对服装设计的个人看法十篇

对服装设计的个人看法篇1

【关键词】服装设计，解构主义，创新设计

解构主义在服装设计中的兴起是在上世纪70年代，在80年代得以广泛应用。因为解构主义的理论与思维，对当代设计师的设计风格演变与创新有极大的帮助，所以，从传播至今，解构主义仍在在服装设计界里占据着重要的地位。解构主义的服装设计是个性风格的体现，它在现代服装设计中的主要表现形式是各种元素的解构与再造，变传统的服装款式为个性独特的时装款式。这种表现形式使得设计师得以尽情放开自己的思维，大胆地运用各种手法来进行服装设计，甚至是单一的一块面料，用个性的手法围在身上，变成一种个性服装。而从解构主义在服装款式、材料以及色彩和图案的应用中，我们也可以进而探知服装设计的发展趋向。

一、从解构主义看款式设计

从布料的发明开始，服装在应用材料时，便没有多快的改变，而款式却是飞速变化，千形百态。在解构主义的理论下，服装对于款式的结构而言，打破了之前的严禁性，呈现出更多视角的创新设计，将人文主义以及设计的宽度与深度都有机地结合了起来。从表面上看，解构主义好像是无形可寻，随意性很强，似乎不存在一种即定的模式，从而显得无组织，而实际上，解构主义下的款式设计是疏而不散的。通常而言，设计师是将服装分解成各个部分来看待，并将这些部分单一分解出来，再对其造型、款式重新组合，在原有组成元素的前题下，形成完全不同的设计风格，比如利用重叠、残缺以及透质性来实现服装非常规的一种改造等。

解构主义能够在服装结构设计中成为应用广泛的热门理念，体现出了当前服装设计的标新立异性。通过解构主义，设计师可以对不分时期和地域性的各种风格特色服装进行解构与再造，从而形成更为独特的服装设计结构。

从而我们可以看出，在服装结构的设计中，是朝着自由、独特的方向发展的。想要在服装结构上取得喜人的成果，必须利用多变复杂的结构重组与全新的设计视角，同时，结合各个设计师的特点与思维，进行不同形式的结构创新设计，在任意挥洒创意与思维的过程中，对服装结构设计形成更为宽泛，更是独特的内涵。

二、从解构主义看服装材料设计

服装材料的设计，并非只是为达到服装某种即定的物质保障，而具有情感交流媒介的意义，服装设计师生往通过面料来表达自己设计作品的展现，在不同材质的设计中，风格也呈现出多样性。而在科技的进步中，新型的技术与材料也为服装设计带来了更多的创新因素，同时也为解构主义的进一步拓宽思路提供了物质基础。解构主义对于服装材料的设计进行了大胆的创新，将以平整光洁为主的时装进行解构，并通过不同材料的重组，实现肌理效果的创新，在材料的选择上，不再有各种各样的禁忌，而是天马行空，凭设计师的大胆前卫的想象与独特个性的创新，实现服装设计材料上又一个跨度的飞跃，而最终将服装设计的主流引向了解构主义所推崇的时尚风格。

解构主义在材料的选取上，对于一些金属、皮革、塑料甚至是一些香蕉叶片纤维等非常规的材料应用颇为广泛，通过如贴、缝、绣、挂等各种途径将这不同的材料进行整体的统筹与规划，从而形成一种新的观感效果。与此同时，在针对原有的常规材料的使用中，解构主义主张对其进行分解改观，从而呈现一种新的模式，利用镂空、刺痕、抽纱、烂花等手法来处理常规材质的表面，打破其平整光洁的肌理，使其呈现出完全自然个性化的风格，不再是完整的，有规律的，而成为一个独一无二的存在，展现出别样的风情与艺术性，形成一种逆向思维模式，并同时推动反叛型创新设计的进一步发展。

从解构主义在材料上的运用我们可以总结，服装设计要突显出个性，材料上的功夫必须要做到，中规中矩地利用即存在的常规材料及传统手法来设计服装的时代，已经彻底的落伍，设计师想要标新立异，打动当代人的眼球，必须要想办法在材料的应用上给人们带来新鲜感与逆向设计风尚，从而形成强大的视觉冲击力，达到瞬间引起人的注意的效果。

三、从解构主义看服装图案、色彩的设计

符号主义理论的观点是，世界整体便是由符号元素结合而成，而人也是用这些符号语言从而进行信息的传输与交流。从几千年的人类文明发展到现在，可利用的符号信息不胜枚举，这些符号背后所对应的形形的图案与色彩，更是不胜其数，在服装设计界，这些图案与色彩，便是设计的重要素材。

解构主义对这些图形与色彩的设计上，会进行一系列的创新应用，通过学习、解剖、批判、分析等方法对现存的其它作品进行有效的分析与解构，再通过解构主义的理念，采用大胆的思维与创新的手法对这些解构的元素重新进行整合重构的设计，以此来实现图形展现形式的新颖性与独特性。甚至是利用当前的各种媒介传播所呈现出来的图像素材进行解构，对这些设计元素进行天马行空军的组合，利用拼接、重叠等手法，不受任务历史因素、民族因素甚至是流派因素的影响，创造出别具一格的新型图案，而且在对颜色的使用上，也体现出强大的包容性，对于传统的色彩配置进行突破性设计，打破常规，寻求色彩视觉的冲击力，利用大面积的对比色、繁复的小色块以及多种色彩的比肩，对色彩的解构可以说是相当全面而彻底的。从而在图案与色彩的重构上，形成无规律性的一种错乱感。

我们从解构主义在图案与色彩上的应用不难发现，在当前的服装设计中，别具匠心的构思与大胆、毫无忌讳的图案结合与颜色陈铺，是当前服装设计想要形成独特风格的一个重要手法，首先从视觉上营造出冲击力，进而利用对各类图案的创新型设计，从细节上打动人的观感，让人看到设计作品时，先是眼前一亮，即而认真欣赏之下，又心底一动。

结语：

解构主义的出现，为服装设计带来了颠覆性的改变，掀起了设计创新的新高潮，也为服装设计的未来发展，指定了新的走向。寻求设计创意的新方法，是服装设计的必然之选，也是未来设计人员必须要面对的问题，在解构主义的思维模式下，进一步拓宽思维，进一步实现服装设计的创新。

参考文献：

[1]黄子棉.解构主义在服装设计中的应用研究[D].《西南大学》；2012年

[2]陈建辉.论服装设计风格中的结构与解构[J].装饰，2005年01期

对服装设计的个人看法篇2

关键词:武术;服装设计;心意拳

1武术文化与服装设计的关系

1．1岳飞心意六合拳的简介

中华武术，历史悠久，源远流长，博大精深，内涵丰富，是中国古老汉文化的体现。心意六合拳，又称心意拳、六合拳，是我国著名的集搏击、健身、防身、养生于一体的优秀拳种，中国传统拳术之一，中国武术文化和东方神秘文化的重要组成部分。心意六合拳相传为宋代名将岳飞所创。拳术吸收了岳家枪变化莫测、神出鬼没的特点，独创了一套“心到意到、意到气到、气到拳到”的拳法。这套拳法刚猛狠毒、变化莫测，以之教授三军，则将士个个如虎添翼，令金兵闻风丧胆，时称“意拳”。由心生意，又由意转化为拳招。

1．2心意拳对服装设计的启发

谈到心意拳对服装设计的启发，应该从心意六合拳每招每式除要求作到“心与意合，意与气合，气与力合”，并作到“手与足合，肘与膝合，肩与胯合”的六合说起。所谓的“合”就是你中有我我中有你，每一招都是整体的体现，整体又是有部分构成，表现在服装设计里，即细节与整体的呼应，款式与风格的呼应，结构与设计的呼应，所有的东西都有所联系，但又单独存在。心意拳讲究修身养性，正如服装设计里设计师追寻的所谓的设计的意境和所偏爱的某一文化的底蕴与气质带给设计的灵魂，这是一种无法言说的抽象情感。其次，心意拳里每招每势的力度及表现的方式方法与服装设计的造型审美有异曲同工之妙，这些是实实在在存在的，可以直接摸得到看得见的。最后，武术招势的虚实表露与服装的结构的分割线省道设计的虚实设计又有着无法言说的相通。接下来就从这几个方面详细分析一下。

2武术的意境与服装设计的灵感表达

提到武术的意境，最先映入脑海的是“禅意”二字，禅意表达的是武术带给人心灵上的平静、空灵和精神得以解放的无拘束感。由心意拳里表达的禅意心境再到服装设计的灵感表达，二者看似无相关，然而，武术的禅意对应服装设计里的灵感表达实则体现的意境是相同的。服装设计的灵感追寻都是由自然界的一花一木，或者一种抽象的阐释，一种无法言说的感觉而来，在服装设计里灵感的表达实际是一种瞬间追逐而又无法准确表达的一种心灵的震撼，洗涤。这种心灵的感动再由设计师用具体的物化手段转化为服装，以服装来展现这种心境的过程。

3武术的刚柔与服装造型设计的审美张力

在心意拳里刚和柔在一招一式里是衔接在一起的，不能单独拿一招或一式来说，整个拳是一个整体，刚柔并济，柔时身形穿梭如蛇，刚时又硬如磐石。上半身和下半身相互呼应，手势和步法融为一体。而在服装的设计造型上，服装造型包括服装的外部轮廓造型、内部的造型布局，部件的造型配置以及着装人经过服饰装扮与发型化妆后的总体形象。服装廓形和款式设计是服装造型设计的两大重要组成部分。廓形上H型、A型服装使人看起来更加挺括，特别是在女装里，女性的特征被廓形遮盖的愈加不明显。而X型、S型服装则更加使女性的柔美表达的淋漓尽致。所以服装的廓形的设计就像武术的劲道一样有刚柔的展现。其次，服装造型设计的刚柔与其装饰服装的材质，及制作服装的面料，服装的风格等也有关系。金属装饰、有棱角的立体装饰辅料等的服装外造型极其表现出了刚毅的感觉，因为有凸出的立体感，使得服装的外造型很有力度感，视觉的张力更加丰富。同样针织面料制作的服装则通常看起来更偏向于柔美，因其面料的柔软度较一般面料更加柔软，给人的的视觉冲击力更小，有光泽感硬挺的面料则更加有力度感;再者，服装的配色的对比也与服装表现出来的刚柔有紧密联系。所以，服装造型设计里也有“刚柔”，这种“刚柔”也像武术里的刚柔一样可以同时在一件衣服上体现出来，混搭风格的服装常常会使服装的刚柔融合搭配的更加协调。

4武术的虚实与服装结构线的变幻

在心意拳里，步法的虚实是十分有讲究的，步法与身形融为一体，步法看似稳如磐石，身形却柔软如水，步法与手势虚实结合，十分的协调。服装结构线也有着与心意拳招式的虚实十分相通的理论缘由，其结构的变换常让人觉得就像在练武术一样。首先，服装的结构线由服装的内部分割线和轮廓线构成。分割线指体现在服装的各个拼接部位，构成服装整体的线。分割线是服装设计中一种重要的造型形式。从古到今，伴随着分割线的构成和工艺处理的不同，在服装中它始终表现出迥然不同的装饰风格，丰富多彩的审美情趣和艺术韵律。但是，服装最终是穿在人体上的。所以，服装的分割线与人体的形体特征有着密切的关系。而轮廓线的变幻由其服装的外形即:A型、H型、Y型、S型、O型等体现。轮廓线的的虚实变幻，对服装结构的虚实起着很重要的作用，总之服装结构的变幻受到服装的内部分割线和外部轮廓线的制约。

5武术和服装设计对人们生活的影响

武术文化作为中国的传统文化，源远流长，武术给人们生活的境界和人们生活的寄托做出了很大的贡献，它对人们的价值观、人生观、世界观都有着极其深厚的影响。他作为现代社会的一个被人们再次重视的事物，对人们的生活方式的改变有着深刻的影响，服装设计就是其中很重要的一方面，服装设计的创新同时也在以一种微妙的方式改变着人们对美得标准和审美态度。二者作为影响人类生活方式的事物存在着，为人类精神的寄托找到了一方乐土，有着不可忽视的作用，让我们用心体会感受生活的美好。

作者:吕佳佳 单位:武汉纺织大学

参考文献:

对服装设计的个人看法篇3

随着人们对精神世界的不断追求，其对个性的追求也在不断高涨，这就要求设计者要有更高的创新型思维，根据一种面料进而设计不同款式的衣服，是现代设计者应有的基本功底，充分利用好手中面料的材质，进而挖掘设计的天分。根据设计方法的不同，可将面料的二次设计分为以下几种。

（一）加法设计

加法设计，包括刺绣、褶裥、缀珠、绗缝、裥饰缝等的设计。刺绣，又称丝绣。按加工方式分，刺绣可分为“机绣”和“手工刺绣”，使用手工刺绣可以使面料上的图案变得清晰有致，具有立体感，在服装的应用上具有锦上添花的效果。刺绣纹样的布局是决定服饰整体面貌的重要因素。布局时要考虑到服装的三维立体性、运动性，现代丝绸服装中刺绣图案多是为了追求美观和装饰效果，而无实际象征意义，刺绣图案构成也更加自由、散漫，而非传统图案严谨。褶裥。褶裥在服装中的运用很广，它可以使平面的面料具有立体和起伏感，让服装看起来非常舒服。三宅一生就是因为仔细观察面料的特性后，才把面料二次设计的优点展现得淋漓尽致。缀珠。最主要是起到点缀作用，可以直接运用到服装的明显部。绗缝。绗缝是用长针缝制有夹层的纺织物，使里面的棉絮等固定。随着科学技术的发展和人们生活水平的日益提高，绗缝制品的制作方式和使用范围都发生了很大变化。但它更多的是运用到服装的设计上，使服装上的图案更加具有立体感。这种方法比较适合创意装比赛。裥饰缝。从裥的种类上说，可分为明裥、暗裥、顺裥和对和裥。从字面上理解，裥饰缝就是在褶裥的基础上用细密的明线对服装加以装饰，在服装上运用褶裥可以使服装的风格变得更加活泼，充满青春活力。

（二）减法设计

减法设计，包括磨损、镂空、烧洞、撕破等。磨损。磨损在服装上应用很广，特别是在牛仔面料上，通过对牛仔的打磨和砂洗，使面料达成另一种风格，这在当时形成了一种流行的趋势。通过磨损使面料形成一种新的视觉效果，可见面料经过二次设计再加上设计者独特的风格，可以更充分地表现设计的主体和意境。镂空。中国的剪纸文化源远流长，镂空就是在剪纸技术的基础上加以改造和利用的。根据设计的需要，在面料上剪出不同风格的图案，进而改变面料的空洞性。图案的种类多种多样，可以是可爱的卡通人物，也可以是传统的十二生肖。根据设计的需要，从而形成传统和现代强烈的反差效果。撕。设计具有随意性，所以参赛选手也可以选择最传统的方法——撕，来表现设计的创新性。烧。服装上图案的表达不仅仅要依靠面料的美感和特色来表达服装的个性和色彩，而且还要通过个性化的设计使服装变得更加新颖。因此有些面料用大小形状不同的各种空洞来表达个人的情感内涵，这种利用空洞的手法叫做烧。

（三）服装面料二次设计的其他手法

手绘。从字面意思看，手绘就是用手来勾勒绘画。手绘也就是利用各种丙烯涂料和笔蘸染料在面料上进行绘制。在绘制的过程中按原设计的方案利用各种涂料和染料进行绘制和渲染，从而勾勒出丰富多彩的图案面料。印染。印染就是把不同个性、时尚的图案利用印花的形式制作面料。通常印染的对象是针织面料，同时这种手法也更能表达设计者的风格和艺术水平，进而使面料具有多彩性，这就又给人们的生活带来了一个时尚的春天。扎染、蜡染。扎染和蜡染是现在面料设计上的一种新的创新方式。通常是对布料进行扎困、遮盖、锋扎、折叠。同时扎染也给服装界带来一个更加宽广的设计空间。蜡染是将蜡融化之后，绘在布料上，蜡染过的布料能防止各种染料的侵入。数码喷绘。浪漫，这种感觉不能用语言来表达出来。但是有人把它以服装的形式展现在人们的眼前，这不仅是一种感观的享受，更是一种精神上的享受。“2006年中国服装服饰流行会”的第一场“浪漫”的设计者王新培在他的“月之惑、花之韵、玄之舞和梦之炫”四个主题120套服装中就将“浪漫”展现得淋漓尽致。数码喷绘灵活多样的形式引领服装的流行趋势。

服装面料二次设计在服装参赛中妙用典型实例

服装二次面料二次设计在服装参赛中占很大的比重，这就要求参赛者在参赛中灵活运用二次面料的特征，把以上介绍的有关二次面料的方法进行融汇贯通，从而使设计具有形式美感。另外，参赛者还要注意参赛的主题和要求，进而在面料上进行深化和构思，让评委对参赛者以新的眼光来审视其设计的作品。

（一）面料二次设计创作典型实例

有时候选择面料的好与坏决定着参赛的胜与负，因为不同的面料设计出来的衣服给人的感觉是完全不一样的，外国的设计大师在设计衣服时总是把大量的时间花费在选择面料上，他们认为只有面料选对了，才会对自己的设计产生灵感，从而离成功也就会更进一步。单纯地对面料进行设计并不会呈现出很好的设计效果，所以这就致使服装二次设计的诞生，通过对面料进行磨损、刺绣等，使创作实物和想象更进一步。

（二）面料二次设计创作典型实例

在一些大中型服装设计比赛活动中可看见许多面料，其中一般的面料和经过二次设计的面料给人的视觉感受大不相同。例如一些实用类服装设计比赛中，往往可以看到很多面料处理，其中不同的面料二次设计的效果也有所不同，一般的真丝面料，手感柔和，穿着舒服，可用做睡衣、连衣裙及头巾等的面料，作为服装参赛面料，其光感不错，不足的方面就是面料简单。面料的二次设计可以调用不同的色彩，其不同质地的绉纱可用花式手工刺绣来表达,还可用多彩的株管予以创作，以使面料更加凸显华丽。而且，针织和梭织的有效结合，又使绿色的珠片在蓝色的映衬下显得很有灵气。同时，设计时设计者也要注重针织镂空。通过梭织里料和自由蓬松的绳编立体图案的对比，可以显现出选手的主观意识和自由创意类参赛面料二次设计前后效果。

（三）面料二次设计在参赛中妙用的典型实例

第十届“中华杯”服装设计大赛以上海腾飞为主题，倡导绿色环保和企业的相互沟通为理念。设计师以2003年世博会、奥运会的申办成功作为创作来源，色彩选用军绿色和咖啡色来体现和平与竞技，选手在咖啡色梭织面料上运用彩色毛线手绣与梭织面料结合的工艺手法，在针与线的结合中形成点、线、面的肌理变化，进而表现大赛的主题，从而赢得了大奖。

对服装设计的个人看法篇4

民族文化从文化审美的角度出发，凡是在民族融合、发展与演化的过程中，逐渐形成的，由民族内的人民集体创造、继承、再创等反应本族的文化精神、民族心理和风俗习惯，具有此民族特色的文化成果的统称。在民族历史文化积淀的长河里，民族特色这一支流永远夺目璀璨，激情四起。它所带来的美，不仅是特色，而且是根深蒂固的文化内涵。经过漫长的历史检验，这些民族特色逐渐成熟，民族特色之美逐渐被人士所接受认可。民族特色之美主要由文化内涵来诠释。通过民族文化与服装设计教学相融合，把民族特色之美融入到服装设计中，民族文化的内涵通过特定的纹样造型、结构、色彩等形式的表达，寓意着对美好生活的祝愿。 设计师将具有特定内涵的传统图案的装饰造型、 色彩及工艺等元素巧妙地融入在服装上，使民族元素在现代生活的审美中得以升华。

2 民族文化素养在服装设计教学中的培养

服装设计是服装与服饰设计专业的核心课程之一，在全球化背景下，要求学生对不同地域的文化有所认知，有针对不同民族文化知识进行设计的能力，在教学大纲中属于专业必修课。目前，国内服装设计院校大多数以培养学生的服装创意设计方面的能力培养，侧重学生设计技能及创新思维的训练，侧重服装应用性人才的培养。根据教学实践来看，这种培养方案容易产生一个误区，学生缺乏宽阔的文化视野及民族文化素养，设计出的服装缺乏人文关怀，服装即是商品也是人们表达情感的载体，在设计中融入民族文化能满足人们对民族文化的需要，唤起民族情感。因此，针对目前高校服装设计教育存在的问题，必须改变教学方式和教学方法，使学生具有宽阔的民族文化知识面，能够设计出充满民族文化内涵的服装。在教学设计上主要考虑以下几个方面：教学方法与手段以学生为中心，以民族文化为纽带提高学生学习积极性；教学模式注重民族文化素质的培养，提高学生对民族文化的了解；教学内容以突出民族文化与服装设计相融合为重点，结合学生实际特点，增加民族服装设计实践创新内容的比重。具体改革如下：

2.1 加强学生民族文化的理论素养

民族文化承载着不同民族的生活习惯、风俗、信仰等综合信息，在理论教学阶段，通过理论教学培养学生对民族文化的浓厚的兴趣，以学生为中心，教师为引导的教学方式，充分发挥学生的学习积极能动性。理论教学分三阶段：第一阶段，用幻灯片的形式展现传统民族文化的视觉符号特征，要求学生对照图片进行识别不同民族文化符号的视觉差异，掌握基本的民族文化知识；第二阶段，掌握基本的民族文化知识后，选择两种不同的民族的吉祥文化符号进行比较，分析其各自的差异，并进行小组讨论；第三阶段，对分析的吉祥文化符号进行传承与创新，在传统民族文化元素的基础上，利用现代设计理念及表现手法，进行再设计。根据课堂观察、课后问卷反馈，学生在理论课时中学习兴趣很高，在民族和不同民族文化表现出来的差异性有了一定的了解，为后面民族文化元素进行服装设计奠定了理论基础。

2.2 加强学生对民族文化元素的提炼

在学生对民族文化有一定的认知后，需要把民族文化与服装设计进行融合，提取民族元素进行服装产品设计。由于民族文化元素众多，根据服装设计的特色选取具有典型性的民族元素进行专题教学，如民族服装图案提取、民族服装款式提取、民族色彩提取及民族特色服装工艺提取等有针对性的进行专题教学及探讨，让学生掌握如何提取民族元素方法，掌握把民族元素应用到服装中去的设计创新能力。

以民族服装图案提取专题教学为例，采用案例教学法，用图片资料展示不同设计类别中应用民族图案的案例，从而开阔学生的视线。以优秀设计作品作为案例，可以提高学生的审美水平，并鼓励学生从民族文化中吸取灵感，合理的把民族元素与服装设计相结合。这部分训练可分三个阶段：（一）民族元素资料整理：要求学生利用课外时间，收集不同民族文化区域的典型图案，建立民族文化数据资料库；（二）课堂演示：利用现代多媒体教学工具，教师在电脑上演示提炼民族元素图案，并把图案进行设计应用到服装中去。让学生掌握从资料图片―提炼―设计等完整的过程及方法。（三）学生练习：教师课前做好准备，从世界各民族选取具有典型特色的40个民族，要求每个学生挑选其中一个民族进行民族元素调研，提取这民族的特色图案元素进行设计并运用到服装设计中。从课堂及学生作业反馈来看，学生能够以民族文化作为灵感来源，从世界各民族文化艺术倾向中吸取元素应用到服装设计的色彩、款式、工艺、图案等方面中，锻炼学生眼―脑―手相结合的能力，提高了学生针对民族元素进行服装设计的能力。

（图1，从中国传统文化中提取书法元素进行创新 ）。

2.3 民族风格服装的产品开发

服装设计课程除了要求学生掌握先进的设计理论和技能外，还要使理论与市场相结合，了解服装企业的基本操作方法、产品特色、市场定位、品牌的风格、产品的组够及上货计划等。因此，在民族风格服装的产品开发教学过程中，要求学生结合市场，在掌握好基本童装设计能力的前提上要做民族风格服装品牌的市场调研，首先从专业服装市场（杭州四季青服装市场）中去认识商品的特点及民族风格服装的设计要求，了解民族风格品牌的运作。经过小组成员及教师的认真分析得出调研结果，再根据各成员的特长，进行小组分工，模拟某一民族品牌做出下一季度的产品设计方案，并以成衣的形式呈现。通过调研―设计方案―产品等教学过程，使学生正真认识到理论与实践相结合，为以后设计出具有民族文化内涵的服装产品奠定基础。从学生的作业反馈来看，在结合理论讲授、市场调研、案例分析法、团队学习等多种教学手段，学生能够把理论与市场结合，提高学生设计出具有文化内涵的服饰产品。学生能够以民族文化作为灵感来源，从各民族文化艺术倾向中吸取相关设计元素应用服饰产品的款式、色彩、材质、装饰等方面中，并使民族元素转换为市场价值，提高服饰产品的附加值。

对服装设计的个人看法篇5

关键词：速写；教学方法；中职；服装设计

绘画基础是服装设计专业的专业基础之一，速写又是绘画造型的基本功之一。从速写创作过程看，画者要与对象进行主动交流，主观提炼对对象形体特征的感受，既可以整体地概括造型，又可深入细致地刻画局部特征。速写练习发展画者敏锐的观察能力、造型感受力、简练准确地表现对象的能力、整体把握画面的能力。相较于速写,素描练习要求结构严谨、观察细微，需要较长的时间进行推敲、描绘。速写则用时短，不拘细节、用笔简练、要求敏锐快速捕捉形象特征和神韵。速写的形式简单灵活,又有非常广的创造性,造型手法多样,可松可紧，对于强调快速、风格、潮流的服装设计行业来说，速写更是服装设计师们常用的表达手段。坚持速写练习，不仅提高造型能力，还能在练习中通过观察和技巧的积累，慢慢形成个人独特的艺术感受力和表现力。

中职服装设计专业美术基础教学中，绘画基础包括素描\色彩课程，专业美术包括服装画技法。服装画是结合服装专业要求对人物及服装进行描绘，服装画虽以展现服装为主，但人物是服装的灵魂，不仅要能够准确表现人物比例结构、服装与人物的形体关系，还要能够创作性地透过人物表现服装的设计语言。由于中职学生多为专业零基础入学，而服装专业因素又要兼顾缝制、服装结构、服装设计等几大课程，导致美术课时少,所以素描、色彩课程的练习对象主要是静物，没能提高学习人物素描和人物色彩，但是服装画的练习需要人物绘画作为基础。因此，人物速写正是素描、色彩课程与服装画课程之间的纽带。速写作为一种简练、灵活的练习手段，能够贯穿于素描、色彩、服装画几大课程中进行有效的综合探索，帮助循序渐进地提高造型能力和创作能力。很多服装画大师，如：瑞恩.布歇、威廉麦兹、埃里克、安东尼奥等，翻看他们的作品，风格各异、形神兼备，这需要敏锐的造型感受力和多种表达技巧的综合运用。然而，对于以技能学习为主的中职学生来说，过分强调绘画感受的教学是不现实的。

中职教学的目标是培养技能型人才，以适应中初级技术岗位的需求，但由于社会飞速发展和全球化的特点，就业者要能够适应社会变化发展，主动跟进社会进步。这要求就业者除了具有相关技术能力，更要有自主学习力以及创造性的思维品质，所以中职学校应以培养“具有继续学习的能力和创新精神”的高素质技能型人才为目标。从中职生的年龄特点看，该年龄阶段的创造性思维能力迅速发展，广阔性、深刻性、批判性、独立性、灵活性、敏捷性等思维品质快速提高。对此速写课程除了掌握基础表现技巧，更应以发展创造性思维,锻炼观察能力和思辨能力，培养善于积累、善于推敲的学习习惯为目标。笔者认为，速写教学有非常丰富的教学意义，中职服装设计专业的速写课程不能简单地认为只是素描课程的附属品，几张造型练习就草草结束，我们应当从学生未来发展的角度审视教学目标，运用适当的教学方法，使学生得到质的锻炼。首先，速写教学应摈弃“经验式”的教学方法。“经验式”的教学方法是技巧的传承，缺少独立性、批判性、广阔性的思维锻炼，以及尝试\探索的实践精神。现今市面上出现一些速写教学宝典,是为了迎合“速食”教学和应试需求，其中方法流于经验谈、前辈谈,范本式的固定风格，千人一面。从学生成长的角度看，真正有益的速写练习是画者主观能动地捕捉和刻画个人对物象的感受，在练习中耐心地感受、推敲、营造，并非一味地强调技法和帅气的笔法,这样的练习才能够真正锻炼学生沉下心观察物象，锻炼分析能力、判断能力和独立思考能力，并发展个人的独特风格。教师的指导不应着眼于具体的细节描摹上，而要把着眼点展开，如造型美感、整体关系、个性、创造性、表现手法等角度去引导学生分析、思考。从笔者多年的教学经验看，只要教师不强加教授“经验式”表现手法，每个学生在表现时都有独特的表达特点，甚至差异性很大，观察并帮助发展学生的良好个性，才有助于提高学生的学习积极性，发展学生良好的思维品质，帮助学生形成自己的艺术风格。“经验”只会形成固定思维，难以开启学生的创造智慧。

其次，从速法看，速写可以是素描的快速表现，也可以是色彩的概括表现.速写的特点不管是结合素描方法还是色彩方法，或者其他的美术知识或技巧，都是表达形式上的简练、用时短。在绘画基础学习阶段，速写练习以素描方法为主，其中提倡以线描造型为主，马蒂斯曾说“在艺术上你的方法越简单，你的感觉越明显”，单纯的线描手法使学生更专注于形体关系和形体感觉,培养基本的造型塑造能力，而非在意技法效果。针对专业特点，我们可以鼓励学生表现服装时注意多种服装线条特点，如:缝纫线、衣纹线、装饰线、结构线等线条的表现,帮助理解服装造型结构及服装与人体的关系。在服装画学习阶段，提倡运用线描、线面结合、素描淡彩等简洁明快的表现手法，结合服装画教学使人物及服装的表现更为整体、流畅和富有创造性。此外，强调量的积累，通过积累表现技巧和造型理解，逐渐地对服装画风格的把握就不会仅仅是生搬硬套，可以融入个人的理解进行再创造。再次,从速写目的看，速写分为练习性速写、素材性速写和作品性速写。练习性速写以锻炼造型能力为目的，素材性速写以收集素材为目的，作品性速写以创作为方向。结合速写目的，我们可以将服装专业速写课程分为静物速写、人物速写和时装速写三个板块。静物速写是速写的起步，可结合素描学习阶段进行练习，加强并扩展造型表现手法，如构图、明暗、体块、线面、虚实等。人物速写是服装专业的侧重点，一定量的练习性人物速写可以帮助学生积累形体感受力，通过自己的观察体会、推敲揣摩，建立整体、流畅、平衡的形体观念。循序渐进地结合临摹、写生和默画练习方法进行训练，逐步掌握人物形态、动态、与服装形体关系等造型规律，内化造型感知力。时装速写主要在服装画阶段进行，一方面强调练习性地训练表现人物和服装的基本造型能力，一方面鼓励创作性地进行夸张\几何化\装饰等创作手法的造型变化，鼓励尝试不同的表现技巧。素材性速写主要应用在服装设计课程，培养学生善于积累的学习习惯。绘画基础的速写教学教什么、怎么教，面对不同专业、不同年龄有不一样的目标和方法，我们作为教师首先应明确速写学习的功能和目的，了解教学对象的目标需求，才能把握好教学目标，探寻有效的教学方法，帮助学生打好专业基础。

作者:李琪 单位:汕头市纺织服装职业技术学校

参考文献：

对服装设计的个人看法篇6

关键词：服装设计；保护现状；立法保护；应用研究

服装设计要求很强的审美观和价值观，设计出的产品既要简约又要时尚。所以一件好的服装产品集结了设计师的很多心血。设计师是服装产品的灵魂人物，其设计灵感来源于生活而又高于生活，不同类型的服装产品凝结了设计师不同的设计理念和思维模式。所以，原创的作品与复刻的作品有很大的区别。但是这些区别并不能被大众所识别。而其他一些抄袭者抓住消费者的心理，推出一系列所谓的同款，使得服装设计的保护面临着严峻的挑战。随着山寨产品的加剧，不仅影响原创的服装产品，也严重影响消费者的一些观念，造成了不好的影响，所以服装设计的保护迫在眉睫。

一、我国服装设计的保护现状

服装产品由服装设计图和服装两个部分组成。目前，关于版权保护的国际公约和许多国家的版权法都规定服装设计是受保护的作品之一，但我国版权法只对服装设计的成果之一――服装设计图提供保护。而知识产权保护的逻辑和基础是通过给予创作人对其创作物的所有权以鼓励创新。

“服装成衣能不能构成作品，国际公约没有明确规定，各国的规定也不一致。”北京君策知识产权发展中心副主任许超在接受中国知识产权报记者采访时表示，《保护文学和艺术作品伯尔尼公约》第二条列举的作品中没有将服装包含其中。各国立法时考虑到本国利益，根据服装产业在国民经济中的地位，作出了不同的制度安排。我国在著作权法中没有明确规定，但在司法实践中已经有个案认定。虽然现行著作权法中没有实用艺术作品这一保护客体，不过段玉萍也提到一个利好信息，那便是：在著作权法第三次修订的草案中，专门加了关于实用艺术作品的保护条款。

二、我国服装作品保护立法模式的选择

我国的法律只是对服装设计图的著作权进行了保护，而对服装等实用产品没有进行明确的保护，就连国际公约中也没有。所以对服装作品保护立法模式选择应该是双重的，我国法律不仅要保护服装设计图，更要保护服装等实用产品。例如快时尚品牌坚持“做潮流的跟随者而非创造者”，他们快速模仿高端品牌及流行款式，低价推出大牌“同款”，获得市场亲睐，但也因模仿原创设计遭受非议。有报道称在欧洲每年Zara支付给顶级品牌的侵权费达千万元。同样，在国内，服装设计师们也普遍面临如何保护原创的问题。 原创服装后，他人仿照成衣推出“同款”，这能否构成著作权意义上的抄袭。首先涉及到的是服装成衣能不能构成作品，受著作权保护。

从我国服装设计保护的现状来看，我国著作权法尚未赋予中国实用艺术品的著作权客体法律地位。短时间内较好的解决服装作品版权保护的问题，就要在著作权中加入即服装作品。这样，著作权法不仅保护了服装的设计图，而且还保护了服装等实用作品。

三、服装设计的应用研究

（一）数字水印技术

我国服装行业要走可持续发展之路，就需要完成从世界加工产地转变为品牌强国。相比较于欧洲国家来说，我国的版权意识不强。好多属于自己的作品就是因为保护意识比较弱就被别人抢占了先机。所以我们要加强对服装设计的保护。尽管我国法律明确表示对服装设计图进行保护，但是服装设计的保护模式不完善。所以我们可以运用数字水印技术，通过隐藏在载体中的信息来判断自己的祖品是否被人篡改。数字水印技术的信息是安全的，当原内容发生变化时，数字水印应当发生变化，从而可以检测原数据的变更，这样抄袭者也不会变的肆无忌惮。

（二）创新模式的发展

近日，一位洛杉矶的独立设计师Tuesday Bassen在Twitter上控诉西班牙服装品牌Zara抄袭，很快，Tuesday Bassen获得了20多位设计师的支持。 自称作品被抄袭的设计师们在网上竞相发图指责，再次戳中快时尚品牌的设计软肋，也让服装原创设计的保护问题成为舆论的焦点。

当今，文化创意和设计服务贯穿于经济社会各领域各行业，呈现多向交互融合之势。而抄袭与模仿一直是设计行业内难以摆脱的话题。对于一些一眼看上去“似曾相识”的产品，有人认为是借鉴，也有人认为是抄袭。任何作品的诞生都离不开原创，创新是坚持可持续发展的我一道路。服装设计也是如此，不同类型的作品凝结职责设计师不同的思维。所以服装设计要敢于创新，要将符合民族特色元素加入，开创出新的品牌。

（三）服装绿色设计理念的融合

环保是一个永恒不变的话题，服装设计中也可以将绿色理念融入其中，呼吁人们环境，使得服装业更好的发展。例如为提倡废品回收、完全利用的绿色环保理念，绿苑环境保护协会于4月28日在豁度楼108报告厅成功举办服装设计大赛决赛。环境学院辅导员刘泽锦老师上台发表重要讲话，他提到，“环保”是一个永恒的话题，为地球的一份子，我们人人都应该时刻把“环保”放在心上，并落实到行动中；不仅如此，我们还要广为宣传，倡导更多的人为“环保“贡献自己的一份力量；同学们能够用日常生活中的废弃物设计出如此精美的服装，获得广大观众的芳心，这不仅是流光溢彩的环保服装秀，更是青春飞扬的创意大赛。

四、结语

不得不说，服装是最容易入门的设计领域。现在，越来越多的人成为服装设计师了，服装产业也不再是纯粹的成品工业了。至于未来，服装会不会轻而易举地产生于普通人的手指？会不会失去它的广泛复制性本质？会不会就此成为人们意识形态的奴隶？想到服装设计会拥有相机那样的附属地位，我自己都感到伤感。

尽管服装设计在新的环境下面临着严峻的挑战，但是要想克服这些挑战也不是那么困难。尽管我国有关服装设计的保护体系还不是那么完善，但是我国政府和人民对服装设计的保护意识在逐渐提高，对服装设计立法模式的探索在日益剧增，所以服装设计在法律的保护下将变得越来越好。当然，只有政府的立法模式的保护是不够的，服装设计师作为服装的灵魂人物，在辅助功能设计上要有一定的创新，要走一条创新的服装设计模式，将民族元素和绿色设计理念融入进去，使得自己的作品独居一个。即使别人有所抄袭，也不能减弱本服装产品在市场中的占有率。所以服装设计的保护需要法律和人们的共同保护，一旦立法保护的得到保障，在加上人们对服装设计保护的意识提高，服装设计才能得到真正的保护。

【参考文献】

[1]蔡凌霄，胡滨斌. 版权法视角下的服装设计抄袭认定[J]. 装饰，2012（08）

[2]谢帅.论服装设计的著作权保护[J]. 商业文化，2016（23）.

[3]章礼强.中国服装设计知识产权保护研究创新构想[J]. 东华大学学报（社会科学版），2015（01）.

[4]张文娟. 服装设计的版权保护[J]. 法制与经济，2014（17）.

对服装设计的个人看法篇7

1.衣与人的关系

服装艺术与其它艺术最大的也是最根本的区别，就在于它不仅以人为对象，而且直接把人作为表现要素来处理。作为服装的构成要素，材料、色彩、造型样式、制作工艺、环境条件等都是可变的。与此相对应的是人的体形不变。“功用”是服装设计构思中审美思路的基础，服装设计的任务不光要解决设计的美感问题，而且要能使产品符合人的全面要求。

2.服装设计的相关要素

服装设计是一项综合设计的观念，是通过设计师以他独特的认识视角、创造能力对人的自然条件，社会条件进行综合分析，结合复合环境、风俗习惯和时尚因素，运用身体装饰、身体表现、裁剪方法和缝制工艺等技术手段重新建构一个更合理、更理想的人物社会性面貌。身体、心理、社会是构成现代社会人的三个方面。身体是构成形象的基本物的参照，心理是感性的、本我的追求，社会规范是理性的社会制约.

3.服装人性化设计的历史

19世纪末期，随着资本主义的发展，造就了富裕的工业资产阶级，他们一方面具有越来越多的收入，另一方面希望得到社会的承认，服装便是一种最直接的表现形式。沃斯创立了高级时装业开始，时尚成为高贵、典雅、奢华的象征。西方工业革命以及20世纪前半叶的两次世界大战改变了人们的生活方式，加快了人们的生活节奏，从而也带动了现代服装的发展，特别是受到“现代设计”思潮的影响，出现了简洁、明快、强调机能和现代感的服装形式，夏奈尔、迪奥、圣.洛朗、皮尔.卡丹等服装设计大师将经典、简约、严谨、理性的设计风格推向了极致，成为服装设计师纷纷效仿和追随的楷模。

综上述，服装设计始终要围绕“人”这一特殊因素来进行，而不是要人适应服装。布瓦列特曾经是第一个提出“把女性从身体束缚中解放出来”的设计师，他设计了裙口非常窄小的“紧口群”，穿这种裙子的女士不得不小步走路，好像日本的艺伎一样。这个设计违背了他原来自然、功用的初衷，失败是必然的。

二、服装人性化设计的生理因素

1.人体形态与服装结构

服装构成的依据不是某件衣服的裁剪数据和公式，而是人体，人体是纸样设计的依据，只有这样，才能体现服装为人服务的人性化设计原则。人体形态特征如下：

(1)人体体形的对称性

人体以前后中心线为界，左右大致是对称的，在人体美学上，是把这个作为人体左右对称(Symetxy)和左右不对称(Asymetry)的美学效果来处理的。由干人体对称，所以服装结构也基本左右对称。

(2)人体体形的复杂性

人体的构造大致可分为躯干和四肢两部分。躯干由头、颈、胸、腹组成，在身体的_中上部；四肢是由上肢、下肢组成，有运动支撑躯干和平衡重心等作用。不同地区、不同年龄、不同性别人的体态骨骼不尽相同，身型特征以性别区分为：男性身型特征和女性身型特征。

(3)人体体形的立体性

由于人体是由起伏不平的曲面组成的立体，因此，设计时适合于体型，适合于动作，适合于人体的立体曲面是非常重要的，利用外型设计和内在结构的设计强调人体优美造型，扬长避短，充分体现人体美，展示服装与人体完美结合的整体魅力。

2.人体色与服饰色彩的对应

我们每个人的脸都不是白纸一张，人体是有颜色的肤色、发色、瞳孔色、唇色、红晕色等，而人体色特征，是受三种色素――核黄素、血红素、黑色素作用，造就了世界上黄、白、黑、棕等不同人种。在看似相同的外表下，我们每个人之间色彩属性上是有微妙差别的，我们将这一色彩属性称为“基因色彩”。你的“基因色彩”决定着你穿某些颜色是和谐的而穿某些颜色排斥。

三、服装人性化设计的心理因素

1.顶级设计师与服装的人性化设计

世界著名服装设计大师的成功典范得益于他们对人性深层次的关注和探究，得益于他们对“为人而设计”思想的深刻体会。

高级时装大师之一的夏奈尔(CocoChanel)，她的重大贡献不仅仅在于她设计了一系列具有国际影响的时装，而是改变了时装设计的游戏规则，其设计的服装表现了女性的自信和自强，这是一个革命化的变革。她超越生命极限的设计和祟尚自由随意搭配的风格，敢于冲破传统，解除服装设计中虚伪的装饰和束缚，她说，“服装应该有生命力，就像穿着它的女人一样能自由运动。”夏奈尔说：“我设计的女装，要使妇女们愉快地生活、呼吸、自由、舒适、看来年轻。”与其说夏奈尔的设计是服装的革命，不如说是妇女的解放革命。其生命体现的对女性的尊重，是彻底的人性化。

被誉为20世纪最伟大的女装设计师之一的克里斯汀迪奥，他用自己的智慧和双手开启了女性服装革命的大门，1947年推出被誉为“New Look”的第一场个人服装发表会，强调女性优美线条的柔软肩线、束腰和大圆裙以及每一个女性美细节的时尚新装，以一种近乎疯狂的美丽征服了人们，其实迪奥的成功是其迎合了二战后人们厌恶了钢铁战争，向往柔性美的心理。是社会的人性化。

2.服装设计通过服饰符号展示人的社会性角色

(1)服装的社会性

自古以来，中国人就非常重视服装的社会伦理功能。《易系辞下》中称：“黄帝，尧、舜垂衣裳而天下治。”可见，中国人从一开始就不仅仅把穿衣局限于保暖或装饰的功能，而更加关注的是其“治国安天下”的社会伦理功能。从夏、商到周朝，随着服饰礼仪制度的完善，这种观念几乎贯穿整个中国历史，历朝历代，统治者都非常重视用穿戴装束来统一人的思想，不厌其烦地反复修订服饰制度.以此来规范各阶层人的行为，来“治国安邦”。即使是在21世纪的今天这样一个强调平等、自由、个性的现代社会里，我们仍然可以深刻地感受到服装的社会化属性。人们通过服饰这种人体的外包装物向社会传达各种信息，如穿衣者的社会身份、阶层、等级、富有程度、文化水平、审美趣味等。从这个意义上可以说服装是一种“非语言性的信息传达媒体”，它就像名片一样，在无言中向他人展示着完整的自我。从符号学的角度看，即服装的“符号功能”。

究其原因，是由于个人的社会作用所决定的。每一个人在社会中都有其自己独有的社会定位与社会分工。人的衣着应适合其社会分工特点，例如军人的衣着应体现军人保家卫国、捍卫的精神面貌，并且适合参与大运动量的战争和军事训练。而对于法官来说，其社会分工体现在通过司法行为维护社会的公平、正义，促进社会稳定，保障每一个社会成员的合法权益上。所以法官的衣着应该彰显个人的稳重、干练、体现法官的深厚内涵，从而博得当事人的信任和尊重，以便更顺畅、更快捷地平息纠纷。

对服装设计的个人看法篇8

游谊，时装设计师，一位专门为明星设计舞台演出服的土家族女士，一位跟当红歌唱明星贴身零距离接触的人。即便仅仅从媚俗的好奇心角度看，她的故事已足以吊人胃口，她所知道的明星的轶闻趣事更会让某些好事者支楞起耳朵。而十几年里，该小女子能够一直稳坐在变幻莫测的时尚的风头浪尖上，热闹之余，她的故事想必也有另一重人生况味，值得沉淀，值得回味――您不妨一听。

正是那一回首的惊艳，让殷秀梅停下了脚步

我的第一个明星主顾是殷秀梅。那是1993年国庆前夕，天津国展中心刚成立，一边的天津大礼堂正筹备国庆晚会。晚会请来了不少明星大腕儿，有倪萍、殷秀梅、董文华、杨丽萍、侯跃华等等。演出那天的下午，殷秀梅到国展中心溜达。当时国展中心刚刚布置一新，展馆服装部的一位负责人是我弟弟的朋友，他临时招呼我，“嗨，游谊，正门有个空，你帮着补个漏吧。”我就把自己设计的一些服装摆挂了上去。哪曾想，这么一个偶然的亮相，竟然打开了我此后通向舞台服装设计之路――当殷秀梅在展馆里信步溜达时，她一眼看到了我的服装，双眸当即被点亮了。玫红、大绿，明媚的光与影，无所忌惮的造型。正是那一回首的惊艳，让她停下了脚步。初相识，我们彼此竟有几分惺惺相惜，她是无端的惊艳，我则有被人慧眼识珠的体己感。于是，1994年的春节晚会上，我设计的服装第一次“触电”，它们深情款款又恰到好处地烘托着殷秀梅和张也这两位实力派唱将，感受着她们的每一次心跳。那两套光彩夺目的服装，跟她们动听的歌声一起走进了千家万户。由于是第一次，是我的设计作品的处女秀，电视前我那个紧张呀，脑袋一直在冒汗，比明星自己还紧张，特担心关键时刻她们服装后背的拉链会开了。当然了，此后，随着我设计的服装在舞台上亮相次数的增多，我的心也越来越平静了，现在几乎做到波澜不惊，毕竟是老江湖了嘛，呵呵。

殷秀梅之后，、倪萍、周涛、董文华、郑绪岚、宋祖英、张也、幺红等歌唱明星都先后来找我。您也许会问，除了主持人，怎么都是民族唱法和美声唱法的腕儿？的确，我的主顾主要就是这帮歌唱演员――通俗唱法演员的服装，我很少设计制作。也有一些唱流行歌的女星们找到我，让我帮着设计，我就跟她们开玩笑说，你随便抓件小背心、小超短裙，配两串亮珠子，不就行了。说实在的，流行音乐的风儿刮得太快了，与之匹配的服装、造型也像孩子的脸说变就变。我本人呢，从小到大，一直对舞台灯光下那种璀璨夺目的感觉很向往，对设计舞台服装情有独钟。我喜欢夸张的造型，纯粹的色彩。有朋友对我说，服装市场宛如一座金字塔，从底到顶大致可分三层，底座很大，可越到塔顶越小，你玩的就是塔尖这一块儿，以礼服和晚装为主，落了个少而精，绝对高雅小众群体，客户群很窄也很刁很挑剔，他说的很对。不难看出，漫步在塔尖上的，正是这些民族唱法和美声唱法的演员，我设计的服装，正好与她们高亢、亮丽的歌喉相呼应，与舞台上辉煌绚丽的灯光相印衬。事实上，在九十年代初，这类服装也只能在舞台上有施展的机会。

也有一个例外，演唱过《嫂子》《青藏高原》的李娜，是唯一一个我设计过演出服的流行歌手。我与李娜对接上的桥梁，是殷秀梅。李娜跟殷秀梅俩人关系很铁――殷秀梅的先生菲力浦当初在机场与殷秀梅第一次见面时，李娜就在旁边。殷秀梅是我的老主顾了，她又是个热心肠，于是很自然地拉着李娜来找我帮着设计。说起来这里还有个段子。那时（九十年代中期吧）李娜出道时间不长，在北京音乐厅搞个人专场演出，她当晚的演出服除了我设计的一身之外，还有一位很有名的北京设计师设计的服装。那位北京设计师是根据当时的流行时尚设计的，衣服的领子像蝉翼一样高高地挺立着。李娜先穿的这套，上半场结束，她转身跟指挥握手的时候，把台下的哥们儿殷秀梅吓了一跳――李娜本来脖子较短，被高挺的衣领裹挟着，从后面看，脑袋没了。殷秀梅当时倒吸一口冷气，赶紧跑到后台，急赤白脸地问李娜怎么穿这种衣服，让她赶紧换上我设计的那套，李娜于是穿着我小人家设计的这套服装唱的压轴大戏。说起这一段，我并没有贬低那位北京同行的意思，我只是想说，我们在设计服装时，除了考虑当时的时尚，更要兼顾穿者自身的情况，帮其扬长避短。这或许也是我的设计比较受明星们青睐的一个原因吧。

我的主顾都是清一色的女明星，没有男演员。我不设计男士演出服。男装玩的是设备，而女装玩的是造型，比的是你的创意。我喜欢后者，因其更有挑战性更刺激。

时尚善变，我崇尚中庸

总有朋友问我，这么多年一直给这些风光无限的女明星们设计服装，可谓是站在时尚的风口浪尖上，而时尚的风向标说变就变，你怎么能够做到？的确，时尚是最善变的，如果你一个劲儿地去追他，只会成为他的奴隶，并最终把你拖垮。所以，越是跟时尚打交道，你越应该有自己的一定之规。我的时尚之道，是中庸――听起来好像有点儿不可思议，可这么多年来，我坚持的就是这一点。

好在我的顾客群是这些大红大紫的歌唱演员。一般说来，一位民族唱法或美声唱法的演员，等她们小有名气时，至少都三十岁以上甚至三十五岁以上了，正值青春的尾巴，她们知道，衣着庄重、大气、质地精良比什么都好。所以，她们也求时尚中的自我。这跟我的理念正好吻合。而多年的设计经验使我也有了镜头感，能够轻而易举地捕捉到演员在灯光下、镜头前的亮点，帮其把这些亮点发挥到极至。这话儿听上去好像漫不经心，其实却是多年的经验之谈――眼下像一些刚出道的二十几岁的女星们，她们可能就没有这些个概念，穿件自认为很漂亮的抹肩、抹袖礼服就上台了，如果是上中央电视台这样的很正经的大台，出镜她可就吃亏了，出不了脸部特写，只能走远景。为什么呢？如果给她来个大特写，看上去上身就是光着的，像没穿衣服，这哪行，立马切换掉！得，没有特写，吃大亏了。

舞台上衣着庄重、大气、华丽，也是明星家属们的心愿。我所知道的一位腕儿，她先生官儿不小，可不管多大的官，管起老婆来都一个样。话说某年的春节晚会，这位腕儿正在荧屏上放声高歌，她穿的是一件披着毛披风的抹肩礼服，给大特写时上面就了，恰恰此时，她老公在机场的大屏幕上看到了这一幕，他也不管老婆的歌喉动不动听，也不管自己多大的官儿，操起手机就给老婆打电话，这老婆刚到后台，还以为老公会祝贺她新年快乐呢，谁曾想迎来的是老公劈头盖脸一通臭骂。从此以后，她再也不敢穿不带衣领的衣服上台了。说这些，主要是想告诉您，我的设计理念在一定环境下还是满有空间的。

当然，奉行中庸之道，并不等同于保守。在服装的用料和款式上，我也是尽可能地求变求新。我用的衣服料子，是民国时期地主老财小姐太太们穿用的绸缎，料子的里面呢，我别出心裁地用上附和衬――这种改良在国内，我算是NO.1，如此处理的效果就是衣服像架起来了一样，有型。在款式上，我也有胆大妄为的时候。之前，九十年代初期及其以前，不知您留意没，歌唱舞台上，一些民族唱法的演员，像朱明瑛、等，她们穿的服装大多是对襟小棉袄配罗裙，包得严严实实，像小县城里来的，一幅传统中国小媳妇样儿，似乎只有这样才是民族的，才能跟民歌搭配上。当时的理念，好像只有民族的才是世界的。我认为这观点比较狭隘，应该放开眼界，兼容并包。等到我给殷秀梅设计服装时，我就建议她大胆地摈弃这种样式，改穿西洋的款式与中国的色彩相结合的服装，殷秀梅一开始还很嘀咕，担心这样不行，因为当时的中国舞台上还没有这样的尝试。还好，最后她决定大胆地试一把，结果出来的电视画面让人耳目一新――西洋的古典款式确实很经典，历时五百年了，之所以经久不衰自有道理，因其能更好地凸现女演员的美感，使胖显瘦、瘦显适中，咱就应该拿来主义不是。至此，这种丰胸蜂腰、大红大绿的演出服迅速在中国的舞台上飘荡开来，现在已经到了泛滥的地步了，这不能不说是我的错。

有时候光懂纯设计，没戏，还要懂人性和生活

刚开始跟这些明星打交道的时候，我只谈专业，没有闲白。后来慢慢地，不这样了，改为聊天。明星们去的地方很多，见识很广，跟她们在一起说话时，我觉得自己应该上知天文地理，下晓民风民俗，前知千年史，后测流行走向。开始时她们提起某某艺术大师，谁谁是的嗓子，我一旁听着感觉一头雾水，根本接不上茬。我一想这不行，就买书、买盘恶补一通，尤其是有关歌剧舞剧的东西，一概照单全收，猛学。还去音乐学院旁听，什么歌剧欣赏啊、音乐史啊，全都认认真真地去听。等到再跟明星们对话时，嗬，咱也有得说了，她提个啥，咱也能滔滔不绝头头是道，三下五除二，很快就把对方拍服了，人家一看，敢情你知识面还挺广，能沟通，有共鸣，得，活儿你干，我放心。真的，有时候，光懂纯设计，没戏，还要懂人性和生活，你得在社会和生活中吸收学养，这样既有利于开拓自己的设计思路，更有利于与明星们沟通。

对服装设计的个人看法篇9

一、设计美学的认识

要认识设计美学，首先要明确设计定义。设计是有目的的创作行为，是设计师的思想技艺，客户的要求，技术水平的限制等协调后最终的产物。最终目的还是服务于人。在我们的学习中，我们把设计分为了各个不同的专业，如平面设计、环艺设计、染织设计、服装设计等。但我所认识的设计时不分家的，不同设计之间都是相通的，存在着普遍的共性，因为它们都被艺术所串连，因为设计与艺术原本的渊源关系，使它本身获得了美学价值。其次要认识什么是美学。在我们的生活中美是无处不在的，俗话说：“爱美之心人皆有之。”美是人的天性，美的艺术是人类大脑、心灵和技艺的共同结晶。古往今来人们从没停止过对美的追求，人类有了审美的意识，在一代一代人的精神相濡中不知不觉的形成。美学就是审美意识的流变史，美学就成了研究人们对现实审美关系的学科。设计美学是研究设计美的科学，对现代设计美学的认识也不能完全照搬生吞传统的美学理论，因为人的审美的变化和发展，设计是有别于传统的绘画和装饰的。

设计美是人类自由自觉的创造美，是人类为自身的需要，改变自然物质形态而创造出来的，里面包含了很多艺术美的元素。对于服装来说，服装的设计美表现在它的应用当中，服装就作为设计审美价值的承担者。服装设计美的最终目的是在科技文明和现代商品生产的作用下更好的发挥服装的作用，满足人们的需求。

二、现代服装设计的特点及其体现的设计美学

（一）方便、自然

归根揭底，设计的最终目的是人，好的设计必需体现它的人性化的一面，也就是实用性，这也和设计美学功能性的本质特征不谋而合。最初服装的实用性体现在遮蔽身体、抵抗严寒，并没有过多的设计。然而在生活节奏如此之快的今天，这最基本的实用功能已经不能满足人们对服装设计人性化的要求。我们生活在高楼林立的城市生活中，每天面对着繁重的工作，强大的压力，远离了最初的生活状态。在忙碌的拼搏环境中，人们开始倾向更加简洁方便的服饰，简洁的服装更方便工作，同时也可以是人在繁忙的工作之余有个更放松的生活状态。金井政明认为，“现在的社会太注重外表了，我们需要返璞归真的简单和朴素。”简单同样是当今服装设计时尚的风向标，因为设计不是一味的做加法，也可以做减法，减法的设计更具革命性、创新性。另外在钢筋何水泥构建的都市环境下，人们尽管有了宽裕的物质生活，但难以有亲近自然感受自然的条件，因此紫醉金迷的繁华更勾起了人们返璞归真的欲望。我们从现代人们的着装风格上不难看出，休闲风盛行。人们不仅喜好穿起来自然舒适的服装，并且在服装的颜色图案上同样喜爱贴近自然，现代的服装设计中自然色系也就相当流行，摒弃了原本纷繁发杂，种类繁多的色彩。同样还有很多自然图案。这也是人们在用自己力所能及的方式来拉近与自然的距离。

（二）大胆、新颖

设计要求新、求异、求变、求不同，否则设计将不能称之为设计。走在时尚前端也是每一个追求潮流的人的向往，Fashion永远是服饰行业的唯一宗旨。人们的物质生活丰富的同时带来的精神生活的不断丰富，人们更加崇尚自由，凸显个性，在这个个性张扬的时代，每个人都希望凸显自己的与众不同，而服装正是人们向外人展现自己的最直观的媒介。当然，也不是只是一味的盲目追求个性、新颖，由于数码媒体的发达，人们审美不断提高，每个人对时尚都有自己的见解，所以对服装的要求也越来越高。在对服装的审美提高的的同时，人们在对服装设计的新颖度的接受能力上也越来越大，尤其是在现代年轻人的族群当中，只有做不到，没有想不到。我们也可以理解为“创新”，艺术设计的本质就是创新，是人类社会发展过程中物质功能与精神功能的完美结合，是现代化社会发展进程中的必然产物，是设计师各方面能力的综合体现，如表现能力、感知能力、想象能力等。创新需要思想，需要创意，我眼中的思想它能够把设计转变的更为夸张，抽象，简单，大方。没有了创意和思想的设计是没有灵魂的，这样的设计是无法长久存留下去的，更何况是潮流周期更新如此之快的服装设计。

（三）和谐

一个设计之所以被称为“设计”，是因为它解决了问题，设计就是在解决问题，让每一样东西都有变得更好的可能性，在特定的限制条件下用自己的独立思考创新地解决问题。设计是有目的的创作行为，是设计师的思想技艺，客户的要求，技术水平的限制等协调后最终的产物。“和谐”是个大概念，它不仅仅适用于设计上，无论是在艺术上还是在社会上，“和谐”都是最高最理想的状态。就服装设计而言，现代服装设计对“和谐”的诠释又衍生出了新的内容。不仅仅是要求一件服装上各个细节设计之间的和谐，还要讲求着衣者和服装之间的和谐，更讲求着衣后和周围环境的和谐。通俗的讲也就是衣着得体，在不同场合不同环境穿出合理的衣服。新时代的人们的要求又怎能止步在这里，现代的服装设计人们甚至要求达到人与自然的和谐，这么讲毫无夸张，有个很典型的理念就体现在了这一点，那就是“环保”概念。人们的生活越来越好，文化程度越来越高，价值观念也在相应的变化，人们越来越注意的保护环境的重要性，因此，无论在各个领域，“环保”都是一个热门的话题，而在服装设计的领域中，更是将“环保”作为一种潮流时尚。在时尚T台上，我们常常可以看到有关“环保”主题的设计，它督促着设计师去寻找更加绿色健康的面料，在最普通的生活材料中创造时尚。我想，这就是现代设计对“和谐”衍生出来的更加有意义的内容。“和谐”不是高高在上笼统的概，而是转化为了一个个细微的实际行动。

在一本书里看到这样一段话：“和谐设计体现了设计成果与设计者、使用者、社会环境、自然环境、工艺技术等之间的相互关系，目的是使设计成果成为一个完美的组合、和谐的统一，最终实现经济效益、社会效益和环境效益的最大化。”和谐是一个永恒的命题。关乎人类与自然，关乎现在与未来，关乎衣、食、住、行各个方面。

对服装设计的个人看法篇10

【关键词】传统服饰；文化；元素；融合策略

一、提高服装设计师的设计水平

在服装设计领域，服装设计师的专业水平是非常重要的，因为，服装设计的直接参与人就是设计师，服装品牌的把握人也是服装设计师，所以，服装设计师的自身文化素养、个人品味与商业头脑是非常重要的。服装设计大师被人们称作为艺术家，因为高层次的服装设计实际上就是一个艺术作品的创作过程，这个创作过程不但包含了服装材料、剪裁等工艺，同时要包含了文化与精神要素的融合，服装语言的表达等等。因此，服装设计师不仅仅要具备专业领域的知识，还应当拥有更广泛、更多的爱好与知识储备，这样能够进一步提升服装设计的内涵与价值。

设计师对于传统服饰元素的应用与结合，不能够单纯的依靠书本中的知识，也不能够单纯地将传统服饰中的色彩、装饰、材料等元素进行简单的结合与拼驳，我们经常能够看到一些现代服装被强行、生硬的添加了一些传统元素，使得原本正常的服装变得混乱不堪。甚至服装设计师们自己都难以说清到底什么是中国的传统服饰文化，更别说设计出具有高品质的服装。因此，设计师在进行服装设计的过程中，需要严格的将中国的传统服饰中的精髓作为设计的主线，不能够将传统服饰中的某一元素作为标志，要让人通过眼睛的视觉观看后，在头脑中产生一个精神上的触动，来判断服装的内涵，并不是通过服饰上面的某一个个装饰品或材料来判断。这需要服装设计师具有深厚而淳郁的文化地域与设计品味，不但是一名服装设计师，也是中国传统文化的学者。

通常，国际上的服装设计大师也是能够代表本国服装文化的学者，本国、本民族的文化与精神已经融化成血液在设计师身体中流淌，设计师们在对服装进行设计与创作时，必然会将心中所学、所悟、所感添加到服装的设计之中，因此，在我们看来，可以在服装设计师们的作品中轻易的感受到服装设计师的民族文化和灵感来源。而在世界级的服装设计界，人们所更加看重的就是对于服装文化与精神元素的把握，对于服装中小的材质、材料以及手法只是制作服装中具有一定特点的过程，并不能够完全代表设计师所设计的服装的真正价值。设计师必须通过领会本国、本民族、服装领域的文化阵地，才能够真正的走向世界。实际上，国内并不缺乏文化底蕴，也不缺乏能够领悟文化的精神与真谛的人才，更不会缺乏培养设计师的舞台，问题主要在于设计师们往往无法真正地静下心来潜心的领悟并学习中国自身的传统文化，这其中，不单包括了服装设计方面的文化，同时还包括了其他方面的文化，实际上，服装设计的灵感往往来自于生活之中的点滴之间，而如何将点滴的灵感，通过服饰的语言表达出来才是设计师真正的美丽所在，也是服装设计的真谛所在。设计师需要通过自身的感悟将传统服饰元素融合到设计中去，去给人们带来一种意境或感动，这样才能够在国际舞台上占有一席之地。

二、提升服装企业品牌意识

品牌对于商品乃至企业的重要程度不言而喻，品牌能够为企业提供良好的宣传作用的同时，也能够提供给消费者更加明确的选择空间，给企业带来更大的产品附加值。在国内来看，消费者对于品牌的重视程度是极高的，同时，由于国内服装产业的鱼龙混杂，消费者对于品牌的质量需求与对品牌的信任需求是很高的，因此，服装品牌的知名度不仅仅代表着这个品牌的受欢迎程度，同时也代表着质量、款式与设计等等其他元素，更加能够满足消费者们在虚荣心层面上的要求。此外，服装的品牌还代表着企业的服饰的品牌与定位，消费者们更信任自己钟爱的品牌，即使这个品牌的服装设计存在一些小的缺陷，消费者也愿意为品牌而买单。

纵观世界服装领域，中国传统服装拥有重要的地位，本应当具有一些很好的顶级服装品牌。但是现实情况是，中国传统服装的文化、理念、工艺很受欢迎，但是中国传统服装的企业、品牌却稍显逊色。而现实生活中，当我们提出一些世界上响当当的服装品牌时，我们第一想到的就是该品牌服装的定位、理念与文化，而这些都是由我们在服装品牌认识中获取的，可以说服装的品牌即代表了服装企业的文化，而中国传统服装的品牌则代表着中国传统服饰的整体，服装企业的品牌不仅仅是创造出某种气氛，各种品牌还有各自独特的概念。在时装界进行商品企划和推销时，这样的概念是非常重要的。品牌的概念不清，其企划就稀里糊涂，目标市场也就不清楚，这将直接影响其品牌经营。因此，这就需要企业具有很好的资深品牌意识与自身的独特风格。

参考文献

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