写生范文10篇

写生范文篇1

论文关键词：油画写生色彩语言构图选择

写生是艺术创造的重要组成部分，它本身也是一种独立的艺术形式，它以自然为表现对象，这里指的表现对象的范围是很广泛的，可以是室外的景物，也可以是室内某些东西，人物等等。通过写生可以使画家很快地抓住事物变化中最美好的瞬间，把最美好的东西呈现在画面上。画画和做别的事情一样，一样会遇到一系列的问题，比如说在油画写生中的构图与色彩等问题。色彩会随着各种因素的变化而变化，也会随着地域的不同而变化，比如说色彩是有其民族性的，各个民族也有它们自己的色调，这个很容易体会得到，我们曾千里迢迢去过雪域高原，戈壁沙漠，黄土高原，我们可以强烈地感觉到它们本民族特有的颜色。青藏高原的五彩经帆，洁白雪山，还有纯净天空，已经成为了藏族特有的代表颜色。江南水乡的那种清新绿色，还有那种冲淡了的乡间建筑，也成了水乡独特的色彩感觉。下面我们就分别来谈一下色彩和构图及对象。

一、写生中的色彩

油画是色彩的语言，所以能很快谙熟色彩的规律。油画写生是要面对自然，在画面上描绘出来的要有强烈的主观感受，要有生动的艺术境界，决不能客观自然的翻版。艺术中感受非常重要，它的表现形式有两种：“渐悟”与“顿悟”。顿悟是建立在渐悟的基础上的，没有长期的生活体验和艺术积累，没有逐渐的渐悟的过程，是不能可出现奇迹般的“顿悟”与“突破”的。色彩作为绘画表现的因素之一，在正确的运用下，能够明确地表现一定的构思。加强主题的感染力，强烈的影响观者的情绪。

色彩有一般的规律，而具体运用则奇妙无穷，色彩也常常随人的感受，审美，爱好或修养而不同。有的人不愿正面来接触这个问题。在历史上也有不少的艺术大师开始时也许色彩运用得并不好，后来才成名成家的。苏里柯夫早年用色相当生硬，很不讲究，看不出后来的那种色彩倾向。德拉克洛瓦是到各地旅行写生，并在生活中随时的不断观察研究，后来才发挥出他的色彩天才。塞尚在分析他画面上的冷暖色彩对比和中间色层的推移来表现形体，久而久之塞尚形成了他独特的色彩风格。色彩从生活中来，而自然本身是美好的，变化丰富的，也是和谐的。不美的颜色在光线，空气等种种因素的影响下也可能成为和谐而美的。自然中很多现象启发我们用色，培养对色彩的美感。只是表现不好才把它弄糟了。即使对色彩很在经验的人，一旦不在接触自然，那么他的绘画很快就没有了生机。要在自然和生活中研究色彩。只有认真地研究对象，才能更好地搞自己的绘画。

关于颜色调配这样的问题，可能画得出来，但不一定能说得明白。还是应该探索色彩的基本规律。用色是一个非常个人化的主观性领域，可能不应该从规律和理论的角度来讨论它。然而，要想画的好，就应该懂得一些色彩知识，它们是如何表现的，又是如何互相影响和联系的。当你混合颜色或是将两种颜色并列着画在一起时，它们如何相互影响，在不同的光线下颜色又是如何改变的为什么会褪色，颜色如何可以来重现外形、轮廓、视角和情绪，某几种颜色的混合能够产生怎样的视觉效果以及这些视觉效果对人们的心理的影响如果想让色彩做出需要的事，那么所有的这些都很重要，都是要了解的。还有，对色彩的感受是主要的，但画画也不是只凭感觉就行了，还应该认识色彩的规律。只有熟悉规律之后，才能运用自如。画面上一个因素不好，就会影响整个画面。绘画，应找对比关系，因为这样才有绘画性。提香的色调很热烈，但我们应该注意他的冷色块在画面中所形成的对比。莫奈的《巴黎圣母院》色彩变化很明亮的黄色，和暗面的蓝紫色形成的微妙的对比，把阳光描绘得十分生动，符合自然规律。印象派后期的一部分写实绘画中，色彩的冷暖对比在近代的绘画中更是有力的一种表现因素。色彩的冷暖并不是绝对的，冷色在某些画中有时会有暖的感觉，暖色在画面中某些因素的影响下还可能会产生冷的感觉这是由于色彩在整个色调中互相作用的结果。因此绘画上应注意整体，并且用比较的方法对待客观事物中复杂的关系是非常重要的。色彩运用是否合适，必须从整体来看，凡是用色合乎整体，通常就是很协调的。色彩固然要求丰富，但要分主次，有的能起到支配作用，而有的就只是从属作用。这样有助于表达内容的主次强弱，使观者在看画的过程中加深印象时用色不当，效果就适得其反了。另外，色彩的明暗鲜灰都可以帮助一幅画起引导作用。

绘画的形和色如果只停留在表面的准确是不够的，应该进一步地去发现形与色的美，色彩有它自己的感情和象征。动人的艺术常常能把人们心理上的一些抽象的东西，如爽朗，阴郁，豪放，纯洁等等，达芬奇表现了智慧的深沉、米开朗基罗表现了力量和生命、马蒂斯的画面使人感到明快，成功的画家的色彩都是有他们自己的风格，但画家去认识与表现这些规律性的东西，并非是一样的，他们各自的着眼点与观察方法也是不同的。从美术史上看，各家有各家的气质，例如乔托爱用珍贵高雅的蓝色作宗教画的装饰底色，衬托前面的人物显得画面更加明快。波提切利的金黄色调更加强了画面的神秘感和梦幻般的仙境的感觉。安格尔用色单纯，其典雅优美如同他的素描。凡高鲜明的运动色彩，既表现了法国南部的特点，又表达了他内心的热情，和他对生命的热爱。亨利卢梭的造型和色彩都给人一种天真的快感。色彩不仅是表面地展现现实生活，它还要表现人们对现实生活的态度，表现画家的个性。

二、写生中的构图

构图对于一幅画来说，就好像一座建筑的地基。如果没有这个坚实的基础，整幅画可能就散架了。即使最简单的主题也需要构图，这样才能有效地利用画面的局限，更重要的是，这样才能有效地强调作品背后的信息。马蒂斯曾说“构图是一种装饰性的艺术，它通过组织艺术家手边各种各样的元素表现艺术家的感情。”构图最重要的一个目的，就是达到视觉的平衡。换句话说，就要小心地处理眼前这些构成图案的元素，它们是线条、形状、颜色、色调和质地。艺术家和艺术批评家提出了很多关于这种平衡的理论。古希腊的哲学家柏拉图曾经简要地说过什么是好的构图：“构图就是在统一中发现并表现变化。”

换言之，一幅画的内容要丰富，这样才能让观赏的人感兴趣，但是这种丰富又必须有限制有组织，以避免产生混乱和不和谐。严格的对称使画面显得平衡，但是很平淡。而一个不对称的构图一方面保持了视觉的平衡，另一方面构造了运动的张力和匀称的画面。可以把不对称的构图比作天平，一边放上很小但是很重的砝码，就可以平衡另一边一堆很大但很轻的东西。匀称和谐画面就好像一首旋律一致的乐曲，不同的元素相互联系起来，同时使构图代有一种特别的情绪。一幅画应该有一个主要的因素，一个能够吸引观者注意的焦点。所以，当考虑构图的时候，首先就应该想到强调什么?怎样去强调它?当我们看任何一幅美术作品时，我们会本能地寻找一种贯穿画面的视觉通道，使我们能够看懂整幅构图。如果这种幅画中的元素不是以一种另人愉快的和谐匀称的方式联系起来的，那么我们会失去兴趣，因为这会给我们支离破碎的感觉。构图是绘画很重要的一方面，构图如果过度依赖数学和几何学的原理，虽然能使画面达到很好的要求，但是这样的画面过于安全和有规律。正如塞尚曾经说过的：“当我开始构思时，所有的原则都消失了。”一幅画之所以让人记忆犹新，是因为它有另人惊讶的个性在里面。所以应该由你的创造性的本能来决定什么时候应该遵守原则，什么时侯应该打破他们。所谓绘画的原则，事实上只应当被年作是构造出正确答案的一个大概的方针。随着经验的积累你会发现好的构图很大程度上取决于观察、本能和直觉。在写生中构图的应用就显得更重要了，因为它直接体现画面是否生动，在写生之前，要果断地确定好构图，千万不要改了又改，要用颜色来确定构图。不仅仅把它看做是一些占据了一定空间的物体，还要考虑它是一个形，一块颜色。

三、写生对象的选择

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一、风景写生中的自然景运用要了解自然景的构图

风景写生有一个很重要的前提就是面对的风景都是已经有了的，是已经构成了的，因此在写生构图的过程中，不能随意的改变风景写生的寓意，要正确地了解地平线、海岸线、或者平原上位置，才能在自己的视平线对齐，做出更好更美的作品。所谓视平线是指风景写生者的眼睛相等平行高度的水平线，把握好视平线有利于作画者在下一步作画中能够准确的构图。了解了什么是视平线，还要清楚什么是地平线，所谓地平线是指在广阔的草原或者平原或者海岸边，这些水面、地面与天空相接的一条美丽的线，这条地平线关系到下一步风景写生的构图，掌握了地平线和视平线，是为风景写生打下了坚实的基础，具有重要的意义和作用。在风景写生中，还要注意到视角的角度，对构图也是十分重要的，从视角的角度来说，仰视和俯视的角度都是和构图不同有关系的，一般情况下，眼睛的视平线就是地平线，二者是相一致的，也是重合的，但是仰视的时候，视平线和地平线就是不一致的了，视平线高于地平线；俯视的时候，二者又是不一致，视平线是在地平线之下。因此在对风景写生中，对自然景进行写生的过程，尤其要注意构图的视角。比如地平线如果是被自然景物遮挡，首先在风景写生中就要先确定视平线，最简单的方法就是用手来平托住画板，视角线目光要平视向前，并且通过画板来进行上下的眼前的移动，如果看不见画板上面和下面的两个面的时候再看到的另一边，这个意义上将这个边的位置就是视平线。从风景写生中来说，视平线的位置的确定对自然景的构图和透视起着重要的作用，也是关系到透视变化的关键的依据，在风景写生中，构图自然景是具有重要意义的，视平线以上的自然景在变化过程中，都会产生相应的构图的高低的要求，以上的自然景一般是近景是高的，远景是低的，而以下的自然景一般是近的景是低的远的景色是高的。自然景的构成和物体的摆放景色是不同的，本身自然景就是天然的，在风景写生中，这种自然景构图是需要通过透视来完成，不管是平行的透视还是成角的透视，还是倾斜的透视，都是风景写生中运用的比较多的自然景构图方式，当然成角透视运用的最多。在风景写生中，自然景本身就存在着远近、大小、正倒等透视现象，基于透视的基本规律，风景写生中对自然景的构图要充分的判断和感觉。因此，在风景写生中对自然景的构图要明确目标和明确取景的范围以及作者在作品上想表达的意图，尤其在写生取景中更是要十分的关注地平线的位置，这一条画画的基本线，是一种表现作品深度和艺术性的依据，要从自然的风景景观中取景，要把景色和作品融合形成一种自然的风格，在实际的作画过程中更要把握好自然景取景的构图技巧，便于自己的作品具有艺术性和美感，因此掌握好地平线，才能使风景写生中的自然景构图没有呆板的感觉，才会灵动的表现美丽。

二、风景写生中的自然景的运用要表达出自然景浑然天成的意境

风景写生本身取景就是自然景观，自然景观是天然形成的，大自然神奇给风景赋予了很多美妙的图画，但是实际在写生过程中，如何用作品来表现大自然这个自然的天然浑成之手打造的美景，就需要好好地推敲和认真地考虑了。自然是浑然天成的，因此在对自然景的写生过程中，尤其是取景过程中更应该从浑然天成的角度选取景色便于作品，尤其是在作品作画过程中，如何表现天然的景观和作品融入在一起，更考验作画者的意识和能力，在绘画过程中可以考虑主观和客观内容的照应因素，空间的处理位置，更要通过疏密、虚实、曲直、明暗等手法的对比来突出风景写生中自然景的艺术表现，在作画过程中还要展现作者的意图和感受和情感，其实也就说说，作品要和浑然天成的自然景色融为一体，充分的展现作者的意图和情感的表达，又充分的体现统一和谐和主次分明并且富于变化的作品表现情感。因此，自然景观的浑然天成在作画的过程中，必须要认真的观察，在布局和画画之前，多从作者的自我感觉和感情出发，多景物有了情意，自然在画笔里就能够投入情感来表现风景的魅力。对于复杂的漂亮的风景，更是要大胆的取舍，对自己情有独钟的景物更是要大胆的表现和力争完美，这才能更好地表现出自然景浑然天成的意境，才能够成为一部好的作品。

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水彩画的写生成功率很低，满意之作就更少了。画好一幅水彩画写生是要付出很大劳动的。一幅好的水彩风景写生表达出一种意境、一种情调，溶汇了作者的情绪在内。我画写生的目的十分简单明确：提高观察力，训练眼和手，迅速抓住大自然中瞬间光和色的变化，掌握规律，锻炼户外色彩表达能力，同时解决构图、调子、用笔等诸多问题。关于写生，我认为不可过分地强调真实，那会使作品变得淡而无味。如果一幅写生能解决一点点问题那便是莫大的收获了。

2画幅大小和时间

由于写生目的的明确，也因此就牵涉到了一个时间和画幅大小的问题，因自然光线变化速度极快，所以作画时间我控制在一到二个小时，甚至半小时。时间过长，光线变化了，生动的第一感觉也就消失了。因此画幅我由原来的对开，4开规格大小的水彩纸改为现在的16开乃至32开写生，原因是我想在有限的时间内画得更完整一些。

3选景

在选景过程中，我常常像考察者探路似的利用一整天的时间把当地的风光仔细地“搜寻”一遍，并选择好自己感兴趣的角度和地点，这样在下一阶段写生时就不需要花很多时间再去找景了。在作画前，我常常一个人默默地静思片刻，仔细地回味自然中给我感受最深的瞬间，让它在我的脑海内有一个清晰的轮廓才下笔，做到心中有数，我体会到，写生时既要激动，又要冷静，既要有对生活对大自然的激情又有艺术思维的沉稳。有人说传统写意中国画是讲究“心手双畅”的过程，而对水彩画者来说，可能有时你并不能“心手双畅”，你面对的是把冲动的情感先放一放，去考虑先画什么，后画什么，什么地方用干画法，什么地方用湿画法的作画过程。

其实我觉得，画到一定程度，绘画的对象已经不再是第一位的，而重要的是对物象的重新编排，该怎么画的问题。歌德说过，“不是生活中缺少美，而是我们缺少发现美的眼睛。”一个真正的艺术家不应该只是生活的奴隶，而应该是美的创造者。

4水彩写生中的技术问题

水彩画的用笔和中国画没有什么区别，一般使用狼毫和羊毫笔为宜。大中小号的笔都要准备齐全，另外，再准备一两支大羊毫或者小板刷。水彩画颜料市面有多个牌子可用，在使用前不要挤出太多，以免干硬不易溶解。

作画时，颜色要调足，使之够用，避免不够再另调同样色调。每笔都要蘸色饱满，画出的色彩效果才能透明润泽。画法上，一般常用干湿混合画法，即先用湿画法画出天空、云雾、江湖……，而后在湿画的基础上用干画法塑造物象，使画面层次丰富，色彩效果饱满和谐。总之，水彩写生用笔必须大胆、肯定、概括、简洁、不拖泥带水。

5水彩默写

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从技法层面上讲，就“小品”和“创作”比较而言，写意人物画之“写生”，具有更为不易超越的难度，因而历史上并未迭起而成峰巅。应该讲，中国写意人物画的写生不仅是为锻炼画家观察能力和造型能力的基础训练，更应该激发出更多的表现手法和超脱巢臼的表述语言，从而自觉地寻找和建立自己的艺术风格。一幅好的写生作品，正体现画家在对象与画面之间的再创造，即在画家与模特儿的面对面交流中，不仅是一种情感的真诚表述，还应更加注重艺术语言、精神内涵和审美形式的高度融合。

写意人物画写生很重视兴会、灵感，要有情势所动，讲意在笔先。要意识到写意人物画所表现的不仅仅是停留在眼睛表面的视觉形象，而是经过眼睛传达至内心的胸中意象，不能仅仅把写生对象当作模特儿，而应该想象对象是一位生活中有丰富情感、鲜明个性和某种特定身份的人物，包括神情姿态、个性特征和情感活动等等，还应赋予某种情绪、情调，直至对表现对象有所感受；“心与物化”，情满意足，胸中似乎涌动一股非画不可的激情。作画者还要集中注意表现对象的关键部位，形成一种着力于对象的大体外形，和不具体确定细节的“视觉闪现”，要抓住瞬间的感觉，把一个具体复杂的视觉对象简化为一个蕴藏着张力的、强化了的、夸张了的甚至是某种错觉的基本形，注意外轮廓的大致走向以及外形造成的画面空间关系。

2写意人物画写生要领

造型是一切视觉艺术的根本要素。要认识到写意人物画写生不是对客观对象的机械模拟和复制，而是通过观察、分析，加以提炼、概括、夸张变形，以意为之，从而达到形神兼备的目的。在注重“写生”的同时，又没有完全摈弃“意象造型”的意味，要求创造的艺术形象既是客观存在的自然物象，又是作者主观认识的审美意象。

笔墨情趣有同于书法情趣，是画家情感投入的结果。笔墨讲品味、讲格调，靠功夫和修养得来。只有长期的训练和感悟才可“从心所欲不逾矩”，进入“疱丁解牛”、“郢匠运斤”的境界，心手相应，取象达意，寓偶然于必然。

重造型、讲笔墨，仍然是需要努力坚持的。写意人物画的造型和笔墨有时很难区分，有时形即笔墨，有时笔墨即形。写生中，为表达写意的意趣、风貌和气派，作者不能就形是形，亦不能单纯笔墨，如何处理好二者的关系是一代又一代画家永恒的课题。徐悲鸿学派由于过分强调素描关系和造型的严谨，大多作品呈现出较重的“写生状态”而削弱了笔墨，但也不乏因自觉向笔墨靠拢而获得成功的画家，如卢沉、周思聪等。新浙派人物画也以素描为造型基础，但对传统的西式素描进行了改造，弱化光影强调结构，并加强了线的表现功能，在笔墨上向已成熟的中国写意山水花鸟画借鉴，取得了造型与笔墨的相对统一。

随着社会的发展，中国写意人物画呈现出千姿百态、蓬勃发展的趋势。各种流派、各种形式、各种风格应运而生。但是万变不离其宗，无论写实、夸张、变形等都离不开基于表现对象的任务和审美作用。“写实人物画是人物画中的主体，要永远作为主要方向去研究”。要画好写意人物画，写生这条艰辛而富于挑战的路我们还得继续走下去。

3小结

时至今日，受当前美术思潮的影响，艺术创作讲求重观念、轻技能，似乎绘画仅凭激情和观念就可以完成。中国画写意人物写生除了在艺术院校近乎尴尬地尚存一席之地外，已基本不被学界所关注，写生一类的作品只能作为习作在院校之间的观摩交流展或画家的个展中展出，除此之外便很难在其他的展事中见到了。而在走访欧洲的各大美术馆展出的西方大师的作品中，并没有将“创作”和“习作”做严格的区隔。如果把有着题材载负的人物画“创作”比喻为千锤百炼“九朽一罢”的电影艺术，“人物小品”是兴之所至、情趣盎然的即兴小品表演，那么有着“习作”意味的写意人物画写生则为情景交融、一气呵成的舞台剧，它同样具有极高的审美价值。

参考文献

[1]陈文国.凝神取形澄怀味象——谈写意人物画的造型观[J].美术大观，2006，(01)

[2]王莹.漫谈中国写意人物画[J].中国美术，2007，(03)

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一、写生是一种心理解释

中国传统人物画理论中没有“写生”这一概念，与此相类似的概念是“写神”或“写真”。按照西方的艺术理论来理解，绘画属于造型艺术，而在中国传统画论中只有“形”的概念，没有“造型”概念。一般意义上，“形”是指物象的外部形态，而“造型”是通过某种方式对物象外形及内部结构的整体塑造。虽然“写生”与“造型”二者都是舶来品，但是由于西方现代绘画与中国画具有一定的相通性，从而在客观上加快了中西绘画观念相互融合与吸收，因此，现代西方绘画的某些概念和表现手法对中国画具有一定的应用价值或启示作用。阿恩海姆在《艺术与视知觉》中曾经对“形”所作的分析就特别适用于现代水墨人物画的写生。他认为“形”是眼睛所把握的物体的基本特征之一，它所涉及的是去除了物体的空间位置和方向等性质之外的那种外部形象。换言之，形状不涉及物体处于什么地方，也不涉及对象是侧立还是倒立，而主要涉及物体的边界线。由此不难看出，画家视觉中的“形”与客观真实的“形”是不尽相同的。如果将这种观察理解的方法运用在水墨人物写生之中，则有助于写生过程中对于形的刻画和对人物造型的体现。中国画的“形”的概念与内涵是不断发展的，随着绘画从传统向现代的转型，“形”与“造型”的界限越来越模糊，“形”不再单指模特本身的外形，还应包括人物结构形态、画面结构形态、笔墨形态等诸多方面，或者说是人物外在的形象特征与笔墨的统一。这种按艺术规律构成的笔墨结构，是一种“笔出己意”的观念形态，是主体对客体自然采撷后的精神物化的存在，通过写生所塑造的形象其实是画家心灵感觉的形象。从这个意义上看，“写生造型”是一定观念上的产物，是对客观形象的艺术化表现。

现代美术教学与绘画创作格外强调写生的重要作用。徐悲鸿认为：写生是一切造型艺术的基础，艺术家如不在写生这一重要环节上打下坚强的基础，必然造成自身能力的先天不足而乞灵于抄袭模仿。所以，以写生作为锻炼人物造型能力的手段，其积极意义不言而喻。但是，如果在写生中只把写实能力作为训练造型能力的基础，其思维意识与审美判断也会仅仅以再现模特本身的客观形象作为标准，反映在作品中，就是把中国画的水墨材料与西画的光影素描简单相加，形成所谓中西合璧式的“水墨素描”。在写生教学的具体实践中我们发现，素描造型能力与水墨造型能力之间并没有必然的关系，当然这里的“素描”是通常所谓的“明暗素描”。素描造型强的人，不一定适应毛笔造型，反之亦然。水墨人物的造型观念应当体现出画家对中国画造型的特征、笔墨的内涵、以及对传统的视觉审美习惯的理解。只有以这种态度统领水墨人物画的写生，观察与表现上才不至于过分依赖客观物象，造型才能真正获得一定的独立性而具有笔墨趣味。当然，艺术观念既不是凭空的想象，也不是建立在所谓的游戏态度上，它是服从于对主体、对客体审美感受的一种心理暗示或心理真实。从这一角度来理解，写生的价值内涵是心理上对现实对象的重新解释，是作画者借反映“客观现实”之名，行表现“主观现实”之实。

二、“取势”与“取质”

艺术虽是主观意识的产物，但是它最终要归于技术层面，体现在水墨人物写生过程中，那就是观察与表现这两个非常重要的环节。中国画最大的艺术特色是用线造型，基本手法是通过丰富变化的线条穿插以表现出物体的形象结构。中国画的线条痕迹所形成的外在轮廓使形象具有很强的平面特点，这与西画焦点透视法所显示出的立体空间感觉具有本质的不同。在西画的处理中，人物外在轮廓需要被模糊虚写，其目的是体现出形体的转折与空间，但是对中国画来说，为了强调主观感受，物象的轮廓和结构转折处的关键部位往往被实写，不同的绘画理念与审美特质决定了相异的行为方式，正所谓怎么“看”决定了怎么“画”。水墨写生时，立体的空间、明暗层次等现实因素是没法去除的，如果这些因素掺杂于水墨人物写生之中，势必造成许多塑造上的矛盾，这就要求写生者在主观上改变素描写生的观察与处理方式，进而形成“中国画”式的观察方式与笔墨构成系统。北宋山水画家郭熙在《林泉高致》中有这样的论述：“真山水之川谷，远望之以取其势，近看之以取其质”，人物写生也与此类似。他继而又说：“山水大物也，人之看者，须远而视之，方见得一障山川之形势气象。”由此可见，取其势便得其气象精神。与郭熙对山川自然的观察、表现及概括手法一样，水墨人物的写生造型同样需要“取势”和“取质”。

“势”在文学与艺术中都有所体现和运用。《辞源》里对其解释为“权力、威力”；“形势、趋势”；“态势、姿态”等。南朝刘勰《文心雕龙·定势第三十》中说：“夫情致异区，文变殊术，莫不因情立体，即体成势也。势者，乘利而为制也，如机发矢直，涧曲湍回，自然之趣也，圆者规体，其势也自转；方者矩形，其势也自安；文章体势，如斯而已。”可见此处的“势”是指文章的“风格姿态”。其实，不仅是文章要体现“势”，绘画也是对“势”的关注与获取。人的形态有两种存在方式：肉体与精神，反映在绘画概念上则为“形”与“神”，二者各自具有独立性，但又必须是统一体。郭熙认为山水之势就是山水的气象精神，那么人物的“势”则具有同样的含义。细而论之，人物的“势”分内、外两个层次，外形之“势”，即所谓的“形势”，是指物象的外部形态特征及其动作趋向，那么取其势就是对物象外在形态的整体把握。还有一种“势”，是物象内在精神的外化，是一种“神势”，所以这种取势就是对物象内在精神、动作仪态的整体把握。无论是人物鸟兽还是山川花草，这种精神层面的“势”皆能被感受得到。“苏轼在《东坡论人物传神》中描述到：“吾当于灯下，顾自见颊影，使人就壁模之，不做眉目，见者皆失笑，知其为吾也。”由此可见，形之“势”与神之“势”是一个有机的统一体，

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二者共同体现出人物的整体形象。宗白华说：“美就是势，是力，就是虎虎有生气的节奏。”取势的过程，就是通过视觉方式整体观察、感受的过程。“质”的含义是物体的质感、质地与肌理。在中国画的审美范畴中，“质”的意义并不是指客观物象的表面细节，而是建立在此基础上的某种笔墨形式或效果；“取其质”也不是被动地对形体、质地、细节的客观描摹，其中有作画者的主观感受以及将物象分析、取舍、抽离等将客观物理进行艺术转化的行为，其价值已经赋予笔触所塑造的形式美感本身。因此，画中的“质”是非物理性的，就其性质而言，它一方面是画家主观审美意识与自然形质特征相契合的产物；另一方面，它还是一种有效的笔墨结构与变化层次的关系。

在水墨人物写生中，客体的物理层面的“质”是通过笔墨的“质”来实现的，其一是通过丰富的墨色变化表现结构形象；其二是通过笔墨的变化“编织”成具有审美意义的平面结构形象，即以平面特征的线暗示形象的存在。中国画的“立体的效果”来自于线条对结构的暗示，进而使观者产生某种程度上的立体的联想，它并非是立体素描那样直觉的立体效果。同时，笔墨线条的穿插组合应建立在作画者对所看到的形状的理解之上，并通过丰富的想象把表象与结构联系起来。这时，由于光源的存在所导致的色彩倾向、明暗层次、衣纹的立体变化等表面化形态都不应成为塑造结构的障碍。值得注意的是，在动觉方式下，随着视点的变动，有时所看到的并不完全是想要画的，必须把它们解释为具有独立审美意义的笔墨形式，并体现出作画者对平面空间分割的能力，以暗示物象结构的存在。根据造型与笔墨的关系，形体的塑造要有利于笔墨的安置并使之获得更大程度上的自由和解放，不能把线条的概念狭隘于“面的转折”，这样将会把模特表现为一个被线所框定的形象。因此，笔墨线条不必拘泥于实际的科学意义上的解释，它始终要对“美”负责。正如歌德在其著作《人论》中所强调的一样，“艺术并不打算在深度和广度上与自然竞争，它停留于自然现象的表面；但是它有着自己的深度，自己的力量。它借助这些表面现象中见出合规律性的性格，将这些现象的最强烈的瞬间定形化。”这就是“取质”的意义所在，这才是艺术能够打动人心灵的真正原因和力量。

三、“质”与“势”的统一

以线为主要表现手段的中国画，在艺术处理上的最大特色是追求在平面中组织点线面的韵律节奏。在水墨人物写生过程中，要将人物的外部结构及细节赋予笔墨感觉，从而使人物写生更具中国画的形式趣味，就要对郭熙的“取势”与“取质”的关系作重新的理解和定位。

写生范文篇6

关键词：速写的基本功速写比例关系人物解剖关系人物线条的应用速写步骤

速写因其被看作是与素描并重的基本功，是造型基础训练的重要一环。好的速写可以体现画者对生活的理解和艺术表现上的魅力，是画者的激情与纯熟的艺术技巧相结合的真实表达。速写的目的在于训练画者的艺术表现力。人物速写是素描高度提炼的产物，是素描的一种，它讲究落笔肯定，大胆挥洒，能在较短时间用生动、准确、简练、概括的手法，由感而发地捕捉把握人物动态，比例符合形象特征。

素描中的九大造型要素：构图、比例、透视、解剖、几何形体、光线、三大面块、线条、方位，是相互关联的，换句话说，画好一幅素描就好比驾驭一群野马，必须同时把它们都看管好。素描有它自己完整的体系，这里不一一详述。但让人注意的是速写与素描是相通的，它也需要画者把各种要素汇聚在一起，有的放矢地进行配放及使用，才会有好的人物速写写生作品。下文谈的是九大造型要素中几个重中之重的问题。

一、人物比例关系：耻骨联合是人体从头到脚总长的中心线，下巴到乳头为一个头的长度，乳头到肚脐为另一个头的长度。肚脐到耻骨联合为3/4的头长，膝盖是耻骨联合到地面一半的标志点。脚到肚脐与脚到头为1∶0.618黄金分割。上臂比下臂长，长不过下臂与手掌。大腿比小腿长，长不过小腿与脚掌。女子肩宽1/2头，男子肩宽1个头。手臂自然下垂在大腿1/3处。头长的两倍是下巴到肚脐距离。以上比例关系是以标准人体作为讲解的，面对具体的写生对象时可略为改动。

二、人物解剖关系：要记住并熟练进行运用。什么叫解剖，就是人体中骨骼与肌肉的穿插关系，为解剖关系。如果没有研究艺用解剖，就容易犯错误。比如：只画面部而忘记了画后脑壳，以至于从侧面看后脑壳被削去了。脖子只能放在第一对肋骨上面，否则无法正常吞咽和呼吸。胸廓画得过于小，要么胸廓画得离骨盆老远，要么把胸部和骨盆画到一起等等。需要记住并能默画出形状的人体骨骼：髂前上棘、耻骨结合部、大转子、股骨、髌骨、胫骨、腓骨、趾骨、锁骨、肱骨、桡骨、尺骨、腕骨、掌骨、指骨、胸骨、剑突。还需要记住并能默画出形状的人体肌肉：胸锁乳突肌胸肌群、腹直肌、腹外斜肌、股内肌群、股四头肌群、缝匠肌、阔膜张肌、腓肌群、腓骨肌群、斜方肌、三角肌、肱二头肌群、旋后肌群、屈肌群、背何肌、前锯肌。

三、人物速写中对手的认识：1.关于手的解剖，要了解并记住，手部解剖的小肌群有一拇指球、掌短肌处有小指球、食指的外尺肌、腕关节与手掌结合部一个拱形和手掌末端的半个拱形。2.关于手的块面组合，一定要有三块画的观察认识。3.手的重点、难点，还要记住：尺骨末端骨点在小指方面、小指方向手的轮廓共有五个大小不同的起伏。4.手的造型要注意的问题：（1）不能正对你。（2）手指方向要遵循结构原理，不能平行，并且要有疏密组合。（3）手腕与下手臂注意要有转折。5.线条呈弧度状，手上的肌肉较明显，而人体肌肉有一个共同特征，呈弧形。

四、人物线条的运用：线条是客观对象并不存在的东西，但作为造型的一种表现形式却被广泛运用，古典主义大师安格尔对线条的表现研究给予了极大的关注。他认为，线条是表现形体最为简练、概括并赋予美的形式。我国传统的中国画对线条更有研究：“铁丝描、游丝描、柳叶描等十八种描法。”抽象派画家康定斯基说：我们即使不特意表现自然的形状，只有线条，它们就激动着我们的心激发起感情。首先在人物速写中的线条有三方面的基本要求：1.主线条表现人主要姿态；2.穿插线条表现人物衣纹、结构；3.疏密线条表现人物层次、结构。其次，避免把人物的外形及线条的轮廓处理得死气沉沉，缺乏健康的气息。造物主似乎有神力使人物的动作能如此活动自如而敏捷。身体是一个完整的创造物，它运动的时候，所有的部位相互协调，从某种意义上说，身体具有弹性的特性，每一个动态都会对其他部分产生影响，正所谓“牵一发而动全身”。人物形体应该安排得位置恰当，画出的形态应有动感和流畅感，以表现出内在的生命力。因此笔意的生动、流畅、灵性也非常讲究。五、人物速写的方法：速写训练的基本方法很多，常见的有静态速写，每张速写的时间大约在15分钟到30分钟之间。如坐着喝水、站着看报纸等。开始，同学之间可摆出特定的动作进行训练，待熟练后，再到生活中去画自然状态下的静态形象，最后进行动态速写训练，如画运动及舞蹈动作。由繁到简，由细到放。速写的特点是高度概括、提炼。这种能力，也需要由易到难的一个过程，进行初学速写时，应该画繁一些，内容多一些，精细一些。如果一开始就粗疏几笔，必然失去控制。因此定要先收得住，等熟练后逐渐放开手。由单人到多，由局部到场面。在实际生活中，人与人、人与景物是不可分隔的。初学者见如此复杂的场面，不知从何下手，所以训练时，可先选单个人来画，待熟练后，再画双人组合多人组合，以及人与景的组合，并注意提炼、取舍。

观察时要抓特征，抓主要形象略次要形象；抓整体基本形，略局部细节，并把主要特征、神情动态，尽量记忆下来，这样才能在对象变动，甚至脱离了视觉范围的情况，依靠记忆去完成速写。画速写三成靠目识，七成靠记忆。所谓意测，就是要发挥主观想象、联想和进行一定的夸张加工。画速写，主要靠记忆，而记忆的形象往往是零乱的、局部的。故还要根据画家个人的生活经验以及对人体的解剖知识、运动规律、结构规律等的掌握，去作合情合理的联想和加工，才能使画面更理想，更有情趣。

速写的要诀是稳、准、狠，从表面上看，和速写的快速度有矛盾，实际上，越是快速度越要求稳，心浮气躁，心手不相应，就会错误百出，欲速则不达。所以心一定要静，手一定要稳，全神贯注，才能下工夫取得成绩。

六、人物速写的基本方法步骤：1.观察与思考：整体观察对象，思考对象的解剖、比例、形态特征，从这些基本因素来思考画面的组织安排，做到“胸有成竹”。2.构图：面对人物写生时还应选择最佳、最利于表现其人物形态和精神面貌的特征的角度进行写生，这样更具有艺术特征感。将写生对象安排在画幅的适当位置，用很轻的线粗略勾画出写生对象大的比例、动态、解剖及透视关系。构图时应注意人物大小要适中，应给观者留出想象的空间。多个写生对象要有疏密关系，人物高矮放置也应参差不齐，形成错落有致的节奏感。3.局部刻画：根据画出的大体比例、动态，可以选择感兴趣的地方着手勾画。例如画头部时，要用准确肯定的笔触描绘五官形象，由上及下，将写生对象身体轮廓、衣纹的起伏变化等作进一步的刻画。头发部分用线松动流畅，但要跟着头骨体积来，并顺着头发的生长规律走。在对头、肩、手、足的刻画时，应注意其内部的结构关系。写生中，应一边画一边调整，可以说，作画的过程是一个不断调整、修改并不断完善的过程。4.节奏的调整：作画时应始终把握整体——局部——整体的作画原则，局部肯定之后，重心回到整体，该加强的部分加强，该削弱的部分削弱，要懂得画面中“取舍”的艺术含义。重点刻画之处一定要细致入微地刻

画，最后还应注意“将错就错”的处理技巧。面对有些废线条时，不用擦去，在旁边适当补充几根线条就会形成新的组织和节奏，从而化腐朽为神奇。总之，作画时应从整体出发，不断调整、修改，直至最后完成。

画速写时观察人物要敏锐，要抓住关键。课余饭后都可画上几张速写，这对提高绘画技能极为重要。如果我们在理解的基础上能熟练地驾驭速写，再加上平时的多看、多想、多画，相信不久的将来，我们的速写一定会有很大的进步。

参考文献：

[1]（美）罗伯特·黑尔.朱岩译.素描基础[M].中国青年出版社.2001.1：57

写生范文篇7

关键词：速写的基本功速写比例关系人物解剖关系人物线条的应用速写步骤

速写因其被看作是与素描并重的基本功，是造型基础训练的重要一环。好的速写可以体现画者对生活的理解和艺术表现上的魅力，是画者的激情与纯熟的艺术技巧相结合的真实表达。速写的目的在于训练画者的艺术表现力。人物速写是素描高度提炼的产物，是素描的一种，它讲究落笔肯定，大胆挥洒，能在较短时间用生动、准确、简练、概括的手法，由感而发地捕捉把握人物动态，比例符合形象特征。

素描中的九大造型要素：构图、比例、透视、解剖、几何形体、光线、三大面块、线条、方位，是相互关联的，换句话说，画好一幅素描就好比驾驭一群野马，必须同时把它们都看管好。素描有它自己完整的体系，这里不一一详述。但让人注意的是速写与素描是相通的，它也需要画者把各种要素汇聚在一起，有的放矢地进行配放及使用，才会有好的人物速写写生作品。下文谈的是九大造型要素中几个重中之重的问题。

一、人物比例关系：耻骨联合是人体从头到脚总长的中心线，下巴到乳头为一个头的长度，乳头到肚脐为另一个头的长度。肚脐到耻骨联合为3/4的头长，膝盖是耻骨联合到地面一半的标志点。脚到肚脐与脚到头为1∶0.618黄金分割。上臂比下臂长，长不过下臂与手掌。大腿比小腿长，长不过小腿与脚掌。女子肩宽1/2头，男子肩宽1个头。手臂自然下垂在大腿1/3处。头长的两倍是下巴到肚脐距离。以上比例关系是以标准人体作为讲解的，面对具体的写生对象时可略为改动。

二、人物解剖关系：要记住并熟练进行运用。什么叫解剖，就是人体中骨骼与肌肉的穿插关系，为解剖关系。如果没有研究艺用解剖，就容易犯错误。比如：只画面部而忘记了画后脑壳，以至于从侧面看后脑壳被削去了。脖子只能放在第一对肋骨上面，否则无法正常吞咽和呼吸。胸廓画得过于小，要么胸廓画得离骨盆老远，要么把胸部和骨盆画到一起等等。需要记住并能默画出形状的人体骨骼：髂前上棘、耻骨结合部、大转子、股骨、髌骨、胫骨、腓骨、趾骨、锁骨、肱骨、桡骨、尺骨、腕骨、掌骨、指骨、胸骨、剑突。还需要记住并能默画出形状的人体肌肉：胸锁乳突肌胸肌群、腹直肌、腹外斜肌、股内肌群、股四头肌群、缝匠肌、阔膜张肌、腓肌群、腓骨肌群、斜方肌、三角肌、肱二头肌群、旋后肌群、屈肌群、背何肌、前锯肌。

三、人物速写中对手的认识：1.关于手的解剖，要了解并记住，手部解剖的小肌群有一拇指球、掌短肌处有小指球、食指的外尺肌、腕关节与手掌结合部一个拱形和手掌末端的半个拱形。2.关于手的块面组合，一定要有三块画的观察认识。3.手的重点、难点，还要记住：尺骨末端骨点在小指方面、小指方向手的轮廓共有五个大小不同的起伏。4.手的造型要注意的问题：（1）不能正对你。（2）手指方向要遵循结构原理，不能平行，并且要有疏密组合。（3）手腕与下手臂注意要有转折。5.线条呈弧度状，手上的肌肉较明显，而人体肌肉有一个共同特征，呈弧形。

四、人物线条的运用：线条是客观对象并不存在的东西，但作为造型的一种表现形式却被广泛运用，古典主义大师安格尔对线条的表现研究给予了极大的关注。他认为，线条是表现形体最为简练、概括并赋予美的形式。我国传统的中国画对线条更有研究：“铁丝描、游丝描、柳叶描等十八种描法。”抽象派画家康定斯基说：我们即使不特意表现自然的形状，只有线条，它们就激动着我们的心激发起感情。首先在人物速写中的线条有三方面的基本要求：1.主线条表现人主要姿态；2.穿插线条表现人物衣纹、结构；3.疏密线条表现人物层次、结构。其次，避免把人物的外形及线条的轮廓处理得死气沉沉，缺乏健康的气息。造物主似乎有神力使人物的动作能如此活动自如而敏捷。身体是一个完整的创造物，它运动的时候，所有的部位相互协调，从某种意义上说，身体具有弹性的特性，每一个动态都会对其他部分产生影响，正所谓“牵一发而动全身”。人物形体应该安排得位置恰当，画出的形态应有动感和流畅感，以表现出内在的生命力。因此笔意的生动、流畅、灵性也非常讲究。

五、人物速写的方法：速写训练的基本方法很多，常见的有静态速写，每张速写的时间大约在15分钟到30分钟之间。如坐着喝水、站着看报纸等。开始，同学之间可摆出特定的动作进行训练，待熟练后，再到生活中去画自然状态下的静态形象，最后进行动态速写训练，如画运动及舞蹈动作。由繁到简，由细到放。速写的特点是高度概括、提炼。这种能力，也需要由易到难的一个过程，进行初学速写时，应该画繁一些，内容多一些，精细一些。如果一开始就粗疏几笔，必然失去控制。因此定要先收得住，等熟练后逐渐放开手。由单人到多，由局部到场面。在实际生活中，人与人、人与景物是不可分隔的。初学者见如此复杂的场面，不知从何下手，所以训练时，可先选单个人来画，待熟练后，再画双人组合多人组合，以及人与景的组合，并注意提炼、取舍。

观察时要抓特征，抓主要形象略次要形象；抓整体基本形，略局部细节，并把主要特征、神情动态，尽量记忆下来，这样才能在对象变动，甚至脱离了视觉范围的情况，依靠记忆去完成速写。画速写三成靠目识，七成靠记忆。所谓意测，就是要发挥主观想象、联想和进行一定的夸张加工。画速写，主要靠记忆，而记忆的形象往往是零乱的、局部的。故还要根据画家个人的生活经验以及对人体的解剖知识、运动规律、结构规律等的掌握，去作合情合理的联想和加工，才能使画面更理想，更有情趣。

速写的要诀是稳、准、狠，从表面上看，和速写的快速度有矛盾，实际上，越是快速度越要求稳，心浮气躁，心手不相应，就会错误百出，欲速则不达。所以心一定要静，手一定要稳，全神贯注，才能下工夫取得成绩。

六、人物速写的基本方法步骤：1.观察与思考：整体观察对象，思考对象的解剖、比例、形态特征，从这些基本因素来思考画面的组织安排，做到“胸有成竹”。2.构图：面对人物写生时还应选择最佳、最利于表现其人物形态和精神面貌的特征的角度进行写生，这样更具有艺术特征感。将写生对象安排在画幅的适当位置，用很轻的线粗略勾画出写生对象大的比例、动态、解剖及透视关系。构图时应注意人物大小要适中，应给观者留出想象的空间。多个写生对象要有疏密关系，人物高矮放置也应参差不齐，形成错落有致的节奏感。3.局部刻画：根据画出的大体比例、动态，可以选择感兴趣的地方着手勾画。例如画头部时，要用准确肯定的笔触描绘五官形象，由上及下，将写生对象身体轮廓、衣纹的起伏变化等作进一步的刻画。头发部分用线松动流畅，但要跟着头骨体积来，并顺着头发的生长规律走。在对头、肩、手、足的刻画时，应注意其内部的结构关系。写生中，应一边画一边调整，可以说，作画的过程是一个不断调整、修改并不断完善的过程。4.节奏的调整：作画时应始终把握整体——局部——整体的作画原则，局部肯定之后，重心回到整体，该加强的部分加强，该削弱的部分削弱，要懂得画面中“取舍”的艺术含义。重点刻画之处一定要细致入微地刻画，最后还应注意“将错就错”的处理技巧。面对有些废线条时，不用擦去，在旁边适当补充几根线条就会形成新的组织和节奏，从而化腐朽为神奇。总之，作画时应从整体出发，不断调整、修改，直至最后完成。

画速写时观察人物要敏锐，要抓住关键。课余饭后都可画上几张速写，这对提高绘画技能极为重要。如果我们在理解的基础上能熟练地驾驭速写，再加上平时的多看、多想、多画，相信不久的将来，我们的速写一定会有很大的进步。

参考文献：

[1]（美）罗伯特·黑尔.朱岩译.素描基础[M].中国青年出版社.2001.1：57

写生范文篇8

〔关键词〕写生课；设计；设计元素

写生，是指面对大自然，体验生活的奥妙，对事物进行描绘的一种方法。通过学生的细心观察，去发现生活中最普遍的形态之美，感悟美的意味。中国和西方绘画中都有“写生”一词，但是在中西不同的艺术审美和创作观中，“写生”一词具有不同的精神内涵。在西方绘画中，写生是直接以实物为对象的绘画方式，画家对景物进行深入观察，完成对形象的刻画。在中国传统画论中，写生是指描绘花鸟、禽兽、草木等的绘画，它突出的不是作画的方式和过程，而是画面形象生动的效果。在作画时，画家不一定是直接面对真花、真鸟去描绘，而要求作品不仅要描绘花鸟的形，更要表现花鸟的神，即“写生即写物之生意”。

一、小学生写生课存在的问题

小学阶段的学生特点明显，注意力、观察力有限，如何使写生教学效果更好，应该是每个小学美术教师加以思考和反思的问题。1.旧的教学模式与方法的延续。小学美术课的目的主要是培养孩子的审美以及创造能力，进而开展审美教育，而写生课的教学目的是运用绘画语言描绘对象的创作活动。在实际写生课中很多老师强调写生对象是什么样，就画成什么样，这种做法是错的，这样会局限学生们的想象力以及创造能力。一方面写生是练眼的，另一方面写生也是练手的。教师要求学生多写生多实践，不是要让学生有很高的绘画技巧，能对着景观画出真实的场景，而是熟能生巧，通过写生练习，学生能够更加深入地观察生活，在生活中提炼出有益的绘画因素，然后收集起来形成视觉语言，并将以往的美术对照写生过渡到设计性写生上来，创造出属于自己风格的作品。2．部分学生缺乏独立观察思考的能力。很多学生在写生前，往往只关注写生的整体，缺少对写生细节的表现，这样会使画面既画得不像又缺乏内容，看起来空洞无力。分析其原因是因为小学生年纪小，观察力水平有限，在绘画之前不能认真观察所描绘的对象，没有抓住写生对象的细节特征，从而出现画面没有吸引力的问题。就教学活动过程来看，小学阶段的写生课还缺少对不同概念、美术语言的讲解与分析，使得学生对事物不能产生全面、深刻的认识这也是其中一个重要的原因。3．教学成果展示单一写生课多以外出写生为主，很多写生课在交上自己作品之后课程就结束了，很少有学生真正参与作品的展示与汇报中，学生对写生的目的以及作品的构思等均不了解。那么如何把学生的创造力与教学成果的展示相连接，同样是需要得到重视的。

二、设计因素在绘画中的重要作用

从“绘画”到“设计”这两者并不是截然分隔的。首先，两者都是造型艺术，造型是共同的基础。无论直接对景写生，还是使画面具有设计性，都需要形与色的构成。其次，写生是指通过直接面对对象进行描绘的一种作画方式。设计则来源于生活，服务于生活。在设计的过程中可以开拓思维，培养学生的创新思维能力，两者的转变需要经历一个思维转换的过程。写生为我们提供了丰富的视觉经验，设计则是将经验融入创新意识，用创意的设计思维去为生活服务。绘画和设计并没有本质不同，绘画的内容和观念并不是独立的艺术形式，两者并不是相互独立的不同学科。设计的特点以及设计因素等都能给绘画工作者一定的启示。只有清晰地认识绘画本身特质,绘画艺术才能有所突破。印象派大师梵•高在抛弃平庸的模仿，寻找绘画的生命，在画面中抒发自己的内心，所以梵•高眼中的天空在旋转，树木在燃烧，大地在颤抖，画面不再只是可视对象简单的模仿。无论画面有没有具体所要表达的实物,都应该提前考虑画面上的物体如何摆放，即构图或形式。而一些随心所欲的信手涂抹，却以抽象画、现代主义等这一系列的名词来掩盖，这是对绘画的不负责任，这样做也是对绘画的各种流派、主义的曲解。这一对绘画过程与效果思考的具体实例很明显说明设计因素在绘画中的重要作用。

三、写生课接通设计理念的教学措施

1.突出对象的特点，注重写生过程中的互动与体验。写生是帮助学生进一步了解自然融入社会的一种方式。教师应引导学生在写生前带着问题进行观察、思考，鼓励并帮助学生与生活之间建立一种互动体验模式，为学生创造与社会或自然对象沟通的机会。结合实际教学，比如在上小学《自行车局部写生》这堂课时，在课下让学生观察自行车各个部位的特点并记录下来，在课堂上给他们展示自行车各个部分的图片，让他们自己说出观察到的自行车的特点，这样就能让他们明确在作画时要注意的事项，比如线条的穿插、线条的粗细、长短关系以及自行车各部分的遮挡关系，这样画出的自行车的局部才能更加生动形象。第二节课安排学生在校园内车棚对着自行车写生，这样能够更明确抓住写生对象的本质特征，抓住细节进行表现。当然抓住细节很重要，但根据现代设计所要求的单纯化、简约化、秩序化的要求，要体现这些特点，使画面具有美感，学生的写生也要注意化繁为简，使画面视觉元素井然有序，鲜明生动，让学生更清晰地认识和关注到从自然到绘画再到设计的过程。2.加强对艺术语言的讲解，注重对设计要素的分析。结合实际教学，要求教师鼓励学生在写生时可以使用装饰性手法，也可以使用抽象化、几何化的手法，使画面图像与现实中的物像距离更近。例如把写生的对象房子、树等看作是点线面构成要素，在描绘物象时抓住它的特点，用线条、色彩、画面组织来接通设计。其次，在色彩写生中同样也需要从线条与色彩等方面整体考虑，发掘物象的形体结构、肌理秩序以及色彩搭配，取舍要得当。学生要想把视觉感受和主观设计意图有机结合，创造出具有美感的画作，教师就应该鼓励他们在画面中表现的不应只有眼前的形式与色彩，还需要搭配使画面美起来的要素。3.培养创新意识，将写生成果向大众展示。小学阶段的写生课应遵循教育教学规律，给学生自由发挥的空间，增强学生的自主性和提升学生的兴趣。教师在授课中要大量介绍优秀的写生设计范例，组织学生走进自然、走进社会、走进城市，实实在在地感受绘画到设计给画面所带来的美感。不光在授课中，在评价时教师也要引导学生积极使用美术语言，指导学生在写生中不照抄、不拘泥于对象的外在形态和色彩，通过对细节的观察，尽可能化繁为简，根据形式美法则与设计的知识重新设计这些色彩，运用个性化的绘画语言来表述自我。因此，教师在进行总评时，一方面不应以教师的自身偏爱过分影响学生，应该让学生自己表述画面这样组织的原因；另一方面还应根据作品进行客观公允的评价。引导学生逐步地、全面地认识各类美术作品，对学生作业进行评价时，范围应扩大到一些艺术风格、流派的介绍，让同学们对这些流派有所了解，而不是要求学生盲目模仿照搬。绘画是艺术再现的手段，而不是艺术本身。绘画和设计并没有本质不同，设计本身的特点以及设计因素等都能给绘画工作者一定的启示。清晰地认识绘画本身特质,将会使写生课有所突破。

参考文献：

[1]张也夫.外国现代设计史[M].北京:高等教育出版社.2009.

[2]王云亮.现当代中国画理论与创作研究.[M].中国文史出版社.

写生范文篇9

关键词：速写的基本功速写比例关系人物解剖关系人物线条的应用速写步骤

速写因其被看作是与素描并重的基本功，是造型基础训练的重要一环。好的速写可以体现画者对生活的理解和艺术表现上的魅力，是画者的激情与纯熟的艺术技巧相结合的真实表达。速写的目的在于训练画者的艺术表现力。人物速写是素描高度提炼的产物，是素描的一种，它讲究落笔肯定，大胆挥洒，能在较短时间用生动、准确、简练、概括的手法，由感而发地捕捉把握人物动态，比例符合形象特征。

素描中的九大造型要素：构图、比例、透视、解剖、几何形体、光线、三大面块、线条、方位，是相互关联的，换句话说，画好一幅素描就好比驾驭一群野马，必须同时把它们都看管好。素描有它自己完整的体系，这里不一一详述。但让人注意的是速写与素描是相通的，它也需要画者把各种要素汇聚在一起，有的放矢地进行配放及使用，才会有好的人物速写写生作品。下文谈的是九大造型要素中几个重中之重的问题。

一、人物比例关系：耻骨联合是人体从头到脚总长的中心线，下巴到乳头为一个头的长度，乳头到肚脐为另一个头的长度。肚脐到耻骨联合为3/4的头长，膝盖是耻骨联合到地面一半的标志点。脚到肚脐与脚到头为1∶0.618黄金分割。上臂比下臂长，长不过下臂与手掌。大腿比小腿长，长不过小腿与脚掌。女子肩宽1/2头，男子肩宽1个头。手臂自然下垂在大腿1/3处。头长的两倍是下巴到肚脐距离。以上比例关系是以标准人体作为讲解的，面对具体的写生对象时可略为改动。

二、人物解剖关系：要记住并熟练进行运用。什么叫解剖，就是人体中骨骼与肌肉的穿插关系，为解剖关系。如果没有研究艺用解剖，就容易犯错误。比如：只画面部而忘记了画后脑壳，以至于从侧面看后脑壳被削去了。脖子只能放在第一对肋骨上面，否则无法正常吞咽和呼吸。胸廓画得过于小，要么胸廓画得离骨盆老远，要么把胸部和骨盆画到一起等等。需要记住并能默画出形状的人体骨骼：髂前上棘、耻骨结合部、大转子、股骨、髌骨、胫骨、腓骨、趾骨、锁骨、肱骨、桡骨、尺骨、腕骨、掌骨、指骨、胸骨、剑突。还需要记住并能默画出形状的人体肌肉：胸锁乳突肌胸肌群、腹直肌、腹外斜肌、股内肌群、股四头肌群、缝匠肌、阔膜张肌、腓肌群、腓骨肌群、斜方肌、三角肌、肱二头肌群、旋后肌群、屈肌群、背何肌、前锯肌。

三、人物速写中对手的认识：1.关于手的解剖，要了解并记住，手部解剖的小肌群有一拇指球、掌短肌处有小指球、食指的外尺肌、腕关节与手掌结合部一个拱形和手掌末端的半个拱形。2.关于手的块面组合，一定要有三块画的观察认识。3.手的重点、难点，还要记住：尺骨末端骨点在小指方面、小指方向手的轮廓共有五个大小不同的起伏。4.手的造型要注意的问题：（1）不能正对你。（2）手指方向要遵循结构原理，不能平行，并且要有疏密组合。（3）手腕与下手臂注意要有转折。5.线条呈弧度状，手上的肌肉较明显，而人体肌肉有一个共同特征，呈弧形。

四、人物线条的运用：线条是客观对象并不存在的东西，但作为造型的一种表现形式却被广泛运用，古典主义大师安格尔对线条的表现研究给予了极大的关注。他认为，线条是表现形体最为简练、概括并赋予美的形式。我国传统的中国画对线条更有研究：“铁丝描、游丝描、柳叶描等十八种描法。”抽象派画家康定斯基说：我们即使不特意表现自然的形状，只有线条，它们就激动着我们的心激发起感情。首先在人物速写中的线条有三方面的基本要求：1.主线条表现人主要姿态；2.穿插线条表现人物衣纹、结构；3.疏密线条表现人物层次、结构。其次，避免把人物的外形及线条的轮廓处理得死气沉沉，缺乏健康的气息。造物主似乎有神力使人物的动作能如此活动自如而敏捷。身体是一个完整的创造物，它运动的时候，所有的部位相互协调，从某种意义上说，身体具有弹性的特性，每一个动态都会对其他部分产生影响，正所谓“牵一发而动全身”。人物形体应该安排得位置恰当，画出的形态应有动感和流畅感，以表现出内在的生命力。因此笔意的生动、流畅、灵性也非常讲究。

五、人物速写的方法：速写训练的基本方法很多，常见的有静态速写，每张速写的时间大约在15分钟到30分钟之间。如坐着喝水、站着看报纸等。开始，同学之间可摆出特定的动作进行训练，待熟练后，再到生活中去画自然状态下的静态形象，最后进行动态速写训练，如画运动及舞蹈动作。由繁到简，由细到放。速写的特点是高度概括、提炼。这种能力，也需要由易到难的一个过程，进行初学速写时，应该画繁一些，内容多一些，精细一些。如果一开始就粗疏几笔，必然失去控制。因此定要先收得住，等熟练后逐渐放开手。由单人到多，由局部到场面。在实际生活中，人与人、人与景物是不可分隔的。初学者见如此复杂的场面，不知从何下手，所以训练时，可先选单个人来画，待熟练后，再画双人组合多人组合，以及人与景的组合，并注意提炼、取舍。

观察时要抓特征，抓主要形象略次要形象；抓整体基本形，略局部细节，并把主要特征、神情动态，尽量记忆下来，这样才能在对象变动，甚至脱离了视觉范围的情况，依靠记忆去完成速写。画速写三成靠目识，七成靠记忆。所谓意测，就是要发挥主观想象、联想和进行一定的夸张加工。画速写，主要靠记忆，而记忆的形象往往是零乱的、局部的。故还要根据画家个人的生活经验以及对人体的解剖知识、运动规律、结构规律等的掌握，去作合情合理的联想和加工，才能使画面更理想，更有情趣。

速写的要诀是稳、准、狠，从表面上看，和速写的快速度有矛盾，实际上，越是快速度越要求稳，心浮气躁，心手不相应，就会错误百出，欲速则不达。所以心一定要静，手一定要稳，全神贯注，才能下工夫取得成绩。

六、人物速写的基本方法步骤：1.观察与思考：整体观察对象，思考对象的解剖、比例、形态特征，从这些基本因素来思考画面的组织安排，做到“胸有成竹”。2.构图：面对人物写生时还应选择最佳、最利于表现其人物形态和精神面貌的特征的角度进行写生，这样更具有艺术特征感。将写生对象安排在画幅的适当位置，用很轻的线粗略勾画出写生对象大的比例、动态、解剖及透视关系。构图时应注意人物大小要适中，应给观者留出想象的空间。多个写生对象要有疏密关系，人物高矮放置也应参差不齐，形成错落有致的节奏感。3.局部刻画：根据画出的大体比例、动态，可以选择感兴趣的地方着手勾画。例如画头部时，要用准确肯定的笔触描绘五官形象，由上及下，将写生对象身体轮廓、衣纹的起伏变化等作进一步的刻画。头发部分用线松动流畅，但要跟着头骨体积来，并顺着头发的生长规律走。在对头、肩、手、足的刻画时，应注意其内部的结构关系。写生中，应一边画一边调整，可以说，作画的过程是一个不断调整、修改并不断完善的过程。4.节奏的调整：作画时应始终把握整体——局部——整体的作画原则，局部肯定之后，重心回到整体，该加强的部分加强，该削弱的部分削弱，要懂得画面中“取舍”的艺术含义。重点刻画之处一定要细致入微地刻画，最后还应注意“将错就错”的处理技巧。面对有些废线条时，不用擦去，在旁边适当补充几根线条就会形成新的组织和节奏，从而化腐朽为神奇。总之，作画时应从整体出发，不断调整、修改，直至最后完成。

画速写时观察人物要敏锐，要抓住关键。课余饭后都可画上几张速写，这对提高绘画技能极为重要。如果我们在理解的基础上能熟练地驾驭速写，再加上平时的多看、多想、多画，相信不久的将来，我们的速写一定会有很大的进步。

参考文献：

[1]（美）罗伯特·黑尔.朱岩译.素描基础[M].中国青年出版社.2001.1：57

写生范文篇10

1.培养正确的观察方法:

1.1紧紧抓住观察的第一印象

当模特坐好之后,先别急于动笔,好好观察,观察他的外貌特征、形体特征、个性特征,更重要的是通过它的动作、语言去把握对象的精神气质以及内心活动,要善于把瞬间所观察到的感受,具有个性的东西,深深印在自己脑海里作为形象塑造的依据。这叫未画之前心中先有画,这一点很重要。

1.2由感性认识上升到理性认识

初学者往往理论和实践是脱节的,他们容易被模特的一些细节所迷惑,看不到本质的东西,有时甚至是一种错觉,导致对形体的误识。因此,在头像写生中始终把新鲜的视觉感受和理性分析结合起来研究,“感觉到的东西我们不一定理解,只有理解了的东西我们才能更深刻的感觉他”,反复实践才能不断的提高认识。

1.3通过卡步骤来规范观察方法

整体观察方法不是短时间内能解决的问题,必须严把步骤关来培养学生的养成习惯。

2.树立整体的作画意识

世界上任何一个物体都不是孤立存在的,他们相互依存发展构成一个和谐的整体。整体作画意识是一种思想,是一种观念,而不是方法,这种思想始终贯穿于作画的全过程,一刻不能松懈。你可以颠倒作画顺序但不能没有这种意识,因为你有了这种意识就是从局部开始作画也能完成一副完整的作品。由于高考考试时间比较紧,有些美术老师正在探索研究局部画法的可能与效果,想一步到位。我个人认为局部的深入是非常必要的,但只有在整体关系准确的框架下再进行局部的深入是行之有效的办法,鲁迅先生说“没有细节就不够真实”没有局部的丰富与具体,也就没有整体存在的可能。全面的素描表达能力,必须是整体把握能力与局部深入能力的双重建立才算是掌握了素描的基本要领。

3.掌握必要的表现方法

素描的表现方法是多种多样的,但基本上可以分为以线为主的结构素描,以调子为主的明暗素描。具体表达手段取决于作者的感受和艺术修养,作者的感受越深,在感情上越能鲜明地表现对象的内在精神美和外在形象美,越能进行有效的艺术概括。其实高考生主要学的是一些表现技法,因为他们经常受技术问题的困扰而影响感觉和情绪的流畅表达,但要想拿高分,必须是技术和艺术的双重结合,二者缺一不可。对于初学者来说,要做到比较熟练的表现,无外乎用线条去强化结构,用调子表现明暗立体。线条是一种明确而富有表现力的造型手段,能直接地概括勾出对象的形体特征和形体结构,具有丰富的表现力和形式美感。线条的虚实、轻重、长短、疏密等都会产生不同的作用和画面效果,用长直线概括基本形体,切线和短线画小的结构和转折,重线画近处和暗部等。线如果排起来就产生面,面得宽窄、深浅、强弱、虚实都能构成不同的形体特征,这都是由于光而形成的明暗作用,用明暗五调子表现不同区域的形体变化,即高光、亮面,明暗交界线、反光、投影等,它是塑造物体立体感的主要法则,也是表现质感、量感、空间感的重要手段,能达到十分真实的效果。线面结合的方法,能缩短调子素描的繁琐,适合考生运用,在技法上连画带擦运用自如,时间短效果好,被大多数考生所接受。

4.理解头部解剖结构和形体结构

要画好头像素描,必须理解头部骨骼肌肉和形体结构,这是前提。初学者往往是不理解结构,或是理解了运用不上,下来背的挺好,在真人头上对应不上,以致造成误识。其实,你把他看成一个简单的立方体或园球体去理解,事情就好办了,在立方体和园球体的基础上又把头部分为脑颅和面颅两大块,脑颅上有顶骨、额骨、颞骨、枕骨,概括基本形体为半球体,面颅部分有鼻骨、颧骨、上颌骨、下颌骨构成,其中下颌骨是可以活动的,概括基本形体为梯形方体,再细分有眼球体、颧骨扁平体、口轮匝肌半圆体、下颏方体,这些都是塑造头像的基本形体。头部骨骼中比较突出的部分在头部外形上显露出来,并决定着头部的形体特征,而成为素描造型的依据,这就是骨点,“骨点”在头部造型中起着十分重要的作用。外轮廓比较明显的骨点是顶骨以及两侧隆起、枕骨,下颌骨,内轮廓比较明显的骨点是额结节,眉外缘、颧结节、下颏结节,如果把他们用线连起来就是头部正侧脸的转折线,相当于头部立方体的转折线,形成了头部造型体积感的基础。一些头部肌肉对传达表情是有一定作用的,也必须掌握,如额肌、颞肌、眉肌、鼻肌、颧肌、口轮匝肌,咬肌,夹肌、下核三角肌的相互穿插关系,可以丰富面部表情。

5.透视与比例关系

头部的运动范围很小,只能左右转动、偏斜或前府后仰,但却能使画面产生不同的透视变化。一般有三种情况,平视、俯视、仰视。平视时,眼、鼻、嘴三条平行线是平的不会产生透视变化;俯视时,耳的位置上移,眼、鼻、嘴三条线变为向下的弧线;仰视时,耳的位置下移,眼、鼻、嘴三条线变为向上的弧线。人的头部结构都是对称的,侧面时两眼之间的宽度距离变短,外眼角至嘴角之间的距离,近处的这面长一些远处的那面短些。再者要注意"三庭五眼"的比例关系,即头部长和宽的比例关系,在没有透视的情况下,三庭是说头的长度比例,从发髻到眉间、眉间到鼻底、鼻底到下颏之间的距离是相等的;五眼是指头的宽度,两眼之间为一个眼宽,外眼角至鬓角外侧为一个眼宽,合起来一共是五个眼宽。在画画中绝对不能把透视和比例弄错,否则,形会很难看的,失去素描训练造型的意义了。

6.表情与神态

头像写生所表现的是有生命有感情的人物形象,因此,需要对写生对象的形体特征、动态变化和表情神态有个深入的了解和感受,形一定要准确,俗话说画的准了就像了,像了就有了神态了,即是说像了神态就能自带三分,再加上一些夸张的表现手法,"形神兼备"就自然流露出来了。其实,还是主要把五官刻画好就行,神态具体表现在五官上。

比如说画眉毛首先要抓住眉的形态特征,眉的长短、粗细、浓淡、平斜、曲直等,不同性格的人眉毛长势不一样,再抓住眉头、眉梢、眉宇之间的变化,并同媚弓、眼眶、眼窝一起联系起来进行刻画,那感觉就更不一样了。画眼睛要把握眼睛的具体形象,如眼窝的深浅、眼裂的大小、平斜,眼睑的单双、厚薄等,同时还要抓住眼的传神之处进行深入描绘,如除了深色瞳孔外眼珠色调的微妙变化,眼珠高光的强弱,眼白色调的深浅层次,眼珠底部含着水,晶莹剔透的感觉等,这些细节的描写都能表达人物的神情特征,是需要着重刻画的。

嘴是表达人的思想情绪的重要器官。嘴的大小、唇的厚薄、口裂的曲直、口角的深浅等,对于人物形象的刻画和神态特征的表现,都有着极为密切的联系。首先在画好准确的动态、透视后,注意嘴唇的神态和质感表现,以及口裂线的虚实变化、两嘴角内收外放的微妙变化,并和鼻翼、鼻唇沟、颏唇沟、人中联系起来进行塑造。