身边的艺术十篇

身边的艺术篇1

我最开始的爱好，是绘画。那时，我可以算是热锅上的蚂蚁，学什么都不会，连最基本的描线，也描得歪歪扭扭的，我有时都会为自己的成果感到羞耻。

当我开始画第一只动物---小猪时，我一笔一划得，像写字一样得，认真的画。

失败便是成功之母，我成功得将这幅画交给老师，老师细心得给我点评，说我进步了许多，我心里感动了欣慰。

慢慢的，我开始喜欢上了绘画，只要是有课余时间，我都会拿起笔和纸，认真细致得画起画来，可以话白云，可以画小草，可以画各种物品，也可以画自己。不知道是什么力量激励着我，在学校评选的绘画奖时。我成功得获得了二等奖。着让我的心灵更加高兴。原来，努力是可以换回回报的！

我最开始的爱好，是绘画。那时，我可以算是热锅上的蚂蚁，学什么都不会，连最基本的描线，也描得歪歪扭扭的，我有时都会为自己的成果感到羞耻。

当我开始画第一只动物---小猪时，我一笔一划得，像写字一样得，认真的画。

失败便是成功之母，我成功得将这幅画交给老师，老师细心得给我点评，说我进步了许多，我心里感动了欣慰。

慢慢的，我开始喜欢上了绘画，只要是有课余时间，我都会拿起笔和纸，认真细致得画起画来，可以话白云，可以画小草，可以画各种物品，也可以画自己。不知道是什么力量激励着我，在学校评选的绘画奖时。我成功

我最开始的爱好，是绘画。那时，我可以算是热锅上的蚂蚁，学什么都不会，连最基本的描线，也描得歪歪扭扭的，我有时都会为自己的成果感到羞耻。

当我开始画第一只动物---小猪时，我一笔一划得，像写字一样得，认真的画。

失败便是成功之母，我成功得将这幅画交给老师，老师细心得给我点评，说我进步了许多，我心里感动了欣慰。

慢慢的，我开始喜欢上了绘画，只要是有课余时间，我都会拿起笔和纸，认真细致得画起画来，可以话白云，可以画小草，可以画各种物品，也可以画自己。不知道是什么力量激励着我，在学校评选的绘画奖时我获得了成功。

身边的艺术篇2

在我家众多精美的工艺品中，出类拔萃的要算是爸爸从意大利带回来的一条威尼斯游艇模型了。这条游艇造型别致、结构精巧、古香古色，具有意大利威尼斯的民族风格。

这条富丽堂皇的游艇是由塑料制成的，长40厘米，宽10厘米，高15厘米。由船身和底座两部分构成。底座呈圆锥状，红色，上面布有精美的花纹。上部与船底相接。船底为黑色，船身为金黄色，船头是尖的。在船舱和船头之间的部分有一个可以装卸的小灯。这个灯是夜晚照明用的。因为这是一件工艺品，所以灯内没有真的灯泡。在船舱前有个底托，底托上的小孔有一个跳舞的小人。这个小人别看样子小，可是制造精细，她上身穿一件银白色的短上衣，下身是一条红色的舞裙，腰上还系着一条蓝色腰带。她双手上举，呈跳舞姿势。她的上身与两腿是用两个铜环相连的。两腿直垂下来，悬空。船舱是船的主体部分，为立体梯形，顶篷呈半圆形，前后左右的墙壁都是空的，在棱架的部分都雕刻着大大小小形状各异的花纹。其中有的呈鱼形，有的像花朵……形态逼真，栩栩如生。就好像鱼儿在水中嬉戏，马儿在草原上奔腾，花儿在花丛中开放，这个玲珑的小船舱还可以打开呢！在后部两个棱架的基部各有一个活动的螺丝，能把船舱的整个盖子掀起。我想这就是船舱中门的装置吧。掀开盖后，可以看到内部有一个小盒了，盒内有一排排小椅子，这样游就可以坐在舱内来观赏水上城市威尼斯的外貌了。在舱盖的背面还吊着八个小灯泡，就像一个个倒挂着的酒瓶子，有红、黄、蓝、绿四种颜色。在船尾还有一位船夫站着，他头戴黄色小礼帽，身穿白色衣裤，领子上有蓝色飘带，腰间系一条红腰带，风度翩翩，双手拿着一个船桨，这就是威尼斯水手的特色，用一支桨划水，看起来，他划船的技术还十分高超呢。

这条金碧辉煌的小船不但可以当工艺品还可以当玩具。在船的底座上连有插头，把船身、小人等装好后，接通电源，船就可以转起圈来，跳舞的小人也开始转着圈地跳起舞来。舱内壁灯也跟着亮起来了，随之又响起了优美的音乐。看着，听着，我好像真的到了威尼斯。作为一位贵宾坐在这富丽豪华的游艇上，有人在为我跳舞，船夫在为我划船，带我去游览威尼斯这神奇的水上世界；让我观赏碧波荡漾的水道，一座座古典式的石桥；让我领略威尼斯古老灿烂的文化……这优美的舞姿，动听的音乐，使人陶醉了，就像作梦一般。

这艘金光灿烂的游艇小巧玲珑，别具一格，是我家的珍品之一。

身边的艺术篇3

如果你是位爱美的女士，每天出门前总要对着镜子修饰一番：脸部的化妆，发型的变化，再到衣服款式和色彩的搭配，这些都是艺术。不是有句俗话说：“爱美之心，人皆有之“吗，这美，便是我们眼中的艺术。

如果你是喜欢泡咖啡店或吃餐馆的人，那么你一定会对某家或某几家的店面和室内装饰情有独钟，成为那里的老客户。随着人们生活水平的提高，我们已不仅仅满足于到饭馆填饱肚子，而更注重于进餐时的精神享受：新颖独特的室内设计，一首美的曲子或一幅别致的图画可能都会收到意想不到的效果。此时的你也身兼“两职“——消费者和艺术欣赏者。

如果你是注重细节的人，会把手机套上精致的手机套，挂上叮咚作响的手机挂链；把电脑外表加上一个可爱的小熊保护罩；把房间布置的格外温暖；在书包上贴上一个卡哇伊的贴画……

身边的艺术篇4

关键词：美学 边界 哲学 艺术学 伦理学

回首现当代中国美学研究的百年历程，我们不得不坦诚地面对的是：现当代中国美学界展开的一系列研究工作并没有紧紧围绕着什么是美学，什么是美，什么是美感，什么是艺术这些最为根基性的课题开展。之所以如此，从根本上，则是没有明确研究对象的边界。质而言之，我们应该首先明白研究对象是什么或不是什么。对于美学，我们应该明确美学研究什么或者美学不研究什么。

边界，从日常的意义表达来看，是一事物与他事物的分界线；而从思想的意义表达来看，是思想差异的结构。思想是思想家的独特的生命体验的表述，是唯一的，无法复制的。思想自身，无论是显在的，还是隐在的，必定有一定的结构性，正式由于此，思想之间是差异的，一种复杂的差异。因此，思想的边界，不仅仅是一种差异的区分，更是这种差异的结构的区分。对于思想，对边界的区分、划定——主要是通过辨明差异、展开差异、描述结构来实现的——是思维有效展开，避免论证模糊、混乱，确保论域范围明晰，正确选择、运用合适的论证方法的基础。划定边界，确定研究对象的“合法性”，是展开理论研究之前的意识清理和纯粹的理性批判，只有当这种批判活动获得了切实的根基，即研究对象的“合法性”通过边界的划定而得到有效确认，于此出发的理论研究才是建立在坚实的理论地基之上且获得了属真的理论前提而可以有效地展开。对于美学，亦如是也。

由于特定的历史语境，实践美学曾经在中国美学界拥有着主流话语的权力，随着时代的变迁，当代中国美学界的学人力图突围中国当代美学研究的困境，反思、批评实践美学几乎成为一种大众之狂欢，众声喧哗，而反叛与坚持，对抗与维护依然并存。用力最甚且影响广泛当属“后实践美学”，其核心术语如“生命”、“生存”、“存在”则来源于西方现代、后现代哲学，而且其思维模式不得不受其相关的影响，诚然，“后实践美学”在基本论题、关键概念、思维进路方面依然陷入了它所批评的实践美学所陷入的窠臼，即“后实践美学”质疑和批评实践美学的理路，反过来，对质疑和批评“后实践美学”依然有同等的效果。当代中国美学界之所以会陷入如此之困难的局面，其根本原因在于，对什么是美学即美学作为一门学科的边界在哪里这一最为根基的课题没有得到有效的理论研究。

边界是一门学科是其所是且如其所是的最为根本的规定。美学作为一门学科的边界在哪里？

一、划定美学的边界

美学，作为一门学科，是从哲学中诞生的。美学的边界有形而上的规定性。形而上不是形而上学，而是对边界的一种质的规定，具体表现在美学同哲学的边界上。美学有自己特有的形而下的研究领域和研究方法。美学的边界有形而下的规定性，具体表现在美学与艺术学、伦理学的边界上。

（一）美学与哲学的边界

美学与哲学的关系是一个复杂的学术课题，从历史上看，哲学是很古老的，而美学是很年轻的，而且从关系上看，美学是诞生于哲学的，有哲学的思维之源。但是，从学科意识来反思美学和哲学的关系的时候，我们首先需要做的工作是在学理上对先前关于美学与哲学的学科混淆或截然分离的研究进行知识学的清理，之后，为美学与哲学的学科边界的划定做一次基础性的理论探索。对于美学与哲学的边界问题，主要从学科的基本情况，研究范式，研究对象展开具体的学理分析。

具而言之，就学科自身而言，哲学，在历史上，是其它一切学科或科学的基础，即为其它学科或科学的研究奠定基础、提供规则、规定方向或确立范式。在西方古典时代（如古希腊罗马），哲学决定其它学科或科学的发展；哲学家就是科学家或百科全书似的学者（如毕达哥拉斯、亚里斯多德）。综观整个西方哲学史，从根本上看，这是一个事实：一个有开拓性的哲学体系的建构所引发的哲学运动（哲学思潮）对其它学科和科学的影响是广泛的、巨大的甚至是革命性的（如现象学哲学对人类学、社会学、美学、伦理学、文学理论、艺术学等的影响）。之所以如此，从研究范式层面看，哲学，字源学的本义是爱智慧，智慧不是知识。知识是具体的、特定的甚至是局限的，其研究范式是实验性的、形而下的；智慧是抽象的、超越的甚至是大全的，其研究范式是思辩性的、形而上的。哲学是关于智慧的学问。由此，哲学的研究范式较之具有实践效用性质的知识的研究范式更具有超越性和终极关怀的意义与价值。从研究对象层面看，在对智慧的爱的基础上，哲学作为形而上学展开了对存在和非存在的研究。而把哲学视为关于世界观和方法论的学说，则是近代的事情。当然，西方的现代哲学是非爱智慧的，后现代哲学是反爱智慧的。然而，这或许从思维或思想的另一面说明了哲学本身是爱智慧的。关于人的思考及其成果——思想是哲学的最为根基的主题和具体的展现形态。如果，诚如后现代哲学所言，不仅作为主体的人死了，而且人本身也死了，那么，哲学和哲学研究所展示的智慧和思想还有何意义，我们陷入了纯粹的虚无的境地。而对于美学，就学科自身而言，在西方的古典时代，没有美学，只有诗学。美学，作为一门真正的学科，是近代的事情。美学的初始意义是感性学的。感性学（Ästhetik）是被誉为美学之父的德国美学家——鲍姆嘉滕(Alexander Gottlieb Baumgarten，1714-1762，有人译为:鲍姆嘉通、鲍姆嘉登、鲍姆嘉敦)在全面清理人的心意机能与知识学对应的时候发现：与人的知性即认识相对应的是逻辑学，与人的理性即欲望相对应的是伦理学，而与人的判断即悦与不悦的感觉却没有相对应的知识学来研究。人的心意机能结构是：知-意-情，即对对应的真-善-美认识的能力，其成果为：逻辑学-伦理学-美学。而在彼时代，只有逻辑学和伦理学，于此，鲍姆嘉滕意在建立一门专门研究人的情感能力的学科，不仅可以在认识领域里拓展出新的研究领域，对人作新的认识，还可以完善人的知识研究领域的知识学结构。感性学应运而生。从研究范式层面看，美学研究在一定程度上与哲学研究有着千丝万缕的关系。这是由于，美学诞生于哲学，是哲学的一个分支的知识学部门。美学在根本上是哲学的，即美学的思维、气质、架构具有哲学的属性。由此，美学研究是抽象的、思辩的，而不是具体的、形象的；是与智慧相关联的，形而上的，而不是与知识相关联的，形而下的。诚然，并非与所有的哲学的研究范式相对应的美学的研究范式是真正属于美学的，西方现代美学研究是非美学的，后现代美学研究是反美学的。从研究对象层面看，美学研究的不是关于各艺术门类的具体的知识或基本的理论命题，而是与智慧、美相关的一系列基础性的思想主题。随着人类思维的完善、实践的发展，美学越发成为一门独立的学科而具有自己特有的内容，而且美学应该且能够拥有真正的自我，尽管无法也不可能切断它与哲学的血脉之缘，这是美学的内在秉性。而美学的内在的秉性只有在具体的美学的基本的问题域里体现出来方才具有质的规定的理论有效性。因此必须重视美学自己的基本的问题序列，因为否定美学自己的基本的问题序列就是否定美学的内在秉性，也就否定甚至取消了美学自身。

由此，美学与哲学的区分得以厘定，区分就是划定边界，正是在美学与哲学的边界上，美学是形而上的，也是独立的。对于美学作为一门学科，这一区分是最为根本的、内在的，惟此，才能继续获得美学的其他规定而展开有效的美学研究。

转贴于 （二）美学与艺术学的边界

美学与艺术学的关系是一个复杂的学术课题，从历史上看，艺术学作为一门学科是从美学中分离出来的，从研究对象上看，美学与艺术学将会面临着特定的共同的研究对象，尽管研究的出发点和方法有别。对于美学与艺术学的边界问题，主要从学科自身情况、研究对象、研究方法展开具体的理论分析。

具体地讲，就学科自身而言，艺术学，据研究，德国艺术学家格罗塞在《艺术的起源》（1894）里第一次使用这一术语，而且认为美学随着形而上哲学的失势也开始了衰落，而艺术学作为一门科学将随着其它学科的方法的引入变得更加成熟和完善。在此之前，德国艺术理论家菲德勒就从研究的根本问题方面对美学与艺术哲学作了明确的区分，在其语境里，艺术哲学就是艺术学。艺术学作为一门独立的学科，始于德索(Max Dessoir)。这一过程似乎类似于美学诞生的过程，而实际上，美学是作为哲学的一个分支知识学部门诞生的，在其后的很长的时间里还是隶属于哲学的，而艺术学从美学里分离出来后，就很快得到了独立的发展，有了自己的研究领域、研究对象，研究方法，随着西方社会后现代思潮的席卷，在艺术领域，艺术生活化，生活艺术化，艺术与生活的界限模糊，艺术学有取代美学之势，甚至在一定的程度上已经取消了原本意义上的美学，即美学基本上走向了形而下的维面。之所以如此，从研究对象层面看，艺术学研究围绕着艺术的基本问题展开，探讨艺术的发生，艺术的历史，艺术的原理，艺术的规律，艺术的效用（意义），艺术的分布，艺术的传播，以此为各部门艺术学的研究提供必要的基础性的基本法则，而各部门艺术是具体的特定的，详细地展开研究是应该由各部门艺术学来完成的，即各部门艺术学是关于各部门艺术的知识学，是以各部门艺术为研究对象及其所属领域为研究范围的，它不能为其它的艺术部门提供有效的研究原则，也不接受其它艺术部门的研究原则。由此，艺术学是关于艺术的知识学，即所谓的一般艺术学（德索在《美学与一般艺术学》里首次提出的概念）。而美学的研究对象是智慧、美，具体展开就必定涉及到艺术(如所谓的艺术美问题)，但是，其研究的切入点和运思的重点或方向理应是有所差异的，甚至是全然的差异。美学关注的是与智慧、美相关的关涉于艺术的超越性的主题，而艺术学则是关注艺术的具体的理论课题。因而，从研究方法层面看，艺术学研究的基本方法是由其研究对象决定了的，需要运用一系列具有科学性质的可以证实或实证的方法，如人类学的，历史学的，人种学的，心理学的，地理学的，……，来探讨艺术的起源，艺术的历史，艺术的发展等一系列的基本的理论问题。而美学研究的方法则因此只能是抽象的、形而上的即所谓既不能证实也不能证伪的纯粹思辩的。在当代西方，主张美学应该走向科学，彻底和哲学决裂，就是用科学的方法来分析、研究美学问题。无疑，这实际上是在取消美学，用艺术学的研究方法规训美学，将美学纳入到艺术学的范围之内，而不是在建设更不是在拯救美学。

由此，美学与艺术学的边界得以确立，在此边界上，美学同艺术学相区分，又相关联。这种特殊的联系决定了美学可以建立且在一定的程度上规定与相关的艺术学的知识、规则对接而形成的新的各部门美学，如绘画美学、音乐美学等等。由此，美学对艺术的各门类开放即提供或制定特定的规则，而形成新的研究领域，发现新的研究方向。

（三）美学与伦理学的边界

美学与伦理学的关系是一个复杂的学术课题。从历史上看，伦理学是一门古老的学科，在哲学的系统里具有逻辑学一样独立的地位，从学科发展看，美学从受伦理学的束缚到在伦理学中备受关注经历了一个曲折的过程。对于美学与伦理学的边界问题，现在从学科自身情况、研究对象、学术旨归展开具体的理论探索。

详而论之，就学科自身而言，受到苏格拉底的影响，亚里斯多德在《尼克马克伦理学》（Ethica Nikomachea）里首先正式使用“伦理学”这一术语，伦理学作为一门独立的学科得以形成。伦理学(ēthika)，在字源学上的本义是场所、居住的地方(ēthos)。在中文语境里，伦即人际关系，具有人际间性，理即法则、规则，具有规定性，由此，伦理即人际关系的规则，而在西文语境里，ethos（伦理）即mores（道德），ēthik即moralis。伦理学研究的主题，从历史上看，在古代希腊罗马，是人的德性，在中世纪，是神的德性（神性），在近代，是人的道德（人性），在现代，是存在（人的存在及其规定），在后现代，是欲望（“后义务”时代的彻头彻尾的个人主义）。对于美学，古希腊的美在世界，中世纪的美在上帝，近代的美在自由，现代的美在存在，后现代的美的无规定性是研究的主题[1]P29。从研究对象层面看，伦理学研究的，在中文语境里，是人际关系的规则，在西文语境里，则是人在其出入、居住的地方所产生的与道德相关联的一系列问题。人际关系必定仅在人出入、居住的地方展开，人在其出入、居住的地方展开的关系即谓人际关系。从历史上看，在古代希腊罗马，人应当至善，怎样才能至善（智慧、勇敢、节制、正义）是主要课题，在中世纪，神学德性论所规定的信仰、希望和爱的神圣德性与义务是中心问题，在近代，人性善还是人性恶是核心主题，在现代，人的生命、存在、人格、心理、道德原则与伦理规范对德性的规定是主要论题，在后现代，人的欲望、极端的个人主义、对传统理性及其规范的绝对否定和拒绝是流行话题。而美学研究的是古希腊的史诗、叙事诗、悲剧，中世纪的上帝、世界、灵魂，近代的人的主体性、人的自由，现代的存在、人的心理、形式，后现代的生活、语言。从学术旨归层面看，伦理学的核心论题是人及其关系的规定。对人在现实生活世界里应当怎样或不应当怎样，为什么会这样而不会那样，什么样的行为是合理的或不合理的，行为的根据，对行为事件进行评价、判断的标准、结果，为什么要作评价、下结论，如何展开评价，为什么这样评价而不那样评价，如何认识人的行为事件，为什么要认识人的行为事件……一系列对于伦理学具有根基意义的问题的追问与反思，是理论伦理学的课题。而将这些基本的理论成果付诸于实际的生活世界即制定一系列的现实规定来规范人的行为，则是实践伦理学的任务。于此，理论伦理学具有形而上的性质，实践伦理学具有形而下的性质。无论如何，伦理学的研究工作是紧紧围绕着人而展开的：对人进行形而上的省思由此对其关系进行审查和规范。因此，伦理学的研究不仅指向抽象的人，还指向具体的人。而美学研究的是与智慧、美相关的一系列基础性的思想主题，由此，美学研究指向的是智慧即对人的规定。

由此，美学与伦理学的区分得以阐明。区分本身就是划定边界。在此边界上，美学不仅是独立的，而且是实践的。于此，审美教育获得了坚固的学理根基。

作为一门学科，由于其缘起的学术语境和自己的特有的研究领域，成为一个结构或具有结构性则是题中之义。美学的结构应该通过对其边界的勘定来体现和保证的。美学与哲学的区分是对美学的形而上边界的勘定，美学与艺术学、伦理学的区分则是对美学的形而下边界的勘定。划定了美学的形而上边界即确定了美学的根本性的规定，划定了美学的形而下边界即确定了美学的拓展性的界域。从形而上边界到形而下边界，从根本性的规定到拓展性的界域，美学作为一个知识学部门即美学自身具有的结构的差异性得到了确认和保证。美学的学科性真正被确证，即作为一门学科，美学的主体性得以确立。

二、划定美学的边界的意义

（一）真正确立美学的知识学主体性

美学的形而上边界及其形而下边界的划定从根本上标明了美学的差异性结构，美学的研究不再因为各种非美学、反美学的研究而变得支离破碎、面目全非。美学作为一门学科的合法的地位在其差异性结构被确定即知识学主体性被彰显之时被奠定。美学是美学。美学不能主导其它的研究领域，也不能为其它的研究领域所主导。美学作为一个知识学的部门是独立的、完整的，而不是附庸的或独断的。如果美学的形而上边界和形而下边界不能被划定，美学的结构差异性就无法被保证，美学的知识学主体性变得晦暗不明，美学因此而可以主导其它的研究领域，也可以为其它的研究领域所主导。于此，美学要么是附庸的，要么是独断的，而不是自己的，美学的知识学主体性被否定、被消解了。

（二）正确划定美学的研究的范围

美学的形而上边界和形而下边界的划定则是为美学的研究的范围划定了明确的、清晰的界线，美学研究应该在这个区域里展开属于自己的研究，越出这个界限，所做的工作就不属于真正的美学的研究工作了。此时，美学不是美学。从形而上边界到形而下边界，从根本性的范围到拓展性的范围，美学的研究的范围被确切地划定了，美学的研究的论题被明确地确定了。美学仅在此范围里展开的研究是有效的即属于真正的美学的研究。

（三）有效确保美学研究的纯正性

美学的边界的划定即是确立了美学的知识学主体性和划定了美学的研究的范围。接下来的问题是，这给美学研究带来了什么，从根本上讲，这则恰恰给美学研究带来了纯正性的有效保证。具而言之，一是美学作为一门学科，监守自己的本分，不越界操作即不非法地侵入其它的研究领域并为其研究提供或制定规则而使之失去自己的本性；一是美学作为一门学科，不被越界操作即其它的研究领域非法地入侵美学的研究领域并为之提供或制定规则而使之失去自己的本性。

综上所述，对划定边界的意义的理解，在学理上，可以避免两种研究的危险性：一是在研究之初确定的被研究的领域概念的狭窄，而后在研究中，论证关系的环节越出了被考察的领域的界限而在一个更加宽泛的领域形成了一个完整的系统；一是对被研究领域的混淆，即诸多异质的领域误以为是统一的领域，这是致命的危险，将会造成最严重的恶果：一是确定错误的研究目标，一是运用与该领域的客体不一致、因而根本错误的研究方法，一是混淆逻辑层次，而使真正基础性的定律和理论被研究主体自以为是地作为次要的成份和顺带的结论徘徊于完全陌生的思想之间。[2]P3-4如此之研究，不但无益于研究本身的发展，而且实则是一种学术“污染”，其根本缘由在于对研究领域的理论基础的误解和异质的领域的混淆即缺乏先验的边界意识批判。对于研究领域的范围和界线的问题的重要性和根本性，康德（Immanuel Kant）对于逻辑学的边界的认识的一句名言——“如果人们允许各门科学的界线相互交织，那将不会使科学增多，而只会使科学畸形。” [2]P4——切中肯綮，意味深长。对于现当代中国美学的研究，尤其如此。

参考文献

身边的艺术篇5

但是，世界上并不是缺少艺术，而是缺少发现艺术的眼光。

在我们身边，一些爱美的人，不管男女老幼，每次出门前，都会对着镜子打扮一下自己的发型，女的描眉涂唇，前后顾盼自己穿着的服饰是否合体时尚，颜色是否美观与搭配。不是有句俗话说：“爱美之心，人皆有之”吗，这种随处可在的美就是我们身边的艺术。

喜欢去西餐厅消费的人，一定会对某家西餐店中的装饰风格情有独钟，那些具有异国风调的艺雕、典雅优美的壁画和堂丽富皇的吊灯迷得人们陶醉其中。随着人们生活水平的提高，我们现在去酒家饭店吃饭不太注重饭菜的口味价位，而更注重于进餐时的那种温馨舒畅的好心情。一种新颖独特的室内设计，一首轻快悠扬的曲子或一幅精美别致的图画，都会让你有淋漓畅快享受的感觉。此时的你不仅是吃客，而且还是一位艺术欣赏者。

爱好时尚的女生，喜欢买一本精美装饰的笔记本，在上面写满自己的话语，倾诉自己的心情；给自己的电脑穿上一身彩色的卡通电脑套，让房间增添了亮丽的暖色调，这就是身边所发现的艺术。

身边的艺术篇6

一、心灵感受的差异

传统观念认为家庭是女性的全部，女性为之奋斗的目的是取悦他人，那么假如女性只取悦自己，家庭会变成什么样子？女性主义艺术表达性别平等的心灵诉求。1971年，美国艺术史家琳达·诺克林在文章《为什么没有伟大的女性艺术家？》中提出了“如果毕加索是女性，会不会成为艺术家”诸如此类从女性角度思考的问题。女性主义艺术不仅在于把女性艺术家添加进现存的男性准则的西方艺术史中，同时探讨了女性艺术家长期以来被遮蔽和被边缘化的内在原因。在美籍法裔女性艺术家路易丝·布尔茹瓦的作品里，编织有着特殊的象征意义，它与母亲和家的记忆相关。如，其1995至1997年的作品《大蜘蛛》的灵感来源于母亲，布尔茹瓦认为母亲就像蜘蛛一样聪明、耐心、灵巧，也懂得保护自己。这只巨大的蜘蛛象征母亲的勤勉和女性的魔力，它喻示愤怒与威胁、进攻与防御，同时也代表劳作与给予、保护与远见。蜘蛛编织结网如同家庭琐事，看起来微不足道，但是重要的改变往往是从周围的细枝末节发生变化开始的。性别意味着什么？也许，布尔茹瓦与波伏娃、琳达·诺克林一样，早就看出了女性命运背后的真相。有人说：“苗族服饰是穿在身上的史书。”刺绣作为服饰重要的装饰，也是独立的艺术形式。苗族民间艺术刺绣更多来自纯朴的心灵感受，在针线穿插中记录了图腾崇拜、神话传说、历史故事、生活风俗、美好希冀。如，黔东南台江施洞地区的剪纸是刺绣的纹样，遗憾的是它只在老人中传承，与集市出售的很不一样，它们有着原始豪放、大气粗犷的特色，每套作品根据民间传说绘制，有蝴蝶妈妈、姜央娶妹、桑扎射日等，老人边剪边唱，融入的是对故土的眷念和民族迁徙的记忆。就这点而言，与女性主义艺术追求的男女两性平等迥然不同，这是黔东南少数民族地区女性知足常乐的心态体现。

二、表现手法的差异

任何一种艺术形式的表现手法都是不同的，女性主义艺术与苗族刺绣艺术也不例外。综合、多元和动态是女性主义艺术家惯常使用的手法。美国多媒体艺术家克鲁格利用充满争议、煽动性的视觉文字和图像的结合冲击传统艺术，最近她在美国洛杉矶城市公交巴士上覆盖了诸如“艺术如微风一样轻盈，如思想一样明亮”这样的文字，从而将其重构为充满活力的公共议题。从艺术馆到城市的空间，从T恤到露天广告牌，从杂志封面到公交车体，她的作品流畅自如、不露声色地影响了视觉艺术、平面设计和街景艺术的发展演进。苗族刺绣艺术大多采用家族传承的方式，苗族姑娘未出嫁前，从母亲或祖母那里学习一套技艺，都要亲手绣一套嫁妆。从剪纸纹样、绣作到完成一般要三至五年，每一件绣品的完成，无不渗透姑娘的心血。但苗族刺绣艺术无论造型还是色彩都呈现一定的类型化和程式化特点。如，黔东南凯里、施秉、黄平、台江等地的苗族妇女在每件花衣的披肩上、裙沿边都绣有两道彩色镶边横线，象征黄河与长江。具体到刺绣图案的设计上，既不采用写实的手法，也不是自由想象，而是写实和想象结合的夸张与变形。写实图案一般以表现民俗风情和日常生活为主，加以主观装饰的色彩；变形图案多是与图腾相关的蝴蝶纹、龙纹、鱼纹等；而几何图案多是采用比较古老的手法，取材于族人的居住环境，河边多是水纹、云纹等，山上多是锯齿纹、十字纹等。这些综合的类型化的表现手法使得刺绣图案构图饱满，色彩斑斓，洋溢着生命的力量。

三、审美诉求的差异

艺术进入后现展阶段，美的定义和边界不断拓展，几乎无所不及。到了后现代艺术阶段，女性主义艺术中的恐惧、伤痛成为一种另类之美，更加具有穿透力和震撼力。在珍妮·霍尔泽的女性主义艺术中，可以发现批判性的审美诉求，如她的电子装置作品《浪漫是用来控制女性的》《已经不再令人惊讶》等，犀利的言词和震撼的形式表达了女性反抗男性社会的控制。美国女性主义艺术家克鲁格利用黑白照片、红色边框、红色衬底白色文字，通过摄影蒙太奇的手法进行创作，在作品《你的身体就是一个战场》中对男性建构的观念和色情的目光进行了批判。她曾经谈到：“我之所以用图片和文字来进行创作，是因为它们有能力决定我们是谁，我们不是谁。”“在她1981年的作品《你的凝视打到了我的脸上》中，文字与照片的拼贴，7个英文单词垂直排列，让人看到第一眼无法读懂意思，阅读的不连贯阻碍了观者的理解，却强化了意义，传达了女性主义的立场，西方艺术中女性的美，纯粹是为了男性凝视的愉悦。”①黔东南苗族刺绣艺术创作完全源于作者发自内心的主观感受，取材于现实但不拘泥于现实，并采取大胆的虚构与想象、夸张与抽象，反而恰恰达到了一种“无目的的合目的性”的美。苗族刺绣艺术取材非常广泛，只要是苗族女性认为美的、自己喜爱的事物，都可以通过刺绣呈现出来，显示出苗族女性惊人的艺术才能。这与古埃及艺术的表达有着异曲同工之妙。古埃及的壁画表现的人物普遍是侧面的身体、正面的眼睛和肩膀，以及脚踝的内面，这是壁画创作者描绘的古埃及人的世界。古埃及壁画仅凭这种稚拙的异样之美在世界美术史上便闪烁着独有的光彩，苗族刺绣艺术莫不如此。如，苗族文化中的龙是保寨安民、赐福赐子的善神，其身兼数职，如水神、土地神、家神、祖先神、生殖神等，与汉族文化中的龙不同。人和各种动物加上龙头或龙身便可异化成龙，如人头龙、鸟龙、牛龙、蜈蚣龙、鱼龙等。在苗族服饰中呈现的是令人目不暇接的多彩世界。可见，苗族龙纹是一组多元意象的文化符号，折射的是平和、温馨的审美诉求，与女性主义艺术在震撼反思的审美诉求方面有着迥然的不同。

身边的艺术篇7

艺术是我们生活中不可缺少的因素，而艺术品，则是许许多多艺术创造出来的结晶，它们是不分廉价的，因为每一种艺术品都为我们的生活增添了美的价值，每一件艺术品都是艺术家们用他们勤劳的双手创造的，他们在每一件艺术品上都付出了大把的时间和汗水。

上次，我和妈妈一起去义乌小超市，看见了一件很精致的工艺品，旁边的人像和场景雕得栩栩如生，我喜欢得爱不释手，最后妈妈耐不住我的软磨硬泡，便买了下来。

回到家里，我急急忙忙地把它从盒子里拿出来，放在桌子上，仔细的观察起来。这是一艘用木头雕刻的小船。一个穿着格子服装的男孩坐在船头划着船；而另外一个穿着花裙子的小女孩抱着一只伸着舌头的小狗，坐在船尾。他们可能在一边观赏着水中的景物，一边在有说有笑的聊天。我侧耳细听，好像听到了他们的对话“这里好漂亮啊！”“是啊。”而那只可爱的小狗则在小女孩的怀里蠕动着，为这件艺术品增加了一份生机。更神奇的是，在船中间有一个用玻璃做的球体，它可不是普通的玻璃球。我急忙把电源线插头，打开它的开关，球体内立即出现了一条条紫红色的光线，以中间的铁片为起点，分布在各个区域，犹如一道道闪电划过天空。我好奇的用手触摸了一下，神奇的事情发生了：当我用手触摸球体的一刹那，所有紫红色的光线就跑到了手和球体的接触点，这时，触碰球体的那根手指已经变得热热的了，还有一股烧焦味。“哇！真神奇。”我不禁赞叹道。

每当我看到那一件件制作精美的工艺品时，我总是万分羡慕，总是希望自己有一天也能用我的双手，制作出一件令自己感到骄傲的作品。一件小小的物品，对我们意义非凡。我们要用眼睛去发现身边的艺术品，用心去感受身边工艺品的美！

六年级:潘

身边的艺术篇8

从最初以地产商的身份在社区打造了几届艺术文化节之后，赵趄就意识到了纯粹的大众化娱乐路线难以在文化上进行深入发展的弊端，而一则刊登在报纸上的消息—广东美术馆与天河某大型楼盘合作展览的报道—却给了赵趄很大的启发，在主动敲开时任广东美术馆馆长王璜生的办公室大门之后，更多的合作与交流机会也让他对美术馆有更深入的了解，赵趄也曾坦言“时代美术馆”是他职业生涯中标志性的节点。而身兼地产品牌总监和美术馆馆长两职，如何在地产行业的商业化思维和美术馆的学术独立性之间找到平衡的点呢？赵趄谈到：“我倒认为这两者之间并不是天枰两边，不存在平衡的问题。品牌是企业的定位，是在消费者心目中竖立起的差异化地位和形象；而时代美术馆的纯粹性和独立性事关机构定位，是美术馆在机构中的差异化定位，更偏重文化、使命和社会责任，在从这个角度来看，他们是同一个思维的不同方式和解决之道。”

“广州是有悠久文化历史的城市，本身的文脉清晰厚重，与北京上海有不同的特点，敢开先河且务实这样的岭南精神是美术馆的大文化背景，市井和野生也造就更为生猛和开拓性的元素，我到不认为广州是非文化中心，学术气氛、资本介入和机构不多的状况从另一种角度看却是机会，反而能生长出更多的灵活和开阔视野。”—2003年9月28日，广东美术馆的时代分馆作为时代地产的文化实验项目在时代玫瑰园一期的售楼中心开馆，其后又经历了两次临时性的空间变动。直到2005年在第二届广州三年展的"三角洲实验室"（D-Lab）当中，时代地产邀请雷姆·库哈斯和阿兰·弗劳克斯共同设计一个永久性的空间，当新空间在2010年10月投入使用时美术馆也正式更名为“广东时代美术馆”—地处广州市黄边村这样一个城中村，与真实生活在黄边的社区居民相伴，设计上的分散式格局将美术馆的功能穿社区住宅的不同层面上，在利用丰富的空间层次来体现对于都市景观和城市生活的开放性姿态的同时，也可以让艺术以更具亲和力的方式介入到日常的生活之中—建筑不仅能够吸收商业及社会性的生活内容，更能通过艺术和文化的方式为其注入新鲜和多样化的活力。在赵趄看来，美术馆与画廊之间的最大区别，就在于“是否是以知识生产和行为做为原点”的，他说：“在我看来，美术馆更立足于艺术发展本身来运营，以产生对艺术生态、艺术创作、艺术发展的思考、探索、实践、记录和反馈，并最终能形成有效的知识。在中国，无论公立还是民营，馆长的个人偏好对美术馆的运营都有很大影响。所以对美术馆的定位，应该考虑美术馆在整个学术系统和艺术发展中的取向（机构使命）以及在所有美术馆中的差异性（相对优势），馆长应该更多以现代机构管理的专业经验和角色来思考运营，即在清晰定位的基础上如何通过分工协作达至共同的目标。”

作为一个非营利性的公益美术馆，广东时代美术馆坚持“面向公众，学术独立”的方针。其目标定位是：时尚与前沿、先锋与新锐，致力于展示和推介领先的艺术、设计和建筑理念，扶持本土、新锐的艺术创作形式。通过有意识地把展览项目、学术交流与艺术教育、社区服务等紧密地结合起来，发掘当代艺术和公众之间潜在的接触区和交流区，一方面为艺术创作提供潜在的契机和灵感，另一方面也增进公众对当代艺术和艺术家创作过程的了解。当时代美术馆从广东美术馆独立出来成为真正意义上的民间组织之后，它也开始进入自己真正的价值挖掘阶段。赵趄说：“我认为民营美术馆在运营探索和学术建设方面已经不仅只是作为公立美术馆的一种补充形式了，它已经发展出不可替代的特色并成为美术馆生态中重要组成部分。时代美术馆刚成立两年，对本地经济的影响会显示出一定的滞后性，也需要更多专业的眼光来进行审视和评判。但通过我们之前诸多展览和文化项目的展开，时代美术馆已经表现出了很显性的人文建设风格，它对广东整体的艺术氛围和周边社区的人文环境建设都产生了很强的影响力，如我们立足于珠三角城市文化发展的研究机构‘黄边站HB　STATION’正在和即将开展的诸多项目等。”

“黄边站HB　STATION”是从属于广东时代美术馆的、一个以课题研究为主的非盈利艺术机构，其重点关注的对象是珠江三角地区的都市空间发展、公民社会建构与全球化的关系等问题，并着力于对本土艺术生态的改善和对当代艺术的普及工作等。“黄边站”由侯瀚如、王璜生作为顾问，黄小鹏、徐坦作为负责人，每年招收6至10名研究员。这个长期性的研究项目以开放的工作室概念作为基本形态，定期邀请一些有志做当代艺术的年轻人对艺术思想、创作实践进行讨论，探索学院常规教学以外的更为人性化和灵活的艺术实践新模式。同时黄边站也将本土性作为自身发展的起点。尝试着将珠江三角洲地区作为与全球艺术界连接的一个点，除了积极引进外来资源在本地进行展示与交流之外，更注重在不同层次的交流中对本地文化情景的再研究。在赵趄看来，“黄边站”本身就是一个自由发言的现场，它会在不同取向的讨论中建构起一个具有开放性的学术平台，而当项目与当下社会中多元化的实践需求产生互动时，本土文化的独特性也会对外来的艺术产生积极的影响。

身边的艺术篇9

关 键 词：哥特式艺术风格 巴洛克艺术风格 洛可可艺术风格 新古典主义艺术风格 女装风格

每个时期都有不同的艺术风格流派，它们表现在建筑、美术、音乐、文学及染织艺术等各个艺术领域，对人们的社会生活、精神生活产生影响。在欧洲的艺术史上哥特式艺术风格、巴洛克艺术风格、洛可可艺术风格、新古典主义艺术风格占据着举足轻重的地位，同样地影响到同时期的服装风格。

一、四大艺术风格的特点

哥特式艺术风格 “哥特式”原本是起源于一种极具特色的建筑风格——笔直的立柱，高挑的天顶，多尖的拱门，这些均可见于中世纪的一种以尖顶大教堂，特点为尖拱、小尖塔、垛墙、飞扶壁和彩色玻璃镶嵌等典型元素。这种风格影响到整个欧洲，反映在不同的艺术领域，如绘画、雕刻、装饰、音乐等艺术形式上。其特点是夸张的、不对称的、奇特的、轻盈的、复杂的和多装饰的，以频繁使用纵向延伸的线条为其一大特征。

巴洛克艺术风格 巴洛克代表了路易十四的精神。它具有气势雄伟、生气勃勃、色彩艳丽、线条优美、富丽豪华的风格。它把人类精神从古典主义的枷锁中解放出来，使其沉溺于无边无际的、令人神往的梦幻之中。它一开始主要针对17世纪意大利的建筑风格。后来，巴洛克风格影响到建筑、美术、音乐、文学及染织艺术各个领域。巴洛克艺术风格最基本的特点是打破文艺复兴时期的严肃、含蓄和均衡，崇尚豪华和气派。

洛可可艺术风格18世纪的法国仍是西欧的文化艺术中心，由于沙龙文化在法国的蓬勃兴起，使女性成为了男性世界注目焦点，形成了一种不同于巴洛克时期那种庄重豪华、拘泥虚礼的宫廷文化的文化形态，那就是洛可可艺术风格。洛可可风格的鼎盛时期是路易十五时代，它主要是指路易十五时代的一种室内装饰风格：c形、s形曲线或漩涡状花纹的装饰风格。另一个特色则是甜美轻快、精巧华丽，而没有巴洛克艺术的宗教气息和夸张的情感表现。这种特色影响到当时的服装，甚至以“洛可可”一词代表法国大革命之前18世纪的服装款式。

新古典主义艺术风格 新古典主义艺术风格兴起于18世纪的中期，其精神是针对巴洛克与洛可可艺术风格所进行的一种强烈的反叛。它主要是力求恢复古希腊罗马所强烈追求的“庄重与宁静感”之题材与形式，并融入理性主义美学。

二、四大风格对同期女装风格的影响

哥特式风格 哥特式风格深深地影响了中世纪法国服装的服饰审美及服饰创造。受建筑风格的影响，哥特式服装风格主要体现在服饰形象是高高的冠戴、尖头的鞋、衣襟下端呈尖形和锯齿等锐角，在面料上表现出与哥特式教堂内彩色玻璃的效果是一致的光泽和鲜明的色调。裙饰多采用纵向的造型线和褶皱，使穿着者显得修长，并通过加高式帽来增加人体的高度，给人一种轻盈向上的感觉。女装上装紧身合体，下半身的裙子宽大、上轻下重，形成一种圆锥状造型，具有极强的装饰性。尖尖的埃宁帽就像一个小尖塔，还有两个裤腿颜色各异的紧身裤，尖尖的翘头鞋，饰以不对称图案的上衣等。

巴洛克风格 由于受到巴洛克艺术风格的影响，在西洋服装史上，“巴洛克风格”代称17世纪欧洲的服装款式。其着装特点是大量的使用蕾丝、花边，并配以奢侈豪华的装饰，如丝绸带、大扣子、刺绣、珠宝等，所以这种风格的时装和配饰表现出来的尽是奢华和古典的面貌。

裙子是巴洛克女装的重点。衣裙特点是松垂、多褶、曳长，比文艺复兴时期柔和、自然、大方、富有浪漫气息，更显出女性自然的妩媚。女性除了外边的罗布以外，还要穿三条不同颜色的裙子(即衬裙、内裙和外裙)，以取代裙撑架。下裙穿多层肥大而多褶的裙子，使下体显得鼓大，以增添体积感和层次感。服装上不论是整体造型还是局部造型，都是更多地强调曲线，展露出女士特有的性别魅力。

洛可可风格 作为一种服装的风格，洛可可风格的特点是极致的优雅和精致，它打破了文艺复兴以来左右对称的模式，创造出一种非对称的，带有轻快、优雅的运动感的，自由奔放而又纤细、轻巧、华丽、繁琐的装饰样式。

女性服装内穿束身马甲，裙撑架再度兴起，此时裙撑架的形式为前后扁平、左右对称，要在裙撑外穿一条华丽的衬裙，外穿罗布，一般前开，领口成一个大的u字型，上面露出紧身的胸衣，胸衣自上而下按大小顺序排列着一排缎带蝴蝶结，罗布下面也成a字型打开。衬裙外露，衬裙和罗布上也都装饰着曲曲弯弯的皱褶飞边、蕾丝、缎带蝴蝶结和鲜花。袖长到肘部，袖口也有三层的蕾丝花边。

新古典主义风格 1790年到1820年， 新古典主义思潮兴盛，使女装向古希腊、古罗马那种自然样式倾斜，以自然简单的款式，取代华丽而夸张的服装款式。robe chemise就是这一时期的典型样式。这是一种白色棉布制作的宽松的衬裙式连衣裙，连衣裙的腰际线提升到胸部下面，使人体的比例更加好看，胸部的内侧有护胸层，取代了紧身胸衣，解除了对女性身体的束缚。袖子很短，露出手臂；裙子很长，一直垂到地上，使女性着装又一次回归到淡雅、自然之美。

三、四大艺术风格对现代女装风格的影响

当今时装界，欧洲古典的艺术风格流派仍然是很多服装设计师们的灵感来源，设计师们高举复古风的旗帜,在许多细节设计上都回归到了几个世纪之前。

gucci就曾以哥特式风格为灵感设计的系列服装，非常性感。黑色摇滚女郎，带有上个世纪30年代好莱坞女星的味道：裤子为宽裤脚，剪裁紧身、修长，配搭绑带、高跟鞋，性感中带个性，使得女郎带有哥特式的神秘色彩。

巴洛克风格也被时装设计大师们所宠爱。ysl设计师tom ford以巴洛克风格为灵感来源，把法式蕾丝、领结、宽袖，重新演绎成现代服饰。他所采用的材质，展现出既成熟又性感的女人形象。绑带是设计中的细节重点，常常出现在上衣、裙子、鞋子上，还有宽袖口、领结，以及以黑色为主调，华丽的绣花，古典的收腰外形，不禁令人遥想几百年前的法国宫廷圣罗兰女人的万种风情。

d&g2008年春夏礼服系列，是时装界回归洛可可风格的一个高潮。印花布料和夸张的裙撑、打折的花边、繁复的缀饰、低胸衬裙的造型设计以古典优美的x形轮廓为中心并强调裙及袖的层次和质量。在色泽选择上，将草绿、粉红、鹅黄等富丽堂皇的色彩一一呈现，顿现轻巧而华丽。

2008年雅莹和2008—2009秋冬专场会以新古典主义为灵感来源。其服饰将女性形体间的极佳比例完美呈现，通过立体剪裁、抽褶、滚边等勾勒出极具视觉效果的空间感，并配以夸张的蝴蝶结、复古的宽腰带和金属饰物。饰物色彩上以黑金、米黄为主体色，略施点缀玫瑰红和暗橘、墨绿等色，从而显出经典的华丽与高贵。

结语

欧洲艺术风格不仅仅有这四类。多样的文化必然会造就社会多彩多姿的艺术形式，而服饰更是时代的一面镜子，它不仅反映出人与自然以及社会的关系，且折射出一个时代的氛围和人们的精神面貌。

参考文献：

身边的艺术篇10

关键词：哥特式艺术风格 巴洛克艺术风格 洛可可艺术风格 新古典主义艺术风格 女装风格

每个时期都有不同的艺术风格流派，它们表现在建筑、美术、音乐、文学及染织艺术等各个艺术领域，对人们的社会生活、精神生活产生影响。在欧洲的艺术史上哥特式艺术风格、巴洛克艺术风格、洛可可艺术风格、新古典主义艺术风格占据着举足轻重的地位，同样地影响到同时期的服装风格。

一、四大艺术风格的特点

哥特式艺术风格 “哥特式”原本是起源于一种极具特色的建筑风格——笔直的立柱，高挑的天顶，多尖的拱门，这些均可见于中世纪的一种以尖顶大教堂，特点为尖拱、小尖塔、垛墙、飞扶壁和彩色玻璃镶嵌等典型元素。这种风格影响到整个欧洲，反映在不同的艺术领域，如绘画、雕刻、装饰、音乐等艺术形式上。其特点是夸张的、不对称的、奇特的、轻盈的、复杂的和多装饰的，以频繁使用纵向延伸的线条为其一大特征。

巴洛克艺术风格 巴洛克代表了路易十四的精神。它具有气势雄伟、生气勃勃、色彩艳丽、线条优美、富丽豪华的风格。它把人类精神从古典主义的枷锁中解放出来，使其沉溺于无边无际的、令人神往的梦幻之中。它一开始主要针对17世纪意大利的建筑风格。后来，巴洛克风格影响到建筑、美术、音乐、文学及染织艺术各个领域。巴洛克艺术风格最基本的特点是打破文艺复兴时期的严肃、含蓄和均衡，崇尚豪华和气派。

洛可可艺术风格18世纪的法国仍是西欧的文化艺术中心，由于沙龙文化在法国的蓬勃兴起，使女性成为了男性世界注目焦点，形成了一种不同于巴洛克时期那种庄重豪华、拘泥虚礼的宫廷文化的文化形态，那就是洛可可艺术风格。洛可可风格的鼎盛时期是路易十五时代，它主要是指路易十五时代的一种室内装饰风格：C形、S形曲线或漩涡状花纹的装饰风格。另一个特色则是甜美轻快、精巧华丽，而没有巴洛克艺术的宗教气息和夸张的情感表现。这种特色影响到当时的服装，甚至以“洛可可”一词代表法国大革命之前18世纪的服装款式。

新古典主义艺术风格 新古典主义艺术风格兴起于18世纪的中期，其精神是针对巴洛克与洛可可艺术风格所进行的一种强烈的反叛。它主要是力求恢复古希腊罗马所强烈追求的“庄重与宁静感”之题材与形式，并融入理性主义美学。

二、四大风格对同期女装风格的影响

哥特式风格 哥特式风格深深地影响了中世纪法国服装的服饰审美及服饰创造。受建筑风格的影响，哥特式服装风格主要体现在服饰形象是高高的冠戴、尖头的鞋、衣襟下端呈尖形和锯齿等锐角，在面料上表现出与哥特式教堂内彩色玻璃的效果是一致的光泽和鲜明的色调。裙饰多采用纵向的造型线和褶皱，使穿着者显得修长，并通过加高式帽来增加人体的高度，给人一种轻盈向上的感觉。女装上装紧身合体，下半身的裙子宽大、上轻下重，形成一种圆锥状造型，具有极强的装饰性。尖尖的埃宁帽就像一个小尖塔，还有两个裤腿颜色各异的紧身裤，尖尖的翘头鞋，饰以不对称图案的上衣等。

巴洛克风格 由于受到巴洛克艺术风格的影响，在西洋服装史上，“巴洛克风格”代称17世纪欧洲的服装款式。其着装特点是大量的使用蕾丝、花边，并配以奢侈豪华的装饰，如丝绸带、大扣子、刺绣、珠宝等，所以这种风格的时装和配饰表现出来的尽是奢华和古典的面貌。

裙子是巴洛克女装的重点。衣裙特点是松垂、多褶、曳长，比文艺复兴时期柔和、自然、大方、富有浪漫气息，更显出女性自然的妩媚。女性除了外边的罗布以外，还要穿三条不同颜色的裙子(即衬裙、内裙和外裙)，以取代裙撑架。下裙穿多层肥大而多褶的裙子，使下体显得鼓大，以增添体积感和层次感。服装上不论是整体造型还是局部造型，都是更多地强调曲线，展露出女士特有的性别魅力。

洛可可风格 作为一种服装的风格，洛可可风格的特点是极致的优雅和精致，它打破了文艺复兴以来左右对称的模式，创造出一种非对称的，带有轻快、优雅的运动感的，自由奔放而又纤细、轻巧、华丽、繁琐的装饰样式。

女性服装内穿束身马甲，裙撑架再度兴起，此时裙撑架的形式为前后扁平、左右对称，要在裙撑外穿一条华丽的衬裙，外穿罗布，一般前开，领口成一个大的U字型，上面露出紧身的胸衣，胸衣自上而下按大小顺序排列着一排缎带蝴蝶结，罗布下面也成A字型打开。衬裙外露，衬裙和罗布上也都装饰着曲曲弯弯的皱褶飞边、蕾丝、缎带蝴蝶结和鲜花。袖长到肘部，袖口也有三层的蕾丝花边。 

新古典主义风格 1790年到1820年， 新古典主义思潮兴盛，使女装向古希腊、古罗马那种自然样式倾斜，以自然简单的款式，取代华丽而夸张的服装款式。Robe chemise就是这一时期的典型样式。这是一种白色棉布制作的宽松的衬裙式连衣裙，连衣裙的腰际线提升到胸部下面，使人体的比例更加好看，胸部的内侧有护胸层，取代了紧身胸衣，解除了对女性身体的束缚。袖子很短，露出手臂；裙子很长，一直垂到地上，使女性着装又一次回归到淡雅、自然之美。 

 

三、四大艺术风格对现代女装风格的影响 

 

当今时装界，欧洲古典的艺术风格流派仍然是很多服装设计师们的灵感来源，设计师们高举复古风的旗帜,在许多细节设计上都回归到了几个世纪之前。 

Gucci就曾以哥特式风格为灵感设计的系列服装，非常性感。黑色摇滚女郎，带有上个世纪30年代好莱坞女星的味道：裤子为宽裤脚，剪裁紧身、修长，配搭绑带、高跟鞋，性感中带个性，使得女郎带有哥特式的神秘色彩。 

巴洛克风格也被时装设计大师们所宠爱。YSL设计师Tom Ford以巴洛克风格为灵感来源，把法式蕾丝、领结、宽袖，重新演绎成现代服饰。他所采用的材质，展现出既成熟又性感的女人形象。绑带是设计中的细节重点，常常出现在上衣、裙子、鞋子上，还有宽袖口、领结，以及以黑色为主调，华丽的绣花，古典的收腰外形，不禁令人遥想几百年前的法国宫廷圣罗兰女人的万种风情。 

D&G2008年春夏礼服系列，是时装界回归洛可可风格的一个高潮。印花布料和夸张的裙撑、打折的花边、繁复的缀饰、低胸衬裙的造型设计以古典优美的X形轮廓为中心并强调裙及袖的层次和质量。在色泽选择上，将草绿、粉红、鹅黄等富丽堂皇的色彩一一呈现，顿现轻巧而华丽。 

2008年雅莹和2008—2009秋冬专场会以新古典主义为灵感来源。其服饰将女性形体间的极佳比例完美呈现，通过立体剪裁、抽褶、滚边等勾勒出极具视觉效果的空间感，并配以夸张的蝴蝶结、复古的宽腰带和金属饰物。饰物色彩上以黑金、米黄为主体色，略施点缀玫瑰红和暗橘、墨绿等色，从而显出经典的华丽与高贵。