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艺术美术论文范文10篇

时间：2023-03-29 03:29:23

艺术美术论文

艺术美术论文范文篇1

人文环境素有“教育之乡”美誉的南通，师资力量比较雄厚。北宋初年，著名教育家胡瑷就是从南通这块土地上走出去，推行“苏湖教学法”，开启了全国一代教育新风。100多年前，清末状元张謇提出“父教育而母实业”的主张，把教育事业放在有关国运盛衰和民族存亡的高度来认识。他毕生办校400余所，可谓教育大家。南通也因此而诞生了中国第一所独立设置的中等师范学校及中国近代教育史上诸多个第一。南通拥有一批名校长和名教师，现有特级教师100多人，其中江苏省首批名校长、名教师6人。南通市政府很重视，组织拍摄过专题片，全方位向外介绍南通的葫芦艺术，海门的徐晋庭先生还专门撰写了《葫芦王陈宝龙》一书，经中国文联出版社正式出版。葫芦艺术是土生土长的民间艺术，这一文化形式在南通传统文化体系中占有一定的位置，传承人的经历、对艺术的敏感和对艺术的执着追求促成了精湛的葫芦艺术，在风格上与其他地区的有很大的差异性，反映了南通地区的地域文化。2010年，南通葫芦艺术正式纳入南通市非物质文化遗产保护名录。目前是入住南通非遗工坊的18种民间艺术之一。随着经济全球化的高速发展，现代生活方式对传统文化的冲击，据笔者与传承人交谈得知，葫芦艺术这一文化由于两个孙女都无意继承，已经面临缺少传人无以传承的尴尬境地。笔者渴望将南通的葫芦艺术引入地方初中教学中，将它的区域性特点、文化内涵、审美特征、制作工艺、情感表现等多方面串联起来研究，以此为南通的民间艺术研究添砖加瓦，为非物质文化遗产的保护和传承贡献力量。

二、初中美术教学内容在编制与设计上的针对性

1.选择适合初中学生身心发展的内容我国的美术教育大约集中在童年期、少年期、和青年期这三个阶段。我国的初中生年龄一般在十一二岁至十四五岁之间，称为少年期。这个时期他们对各种颜色比较敏感，分析与综合能力，探究新奇事物的主动性，对抽象材料的使用能力都有所加强。记忆范围也在不断的扩大，从无意识记忆到有意识记忆发展，记忆中情绪来体验材料的兴趣也增强。初中生的抽象思维正在逐渐发展，这使他们的思维活动也变得空前的广阔。但在很大程度上，具体形象思维仍起到重要作用。在南通葫芦艺术课程资源开发的校本课程中，本着以采风为基础，带领学生们去参观传承人的种植，采用雕刻彩绘和镶嵌，并巧妙利用松针,草,羽毛,植物纤维,藤蔓,树叶等材料与葫芦本身结合，分析和比较各个地区的葫芦艺术特点。

2.选择能够培养学生创新能力和动手实践能力的内容通常初中美术开设的教材，看重对美术文化的理解和审美能力的提高，却忽视了美术创作与应用的实践能力的培养。艺术作品不仅局限于形式美法则，还在于技术美及艺术功能性。现在的教育将以培养学生的创新精神和实践能力为教育教学的重点。培养学生创造性，不仅在于加强教学中引导和启发学生的创造性的教育内容，还在于课程安排的教学内容。因此，南通葫芦艺术校本课程的教学在这方面的内容给予加强。

3.选择能够拓展文化视野的内容南通葫芦艺术的开发和利用将进一步挖掘，我们在教学过程中也结合当代的时代特点由学生运用现代的形式和题材进行创作。时代的不同因而孩子们的思想也有所不同，运用葫芦这个载体，使孩子们发挥想象，拓展思维，从而使这一民间艺术发扬光大。

三、结语

艺术美术论文范文篇2

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艺术美术论文范文篇3

“美”是什么，什么东西是美的；蓝天、白云、强烈的阳光、沙石；它是一种风景，太简单了，以至于根本不需要太多的语词来描绘；去过江南的人一定会被它的青山碧水所置身其中；戈壁滩会让你感觉生命就要沉寂下去，太荒凉；了太安静了，让人无法忍受！不，这又是多么的美啊——美的异常伟大，先秦哲学家荀子是中国第一个写了一篇较有系统的美学论文--《乐论》的人。他有一句话说得极好，他说："不全不粹不足以谓之美。"这话运用到艺术美上就是说：艺术既要极丰富地全面地表现生活和自然，又要提炼地去粗存精，提高、集中，更典型，更具普遍性地表现生活和自然。不得不想到“江山如此多娇，江山如画，”等来修饰，拿它来解释艺术美的问题，“江山如此多娇”至少可以说明现实生活是艺术最生动、最丰富、最美的源泉。而江山如画则说明了“艺术作品中反映出来的生活，却可以而且应该比普通的实际生活更高、更强烈、更集中、更典型、更理想，因而更带有普遍性。因此，”江山虽如此多娇”，但“如画”的“江山”不是更美吗？这就通俗的道出了艺术之美“源于生活”且又“高于生活”的真谛。

元代诗人马致远的《天净沙.秋思》“枯藤老树昏鸦，小桥流水人家，古道西风瘦马。夕阳西下，断肠人在天涯。诗人用现实生活中的景物构造成一副如画的诗句，艺术美它包孕着艺术家的灵魂和风格，但艺术家本人就是“社会关系的总和”，他的灵魂就是这种“总和”在精神上的表现。彻底的反封建的鲁迅，不可能出现在曹雪芹时代。嵇康与杜甫的作品，分别打上各自生活的历史烙印。这就说艺术美来源生活，是现实生活的镜子古往今来，没有一件艺术品不是对现实生活的反映，革命的、进步的都是这样；而反动的、消极意义的艺术不也一样的吗？只不过分别反映的正确或错误罢了。

人类社会存在以来，艺术一直是人类生活中的不可缺少的一部分。原始先民由于对自然现象还无法解释，于是产生了宗教艺术，人类的物质生活，往往影响到精神上的表现，西方人对中国传统的书画曾很神秘，非常欣赏。但许多人看到中国书画家的创作过程后，就感到失望了，为什么了呢？因为创作的时间太短了，几分钟时间怎么能创造出伟大的艺术来呢？——创作容易，自然就不美。他们不知道，自己是将西方油画的技术标准放到中国画上来了。真正的中国书画艺术，其难度绝不在西方油画之下，他们没有真正的了解中国文化，他们看不懂这些内在的奥妙，看不出一笔后面的功夫！油画家花在一副作品的时间是中国书画的几十上百倍，但是中国书画家花在一副作品的背后的功夫则是他们的上百甚至上千倍。中西各有其妙，但不可能用尺子来衡量中国画强调“写意气韵生动、传神写照、迁想妙得等，是以应物形象，随类赋彩”以形写神为基础的，外师造化，方能中得心源；这就接触到了纯在与意识的关系问题，中国的真正书法家，大都能将中国历史上著名的书法家的字帖默写下来，而且能默写不同风格书法家的字贴，如此写了几十年之后，才能获得书写自由，才能独成一家。中国的大国画家也是这样。他的专业训练也包括摹仿前人的画，摹仿前人怎样用笔、落墨、造型，模仿几十年之后，自己再结合对生活和人生感悟，才能独创一派。这样，对中国书画家来说，在他落笔的几秒钟时间内，其速度节奏、墨色浓淡、线条结构等等，所展现的都是他几十年的功力。中国书画家在评论同行的作品时，都是能够要看出这个人写了多少年，画了多少年，甚至读了多少书的。这就是艺术家通过临摹对传统的书法的再现的一种方式；有了深后的基础时才表现自己的个性。这是对现实的反映是“再现”与“表现”的统一的表现。

艺术来源生活，是现实生活的反映而忽略艺术对社会生活的反作用了，车尔雪夫基也重视艺术源于生活，再现生活，以改造生活的作用，而他也一定程度上忽视了艺术家反映生活时的主观能动作用，他还不理解艺术家对生活的反应是“再现”，与“表现”的统一。

汉朝西安茂陵的霍去病墓前石雕所作极为特别，造型不像秦朝的写实，中间用了不少夸张手法，一大块石头，自然的本色都被加以利用了，所用技法有浮雕，也有立体雕。西方人前去参观，莫不异口同声赞叹，认为这是非常现代的一种表现手法。实际上，在中国人的心目中，它是一件非常古代的美术作品，是一种古老的艺术表现手法。

艺术中的“美”绝不是一个平面的单一的概念。传统的形而上思辨美学，将艺术美视为美的一个流动范畴，艺术是美的世袭领地，传统艺术如此，现代、后现代艺术同样如此。我们总不能希望玫瑰花和紫罗兰发同样的香气吧？最丰富的东西为什么要嵌在一个模子里呢？艺术美中的欣赏基本是静穆的观照，这种观照也可以说是一种精神上的交流，当然作为客观物体的艺术作品本身并不都是人，但是正如我们所说，它们作为人的创造物必然渗透着创造者的思想情感.欣赏者与艺术作品的的情感交流一方面是欣赏者自己的情感的投射，另一方面欣赏者也接受欣赏对象的情感激发和思想启迪。试想老奶奶在看越剧《红楼梦》，手帕哭湿了好几条，还舍不得离开，这不是花钱买哭也心甘情愿吗？这种欣赏模式在康定斯基的名著《论艺术的精神》一书中得到过阐发，康定斯基将这个双向反馈的过程概括为：“感情（艺术家的）——感受——艺术作品——感受——情感（观赏者的）。自然，欣赏者不是单纯被动地接受艺术作品的情感激发，事实上他是个主动的情感探索者，他欣赏时的情感倾向是影响艺术品感情效应的主要因素。

在我们周围，除了自然物如山林、植被、飞禽、走兽之外，绝大部分都是人工的制品。现代的工业技术为我们创造了一个日新月异、丰富多采的物质产品的世界。古代的神话中的千里马，飞行毯，哪有今日的越野车、喷气机和航天飞机更有气势和魄力？当你看到这些，你是否回感觉到一种美，这就是技术时代人类本质力量的一种展现。这些产品不仅是科学技术和理性的逻辑产物，具有明确明确的技术目的，而且融合着人的情趣和理想，体现出社会前进的历史内容。

技术美是人类活动的精神结晶，它是工业时代的产物。在这里，美是与功能联系在一起的，是以有用性为前提的。一把木椅，如果不符合使用的目的，坐着不舒适，即使装饰的再华丽，看起来也是不美的。中国传统艺人有一句行话，叫“艺中有技，艺不同技”。这句话说的很精辟，指出了艺术与技术的联系。绝大多数艺术，都有其技术支持。极少数没有技术支持的所谓观念艺术，其诞生之日就是终结之日，永远只能是一次性的存在。象20世纪初杜桑的《泉》，他将男小便池搬进美术馆并被视为“艺术品”，但在他之后，别人再向美术馆里搬类似的用品，就不是艺术品了。原因就在于这种所谓的艺术“创作”中不含有技术性因素。但是，仅仅具有技术也不是艺术；艺术高于技术，技术永远只能是艺术和艺术美的构成要素。技术表现的本身也具有审美价值，并构成了艺术中的“技术美”。这在中国传统艺术中看得尤为清楚。中国戏迷看戏曲演出，不叫“看戏”，叫“听戏”。为什么叫听戏呢？因为这出戏他已经看过无数遍了，人物、情节甚至连演员的表情他都早知道了。他来戏院，就是要听不同流派演员的演唱技巧。因此，他是侧着身，只用耳朵听。唱得好，他鼓掌叫好；唱得不好，他鼓倒掌，叫倒好。而有些著名演员，一出场，刚唱一句，观众就会叫好，这叫“碰头好”，被观众叫好的演员有时便会退出角色，向观众鞠躬致谢——感谢观众对他唱技的欣赏。可见，中国戏迷是世界上最优秀的观众，因为他们着重欣赏艺术中的技术美，是内行审美、专业审美.

技术美的特征在于表现功能的力动性，这种力动性无论在动态产品或静态产品上都可以表现出来。高耸云天的铁塔把人的视线引向天空，也把人的精神提升到超越于现世的存在。横跨江河的大桥把两岸连接起来，使道路可以跨越障碍而延伸开来。在这些静止的直观形态上，展示出充满动势活力的没的外观。这就是技术美功能的力动性。

技术美与艺术美也是不同的，美构成了以自我活动为目的艺术的根本性价值，艺术的社会功能是通过审美功能而达到的。它是社会生活形象的升华，首先应该给人精神上的审美满足。而技术美作为一种与功能相联系的美，主要针对工程技术的美。技术产品作为审美价值的承担者，它是内容与形式的统一。产品具有使用目的，它依照这个目的有效地发挥它的功能。产品的功能作为内在的活动，通过相应的形态表现出来，产品内容与它外在化的形象相互交融统一，就构成了技术美。产品的技术美并不是产品物质的功能的适用性本身，因为适用性本身是是中使用价值，它是功利判断的依据，而不是审美的依据。表现着社会前进的历史内容。正如李泽民所说着中前进的社会目的性成了对象合规律性的形式。也就是说，在技术美中所包含的是善的形式和真的内容。这就是区分于艺术美的基本点。技术品的物质就不是冷冰冰的、和人没有联系的存在的了，而是人的智慧、意志、力量、情感的结晶，充满了人的因素，饱含着人的血汗，带有浓烈的“属我”色彩。它是人类发展的历史记录，是社会进步的里程碑。可以这样说：技术品的物质，不仅是社会生产不同发展阶段的表征，而且是揭示社会生产力决定生产关系这一基本规律的依据，是判明社会发展形态的物证。

余论

不论是技术美还是艺术美都是人类文明的产物。表现了人类发展的轨迹，它是人类客观性与主观性的统一。正是这样才表现在对象改造世界中，人才真正地说明自己是类存在物，人类对美的追求始终是社会思想道德建设的重要内容，在建设有中国特色的社会主义伟大实践中，艺术美、技术美的上述本质和特性正为当代中国的思想道德建设注入了新的活力，拓展着新的空间。它展现了人类对美、对“真”“善”“美”、对自由的追求，只有朝着这个理念，美学才有更大的突破，才不会被传统的思维所束缚，也只有这样，人类对审美观念才会不断的提高，这样又助推了社会前进的脚步。

参考文献：

徐书城著《艺术美之迷》重庆出版社

朱彤著《美学与艺术实践》江苏人民出版社

艺术美术论文范文篇4

关键词：中职院校;美术教育;能力

近年来，我国中职院校素质教育得到了社会的广泛关注，并且随着学校的迅速发展和生源的扩大，各专业技能课程也日益增多。同时，中职教学也出现了一些问题，需要教师结合中职院校学生的特点，更好地适应时展与课程改革的要求。在中职美术教学中，主要存在缺少审美能力培养、教学模式单一等问题，需要教师针对这些问题加以分析、解决。

一、中职美术教学中存在的问题

1.教学目标有待明确

在中职院校的美术教学过程中，教学目标明确可以获得事半功倍的效果。教学目标的设定，应以美术学为基础，结合现实应用，培养学生将美学与生活实际相结合的能力。当前，我国大多数中职学校以培养学生的实际应用能力为教学目标，在教学过程中更关注学生学习的实用性，忽略了美术学科的艺术性，造成一些中职学生虽然能够熟练使用Photoshop、AutoCAD等软件，但设计的作品缺少新意、没有灵魂。

2.教学模式亟待创新

随着国家对中职教育的大力扶持，中职院校办学水平也得到持续提升。当前，我国大多数中职学校拥有完善的教学设备，多媒体等在中职美术课堂教学中也得到了充分的应用。但同时我们也应当看到，在中职美术教学过程中，部分教师对于多媒体技术有较强的依赖心理，整堂课都借用多媒体对知识进行直观的展示，连简笔画教学都用多媒体进行呈现，久而久之，学生对手绘的艺术美感缺乏真实体验。此外，持续以单一、枯燥的教学模式开展美术教学，也容易削弱学生的美术学习兴趣。

3.未重视审美能力培养

受中职院校学生的专业特点与就业方向的影响，一些中职学校在美术教学中，片面关注学生理论与技能的教学，而忽略了美术教育对于培养学生审美能力、创新能力的积极意义。部分美术教师认为，美术课的教学任务是帮助学生掌握美术的技能，如，在进行中外建筑美术教学时，自顾自地对作品进行分析，先入为主地向学生灌输作品的思想，学生思维被束缚，无法以创新的、发展的视角产生新的见解，这对于学生审美能力等的培养都产生了抑制。

二、对中职美术教学的一些建议

1.优化教学目标

中职院校学生是国家发展不可或缺的专业人才，在中职美术教学中，教师应当根据不同专业学生的实际情况，进行科学、明确的教学目标设计。如，针对与美术相关的专业，其教学目标应是培养具有扎实美术基础与专业技能、艺术创造与表达能力的人才。而与美术专业关联较少的专业，教学目标则更应当关注学生的艺术欣赏能力，将艺术与实际相结合等能力的培养。中职教师在设定美术课堂教学目标时，应针对不同专业学生的实际学习需求设计不同的教学手段，灵活地安排教学重点，科学地开展美术教学，以保证每个专业的每名学生都能在中职美术课堂教学中学有所得。

2.开展多元化的教学内容

部分中职学生因美术课程与专业知识关联性不大而忽视美术课程，在单一的美术教学模式下，学生的学习兴趣也难以得到激发。要改变学生的思想状态，美术教师应当不断创新教学内容，开展多元化的美术教学，增强与学生的沟通、交流，达到提升学生学习兴趣、美术技能水平以及美术素养的作用。具体来说，在借助多媒体技术开展美术教学的同时，还可以带领学生走出课堂，走向社会开展丰富多彩的实践教学活动。如，教师可以组织学生到野外写生，到博物馆欣赏艺术珍品，等等。通过多元化的教学模式，改变单一的教学模式，激发学生对于美术的兴趣，拓展学生的艺术视野，让他们通过持续的观察与学习提升美术素养。与此同时，根据中职学校不同专业课程的特点，教师在美术教学中要有意识地将美术知识与专业知识联系在一起，针对不同专业的美术知识需求灵活开展教学，选择教学重点，为中职学生顺利步入社会、参加工作保驾护航。

3.重视培养学生的审美能力

新时期的优秀人才不仅需要掌握专业技能，而且需要具备各方面的综合素质。中职美术教学要结合当前的社会形势，关注中职学生理论与技能的教学，与此同时，关注学生的可持续发展能力和各方面素质的综合发展。美术课程作为培养学生审美能力的重要课程，在教学过程中，可通过作品赏析培养学生的审美意识与审美能力。如，在赏析《清明上河图》的过程中，教师要求学生独立对作品进行赏析，教师发挥引导与点拨的作用，鼓励学生大胆表达自己的独特见解，通过引导学生发现艺术美的真谛，为培养学生的审美能力创造条件。结语美术教学对于中职学生的全面发展、顺利就业都具有非常积极的意义。针对当前中职美术教育中存在的问题，笔者认为，美术教师需要清晰地认识社会的发展趋势，分析教学中存在的问题，通过有针对性地完善教学模式，提升中职美术教学的效率，使其更好地适应时代的发展。

作者:徐凯单位:江苏启东市第二中等专业学校

参考文献：

[1]张颖慧.传统的教学方法在现代中职美术教学中的运用与创新.东北师范大学硕士学位论文，2011.

艺术美术论文范文篇5

在搞好本科教学的同时，特别注重博士生、博士后及硕士生的培养。清华要求本科生与硕博生的比例是1比1。清华美院美术学原二级学科2003年建立博士点,在绘画创作与理论研究、当代艺术研究及公共艺术研究等方向招收博士研究生,以张仃、袁运甫、杜大恺、刘巨德、陈丹青、包林、陈辉、刘临等教授为导师,在全国率先招收绘画艺术创作与研究的博士生,培养了绘画艺术创作和理论研究的高级人才。2000年,清华首先由张仃、吴冠中、袁运甫、杜大恺、刘巨德、陈丹青等教授开始招收“绘画博士”时，当时曾引起非议和讨论,并受到有关兄弟院校的反对,现经过十多年的博士生招生培养,已毕业约50名绘画博士研究生,他们分别在北京大学、北京师范大学、北京电影学院、北京林业大学、北京航空航天大学、厦门大学等单位工作,在绘画创作与理论研究方面取得显著成果。清华建立起绘画创作与理论研究相结合复合型博士生培养的教学机制,而原反对清华招收绘画博士生的单位也开始招收绘画博士生。现有中央美院、中国美院、中国艺术研究院、南京艺术学院等单位均在绘画博士招生与培养方面积累了经验,适应了社会文化与高等教育发展对高层次绘画创作与理论研究相结合人才的需求。清华近年又以李象群教授和许正龙教授为首,开始招收与培养雕塑艺术创作与雕塑理论相结合的博士生的新的尝试。与此同时,清华美院自2003年建立美术学博士点后,在美术历史与理论研究方向招收和培养博士生。2004年国家批准清华设计艺术学一级学科博士后流动站,现已招收和培养了近五十名艺术学博士后人员,开展艺术学相关课题的科研工作,取得了相应的科研成果。

2011年，经国家批准，艺术学由原来文学门类下属的一级学科上升为和文学门类并列的艺术学门类，从文学门类中独立出来，艺术学门类下属美术学、设计学、音乐舞蹈学、影视戏剧学及艺术学理论五个一级学科。这次学科升级和调整，为艺术学各部门的发展带来新的历史机遇，同时艺术学各部门及艺术学理论如何发展，取得新的创造性成果，也面临新的挑战。特别是艺术学理论作为一级学科，这在世界上也是首次出现，对于艺术学理论一级学科各个层面，如本科生、硕士生、博士生的教学与科研及学科建设方面还有诸多工作要做。我国在民国时期兴办艺术学院，以美术和音乐为主，主要培养美术与音乐创作人才及师范教育人才，如上海美专、北京艺专、国立杭州艺专，都主要培养国画、西洋画、雕塑等创作人才及美术师范教育人才，均没有设理论专业。但为各专业开设有中国美术史（或中国绘画史）、西洋美术史（或西洋绘画史）、及艺术概论、美学等主要艺术史论方面的理论基础课。有的综合大学哲学系偶尔也开设艺术理论或称艺术学课程，如南京的中央大学宗白华先生在哲学系开设过艺术学的基本原理课程。新中国成立后，在民国时期艺术学院的基础上建立新的艺术学院，仍以美术、音乐、戏剧、舞蹈、电影创作与表演为主要教学任务，直到1957年，中央美院才成立第一个美术史系，开始招收美术史论方面的本科生。1983年，中央工艺美院成立艺术史论系，开始招收工艺美术史论方面的本科生。中央音乐学院开始招收音乐学方面的本科生。“”结束后，1977年，恢复高考，1978年，开始招收硕士研究生，1984年，开始招收博士研究生。当时艺术类硕士研究生招生，创作与理论研究两个方面均同时进行，而在艺术博士生招生和博士点审批方面，主要是理论方向，如美术史论、音乐学等，改革开放以来培养的硕士、博士生，现已在高校和研究机构，文化教育部门发挥重要作用。目前的艺术学理论学科有了以上的学科发展基础，这使我们艺术学理论学科有了良好的学科根基。无论是美术史论、音乐史论本科生招生培养，还是美术学、音乐学、设计艺术学等学科的硕士、博士生培养工作，都为我们的艺术学理论学科的教学、人才培养和学科发展奠定了坚实的基础。

我国的文学学科和哲学学科有深厚的历史传统。民国时期的综合大学都设有文学系和哲学系。新中国的综合大学，文学和哲学都是人文社科的主要系科。我国古代的诗论、文论有丰富的文献资料，且诗、书、画常常联系在一起加以研究，所以诗文理论和书画理论呈现出互补互证的状况，如南朝齐梁时期有钟嵘的《诗品》，谢赫的《画品》、庾肩吾的《书品》，诗书画三品同时出现，相映生辉，这说明我国古代的书画理论和文学理论密切相关。新中国成立后，我们的文学理论常常用“文艺理论”加以代替。在中国文学一级学科中，现在所设的二级学科“文艺学”，在1950年代至80年代，我们都称为“文艺理论”，即使现在的“文艺学”，也没有称“文学学”或“文学理论”，而是将“艺”包括进来，称为“文艺学”，这个名称说明，无论是“文艺理论”还是“文艺学”，在研究文学理论时，都是注重对艺术理论的关照。反过来，我们的艺术学理论研究也要关注文艺学或文学理论的研究成果，在我国文艺理论或文艺学研究已有很好的基础和丰硕的成果，常常在文学艺术思潮与理论的研究中，文学理论处于前卫状态，他们在观念、思想、方法上常走在前面，值得艺术学理论研究工作者加以借鉴。所以艺术学学科虽然从文学门类中独立出来，但不要绝对分开，借鉴文学理论的成果来发展艺术学理论，对艺术学学科建设是大有益处的。况且诸如戏剧戏曲理论、电影电视艺术理论，都是文学学科和艺术学学科共同关注和研究的对象。所以在中国文学理论和艺术学理论的联系，是一种客观的历史存在，我们要续接历史而不是割断历史。

艺术学和哲学美学的关系亦很密切。西方的美学学科是从哲学中分离出来，但仍从属于哲学。后来德国美学家马克斯•德索想将艺术学从美学中分离出来，单独建立艺术学，但艺术学和美学哲学仍割不断。黑格尔曾将美学称为艺术哲学。哲学要研究人的思维和意识精神活动，主要有三大块，一是认识论；二是宗教论；三是艺术论。艺术是人的精神创造活动，是哲学研究的重要组成部分，所以往往大哲学家也是艺术学家。而美学更要研究艺术创造与艺术鉴赏和艺术作品的审美特征，艺术是人类和自然审美关系及人的审美理想的最高表现，美学如果不研究艺术，其领地就所剩无几了。所以朱光潜先生要求不通一艺莫谈美。北大几位美学大家对艺术都有深入研究和深刻的思想。宗白华、邓以蛰对中国书画艺术的空间意境和审美形式有精辟见解，朱光潜认为其代表作不是《文艺心理学》和《西方美学史》，而是《诗论》，宗白华、邓以蛰的学生刘纲纪结合中国书画来研究中国美学史，著有《谢赫六法论》、《书法美学简化》、《书法美》、《文征明》、《黄慎》、《龚贤》等书画研究专著。他们能从哲学与美学的高度来审视艺术学问题，提高艺术学的理论思维能力。在我国，艺术学学科和美学学科虽然没有直接联系，但是在美学研究中也离不开对艺术问题的研究。我国综合大学哲学系及社会科学院的哲学研究所，或文学系中，往往都设有美学教研室或美学研究室，从事美学研究有一大批学者，他们对中外美学史及艺术理论的研究均有可观的成果。因此，我们从事艺术学理论的同仁应加强同哲学美学学科的联系，以期在哲学美学思维方法、思想观念上，借鉴其研究成果来发展艺术学理论学科。

在19世纪末和20世纪初艺术学学科发展过程中，和西方航海扩展相伴，西方的一些科学家、人类学家、民俗学、社会学家与艺术学家，对一些新发现岛屿上的土著民以及南太平洋、非洲的原住民进行科学考察与人类学调查的同时，对这些土著民族的艺术活动也进行了考察，他们运用了人类学、民俗学和社会学的方法，考察了土著民族的艺术活动和艺术作品，取得一些艺术学研究成果，诸如德国学者格罗塞的《艺术的起源》、法国学者布留尔的《原始思维》等，艺术学在十九世纪后期的发展，正是靠艺术社会学、艺术心理学和艺术人类学来推动的。所以今天我们的艺术学理论学科建设，应考虑交叉学科对本学科发展的作用，注重运用社会学、心理学、人类学以及历史学等学科的方法来进行艺术学的研究，开拓艺术学的研究新领域。我国当代艺术学家张道一先生就十分重视将民间艺术研究同艺术学理论的研究结合起来，取得突出成果。他的博士、山东工艺美术学院院长潘鲁生教授在民间艺术学研究和民间美术收集整理方面也取得一定成果，出版了《民艺学论纲》等多部专著，山东工艺美术学院还建立了民间美术博物馆，这都为艺术学理论研究作出实质性的贡献。

在我国，艺术学理论作为一级学科虽只有二年，艺术学（理论）作为原艺术学一级学科的二级学科也只有十多年，但艺术学理论在我国现在已奠定了良好的基础，它和艺术各部门艺术理论，和文艺学、哲学美学都有密切关系，同时和人类学、社会学、历史学也紧密相连，艺术学相关学科的发展也为艺术学理论提供了借鉴，所以艺术学理论生长的生态环境是良好的，且有我国古代诗论、乐论、书论、画论、曲论之丰厚的学术传统，只要我们肯下功夫，潜心研究，艺术学理论新成果是指日可待的，学科发展潜力是巨大的，前景是光明的。在艺术学理论的教学和人才培养方面，我们积累了一些经验，但还要进一步探索。首先在本科生培养方面，原艺术学（理论）二级学科没有下设艺术学（理论）本科专业，所以无法招收本科生。现艺术学理论升为一级学科后，仍未设本科专业，因此在本科培养方面，艺术学理论还是一个空白。

现其他部门艺术学科大部分都设有理论本科专业，如美术学（美术史论）、设计艺术学（设计史论）、音乐学（音乐史论）等，相对来说，这些本科专业课程设计及教学体系较为完整。近年有关艺术学院根据社会需求又自主新开设艺术管理本科专业，如山东艺术学院、中央美术学院和首都师范大学美术学院均招收艺术管理或文化管理本科生，还有的学校如山东工艺美术学院、北京理工大学艺术设计学院开设文化遗产保护专业，前者还开设艺术编辑学专业，这些专业课程设置及教学处于探索阶段，取得初步经验，培养的本科生适应了社会文化艺术管理、艺术出版、非物质文化遗产保护等方面的需要。中央美院开办美术史本科专业已有五十多年历史，中央工艺美术学院现清华美院开办工艺美术史论专业自1983年至今，已有三十年的历史，原工艺美术史论后根据学科调整为设计艺术学，2004年，又新增美术学（美术史论）本科专业，清华美院在设计艺术学和美术学两个专业招收理论本科生。现清华美院艺术史论系在学科方面主要承担艺术学理论，学院计划明年直接以艺术史论为专业名称招收本科生。现艺术史论系老师十四名，从事设计艺术史论和美术史论的教师各一半，有八位教授八位博导。根据老师的知识结构和专业特长，我们给史论专业本科生开设中外美术史、中外设计艺术史、中外工艺美术史、艺术原理、中国现当代艺术史、西方现代艺术史、中国现代艺术理论与思潮、审美文化、中国书画艺术、艺术传播学、艺术批评、宗教艺术、民间艺术、艺术论文写作等课程。学生还可在绘画、雕塑、陶艺、设计各系选修艺术实践类课程。即使明年将本科专业从设计艺术学、美术学改为“艺术史论”，那么我们开设的基本上还是这些课程，当然我们在艺术史学理论、批评理论方面还可加强，增加新课。

目前，艺术学理论本科教学，一方面可增设艺术历史与理论、艺术批评与管理二个本科专业，前者以中外艺术史、艺术考古鉴定、中外艺术理论等为主课，兼及艺术批评与管理方面的课程，后者主要开设中外现当代艺术史、艺术思潮、艺术批评史、艺术与文化管理、艺术市场等主课，同时兼及中外艺术史与理论课程。将艺术学理论的本科专业逐步办起来，逐步建立起本科教学体系。另一方面，如果国家没有批准增设艺术学理论本科专业，或者已经批准增设艺术学理论本科专业的情况下，我们仍然办好现存的美术学、音乐学、设计艺术学本科理论专业，因为这些专业都依托在美术学院、音乐学院和艺术设计学院，教师亦还要担任美术、音乐、设计创作实践学生的理论课程，理论和创作实践可以互动，理论系的学生亦可有机会多看美术创作、艺术设计展览和音乐表演，这正是中国式艺术类理论学生的优生环境。在西方，艺术史系大都独立设在综合大学，没有艺术实践教学和创作表演的氛围，他们和历史、文学一样，是一个独立的人文社科系。剑桥大学、牛津大学艺术史系一般只有5-6位教师，7-8位算较多了，而10位教师则是大系了。我国的各艺术部门的美术史论，音乐史论、设计艺术史论、戏曲艺术史论专业，已经建立起本科教学体系，可以进一步向前发展，提高教学质量。可为美术学、音乐学、设计艺术学硕博生招生提供生源，也可为艺术学理论的硕博生培养准备人才。即使招收艺术历史与理论（简称艺术史论）、艺术批评与管理（简称艺术批评）本科生，也要依托相应的部门艺术史论，如音乐学院招收艺术史论或艺术批评本科生，恐怕还是要主要讲音乐艺术史及音乐批评理论，而美术学院招收艺术史论与艺术批评本科生，也主要还是要讲美术史与设计史、美术批评与设计批评。我认为这是一件好事，艺术史必须要依托部门艺术史才能讲授，西方人讲艺术史，主要是绘画、雕塑、建筑、工艺美术等造型艺术史，无论是本科生、还是硕博生教学，任何人都无法讲授“空洞”艺术史，讲授既不是美术史，也不是音乐、舞蹈、戏剧、电影的艺术史，另一方面，也没有任何“完人”能讲授包括绘画、雕塑、书法、工艺美术、设计艺术、音乐、舞蹈、电影、戏剧都涉及的艺术通史，所以艺术史论、艺术批评必须依托一、二个艺术部门来组织教学。清华美院艺术史论系明年招收艺术史论本科生，也只能以美术史论、设计艺术史论为主组织教学，只有在教师可能情况下，可以考察兼顾其他艺术部门的史论教学。

艺术学理论及前此的艺术学二级学科的硕士生、博士生培养，我国已进入一个大发展时期，主要艺术院校及部分综合大学艺术学院、美术学院、设计艺术学院、音乐学院，设有艺术学二级学科硕博点，2011年调整学科为艺术学理论一级学科后，不少有美术学、设计艺术学、音乐学、影视戏剧学博士点的学校，又纷纷新增艺术学理论博士点，我们现招收的艺术学理论方面的博士生数量，在世界上可能排在前列了。另有部分学校，虽然没有艺术学理论的博士点，但设有原艺术学二级学科（理论），现为艺术学理论的硕士点，我国艺术理论的硕博生培养，跨越式发展，进入一个崭新的阶段。艺术学硕博士招生，在1980年代和文学、美学相比，是落在后面很远的，目前招生数可能已大大超过了文学、美学的招生数量。短期类学科消长所产生如此大的变化，当然是社会经济文化发展引起的变化和要求产生的。在艺术学理论硕士生教学方面，我仍然主张要依托部门艺术史论来组织教学，一方面可以开设艺术原理、艺术美学、艺术史学等宏观理论方面的课程，增加学生对艺术宏观方面的把握及普通艺术学或一般艺术学方面的知识修养，另一方面在知识点及做论文时应选择美术、音乐等具体的课题来从事研究，否则，学生无法驾驭大而空的艺术学宏观理论，当然，他们也可以选择艺术理论中的具体某一个理论问题进行研究,特别是涉及“史”的时候，必须和部门艺术史结合。清华美院在2012年前是以设计艺术学和美术学两个学科招收理论硕士生,2012年开始以艺术学理论招收硕士生，但入校考试科目仍以美术史论和设计史论两个方向组织考试。在教学方面，5年前和设计、绘画、雕塑硕士生一样，专业课均由导师负责，现改为专业基础课，由美院老师各自列出，然后由硕士生自由选课，选课人数达到五人即可开课，同时，艺术史论系，又开设艺术史论包括美术史论和设计史论必选课，这样使学生既能必修艺术史论必备的课程知识，又使学生根据自己的特点和需要选择本系和其他系的理论课与创作实践课，加宽学生的知识面，也使学生能了解导师以外其他教授的学术特长。实践证明，这种教学方式比较好，避免了以往导师一人包揽所有专业课的狭窄状态。在实践类的学生中，还出现过导师一学期只和学生见两次面，最后课程考试照样打分的不负责情况，现在此种情况不存在了。在新的教学体制下，导师所开的选修课程，所带的学生可选也可不选。学生自由度增加，而导师不必另外给所带学生开课，主要责任是指导学生的硕士论文。艺术学博士生培养，是在硕士知识点及硕士论文研究的基础上，进一步向创新性、尖端课题做深入研究，期望取得创造性成果，完成博士论文，成为某一专题和领域的研究专家。

清华美院的前身中央工艺美术学院1984获得首批工艺美术史论博士点，开始培养工艺美术史论方面的博士生，后改为设计艺术学，扩展到工业设计、服装设计、陶瓷设计、视觉传达设计、玻璃艺术设计、纤维艺术设计、金属工艺设计、环境艺术设计、信息艺术设计等均开始招收博士生，2003年，获得美术学博士点，在绘画系、雕塑系开始招收绘画创作与理论研究、雕塑创作与理论研究方向的博士生。艺术史论系招收设计艺术史论、美术史论两个大方向的理论博士生。根据清华规定，只在一级学科门下招收博士生，所以在2011年以前，艺术学为一级学科，美术学、设计艺术学为二级学科时，我们统一在艺术学名下招生，每个导师只标注研究课题和研究方向。2011年学科升级后，清华美院除原有的设计艺术学、美术学二个二级学科博士点升为一级学科后，又以艺术史论系教授为主体力量，申报了艺术学理论一级学科博士点，现用三个一级学科招收博士生。清华美院设计艺术学博士生培养，大多数导师都是结合自己的设计项目和科研项目指导博士生进行艺术设计和研究工作，博士生既有较强的设计实践能力，同时也从事设计理论、设计思潮、设计教育、设计方法的研究，拟定博士论文。清华美院设计学科的博士生在高校和设计研究院所都很受欢迎。美术学一级学科中，主要培养绘画创作与理论研究的博士生，导师都是著名画家，如张仃、袁运甫、杜大恺、刘巨德、陈丹青等，博士生大都围绕中外现当代美术思潮、创作风格、绘画艺术语言与形式方面进行选题和研究，导师一方面指导博士生进行艺术创作，另一方面指导他们的论文写作，所以美术学博士生的任务相当重，他们的博士论文理论结合创作实际，作品分析及形式把握更准确，论文质量也较高，不少博士论文已由清华大学出版社公共出版。

艺术美术论文范文篇6

【关键词】高中美术；抽象艺术教学

要想理解抽象艺术，就要转变审美观念。学生们总是受到传统审美习惯的影响，认为“栩栩如生”才是好的作品。抽象绘画就是“儿童的涂鸦”。让学生抛开“像与不像”的欣赏习惯是课堂上首先要做的。首先可以通过创设情境让学生自己去感受，比如利用音乐的艺术形式进行类比，可以先给学生播放一段音乐，让学生思考音乐的形式语言本身是抽象的却能被大家接受和欣赏，美术为什么就不能通过形式语言组成具有审美意义的画面来被大家欣赏。通过音乐与绘画的沟通，来启发学生感受抽象艺术。用艺术家的创作历程来揭示从具象到抽象的变化过程。例如给学生欣赏蒙德里安在不同时期的绘画作品《红树》《灰树》《开花的苹果树》等。以此来说明抽象艺术来源于生活但决不是孩童般任意的涂抹。19世纪中叶照相机的出现使艺术家开始思考美术的本质到底是什么,形式重要还是内容重要。许多画家不满足于对客观现实的再现，通过对形式语言的夸张变形等方式来表达内心的感受。此后各种流派层出不穷，工艺美术运动、象征主义、印象派、新印象派、后印象派、立体主义等艺术家在不断地实践中发现形式语言本身就具有审美价值。20世纪初的时候，抽象艺术的概念在西方已经基本确立，这从根本上改变了西方美术的写实传统。让学生了解抽象艺术产生的过程更能够帮助学生理解抽象艺术。怎么引导学生去欣赏抽象艺术，这是教学重点也是难点。我认为可以从以下几个方面入手：

一、从美术的形式语言本身带给人的审美感受去理解抽象艺术

高中学生已经对美术学习有了一定的积累，对线条、色彩、构图、笔触、肌理效果等美术语言及这些语言的组织有了初步的认识，这为欣赏难度较大的抽象画奠定了基础。运用格式塔心理学“异质同构”的原理，让学生产生理解“通感”。可以先让学生进行练习，当看到各种颜色会有什么样的感觉，产生何种联想。看到不同种类的线条会有何种感觉，产生何种联想等。让学生打开所有的感官，视觉、味觉、嗅觉、触觉、听觉等等。让学生通过视觉和其他感官互换来体验纯粹的抽象艺术。例如让学生欣赏俄国艺术家马列维奇的作品《白上白》。从色彩带给人的感觉入手，白色本身给人崇高的感觉，纯净的感觉，平静的感觉等等。让学生从感觉入手去体会抽象绘画。两块白色之间的冷暖差异，从构图上分析画面中带给人的运动感。例如马克罗斯科的作品《橙与黄》、《61号（锈与蓝）》等作品。让学生理解艺术家是通过线条、色彩、形状、构图等形式来传达各种情绪情感。理解艺术家在创作时对于人的内心世界和情绪的表达。

二、通过音乐来体悟抽象艺术之美

教师可以通过音乐的欣赏，提出导向性的问题，引发学生思考，探究，让学生更真切的感受抽象艺术之美。例如让学生欣赏蒙德里安的作品《百老汇的爵士乐》。可以让学生一边听爵士乐一边欣赏作品。蒙德里安用黑色直线将画面分割成不同大小的矩形，配以红黄蓝白多种颜色。画面让人感觉即和谐又充满变化，如同爵士乐一般充满节奏和旋律的变化。教师也可以让学生自己去创作抽象作品。比如分别播放不同风格类型的音乐让学生边听音乐边进行创作。高中阶段的学生理解能力很强，创作时不需要严格的写实技巧。学生们亲自进行创作能够更好的激发学习的兴趣，更深的体会抽象艺术之美。

三、用对比欣赏的方法让学生理解抽象艺术

例如教师讲解冷抽象和热抽象的概念时，可以引导学生对两种类型的作品进行比较分析，再总结出两种抽象类型的特点。冷抽象作品以冷静、规则的几何构成为主，让人感觉理智、冷静、秩序、严肃。热抽象作品更感性，以抒发情绪为主，形式多变热情奔放。还可以把抽象画作品和中国的草书作品进行比较分析，使学生发现抽象艺术的形式美感。四、抽象艺术在设计领域的运用抽象艺术对现代工业设计、建筑设计和工艺设计都产生了深远的影响。例如让学生欣赏作品卡尔安德烈的《等量八》。让学生体会这件作品的构成和材料的质感带给人的感受。让学生思考生活中的抽象艺术，拓展思路，从不同的领域领会抽象艺术美。

总之抽象绘画的欣赏需要学生们带着智慧而来。通过对抽象艺术的欣赏，拓展学生们的视野，提高人文修养，学会更好的沟通与表达自己的思想与情感。

参考文献：

[1]武云超.抽象艺术课程在艺术设计教学中的应用与研究.中国创意设计年鉴论文集,2012,2013-06-01.

艺术美术论文范文篇7

融合现代科学运用多方位的艺术表现手法,以特殊灯光对舞台画面进行扫描，配以节奏旋律的独特音响,把观众处置在特定的空间和时间中去欣赏和感受,融汇创造综合性的艺术氛围,从而产生强烈的艺术感染力,使观众“如闻其声,如临其境”。在欣赏中情绪为之激荡,心魂为之振动。艺术不像真理那样希望人们信仰,它只希望人们激动,同样，舞台美术设计不一定要像科学论文那样需要充足的参考资料,艺术作品可以凝练和夸张,灵感是最可贵的,创作是自由的,东方有东方的意境,西方有西方的色调,大千世界有形形色色的艺术作品。但是人们对艺术美的欲望和追求是没有止境的,总是向往未来,向往那更美丽更辉煌的艺术佳作。过去很多的革新,那种平面的更换色泽的变移,旧格局、旧观念内的改革,已让人觉得跟不上现代科学和思维的飞速发展。随着科学新技术向各个领域的渗透,音乐出现了电子激光音响,文苑出现了有声有色读物,绘画同样也出现了电脑五彩滨纷的喷绘,所以说舞台美术设计领域在形式上进行新的开拓,可谓势在必然。舞台模型是舞台美术设计的方法和手段,舞台空间的复杂化,要求舞美设计必须借助模型,单纯的平面草图不能达到目的。可以认为,舞台模型的“立体”雕塑式，包含两种意思：一是模型本身实际上存在的三维实体，在造型思维的深度与广度上比二维的绘画更难把握；二是舞台模型作为视觉艺术，是被人的视觉和知觉所感知的各个视觉面的总和。舞台绘画只是平面上表现出立体形象，而舞台模型则要通过造型的所有可视面将模型的实体展现观众眼前。在掌握造型实体与舞台空间上，设计师本身有其自身的难度。

舞台场景空间是立体的雕塑式的方式来表达接近于现实，是真材实料各种金属木料创造出雕塑形体式为主的布景，以质感取代舞台气氛，以形体与空间取代颜色装饰性,运用舞台设计语言,创造出诗意写实主义。所以只有在舞台空间中认识实体才是做舞台模型的正确的立体观念更新，是设计师用这些具有三维特性的材料作为构成元素进行重新创造的结果。旧的画图设计方法,不可能创造出新的艺术形象,也表达不出整个舞台实际的空间效果。舞台美术设计方法是多种多样的,根据剧目及性质可以是草图、正式图、模型。

当然舞台模型的性质,主要是设计过程的推敲之用,是给导演各位参考评估,也可以说是从舞台模型开始,结束时才画正式效果图和最后表达模型,舞台模型是一种高效率的设计手段之一。创作能力和表达能力的提高,不能只靠演讲和讨论的方法,而是靠实际的实践过程中,这是真正行之有效的方法。通过尝试大胆创新从舞台模型艺术中得到启迪,使舞台模型局部,明白坦露,开门见山,空间透视，虚实明暗,使观众欣赏舞台时在另一层面更集中，更直接,极大地增强了“横看成岭侧成峰”，充分发挥材料的可塑性。总而言之,首先要专门培养丰富的感觉,具备感觉能力敏锐,及可视形象的感知能力和思维能力.对空间形体光线明暗和色彩变化的感觉,还有时画面的更重要的感觉能力,如将各种感觉上升到审美和诗意的境界,使画面的感觉能力产生新的情感和立体意义,这样才能使舞台美术创作具有别于审美特征。客观世界存在着各种各样的节奏韵律和结构,生命万象以其充活力的感情形式打动我们的生理感官,通过用心感悟和毕生实践，从中寻找出具有视觉价值和审美价值的东西,既有深刻的思想内涵,又有强烈的艺术感染力，达到认识、审美、观赏的有机统一,也是舞台美术设计孜孜以求的。

艺术美术论文范文篇8

按教学活动设立四个学习领域：造型.表现、设计.应用、欣赏.评述、综合.探索。

教学目标是：培养学生美术兴趣和视觉意识、视觉文化，用多种美术媒材和方法表达观念、情感，追求艺术化生存和较高的审美品位，促进学生个性形成和全面发展。

教学内容是：了解基本美术语言的表达方式与方法，学习美术欣赏与评述的方法，形成基本的美术素养。尝试各种工具材料和制作过程，发展美术实践能力和创造意识，美化环境与生活。从中体验美术活动的乐趣，陶冶高尚的审美情操，完善健康的人格。

现状：

我县中学现有美术教师50人，男20人、女30人；本科生35人、专科生15人；其中兼职教师14人；年龄在50岁以上2人、40岁以上6人、30岁以上28人、在30岁以下14人；中学高级6人、中学一级24人、中学二级20人、县级骨干教师6人；教龄30年以上2人、20年以上6人、15年以上14人、10年以上8人、5年以上11人、在5年以下9人。

课堂教学A类课12人，B类课28人，C类课10人，任课教师基本胜任教学工作。

学生能以线条和色彩等美术语言，表达自己的想法和美化生活，对作品可作简短评述，能运用地方材料学习造型方法，进行综合探索。

从2001年秋季，美术学科进入新课程改革4年以来，以提高教学质量为核心，深入开展课改实践。在市县课题研究带动下我们做了以下几项探讨：

1.进行美术教学方式方法的研究；在接受式的基础上研究体验式、合作式的教学方法，如：二中顾兴眉的《可爱中华》；四中郭华振的《艺术与科学》、卢晓景的《保护动物》等。

2.进行美育资源开发课题的研究；典型课例如：西屯中学李敬霞的夏都国际雕塑公园《人.生命.自然》；四中卢晓景的《民俗村艺术采风》；张山营中学李淑君《玉米皮造型》；大庄科中学的《根雕》艺术活动。

3.进行教师教学基本功培训与竞赛（理论常识、工艺制作、色彩写生、平面设计、水墨创作），提高教师专业素养。

4.进行美术教学评价的研究；全县试行期末笔试测验；部分学校开展学生《艺术成长挡案袋》的过程性评价，改进只凭作业定成绩的做法，值得推广。改变美术学科在学校薄弱地位是我们长期努力的工作。

问题：

1.新教材的电脑美术、陶艺课，因学校条件所限，无法进行教学。部分学校缺少美术学具材料，学生动手实践能力弱。

2.多数学校只有一位美术教师，开展教学研究困难。少数教师忽视美术知识教学。

3.少数学校没有专任美术教师由其他学科教师兼职，参加学科教研活动过少。

4.个别学校初三不开美术课，影响学生全面发展。

改进：

1.各校要全面贯彻教育方针，落实《学校艺术教育工作规程》，改善艺术教育办学条件，深入开展艺术教育改革实践，加强艺术教育教学管理，推动艺术教育发展，促进学生全面发展。由教委督促各校初三开齐美术课。

2.教师要研究：教什么和如何学的根本问题，以学生为主体，优化教学过程，激发学习兴趣，设计生动的审美体验，研究学生的学习方法，运用现代多媒体手段，努力提高学科教学质量。

3.教师要：关注学生在艺术活动中的表现，加强过程评价，继续实行《学生艺术成长档案袋》工作。重视美术学科知识、能力.期末笔试考试评价。

4.各校业务部门要加强师资队伍业务培训，以科研课题促进艺术师资素质提高，搞好十五继续教育，提高教师教学基本功水平。

5.各校要研究教学规律，探索新课程的课堂教学评价。教学由准备——实施——效果来完成，分值权衡要科学合理便于操作。课堂评价主要是教学过程实施状况和在一定客观条件下学习取得进步，试验发展性评价。

6.各校要为师生定购教学必备的美术学具、材料，保证美术课的正常教学。创造精神和动手实践能力是新课程改革的实质，更是艺术教育的特色。

素质教育为艺术学科的发展开辟了实施的空间，我们学校、教师要为学生的审美素质提高而努力工作。

中学美术学科各年级教学质量评价监控方案

为提高我县艺术教育质量，促进学生审美素质的提高，推进《农村学校艺术教育的改革与发展》课题研究，全面实施素质教育。充分发挥艺术教育在学校的地位和作用，根据国家教育部《学校艺术教育工作规程》，参照北京市教委《中小学美育大纲》精神。我们制定本方案。

当今艺术学科与社会人文科学及教育心理学的科际整合，形成新的人才素质观，而审美素质是现代人才必备的较高素质。塑造美的心灵，振兴民族精神，以美育人，探索出一条发展农村学校艺术教育的教育模式途径和方法。尽快改变农村学校美育工作薄弱的状况，使学生在美的创造中，在美的启迪与陶冶下，生动活泼、健康的成长。

树立将美育融入学校教育全过程的大美育观。加强农村学校艺术教育改革和发展的步伐，优化课堂教学，优化管理机制。是实施素质教育的迫切要求，农村中小学的艺术教育薄弱状况如得不到改变，全面推进素质教育就会落空。

学科作用：

《国家义务教育美术课程标准》明确指出“美术课程具有人文性质，是学校进行美育的主要途径，是九年义务教育阶段，全体学生必修的艺术课程，在实施素质教育的过程中，具有不可替代的作用”。

美术是人类历史一种重要的文化行为，图像是一种有效而生动的信息载体。而美术教育的普及是关系到一个民族传统文化和优秀艺术遗产的认可与继承。

知识经济时代，呼唤着科学与艺术的整合、互融、互动和互补。使科学发展更富有人性的关怀，为新世纪人类生存质量的提升，倾注新的活力。科学和艺术是人类智慧与情感的最高境界，他们的共同基础是人类的创造力，所追求的目标是真理的普通性。

中小学的美术教育是美化生活，设计生活、创造生活的审美教育。我们又称为“生活美育课”。它选择对学生发展有用，感兴趣的，能够学会的知识与技能，与其生活经验相联系，增强愉快学习、自主学习、探究学习、合作学习、综合学习，形成学生的基本美术素养和有益于社会及个人的情感、态度和价值观。

我们将学科定位在：美术教育是人文精神和美育的重要途径，是实施素质教育的理想载体之一不可缺少，有形象思维的独特功能和作用。

1、提高认识科学定位

“懂得和实践艺术是我们学生的思维和心灵健康发展的基础。”

美育是感受美、鉴赏美、创造美的教育。通过审美活动和实践，有意识地培养人的审美的意识、情感与能力等审美素质，促进人全面发展的一种教育。它以美的方式感受、审视世界，从而改造世界。在寓教于乐中，感染熏陶、潜移默化地以美辅德，以美益智、以美健体、以美促劳、以美育人。美育具有人文学科的性质，是素质教育思想的体现。

审美教育：就是按照美的规律与人的身心发展特点，有目的、有计划、有组织地运用自然美、艺术美、社会美、生活美来丰富学生的审美知识，培养学生感受美、鉴赏美、表现美、创造美、评价美的能力，促进学生素质完善和人格发展的教育活动。惟有从美育的角度来理解艺术教育，才能真正确立艺术教育在素质教育中的地位和作用。

艺术是审美的最集中、最典型形态，是人类审美文化的最主要载体。艺术教育是学校实施美育的主渠道，因形式、方法不同、各有侧重；课堂教学侧重审美知识传授，课外活动侧重审美能力培养，校园文化艺术环境侧重审美实践活动，校外艺术教育侧重特长生的培养。小学阶段侧重艺术学习兴趣的培养，注重提高学生的参与活动和情感体验。初中阶段侧重美育基础知识，提高审美感受力，培训表现美、创造美的一定技能。高中阶段：侧重正确审美观的培养，使良好审美个性心理品质形成。

美育的目标：学生通过艺术课程学习，形成基本的艺术素养，能感受和欣赏生活、自然、艺术、科学中的美，具有健康的审美情趣，积极参加艺术活动，用多种方式进行艺术表现。通过艺术实践活动，提高审美能力，开发智力潜能，发展个性、健全人格、促进学生全面发展。为升学、求职、就业、发展打下坚实的基础。在教学中，我们要强化艺术教育实践活动，改进教学方法，优化教学过程，提高教育质量。

2、审美素质科学框架：

学生审美素质内容要素结构要素能力要素目标要素评价要素

艺术美艺术素养感受美知识认知水平

科学美智力发展鉴赏美能力操作技能

社会美品德意志表现美情感行为表现

自然美心理结构评价美个性交流表达

生活美创新思维创造美价值综合探究

检测操作；从内容要素：自然、社会、科学、艺术、生活美分别进行。（例如）

生活美（精神面貌）：语言美、形体美、衣着美、居室美、饮食美、人际美；

审美素质：就是个体在审美活动中获得的关于自然美、社会美、艺术美、科学美、生活美的知识因素和感受美、鉴赏美、表现美、创造美、评价美的过程中，习得的能力因素有机结合，而生成的稳定特征。

审美就是对具体事物和艺术作品中美的因素和形象，进行非功利的直觉和观照，并在这一过程中获得愉悦的心理体验。审美素质包括：审美能力和审美观点两方面，对自然、社会、艺术美的形象贮存；对艺术作品内容、形式、风格的识别鉴赏；对艺术语言的了解和实践；形成艺术能力；形成正确的情感态度、价值观；形成健康的审美情操和高尚人格。

1．审美内容要素：自然美、社会美、艺术美、科学美、生活美五方面。中小学生要侧重于生活美育的培养与实践，从生存条件，生活环境、人际交往、理想愿望、信息交流中形成审美素质水平。

2．审美结构要素：艺术素养、智力发展、品德行为、心理结构、创造品质。

①艺术素养：对艺术语言的感知、体验与运用；②智力发展：观察、记忆、想象、思维水平。

③品德意志：认知、情感、意志、生活表现。④心理结构：人际交往、情绪调节、自我评价。

⑤创新思维：求知欲、好奇心，质疑品质等人文精神。

3．审美能力要素：感受美、鉴赏美、表现美、创造美、评价美。

4．审美目标要素：知识、能力、情感、价值、个性。

①知识方面：艺术的本质与特征、形式与内容、；②能力方面：有感知、鉴赏、表现、创造力等；

③情感方面：兴趣爱好、行为态度、健康心理等；④价值观念：辨别真善美、价值取向、审美观念；

⑤个性发展：精神性格、特长潜能、生存质量；

5．审美评价要素：认知水平、操作技能、行为表现、交流表达、综合探究。

6．审美素质体系框架：

审美基础是知识，审美保证是能力，审美导向是观念，审美动力是情感，审美核心是生活。

内容要素、结构要素、能力要素构成人的审美素质立体框架。根据目标要素和评价要素进行调查问卷检测，获取学生审美水平的数据，做为艺术教育实验课题的素材，来论证其地位和作用，实现艺术教育的功能，促进学生完善人格。

二、发展性评价

评价内容与方法：发展性评价要关注审美对象的质量；关注审美过程中的感知是否充分；关注审美情感体验是否深刻；根据课程总目标，从感知与欣赏、表现与创造、评价与反思等方面检测学生的审美素质。

艺术语言：形象思维，了解线条、色彩搭配、构图想象、设计创新；

工具材料：尝试运用、各种媒体、大胆表现，体验学习艺术的兴趣；

③欣赏评述：收集作品、语言表述，写作评论、审美情趣、个性感受；

④行为习惯：用具准备、节约材料、安全操作、耐心细致、整洁卫生；

⑤学习方式：倡导自主、合作式、探究式学习，处理信息、整理记录夹；

⑥情感价值：热爱生活、相互信任、承担责任，发展自我，培养兴趣；

⑦学习态度：自评互评、客观公正，主动参与、勤于实践、坚持始终；

⑧综合评价：平时成绩、笔试检测，形成诊断、提出建议、促进发展。

在全县推行建立《学生艺术成长记录夹》工作，每学年一册，由学校保存备查。与会考和问卷调查共同组成学习方式的轨迹。每年县教委在初三年级进行艺术成长优秀学生评比表彰活动。

审美素质评价建议：

多级性：评价要适应不同个性和能力的学生，体现多维性和多级性。通过评价帮助学生了解自己的学习能力和水平，鼓励每个学生根据自己的特点，开发潜能，提高学习艺术的兴趣。

发展性：评价要弱化甄别与选拔的功能，强化诊断激励作用，以学生在实施美育的客观事实为基础，以课堂教学和生活美育为主，促进学生的全面发展。

全面性：对学生的认知水平、操作技能、参与合作、交流表达、探究能力进行全方位的评价。

阶段性：评价要分年级阶段，根据学生的身心发展水平，注意知识和能力的循序渐进。随学校期末工作进行。县教育行政、业务部门应以调查问卷、期末考试等形式，进行抽测检查。通过评价促进学校艺术教育发展。

审美素质检测方法（综合评价）

形成性评价：称过程考查，依据学生艺术成长记录夹来评，

重活动表现的态度和价值观形成；

自我评价、小组互评：体现主体参与，促进个性发展合作学习；

终结性评价：由平时单元双基成绩60%、参与审美活动表现30%、自我评价10%；

与期末检测试卷100%综合评价，总成绩在120分以上为审美及格学生。

三、考试内容范围及形式：

依据北京市课改教材13册至17册的教学内容，结合地方美育资源，进行试卷笔答。题型以填空判断、简答、应用实践等，考试属于量、性结合评价监控。

前两类以考查学生美术常识、作品欣赏为主，占60—70%；

应用实践以考查学生创意思维与美术技能为主，命题具有选择性，占30—40%；

每份试卷100分，60分钟完成。

（1）课程三维总目标（知识与技能、过程与方法、态度与情感）

1．了解基本美术语言的表达方式和方法，学习美术欣赏和评述的方法，形成基本的美术素养，表达自己的情感和思想，美化生活与环境。

2．学生以个人或集体合作的方式，参与各种美术活动，尝试各种工具、材料和制作过程，丰富视觉、触觉和审美经验，激发创造精神，发展美术实践能力。

3．在美术学习过程中，体验美术活动的乐趣，获得对美术学习的持久兴趣，陶冶高尚的审美情操，完善健康的人格。

3、初中美术单元教学目标：

（一）欣赏评述单元

一、教学目标：（7—9年级）

多角度欣赏和认识自然美、艺术作品的材质、形式和内容特征，获得初步的审美经验和鉴赏能力，初步了解中外美术发展概况，尊重人类文化遗产，能对美术作品和美术现象进行简短评述。

教学内容：

13册：中国美术馆概况、画家蒋兆和、民间美术吉祥图案、现代广告；

15册：故宫博物院概况、龙的图腾、古建常识、画家李可染；

17册：中国历史博物馆介绍（青铜器、绘画、雕塑）；

14册：卢浮宫、文明古国、画家齐白石；

16册：大英博物馆、希腊雕塑、闻一多肖像；

18册：美国大都会博物馆、画家高更、毕加索、莫奈，现代建筑、现代艺术；

教学评价：（三维目标）

了解人类文化艺术的成就，查阅资料专题研究；

知道中外美术发展概况，名画家及其代表作品；

对作品的形式、意义及审美特征进行探讨；

运用美术术语描述作品，表达自己的感受；

欣赏祖国的国画、书法，了解剪纸、年画、吉祥图案等民间艺术；

对美术与生活、环境艺术的认识表述，

对园林、建筑形式美的评价；

欣赏生活中的雕塑作品；

现代广告欣赏及分析；

收藏艺术品或印刷资料，

（二）造型表现单元

一、教学目标：（7—9年级）

有意图地运用形、色、空间、明暗和肌理等美术语言，选择恰当的工具、材料，以绘画和雕塑等形式，探索不同的创作方法，发展具有个性的表现能力，传递自己的思想和情感。

二、教学内容：

13册：人物漫画（线条）、秋天的收获（色性）、小型雕塑（泥塑、泡塑）；

15册：风景速写、国画山水意境；

17册：人物动态速写、色彩风景（装饰画）；

14册：黑白装饰画、纸版画邮票艺术、国画花鸟小品；

16册：结构或调子素描、版画插图、京剧脸谱；

18册：结业创作、展览；

三、教学评价：（造型能力）

1、对美术课的兴趣态度；

2、运用以线造型方法，练习速写、漫画、卡通画；

3、体现物象的比例、透视关系；

4、在造型活动中运用构图知识；

5、在造型活动中运用色彩冷暖对比知识；

6、运用中国画方法进行表现；

7、浮雕、圆雕的制作（多种材料）；

8、明暗造型练习；

9、版画制作学习；

10、认识美术语言在造型中的作用；

（三）设计应用单元

一、教学目标：（7—9年级）

了解主要的设计类别、功能，运用对比与和谐、对称与均衡、节奏与韵律、多样与统一等组合原理，利用媒材特性，进行创意和设计，美化生活形成初步的设计意识。

二、教学内容：

13册：资料册制作、中国结、服装展示、卡通画、乡土材料制作；

15册：艺术与科学关系、公共设施设计、乡土材料发现与创造；

17册：生活日用品设计（台灯、钟表、包装、交通工具、家居装饰）；

14册：线材造型、编织、壁饰、藏书票设计；

16册：奥运设计（体育美术）、封面设计、字体装饰；

18册：标志设计、校园美化、设计校运动会或文艺活动招贴画；

三、教学评价：（设计制作原理运用）

1、有序的工作方法与习惯；

2、多种材料、工具运用；

3、注意设计与功能的关系；

4、色彩对比、联想练习；

5、立体构成练习（线、面、块）；

6、废旧材料、乡土材料加工利用；

7、运用形式原理，理解节奏、韵律之美；

8、各种设计练习（招贴、封面、产品包装、装潢设计、服装效果图）；

（四）综合探索单元

一、教学目标：（7—9年级）

调查了解美术与传统文化及环境的关系，运用美术手段进行记录、规划、制作，通过跨学科学习，理解共同的主题和共通的原理。

二、教学内容：（小组合作完成主题活动）

13册：同一蓝天下（生存环境）、节水活动、家乡风光摄影、电脑绘画；

15册：欧洲你好、家乡民俗摄影、电脑招贴设计；

17册：美洲你好、民族民间美术（唐装）、电脑网页设计；

14册：亚洲你好、绿色延庆、学校形象设计；

16册：非洲你好、主题手抄报设计、电脑图文编排；

18册：大洋州你好、雕塑公园欣赏、数码摄影、陶艺学习；

三、教学评价：（认识与实践）

1、运用所学美术知识大胆表现生活与环境，用美术形式传达自己的思想和意见。

2、调查美术与生存的关系，用文字、图象记录其结果。

3、关注校园、社区环境美化（壁画、雕塑、喷泉），改进功能与设计。

4、春节书写对联，参观美术展览。

5、本地区工艺品调查与发明创造。

6、合作性学习、学习态度、学习特点的学生自评。

7、教师在课堂的观察记录（参与意识、合作精神、操作技能、探究能力、认知水平、表达交流）。

8、建立学生艺术学习资料册（档案袋），加强过程评价。

（2）学生美术基本素质检测问卷提纲

从感知与欣赏、创造与表现、反思与评价方面，侧重学生艺术能力和人文素养的考查。

（7—9年级）

1．喜欢观赏自然风光及名胜古迹，能与他人交流自己的感受。知道珍视家乡的古迹并发现其意义。

欣赏中外优秀美术作品，感受其中的美，能对作品的形式、内容、风格特点、创作背景等方面，进行探究有自己的心得。

欣赏中外有代表性的建筑艺术和工艺美术作品，对现代设计和环境艺术产生兴趣。

认识常见的符号和标志，知道尊重世界文化遗产。

主动接触优秀书法、摄影作品、并能从中感受美。

了解自己喜欢的中外美术大师的生平和代表作，并写出自己看法的评论文章。

能运用多种方式表达自己的艺术感受，产生对美术的兴趣。

能运用美术语言（线、形、色、肌理、空间、明暗等），借助各种媒材表达自己创意，丰富艺术体验。

能运用艺术方式美化生活、形成初步的设计意识。

10．运用美术技能在音乐、舞蹈、戏剧、文学活动中，连接与互动寻求联系。

策划一次校园文化艺术节活动。（吉祥物设计、标志设计、宣传品的设计制作）

外出旅游活动（科技夏令营），活泼有趣的帽子和文化衫，多姿多彩的提袋和背包，旅行团队的标志和旗帜，摄影展示出游活动。

布置理想的家居（纸模型或小天地的摄影），平面布置图、主体墙设计、整体设想，装饰布帘的色调、图案，柜架的设计、陈设的品味。

书的奥秘：书籍封面，装帧艺术、插图的收集、藏书票与书签设计，为自己的藏书分类。

奥运精神（体育题材雕塑、绘画、摄影、邮票收集）体育场馆模型设计，体育纪念品设计，招贴画、服装、大众健身的摄影、绘画等。

创建绿色社区环境：平面图、立体模型、照片资料。

①公共设施设计：汽车站、电话亭、路灯、公共座椅、垃圾桶。

②公益招贴画：节水、绿化、环保、人文。

③社会调查：运用对比图表显示，时间、空间、状况、人口、资源、沙化等。

备注：本提纲从感知与欣赏（60%）、创造与表现（30%）、评价与反思（10%）三个部分进行考核。每年从各学段中选择4—5个问题，进行问卷检测，可开卷，也可闭卷。检测成绩记入学年成绩册。（附学生美术素质检测表）

四、评价方法：

美术教学的质量具有主观性和模糊性，阶段目标总体为块状。我们主要从学生的艺术兴趣、参与态度、审美知识、能力、形象思维、价值观念等方面进行过程考查。

在全县学校中推行学生艺术成长记录夹的举措。每年开学初建立《学生艺术成长记录夹》适用于所有学生，由学生自我记录、自我积累、小组评价。学年末交由学校存查、每年一册、三年总评（各校可选优秀者数名存档，表扬嘉奖特长生）

记录夹内容包括：

学生姓名、照片、爱好、简历

艺术课单元作业：设计方案、草图、研习记录、搜集的资料。

活动表现：（自评、小组互评、教师评；要从参与意识、合作精神、操作技能、认知水平、交流能力、探究能力等方面评价）

评价操作方法及毕业会考制度：评价是教学的重要环节，目的是为了促进学生发展，我们提倡过程与结果并重的全面评价。艺术学科为考查科目。评价要以学生的美术学习客观事实为基础，加强过程考查，重视学生的能力、态度、情感与价值形成

①形成性评价、过程考查，每学期一次。内容包括：

1、平时学习：100分（学生艺术成长记录夹）

。知识技能：（知识技能、提问练习法、作业排序法，单元作业占60%）

。情感态度：（态度表现、问卷法、参观展览、展演，学习态度占30%）

。行为习惯：（自评、互评、观察法、语言、仪表，自我评价占10%）

2、笔试测验：100分（期末考试）

艺术美术论文范文篇9

关键词：传统工笔人物；线造型；写意性

提及工笔人物画人们总会联想起它在表现方式上的细腻工整和表现效果上的“写实”性审美取向，然而这并不意味着细腻工整或“写实”是工笔人物画唯一的艺术特色。《历代名画记》中记载“画有疏密二体”，“顾、陆之神，不可见其盻际，所谓笔迹周密也。张、吴之妙，笔才一二，象已应焉。离披点画，时见缺落，此吴笔不周而意周。”由之，传统工笔人物画是“写实”画同时也具备“写意”性趣味“奔放自由”的特质，以书入画、老庄玄学思想、文人写意论和画家的人格追求正是促进这一特质发展的必要因素，本文旨在探究传统工笔人物画“写意”性趣味形成的因素。

一、技法基础——以书入画

综观中国美术史，我们不难发现书法的发展要晚于中国画的发展，当中国书法找寻到属于自己独特的审美趣味后，中国画反借鉴书法中的线条用笔使得传统工笔人物画线条的表现形式变的丰富起来。所以书法的用笔给传统工笔人物画带来的首先是用笔技法方面的影响，即“写”和“法”的“书写性”用笔。

从篆书到隶书、楷书、行书、行草书、草书，中国书法形成了以线造型的独特表现艺术。书法作品中的线条体现了时间造型和空间造型，运动和节奏。线条在毛笔的运行中勾勒、盘旋、顿挫、往复、聚散、提按，再加上墨的浓淡、干湿、枯润等多种变化，达到了通过线条造型达意，抒发情怀。工笔人物画（尤其是白描）以线条为主要造型语言，画面全凭线条来担负起塑造形体、表现神韵、传递感情的重任。早期中国传统人物画作品的线条是力变均匀、细匀圆转而较少变化的，到魏晋南北朝时，陆探微、顾恺之等工笔人物画大师的线条也仍是“细如蚕丝”缺少变化的。“其实这就是篆书的笔意，当篆书发展到隶书，中国画的用笔也开始有了提按转侧、粗细顿折等变化，通过对线条造型的疏密、虚实处理来表现对象的形态和空间关系；通过线条的曲直、刚柔、粗细来表现物体的质感；通过线条的顿挫、转折来表现形体结构与透视变化；通过行笔快慢、抑扬来表达情绪。”。由此，线条的书写性拓展了绘画的表现语言，丰富了线造型的形式美与内涵美，同时也使得线条的性格更加多样化、复杂化、意趣化、风格化和精神化，促进了传统工笔人物画“写意”的精神追求。

“看画之法，如看字法。”“石如飞白木如籀，写竹应从八法求。”以书入画是工笔人物画写意性趣味发展的必要条件。当然它也给传统工笔人物画带来了平面的造型结构，以及笔墨思维表现方式等。

二、文化基石——老庄玄学思想

“中国绘画是中国民族精神的最大表白，也是中国哲学思想最亲切的某种样式。”（P228）“中国文化的精神博大而精深，中国文化以哲学为核心。”孔子的“游”，道家的“道”，老庄的“虚、静、明”无一不是中国绘画的文化、哲学内涵。就“写意”精神来说，尤以庄子思想的影响最为深远。庄子思想流行于魏晋、宋梁，其实庄子不是以追求某种美为目的，而是以追求人生的解放为目的。然而庄子对这种美的把握及在这方面的了解、成就，形成了“直接由人格中所流出”的“为人生而艺术”的美学观点。“‘写意’不是‘画法’而是中国特有的绘画观念。……是中国画论中提出的美学精神和艺术观念。”“写意”精神的提炼在于创作主体，在于审美主体，故写意精神可以无处不在。所以传统工笔人物画既具备写“物之神”、工整细腻、严谨的特征可以表现为“写实”画，也同时表现出“写意”画的韵味。因而悉数传统工笔人物画的佳作都表现出了直接由人格而流出的艺术美，并即而以此陶冶其人生。“庄子之所谓道，落实于人生之上，乃是崇高的艺术精神；而他由心斋的工夫所把握到的心，实际乃是艺术精神的主体。由老学、庄学所演变出来的魏晋玄学，它的真实内容与结果，乃是艺术性的生活和艺术上的成就。”由魏晋玄学到人伦鉴识，竹林名士对“清、虚、简、远”的生活情调上的追求是庄学情调上的超越，也是由思想认识上升到人格和艺术美的追求，“而人伦鉴识作了艺术性的转换后，便称之为‘神’”。“神是人地本质，也是一个人的特性。必传神，而后始尽到人物画的艺术地真。”由“魏晋时代开始的人物画的传神——亦即气韵生动——的自觉”，到文人写意的“忘我”“物化”“虚静”“平淡天真”实则是庄子思想在艺术中的体现。这种哲学思想指引着传统工笔人物画家们不断提升审美趣味，表现出超于世俗的艺术境界，从老庄、玄学、孔孟中感悟到的审美追求是促使他们拒绝单纯的物象形体的追求转而探究物象精神价值的文化基石。

三、时代因素——文人“写意”论

文人画兴起于宋，但文人画的精神内涵有其承袭性和时代性。南北朝时姚最的“不学为人，自娱而已”的论说便可见后世文人写意画的精神内涵之渊源。宋时以苏轼、欧阳修、文与可、黄公望等为代表的文人士大夫提出了“不以形似”的画学思想被称为“文人”写意观。此后，文人思想不断发展，先后又引申为赵孟畹摹肮乓饴邸薄⒛哞兜摹耙萜怠钡取！捌椭交撸还荼什莶荩磺笮嗡屏囊宰杂槎！保ā肚彘s阁全集》卷十），“爱此风林意，更起丘壑情。写图以闲咏，不在象与声。”（《清閟阁全集》卷二《惟寅远寄佳纸命仆写图赋侍》），“逸笔草草”就是“不在象与声”，“不求形似”；“聊以自娱耳”就是“写图以闲咏”。不求“物之形”但求“人之神”，倪瓒的文人“写意”观受到了当时文人画家墨客的普遍青睐、追捧，在元、明、清三代成为时代追求的主流。唐以后工笔人物画由于其绘画题材的局限性和对写“物之意”的过分程式化（写实方面）追求使得文人画家们少以此内容、手法创作，在这样一个大的时代审美要求下，传统工笔人物画要发展就必须突破程式化规范，秉承时代审美要求，所以传统工笔人物画的“写意”路线是当时传统工笔人物画家们自身的要求也是时代的要求。宋以后，在工笔人物画领域出现了如李公麟、武宗元、李唐、李嵩、赵孟睢⒊潞殓芬约叭尾甑却蠹遥识娜恕靶匆狻本竦钠占笆谴彻け嗜宋锘匆庑匀の斗⒄贡匾氖贝尘啊?

四、主观条件——人格、思想的超越

传统工笔人物画发展到宋，形成了完备的造型方式和高度成熟的表现技法，这使得工笔人物画的表现日趋程式化。至此，画家自身的人格、思想的超越便成为了工笔人物画线造型写意性趣味发展的内在动力。中国的文人都有着强烈的政治抱负，他们向往庄子的“虚、静、明”的圣人人格，也表现出“忧国忧民”的政治思想，然而仕途的挫败和“出世”与“入世”的儒道思想总是让他们对现实存在很大的不满，政治、现实中不能抒发的情怀郁积激发了他们艺术思想的超越，这样的例子很多，比如陈洪绶、任伯年等。陈洪绶是清末工笔人物画的大师，他沿袭了宋时李公麟等人对工笔人物画线造型写意性趣味的发展，并形成了自己独特的线造型手法。他对人物的造型手法被称为“高古奇骇”。陈洪绶一生历经坎坷，在政途上亦是一生不得志。他独特的“笔线森森然如折铁纹”的线条充分显示了他削繁求简之妙的才华，以及于拙怪诞的画风，是他奔劳坎坷的一生和倔强的性格的写照。他的代表作《屈子行吟图》描绘了屈原这个忧国忧民、长期流放、浮沉在苦海中的爱国文人形象，作品用线条勾描为主，笔势苍老润洁，勾勒简练畅率，刚柔相济，飘逸咸涩的线条带来的凝重感透露着与吴道子所画的佛的飘逸迎风感完全不一样的金石味，线造型古拙粗犷，极具装饰性的形式美，陈、吴都是借助于“风”这一“无形幻化”的中国文化精神中“意”的物象来描绘人物的神态，“中国画是借助意象表现自己的一种感受，或表现自己的一种经验，而不是直接表现人本状态。”在这幅图中“风”这一意境的所承载的是一个满怀家国之痛的文人精神，此意境实乃画家“心”的切身体验。

五、结束语

品读传统工笔人物画佳作可以深切体味到画家的写“意”性趣味，然而这一审美追求的形成原因是多方面多维度的，宋以后传统工笔人物画的画坛主体地位被山水、花鸟取代，但传统工笔人物画的发展并未停滞，我们不应忽视了传统工笔人物画在由显到隐的发展，和在画坛寻求一席之地而做出自身革新的努力。因此，追寻这些脚迹，正确对待和继承传统工笔人物画的艺术成就，了解和提炼时代的审美需要才能使工笔人物画在当今获得更广阔的发展空间！

参考文献：

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[8]中国艺术研究院研究生部编.中国艺术研究院首届研究生硕士学位论文集美术卷[R]

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[10]刘晓纯.“2004新写意水墨画邀请展”展前对话会记录稿[J]

艺术美术论文范文篇10

一、调研背景

2018年，在给中央美术学院老教授的回信中，明确提出要做好美育工作。同年9月10日在全国教育工作会议上的讲话中又强调要全面加强和改进学校美育教育，提出了“培养德智体美劳全面发展的社会主义建设者和接班人”的重要论断。将“美育”置于重要的地位。2019年4月，教育部印发了《关于切实加强新时代高等学校美育工作的意见》，对新时代高校美育改革发展提出明确要求，使高校美育工作有章可循、有规可依，为构建德智体美劳全面培养的教育体系，形成更高水平的人才培养体系提供重要保障。“美育”的概念最初于18世纪由著名的德国作家、思想家席勒提出。席勒在《美育书简》一书中，对美育的性质、内容、任务及社会意义都作了相当全面的论述。中国的“美育”概念是王国维于1903年发表的《论教育之宗旨》一文中才提出的主张。后来蔡元培在1917年提出“美育代宗教说”，美育教育逐步受到重视。在他的后续教育事业中，成立了“北京大学音乐研究会”，为我国音乐教育事业做出了不可磨灭的贡献。现代社会不仅要规范社会中人与人之间的关系，更应该关注个体的精神状态。美育教育影响其性格、情感、气质等方面，对于个体的影响会更加全面与深入，从而间接影响整个社会，对于维护社会和谐稳定起着重要的作用。美育对于个体发展来说也至关重要，一个人如果想成事，除了有理性的头脑和卓越能力以外，良好的心态、宽广的胸襟等诸多内在优秀品质也是不可或缺的。所以美育是实现人类全面发展的必备条件，同时也是建设社会主义精神文明的重要手段。学校教育尤其是高校作为美育教育的主要平台，能够正确引导和教育学生显得尤为重要。上海大学积极响应国家和社会对于新时代综合素质人才的迫切需求，改革多门通识教育课程，通过不断创新全人培养模式，为社会培养具有全球视野、公民意识、人文情怀、创新精神、实践能力，并能应对之后种种挑战的综合型人才。上海大学作为综合类高校，其艺术学科相对较完善，包含电影、美术、音乐、文学等多种学科。以此为基础拓展出以下三类美育教育课程体系。核心通识课体系：包含理工、经管、人文三大领域。三大领域中包含科技进步与生态文明、经济发展与全球视野、人文经典与文化传承、政治文明与社会建设、艺术修养与审美体验、创新思维与创业教育六大模块。从工程技术到全球金融，从政治历史到艺术美学均有涉猎。艺术实践平台：上海大学拥有包括弦乐团、管乐团、打击乐团、民乐团、钢琴协会以及舞蹈团等多个平台并向全校师生开放。极大丰富了同学们的课余生活，让有兴趣的同学在学有余力的同时，通过艺术团的实践活动，进一步提高自身综合素质。艺术展演平台：上海大学联合社会团体定期举办活动，通过画展、影展、音乐会、话剧等多种形式，向广大师生普及艺术知识、提高艺术修养、培育对于艺术美的审美认知。

二、课程调研情况

上海大学开展音乐素质教育核心通识课程近七年，积累了一定经验。本人全程参与《外国经典音乐》与《中国经典音乐》两门课程。经过近一年的跟踪调查，结合多位任课老师的采访，特地制作一份调研问卷，调查学生对于课程的学习情况。通过问卷反馈分析上海大学实施核心通识课程的美育效果、育人效果，为后续教学规划与改革提供一些支持。（一）专业与年级分布状况。该问卷的目标人群是2018—2019学年，冬季、春季学期选修《中国经典音乐》或《外国经典音乐》这两门音乐类核心通识课程的上课学生。有效问卷共512份。问卷显示大二的学生的比例为最高，达54.7%，超过半数，这一点与学校对核心通识课程的学分要求以及大一因大部分学生未分专业而限制了总学分的原因有一定的关系。大一、大三、大四学生分别占了17.2%、22.7%、5.4%。在专业方面，理工类学生因本身在学校的基数较大而占有约63.1%的比例，其次是经管类约16.2%，人文类约14.7%，艺术类约5.3%，其他约0.8%。上海大学开设核心通识课程与通选课的理念是希望本科生在大学的四年里，跨专业学习知识，丰富自己的知识储备。根据调研人群的专业分布可见这两门音乐类课程确实达到了这一目的。（二）参加问卷的课程分布。在选修音乐类通识课程方面，核心通识课程《外国经典音乐》与《中国经典音乐》占比分别为42.2%和39.5%，剩下18.3%选择了音乐学院开设的音乐类任意选修课：《时代音画》和《素质教育音乐会》。（三）参加课程的原因统计在学生参加课程的原因方面，最主要是对音乐感兴趣，包括但不限于音乐本身、音乐发展、文化历史、中外乐器等方面，其次是同学推荐、拓展视野等原因，以下是两个课程各自的人数统计。在《外国经典音乐》课程中，有效调研对象为212人，其中有188人是因为对音乐有一定兴趣才选择此课程，另外24人表示是同学推荐或其他个人原因选择此课程。在《中国经典音乐》课程中，有效调研对象为228人，其中184人表示对音乐有一定兴趣选择此课程，剩余44人是同学推荐或其他个人原因选择此课程。由此可见，学生在选择艺术类通识课程时，较大原因是自身对于音乐的喜爱，即内在驱动力，这一点和上海大学开设核心通识课程的理念不谋而合。（四）课程反馈。本次问卷调查不仅涵盖了对选修课程学生的基本情况的了解、课程内容的合理性、同学们对于课程学习的收获以及对于本课程满意度等问题，也希望学生在学习过程中提供有价值的意见和建议，以便学校不断改进教学，探索新的教学模式。据统计，87.6％的同学不同程度表示在选修音乐素质教育核心通识课后，对音乐有了进一步的认识，对音乐的认知不再局限于流行音乐，并开始在生活中有意识地接触中外经典音乐。寓教于乐的教学模式也激发了学生自身对于经典音乐学习的兴趣。通过对经典音乐的初步学习，开阔了学生的音乐学习视野，了解了经典音乐的历史背景及社会文化，掌握了基本的乐理知识和鉴赏能力。也有少部分同学表示，没有音乐基础的学生在课程中略显吃力。正如一位同学在问卷中反馈：“在大部分同学中，上大学之前会因为各种原因，未能接触、学习艺术，在大学如果没有这类课程，恐怕绝大多数非艺术专业的同学将不会在年轻时培养出对艺术美的欣赏意识，人文素养的缺失将有可能成为终生遗憾”。确实，从调查问卷上来看，上海大学为上大学子提供了接触艺术的良好平台与机会，核心通识课体系初步达成了帮助学生形成基本的人文修养、培养前瞻性思维的教学目标。

三、调研分析

在看到优势与进步的同时，我们也应该积极了解并改进尚不完善的方面。根据问卷的反馈，大部分学生对于当前上大的音乐素质教育方式相对比较认可，但由于每个调查对象对于音乐教育的需求层面不同而导致调查对象的调查结果不同，从问卷整体反映的结果来看，学生相对不满足现有的教学模式。由于长期以来受传统教育思想影响，我国音乐教育模式基本上是以经验为基础，以知识和技能传授为根本目的。在课上，教师讲解示范占绝对比例。在此基础上引导学生探索；注重知识灌输，让学生熟练掌握已有经验。这种教学模式，限制了学生对于音乐能力的发展，学生主动性相对较低、缺少独立思考能力、缺乏分析音乐以及感受音乐的能力是传统教学模式的弊端之一。就课程的实施效果来说，也存在一些较突出的问题：例如有些授课老师的授课内容仍然局限于音乐史——即音乐本身，很少涉及音乐以外的知识，综合知识与应用知识较少。核心通识课要注重多学科的教育，重视第一课堂和第二课堂的相结合，才能真正体现核心通识课的育人效果。只有把握好课内和课外扩展第二课堂的互动，才能真正发挥音乐通识课程的最大作用。除此之外，还有一些问题值得探讨：能否在教学环节上进一步改进。上课之前将下节课要讲的知识提前告知学生，让学生有一个充分的准备，这样可以更好地在课堂上提高与学生的知识互动效率，根据课程内容需要，适当布置课后作业，留给学生自主探究经典音乐的机会。通过由浅入深、课前预习、课堂提问等方式，不仅可以提高课堂质量，也可以将学生主动性调动出来。面对传统课堂填鸭式教学方法，将老师主讲的比例缩小，逐步探索以学生小组为单位去准备某一课时中的某一块内容，这样既锻炼小组学生的收集、整理资料、演讲等能力，也能丰富课堂内容，拓展学生思维。调动学生积极性、参与性、增加成就感等。提高课堂效率，让学生学有所成、学有所进，切实提高学生的综合水平尤其是音乐鉴赏水平。发挥音乐学院的专业优势，加入课堂展示，让专业学生在课堂中向同学们演奏乐器等，这样既可以使同学们近距离感受音乐、与演奏者直接交流，同时也可以为专业学生提供一个展示、锻炼的平台。

目前在传统授课模式的基础上，同时采取了微信群解答问题，使用BB（Blackboard）电子教育平台，布置与批改作业。线上教学的大规模应用情况，初步证明了线上教学的成效。将线下、线上结合起来，使用互联网让传统的教育模式更加科学化、信息化是课堂改革的必然趋势。在此基础上，鼓励学生现场或通过网络平台观摩音乐学院定期举办的素质教育音乐会。既可以将音乐类通识课程更好地结合在一起，也可以让学生更加深刻地体会艺术素质教育的重要性。

参考文献：

[1]阿瑟•艾夫兰著,邢莉、常宁生译：《西方艺术教育史》，四川人民出版社，2000年版，第90页。

[2]徐倩：《综合性大学艺术教育中的音乐教育——以上海大学为案例的研究》，2008年上海音乐学院硕士论文。