富,据资料记载,在印度舞中,身体姿态的规范竟然有108种,而且每个动作中的身、臂、手、腿、眼都各有其特定的位置和姿势,眼睛会说话,嘴唇会运动,睫毛会颤抖,眉毛能弯弓,手势可以表达上万种寓意,一般演员都要学会用手语来表述。服装表演的体态语比较简洁,但是并不简单。舞蹈训练基础深的模特动作就比较准确、形体感觉就好,由丰富而入平淡,是任何艺术家从稚嫩走向成熟的必由之路。

舞蹈是一种具有动态平衡性的肢体运动,它的表演是“流动的”,即以连续的形体动作和各种姿态去传达某种情感意味,但它的运动形式,无论折合和伸展,推进和拽拉,曲线和直线,摆动和跳跃,都要介于动态和稳定之间,求得短促平衡和整体平衡。服装模特的动作基本功也应该以这种标准来衡量,重视对身体的控制能力。

还记得有位着名的日本舞蹈家曾经说过:“西方舞蹈的动作是放射性的,是憧憬天上;东方舞蹈的动作是内涵性的,是眷恋大地。”这与东西方信仰有关,西方是基督教社会,憧憬天堂胜景,东方讲究落叶归根的儒家内敛。就连芭蕾一词来源于拉丁文的“跳跃”。是离开大地的努力,而中国舞蹈“践”,也就是脚向大地踱踏,是向下的努力。也有人认为西方的古典舞蹈是一种纵向暗示,而东方是一种横向暗示,前者表现为一种外拓性,后者表现为内聚性。这与各自所处的地域也有关系,欧洲各国国土面积狭小,他们用武力积累资本,向外进发。中国古代地大物博,谨守慎微。所以,芭蕾的基本动作和姿态表现出人体努力向外部空间伸展的倾向。而中国舞蹈则是在身体周围形成一个范围,在这个范围内翻腾跳跃。这与东西方的思想形成有关,而这种思想的形成,又受到地域习俗的影响。

古典芭蕾舞的全部动作必须具有胯骨的外开性才能使双脚轻松地站成一位(脚跟并在一起,脚趾外开成一线),双脚外开地向前后和两旁抬起。这种胯骨的外开性并不是孤立的动作,这时人必须收腹、提高胸部位置,造成人体被强化了的直立感,同时也要收臀部,足部踮起,于是,开、绷、直、立便在这基本的站姿中得到了体现,芭蕾舞使人体最大限度地向四个方向伸展。西方的舞蹈不像东方重视上肢的变化,而是注意下肢的动作,手臂姿势是辅的。