服装艺术范文10篇

服装艺术范文篇1

从古至今，服装配饰在服装的装饰方面占有极其重要的地位，服装的配饰让整体服装更趋于丰富与完整，能更好地表达出设计师的理念［1］。彩绘艺术所具有的装饰性不仅可以扩大服装设计空间，也可以创新彩绘艺术本身的设计元素，将彩绘艺术的装饰性与现代服装相结合，打破传统模式，会呈现出一种崭新的装饰形式。彩绘艺术与服装有着共同的特性———装饰性。人类从最初用羽毛作头饰，用兽骨做串珠，到今天服装配饰形式和种类多种多样，饰品已经成为现代服装不可缺少的重要部分。彩绘艺术可以以存在的一切物质为载体来进行装饰作用［2］，而服装以人体为载体，充分利用各种材质的面料进行创作，来展示面料与人体相互融合的美。现今，无论是彩绘还是服装都已经成为人们展示自我、张扬个性的手段，现代服装设计中追求艺术装饰性往往大于实用性，然而彩绘艺术有着独特的装饰手法，所以两者结合是必然的，必定会给现代的服装设计带来一股新的力量。

2彩绘艺术与服装款式的搭配

服装款式设计作为服装设计师的创新活动，主要用于满足着装者的日常穿着。随着大规模成衣批量生产，人们日常穿着的服装款式越来越雷同，为了满足人们追求个性化的心理需求，可将彩绘艺术添加到服装设计中形成新的创新形式。随着社会的发展，彩绘艺术已经成为人们展示自我个性的一种潮流方式［3］。由于它能够充分表达人们的内心思想与情感，现代许多年轻人愿意自己动手去将彩绘艺术运用到自己日常穿着的服装中，从而来满足自己追求个性的心理需求。将彩绘艺术运用到日常穿着的服装中，可以通过在领口、下摆、袖口、前中等各个不同的位置进行装饰（图1）。服装及服装配件中也常融入彩绘艺术，在款式、造型、色彩、图案、装饰等方面进行创新，注重设计师的设计思想与舞台、灯光、服装款式、造型等方面因素的搭配。将彩绘艺术运用到时装的恰当部位来进行设计效果的更好展示，注重舞台效果及整体服装带给人的视觉感受（图2）。

3彩绘艺术与服装色彩的搭配

在整件服装中，色彩对于视觉的冲击力是最大的，色彩在服饰审美中占有着重要的地位。色彩搭配理念对于人们的穿衣打扮方面有着举足轻重的指导地位，人们通过色彩自然而然地就能联想到色彩带给人们的情感体验。通常人们见到红、橙、黄等颜色时，就能联想到太阳、火焰等物像，产生温暖、炽热等感觉；见到蓝、紫、绿等色后，则容易联想到太空、冰雪等物像，就会产生寒冷、理智等感觉［4］（图3）。3．1同类色搭配。同一色调的颜色，色彩的纯度和明度具有共同性，采用同类色搭配手法，更容易进行彩绘与服装的调和。在选择同类色搭配时，所用颜色的明暗、深浅度不应太接近，否则配色效果缺乏活力，所以只能靠彩绘图案或服装的款式与细节来区分重点，形成繁与简的对比，突出视觉中心。同类色搭配的要点在于彩绘艺术本身，整个服装造型是为了符合彩绘主题的需要，与面部和身体的化妆相协调，完整地表达彩绘意境（图4）。3．2类似色搭配。类似色，色相对比不强，给人以色感柔和、排列有序的感觉，在服装与彩绘艺术进行搭配时，为了色彩的平衡，可以使用相同饱和度的不同颜色，但还要注意的是如果全部采用类似色的搭配就会感到过于宁静缺乏动感。尽管是以相近的颜色进行搭配，但还是从纯度或明度上将色彩拉开距离，丰富了造型层次（图5）。3．3对比色搭配。彩绘艺术与服装运用对比色相搭配时，可以使整体着装在色彩上反差强烈，突出个性。服装上对比的色彩，在刺激人的视觉感官的同时，又产生出强烈的审美效果。对比色搭配恰当，能够产生时尚的撞击感，彩绘艺术与服装对比色结合时，应选用高明度、小面积的用色对比，明度、纯度上拉开对比，使用面积上一大一小互补的搭配，才能立显出设计的主题，使整体效果明艳、大方（图6）。

4彩绘艺术与服装面料的搭配

服装的主体由面料组成，面料是表现服装必不可少的条件，面料作为服装设计的三大要素之一，不仅可以展示服装的风格和特征，而且可以直接改变服装的款式和色彩形式，面料是服装设计中必不可少的一部分，一种性能良好的面料能够带给设计师更多的创作灵感，因此，彩绘艺术应该根据不同的面料材质，选择不同的彩绘风格进行搭配。设计师通过巧妙合理利用面料，能创造出各种不同风格的服装。如棉料，具有舒适休闲的特点，丝绸具有优雅华丽舒适的特性。彩绘艺术运用在服装设计之中，不能只考虑局部造型的美感，要顾及整体搭配是否协调，做到画龙点睛的作用，充分将彩绘艺术的作用在现代服装设计之中发挥［5］。服装面料的选用已经不仅仅局限于棉、麻、丝等基础面料，除了不同面料质感的不同，有些面料还带有丰富的立体图案。在彩绘艺术与现代服装搭配中，彩绘图案的样式应与面料图案的样式协调，在服装面料的视觉效果设计中，有些粗犷，有些轻柔，有些优雅，有些硬挺，这些面料带给设计师最直接的视觉体现。因此，彩绘艺术的风格应与服装的风格达成统一，使得彩绘艺术在服装面料上起到锦上添花的视觉效果。

5结语

彩绘艺术与现代服装的搭配应用，探讨彩绘艺术在服装款式、色彩、面料等条件中的应用，寻求古老艺术与现代艺术相结合的创新点，借助于彩绘艺术较强的表现力和感染力，丰富服装的设计语言，创造出个性鲜明的服装设计作品，将古老的彩绘艺术表现形式通过现代服装的笔触化为时尚，不仅可以使现代服装形态更为多样化，也可以使彩绘艺术不断传承，同时也启发设计师用古老艺术去创新灵感，寻求新的艺术形式。

参考文献：

［1］高春明．中国历代服饰艺术［M］．北京：中国青年出版社，2009．

［2］吴卫刚．服装美学［M］．北京：中国纺织出版社，2008．

［3］吴风．艺术符号美学［M］．北京：北京广播学院出版社，2002．

［4］黄元庆．服装色彩学［M］．北京：中国纺织出版社，2004．

服装艺术范文篇2

关键词：戏剧服装;艺术设计;设计要素

戏剧服装归属于舞台美术范畴，服装设计是对戏剧人物角色刻画的重要方式，戏剧服装的设计过程十分复杂，设计人员会深刻了解戏剧情节，感悟人物特点，并根据剧本的所处年代提炼出与服装设计相关的内容，从而制定设计方案。与此同时，设计师需要与戏剧导演和演员沟通，在布景环境下让演员试穿服装，保证服装可以符合角色的性格特征。

一、戏剧服装的常见表现形式

（一）现实主义。人们常说戏剧或书籍的现实主义风格，指的是其中内容符合历史，满足内容的真实性特点。在一些历史性话剧中，设计师要严谨遵守服装设计的现实主义风格，查阅与戏剧有关的历史资料，参考历史背景和当地的人文环境，确保戏剧服装能够达到真实性效果，将当时人们的生活情景再现。例如南京话剧团的《沦陷》中，设计师为了让戏剧服装尊重历史，通过对史料的研究，将《沦陷》想要表达的角色性格和话剧主题相融合，从戏剧服装上就能引发人们的情感共鸣[1]。（二）浪漫主义。为了让戏剧服装设计拥有开放的想象空间，设计师可以自由发挥想象力，使戏剧服装和戏剧能够共生，创造出个性化的艺术风格，这就是戏剧服装的浪漫主义。例如戏剧《云水洛神》，洛神的服装将浪漫主义发挥的淋漓尽致，演员的服装十分轻柔，甚至有空灵之感，在舞台中演员的一举一动如同云水一般。随着演员的舞动，观众仿佛置身于梦境，这是因为服装设计师将神话传说和现代人的审美追求相结合，为洛神的戏剧服装创造出空灵的艺术效果。（三）象征主义。人们常在诗歌散文中提到象征主义，随着时代的发展和人们审美追求的变化，象征主义已经延伸到了戏剧舞台和戏剧服装设计中。人们经常对戏剧布景与演员服装使用象征主义表现手法，其中主要有直接象征与间接象征两种。传统戏剧经常使用直接象征的表现手法，观众可以从演员的服装中直接了解人物角色和性格特点，将角色分类初步了解。以戏剧服装做载体，按照服装的变化衬托出演员的情感变化，使剧情得到发展，这一表现方式就是间接象征。

二、戏剧服装的艺术设计要素分析

（一）戏剧服装情境。人们之所以热爱观看戏剧，是因为戏剧能够真实反映出现实中人物的生活以及环境的变化，并将人物矛盾夸张化，通过幕与幕的转换，实现事件场景与时间的转化。服装作为戏剧的构成要素，情境决定了整场戏剧的外在表现形式，服装将情境烘托到极致，最大程度上渲染了氛围。一般情况下，戏剧的情境需要展示主题，表现人物所处的时空环境，展现人物和事件的关系，推动剧情发展，彰显戏剧的冲突。因此，着装场景尤为关键，它能够突出情节内容，展现角色性格，从视觉角度对戏剧服装产生功能影响，让人物、戏剧服装和情境之间相互影响，戏剧服装带来的效果需要依赖自身和场景之间的协调。戏剧服装设计需要将服装和服装穿着的场景看成一个整体，将个体投入到整体中，遵循TPO原则实现戏剧服装与环境的统一，突出戏剧服装的高层次美感。情境能够决定角色的性格、职业以及心理活动，戏剧中不同的人物有着不同的背景和矛盾冲突，通过对戏剧服装的转换，能够有效表现出人物情感的即刻变化[2]。《陪我看电视》是赖声川导演的原创舞台剧，讲述的是改革开放30年以来社会发展与变化的实际情况，属于典型的现实主义风格戏剧。戏剧以一台电视机从城市到农村的流浪经历作为主线，以诙谐幽默的喜剧模式展现百姓的回忆。戏剧中人物服装不断变化，突出人物年龄和心理的变化，充分展现了改革开放30年来人们的穿着习惯和审美需求。（二）戏剧服装造型。戏剧服装中的造型指的是服装在环境内形成的立体形态。设计师可以以日常服装为基础，从服装比例、节奏和呼应等形式中进行戏剧服装的形象设计，彰显不同服装的个性化风格特征。对于个别场景和角色，戏剧服装应夸张化表示，结合演员的实际需求，突出戏剧服装的精神价值，为戏剧中的演员塑造艺术形象，使人物性格和人物身份相符合，让夸张和隐喻能够从戏剧服装设计中相协调。以《绝代佳人》为例，该戏剧的基础是古代四大美人，其中貂蝉的服装线条十分流畅，有着犀利之感，透过她的服装设计能够指出当时诸侯割据的权力相争时代。杨玉环整体服装雍容华贵，红色和金色为服装主调，大量的牡丹刺绣让人物看起来大气非凡。王昭君的服装充满了厚重感，颜色以白色为主，同时配以蒙古服饰的纹样，突出边关地区的荒芜与辽阔。西施的服装看起来十分灵动，蓝色与绿色为主调，薄纱材质的衣服层次分明，使演员看起来有飘逸之感[3]。（三）戏剧服装色彩。对于观看戏剧的人来说，色彩是最容易让人记住的，不同的颜色代表着不同的形象，而戏剧服装设计中最能营造舞台气氛的就是服装颜色。可以说戏剧服装的第一要素就是色彩，色彩可以烘托人物情感，帮助人物解读戏剧内涵，通过色彩将角色的内心世界展现给观众，引导观众将自己的情感融入戏剧。例如《孔雀东南飞》中，人物的服装以深红色为主，设计师在深红色的基础上进行大胆设计与创新，并取得了良好的效果。一直以来，红色在我国都带有吉祥的意义，但《孔雀东南飞》确实悲剧，将深红色的服装用在悲剧中，让悲伤的离别情境充满了“以乐景写哀”的效果。红色最容易让人记住，观众看到红色后总是感到眼前一亮，即使《孔雀东南飞》是悲剧，人们不忍回忆剧情，却依然无法忘记人物身上的那一抹鲜红。《卡门》小说曾经被改为歌剧、舞台剧以及电影，国家大剧院曾在2010年打造了全新版的《卡门》戏剧，并邀请了著名服装设计师为剧中的人物设计服装。剧中女主角卡门的衣服以红色为主，人物身穿西班牙风情的艳红色长裙，充分展现出卡门的妩媚之感。与此同时，卡门的戏剧服装还带有波西米亚风格，服装在充满风情的同时，更带有几分活力。除了卡门，女配角服装色调为蓝色与绿色，通过这种清新的冷色调彰显女配角的恬静与温柔。女主角和女配角之间戏剧服装的色彩和造型对比，使卡门形象在舞台中绽放光彩，也让更多的人深深记住了这枝吉普赛玫瑰。（四）戏剧服装材质戏剧服装的材质因素将会直接关系到戏剧舞台效果以及服装设计和制作成本。不同的材料能够表现出不同的风格，当戏剧服装造型和色彩不变时，不同的戏剧服装材料也会给角色和舞台带来不同的效果。如何选择和戏剧服装款式相符合的材质，怎么样应用不同质感、肌理和手感的材料完善戏剧服装艺术设计，是设计师必须加以创新的重要环节。不同的戏剧类型，需要的戏剧服装面料也会不同，这与其表演方式密切相关。例如京剧舞台中，演员需要有唱念和翻打的动作，这些动作的幅度比较大，而且戏剧服装上有很多手工刺绣。对此，设计师会选择绸缎材质的面料，但这种材质不能清洗，话剧舞台上的面料可以多样化，建议设计师从人物背后的真实历史条件出发，尽可能让人物的戏剧服装面料带有弹性，符合其翻打等动作的施展。除了面料材质以外，戏剧服装艺术设计中也会应用到非面料材质，例如针织品、纺织品、羽毛、塑料以及金属饰品等。同时，设计师会将刺绣工艺或染色工艺加入其中，通过仿真处理，使戏剧服装达到更好的舞台效果，将服装的肌理表现的淋漓尽致，充分发挥材质的特点，让观众可以直接看到戏剧服装的质感。为了降低戏剧服装的艺术设计成本，设计师可以寻找面料或装饰品的替代品，例如使用人造皮毛代替皮草，或者使用化纤品代替丝绸，在满足戏剧服装设计成本的同时带来意想不到的舞台效果。随着科学技术的发展，很多新型材料也开始应用在戏剧服装艺术设计中，例如《陪我看电视》中扮演电视机的演员，身上披了一件能够展示图像的服装。

三、结语

总而言之，设计阶段是制作阶段的基础，而制作也是设计的体现，二者相互依存。戏剧服装艺术设计中，设计师需要从服装的色彩、面料方面考虑，将设计活动和工艺相融合，了解演员的角色人物特点和内心活动，以满足剧情需要进行戏剧服装设计。

参考文献：

[1]杨晓艳.戏剧服装设计的影响因素、构思与实践研究[J].黄河科技大学学报,2017,(06):91-95.

[2]张岚.戏剧服装的艺术设计要素浅论[J].大舞台,2015,(04):68-69.

服装艺术范文篇3

关键词：民族服装；艺术；发展

一、服装民族风格的表现形式

现代服装的民族风格就是以世界各民族的服饰为蓝本，特色服装和地域文化为素材，取其精华与象征性，结合现代的审美观和功用性，使设计体现出时代感。这里的民族取材是很广泛的，它可以是一种广义的民族，泛指人们在历史上形成的处于不同历史阶段的各种共同体，如原始民族、古代民族、近代民族、现代民族、土著民族等，甚至氏族、部落也可以包括在内，或用于指一个国家或一个地区的各民族，如中华民族、阿拉伯民族等。也可以是狭义的民族，即指各个具体的民族共同体。如英吉利人、德意志人、法兰西人、汉族、蒙古族、满族、回族、藏族等。

单一的民族风格成为现代民族风格的主要表现形式，它的主题呈现随着世界政治、经济的变化而转移，现代社会的热门话题和热点地区成为吸引民众目光的主要取向，如20世纪的能源危机出现的中东主题；非洲独立运动的政治局势变化出现的非洲主题；21世纪石油价格的浮动出现的俄罗斯风貌等等。回顾历史，单一民族风格服饰流行的风潮屡见不鲜，如二十世纪初PaulPariet的蹒跚女裙，七十年代YvessaintLaurent的中国系列，九十年代Rabanne的埃及风格金属女装等，都是在运用世界各国民族传统服装文化展现时尚新面貌，现代设计中更是涌现出许多优秀的设计师，西方如:让·保罗·戈尔捷在08年春夏装中用西装造型、毡帽、紧身衬衫、喇叭裤塑造了西部牛仔的服装形象；MarcJacobs08年的民族风格以部落感的饰品和非洲风情的裹裙为蓝本；CHANEL在08年以层叠的吉普赛长裙搭配吉他，带来一幅“都市游牧族”的经典造型。东方设计师如:VIVIENNETAM在她的2009春夏时装系列中加入了云纹、梅花及牡丹图案，辅助于刺绣，钉珠的表现工艺，与现代廓型相结合展示出中国风；张肇达在2009年以“东方晨彩”、“大漠”、“紫禁城”、“江南”等一系列主题的设计体现了悠久的东方神韵。

它不仅在服装的设计中被不断演绎，在平面设计、家纺业、工业设计、家居设计、建筑设计、家具设计等其他领域也得到了生动的运用。

由此可见，民族风格的生命力是长远和持久的，它值得我们去关注和不断的挖掘更新颖的表现形式。

二、民族风格的特征

2.1模糊性

综合民族风格的模糊性是指体现于服装中的民族风格打破单一的民族主题界限，融汇多个民族的特色，通过“不同”民族元素的运用，展现了一种“种族模糊”的民族感服装，它是将民族素材经过多次改良、嫁接、混血后，形成的一种“混血儿”，是保留文化群体个性的同时，赋予其人类现代文化的共性、时代性、先进性，是普遍性与特殊性，共性与个性的有机统一，这是对传统民族风格的内容上的扩充和形式上的多样，是一个更具包容性、丰富性、世界性的民族风格。这种“模糊”性正是文化的交流与多元的综合效应，它也是“综合民族风格”的外观写照。它是从不同民族的文化采众长，从而使得这类服装呈现出多种民族素材的杂糅，不再具有特定种族的显性基因。它的象征性不仅能在形式上使人产生视觉联想，更为重要的是它能唤起人们思考对世界一体，地球村的隐喻联想，进而产生移情和情感共鸣，设计也因此更具有意义。

2.2多元性

在文化交流与渗透的过程中，综合民族风格抛弃困于某一民族狭隘的模式化艺术表现和艺术审美，以取材的多元、设计手法的多元、呈现风貌的多元为特征，它与全球化生活方式下所产生的混搭概念不谋而合，混合了不同时空、文化、风格、阶层的元素而形成了全新的、多元的民族风格外观。如今具有流行性和时尚感的民族风格要有它与众不同的时代特征，即真正的国际化，就要吸收多元文化特质，运用自身对现代服装设计的理解，广泛借鉴各种民族素材，以设计口味的多样和趣味的多元形成能够被不同文化背景的人所接受的风格，具有普世的审美价值。

2.3现代性

服装是社会生活的一面镜子，它反映了一定历史时期的社会文化动态；时代精神左右着服装的流行变迁，对人类的衣着生活产生了巨大的影响。民族传统只有关注当下和时代变化，并不断注入新鲜血液才能源远流长，所以，我们要善于从传统文化中提炼出符合当代社会思潮、美学意识及未来世界发展趋势的内容，赋予其现代意义，不断的去思考现代社会的人文性(意识形态和信仰)、科学性(医疗、科学、先进科技等)以及新生事物(年轻人群、新生观念)。

三、民族服装艺术的发展

3.1民族原形素材的提取

在综合民族风格服饰设计中，多元化的设计是最突出的特点，这种多元性可以是二元——两种民族元素；也可以是多元——四种、六种或更多种民族的元素，它充分运用了各个国家和民族不同的传统文化符号和民族特点，并且针对不同的设计需求，有取舍、有选择的将其注入自己的设计理念。

3.2民族原形素材的变异

将这三个民族所提取的素材与现代手法相结合，打散、叠加或重构，就变异成民族A1、民族B1、民族C1，这时，它们再相互叠加、重组形成综合民族风格，当然，从民族A→民族A1的变化可以通过调整不同民族设计元素的造型、材质、色彩与图案等之间的关系来达到。为了达到强调民族的原有风格，在设计中可以使用设计元素的完整状态来强调某个或几个民族元素的原型，使其具有显性特点；如果为了使原来的设计元素在辨认上不过分直接，则可以对其分割，选择需要的部分，元素取材弱化处理或将民族元素的原型进行变异，使其具有隐性特点。在这个过程中融入设计者的自身体会和对时尚感度的把握，并结合现代设计手法和对消费对象的定位，有针对性的再设计，使其具有当下性。

3.3民族原形素材的整合

综合民族风格的多元性还体现在它可以细化不同民族风貌的感度，通过调整不同素材的使用比例和方法，呈现出民族A1+民族B1+民族C1=强烈的综合民族风格，或民族A1+民族B1+民族C1=微弱的综合民族风格，也可以是中等强度的综合民族风格、中等偏强、中等偏弱的、微弱偏强、微弱偏弱的……这种民族感度的强弱是设计者根据个人对服装效果的追求来控制实现的，每种因素优先的效果都是不同的。还可以综合起来考虑各种因素，使其中的两种或三种因素略优先，它们相互之间又呈现或强、或弱的对比，情况就更加多变和复杂，服装形态也就更加丰富和多样了。将这些设计手法交叉联合使用，会创造出无以计数的民族风貌，给服装的民族主题设计带来无穷的设计思路和灵感。在整合的过程中注意运用手法的有机统一和协调性，考虑服装的商业价值和审美价值。

正因为民族素材的多元性和运用手法的多样性才使得综合民族风格更加丰富多彩，它所呈现的民族风貌又可以与职业装、运动装、休闲装等其他服装类别相链接，成为整体货品中别具特色的一部分。

参考文献：

[1]卞向阳.服装艺术判断[M].上海:东华大学出版社，2006(2).

[2]刘元凤，李迎军.现代服装艺术设计[M].北京:清华大学出版社，2005.

[3]华梅.中国服装史[M].北京:中国纺织出版社，2007(10).

服装艺术范文篇4

陶瓷艺术源远流长，在泥与火的烧铸中形成了我国独具匠心的陶瓷文化。而在服装设计中融入陶瓷艺术，陶瓷艺术的文化内涵也随之增加到服装设计的文化内容中，服装设计师即可以通过服装设计的实践应用来讲好陶瓷艺术的故事，丰富服装设计作品的艺术文化内涵。一方面，陶瓷艺术的文化内容历经了时间的千锤百炼，在民族审美文化与国际化艺术文化特色等方面有着较为扎实的基础。因此，在服装设计中融入陶瓷元素很容易起到“借东风”的设计效果，可为服装设计作品内涵的表达、风格的塑造和文化心理的捕捉提供便利。另一方面，陶瓷艺术在丰富服装设计作品文化内涵的同时，也将服装设计作品打造成了陶瓷艺术对外展示的一个载体或窗口，借助服装设计的时尚流行和品牌推广，精湛的中国陶瓷艺术能够重现在国际化的时尚舞台中，进而实现陶瓷艺术文化与服装设计文化的交相辉映和共同发展。

二、陶瓷艺术增加了服装设计的设计要素

陶瓷艺术是我国的传统艺术，陶瓷的材料特质、图案、纹理、色彩、造型等有着其它艺术形式无法模仿的独特魅力，在服装设计的实践创新中，陶瓷艺术的各种艺术要素给服装设计师带来了许多新的启发。首先，陶瓷整体造型能够对服装设计产生有益的启发。陶瓷是极具曲线美和造型美的器物，在不同造型的陶瓷作品中，设计师可以了解分析不同形态的曲线如何与人的体验自然而然地结合在一起，挖掘陶瓷造型中独特的、柔和的、清雅的韵味，进而在服装设计中将陶瓷造型的廓形设计进行再现与重构，让整体设计展现出柔和、优美、和谐的造型形态。其次，陶瓷的图案和纹理能够对服装设计产生有益的启发。作为陶瓷的装饰，陶瓷图案和纹理存在着异彩纷呈的创意积淀，涵盖了人物、动物、植物、风景、各种青花裂纹等:这些图案和纹理都可以被服装设计师所捕捉和采用，激发设计师的灵感。从当前的服装设计实践来看，陶瓷艺术中的织锦刺绣图案、泼墨图案、青花纹理、云龙图腾等都曾经出现在顶尖的时装设计舞台上，并获得了市场较高的认可与喜爱。最后，陶瓷的材质和色彩能够对服装设计产生有益的启发。以陶瓷的材质来说，在服装设计的创新设计中，陶瓷材质属于一种新颖的材料，在应用过程中，它根据服装设计的需要进行了技术上的改良，有效增强了陶瓷材料的可穿戴性，同时也为服装设计材料的选择做出了进一步的探索。除此以外，陶瓷艺术还有很多细节能够给服装设计师以新的借鉴和启发，服装设计师们应当善做有心人，搜集、归纳和创新陶瓷艺术能够影响且运用到服装设计中的设计元素，将它们进行合理地应用、变形和搭配，为服装设计增加更多新的创意。

三、陶瓷艺术拓展了服装设计的艺术表现形式

陶瓷艺术对服装设计的影响既有细节创意上的，也有整体表现力上的，它的艺术设计原则、方法、制作工艺与审美表现力都对服装设计产生了较为深远且全面的影响。具体来说，陶瓷艺术与服装设计艺术在理论与实践上既有着共性，也有着差异性。共性在于艺术审美上的视觉体验、文化濡染和情绪共鸣。陶瓷艺术在受众心理上已经形成了较为成熟的艺术审美机制和文化心理机制，因此，服装设计可以参考或引用陶瓷艺术的艺术表现手法，更好地引导消费者发现和挖掘服装设计作品背后的主题、视觉亮点和情感表达。个性则在于陶瓷艺术和服装设计艺术需要根据不同的物质表现载体来进行个性化的设计，服装设计虽然可以借鉴与引用陶瓷艺术中的艺术元素，但是很难完全复制陶瓷艺术的核心表现力。鉴于此，服装设计需要不断探索二者结合的艺术融合形式，找准二者的共性与个性，进而将二者进行更深层次的融合和创新，并衍生出新的艺术形式来。换言之，陶瓷艺术与服装设计的艺术表现形式可以相互沟通、合作与交融，同时也可以变化、变异与突破，进而在艺术表现形式上获得创新性的发展。

四、陶瓷艺术增强了服装设计的民族艺术风格

陶瓷艺术是独具中国民族特色的艺术形式，在国人审美心理和国际文化心理上，陶瓷艺术都是很民族化的艺术，它给服装设计带来的影响最显著也最深刻的即是其民族性的风格影响。也就是说，服装设计师不管如何变形或创新，陶瓷艺术只要被运用于服装设计当中，民族风格便成为作品的一个重要组成部分。一方面，陶瓷艺术的民族艺术风格丰富了服装设计作品的民族文化内涵，让服装设计作品的艺术表现内容与形式在风格上更鲜明独特，更能够吸引到消费者的视觉凝视与文化想象。另一方面，陶瓷艺术的民族艺术风格也给服装设计师提出了更高的要求，即如何实现陶瓷艺术风格与服装设计师个人风格的搭配与和谐，服装设计师需要充分利用好陶瓷艺术元素，但也需要避免陶瓷元素的喧宾夺主，只有这样，服装设计师才能够科学合理地强化服装设计的个人风格，展现出陶瓷艺术服装设计作品的独特魅力。

五、陶瓷艺术满足了人们对服装设计形式美和个性美的不同追求

服装设计发展至今，人们对于服装设计的需求日益多样化和复杂化，包括穿着、美观、时尚以及其它文化、审美、价值观等诸方面的需求。陶瓷艺术对服装设计的影响同样也反映在人们需求的变化与满足上。一方面，人们对服装设计形式美与个性美的需求越来越复杂且多样，陶瓷艺术的融入满足的是人们对民族艺术文化的认同需求和审美需求，进而以民族化和融合创新的艺术风格更好地挖掘了人们对陶瓷元素服装作品的消费欲望。另一方面，陶瓷艺术在服装设计领域的融入，增强了服装设计中人性化和自由化的设计原则与设计理念。陶瓷材料的处理、陶瓷元素的融合、陶瓷造型的参考这些都需要根据受众心理来进行挖掘和调整，确保人们在视觉和穿着上都达到更优化的体验。因此，在这个过程中，服装设计师需要坚持以人为本，强调服装设计的人性化设计，兼顾服装设计的审美性和社会功用，让服装设计能够更好地满足人们的多样化需要，从而在时尚流行和服装品牌传播中找准定位，占据优势。

服装艺术范文篇5

关键词：服装设计；褶皱；审美；艺术设计

在社会的不断发展下，人们生活水平提升在满足了基本的物质需要之后，人们开始更加关注自己的精神艺术追求，这种追求在现代服装设计中的体现则是表现在服装细节设计元素的多元化。褶皱是服装细节设计中应用的重要元素，在很多大牌服装和流行服装设计中都有明显的体现，通过褶皱富有形式的变化，给人带来了服装设计独有的视觉审美效果，突出了服装设计的时尚品味和服装设计者想要向人们传达的服饰理念。为此，文章对服装设计中的褶皱艺术进行分析。

一、褶皱概述

1、内涵

褶皱是服装设计中的重要细节元素，对塑造服装造型、表现服装面料质感发挥了重要的作用。其中，褶主要是指衣裙按照一定规律折叠产生的纹痕。皱主要是根据服装面料通过紧缩、揉捏而形成的一种自然纹路。

2、审美形式

褶皱作为服装设计的重要要素，以不同的形式在服装上的不同部位体现，比如肩膀、衣领、腰部、袖口等部位。服装设计选择的材料不同，应用褶皱艺术所形成的服装设计效果也不同。褶皱在本质上存在不同的审美形式，褶在经过处理之后会呈现一种视觉上的审美形态，具体是将面料按照尺寸、数量要求进行设计，体现了一种规则和变化交相辉映的设计状态。皱则是有活皱、死皱和正皱、反皱的区分，视觉效果讲究规律、工整，体现了一种延伸感。

二、服装设计中褶皱的设计方法

1、服装设计中褶的设计方法

褶是服装设计中常见的设计方法，主要是对面料的有序排列、折叠，从而呈现出服装设计一种充满质感的形态，体现服装设计者想要表达的服饰内涵文化。服装设计中褶的设计方法具体表现在以下几个方面：第一，服装设计要严格遵循褶的设计规律、设计数量，在对面料进行处理的时候需要严格按照一定的尺寸大小和数量比例进行，褶的方向、数量、尺寸等要充分考虑到人体形态。保持褶方向、尺寸和数量一致下设计出来的服饰会比较工整、有规则，能够向人们传达出一种严谨的服饰态度。褶方向、数量、尺寸大小的不同比例安排也会给人带来不同的服饰视觉冲击感受。宽窄安排整齐的排列会让的服饰视觉朝着横向发展，设计出来的服饰更加适合高瘦的人穿。第二，服装设计要严格遵照褶的设计技法进行，充分利用褶的活褶、死褶、正褶、反褶特点。其中活褶工艺主要是将面料的一端进行紧密缝合处理，另一端自然打开，进而给人带来一种放射性、流动性、灵活性的服饰设计视觉效果。死褶工艺是应用机器对服饰的面料进行有规律的压烫，能够提升面料本身的厚重感，最为典型的应用是百褶裙设计。正褶大多数情况下是体现在面料的表面设计中，主要是将面料折叠在衣片的外侧，能够给人带来较强的体积冲击感。反褶则是被应用在面料的内部，是指将面料折叠在衣片的内部，且在衣服的正面能够看到折叠处理之后的线条，体现了服饰设计的延伸感。

2、服装设计中皱的设计方法

皱在服装设计中的表现形式有很多种，大多数的表现形式是堆砌、悬垂、抽线和揉捏工艺。皱的最主要设计特点是随意性，体现了服装设计自由、亲和、休闲的文化内涵，给人带来放松的感受。服装设计中皱的设计方法具体表现在以下几个方面：第一，抽线和松紧缝制方法。皱的结构特点和呈现形态需要借助抽线的工艺来体现，具体表现在通过手工或者缝纫的方法在所选择的面料上应用宽针缝制，在缝制的时候需要留出一定得空余，形成服饰设计的自然垂皱。在抽线操作的时候如果想得到更加紧密的皱，需要将布料的宽度放大，需要选择轻薄的面料进行服饰制作。另外，在基本的抽线操作之外，还可以应用松紧带紧缩的形式形成随意的皱，丰富服装设计的款式类型，给人带来别样化的服饰设计视觉冲击效果。第二，披挂、包缠等方法。服饰设计中皱的设计方法有着很悠久的历史，最早出现在古希腊时期，经过长时间的发展形成了现代化的皱。现代服饰设计中的皱设计一般会应用系扎、披挂、包缠、牵拉等多种形式，具体设计操作是将面料放在立体化的人体设计模型上，进行比对塑性操作，设计出随性自然的皱，基于人体凹凸不平的特点，就将面料放在人体模型上的时候可以放任形成一种自然的垂皱形式。

三、服装设计中褶皱设计的适用性和艺术功能创新转化

服装造型设计两个重要因素是装饰性和功能性，服饰最终呈现效果受这两种因素的影响。褶皱在服饰设计中不仅起到装饰作用，而且还具有实用性的作用。褶皱的设计需要考虑人体本身的立体形态，在外形上体现运动特性和美感特性。为此，现代服装设计要充分体现褶皱设计的适用性，实现服饰设计功能性和装饰性的协调统一。在以往的中西方服饰设计中，褶皱设计重点强调的不是装饰性，而是对人体动态美的一种表现。因此，现代服装设计中对褶皱的应用仍需要延续其展现人体美的理念，在考虑人们审美形式的基础上，变化褶皱设计风格，丰富服装设计材料，完善服装设计工艺。在服装褶皱设计应用的时候需要设计者进一步理解人体、时间和空间上的关系，在以人为本的设计理念下实现对服装结构和材质的突破性设计，创新服装设计模式。服装设计师在应用褶皱艺术形式的时候要勇于打破时间和时装标准对服饰设计的限定，在对人和自然关系问题的感受下，在服装设计中体现更高层次、更丰富多样的社会文化理念，包括文学、哲学、经济学等，实现创新性的服装设计。

四、结束语

综上所述，在社会的不断发展下，服装设计领域也发生了深刻的变化，人们对服装设计提出了更个性化的要求。褶皱作为服装造型设计的重要因素，合理的设计应用能够提升服装的空间感、体积感，拓展服装设计的艺术审美形态，满足不同人们对服装设计的个性化需要。为此，服装设计师需要加强对褶皱设计艺术的重视，在更新、丰富和完善服装面料、工艺的基础上，应用褶皱创造出服饰设计流行新时尚。

作者:贾光 刘卉 单位:吉林省女子监狱

参考文献：

[1]张峰.浅析服装造型设计中褶皱艺术的应用[J].山东纺织经济,2012,08:60-61+85.

[2]赵孟超,许旭兵.论悬垂性褶皱在服装造型艺术设计中的应用[J].东华大学学报(社会科学版),2011,01:46-50.

[3]孙海洋.浅谈服装设计中的褶皱艺术[J].大舞台,2011,05:131.

[4]刘水.论服装细节设计中的褶皱造型艺术[J].作家,2011,04:226-227.

服装艺术范文篇6

设计者可以通过材质的粗糙与细腻、柔软与生硬、轻柔与厚重等触觉和视觉肌理感受进行搭配，从而使材料在服装设计中呈现出新的艺术美感。如，著名品牌古驰的男装注重贴合腰身，领片或口袋盖处常常辅以天鹅绒做拼接，同时搭配丝质围巾和领带，使整体材料在设计中呈现出优雅大气的美感；又如，著名品牌克里斯汀•迪奥也常常将几种材质进行搭配，从而使其服装设计呈现出一种独特性。此外，材料的装饰表现对于提高服装的艺术表现力也具有重要的作用。材料的装饰主要是指将各种技法应用到材料上，这些技法有手印、蜡染、手绘、镂空喷绘等，从而使得同样的材料呈现出不一样的艺术效果。如，法国服装品牌因为使用的材料大都是棉麻面料，但通过对材料的二次设计，大量运用镂空、印染、抽丝、镶钻、刺绣以及编织、褶皱、叠加、折叠等手法，使材料呈现出新的独特面貌和风格，既保持了棉麻穿着舒适的特点，又使得材料看上去没有皱皱巴巴的感觉，相反显得非常轻盈时尚。

二、材料在服装设计中艺术表现需要注意的问题

1.高度重视工艺表现

工艺表现是材料在服装设计中的一个重点，直接关系到材料整体风格的形成。工艺表现是指在对材料进行实际操作的过程中所运用的技巧和技能。其形式十分多样，抽丝、烂花、镂空、洗磨、拼接等都是基本的工艺表现。由于材料种类多样，质地表现各异，因此工艺手法也多种多样。此外，由于地域的原因，即使是相同的工艺表现，在实际操作中也会有各自的地域色彩渗透其中，从而使得相同材料体现出不一样的艺术特色。如，我国苗族、布依族等少数民族都有蜡染的工艺，但实际操作的不同导致最终展现的艺术效果也存在一定差异。

2.及时更新设计观念

设计观念同表现手法一样，都是服装设计的关键。服装设计是一门艺术，追求创新、不走寻常路才是其生命力不断彰显的标准。为此，设计者一定要加强对材料的设计构思，通过及时更新设计观念，创造出独树一帜的设计风格。如，日本著名服装设计师三宅一生在设计时及时捕捉材质的肌理特点，充分运用面料特点设计褶皱肌理，从而将材质的特点彻底释放出来，形成了一种独特的风格。

3.对传统材料重新设计再造

传统材料由于使用时间久、使用范围广，大多已经在人们的印象中形成了固定的艺术感受，要想使传统材料的服装呈现出不一样的艺术美感，就需要对传统材料进行新的艺术设计。如，将现代艺术中的变形、夸张和抽象等艺术概念运用到服装设计中，通过改变传统面料的底纹颜色、图案等方式，打破人们固有的认识局限，从而使其产生新的艺术表现力。

三、结语

服装艺术范文篇7

关键词:绘画艺术；服装设计；现代服装

服装、绘画作为文化艺术的组成部分、两者虽然不是同一学科，但并不孤立。艺术与时尚向来形影不离，服装作为时尚界的宠儿，相比其他艺术类别，绘画对服装设计的影响更为直接。如今，服装设计师们越来越多地以绘画作品作为服装图案的设计元素，两者在相互借鉴、融合中进一步升华，获得新的艺术生命力。

1绘画艺术与服装设计的联系

绘画艺术和服装设计都是通过自己的方式向人们展现美。在服装设计发展的历程中，绘画艺术对其影响尤为显著。对服装设计和绘画艺术而言，二者合而统一，为彼此提供了更大的发挥空间。绘画艺术具有独特的艺术视角，与服装设计所追求的创新的设计理念不谋而合，它能够拓展设计师创作灵感、启迪创作手法、激发设计师的创意思维，并且还能够提升服装品牌价值。除此之外，在现代商业发展的环境中，艺术的普及化促使绘画艺术摆脱了传统艺术的观念认识，绘画艺术也需要寻求更多的认同。因而服装就是绘画艺术推广最好的载体，设计师通过自己的艺术品味、对绘画的理解，更好地将理念传达。服装设计呼吸着绘画艺术的新鲜空气，滋养己身，蓬勃发展，产生了密不可分的关系。

2绘画艺术在服装设计中的运用

纵观服装发展史可以看出，绘画艺术与服装设计早就有了紧密联系。绘画本身有多种风格，在西方绘画艺术的文化背景影响下，不少服装设计师不约而同地从名画作品中汲取灵感，将绘画艺术与服装设计巧妙的结合，将其融入现代时尚中，获得不同寻常的视觉效果，这也成就了时装界一批才华横溢的时装大师。最早将绘画融合在服装设计里的就是伊夫圣洛朗的“蒙德里安裙”，红、黄、蓝色的线条和色块的直筒裙，这是时尚与绘画艺术发生的第一次碰撞；还有以波洛克的绘画设计的“波洛克裙”；设计师Versace将波普艺术家沃霍尔创作的布上油彩《玛丽莲梦露》巧妙地与服装结合，设计了一系列礼服；浮世绘是日本的风俗画、版画，是一种极具特色的绘画艺术形式，很多服装大师也都尝试过与浮世绘绘画艺术结合，运用浮世绘表现古老东瀛风情的服装设计。服装设计师们可以直接把绘画作品嫁接到服装上，也可以从一幅绘画作品或者一种绘画风格上提取要素运用到服装上，使服装具有其绘画风格所要表达的意蕴和风格。从绘画艺术中寻找灵感是服装设计师营造服装艺术风格惯用的巧妙手段，不同类别的绘画艺术带给服装的风格面貌也是截然不同的。服装设计并不是封闭的，通过绘画语言与服装款式完美结合，可以营造更加独特的装饰风格，具有更大的开放性，为服装设计提供了更多的发展空间与可能性。

3绘画设计对现代服装设计的影响

如今，绘画艺术与时尚已经是不可割舍的关系，现代绘画艺术中的立体派、未来派、超现实派及视幻艺术、波普艺术等都在大张旗鼓地深入服装领域，形成罕见的相互融汇、重迭的艺术景观，且呈愈演愈烈之势。将现代绘画艺术作为服装设计的参照系时。在提到诸多现代绘画流派时，就会自然而然地想到由此而衍生出来的服装设计风格。与此相同，人们在探索这些服装设计风格的同时，又会追溯至某个绘画流派，某个大师，抑或是某个具体作品。无疑，现代绘画在机能、素材和技法上都深刻影响着服装设计的发展。服装设计离不开市场，虽然它以艺术、创新为前提，但最终是以服务大众为宗旨的。一件好的服装不但要具备实用价值还要有一定的文化底蕴，在服装设计中必须要考虑到大众的需求和审美品位。绘画艺术运用到服装设计中可以增加服装的艺术文化附加值，使服装更具艺术魅力、审美价值、人文趣味。将绘画艺术运用到服装中，可以使人们的艺术观念发生转变，有助于大众更好地领悟艺术，形成一种全新的思维方式，促进绘画和设计的发展。当绘画艺术通过服装展现在时尚界中，很多服装品牌就发现商业契机，开始了与艺术家的跨界合作，如开发衍生性艺术作品，“波点婆婆”草间弥生、法国著名奢侈品牌LouisVuitton，艺术家与服装品牌成功合作的案例就说明了这种跨界合作，使艺术家能够在时尚中发挥极大的能动性，对于服装品牌而言，也因艺术家的介入而使品牌自身有了更多的艺术性，同时，绘画与艺术家的介入也可提升品牌知名度。

4结语

绘画艺术与服装设计的结合在时尚界已是司空见惯。绘画艺术深深地吸引了服装设计界的设计师们，当绘画艺术走进时尚，服装有了更丰富的素材、更多样的风格、更多元的可能，拓宽了服装设计新思路，他们能够很巧妙地将绘画艺术融入到自己的服装设计中，融入现代元素，绘制出国际时尚服装，这也是现代服装设计今后应继续努力深化的方向。绘画艺术应用在服装设计中是时尚与艺术的碰撞，是时尚界的革新与突破，更是服装设计界的革新与突破。

参考文献

吴念姿.浅析绘画艺术的运用对服装风格的影响[J].大众文艺.2017,(8):91

覃燕君.设计美学规律在服装设计中的应用[J].纺织报告,2018(4):75-77.

孟娟.浅谈绘画艺术对服装设计的浸润[J].现代丝绸科学与技术.2015(6):231-233

服装艺术范文篇8

闽剧服装可以将角色的性别、年龄、身份地位和性格特征等直观地展现出来，有助于观众准确感知人物形象。由于观众与舞台有一定距离，故其对角色产生的第一印象往往来源于角色服装的色彩，这种印象在潜意识中产生，并很可能全场伴随观众。实际上，服装的色彩在很大程度上受到灯光的影响。因为我们首先看到的颜色并非物体客观的色彩，而是由于光线刺激视神经产生的不同感觉，甚至可以这样说，灯光本身也是色彩的一部分。灯光的明度、色彩和照射角度的变化会使服装的色彩呈现给观众多样化的视觉感受：明亮强烈的灯光能大大提升服装色彩的明度；有色光源是改变服装色彩的常用工具。所以服装设计应该与灯光进行协调，灯光是配合服装色彩的最佳搭档，它们的协调变换，能使观众的情绪随之起伏。服装色彩再则与舞台布景色彩搭配，舞台服装的色彩是舞台画面上流动的乐章。它与舞台布景直接影响到舞台的整体效果，处理好服装色彩与背景色调之间的关系，有助于更完美地利用服装色彩诠释舞台的表现力。我们可以将舞台布景比喻为画布的底色，而服装就是灵动的色块，局部色块服从于画面整体的风格与色调。当然，服装色彩在一定程度上会受到布景色彩的影响与限制。在为服装确定主色调时，应尽量避免与布景基调过分雷同，这样会令观众的方向感迷失，无法把握情节走向。此外，服装的面料不只是制作的物质基础，也是内涵丰富的舞台表现语言，服装设计师为了引导观众进入舞台的固定场景，常对面料进行提升与组合，赋予面料新的外观和明确的内涵，并通过面料构成的服装形式来引发观众的思考。

在为《王茂生进酒》选定服装时，我即为其选择粗糙的青色麻制面料。这是因为，面料对于服装色彩的影响主要由两方面因素决定：首先是质感，纤维组织形成的各种面料对光的反射、吸收、透射程度存在较大差异，色彩的色相、饱和度和明度也会产生变化。表面粗糙的织物，对光的反射能力弱，色彩饱和度和明度就比用同样染料染制的表面光滑的面料低。而《王》全剧突出的就是平民化风格，王茂生是一介布衣，升斗小民，不是高大全式的人物，无需过分突出。其次，面料的表面肌理也是重要因素。即使面料的组成纤维相同，但若纤维的编织方式不同，而形成不同的表面肌理，也会影响服装的色彩。锦缎面料等表面光滑的织物对于光线的反射能力最强，其次是平纹、斜纹的面料，表面凹凸不平的粗糙面料最弱。色彩的饱和度、明度也依次顺序由高到低进行表现。考虑到《王》剧中主角常有侧身镜头，衣物反射光的面积较小，我选择了平纹织法。

二、服装与其他因素的协调与配合

闽剧服装设计与化妆造型都是为塑造角色外貌服务的，服装设计与化妆造型是一个不可分割的整体，它们都能够通过直观的视觉效应感受到角色的内容，对角色的外部形象起到定位作用。化妆造型在舞台艺术中难以改变，而服装需要根据不同的场景做出不断的变换。在服装设计中重视与化妆造型的相辅相成是重要的原则之一。尤其应注意在脸部附近的装饰物的大小、形制，其应线条流畅、轮廓较为清晰，不宜纷繁杂乱。如在为金身陈靖姑定妆时，我即去除了她在领口的原有装饰带，并简化了头饰。服装设计与表演艺术的载体均是演员，两者之间关系密切，服装能够是演员进入角色，折射出角色的特点及情感状态，所以通过服装的定位去诱发演员体验角色，服装设计需要与表演艺术互补。服装是角色的外在特征，而表演艺术通过演员表情、心理活动表现出来。这就要求服装设计进行正确的定位与把握。

服装艺术范文篇9

关键词：拼布艺术;服装设计;应用

现如今人们生活水平在不断提升，追求服饰的风格也是多种多样的，在服饰不停变化中，拼布艺术逐渐形成。很多国家都非常喜欢把拼布艺术应用到服装设计中，它包含了美感、图案等表现特征，这样一个设计元素推动了服装设计行业，也有利于创新出更多设计风格。

一、拼布艺术和拼布服饰历史

（一）拼布及其艺术特色。“拼布”最初的时候是因为刚改革开放后，资源缺少人们把旧物寻回利用，直到17世纪的时候拼布被引进到了美洲，拼布因充满多样化和简洁性，被很多人们接受和深受喜欢，这种拼布的艺术表现被美国称之为新鲜元素，拼布艺术因此等到了提倡。后来发展中拼布意识已经传到了各个国家，成为新一代艺术最新的表现手法。拼布艺术的特色很明显在于“拼”这个字，这不仅仅是变废为宝，更是通过材料、颜色、图案等去把布料拼接在一起，创造出一种秩序、肌理、色彩等方面的美学感受，给人们不同视觉感受，运用最简单的体现手法，表现出最纯粹的自然美感。（二）拼布服饰的历史。对于“拼布”大部分人会联想到美国和日本，因为在这两个国家中拼布很盛行，也是由这两个国家流传至各个国家。早在公元前200多年的西藏棉袄、公元12世纪十字军以及伊斯兰教士兵盔甲里面的衬衣、公元16世纪法国人所使用的衬裙以及印度的袈裟、日本的“继接”等，作为生活用品一部分的拼布用品早就存在于世界各地，只是名称各不相同。在我国古代时期，纺织业就开始发达，许多蚕丝及棉布料品通过丝绸之路外销到西方去，因此在布料并不缺乏，但是贫苦人的衣服补丁或是演变到后来的百衲衣或百衲被等也算是拼布的一种。近年来许多的拼布书籍和杂志，大多数是以做法为主要内容，少有针对拼布的发展进行深入的研究。起初我国大多数的拼布服饰都是表现质朴、多变的制衣风格，如在繁盛的唐代就有所发展，其根据各色各样的服饰进行拼接，有的使用粗麻布料，有的使用锦绣罗缎，通过一起的拼接，形成色彩鲜明的对比。在我们所认知中，佛教一般都是袈裟，都是由规则的长方形或是不规则的梯形缝接而成，这带给人一种视觉上的欣赏，不会感觉过于华丽，也不会感觉在颜色上有何不妥。在如今这个新社会中，仍然有一些地区仍传承这种拼布服饰的文化，如在山东，很多人通过剪掉自己不喜欢的某一部分，拼凑出自己喜欢的布式，不仅给人一种奇特感，也会在一定时期内引领潮流。记得在前段时间国际盛典中，某女星穿着象征着东北的花布和富有现代化的布料，两者相结合，带来不小的时尚浪潮。

二、拼布的审美特征

拼布艺术家用一针一线绘制出他们的理念，不同的造型、图案都有着不同的意义。拼布艺术和其他艺术一样都有着自己独特的美感，转换各种造型和样式，表达不同艺术形式，在长期的发展创造中，已经形成了自己独特的美学。（一）秩序美。秩序美是意识创造中的规律之一，秩序是最具有审美对象的形式。它的美感体现在秩序中，自然界中任何物品和生物都有着一定秩序性，秩序美别具一格，有不一样的体现方式和规律。因为拼布艺术来源于自然生活当中，所以拼布艺术本身就一种秩序美的体现。美国数学家在研究中指出，美学当中的秩序美的价值在于图形，而拼布艺术很合理地运用了几何图案，在对于几何图案的分割、旋转、再组建等进行裁制。运用各种手法绘制出简洁的秩序美，或者是更复杂一些的秩序美，强烈地把秩序美很好地表达出来。（二）肌理美。肌理美表现的是纹理的组织结构，在各种纵横交错的，甚至高低不平的纹理变化中。拼布将其一块一块地拼接在一起的艺术表达形式，可以把这些分为有填充物体和没有填充物体，在针法方面，因为表现的不同，针法和路线较为复杂一些，把服装设计表现具有肌理美感的拼布艺术形式。（三）意境美。以往贫穷的生活中，会随便找一块布为衣服进行各种缝补，那个时候的缝补是因为没有钱买衣服穿。而如今服装设计中把拼布艺术运用到其中，服装设计者用针线制作出一个又一个服饰，表达了它的美、它的意境，意境是指服饰和人之间有着共鸣，让人对这件衣服产生了美好。（四）色彩美。色彩两个字相信大家都不会陌生，在服饰中如何运用色彩也是很重要。不同的色彩会给人们带来不同的视觉感受，从而产生出色彩美。拼布艺术常常运用几块不同布料拼接在一起，选择的材料也是很多样化的，如此对于色彩的搭配也就随之丰富多彩。一块平淡无奇的布料在设计手里，也能设计出颜色绚丽的服饰。（五）工艺美。在服装设计中布料拼接艺术可以称之为最美工艺，拼布艺术要做做到手艺精湛，每块布料的拼接出都要做到严谨无比，没有任何多余破绽[1]。服装设计师在设计过程中会先构出一个完整的图，再进行剪裁缝纫，要做到裁剪、缝纫的精准度。还有一些拼布设计可能不按照工整度来制造，但是它会展现手工者们的绣工，体现出一种随意美。

三、拼布艺术在现代服装设计中的应用形式

（一）拼布艺术的应用形式。1.色彩拼接形式。在现如今服装设计中，色彩的拼接有很多种体现手法，最常见的是用相近颜色进行拼布艺术。或者是运用颜色过渡的手法进行拼接，给观赏者视觉上循序渐进的感觉，有的色彩用于夸张给人活力，有的色彩平淡给人带去稳重成熟。所以在运用色彩拼接上，设计师也要掌握好颜色搭配合理处置方法。2.面料拼接形式。面料的拼接方式有很多种，颜色相同的不同面料或者是不同颜色相同的面料等，不管是一种的面料拼接方式，都是在强调拼接线或者边缘体线条的美感程度。同颜色不同面料是素色和花色进行拼接，在面料统一下色彩可以根据相近颜色或者对比颜色进行拼接[3]。这样形成了鲜明的对比感，但是设计师要把握住主颜色的强调，不要让整个设计看起来过于混乱。3.图案拼接形式。在拼布设计中图案以缝合形式和分散形式居多，缝合式的拼接是指布料在拼接之后形成一个完整图案；分散式拼接是指非缝合的服装，各部分按照要求进行分离和拼接。有的拼布设计中融入了数学效果，把数学中三角形、几何等运用到其中，形成一种简单程序美，而无规则的图案相对比较自由一些、更加有亲和力度。每一种图案的拼接，给人们展现了不同的视觉，让人们感受到每种形式都是一种不一样的表现。4.立体拼接形式。立体拼接形式指的是，通过拼布艺术手法表现出立体的造型，在发展中造型、雕塑形象也发展越来越盛行。服装设计中拼布艺术打破了以往规律，改变了服饰的外部形态，塑造出更具有特色的外观造型，也可以根据自己的意识进行加工，运用不同手法和针法进行创作，让人们充分领略到拼布的多变风格，让服饰具有多层次视觉感受。（二）拼布服装呈现的艺术风格。拼布艺术呈现多样化艺术形式，拼布艺术在民族、欧美等多个地区都有所应用。拼布服饰在民族风格中，每个国家都有着自己不同的民族风格，对于面料、色彩、图案的表达方式都有所不同，设计师在采用拼布设计时很容易把民族风格体现出来[4]。拼布“欧普艺术”风格，又被称作为视觉艺术。它主要是把各种颜色几何形状按照规律进行摆放，体现出各种色彩和形状直接的冲突，在不断走路的节奏下就让人感觉它在变化。所以这种几何拼布艺术服饰，非常适合欧普风格的装束，在突出几何秩序中让人们察觉到几何的美[5]。拼布艺术可以在平时设计中打破常规，运用设计形态和小趣味，让服饰呈现先出多变形式，拼布形式的结合把各种手法融入到其中。很多的层次上打破人们传统理念，在前一段流行的拼布牛仔裤上，结合皮衣混搭了另一种流行风格。拼布服饰的解构主义，可以理解成对其破坏再次进行组成。设计师会把一块完整的布料，进行裁剪出不同大小的图案，再进行创造新的形象，如把裤子变成衣服等[6]。在以往设计大赛中，有设计师把牛仔裤剪成了条形布，再对其进行拼缝过程后，变成了另一个新形态的牛仔裤，在这种环保主义下让人们感受到拼布艺术和结构艺术的美感所在。

四、拼布艺术在服饰上的意义

（一）多元化在服饰中的表现。在改革后拼布艺术多于拮据家庭中出现，是没有办法选择的方式[7]。但是在现展迅速的国家中，文化发展越来越多样化，人们开始不断创新，在以往传统服饰中寻找灵感，在一次一次衍变中形成了拼布艺术，在拼布艺术的到来，很多设计师把这一元素常常添加在服饰当中，这不仅仅是丰富了服装设计方面，还给人民带去了不少美感视觉[8]。（二）适应个性化审美变化的需求。服装行业不断发展，成衣时装化的倾向越发的明显。人们在不断要求服饰需求时，也更加注重了服饰所表达的含义和特性，导致在服装上出现了很多表现手法，夸张手法表现服装艺术，各种布条、金属都多用于服饰的拼接设计上，体现出自我风格的同时，有表现了服饰的创作力，用无规则和夸张的手法呈现一个极度个性的风格，也就是当下年轻人所追求的服饰风格。（三）符合低碳生活和环保时尚要求。随着思想转变的过程中，觉得低碳生活很重要的人越来越多，拼布艺术形式得到越来越多人的青睐，也成了新一代所追求的时尚之一[9]。旧物利用等，从破坏再进行组装中寻找更多灵感和创造力，把旧物变成有利用价值的，在保护环境、低碳生活中保持可以持续发展的理念[10]。这也是新一代设计师们所提倡的设计理念，为现代服饰设计带去多样化，造型更为突出、更加彰显自己个性的服饰等。

现代人们追求着时尚服饰、自然简洁、体现自我个性等，打破以往服饰设计理念，把拼布元素大胆地加入到其中，运用不同布料、颜色、图案等进行表达创造，给人们不同的视觉感受。上班族大多都在穿着正装，在休息日会穿休闲一些的衣服，这种时候如果拼布艺术融入到休闲服装中，会给平时上班的人们释放压力，带给他们视觉上的享受。拼布艺术具有很强的艺术特征表现手法，将拼布艺术合理运用到服饰当中，打破以往格局大大促进服饰设计发展，让拼布艺术也有更好发展，在不断发展中寻找更多设计理念。拼布服饰的艺术不仅仅是改变面料色彩，更多的是展现个性化、与众不同的服饰风格。在如今社会，这种拼布艺术的繁荣可以在艺术时尚界具有长久的生命力。

参考文献

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服装艺术范文篇10

1蒙德里安绘画艺术

蒙德里安绘画艺术作为一种审美的表现，它的道德和它的情绪以及他所想表达的，所想传递给人们的信息。蒙德里安风格之所以能在设计界，时尚界横行，就是因为它这种新造型的美，它的绘画中蕴藏这比例、结构、解构、色彩平衡、哲学等。对于新时代的设计师和艺术家来说，这是他们自己的感受和他们想表达的内容的创新记录。同时它的作品也可以脱离画布这个物质载体，也不拘泥于画笔以及笔触的影响，而它的格子画始终保持着“广袤”的理念，就算是将其画中的任何一个部分提炼出来，运用到另一个方面，依旧体现出蒙德里安风格。蒙德里安绘画艺术让人在脑海里有着真实的遐想。在创作过程中，不仅要学习和传承古典大师的精髓，更重要的是要把眼光放在自己的生活中。时间是稍纵即逝的，更是难以把握的，所以要将现实中难以把握的东西提取出来，并且在自身的作品中将每一个情绪表达出来，在自身的作品中呈现出来。

2蒙德里安绘画艺术对现代服装设计产生的深远意

义服装风格的萌芽通常有着它特定的文化条件，反映了时代的精神和艺术潮流。对服装产生了如下良好的意义:(1)蒙德里安注重观念，将观念作为艺术创作的中心。他不注重形式，他从关注人性，社会和文化的角度出发来制作艺术作品。在蒙德里安绘画艺术观念的影响下，时装设计师敢于挑战传统，突破过去单调的设计，强调文化多样性，多样性和开放性。(2)对服装面料的影响，20世纪70年代，西方设计开始进入后现代主义，科学技术也大大改善。同时蒙德里安的理念，从表现外在到表现内在精神，这些都为时装设计师提供了无限的创意性和想象空间。服装面料的使用也都变得极其的大胆，带来一种全新的，不仅仅拘泥于普通布料的创作方式。

3结合作品谈服装设计中的蒙德里安绘画艺术

我的设计作品(图1图2图3)来源便是蒙德里安的艺术作品的观念及元素。通过对蒙德里安样式的效仿、对当代艺术的理解与服装艺术手法的运用，将其精华进行吸取与整合并在此基础上创新与发展后运用到服装当中。服装作品整体的色彩和面料是米白色太空棉作为基础的设计，并穿插搭配有苯白与钛白的太空棉，使得我的这一组设计在不影响整体效果的前提下又不呆板。另外运用羽绒服面料，并充以羽绒棉，富有较强打的体积感，与蓬松感，色彩丰富，大体上米白色，配以苯白与钛白，再加上点缀用的灰色和红色。颜色整体，加以红色运用到服装之中，成为了我服装设计作品的点睛之笔。

服装的廓形简洁流畅，大气夸张，不同面料的结合，形成不同质感的对比，太空棉棉质感，羽绒面料表面富有光泽感。通过多样化的手法对我的服饰面料进行改造和变换，使得面料设计具有层次感，使服装更为精致、细腻。

参考文献:

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