艺术作品的欣赏范文

导语：如何才能写好一篇艺术作品的欣赏，这就需要搜集整理更多的资料和文献，欢迎阅读由公文云整理的十篇范文，供你借鉴。

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艺术作品 学生 欣赏能力

随着社会的发展和人类文明的进步，审美已经渗透到社会的各个角落。其中，素质教育中的美术教育越来越来受到应有的重视，特别是美术欣赏课的开创，对提高美术教育的地位起到很大的作用。在此，对如何培养学生对艺术作品的欣赏能力作简单阐明。

向学生提供艺术作品，不应当以美或不美为绝对标准。按照最流行的观点，艺术被视为一项旨在创造美的事物的人类活动。大部分人确实可以从绝大多数艺术作品中发现一定程度的美。然而，只要稍加反思，就会发现艺术不能用美来界定。因为，尤其在“当今”时代，我们看到许多名符其实的艺术作品非但不美，反而是异常之丑。譬如，梵高的自画像，蒙克的绘画《呐喊》，等等。蒙克的代表作《呐喊》或许更触目惊心，令人难忘。翻看过此画的人都会在瞬间被作者表达的情感所感动。画面中有一人立于桥上，很难辨别出此人的性别，他仿佛正受着死神的煎熬。天空中旋转起伏的色彩想要钻到他的耳朵，那些红、紫、绿色彩的流动线条毫不宽容的向他的耳朵侵袭着，因而他拼命的用两手掩着耳朵。整幅画让我们感到的便是燃烧着的恐怖。然而，这些作品却被公认为属于最伟大的艺术作品行列。所以，并不像许多人认为的那样，艺术是一项旨在创造那种狭义的美的活动。这种“丑”的艺术效果如同悲剧一样，它将善的东西被恶喷着啦，反而更有效地使人们领悟到恶之可恶、善之可贵。

欣赏的前提就是作品本身，我们应尽可能提高欣赏资料的质量，采用欣赏教学的幻灯投影片或印刷质量较好的画册，在欣赏时可作一些局部放大，使学生能较真切地感受作品色彩，笔触肌理等。从一百多年前西欧出现印象画派开始，美术作品发生了深刻的变化，艺术创作更注重艺术本身语言的探索和创新，如梵高的《向日葵》，其强劲的笔触所产生的力度、厚度，充满着一种燃烧着激情的画面给人以一种极强的视觉冲击力，这是一幅依靠作品本身语言来打动人的名作，它不再是一种客观事物的再现，更是作者精神世界直接通过艺术语言的表露，从美术史的角度进行艺术作品欣赏，野兽派画家马蒂斯的作品，学生会觉得跟他们在幼儿园的画作差不多，然而问题远没有学生想象的那么简单。这一画派的形成与艺术成就在美术史的意义更能说明这一问题，马蒂斯的强烈的原色对比，（如红与绿、蓝与橙、）同时找到和谐的驾驭技巧，平面化的画面组织产生一种既单纯又热烈，给人一种愉悦观看感觉。这是根植于后印象派的基础一种创新和对绘画语言的进一步大胆探索，使许多绘画因素在视艺创作中成为一种可能。针对一些诸如蒙特刊安、康丁斯基的抽象绘画作品欣赏，画面更无从解读了，因此，必须向学生介绍抽象美术形成的过程以及解读抽象绘画方法，因为这些作品已经切断了艺术与客观的联系，从主观出发，以纯粹的线、色、块作为造型语言，使绘画摆脱自然束缚，直接表现自己的艺术境界和追求。这无疑开创是美术创作新视觉审美的领域生平以及艺术成就角度去欣赏作品，力求使学生通过对作者的了解以获得欣赏时所需的信息，有助解读作品。

让儿童欣赏的作品未必一定好看，但应以好看的作品为主。在中国，人们传统地认为，艺术是培养儿童的美感的，艺术应当让儿童欣赏美的和谐与平衡。因此，从小的时候起，就很明确地为儿童区分出什么是美，什么不是美，让他们欣赏那个美的作品。在美国的艺术教育中，据美国心理学家加登纳介绍，美虽然也是一种价值，但美的观念确实开放的，不是预先定死的，而且美也不仅具有美学的价值，人们认为，艺术作品可以真实的表现现实，即使这些并不美，甚至使观看者感到丑，悲伤或不协调，这从反面将美衬托得更美，并刺激了人对美好、愉悦和协调的敏感与追求，因而，它也发挥了审美教育的后果。狭义的美实际上就看“好看”。让儿童欣赏的作品不应以好看或不好看为准。当然，我们仍然主张，让儿童欣赏作品应以好看的作品为主。

根据不同年龄特征和知识结构特点，在欣赏教学中让学生学会多角度欣赏，应分四种类型。

解说型――教师对美术作品或是对美术欣赏的基本原理和基础知识的讲解、说明。

问答型――教师就作品或欣赏知识、原理提问，学生回答。

讨论型――以学生为主体展开讨论，教师作为援助者。

从艺术发展历史的眼光来看，艺术的各学科的形成、发展总是互为促进、相互渗透、整体呈现的。哪怕是一幅史前壁画，还是器皿上的一组图案，还是原始人的“化妆舞会”和现代的影视作品，都体现着艺术的整体性。它们都集中体现着说、唱、舞、画、刻等艺术。我们有什么理由将他们完全分开进行教学。

然而，长期以来，学校的艺术课程设置分课显明，教师分工明确，教材专业性强等多方面的原因，学生综合艺术能力长期得不到培养。而实践应用往往需要学生发挥综合艺术能力，这就大大限制了学生艺术能力的综合应用和创造能力的发展。所以，艺术课程综合化和学生综合艺术能力基于以上的了解，再反过来欣赏《送子天王图》，其中每一根线条轻重、粗细快慢变化都会给学生带来审美的愉悦，从“欣赏・评述”领域的教学，应注重学生的积极参与，努力激发学生的主体精神，克服以往以教师讲述为主的弊端，积极探索教学方式的多样化。

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关键词：艺术欣赏；艺术欣赏环境；艺术品；欣赏者

中图分类号：J023 文献标识码：A 文章编号：2095-4115（2013）10-150-1

一、艺术欣赏的两个主要因素

所谓艺术欣赏中的两大主要因素，那就是艺术作品本身和艺术作品的欣赏者。

任何一本精彩的文学作品，任何一幅夺目的雕塑，任何一曲悠扬的音乐如果没有欣赏者，那么它只能是单纯的纸张的叠放，只能是一个破木桩子，只能是无序的乐器训练而已；同样艺术欣赏者脱离了艺术作品，那么他只能是被认为是精神有问题的冥想。艺术作品与艺术作品欣赏者作为艺术欣赏的两大主要因素相互制约，缺一不可。艺术欣赏对欣赏者也有相应的艺术欣赏要求。芸芸大众并不是任何一个人都能够对艺术作品做出透彻的分析鉴别，艺术欣赏者需要不断地通过大量的艺术欣赏实践活动提升自我的艺术欣赏能力、艺术欣赏常识以及艺术欣赏品味。艺术欣赏并不是简单的、被动的艺术作品接受，而是通过对艺术欣赏有一定常识了解之后，通过大量艺术欣赏的实践积累形成对艺术品的一种独特的见解、认识，欣赏者欣赏的不止是艺术作品本身，更要感悟到艺术作品作者创作的灵魂。

艺术欣赏对于艺术作品和艺术作品欣赏者有很重要的作用。首先对于艺术作品而言，艺术作品通过艺术欣赏来展现自身的美感与社会存在意义，同时使这种美感与社会存在的特殊意义在艺术欣赏过程中得到极大的散播与发扬，艺术作品的创造者也在欣赏者欣赏艺术作品的过程中实现了艺术作品的创造价值，得到欣赏者认可的艺术作品创造者才称作艺术家。其次，欣赏者在欣赏艺术作品的过程中，在满足自我艺术作品欣赏期望的同时更提升了自我对艺术作品的鉴赏能力与审美水平，是欣赏者个人艺术情操的提高、升华。

二、艺术欣赏环境的作用

艺术欣赏环境广义来说，一般指的是两种概念。一种就是以社会环境为主的艺术欣赏环境，如人工修建的剧场、剧院、美术展馆、音乐厅等人为建筑。另一种就是指的自然环境，现在很多歌、舞剧的演出形式另辟蹊径，选择真实自然景观为艺术作品表现背景，将艺术表演与自然环境相融合，产生自然与艺术水融的艺术氛围。

欣赏者作为一个平常人，如何能感受到艺术作品的灵魂，关键就是当他进入特定的欣赏环境，处于浓厚艺术氛围包裹下直面艺术作品的那个时刻。可见艺术作品欣赏环境对欣赏者有多么重要的影响。我们认为良好的欣赏环境可以使欣赏者的感官首先接触到艺术作品本身，使欣赏者在开始欣赏活动前心里就做好了预先的铺垫准备，将自我的欣赏态度、欣赏心情调节到最优，提前进入艺术欣赏状态；在欣赏者欣赏艺术作品时，可以帮助欣赏者加深对艺术品的理解、感受；在欣赏活动结束后，仍然可以使欣赏者对艺术品产生无穷的留恋和回味，激发起欣赏者对艺术作品无尽的思考和感悟。艺术欣赏的最高境界不过于此，由此可见欣赏环境在艺术欣赏中起着不言而喻的作用。

三、欣赏环境的重要性研究

我们所研究的欣赏环境必须是欣赏者能够亲身体会，我们认为的艺术不是大家没事的闲聊称赞，不是停留在记档上的没有生机的文献更不是电视荧屏的闪烁。我们想要真正的感受艺术带给我们的美感，带给我们的惊艳，带给我们的震撼就必须要切实的走进艺术欣赏环境，如剧院、音乐厅、美术馆等，用我们的眼睛、耳朵和心来真实的感受艺术的存在价值。

当我们走入剧院的那一刻便可以真实的感受到那种艺术的氛围，在这里即使你想大声喧哗也会被剧院内恢弘优美的建筑结构所吸引，被众多欣赏者的高雅气质所感染，被华丽且具有高科技含量的舞台所震撼。演出开始之后，台上的艺术家与台下的欣赏者再不分彼此，欣赏者都成为了舞台上的演员，随着剧目悲欢离合的进行，欣赏者同悲、同喜、同乐、同嗔。剧院的高科技舞台会随着演出剧目的情节变换灯光、音乐，欣赏者就如同身临其境，感受其中，感动其中，甚至在剧目结束欣赏者还深入其中不能自拔，还随着剧目而在内心产生无限的回味与遐想。这些都是欣赏者因为剧院这一欣赏环境而对演出剧目产生的艺术欣赏感受，这种身临其境的特殊艺术感受，是我们通过广播、电视、口口相传所无法体会的。

我们这里所研究的艺术表现形式从某种特性上来说，剧院的演出即使是同一剧目的演出也是不可重复的。演员自身会因为当天的演出状态和演出场次的次数增多而不同。欣赏者每一次给予台上演员的回应会直接影响本场剧目演员的发挥，专业的演员最需要现场观众的互动，在最适宜的表演节点上给予演员最热烈的回应，演员会因此更进一步的迸发自身的演绎状态，艺术的表演者和艺术的欣赏者在这一时刻达到了良性循环，表演者和欣赏者在这一刻的艺术感悟都得到了升华。这种升华的产生无疑需要在特定的欣赏环境中才能进行。如果欣赏者的欣赏仅仅停留在电视机前，或许演出的过程可以不断地重复，但是艺术表演者和欣赏者无法互动，不能产生在特定欣赏环境中的艺术欣赏效果。没有观众参与的表演与欣赏，表演就没有任何意义。所以，感受艺术达到艺术欣赏的最佳境界，就必须深入到剧院、音乐厅、美术馆这些具有浓厚艺术氛围的欣赏环境中。

参考文献：

[1]彭吉象.艺术学概论[M].北京：北京大学出版社，2010.

[2]彭万荣.艺术、欣赏者与欣赏[M].武汉：武汉大学出版社，2009.

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中学美术教学与其他科目教学不同，既要秉承学术上的科学性和严谨性，也要遵从艺术的发展形势，把握感性的情感表达与思想内涵。因此，中学美术教学要平衡好理性与感性之间的关系。欣赏教学是美术课程中的基础教学，在教学过程中要求学生用心感悟艺术品，体悟其中蕴含的情感以及内在的思想。因此，欣赏教学的开展可以有效激发学生的情感，使学生可以在理性教学的环境下形成感性思维，积极融入中学美术教育，有效强化美术教学的艺术特性。首先，在没有开展欣赏教学之前，学生与艺术作品之间缺乏有效的交流，学生难以用艺术欣赏的眼光品评艺术品，难以理解艺术品深层的含义。应用欣赏教学法后，教师带领学生共同鉴赏艺术品，并在此过程中，教授学生如何欣赏艺术品及艺术品欣赏的意义。通过这种教学，学生会对艺术品产生全新的认识，建立起与艺术品沟通的“桥梁”，通过自己的观察和体悟，感受艺术品的艺术魅力。这对于引导学生形成正确的审美观，以及学生人格方面的发展等，都具有积极的意义。其次，以往美术教师在进行课堂授课的过程中，与其他科目教学一样采取固有的教学方法，没有根据美术学科的特性采取有针对性的教学方法和教学手段，师生之间的交流存在隔阂，导致美术课堂教学质量不高。作为美术教学的重要组成部分，欣赏教学与固有的美术教学并不相同。美术教师带领学生欣赏艺术作品的整个过程，其本身就可以理解为师生之间的一次良流和互动。美术教师与学生在就艺术作品进行分析和讨论的过程中，自然拉近了彼此的关系，改善了课堂的教学氛围，提升了学生对教师的认可度，这为之后美术教学的开展奠定了良好的基础。同时，随着学生思想上的不断成熟，欣赏教学更有利于帮助学生进行思想的表达，让学生在与美术教师交流的过程中，表达自己的观点和看法，进而形成自己的审美观念和艺术底蕴。最后，通过对欣赏教学的研究，我们可以发现，欣赏教学并不仅仅是带领学生对美进行探寻，同时还涉及诸多方面的内容，从人文到思想，从艺术到哲学，都有所涵盖。因此，学生在接受欣赏教学的过程中，会在多个方面有所提高，对知识有了多维度的认识，拓宽了学生的知识面，同时也对学生的文化素养进行了有效的提升，并让学生在欣赏艺术品的过程中产生对自然的热爱和对生命的崇敬之情。这对于改善中学美术教学现状，弥补中学美术教学的不足都有着正面的作用。

二、优化中学美术教学中欣赏教学方法的有效途径

在对欣赏教学意义进行分析的过程中，我们意识到欣赏教学与美术教学有着不可分割的关系，在中学美术教学中开展欣赏教学可以让学生转变对美术教学的看法，积极投入美术学习，并在与教师的不断交流和互动中，得到自我提升。因此，中学美术教学必须在欣赏教学的支持下才能高效、顺利地开展，并在艺术性方面有所提高。欣赏教学对美术教学至关重要，但在实际的教学过程中往往没有发挥出应有的作用，使得中学美术教学的发展受到了限制。中学美术教师应积极解决欣赏教学中存在的问题，并对欣赏教学应用的教学方法进行优化，使欣赏教学的质量有所提升。具体来说，可以从以下几个方面对中学美术教学中的欣赏教学进行完善：

1.发挥引导作用，激发学生感知

以往的欣赏教学主要由教师带领学生对艺术品进行鉴赏，并使学生感知艺术品的魅力。因此，以往的欣赏教学忽视了学生的作用，这种陈述式的教学方法，一味向学生灌输审美思想和艺术构成方面的知识，并不能让学生真正产生对艺术作品的感悟，学生缺乏自己的想法，这与欣赏教学的教学宗旨相悖。因此，今后在欣赏教学的过程中，中学美术教师应摆正自己在欣赏教学中的位置，对学生进行有益的引导，而不是直接把自己的观点强加给学生。美术教师要注重引发学生的思考，让学生主动发表对艺术作品的看法。要想做到这一点，美术教师需要改变平铺直叙的讲授方法，要通过提问的方式让学生进行思考。如，在欣赏印象派画家莫奈的《日出》时，教师就可以让学生谈一谈对该画的理解，并就该画的艺术成就做出自己的评价。通过这样的方法，不仅可以让学生成为课堂的主体，同时也更容易帮助学生形成个性化的审美观念。

2.营造教学氛围，强化学生感悟

无论何种科目的教学，要想提升教学质量，关键在于使学生融入学习氛围，积极主动地进行学习。欣赏教学也不例外，美术教师要想真正发挥欣赏教学的作用，就要让学生在欣赏艺术作品的过程中，真正做到用心感受艺术作品，而不是肤浅地仅从外形、色彩等方面对艺术作品进行评判。首先，美术教师在进行欣赏教学的过程中可以适当进行教学氛围的营造，让学生置身于良好的氛围中，情不自禁地被艺术作品所吸引。如，教师在带领学生欣赏中国水墨画作品的过程中，可以在班级内播放一些传统的古筝乐曲，让学生在古朴优雅的氛围中欣赏水墨作品，有效强化学生的感悟能力。其次，要对艺术作品的创作背景进行深入挖掘，注重人文方面的教育，使学生的情感可以得到充分调动，让学生带着情感欣赏艺术作品，提升欣赏效果。

3.丰富教学手段，保障教学质量

欣赏教学以艺术作品欣赏为主，但现代中学的教育资源有限，不能为学生提供真正的艺术品，也没有足够的时间经常带学生去艺术馆、画廊等地进行参观。因此，多数欣赏教学都是借助教材图片或者一些大型图片教具，这使得艺术作品的真正魅力很难被展现出来。为了弥补这方面的不足，中学美术教师应借助现代先进的多媒体教学设备，丰富教学手段，通过大屏幕向学生播放艺术作品的图片或视频，让学生可以对艺术作品进行具体、全面、深入的了解。为了让学生了解艺术作品的创作背景，教师还可以为学生播放一些纪录片或者教学微课，使学生的学习热情可以被激发起来，真正实现欣赏课的教学意义。

三、结语

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关键词：当代中国画；艺术批评；建立策略

1 艺术批评简要概述

近现代意义上的“批评”（Criticism），可以译为批判、评论的意思。“ Criticism”由希腊文“Krinein”一词发展而来，其基本含义为区别与鉴定，即作出判断的意思。英国诗人德莱顿是英国文艺批评之父，他曾经指出：最早确立批评的是亚里士多德，是他最早指出判断的正确标准。批评与欣赏间既有联系又有区别，欣赏侧重于对艺术作品的审美感受，重在对艺术作品中美的揭示；而批评是以欣赏为基础，并在此基础上有进一步的深化与发展，侧重于对艺术作品的分析、判断与研究，其中有对艺术作品美的揭示，也有对艺术作品谬误与不足的指出，并引导艺术发展的方向。总结起来可知，艺术批评，即为Art Criticism，是一种艺术评价行为，是指在艺术欣赏基础上，艺术批评家运用特定的艺术理论与批评标准，对艺术现象与艺术作品做科学分析与正确评价。

2 艺术批评所具有的重要作用

2.1 通过评价艺术作品，形成对艺术创作的反馈

艺术创作是种复杂的精神生产活动，艺术家进行艺术创作，需要广大观众、读者、听众以及批评家的帮助，艺术家在此基础上获得进步与发展，而艺术批评的第一个重要作用也由此展现出来，即通过对艺术家的艺术创作进行总结，艺术批评家提出自己的意见和建议，并以此促进艺术家的艺术创作。古罗马文艺批评家贺拉斯曾将艺术批评家比喻为磨刀石，他说磨刀石虽然切不动什么，但却能使钢刀变得更为锋利；艺术批评家虽然不能创作艺术作品，但却能够给艺术家以指导。的确如此，通过对所选取的艺术作品的深层品味与系统分析，艺术批评家能够发现该艺术作品的成功与不足之处，并在此基础上给出中肯的意见，形成良好的艺术评价，将对艺术家创作起到良性促进作用。

2.2 引导民众鉴赏艺术，提升欣赏者的鉴赏能力

艺术作品往往蕴含深刻的思想内涵与浓郁的艺术魅力，艺术欣赏者未必能做到全面领悟与把握，而是需要艺术批评引导民众鉴赏艺术作品和感悟艺术现象，提升其艺术鉴赏水平与鉴赏能力。如当代中国画画家李宝峰的作品，是对写实人物画的坚持与突破，他的作品总能给人一种愉悦之感，有很多颇负盛名的作品，如《回廊下》、《高原情》《李时诊断医图》、《壕上观鱼图》等，在特定的故事情节安排中，对人物身份、性格、神情的把握到位而得体，毫无故作姿态，显得轻松而自然。通过艺术批评的引导，广大民众能更好地领悟李宝峰人物画中所深含的坚实功底，也能提升民众对人物画的鉴赏水平。

2.3 丰富中国艺术理论，推动艺术批评繁荣发展

艺术批评有对艺术作品的分析与评价，也有对各类艺术现象的考察与探究。艺术批评既能积极利用艺术史研究成果，受艺术理论的有益指导；又能在分析与评价新画家与新作品的基础上，总结艺术创作新经验，探讨艺术领域新问题，从而促进艺术理论与艺术研究成果的丰富，实现艺术批评领域的繁荣发展。

3 当代中国画艺术批评中所存在的问题

从上世纪70年代以来，我国当代艺术已然有了三十多年的发展，中国当代艺术批评的发展是与中国当代艺术的发展双向互动前进的。中国当代艺术发展中出现了很多新艺术形式、艺术现象、艺术形态和艺术观念，中国当代艺术批评也取得了巨大的发展，但也应看到，中国当代艺术批评领域，特别是中国画艺术批评方面，还存在诸多问题，主要表现为以下几个方面：

3.1 存在“好人主义”

近年来，国内艺术批评领域存在“好人主义”，艺术批评者进行艺术批评时，对艺术作品的缺点和不足简单带过，甚至是避而不答，只是一味做出好的评价。虽然这样的评价方式能做到不得罪人，但却降低了艺术批评所应有的作用，不利于激励艺术作品创作者认识自身艺术创作水平，进行艺术反思与艺术创新，推动艺术创作活动的长远发展。当代中国画艺术批评领域“好人主义”的存在，将使艺术欣赏者在面对不真实、不公正的艺术批评时，一是无法实现对艺术作品的深入了解，二是可能失去对艺术批评的信心，甚至对艺术批评敬而远之。

3.2 存在过分西化现象

西方艺术理论及艺术分析方法存在精华之处，对中国艺术作品分析也有积极作用，吸收西方艺术理论及艺术分析方法亦成为中国艺术批评融入全世界的有效途径。但批评中国画作品都套用西方艺术理论与西方固有模式，这是不合理的。因为中西文化间存在巨大差别，这些差别也体现在艺术创作与艺术理论中，突出表现为中国艺术创作对应中式艺术批评，而西方艺术创作则对应西式艺术批评；进而可言，中西艺术创作间存在差别，中西艺术批评间也存在不同之处。正因如此，不能完全套用西方艺术批评模式来评判中国画艺术创作，如果不能规避过分西化的现象，容易出现中国画艺术批评的民族模式和批评术语的丢失，而这种过于西方化的批评模式，也必然为众多的艺术欣赏者所排斥。

3.3 存在盲目吹捧现象

近年来，国内艺术批评界存在盲目吹捧之风，这使一些优质艺术作品不被理会，一些低俗艺术作品却受到吹捧；使一些造诣不高但却善于投机逢迎的艺术家受到“好评”，而一些造诣很高却只致力于艺术创作艺术家备受冷落。中国艺术界所存在的这种盲目吹捧的现象，助长了艺术创作中肤浅浮躁的风气，而不客观实际的艺术批评也为广大艺术欣赏者所反感。

3.4 存在庸俗化倾向

很多艺术批评者对批评对象的选择，不是倾向于高品味的艺术作品，而是选择分析和批评低品味的艺术作品，甚至采用庸俗的语言进行评论。当代中国画艺术批评中所存在的这种庸俗化倾向，这将影响到中国画欣赏者的欣赏品味和审美格调，不利于中华民族整体艺术欣赏水平的提升。现实是，绝大多数中国画欣赏者有健康的欣赏品味和审美追求，但庸俗化的艺术批评将使欣赏者对艺术作品有所曲解。

4 如何建立当下中国画的艺术批评学说

中国画批评标准的混乱与缺失，是当下画家们及艺术批评家们的共识，如何建立当下中国画的艺术批评学说是广大艺术者们所深思的问题。笔者认为，可以从如下几方面做出努力：

4.1 艺术批评者肩负起应有责任

艺术批评在艺术创作及艺术欣赏领域起到重要作用，但近年来，我国艺术批评正趋向于衰落，在实际艺术批评过程中，很多艺术批评者想到的只是获得艺术批评的巨大影响力，却并未肩负起其在艺术批评中所应尽到的责任。为了纠正上述错误行为，广大艺术批评者应进行深入反思，在进行艺术批评时，能坚持客观、公平、公正的原则，做到不捧杀也不扼杀，做到摒弃“好人主义”，能够发现中国画画家艺术创作过程中所存在的问题，并提出合理化的意见和建议，做到艺术批评语言既不庸俗化，又能满足广大欣赏者的需要，对欣赏者审美水平及鉴赏能力的提升起到推动作用。除此以外，中国画艺术批评还应展现中国特色，这既包括在对形、神、意、象等艺术术语的表述上，也表现在艺术批评的行文思路上，在注重西方理论性分析同时，也应有对中国传统感彩的渗透。也唯有如此，才能创作出更能展现中国化的艺术批评文章来。

4.2 批评家与艺术家的和睦相处

艺术创作和艺术批评是相辅相成的，为推动二者的和谐促进与发展，应加强艺术批评者与艺术家的交流与沟通。但现实情况是，诸多艺术批评者与艺术家间缺少交流，甚至存在怒目冷对、相互谩骂的现象。这在很大程度上遏制了两者间的良性互动，致使艺术批评应有的推动作用难以发挥出来，反而为欣赏者及国外艺术界所嘲笑。为确保我国艺术创作与艺术批评的整体形象，有必要完善艺术批评者与艺术家间的关系。

4.3 努力凸显当代中国画主体精神

当代中国画应当具有主体精神，这是诸多艺术家及艺术批评家所达成的共识。当代中国画有三条创作主线，即官方、新潮及传统，各条创作主线间都存在创作差异，而当代艺术家的最突出特征是对传统价值的反叛和争议，价值判断标准的缺失，也使对中国画价值的判断成为难题。除此之外，中国画还呈现商品化和大众化特点，现阶段，在中国画一片繁荣的景象之下，也显现出其缺乏生气的一面。面对这种情况，无休止的争吵是没有意义的，而是应该营造良好的社会整体语境，激发个体精英的创造力，确立明确的中国画批评标准，凸显中国艺术领域当代主体精神，为中国画艺术创作与艺术批评创造良好的条件，并推动中国画艺术批评学说的建立。

参考文献：

[1]殷莎，程妍.艺术的目的及其在艺术批评中的运用[J].美术教育研究，2012（07）.

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关键词：艺术欣赏；情感体验；感知；想象；移情；共鸣

1 概念

1.1 艺术欣赏

艺术欣赏就是通过欣赏主体（观众，读者）对欣赏对象（艺术形象、艺术意境）的感受、体验、领悟、理解，由浅入深，情理结合，得到审美愉悦和陶冶。

1.2 情感体验

1）情感。情感是指对情绪的主观感受或主观体验，是个体对自身精神需求和人生价值体现的一种心理过程。

2）体验。体验是个体亲身的体会、精微的体察，又带有经历的反省、察验和深刻的感受，它是主体独特的觉知，是心理活动中的一种主观成分。

2 理论

2.1 艺术欣赏中的心理过程

艺术欣赏的审美认知过程，是按照“欲望――感知――想象――移情――满足”的心理模式来建构的。从这一心理结构可以看出，人的欲望是艺术欣赏的心理动因，人的感知、想象、移情、理解艺术欣赏的心理要素，人的满足是艺术欣赏的终结。在这一心理运动的感知、想象等心理要素在欲望的支配下，从欣赏对象中选择和捕捉与欲望需求相对应的审美信息进行交流和认同，使自我在心理上获得平衡和满足。作为艺术欣赏心理动因的欲望，主要包括求美欲望、认知欲望、情感欲望和道德欲望几种。

感知是艺术欣赏的基础。色美以感目，音美以感耳，意美以感心，说的是听觉艺术和视觉艺术是通过视觉、听觉等不同器官的作用而发生心灵感应的。感受能力就是个体心灵对感性存在形式的外在意蕴的敏感程度，感受能力强的个体对艺术作品有着优越的敏感性，能够感受到艺术作品的深层意境。例如，对音乐作品的欣赏要求对音响、艺术组合、音乐形式的总体感觉良好；对视觉艺术的欣赏要求对审美感觉的整体把握，这往往构成直觉感悟的前导。这里的感受能力只是基于对象表层的心理活动，属于第一信号系统的刺激，在它的基础上对艺术作品的进一步探知，从而发生第二信号系统连锁性的反应。这就是从感觉越入知觉的过程，个体通过自己的认知图式对艺术作品的各部分和属性进行整体的反映，在求索作品呈现的物态化意象的同时，通过理性的参与，获得艺术作品的内层意蕴的领悟。

想象和移情是对感知的升华过程，是艺术欣赏的关键。想象是人对头脑中已有表象进行加工改造，创造出新形象的心理过程。想象以对作品的感知和作品本身内容提示为出发点，以个人经验为基础，把欣赏者的再造性想象和创造性想象统一起来，形成新的作品意象。移情是把自己对某事某人的情感转移到当前事物上来，善于移情的个体能够产生由联想到的经验诱生出的喜怒哀惧的情绪体验。这正是“一百个读者心目中有一千个哈姆雷特。”

以上的心理过程使欣赏者的各种欲望得到了满足，从而使自我心理上获得平衡和满足。

2.2 艺术欣赏中的情感体验

（1）情感体验的核心――共鸣

所谓共鸣，就是欣赏者在对欣赏对象的具体感受的基础上，进而深深地被欣赏对象所感动、所吸引，从而在欣赏主体与欣赏对象之间，从情感、意志到思想达到了契合一致。这时，欣赏者与创造艺术形象的艺术家“同声相应，同气相求”，爱其所爱，憎其所憎，同悲欢，共休戚。当我们把感知和注意力完全集中到某质上时就会唤醒我们的“预备情绪”，将我们引向另一个世界，另一种“瞬息生活”，这标志共鸣情感的到来，达到了与艺术创作者的心境共鸣。欣赏者对欣赏对象进行情感体验时，必须达到某种程度的共鸣状态，才能获得对欣赏对象的深入把握和领悟，真正受它的感染。

（2）情感体验的主要方法

情感体验主要有三种方法：一是建立在感知基础上的情感体验，即对客体内涵的充分理解，准确把握感知上的体验；二是建立在想象与联想基础上的体验；三是建立在认知基础上的体验，要去寻求情感体验的依据，这种方法理性多于感性，有助于体验的深入和内涵的把握。

2.3 在音乐、文学、影视艺术欣赏中的情感体验

（1）音乐欣赏中的情感体验

音乐是一种善于表现和激感的艺术，音乐欣赏的过程就是情感体验的过程，也是一个产生共鸣的过程。可以说，音乐欣赏是一个主客体相互交融的过程，再音乐欣赏中，作为客体的音乐作品将自身的感性特征呈现给欣赏者，以丰富多变的音响作用于人的听觉；作为主体的欣赏者不断的将自身的情感和想象投放到作品中，用幻化的意象去充实音乐的内涵，于是各种情感体验产生了。当我们听到阿炳的《二泉映月》时，深沉回环的旋律，徐缓多变的节奏，仿佛是一位流浪艺人讲述自己的不幸身世，倾诉自己的痛苦和愤懑，当那种苍劲悲凉的音调和欣赏者的情感经验结合时，主客体情感迅速交融，而逐渐形成共鸣，于是，同情之心，反抗之情油然而生。而当我们听到歌剧《卡门》中的《斗牛士进行曲》时，紧凑的节奏，辉煌的音响，表现斗牛士埃斯卡米罗在热烈的掌声中入场那种昂扬的斗志和兴奋的神态，使欣赏者不自觉的感到热血沸腾，精神振奋。

（2）文学欣赏中的情感体验

刘勰说：“人禀七情，应物斯感，感物吟志，莫非自然。”人具有七情六欲，接触外界事物必有所感，而有感必有吟，有吟必有情，这是自然的客观存在。这种存在又因其强弱深浅形成不同的情感力量存在于文学艺术作品中，所以切实抓住和体验文学的情感，是文学鉴赏的核心所在。文学欣赏中的情感体验来源于人的需要，人有三大精神需要，求知、审美、交往，文学欣赏活动是人的审美天性的一种体现，它有以下几种心理起因：自我认同的满足、现实缺憾的补偿、情感交流的合群、归属、自我价值的提升等。有了以上几种心理起因，欣赏者就会在文学欣赏中更易与作者产生某一方面的共鸣，他们的情感交融也使欣赏者的心理需要得到满足。当我们读朱自清的《背影》时，通过对父亲爬月台时背影的描写，我们体会到父亲对儿子的关怀、体贴、期待以及恋恋不舍之情，从而想到我们的父亲，一种感恩、崇敬、甚至是愧疚之情油然而生；当我们读到诸葛亮的《出师表》时，又被他的“鞠躬尽瘁，死而后已”的耿耿忠心而深深感动；我们会为宝黛之间的爱情扼腕，也会为岳飞精忠报国而感叹。正是因为我们在生活中有各种各样的体验和经历：爱情的温馨、离别的孤独、不幸时的忧伤愤懑，所以我们在文学作品中很自然的找到了宣泄和共鸣。对文学作品的欣赏不仅使我们领略到作品的佳美，也使我们获得一种愉悦心神的精神享受。

3 结论

“艺术是人类情感符号的创造”。对艺术的欣赏即是通过欣赏者与艺术家的对话来达到二者之间情感的共鸣，从而使艺术作品的价值得以升华，也使欣赏者得到心灵的享受和慰藉。我们要在生活中积累经验，丰富知识，提高自己的审美水平，增加自己的思维深度和广度，以达到更好的艺术享受。

参考文献：

[1]杜书瀛.谈艺术欣赏[J].陕西师范大学学报：哲学社会科学版，2006，5，35（03）

[2]李亚娟.艺术欣赏过程中儿童的情感体验[D].优秀硕士论文.

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[关键词]当代艺术 物理空间 心理空间 社会空间 陶瓷艺术

一、 艺术与空间的关系

艺术作为一种满足人们特殊精神需求的审美对象，具有其自身的属性和特质，艺术作品作为连接客观世界和对象世界的媒介，并非是指简单的物质实体，还包括包括艺术家情感的熔铸、艺术欣赏者的审美感受以及引发欣赏者审美感受的空间环境等要素。纵观艺术品的发展轨迹，从实用艺术逐步演变成装饰艺术，空间要素超越了传统意义上的定位，成为当代艺术不可或缺的组成部分，在原有基础上增加了一些新的内涵。艺术作品不再是一个孤立的物体，而是从根本上追求精神的享受。空间的作用除了表现出艺术作品所处的环境和文化、生态等因素外，还起到限制作用，规定了艺术作品的整体气氛。设计师在艺术创作的过程中，必须结合空间因素来设计作品。

艺术作品中空间的作用已经从单纯的物理空间延伸到心理空间和社会空间。艺术作品中的“空间”概念包括物理空间、心理空间、社会空间三个层次，物理空间是指物质实体所围合的空间，心理空间则是由物理空间布置所引发的的心理上的空间感受。社会空间是对民主精神的呼唤。以“艺术家——艺术作品——空间环境——欣赏者”的有机统一性为原则，提高作品的艺术感染力和社会文化内涵。

1、 由艺术作品的物理空间延伸到心理空间

艺术家创作出来的艺术品，要通过欣赏者的审美再创造，才能发挥它的美学价值。对艺术品空间的营造，是人们审美需求的物化表现。在当代社会，艺术品的创造不仅仅着眼于艺术品本身，而更加注重整体氛围的营造，同一件艺术作品摆放在不同的空间，会引发欣赏者不同的心理感受。这是由空间的特定属性决定的，空间是具有逻辑性和形态性的，特定的空间能使人感受到特定的知觉意义。对艺术品空间的营造，并非仅仅满足观赏者的视觉审美需求，也可以实现大众的心理补偿。

当代艺术是现代城市文化的产物，是表现城市文明和人类现代生活与理想的一种艺术形式。它的目的不仅仅是艺术作品的展示，目的是通过不断影响人们的心理活动，改变大众对现代文明的认知。在城市，大众的私人空间是狭小的，人们希望公共空间弥补私人空间的不足，争夺更多的私人空间和自我实现的心理补偿，并实现个人与社会精神的对话。

2、 由艺术作品的物理空间延伸到社会空间

艺术空间的营造除了满足大众的视觉审美需求和心理补偿需求，也是对民主观念的呼吁。人是空间创造的主体，不同时代、不同民族创造的空间都渗透着当时的社会意识、时代特征、文化背景等精神生活和物质生活因素。当代艺术对社会空间的诉求，不仅仅是为艺术作品提供良好的整体氛围，还是对公众权利的维护。当代艺术是民主化的必然产物，也是社会发展的内在需求。回顾艺术的发展历程，在当代，艺术不再是少数人的，当代艺术已经被打上民主化的烙印，因此，建立一个真正体现民主观念的艺术运作机制，是当代艺术的必然使命。艺术家要通过使用民主化的话语权，体现出平等交流和公共关怀的价值观。艺术家必须努力在个人与公众之间寻找平衡点，通过艺术品的创造满足大众民主化的政治愿望，维护公众权利。

二、 当代艺术的空间营造——以陶瓷艺术为例

纵观陶瓷艺术的发展史，陶瓷艺术逐渐从实用性向装饰性转变，陶瓷的装饰性是陶瓷原始功能的一个重要组成部分，是在满足了人们的基本实用功能之后，从物质文化提高到精神文化的高度，所产生的陶瓷新功能。现代文化的多元化导致陶瓷艺术的多样性，把陶瓷与现代环境空间结合，是新时代陶瓷艺术多元化表达的新方向。在当代社会，陶瓷艺术逐渐打破单体化的格局，朝着整体、多元化、大型化的方向发展。

三、总结

当代社会制度和文化的多元化决定了艺术的多样化，空间与艺术的结合，为当代艺术的发展提供了一种新的维度和思考。空间的营造并非只是为了满足大众的视觉审美需求，而是对艺术民主化的呼吁，建立一个真正体现民主观念的艺术运作机制是当代艺术的重要使命。通过物理空间的营造完成大众心理空间的审美需求和心理补偿，进而实现艺术的民主化，为公众争取社会空间的权利。当代艺术家要更加注重艺术作品的文情怀，通过艺术品的民主化精神维护公众权利，建立一个真正体现民主观念的艺术运作机制。

参考文献

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关键词：当代艺术；艺术作品

引用两位哲学家的话来表明什么是当代艺术：“艺术不是用来认识的，但是，它给我们带来思考”（康德）；“艺术不是技艺，它是艺术家体验了的感情传达”（列夫・托尔斯泰）。这两句话体现出当代艺术是每个作者个人情感表达的一种方式，作者将思想表达出来，挖掘人性的每一个方面，用自己独有的手法公布给世人，使世人去了解，去思考和反思人性。这就是当代艺术的魅力所在，即可以吸引你去深层次思考人性。看不懂当代艺术，是因为没有了解足够多作者的背景，没有融入当时的历史环境。

1 现代艺术和当代艺术的区别

1.1 现代艺术与当代艺术的区别

现代艺术是按照时间去划分的，当代艺术是按照思维划分的。虽然现在有很多人很容易混淆“现代艺术”和“当代艺术”，但是，“当代艺术”不仅体现了“现代性”，而且还体现了艺术家基于今日社会生活感受的“当代性”，艺术家置身在今天的文化环境中，他们的作品和所体现的思想就是当今时代的特征。

1.2 对当代艺术作品的理解

如果你用美来衡量一件艺术作品是好是坏，肯定是对当代艺术没有那么深入的了解。因为当代艺术的标准不是好不好看，而是重不重要，用美不美是衡量不出一件艺术作品的好坏和价值的。

所有的艺术作品，体现出的有四种现象：第一种是反映当时的社会状况，作品象征的是有关于社会的思考，关于文化的思考，以及对于环境和身份的个人思考，最后引起的是对人性的反思。第二种是反映过去的社会状况，就是过去的当代历史作品，放在当今，也能有很深远的意义和轰动，所象征的也是社会、文化、环境、身份以及历史的深刻含义，最终体现出来的也是对人性的思考。第三种是对人性的思考，象征的是生存，最终体现的是人性某一方面的特质。第四种就比较特别，是一种没有较大内涵的单纯的视觉吸引，往往单纯视觉吸引的当代艺术作品更能引起人们的猜想，也很容易出现单纯的炒作，不能引起任何深层次的反思。

面对当代艺术的作品，不能单凭自己的感官去判断作品的好坏。一千个读者就有一千个哈姆雷特，好的当代艺术作品不仅要有独特的视觉体验和交互体验方式，体现参与感，更重要的是艺术家作品背后的生活经历和特定的历史场景，以及艺术家的独特引导和心理展示，能让来参观和体验的观众引起一定的思考，产生自己的思想或者与作者的共鸣，从而拓宽视野，了解新的领域。使观众有足够强烈的反响和共鸣，才能称为好的作品。

2 对当代艺术作品的解读

2.1 对《布拉格之春》作品的解读

照片的名字是《布拉格之春》，摄于1968年，摄影家是约瑟夫・寇德卡，这张作品的价格是“天价”。

当看到这张照片的时候，人们眼前是黑白灰的色调、扭曲的道路、手臂和单调的手表。这样的照片没有什么样美感，为什么价值却为“天价”？

因为这张照片是捷克摄影大师寇德卡在布拉格之春的代表作，当时是随手一拍。1968年8月，华沙条约组织的坦克入侵布拉格，寇德卡用相机见证并记录下了这一切。“我记得那时候别人看到我都说我疯了，因为当时俄国人看到谁拍照就射谁，可我就站在他们的坦克前！”这是其中一张经典作品，记录了当时的事件。这些照片被秘密偷运出捷克，由玛格南图片社提供给外界媒体。后来这张照片成为一个时代的重要符号。

这张照片所蕴含的当时的历史背景，历史的特定角度是独一无二的，一旦了解这件作品的历史背景，肯定会感觉这张作品要比平常那些风景照片或者写真要具有价值得多。

2.2 解读中国85新潮美术“枪击事件”

85新潮美术“枪击事件”是中国当代艺术打响的第一枪，是中国当代艺术的重要转折点，具有重要意义。观众可能会不理解为什么这能称作当代艺术，为什么有这么高的地位，只是打了两枪就可以这么著名和有历史意义么？

1985年，中国正从“”期间慢慢走出来，百废俱兴，艺术领域也是这样。大家从以前紧张的政治气氛中走出来，从不敢有自己思想的年代中走出来，可以表达自己的独特思想，可以学习以前不能学习的新思想。1985年期间，中国的当代艺术开始发展起来，“枪击事件”的发生，打响了中国当代艺术发展的第一枪，表明了中国的当代艺术可以开始轰轰烈烈的发展，艺术家们可以表达自己的思想，政治上面也不会再像从前一样干预。所以说，“枪击事件”也是一个中国当时当代艺术的呐喊，是一个开端，被赋予了重要的意义。

当代艺术不是以一件作品的美丑来决定好坏，是要根据当时的历史背景和所赋予的意义来谈论作品的好坏。要理解一件作品，之后才能评价它存在的意义和价值。

3 如何理解当代艺术

我们欣赏不了当代艺术，是因为我们不知道当代艺术根本上应该怎么去理解和欣赏，我们只是按照自己的主观意识来判断和评价一个作品的好与坏。自己的评价未必是正确的，也不能左右一件好的作品掩盖其本身的意义。

大多数中国人理解的“当代艺术”可能就是一个新奇、让人眼前一亮的作品，也可能是一些让人匪夷所思，或者让我们不能直面的令人害羞的作品。当代的中国人因为接受了“”时期的思想禁闭，在那么久的时间里没有接触世界艺术的潮流，就像断层了一样。“”结束后，中国才开始学习西方的当代艺术，那时，西方的当代艺术已经发展到一定的层次，中国人一下子还搞不清什么是当代艺术。这是因为我们缺少了那么多年的艺术熏陶和艺术底蕴，没有那么深层次的自我见解和理解。

20世纪接收教育的这一代年轻人，在世界的浪潮中，受上一辈的影响，没能接受到更好的教育，对艺术不重视，造成了现在一大批人对艺术不理解。又赶上了互联网的时代，人们不能沉心静气地去学习和深入地思考，接收的大多都是碎片化的知识，不能形成自己的知识体系，所以当代艺术很难在中国被大多数人所理解。

要读懂当代艺术，就不能主观地去判断，而是要客观地去看待和理解一件艺术作品。先去了解艺术家想要表达的个人思想是什么，再了解艺术家所处的历史背景和作品所处的历史背景，最后再来判断艺术作品的价值。

艺术如人，如果我们在不了解一件艺术作品的情况下就否定它，那么我们将永远不可能体验艺术作品的内涵，就如不能体验人性的复杂性一样。

4 结语

要欣赏当代艺术作品，首先要树立客观的欣赏意识，其次要主动了解艺术家所处的时代背景和作品所处的历史背景，最后要理解作者要表达的个人情感和思想是什么。这样才能客观地去欣赏和理解一件艺术作品。当代艺术作品的种类繁多，需要我们用更多的时间和更多的知识储备量，去深入地了解一件艺术作品。当代艺术作品能给我们带来更宽阔的视野和更深刻的反思。

参考文献：

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关键词：艺术；量化；情感；概念

中图分类号：J05 文献标识码：A

文章编号：1005-5312（2012）21-0061-01

“情感识别软件”是荷兰阿姆斯特丹的一所大学研究的通过分析面部表情特征来评估一个人的情绪，如嘴唇的弯曲度、眼部周围的皱纹等，然后分别算出喜悦、悲伤、恐惧、愤怒、惊讶、厌恶这六种情绪所占的比例。

量化分析是统计学的研究方法，它最大的特点在于它能够提供具体数据进行证明，较具说服力。但是把量化分析的方法运用到艺术领域，尤其是用具体的数据来评价艺术作品的内容之上，如直接应用“情感识别软件”来量化绘画作品中人物表情的喜怒哀乐，这一研究方法是值得思考和怀疑的。笔者认为，艺术并非自然科学，它的众多方面无法进行量化分析的，一旦量化，将会把艺术家的情感扭曲，从而读不出艺术作品真正的情感内涵。上升到艺术概念的层面，“艺术的概念也只是一个模糊的标准”，不仅分门别类，而且其本身就存在众多的不确定性。本文从艺术作品的情感和艺术的概念两方面对此进行论述。

一、“量化分析方法”不易于把握艺术作品的情感

首先艺术品是艺术家情感的载体，欣赏艺术品应该上升到它的精神高度，感悟艺术家的情感所在。艺术家通过艺术形式传达审美情感，欣赏者通过艺术形式体验审美情感。由此可知，艺术家在创作艺术品中融入了自己复杂的情感，这些情感统一在艺术作品之中，通过某种最佳的形式表现出来，一旦这种表现形式改变，它所传达的情感随之改变，尽管可能微乎其微。我们在读艺术作品的时候要尊重艺术家的表达方式，用心感受作者的情感，而不是凭仪器、数据量化画家的情感和内心。

再从伦理的角度来看，孔子的儒家思想突出强调艺术与伦理的关系，他认为艺术美的最高境界是善，如他用善来评价《诗经》的艺术成就，柏拉图也认为最美的就是最接近善的。而“善”是无法量化的。艺术家心目中的“最美”正是通过一种最佳的排列组合表现出来的，达到一种“和”、“美”、“善”的状态；相反，这一排列组合一改变，艺术作品就有可能不再“最美”。情感是艺术作品的灵魂，若情分则魂散。伟大的作品恰到好处的表达了作者的情感，欣赏者在了解作品诞生的客观因素基础上，情感上升到一定高度，与作者产生某种共鸣，也许才能真正欣赏到它的美。

二、艺术概念的模糊性决定艺术不能被量化

目前，学术界对于艺术的概念、起源、发展过程、存在方式、存在状态等的众说纷纭，首先决定了艺术是不能被量化的。之所以众说纷纭也在于概念本身就是浑沌的、模糊的。《辞海》中这样定义艺术：通过塑造形象具体地反映社会生活，表现作者思想感情的一种社会意识形态。这样看来，宇宙间的任何有人类参与的行为都直接或间接的反映社会生活的某方面，同样也可以表现人类这一伟大作者的思想感情。

从认识的角度看，李凯尔特曾说：“与现实本身相比，认识总是一种简化。”人类的认识始终以不断变化发展的状态存在，对人类本身的认识逐步发展，对艺术亦如此。如此看来，艺术在时间上是运动的，不是一成不变的；在空间上也是无边无际的。艺术概念的困难性正是在于它所囊括的东西具有抽象性，这也就导致任一理论家都无法给出一个标准的概念。美学家W-肯尼克曾自我解嘲般的说过：“当没有人问艺术是什么时，我倒清楚艺术是什么，只是当别人问我艺术是什么时，我则答不出来。”海德格尔虽然承认，艺术是在艺术作品和艺术家之上的“最初的第三者”，是它使得艺术作品和艺术家得以命名或定性。但是他所说的“艺术在艺术作品中成其本质”，仍旧等于事先已知道什么是衡量艺术作品的标准，即已有某些办法将艺术作品从非艺术制品中鉴别出来，这其中实际暗含着对艺术的某一先在设定。他也曾说过：“没有了艺术这一概念，甚至如艺术家、艺术品等概念也就无所附丽了。”这两句话不难看出，虽然海德格尔在对于艺术的概念、艺术品、艺术家甚至艺术本质的概念的阐述上存在某些矛盾，但是是倾向于后者的。笔者认为，如果连艺术的概念都无法确定的话，与艺术相关的一切都无疑存在着变数，何以谈艺术的量化？有人说建筑是“量化的艺术”，这也只能是从建筑的结构、材料等客观角度来说，建筑给人类带来的历史价值、审美价值、精神价值等是无法量化的。

三、结论

任一艺术作品都是包含着人类的复杂的情感的，艺术家正是通过自己的作品表达自己的情感，这种情感与作品内容、表达形式是一体的，不可分离、不可量化；又艺术概念的模糊性也让我们无法量化它之下的具体艺术行为。笔者认为，把量化分析这一特殊的研究方法运用到艺术领域中去，对于目前的艺术评价系统还需谨慎思考。

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艺术鉴赏就其性质来说，是一种鉴赏主体凭借艺术作品而展开的积极的、主动的审美再创造活动。在艺术鉴赏活动中，联想和想象有特别重要的作用。黑格尔认为最杰出的艺术本领就是想象，别林斯基则把想象看作形象思维的中心。这是由于艺术鉴赏作为一种审美再创造活动，鉴赏主体并不是消极、被动地接受，而是运用联想和想象以及其他心理功能对艺术形象进行积极、主动的再创造。艺术鉴赏过程中的想象是审美主体在特定的审美对象刺激、诱导下，将大脑中已有的相关表象重新进行组合、加工、改造而创造新的艺术形象的心理过程。中国古代美学和文艺理论中曾用“神思”“浮想”“迁想”“神与物游”等来概括审美想象和艺术想象。在西方美学史上，审美想象常与形象思维同义。亚里士多德在他的《心灵论》中说：“想象和判断是不同的思维方式。想象是可以随心所欲的。”“想象”一词出现虽早，但直到十八世纪以后“想象”才得到广泛运用。审美想象是人的想象活动的一个重要方面，它的客观基础是事物之间固有的联系及其对人的刺激；生理机制是记忆的复合，是大脑皮层贮存的众多信息的新组合，暂时神经联系的重新复苏；心理条件是主体积累了丰富的信息、表象、经验，把握了事物之间的相互联系，并以接受当前对象刺激为契机，以特定需要、目的为动力。审美想象是人类所特有的高级神经活动和心理能力，是审美、创造美中形象思维的中心枢纽、是意象创造、美感深广化和艺术创作、艺术批评鉴赏的心理动力。艺术鉴赏中的联想是审美主体感知艺术对象时连带想其他有关事物的心理过程，在心理学上，联想是指由一事物想到另一事物的心理过程。包括由当前感知的事物想起另一有关的事物；由已经想起的一事物而想起另一事物。“联想”一词最早由英国人洛克于1690年在《人类理智论》中提出。

审美联想的客观基础是对象审美特质对人的刺激的强度、次数，对象之间时空上的邻近性，体现出当前事物与记忆中事物所固有的联系。其生理机制是大脑皮层暂时神经联系的复苏，以往兴奋痕迹在新对象刺激下的重新复现。心理条件是以往感觉印象、记忆材料的丰富性、关联性和主体对事物特性、事物间联系的认识程度，以及特定的审美目的和情绪状态等。它是记忆的复合，回忆的表现和结果，是表象与观念、理智与情感、客观制约性与主观能动性的统一。它可将对象与自我沟通，激起自我意识，使对象成为人的本质的对象化；将分散事物加以组合，构成完整的审美意象；可由表及里，由点到面，由此及彼，突破时间和对象固有形态的限制，自由扩展到其他事物，从而丰富对象审美的特性、深化、强化美感；还可引起情感的扩张，引起移情、推爱、推憎、通感等等。

通过想象和联想，欣赏者不仅在自己的头脑中再现出原作的艺术形象，使原作的艺术形象更加鲜明生动,而且能使感知的形象内容更加丰富深刻,从而使艺术活动不只是停留在对艺术作品的直接感受上,而是能够更加深入地感受到艺术作品中蕴涵的更为丰富的内在意义和发现与原作中作者主观尚未意识到的艺术形象。朱光潜先生曾说：“在观照自然和艺术时，我们最容易起联想和想象……一般人觉得一件事物美时，大半因为它能唤起甜美的联想和想象……像如红是火和血的颜色，所以看到令人感觉温暖，感到热情。青是田园草木颜色，所以看到青色令人联想到乡村生活的安闲。①”在各门艺术鉴赏中，艺术鉴赏主体的审美体验都离不开想象和联想，如果没有发挥想象和联想的作用，就很难说在艺术鉴赏过程中艺术鉴赏主体真正获得了美的感受。只有充分发挥联想和想象的作用，艺术鉴赏主体通过感官从艺术作品的形式进入作品内涵之后，就会在艺术作品的丰富的内涵给欣赏者提供的想象空间中展开联想和想象的积极活动，使艺术作品的艺术审美形象得到完善、丰富、升华，从中获得艺术审美享受。

一、艺术作品在鉴赏主体的联想和想象中得到完善

在艺术鉴赏过程中，想象和联想最为活跃。这是由于艺术家创作出来的艺术作品，仅仅是提供了艺术鉴赏的条件，要把它变为鉴赏者内心的艺术形象，就必须通过审美的联想和想象，进行新的、再创造的活动,才能真正发挥其艺术作品的社会意义和美学价值。罗丹曾说：“艺术所创造的形象，仅仅给感情提供一种依据，借此可以自由发展。②”艺术家完成一件作品，只是完成了一部份工作，还有一部分工作需要鉴赏者去完善。而在完善艺术作品的工作中，鉴赏者的想象和联想心理机制发挥着重要作用。如在文学作品的欣赏中，由于文学作品与具有可视的造型艺术和可听的音乐艺术不同，它既不能直接显现如同造型艺术那样的视觉形象，也不能出现如同音乐那样的听觉形象。而文学是用语言和文字来描写人物形象和客观景物的，但作为形式材料的语言和文字符号所要表现的艺术形象毕竟是有限的，而人们的想象力却是无限的。鉴赏主体要使文学作品所描写的形象在自己的心目中栩栩如生地活起来，除了通过想象和联想活动之外，是没有其它任何办法的。陆游的《临安春雨初雾》一诗，“世味年来薄似纱，谁令骑马客京华。小楼一夜听春雨，深巷明朝卖杏花。矮纸斜行闲作草，晴窗细乳戏分茶。素衣莫起风尘叹，犹及清明可到家”。此首诗中诗人由于听见淅淅沥沥的春雨，联想到开放的杏花，联想到卖杏花。鉴赏者在鉴赏时也从诗中所传递的形象中联想到绵绵的春雨，艳丽的杏花，可以想象着小巷里卖花姑娘清脆的卖花声。由此联想到春天的美好，陶醉在一片昂然的春意中，心中愉悦而超脱，仿佛已经置身其中。鉴赏者如果没有此翻联想和想象，就无法体会诗中所描绘的艺术形象也得不到美的享受。其诗只不过是文字符号的罗列，一种只存在着潜在意义的客观存在体。又如金庸先生的武侠小说中有许多描写功夫的词，如“降龙十八掌”“乾坤大挪移”“独孤九剑”“九阳神功”等，如果我们问金庸先生这些武功的一招一式具体是什么样，他可能会告诉我们让读者在想象和联想中回答吧！之所以有那么多的读者迷恋金庸先生的武侠小说，正因为他们通过小说的文字描述，发挥想象力和联想力创造出动态的艺术形象，在大脑中呈现出一副副画面，并将这些画面联系在了一起，实现形象之间的流动、过渡和跨越，对艺术作品进行完善，从中获得了审美享受。在贝多芬的《三十二首钢琴奏鸣曲》中，通常称为“月光”的《#C小调钢琴奏鸣曲》（作品27号之2），本来并没有文字标题，作者只是标明了这是一首幻想曲式的奏鸣曲，献给裘丽叶塔。而“月光”的得名是由于一位德国诗人莱尔斯塔听了这曲首乐曲之后，把它的第一乐章比喻为“湖畔夜色”。其实，这只不过是诗人听了乐曲之后的一种想象和联想。至于“月光”的标题是否与整部作品的形象和意境相吻合，这并不重要，重要的是“月光”这一标题而今已约定俗成。宋代画院的考试题多选自名诗，如“踏花归去马蹄香”，如何能画出“香”字来呢？有一应试画家画一匹奔马，有几只蝴蝶追随马蹄飞舞，使观者联想到蝶恋花，由花而联想到香，这就把“香”字暗示出来了。画面上的事物虽然不能直接作用于欣赏者的嗅觉，但可以通过直接作用于人们视觉的蝴蝶追随马啼飞舞，唤起欣赏者的嗅觉感受，使欣赏者观花时闻到花的香味。这副作品之所以在众考生中脱颖而出，成为宋代画院考试状元，就是充分利用了鉴赏者的联想力和想象力在艺术鉴赏活动中的作用。由此可见,鉴赏者的想象和联想的发挥对艺术作品原作的完善有重要的作用。#p#分页标题#e#

二、艺术作品在鉴赏主体的联想和想象中得到丰富

接受美学的代表人物德国的伊瑟尔提出文本的召唤结构理论。伊瑟尔借用英伽登“不确定点”的概念并加以改造、综合，认为文学文本的召唤结构由“空白”“空缺”“否定”三个要素构成，它们共同激发、召唤、诱导读者在阅读中发挥创造性的想象来填补空白，连接空缺，确定新视界，构成文本的基本结构。高尔基曾说：“文学家的工作空间是什么呢？他想象自己的观察、印象、思想和自己的生活经验——把它们放进形象、画面、性格里去。只有当读者像亲眼看到文学家向他表明的一切，当文学家使读者也能根据个人的经验，根据读者自己的印象和知识的积累，来‘想象’——补充、增加——文学家所提供的画面、形象、姿态、性格的时候，文学的作品才能对读者发生或多或少强烈的作用”③。事实上，不仅文学作品如此，其他门类的艺术作品也同样存在“空白”或“不确定”，召唤着鉴赏者运用想象和联想去填补、丰富艺术作品，而这种审美再创造恰恰是艺术鉴赏使人们享受到审美性愉悦的主要原因。那些被公认为经典的优秀艺术作品是以它们的无限丰富性来吸引欣赏者的，最大限度地激发欣赏者的想象力和创造力是它们成功的秘诀。例如：我国京剧《萧何月下追韩信》，讲述萧何星夜兼程跋涉追回韩信的故事。

戏曲的舞台在空间上是不够两位英雄跋涉追逐的，演员在舞台上跑几个圆场就表示追赶了几十里路程，完成追赶也只花费几十秒钟。戏曲这种虚拟性的舞台美术环境，以及演员“虚实相生”“以形写神”的表演，留给欣赏者巨大的想象和联想空间，激发观赏者充分发挥自己的想象力和联想力来丰富艺术形象，使欣赏者通过自己的联想和想象积极主动地参与形象塑造，从而获得更加丰富隽永的审美享受。在张艺谋的电影《英雄》的结尾，秦始皇下令杀刺客无名，可秦始皇的内心却十分矛盾。杀，显得自己不够英雄，不如无名；不杀，又怕天下人笑话，最终决定下令放箭，只见万箭齐飞，刹那间皇宫的城门上并披上了箭衣，但却有一人大的空间没有箭。欣赏者欣赏到这里，电影结束，可刺客无名到底怎样呢？电影好像没有结局，留给欣赏者无穷的想象和联想空间。欣赏者联想和想象创造出来的结局正是艺术家所想要留给欣赏者丰富的结局。又如中国绘画也很重视空白，南宋画家马远擅长山水画，画山，常画山的一角，画水，常画水的一涯，在画中留下许多空白，让观众想象和联想它是天、是地、是海、是山，被人们称之为“马一角”。清人朱耷的《荷花水禽图》，画面上孤石倒立，残荷斜挂，一只缩着脖子，好像瞪着白眼的水鸟孤零零地蹲在石头上，显得极其冷落孤僻。同时，画面中的大块空白，更增强了全画悲惊的气氛，给人以无穷想象，使“无画处皆成妙境”。当鉴赏者站在这副作品前时，自然会联想到朱耷那凄苦的一生，仿佛还能听见他那装疯卖傻时的“嬉笑声”……。中国书法同样讲究布白，字由点画组成，点画的空白处同样是字的组成部份，因而要求“计白当黑”、虚实相生，使得无笔墨处也成为妙境。约翰?凯奇一生中最为石破天惊当然也是最著名的音乐作品当属《4分33秒》（首演于1952年），该作品为任何种类的乐器以及任何数量的演奏员而作，共三个乐章，总长度4分33秒，乐谱上没有任何音符，唯一标明的要求就是“Tacet”（沉默）。欣赏者全凭想象和联想来创造4分33秒内的不确定的意思形象，虽然这代表了凯奇一个重要的音乐哲学观点：音乐的最基本元素不是演奏，而是聆听,但也说明了想象和联想在鉴赏活动中的重要作用，没有欣赏者的联想和想象心理因素的发挥，约翰?凯奇这种观念性的问题就难以体现。可以说，无论任何艺术门类都不同程度地存在着“空白”或“不确定”，召唤着鉴赏者运用联想和想象力去加以丰富。

三、艺术作品在鉴赏主体的想象和联想中升华

所谓升华，一种意思是“比喻事物或精神的提高和精炼”④。艺术作品的升华是在不同时代的鉴赏者的鉴赏过程中体现出来的。古往今来有许多艺术作品，经历了不同时代，被不同时代的读者所喜爱，历经岁月却仍像宝石一样依然光彩夺目，为每一代的鉴赏者欣赏品读，为不同时代的人提供了获得美感享受的文本。凡高一生最重要的艺术作品，都是在生命的最后一年，在阿尔炙烈的阳光下完成的，《向日葵》就是这期间的作品。

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1 美术课堂与美术作品欣赏结合

在美术教育中，单纯的知识灌输作用不强，不能给学生带来对艺术的直观感受。因此，教师在美术教学时应更多注重应用美术作品的艺术熏陶作用，带领学生体会作品的艺术感染力，感受艺术的美，提升学生的审美能力，由此激发学生对艺术的兴趣与热爱，形成对艺术的求知态度。所以，在美术课堂中，教师需将美术作品带入课堂，并运用适当的方式提高学生的艺术素养。

1.1 对美术代表作的经典处分析

人类历史长河中，优秀的美术作品不胜枚举，且各有特色。但在引导性教学的美术课堂中，教师应精心选择最具代表性的艺术作品加以分析，并结合画家的品质与经历、时代和地域的特点等因素，让学生了解经典，感悟经典，在欣赏艺术作品的同时接受历史和思想品德教育。即先产生视觉上的，从而感受到美，最后产生欣赏者情感上的共鸣。所谓经典，必在某方面有过人之处，学习经典可让学生了解大众审美，学习此类艺术文明的精华所在，在课堂有限的时间中通过高层次的艺术来提升自身修养。如性格自闭的画家凡・高在结识了印象主义画家后，发现他唯一深爱的是辉煌的，未经调和的色彩，因此在他的笔下，明亮而艳丽的颜色成为他个性系列的代表性特点，同时透视和比例也变形了，表达了他内心对生命的强烈热爱和强烈情感。因此，在初中美术课堂中，教师应通过一个时期或一位作家的经典，让学生理解艺术的范畴以及艺术所表达的深刻涵义，从而提升学生的艺术素养。美术课堂与学生实践结合

1.2 对美术作品的文化背景解析

美术是人类重要的文化遗产之一，原因在于各个文化阶段的美术作品都有其特定的创作特点、现实意义、作家的主流思想，即作品创作的文化背景决定了作品的价值内涵，体现了时代的烙印。因此，教师在课堂中应致力于让学生感受不同时期和地域、不同文化背景的作品中的艺术特色，了解各艺术流派的起源及发展，结合时代背景分析艺术作品背后所隐藏的主流价值观，以及作者所展现的态度与思想。一件伟大的艺术作品不仅具有美感，更具有一定的社会人文特征和精神特征。例如，欧洲文艺复兴时期的作品，集中体现的是人文主义思想，即主张反对禁欲主义和宗教观的个性解放，提倡科学文化，肯定人权，并且在大量艺术作品中歌颂了人体美。因此，教师在引领学生学习文艺复兴时期的作品时应多注重分析该类作品崇尚自由的思想，对神权的反对，对人体美的歌颂，深刻体会其人文主义思想内涵。又如，在中国古代作画时，常将地位较高的人安排在显眼的位置，且身材较高大，通过其身材的伟岸来反映对他的尊敬，表现了当时对权势高的人的崇拜或畏惧等。通过对社会背景的了解来领略艺术作品内涵，学生可全面体会艺术作品价值，提升艺术素养。

1.3 对美术代表作的经典处分析

人类历史长河中，优秀的美术作品不胜枚举，且各有特色。但在引导性教学的美术课堂中，教师应精心选择最具代表性的艺术作品加以分析，并结合画家的品质与经历、时代和地域的特点等因素，让学生了解经典，感悟经典，在欣赏艺术作品的同时接受历史和思想品德教育。即先产生视觉上的，从而感受到美，最后产生欣赏者情感上的共鸣。所谓经典，必在某方面有过人之处，学习经典可让学生了解大众审美，学习此类艺术文明的精华所在，在课堂有限的时间中通过高层次的艺术来提升自身修养。如性格自闭的画家凡・高在结识了印象主义画家后，发现他唯一深爱的是辉煌的，未经调和的色彩，因此在他的笔下，明亮而艳丽的颜色成为他个性系列的代表性特点，同时透视和比例也变形了，表达了他内心对生命的强烈热爱和强烈情感。因此，在初中美术课堂中，教师应通过一个时期或一位作家的经典，让学生理解艺术的范畴以及艺术所表达的深刻涵义，从而提升学生的艺术素养。美术课堂与学生实践结合

2 美术课堂中如何提高学生的艺术素养

2.1 学生亲自参与艺术作品创作

美术课程的重要性体现于激发和培养学生的创造意识，这是创造力发展的前提，否则创造意识会随着年龄的增大而消退[4]。而学生参与艺术活动是培养创造意识的有效方式，有利于发现或验证其自身的艺术素养水平，而且通过学生手脑结合做出来的艺术作品是学生艺术素养的独特体现。教师在美术课堂中引领学生进行绘画或其他艺术手工艺品的创作时，应让学生亲自参与艺术，感受艺术，创造艺术，使学生在其中发掘自我艺术潜力，激发创造力，提升审美能力，培养艺术情操，为学生今后的艺术修养打下基础。在教学中，教师要考虑学生的可接受性，采用方便易行的艺术形式，如绘画、剪纸、泥塑等，同时也要让学生以表达自身情感为主要目的来创作，这样既能激发学生对艺术的兴趣，又可以让学生在艺术中表达自己，亦可使学生对名家名作有更深的理解，从而让学生的整体艺术素养得以提高。

2.2 带领学生到美术馆或博物馆参观

对于有条件的学校，教师可以带领学生参观美术展览或博物馆。在代表作品云集的展馆内，学生可经过教师的讲解，从视觉、听觉、触觉中感知艺术内涵，接触更多的艺术形式和艺术流派，领略在有限的课堂时间中不能展现的艺术魅力，学习艺术大师的精髓，从而提高对艺术的认知能力。对艺术欣赏能力和批评能力的培养和提升，是初中教育阶段培养学生的重要任务和目标。因此，学生可以在博览的基础上，学会辨别艺术作品的优劣，培养较高的艺术鉴赏能力。此外，在具有当地特色的博物馆中，学生可以更多地学习到本地的古老艺术特点，了解当地的艺术氛围。