美术的绘画形式范文

导语：如何才能写好一篇美术的绘画形式，这就需要搜集整理更多的资料和文献，欢迎阅读由公文云整理的十篇范文，供你借鉴。

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课程的衔接上对学生适度的引导,可以使之后的课程收到更好的效果,同时也可以使学生对于之前所学习的课程有一个更深刻的认识。

关键字: 特性;材料;技法;表现方式;教学

在高等美术教育中,除个别专业院校专业技法系外,其他综合类院校的美术专业,对学生进行的技法训练均达到三种以上,涉及水墨画、油画、水粉、水彩多个专业不同技法。由于每个画种的审美情趣、表达方式、材料特性和作画过程都有巨大区别,甚至有些技法和理论是相悖的。如“国画山水中的散点透视要求以移动的视角观察对象,并将他们和谐地整合在同一个画面中;而作为西方绘画的油画和水彩则要求在画面中遵循严格的透视法则,利用平行透视、成角透视、曲线透视等科学的理论方法组织画面并形成构图。”[1]所以学生在学习这些技法的同时对所学的内容简单的横向比较后很容易感觉前后矛盾。因此。在技法教学中教师除了需要教授学生必要的技法知识和材料特性外,还需要让他们对各个画种的审美情趣进行深度探讨,对它们各自形成的背景有所了解。

作为一种绘画的技法,它们功能上有其共同点,都能从不同角度表达绘画者的意图和思维方式。同时作为一种绘画手段都是通过视觉传达作用于观赏者的反射神经并获得观赏者的共鸣。另外它们都遵循着共同的视觉规律。国画中要求的形神兼备和西方绘画中要求的造型准确都有关于形体塑造的要求。

造型审美

在造型上,容易产生分歧的是中国传统的水墨画和西方绘画之间关于在造型上的分歧。国画理论认为,以形写神,形神兼备是中华民族传统国画艺术的基本造型法则。南齐的谢赫在总结吸取顾恺之《画论》的基础上,在他的《古画品录》中系统地提出了“六法”的中国画造型理论。即:气韵生动、经营位置、骨法用笔、应物象形、随类赋彩、传移模写。这“六法”从过去到现在,随着中国画创作艺术实践的积累和总结,日臻完善,成为中国画造型艺术的现实主义创作法则。[2]从国画的造型法则可以看出,它把传移模写作为最后一点来强调,气韵生动则作为首要考虑的因素。显然在中国水墨画的审美标准中精确的造型并不是最重要的元素,而气韵和位置经营才是水墨画中首先需要考虑的问题。与之相反的是西方绘画中对于造型的严谨。以油画为例,它的造型法则必须遵循一定的规律和造型法则。文艺复兴时期的达芬奇不仅亲自解剖尸体以弄清人体的肌肉骨骼构造还发现了人体四肢与身体的黄金比例。在西方绘画的审美标准中,形体是首先需要解决的问题。画面的所有信息都必须附着在形体上传达给观众。17世纪欧洲古典主义和学院派就是最好的代表。“他们强调理性、形式和类型的表现,忽视艺术家的灵性、感性、和情趣的表达。追求明确、单纯的结构和完美和谐的造型。追求理想化的艺术表现。”[3]这种对造型的审美标准与国画的审美标准看似是截然相反的。

但是在教学中,其实两种审美形式并不矛盾。首先不管水墨画还是油画,它们的造型基础是相同的,都需要客观地再现所要描绘的物体和景象。作为水墨画而言,其中古法用笔讲的就是对造形的要求。而水墨画中的水墨交融的感觉其实也是为了体现画中“形”的元素,只是水墨画中对于形体的要求没有油画和水粉中那么精确而已。作为现阶段学生的基础而言,他们无论是学习还是考试均受西方绘画理论的教育。那么同时他们也在不同程度上掌握了西方绘画理论中关于造型的知识。所以在教学中,教师可以将西方绘画中对于造型的要求引入中国水墨画中去,这样在造型上,学生就不会因为两者要求上的差异而陷入迷茫中,同时也可以在绘画的过程中,体味两种在不同文化背景下形成的艺术形式的内在差异。

材料

每一种绘画形式的材料和技法都有其各自的特点。根据各自材料的特性,在绘画方式和作画步骤上也呈现出各自不同的特点。例如在水彩画中,因为水彩颜料的透明的特性,使得在作画的过程当中一般从浅色入手,在通过覆盖将底色与覆盖层颜色做二次调和,最终达到理想中的效果。而在水墨画中因为使用特殊制作过的宣纸,水墨会在上面留下浓淡不同的印染痕迹,所以利用墨与水的浓度,来控制笔触的形状和墨色的浓淡。但是同样作为西方传统绘画的油画,由于颜料难以被其他溶剂稀释,因此出现了制作不同特性的画底,并在上面制作作品的技法。另外也正是源于油画材料的这个特性,使得油画可以表现出比水彩和水墨画更为厚重的形式的作品。各个画中之间的材料也千差万别,水彩是用的是表面凹凸不平的水彩纸,水墨画使用的是渗透能力比较强的宣纸,而油画则采用比较厚重亚麻布同时上面还要做相应的画底。这样看来,几个画种之间无论是工具、技法、媒介都有相当大的差异。这样在教学中,如何让学生能够很快的进入下一阶段的课程的学习而不受上阶段所学内容的影响就成为我们必须解决的问题。

那么在教学中,我们需要让学生了解的是几种绘画形式的差异,主要的原因是因为他们的材料的不同特性导致的。同时每种表现形式所适合表现的题材和画面效果都有着各自的优点和不足。因此首先学生要了解每种材料的特性,在充分了解了材料的基础上,将所学习到的技法进行充分的运用。

表现技法

在教学中,学生面对一门新的绘画形式的课程往往会从上一门课程中间寻找经验。但是由于表现方式的差异,导致学生在作画过程中会出现暂时的技法上的错位。以水彩和油画教学为例,水彩要求学生以快速的概括的笔触和尽量单纯的色彩完成作业,在调色技巧上更注重于纸上调色,将单纯的色彩放置在画面中让它们相互之间产生调和作用,在表现技法上往往都是作用于水彩的媒介上。由于水彩所用的媒介是水,因此有许多作用于水的技法出现。如利用水的被盐吸收的特性而出现的撒盐法、利用特殊的不溶于水的胶制成的留白胶、利用水与水相互融合采用的湿画法等。而在油画中,由于油画颜料自身的不易干和容易覆盖的特点,往往可以将一幅作品通过较长时间的修改以达到预期的目标。色彩上较水彩而言更为灵活,能够将多种颜色混合得到所需的色彩,因此在表现技法上也更容易控制。惯用的技法都是用笔触来体现对象的体积和形象,可以将物体的细节、材质统统表现出来。因此如果学生在结束了油画的教学课程以后再进行水彩的教学,往往会使用与油画类似的表现技法去体现水彩的画面,对水分和调色技巧控制不好会使画面颜色变脏。在这个时候教师应该就水彩与油画的内在联系向学生做相应的说明。“水彩所要求的三要素简洁、快速、聚精会神。这三要素分别对应了水彩在画面元素、审美标准、和表现过程。在画面元素上单纯的元素具有巨大的感染力。在审美标准上作品的价值并不在于所花费的时间。在表现过程上清晰地思想和情感是重要的要素。”[4]而所有的技法的衍生其实都是围绕这三元素展开的。这与油画所追求的元素并不矛盾。在明确了两者内在的联系之后,可以在初期让学生以油画的技法尝试表现水彩的画面,让学生在实践过程中逐步体会两者在材料和审美上的差异,慢慢对水彩的表现技法达到掌握。

综上所述,多种绘画形式的教学能够使学生更多地了解其他绘画形式的信息,同时在教学中也要让学生认识到,不同的绘画形式实际上只是表达自己情感的手段,在以后的创作过程中,学会使用最恰当的形式表达自己的感受才是教学的目的。

参考文献:

[1]杨广生,钟传平,王琪编著.透视.解剖.辽宁美术出版社,2006年.

[2]杨维.中国美术史――古典美学思想与优秀作品赏析哈尔滨工业大学出版社,2003年

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关键词：数学图形变换与美术绘画 内涵 整合 效果

中图分类号：J204 文献标识码：A 文章编号：1674-098X（2013）04（c）-0186-01

《义务教育数学课程标准（2011年版）》提出了“数学课程应致力于实现义务教育阶段的培养目标，要面向全体学生，适应学生个性发展的需要，人人都能获得良好的数学教育…”而现在，许多中学生对数学课不感兴趣，抱怨数学枯燥、难学，他们怕数学，甚至讨厌数学，一部分学生甚至放弃数学，这和新课标相违背。为此我们尝试把“学数学”当“玩数学”，这样就将枯燥无味的数学生动化、趣味化。

首先我们尝试把学生审美与数学教学有机地结合起来，激发学生学习数学的兴趣。例如：学习教学空间与图形板块中的“对称、平移和旋转”单元时，在方格纸上如何画出轴对称图形，如何平移旋转图形，通过操作性训练，最终是让学生解此类题型时，易如反掌。

其次，在数学教学过程中，为了把更多美术元素融入数学教学中，我们在网上下载很多这方面的图片给学生欣赏，然后让学生运用学习过的美术知识――折纸、剪纸等方法体验。学生不仅能够感受这种深层次的动态美，激发学生的丰富想象力，而且更加激发学生学习数学动力。

再次，让学生把在数学课中学到的知识在美术课堂中升华，在欣赏与设计的过程中，将数学的美延伸到生活中，这样能更好地让学生感觉到生活中处处有数学，数学的美也无处不在，来有效拓展学生空间思维能力。

拼数学

“拼图法”，就是将零散的材料根据图形的需要组合在一起，构成一幅图画.可以揭示合并同类项的方法、整式乘法公式（或因式分解），也可用在四边形中，例如把边长为2 cm的正方形剪成四个全等的直角三角形，用这四个直角三角形拼成不是矩形和菱形的平行四边形.（全部用上，互不重合且不留空隙）此题考点：作图―应用与设计作图，具体见图1。

学生通过动手，不知不觉中就复习了矩形、菱形和平行四边形的性质和判定的知识，又增强了学生的动手能力，效果很好。

剪数学

在讲轴对称时，课前发给每个同学一张印好红双喜的纸，让学生把这双喜剪下来，有同学直接剪，也有同学先把纸对折，然后再剪的，还有同学先把纸对折两次，然后再剪的。这样可以发现，对折一次，画上一个喜再剪下；如果对折两次只要画上喜的一半，再剪就可以了。具体见图2。剪纸是我国的一种传统民间艺术，其实学生在操作中已初步感受了剪纸的一般步骤。这也就是利用图形本身的轴对称性，通过折叠、画线、剪裁将一张张普通的纸变成一幅幅漂亮的轴对称图案！

然后让学生自行设计，剪出更多的轴对称图形，让学生分析这些图形有何共同特征，得出什么是轴对称图形及对称轴概念。在本节课上通过教师的启迪与引导，学生的动手动脑以及相互间的合作交流，使本节课变的生动有趣，在玩剪纸的过程中，这样既锻炼了学生们的思维，又培养了学生探索知识的能力与思考问题的习惯。

折数学

折纸是一项学习探索与娱乐两者兼备的活动。新课程标准在“空间与图形”教学中，特别体现学生“折数学”的过程，在“折”中感受和体验数学问题，在“折”中学习数学知识，在“折”中培养创新精神.通过折纸可以让文字语言、符号语言和图形语言相结合，用统一的纸，使用统一的折纸操作语言，按照“折一折、想一想、做一做”的教学模式，它不仅能折出很多几何形体，同时也能揭示很多数学原理.折叠纸张很自然地会出现许多几何概念、性质、公式推导、图形构建等。在教学活动中教师应经常带着一叠纸、一把剪刀进课堂，指导学生按某种要求进行折叠、剪纸，用以发现和验证图形的某种性质.让学生人人动手，在活动中增长知识，掌握理论，把“空间与图形”的学习过程变成有趣的充满想象和富有推理的动手折纸活动。“折数学”实现了数学教育面向全体学生的素质教育理念，为提高学生的推理能力，动手能力发挥积极的作用。

最终，“数学图形变换与美术绘画的课程整合，不仅很好完成了数学教学任务，而且激发出学生在学习过程中的强烈的求知欲和学习的上进心，既锻炼了学生的动手能力，又丰富了学生的想象力，增强了学生的创造力。这打破了过去旧的数学的束缚，使得学生的创造性思维真真解放出来。让数学练习和美术绘画有机地融合在一起，成为一个和谐互动的课程整合。

参考文献

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1引导式创意绘画的特点和形式

引导式创意绘画源自“易道”教育推出的一门针对少儿手脑潜能开发的课程。其基本理论是根据心理学、脑科学理论及少儿认知规律的特点,将智力因素及非智力因素与绘画教学相结合,以学生为主体、以创意为主线的体验式绘画模式。基于这种特点,引导式创意绘画完全避免了传统绘画模式的枯燥和呆板,使绘画教学更具有趣味性和互动性,在对学生进行各种绘画技法的培养的同时,更着力于学生想象力、创造力和艺术素质的培养和开发,不再仅仅以“像与不像”、规范不规范来衡量学生的绘画作品。引导式创意绘画有“体验”绘画、“创想式”绘画、立体绘画、动感绘画、“情商”绘画和“多元智能”绘画等表现形式。

2高考美术的弊端

2.1过分强调绘画的写实性,导致高考美术内容和形式僵化

由于高考美术中写实绘画所占比重较大,导致考生忽略了其他科目的学习。甚至不少学生误认为绘画写实就是素描、色彩和速写,因而很多美术高考生为了获得高分而进行大量盲目地机械模仿,画出来的作品毫无生气。事实上,要想成为真正的画家,仅仅只有对绘画写实的练习和考核是不够的。这种仅仅为了应对高考的美术学习方式弱化了对美术学习的艺术性和主导性,学生的美术学习变得越来越短视和功利。

2.2过分注重绘画技法,忽略了艺术想象力的培养

高考美术的终极目标是获取分数,学生的绘画技法更容易通过标准化的评判方式来进行量化,而绘画艺术本身是一种仁者见仁、智者见智的艺术门类,作画者的主体艺术性很难进行客观地“分数化”,而这种“分数至上”的考试制度使得广大考生在长时间的模仿中形成固有的思维模式和绘画理论,严重制约了学生发挥艺术思想的想象空间,无法充分饱满的表达自己的感受和情感,所画出来的作品如同一个模子里刻出来一样生硬无趣。

3引导式创意绘画与高考美术之间的冲突

引导式创意绘画所倡导的思想是在激发学生绘画兴趣的基础上,以培养学生的审美敏感度、观察事物表象的能力和探索发现新事物的好习惯,自由发挥想象力,利用各种创意绘画材料、绘画工具和绘画方式,通过适当的手法表现出自己所感、所知、所想的事物。创意绘画最大的特点就是绘画者的自由畅想和绘画技法的完美结合。相反,高考美术则更强调技法和规范,只关注素描、色彩和速写这三项高考必考的项目,而忽略了对美术鉴赏、绘画创意等绘画艺术素养的提高,而长期机械僵化的重复训练导致学生对绘画艺术兴味索然,只剩下对分数的追求。

4将引导式创意绘画融入高考美术的策略

4.1强化绘画艺术素养的重要性

首先,感受优秀美术作品的熏陶。在掌握美术基础理论和绘画技法的基础上,尽可能让学生多看国内外各种风格的美术作品,提高学生自身对绘画艺术的鉴赏能力,全面提高学生对于绘画作品所表现的情感、画家人格魅力等真善美的感受。其次,鼓励学生进行艺术表现形式的探索。引导学生尝试多种色调、色彩、技法来表达相同的情景,培养学生对绘画艺术的独到见解和探索精神。

4.2弱化绘画写实观念的主导性

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关键词：美术创作 绘画艺术 审美因素

随着摄影技术的出现和发展，绘画开始转向表现画家主观自我的方向，绘画是一个捕捉、记录及表现不同创意目的载体形式，绘画按材料介质的不同，以素描，色彩为主要表现形式。随着现代绘画艺术理论的完臻构建，本文针对影响美术绘画艺术创作的因素，进行了简要阐述和分析。

一、艺术构图因素

所谓构图，是指艺术家在绘画创作时根据题材和主题思想表达的要求，把要表现的形象适当地组织起来，构成一个协调的造型艺术表现方式，它是作品中艺术形象的结构配置方法，是造型艺术表达作品思想内容并获得艺术感染力的重要手段。美术绘画创作中，构图是对画面内容和形式整体的安排，构图的基本原则讲究：均衡与对称，对比和视点，变化与统一。常见的构图方法包括三个要点：

1.画面主题图形的位置。

2.非主题图形的位置以及与主题图形的关系。

3.画面底形的位置以及与图形的关系。

构图是美术作品的基础表现方式，对于绘画构图需要画家去精心营造、布局构思，这是一幅绘画创作成功的基础和关键，是影响作品格调、品位的直接因素。需要画家对其作品的构思立意，要作细致的理性化设计。构图的艺术手段，包括图底关系、空间处理、画面意境的基本设计。除此之外，画家的视觉审美感觉在艺术创作过程中也是极其重要的，它为画家提供了理性表达审美品位高低的评判标准。构图的本质就是是艺术形式美，是艺术作品的第一表现要素。

二、工具材料因素

美术绘画艺术作品创作，需要一定的工具和材料作为传达介质，进行艺术形象的再现，良好的绘画工具以及绘画材料，是美术绘画艺术作品创作成功的重要因素。从一定程度上来说，美术绘画的创作需要对绘画材料的特性比较熟悉，以便更好地应用于绘画艺术创作。一般来说，绘画艺术常用的工具材料主要包括画笔、纸张板材、以及颜料等基本内容。

1.画笔：是绘画的主要工具，画笔的质量，型号，笔头的方、圆、秃、尖、软、硬等是影响画面效果的工具材料因素。

2.纸张板材：是画面的载体，画面板材的吸水性、肌理、软硬、薄厚等性能是影响画面效果的重要因素。

3.颜料：绘画颜料的质量是影响美术色彩绘画效果的主要因素，选择好的颜料是绘画成功的基础。颜料的色泽、附着力、黏稠度、含粉量、调配后的显色性等，均是衡量颜料质量的标准。作画时对颜料的应用也因人品位高低不同，变化无穷。

三、表现技巧因素

美术绘画作品的成功创作，是与艺术家自身的绘画技能密切相关的，技巧是创造成功艺术作品的方法，画家的绘画技巧本身就具备了审美的功能，并且为绘画创作提供了表现性语言，是画面中较为直观的视觉要素。技巧来自于艺术家对绘画工具材料应用的熟练程度，来自于画家对艺术审美元素理解的阐释。美术绘画创作中常用的绘画技巧很多，一般主要包括各类绘画的用笔技法，用色技法，以及相关特殊的绘画创作技法等。

1.用笔技巧：是画家绘画时的用笔技法，一般包括涂、刷、摆、点、排、堆、擦、皴等等用笔方法。在运笔方向上可顺可逆，讲究力度的控制和审美，用笔讲究笔韵有序，画笔要随心随形而用，笔形相生。

2.设色技巧：是画家对色彩颜料的应用技法，包括色彩的色相、纯度、明度等应用规律的灵活运用；颜料的干湿程度、黏稠度、薄厚度的控制和把握：画面中的素描关系、冷暖关系、色调的处理；同类色、近似色、对比色、互补色等色彩关系的综合应用等，颜料的应用应体现出力度、装饰等审美韵味。

四、形象塑造因素

造型是造型艺术最为基本的特征，它是指艺术家使用一定的物质材料和手段，在一定的空间中塑造出艺术形象。由于这种艺术形象是直接的空间存在形式，在绘画艺术创作中，艺术家用线条、色彩、色调在平面状态中创造平面或立体的二度形象。造型艺术的物质媒介决定了绘画艺术作品静态的永久性，它总是以静示动，寓静于动，以无声示有声，在一种永久的物质形态中表达深刻的审美蕴涵。造型艺术由于塑造的是可视空间的静态形象，因此就其本质而言，艺术家通过使用一定的物质材料和手段塑造艺术形象运动过程中审美特征上的瞬间性，这种绘画造型艺术的生动性来自艺术家对生活的体验感悟、观察思考，最终归属于艺术作品的审美取向。

五、色彩搭配因素

绘画艺术创作中的色彩搭配，是艺术家在美术绘画过程中，针对描述对象的造型需要，以及画家自身对于表现物象的感悟领会与创作意愿，对色彩应用规律在美术绘画创作中的实现。具体地说就是画家绘画过程中对于颜料的调和与运用。色彩本身绚丽多姿、变化丰富，绘画创作时灵活掌握色彩的规律是非常重要的。其规律表现在色彩的色相、明度、纯度的基本变化，色彩的心理视觉感、调合性等基本内容。当然，具体的创作包括色彩的观察表现，调和与设置。因此，美术绘画作品的设色及应用，色彩的组织搭配起关键作用，体现色彩之间的统一与和谐美感。

六、意境表现因素

美术绘画艺术作品的审美特性，相对来说，除了作品自身所具有的构图，造像，形象，色彩美感之外，同时还应该具备着艺术家在作品当中，根据自己的生活感受，针对画家本人的艺术修养和创作意愿，所渗透于绘画作品之中的审美情趣，思想感情，或创作灵感。作品往往流露出一定的内涵意蕴，这就是通常所说的绘画的意境。意境是绘画艺术中重要的审美标准，它是一种视觉征服力强的色彩境界，涵盖了画家对艺术作品的审美观、价值观、追求和意趣。它强调画面内容的意蕴，至少认为是含蓄深邃的，是震撼观众心理与视觉共鸣的美，具有一定的吸引力、趋同力和感染力。绘画艺术中，对于不同作品达到意境高度，往往因人而异。

七、审美定位因素

绘画艺术作品所蕴含的审美观念一般包括作品内容的创作动机、审美标准、主观评价等多方面的内容和趋向。在绘画创作时作品审美观念的定位是极其重要的，它决定着绘画作品艺术精髓的再现。绘画作品创作过程中，要结合绘画艺术的色彩、造型、艺术语言等诸多因素来探究绘画艺术的表现规律，界定绘画独特的艺术价值。绘画艺术作品审美观念的定位直接来自艺术家本人的创作意愿。一般来说，艺术家是艺术品的创造者，艺术家自身的修养学识、品位爱好、人格魅力以及审美取向，是主宰绘画艺术作品审美定位的主要因素，可以说艺术家人性化的人生观，世界观和审美观，决定了绘画艺术作品的品位及风格。

总之，现代艺术的多元化发展形式，为美术创作提供了无限空间。绘画艺术作为美术作品的重要承现载体，是艺术审美领域较为广泛的视觉再现性艺术，坚持科学的观点，发掘影响绘画艺术创作的审美因素，有利于现代艺术理论的建构。

参考文献：

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1.信息技术教育

是一门有关信息科学基本知识和基本技术的学科教育,它也是一种培养学生信息素养的素质教育。在信息技术教育中,虽然不能将信息技术教育变成单一地使用各种信息机器操作和软件使用的技能课,但不容忽视的是代表着信息技术的计算机技术和网络技术已延伸到各个领域,也越来越多地发挥着不可替代的作用。

2.信息技术的发展与影响

科技及信息技术所催生的巨大社会变革使人类的生活进入到一个更为壮阔的时代。计算机和网络的出现及普及使这个世界被放大了,拉近了,变得通透而具有可视性,虽然各国的文化仍旧保持着鲜明的特色,但在这里,不同的国度,不同肤色的人都能关注着同一个话题,这就标志着通过计算机网络而使得全球化的大的大趋势越来越趋同。美术教育也是如此,随着科技的发展和信息时代的到来,图像和影像已经开始成为现代社会的主要传播媒介,“视觉文化”这一词汇应运而生。在视觉文化的氛围之下,人们对美术的理解不再局限于国画、油画、雕塑、工艺的范畴,而开始变得开放和多元化起来。反映在教育方面,“视觉化”在逐渐改变着我们对原有艺术的认识的同时,也必然对美术课程进行重新审视和新的建构。它一方面极大地拓展了美术课程的内容,另一方面也在逐渐扭转着美术教育的“本质内涵”———基于视觉文化的美术教育是一种生活取向的美术教育,美术教育不应只是强调技法的熟练和媒介、材料的认知,而应教导学生关注生活的多姿多彩,并学会对各式视觉影像进行一定的思考、解读与运用。将信息技术应用到美术教育领域中,并发挥其独特的魅力和作用。

二、美术教育

1.美术教育

美术教育也称为“造型艺术教育”、“视觉艺术教育”等,不同的名称体现了对美术教育涵义的不同理解。以往的美术教育主要指绘画、雕塑、工艺和建筑4大门类的知识技术教育。“造型艺术教育”侧重的是以造型元素及其组合规律为主线的艺术、设计等内容的教育,强调美术在实际生活中的应用。“视觉艺术教育”的提法超越了绘画、雕塑、工艺和建筑等传统美术门类的界线,其教育内容包括一切与视觉有关的艺术作品和现象,强调视觉阅读、表达和交流能力的培养。美术教育的范围包括一切与视觉有关的艺术作品、艺术现象和日常生活中各种视觉影像,既包括传统的绘画、雕塑、工艺和建筑的知识与技法,也包括新兴的视觉艺术作品和现象,以及日常生活中能构建并传达个人态度、信念、价值观的各种视觉影像,主张通过美术学习,培养学生视觉阅读、表达和交流的能力,引导他们学会对其生活中各种视觉影像进行思考与解读。

2.美术教育研究

美术教育的科学研究,是指用科学的方法对美术教育现象进行系统的认知、分析、解释、控制,以探究和构建美术教育学科发展的基本原理、原则、理论和知识体系的创造。通常讲,美术教育科研,就是一种以获得促进美术教育发展的学科规律性的知识体系为目标的创造性探求行为。其意义在于,有利促进美术教育学科的发展,有利于提高美术教育教学的质量,有利于促进美术队伍的建设和专业化水平。

三、美术教育与信息技术教育两者的特点

信息技术教育与美术教育密不可分,互相影响、相互渗透。美术教育与信息技术教育的实质都是视觉的表现形式,都是通过一定的工具、借助一定的材料把视觉的效果呈现出来。现以美术绘画和计算机技术为例来阐述美术教育与信息技术教育的特点与关系。

  1.美术绘画的特点

美术又称为造型艺术,绘画是美术艺术的根基,艺术是人类藉以表达情感的一种形式,而色彩是视觉艺术诸多形式语言中十分诱人的一种。单纯的美术教育应视为绘画艺术,绘画是通过色彩、造型、构图等表现出来的,色彩与表现是绘画的重要因素。色彩本身是一种表现手段,色彩总是和其他因素结合在一起构成整体的表现力。包括构图、造型、用笔、用刀以及使用各类工具材料与制作手段所发挥的表现效果。传统的色彩手绘,必须是通过绘画者根据自己的观察和自身的审美理念,用手工调制颜料,并通常是借助于各种类型的笔,在油画或水粉画中有时会借助于画刀,无论是笔或刀,当它们将颜料从调色盘转移到纸上或布上时,所留下的便不只是颜色,而同时包括笔或刀所运行的痕迹,这种痕迹便构成了绘画的表现效果。其特点:一是传统绘画作品人情味十足,它所构建美的表现形式与计算机绘画相比没有事先设定好的程序、画笔、渲染效果等,因此,具有更大的自由性与随意感;二是传统绘画形式表现个性化明显;三是传统绘画作品的表现效果具有直观性,更能抒感、表现个性,它所创作出的画面效果更具原创性,也具有严谨的形式美和充分的艺术感染力。从另一方面看,传统绘画劳动强度大、用时长、效率低。

2.信息技术的特点

运用计算机等多媒体技术来表现视觉效果的,同样是用在绘画上,如果用计算机来制作,那完全就是不一样的感觉,只用移动鼠标,按照设定的程序操作就可达到很好的作画效果,计算机绘画有很好的发展空间,能充分展示物象的特效功能,其特点:一是计算机绘画效率高;二是精确度高;三是作品易于表现,绘画方式容易掌握。从另一方面看,计算机绘画没有特色、没有个性。

3.美术绘画与信息技术的关系

在技法上,传统绘画的技术是艺术家在实践的基础上,认识了造型能力及协调画面各种关系而表现的技巧,同时熟悉绘画工具和材料的性能,并掌握其科学的操作方法。在计算机绘画中,对一种技法的认识是对某一命令程序所产生的结果上的认识,如色彩的变化在传统绘画中需掌握大量的色彩理论知识和实践经验,在操作上也要经过大量耗时费力的训练。而计算机的绘画方式更加简便、快捷,形象具体而真实自然。另外,借助信息技术的有利因素,可激发创新精神和对艺术作品感悟,认识与理解形体、色彩、构图、线条、质感等造型要素,运用计算机及多媒体组合,运用美术基本造型表现技术创造形象,使美术

构思与形象创造不断完善,也使美术创作意识与应用能力得到促进和提升。由此可见,信息技术的发展给传统绘画中存在的难以解决的问题找到了新的出路,并使一些技法简单化。从表现形式上说,也能将主观表现与客观再现融入一体,从而创意出当代艺术新的视觉表现形式。 四、信息技术与美术教育的有机结合

信息技术在各领域中被广泛运用,它是当代文化的精髓之一。运用到美术教学中更能整合美术教育资源,使美术教育教学手段向多元化发展,扩大美术作为视觉艺术领域的内容及取向。

1.运用信息技术,提升学习美术的情趣

美术是造型艺术,通常意义来讲,视觉艺术,具有可视的形象特点,但用传统的形式单纯的来学习美术绘画,学起来死板,没有情境,在美术教学中,结合并运用多媒体技术教学,这实物展示、投影、影像引进,使美术教学内容由平面到立体,由静止到运动,极大地优化了美术教学的信息量和科技含量。充分利用信息技术的网络平台指导学生在学习上遇到的[:请记住我站域名/]问题,学生把自己的作品上传到网上与教师进行研讨,培养学生利用计算机解决实际问题的能力。学生也可利用网上平台查看教师课件。在教学中,教师要以学生为中心,以学生为主体,运用多媒体及网络教学现代化的教学手段,激发学生学习意识,活跃课堂学习气氛,使学生积极参与课堂教学,让学生感觉到信息技术的魅力并由此激发他们学习信息技术的动机和创作动机。同时也极大地提升学习美术的情趣。

2.运用信息技术,提高教学质量

多媒体教学的介入,为目前美术艺术教育提高广大学生的绘画修养和创意能力的改革提供了科学的保证。在美术教学中,美术教师在教学中要充分利用信息技术、多媒体教学这一技术的优势使之与美术教学的相结合,视觉上能更好表现艺术形象及绘画手段教学的根本目的,美术教学是视觉艺术教学,最终是借助视觉形象来传达教师的意图,所以在利用信息技术中有着得天独厚的优势。美术教学中,美术教师不仅仅要把绘画语言传达给学生,而且也要利用现代多媒体技术教学手段表现绘画基本技法,使学生既能了解教师的意图,也能根据教师的意图利用多媒体课件独有的画面看到现代绘画的基本技法表现过程,使学生之积极参与教师的教学过程,极大地增强了课堂的生动性和趣味性,有效地完成课堂教学效果,极大地提高美术教学质量。

3.运用信息技术,培养学生鉴赏美的能力

教师讲解作品时,不仅仅关注的是技法,也要积极引导学生感受作品的美,不仅要欣赏作品的形象外在美,更要引导学生把握作品形象的内在结构美。在教学中,发挥信息技术网络教学的作用,可利用网络平台课件中的优秀美术作品,更有效的引导学生鉴赏美,并将这种本质特征的美用明白易懂的形式逼真的表现出来。法国艺术大师罗丹说过:对我们的眼睛,不是缺少美,而是缺少发现。要充分利用多媒体技术引导学生去发现美、鉴赏美。利用网络平台技术、电视影像、书籍和现实生活中获取教学所需的图片等感性材料应用于课堂教学。同时给予学生视觉、听觉等全方位的信息,对学生的多种感官形成一种感染和冲击,从而唤起学生审美的欲望,把被动的接受过程转化为主动出于内心的冲动与要求,使学生受到美的感染,达到审美的目的。如《色彩》课教学课件里,加入大量的像印象派、俄罗斯写实画派、徐悲鸿、齐白石等优秀画派及大师的作品图像资料,运用艺术软件编辑合成。在教学时,学生既学到了大师的高超的绘画表现技巧,也感受到作品形象的自然美。在唤醒学生审美意识的同时,也增强了他们的绘画意识。所以在美术课教学中,多利用网络多媒体教学可以营造真实、生动形象的动态化情境,将学生引入跨时空、跨地域的特定氛围中,犹如身临其境。有利于学生对美术教学过程的理解和审美,增强了学生鉴赏美的能力。

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关键词 绘画艺术 语言形态

绘画是运用线条、色彩、造型、构图和一定的形式进行搭配组合而成， 完成传达精神内涵的任务。绘画作品的主题有表现形式的作用、有作品内容和作者精神的体现。绘画的内容和形式， 密切相连， 形式是观念、情感和技术的体现。绘画语言包含技巧、形式和内容的有机融合， 它是相互制约和渗透的有机整体， 美术工作者的感情是靠绘画语言来表现， 这种语言的运用， 是根据美术工作者的艺术表现力，来彰显出艺术水准。

美术工作者对绘画语言运用不同， 而产生多姿多彩、风格各异的绘画作品。在欧洲， 自达? 芬奇开始， 就形成了传统的写实主义画法， 美术工作者通过研究光线揭示形式的方式， 发展和运用直线透视法，来获得景深幻觉的规则， 通过研究人体解剖， 给作品注入全新的现实主义感。他们的作品弘扬了人文主义精神， 在绘画的总体风格上， 姿势华丽、典雅、宏伟、和谐，写实技术娴熟， 形成了“古典主义”画风。

区别与古典画风的印象派画家们， 用光、色描绘自然和抒发自己的感情， 他们擅长表现阳光和色彩， 对瞬息万变的光色变化非常敏感， 注重色彩的表现， 美术家运用分色技术， 将色彩合理组合， 使画面变得明快绚丽。印象派画家不再因袭传统的画法， 其作品诠释了光色的功用形。在色彩的表现里， 印象派画家完美地表现了一种抒情风格， 他们很好地运用了绘画语言， 给作品注入了抒情性外表美。在西画造型过程中， 主要使用形体和色彩语言，即便没有线的使用， 其造型行为不会受到重大影响， 依然能构架绘画形态; 即便使用线界定轮廓， 如在轮廓外辅上调子， 就会成为立体画面。因此， 西画中线是作为表现形体的特殊手段。

各类画派的美术家， 都借助语言形式来体现作品的情感。绘画语言的不同运用，产生了不同风格的绘画作品。中国画崇尚文、意、趣， 是通过笔墨技巧来体现的。

笔墨本身是形式的因素， 有引起形象的联想和意趣的感受功能。正如蓝色和红色能引起冷暖的视觉感受一样， 在宣纸上粗糙的笔墨， 能画出老人苍老的视觉感受; 水摘 要 绘画语言在人的视觉方面， 由点、线、形、光、色彩要素构成。绘画是运用线条、色彩、造型、构图和一定的形式进行搭配组合而成，来完成传达精神内涵的任务。

关键词 绘画艺术 语言形态

分饱满、行笔流畅的笔迹， 给人春天般滋润的视觉感受; 流利灵活用笔， 能唤起洒脱欢畅的联想; 快速多变的用笔， 能令人有蛇龙飞舞的遐想。这些笔墨形式， 是美术工作者独特风格在艺术技巧方面的表现。

美术家们通过构思构图， 合理运用笔墨虚实， 水韵、墨色和运笔产生的肌理， 形成有个性的绘画语言。虚实的表现， 是美术工作者灵气的表现， 是对画理的悟性。画要有笔墨， 无笔墨就不成画， 笔墨技巧要与表现内容有机的结合起来， 才能创作出最佳作品。这种艺术法已成为中国独有的绘画语言。

绘画语言在视觉方面由点、线、形、光、色彩要素构成。“点”是最小的视觉实体，有探讨视觉形式的作用。一个可视的点是一个吸引视觉注意力的小元素， 点可以被表现出来和暗示， 可以构成一个情趣的中心， 或一幅构图中被强调的部分， 处在一个表面上的一个点， 好似屋子里的声音一样， 使空间有了生机与活力。点可以解释和代表一切。

“线”是描述点的运动轨迹， 一个可视的行动轨迹， 一条线表现出划线人的精神。

一幅画的笔触， 穿过风景的一条蜿蜒的河流， 被撕破的线的参差不齐的边缘， 一个草叶的曲线， 每一条线好似每一位画家充满个性、富有表现力的线条一样， 是独具特色的。

线是人们认识和反映自然形态时最简明的表现形式， 线有长短、粗细、曲直之分， 有长度、宽度和方向上的不同， 是连续不断的或间断的， 粗的或细的， 有规律的或无规律的， 静止的或运动的， 直线的或曲线的， 线是诸多形式不同的结合体。

在一个平面上， 线能界定各种形状，暗示体积或显示所绘物体质量的独立元素。

通过线条的组织来创造图案、肌理， 描绘阴影。线是阐明视觉形式的基本手段， 是对目睹、感受和想象到的事物的一种速写，线是在两维空间表面的长度标准， 每一条线或物体边缘都有它的表现特征， 其表现形式在视觉交流中起着重要作用。在中国绘画艺术中， 线条的功用表现尤为突出，中国绘画在一定程度上， 是以富有骨气韵味的线条取胜的， 线条的运用， 在长期的演化过程中愈来愈富有含蓄性、表现性、象征性和抽象性。

“形”是一种被视为平面存在的形式，一种二维的空间区域， 平面是一种剪影或阴影形式的外观。当一条线勾画出一个区域， 或当一个面积表面颜色和肌质发生变化时， 其面积与周围的面积相分离， 形便成了可视的存在。形分有机形和几何形，二者间有明显的界限。自然界的大部分形是有机形， 是柔和、轻松、曲线性和无规律的。在人的世界中， 最普通的形是有机形、生硬、刻板和有规律的。形表示了人眼感觉到的客观事物的外部形态， 又称视觉形。光与色彩也是绘画艺术最主要的造型因素。点、线、形、光、色作为绘画艺术的构成要素是相辅相成的。

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美术是一门没有界限的艺术，美术在任何一个学科中都有所体现，反之，其他学科也可以服务与美术绘画教学。传统的美术教学都是按照教材大纲，按部就班地进行美术绘画，这样的课堂过于呆板，学生的思维难以得到扩散，在艺术上缺乏创新精神。引进其他学科，来辅助美术教学，是美术绘画教学的一大创新。例如，将语文与美术绘画相结合，教师可以从语文老师那里收集一些资料，稍加整理后，变成一个美术素材，让学生发挥其想象，将语文素材以绘画的形式展现出来。学科交叉式的美术绘画教学，可以引起学生很大的兴趣，同时也可以开阔学生的眼界，发散学生的思维。例如，教师可以利用古诗《天净沙秋思》作为绘画主题，让学生发挥各自的想象做出一副画。学生对这首古诗非常熟悉，用熟悉的题词作为美术绘画素材，形式新颖，学生的兴趣一下子被激发出来，灵感也会随之而来。

开放式的美术绘画教学课堂

艺术是需要释放天性与灵魂的，需要在自由的环境下去捕捉生活中的美。美术绘画同样需要提供给学生一个自由的空间，因此，美术绘画教学，可以选择开放式的教学课堂。例如，在下雪的冬季，如果在室内进行美术教学，给予学生限定的美术素材，但学生内心期待着下课，可以出去赏雪玩雪，这时，教师不妨随了学生的意，将课堂搬到室外，在雪景中展开教学。美术教学可以无处不在，绘画对象也不必受到限制，满足学生的好奇心，让学生在大自然中去发现美，并用手中的画笔，记录下每一个美的画面。素质教育提倡培养学生的自主创新能力，开放式的美术绘画课堂，则提供给了学生一个创新的平台与环境，充分挖掘学生的潜在能力。

素质教育背景下的美术绘画教学方式创新的意义

素质教育下，美术绘画教学方式的创新，是一种打破传统的举动，这种创新教学方法，对于美术教学和学生本身，都具有非常重要的意义。首先，美术绘画教学方式的创新，更加适应素质教育的教育理念，是符合现代教育理念的。其次，美术绘画教学方式的创新，更大程度地激发学生的学习兴趣，为学生的自主创新能力培养提供了一个有利环境。最后，美术绘画教学方式的创新，改变了传统的教学模式，课堂以学生为主，而不是以教师为中心，学生的学习参与率提高了，进而，美术教学的效果也有很大的改善，更好地培养学生的创新能力，发散学生思维，激发学生的创造力，培养学生的艺术涵养与美术素养。

总结

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关键词：数字美术；美术教学；意义；原则；途径

一、数字美术在小学美术教学中应用的意义

1.激发学生兴趣

数字美术具有内容丰富、形式新颖、创作快捷、传播迅速等特点，容易激发学生的好奇心，吸引学生的注意力，激发学生学习美术的兴趣。

2.拓宽艺术视野

数字美术打破了传统美术教学在时间和空间上的限制，使学生随时随地都能够感受美术的魅力、艺术的熏陶，为学生的美术鉴赏、创作和传播提供了便利条件，拓宽了学生的艺术视野，陶冶了学生的艺术情操。

3.培养信息素养

在小学阶段，数字美术主要是信息技术与传统美术的结合，这对于培养小学生良好的信息素养、提高小学生的信息技术水平大有裨益。

4.激发创新意识

信息技术为学生的美术创作提供了无限可能，技术与艺术的完美融合使学生的艺术构思轻而易举地变成现实，大大激发了小学生的想象力和创造力。

二、数字美术在小学美术教学中应用的原则

1.趣味性原则

对于小学生来说，“兴趣”是激发他们潜能、培养他们自信、鼓励他们学习的根本因素。因此，数字教学在小学美术教学中的应用要遵循趣味性原则，调动学生积极性，保护学生自信心。

2.启发性原则

《义务教育美术课程标准》中强调，在美术教学中要培养学生的创新能力和探究能力。因此，数字美术在小学美术教学中的应用，要遵循启发性原则，引发学生思考，指导学生探究，鼓励学生创新。

3.顺序性原则

数字美术内容丰富、形式多样、种类繁多，在实际教学中，教师要本着循序渐进的原则，既要遵循美术教学基本规律，又要兼顾小学生身心发展特点，切忌急功近利、揠苗助长。

4.兼顾性原则

数字美术在小学美术教学中的应用，不能完全等同或取代传统美术教学，而是要与传统美术教学相互融合、取长补短、协调

发展。

三、数字美术在小学美术教学中应用的途径

笼统来说，数字美术包含以下四种形式：（1）对传统美术作品的数字加工及资源利用；（2）借助数字技术进行的美术创作；（3）借助数字平台进行的美术创作及传播；（4）宽带交互式多媒体应用系统视域下的艺术作品。落实到小学美术教学中，主要体现为以下几种形式：

1.美术鉴赏

在美术鉴赏课上，教师可以利用数字美术资源，一方面向学生展示花鸟鱼虫、名山大川、雕塑建筑等具有艺术美感的实物或景观的图片和视频，培养学生的审美情趣，激发学生的艺术灵感；另一方面向学生展示名家名作，让学生在欣赏、点评和临摹的过程中，夯实美术基础，提高美术修养。例如，在“名画赏析”课上，教师可以充分利用数字美术资源，利用多媒体向学生展示《格尔尼卡》《向日葵》《星月夜》等充满童趣的名家作品，并让学生进行对比欣赏和小组讨论，提高学生的艺术鉴赏能力和口语表达能力。

2.电脑绘画

电脑绘画利用计算机的“画图”功能进行美术创作，降低了绘画成本，提高了绘画效率，创新了绘画形式，激发了学生的兴趣和灵感，是数字美术在小学美术教学中应用最为普遍的形式。例如，在讲“线条”的时候，教师可以让学生利用计算机的“画笔”功能进行绘画，鼓励学生大胆应用线条和色彩来展示自己的构思，表达自己的想法。由于数字绘画拥有便捷的“涂色”“修改”“删除”等功能，使学生放下了纸质绘画的种种思想顾虑，展开联想的翅膀，大胆作画，激发了学生绘画的兴趣，培养了学生的想象力和创造力，取得了良好的教学效果。

3.软件创作

在小学美术教学中，教师还可以鼓励学生应用Photoshop、Painter等软件进行美术创作，将技术与艺术结合起来，利用电子技术手段将自己的艺术理想变为现实。例如，在讲“色彩”的时候，教师给出一幅“夕阳西下图”，图中包含天空、晚霞、长椅、小路、树木、河流和游人等元素，教师分别给出了“欣喜”“悲伤”和“匆忙”三个情境，让学生根据不同情境，利用Photoshop软件调整图片中各元素的色调，让学生领悟不同的色彩在表达不同情感和氛围中的作用，加深学生对于色彩的理解和认识，提高学生的信息素养和艺术素养。

4.数码产品

美术是一门包罗万象、辐射广泛的学科，囊括绘画、摄影、动漫、雕塑等多个领域。在小学美术教学中，教师可以鼓励学生利用照相机、摄影机等数码产品进行数字美术创作，提高学生的艺术品位和美术修养。例如，鼓励学生周末到周边地区进行艺术采风，并拍摄照片或视频，在班级美术学习群内共享，供学生交流欣赏。与此同时，可以将学生拍摄的作品作为课堂教学的数字美术资源，利用画图、Photoshop、Painter等软件进行美术加工和再创作，丰富美术教学资源，提高美术教学效率。

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    宋代美术教育的鲜明成果,就是绘画艺术得到全面发展并产生了大量的绘画及工艺美术作品。宋代的画家对绘画艺术有了新的理解和追求,不再满足于继承已有的绘画形式和题材,开始把视野扩大到社会生活的各个方面,对各种题材都进行专门化的研究,大大丰富了绘画的题材和内容。据《宣和画谱》记载,当时宫廷内府所藏历代名画共6396轴,其中3300多件为宋人作品。当时许多录着者称,他们所见臣民中珍藏之迹“为数不可偻指”、“若尽载平日所见,必成两牛腰矣”(邓椿《画继》),可见两宋绘画作品之丰富。而在绘画理论研究方面,画诀、画论、画谱、画评、画录等着作不断问世,据《中国历代画学着述目录》所录,宋代留传至今的画学着作达77种100余卷。无论优秀的绘画作品还是理论着作在宋代都是非常丰富的。历代画家都重视美术教学上的观摩教育,尤其到了文学化时期的宋代,更注重文化修养。如此之多的绘画名作和系统的绘画理论,为当时的美术教育提供了丰富的教育范本和教学资源,自然有利于美术教育得到更广泛、全面、深入的实施。宋代绘画的普及正是宋代文化的一种突显方式,专业、业余画家及画工的大量产生恰恰又是宋代美术教育琸约成果的重要体现。

    二、文人画家的加入对宋代美术教育的重要影响

    宋以前虽然已有文人画及文人画家的产生,但基本上还是处于一种初见端倪的状态,并没有产生多大影响。进入宋代这个文学化时期,由于文化的全面发展,文人画才真正步入蓬勃发展的黄金阶段。文人画家的大量加入,首先就在一定程度上提高了绘画作品的身份及价值,同时也提高了绘画的教育价值。文人画家基本上并不以绘画为生,而是将其作为陶冶性情或自娱的工具,这正暗合了当代美术教育中的美育,而且也十分符合当代美术教育中的大众美术教育理念。其次,文人画家一般都在朝为官,他们的画作往往能够得到皇室贵族及侯爵大臣的欣赏与喜爱,对处于统治地位的上层阶级审美趣味的形成有着重要的影响,甚至会吸引一些王公大臣加入到文人画家的行列,从教育内容到教育对象上大大扩展了古代美术教育的范畴体系。最后,文人画家都具备一定的知识体系和美学修养,他们能够在总结前人的基础上更敏锐地体悟到绘画的深层内涵,并将自己对绘画的见解以文字形式表着出来。于是就产生了诸多的画论、画记、画跋等绘画理论着作,或以史论形式总结归纳前人绘画成就,或表述自己对绘画的理解与看法,或将自己绘画的实践经验记录下来。这些理论着作成为美术教学的重要组成部分,为当代及后世画者提供了有资可参的理论原则,具有极高的指导和学习价值。

    三、科技发展促进美术教育形式多样化

    就科学技术方面来说,宋代也取得了较高的成就。被称为四大发明中的印刷术、指南针与火药虽然并不是始于宋代,但到宋代在技术及应用上更加先进与广泛。造纸术在宋代也得到长足发展,绘画开始大量采用宣纸代替价格昂贵的帛绢,绘画成本降低,更具文化内涵的文人写意画繁荣起来,促进了宋代绘画风格的形成及美术教育的影响。北宋“布衣”(平民)毕昇发明的活字印刷术,比德国的谷腾堡早了四百年。

    ①这项发明对绘画的传播及美术教育也起到了积极地促进作用,绘画理论书籍被印刷成册,得到了更为广泛的传播。简单的绘画可以被排版印刷,一些绘画史论及理论书都有了绘图插页,甚至一些民间小说中也有了绘画插图。宋高宗也曾命院画家马和之绘制《诗经图》,为其亲手书写的《诗经》补图,使诗歌内容更加形象化,借以宣扬“圣教”。由北宋官方颁发的一部建筑工程规范典籍《营造法式》,绘制541张图片,与文字相对照,其中除大量地盘图、测样图等示意图外,还有许多门窗柱基等部件图样和石雕、木雕、彩绘画稿一类雕绘纹饰图样。这些珍贵的图样通过先进的科技得以流传后世,成为中国古代工匠美术教育史上重要的图示典范。科技发展表现于宋代美术教育上最明显的就是丰富了美术教育的教育形式及教育范围,图文并茂的理论书籍更便于学习者来理解吸收,大量印刷图案的出现,使普通百姓也能够有机会接触到一些美术作品,从中受到美的熏陶与感染,极大地丰富了大众百姓的精神生活。

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实践中经常会出现这样的美术教学情境：教学中教师先让幼儿欣赏一段著名的乐曲；接着让幼儿边欣赏曲子边发挥自己的想象进行绘画，即所谓的“画音乐”；最后，教师让幼儿向全班讲述自己绘画的内容，并逐个给予积极、正面的肯定与回应。毫无疑问，在这节美术教学活动中，幼儿的创造力、想象力以及自感表现得到了足够的尊重。但是，人们不禁要问：幼儿从这节美术活动中学到了何种与美术有关的核心要素呢？美术作为一门课程的意义又何在呢？众所周知，教师是教学活动的组织者，教学活动的关键在于教师。称职的教师不仅要领会幼儿美术的核心精神，更重要的是，要注意不能一味地持欣赏态度而牺牲任何的标准，并“退到一种完全不加批评的和谐态度里去，……给平庸的艺术成绩以不诚恳地赞扬”[3]。那么，具体来说，教师在幼儿美术教学活动中应该何去何从呢？

一、把握美术活动的目标——如何教学？

教师要想成为美术活动良好的组织者和执行者，首先要明白何为课程。儿童生活的世界是一个整体，一个总体。“儿童可以敏捷地从一个主题转到另一个主题，正如他从一个场所转到另一个场所一样，儿童并不意识到这种转变和中断，既没有意识到什么割裂，更没有意识到什么区分”[4]。换言之，儿童感受的世界是统一的、完整的。课程与儿童生活的世界不同，它并不可能将儿童经验世界的面貌全盘展示给儿童。课程是通过将同类性质的经验从它们原来的位置割裂出来，并根据一定的原则归类、排列而形成的，美术课程自然也不例外。

课程是实施教育的媒介，泰勒指出：“教育是一种改变人的行为方式的过程。[5]”因此，从广义上来讲，课程的目标就在于让人的行为方式发生变化。那么，美术课程又希望儿童在哪些方面有些改变呢？美术课程到底积聚了哪些同类性质的经验呢？康定斯基认为艺术里的关系不外乎两种：外部形式的关系和内在意蕴的关系，即所谓的形式（物质实体）和内容（精神）[6]。具体到每种艺术，都有着自己独有的核心要素。正如美国著名音乐教育哲学家贝内特·雷默所言：“每种艺术都有自己的主要要素，音乐中有旋律、和声、节奏；绘画中有色彩、线条、质感；诗歌中有比喻、形象、韵律，如此等等。[7]”儿童学习美术，第一步就是要能正确地感受美术的审美形式，即美术造型中的线条、色彩、构图、笔触等方面。无论是进行绘画欣赏还是绘画创作，对形式要素美的掌握都是其最基本的要求。因此，教师在组织美术教学活动时除了给予幼儿精神上美的陶冶，还要首先保证的是为幼儿感受具体的美术形式要素提供机会。美术活动目标中一定要有体现美术核心的形式要素，否则，美术课程与其他课程也就无异了。

二、扩展幼儿的审美经验——如何准备？

审美经验与儿童的艺术学习具有密不可分的依赖关系。首先，一切思维都要求有一个感性基础。从本体论的角度来看，体验是儿童最基本的生命活动。教育的宗旨，应在于保存人类及其心理官能有机的完整。因此，无论人从儿童时期迈入成人，自野蛮迈入文明，这种意识的统一都是应当得以保留的。幼儿对任何知识的学习都应该注意保护这种统一的存在。另外，应当承认，人类存在着两种获得稳固和有用知识的途径：一种是理智，另一种是直觉[8]。艺术就是一种靠直觉获取知识的活动。对于艺术活动来说，幼儿只有通过亲身体验，才能使自己的内心情感和外在形式达到同构，也才能从与艺术的交流中获得精神上的满足，从而进一步刺激自我的艺术感知和创造活动。

基于此，教师在开展美术教学时，要努力为幼儿提供丰富的审美经验。班杜拉提出的观察学习是丰富幼儿审美经验的最有效的途径。顾名思义，观察学习意味着幼儿会积极、主动地注意、编码并贮存对象的特征。幼儿在这个过程中可以自由选择他们所注意的对象，同样也就可以决定他们向对象学习哪些内容。因此，与完全模仿教师的示范画不同，对于同一个审美对象，不同的幼儿所关注的部分是不尽相同的。于是，幼儿在进行美术活动时，往往会根据自己的观察和实践进行概念提炼，创作出不同的美术作品。观察学习不但不会泯灭幼儿的创造力和想象力，反而给幼儿的创造表现提供了素材和灵感来源。如此一来，幼儿不仅能够以美术活动为乐，陶醉于其中，同时，也激发了幼儿自主表现的愿望。

三、关注美术活动的过程——如何指导？

很多研究表明，幼儿美术活动是一个复杂的过程。幼儿在进行美术活动时不仅包含显著的绘画行为，还表现出一定的言语行为，如自言自语、和其他幼儿对话等。与此同时，幼儿总是边嬉戏边进行绘画的，他们时而小声吟唱，时而手舞足蹈。美术对幼儿来说只是众多游戏活动中的一种，他们在美术活动中尝试玩弄各种色彩与线条，尽情挥洒自己的创造天性。在美术活动中，幼儿专心致志地投入绘画的过程，对于绘画的结果（绘画作品）一点也不在意。换句话说，幼儿美术是自成体系的一种活动。如果人们只是通过幼儿的美术成果来评价幼儿美术的话，这对幼儿本身是不公平的，因为幼儿在整个绘画过程中所涉及的信息不是简单的一幅绘画作品所能代表的。

教师要明了幼儿美术活动的这一系统性的特征。因此，在指导幼儿美术活动时，教师要尝试改变自己以往的角色：教师不应只是简单地教给幼儿绘画的技巧，向幼儿分发美术活动的材料，以及检查和评价幼儿美术活动的成果，而应将自己的注意力更多地分配到关注幼儿美术活动的过程中来。教师要仔细观察每一个幼儿在绘画活动中的表现，要时刻关注幼儿在绘画过程中情绪、情感方面的变化。另外，当幼儿在美术活动过程中显出烦躁和厌腻的迹象时，教师必须敏感地感受到幼儿对更高程度刺激的需要，教师要对这种重要时刻随时有所准备[9]。只有如此，教师才能更好地理解幼儿美术、指导幼儿美术，也才能更好地深入幼儿的精神世界。

四、理解幼儿美术的精神——如何评价？

幼儿美术与成人美术存在着本质的不同。首先，幼儿美术是儿童发展的一种显著表现。

幼儿最早的美术活动始于幼儿感觉与环境的首次接触，以及幼儿对这些感觉经验做出的动作反应。动觉满足是这一阶段幼儿美术最基本的动机因素。随着幼儿认知能力的发展，幼儿美术开始发生质的变化，即从动觉为主转向对精神形象感兴趣。这时，幼儿才开始理解自己的艺术与周围世界的关系，知道绘画可以是其他事物的符号。其次，幼儿美术也是作为个性的一种表现。幼儿在美术活动中比在其他学科领域中能更大程度地调整自己的行为。他们往往根据自己的个人兴趣和能力，以个人的速度进行创作。美术作品彰显了每个幼儿的个性偏向。最后，幼儿美术也是幼儿情绪的一种表现。当情绪激动、思想纷乱时，幼儿常发现创造一幅情绪强烈的画比用语言描述它更容易，更令人满足，幼儿以这种方式与自我进行内向交流。

因此，教师在评价幼儿的美术表现时，最核心的价值观是要承认美术活动作为一门“无错误学科”存在的价值。绝不能用统一的标准对幼儿的美术表现进行“好”与“坏”的判断，幼儿在美术活动中的大胆试错表现也是应当得到完全接受的。值得关注的是，教师在承认幼儿的自主表现之后，具体应该如何评价幼儿的美术活动呢？最好的方法就是将过程评价与结果评价相结合。就像幼儿美术活动是一个自成体系的系统一样，对幼儿美术活动的评价也应形成一个系统。在评价的过程中，教师要做一个虔诚的观察者，要关注幼儿绘画过程中的语言、行为以及绘画作品的状况，同时，还需要聆听幼儿对绘画作品的解释，这样教师才有可能全方位地了解幼儿美术这一立体式的活动。

教师作为优秀的指导者，不仅仅要能够鼓励幼儿相信自己的能力，更重要的是，要明确自己角色的职责所在，即促使幼儿的经验得以继续改造，这才算真正完成了教育最根本的使命。

参考文献：

[1]鲁道夫·阿恩海姆.对美术教学的意见[M].长沙：湖南美术出版社，2002：400.

[2]Jensen， E.艺术教育与脑的开发[M].北京：中国轻工业出版社，2005：55.

[3]詹姆士·L.穆塞尔，梅贝尔·格连.中小学音乐课教学法[M].成都：四川人民出版社，1983：81.

[4]赵祥麟，王承绪.杜威教育论著选[M].上海：华东师范大学出版社，1981：77.

[5]拉尔夫·泰勒.课程与教学的基本原理[M].北京：人民教育出版社，1994：19.

[6]瓦西里·康定斯基.论艺术里的精神[M].成都：四川美术出版社，1986：15.

[7]贝内特·雷默.音乐教育的哲学[M].北京：人民音乐出版社，2003：201-202.

[8]鲁·阿恩海姆.艺术心理学新论[M].北京：商务印书馆，1994：13-14.