水彩画范文10篇

水彩画范文篇1

关键词：水彩画；材质；艺术语言

水彩画由于工具、颜料的特性、技法与其他画种不同，形成自己独特的审美价值和审美趣味。各画种的媒介和材质融合，由此产生特殊的艺术语言就是水彩画当下探索的主要依据。正确理解一个画种的概念不是单纯地以绘画的表现力来加以区分的，而是主要依据在特殊的思维方式下表现出的一种独一无二的具有审美价值的特性，即一种绘画艺术的新格调，一种独特的“味”。水彩画创作亦是如此。水彩画艺术的发展，可以借鉴其他画种的表现方式或形式技巧，但最根本的一条就是要有自己的艺术语言。

一、水彩画材质的艺术表现性

（一）水彩颜料的艺术表现性。水彩分为透明水彩和不透明水彩。透明水彩给人一种轻快润泽的美感。有些人认为透明水彩的趣味性所在是由于情绪的启发使其具有快感和不可预知性，就像消防员救火，瞬间感和紧迫感交融于一体。不透明水彩又可以分为广告颜料（丙烯）和塑胶颜料（水粉）。不透明水彩不受水分的限制，与油画的直接画法较为相似，可以涂改和增厚是它的优点，其不足是颜色没有透明水彩那么鲜艳明亮，画面缺少酣畅淋漓的意境美。一般情况下作画，透明性水彩画创作更要严谨，其环境要求更为严格，如温度、平衡度、材质等都必须有所讲究。而不透明水彩在画布、画板及墙壁上都可以创作绘制。其中最为重要的区分是：透明水彩在描绘亮部时大部分是留白，不使用白色颜料，而不透明水彩在调和色彩当中可以混合白色，甚至在亮部上直接涂抹白色。（二）水彩纸的艺术表现性。水彩纸的种类有很多，一般分为国产和进口。中国水彩纸大多产于保定，但随着经济的发展，现在的保定水彩纸大不如以前所产的老保定水彩纸，直至近些年康颂公司收购了保定水彩纸造纸产权，将沿用老保定的生产技术，现这款老保定水彩纸在市面上已更名为保虹。进口的水彩纸相对于国产水彩纸，其品牌和型号较多，但其价格是国产水彩纸的几十倍。其实进口的水彩纸也分等级，由于产地和公司不一样，大致也分为一至三等级，其中法国阿诗水彩纸属于一线水彩纸品牌行列，二线品牌水彩纸有英国霍多夫、德国哈斯勒姆、法国枫丹叶等，三线品牌如梦法尔、巴比松等，一般适合初学者练习或者创作草稿。水彩纸规格分为粗中细，手工毛边纸和压缩纸，其吸水性也各异。粗面纸在作画时画面显出均整的明调。大面积的单色渲染在凸凹不平的纸面上发挥得淋漓尽致，画面也不至于干涸得太快。粗纹也称为“理想”的水彩纸，两面白净、纹理均衡，没有任何刮擦和褶皱，材质厚度300克以上，含棉量高和吸水性强。一般太薄的水彩纸上色后高低不平，容易水色淤积，影响刻画深入，甚至在画完后也难以平整，不利于装裱和展示。但吸水性强的纸，水色不易渗化，难以达到水韵意境，而光滑的纸颜色难以渗透，并且颜料附着在表面，容易产生沉淀。所以画水彩画时一定要利用纸质的特点，才能充分发挥水彩画的特别之处。例如平时画水彩，北方景色，为了突现场景的沧桑感，可以用放置过几年的粗纹水彩纸，因为其材质经过氧化而变得泛黄，加上粗纹颗粒较大，容易留下笔触画痕。南方景色，为了表达明亮清澈的感觉，可以选择更白一点的压缩型号的水彩纸作画。同样品牌里面的克度大小也会在创作取舍，如为了表达年代感和质感会选择克度较高、纹理较粗的型号，需要刻画深入会选择中粗纹理300克左右，类似于光感、水迹效果选择细纹纹理。（三）水彩笔的艺术表现性。画笔是水彩画工具中最为重要的一种，一般画水彩会选用羊毛材质的水彩笔，吸水性强，也富有弹性。一些国画中的毛笔也是画水彩非常好的工具，如“一品玉舒”的毛笔吸水性好并且容易刻画细节，中国许多水彩画家都喜欢用。水彩笔在选用其笔头的型号时宁大勿小，良好的笔头可以含蓄大量的水，但同样也分平头、圆头、扇形头等。并且大的画笔可以快速地渲染。落笔要大胆和快捷，运笔要果断才不至于由于迟疑不决而画出琐碎或断断续续的笔触。另外，水彩画笔也有貂毛、牛毛、羊毫及猪鬃或尼龙等制成，其中貂毛水彩笔价格最贵。在作画过程中，各种形状的画笔会画出不同的效果与趣味。在水彩画笔的选用上，一方面，考虑艺术家的绘画习惯和风格，另一方面，看题材表现和形式技法。如写意风格的就用大笔头吸水性强的圆头笔和排刷，表现写实风格，就要选择一些像尖头笔和钩线笔之类鬃毛比较硬的画笔。当然还有一些艺术家会根据自己的表现和喜爱自己做水彩笔，如利用牙刷、刀片、小木棍、丝瓜囊等工具进行作画。（四）水彩媒介化学成分的艺术表现性。水彩颜料的成分大多是从动物骨骼、植物精华、矿产宝石各类物质摄取而制成，除此之外，也有化学合成的广告颜料，色系多为透明性，除少量粉色系颗粒较大。颜料中含有胶质和甘油，可以增加绘画时颜色的附着力和色泽的稳定性。一般可以根据颜料的含胶量判断颜料的档次。所谓专业水彩媒介很少，更多的是将其他画种中的调和剂引入水彩画绘制中。坦培拉是用于创作材料性绘画的重要手段之一，其原因快、好的实用原则。干燥后色层坚固，与水结合，油面和釉面分离，光泽收敛，类似于包浆而不是漆膜。丙烯调和液，更多的时候为了增添光泽，但是按照比例加水调和，减弱其色泽度，即可达到绘画朦胧的效果。笔者经过多年的尝试也产生了一种新的水彩技法：先是将鸡蛋打碎，使蛋白和淡黄分开，然后只取蛋白，将水彩颜料匹配鸡蛋白加水后按照不同比例调和。蛋白在水彩创作中达到百分之十时，画面开始出现朦胧粘稠的效果，鸡蛋白的分量达到百分之五十时，不仅画面效果写实，而且避开了水彩塑造中的水分过不易深入细化的环节。笔者曾尝试过将鸡蛋白升华到百分之八十，其创作的手法类似于古典油画的手法，不过那样的话就失去了水彩画那种韵味和清雅的画面。因此笔者认为这种技法最适合按照1:1的比例进行对比调和，再进行作画。

二、水彩的特点与水彩画的艺术观念

（一）水彩的特点。水和色彩构成了水彩画语言的基础，借助“水”和“色”的相互作用，画面具有透明、轻快、滋润、流畅等特点，能获得清雅、韵味的效果。但作为水彩画家在进行水彩创作中也不难发现，水彩画大多属于纸制品，比较容易遭受损伤，不易于反复修改作品。控制不好水彩画也会出现干枯、苦涩、发灰等特点。顾名思义，水是水彩画当中非常重要的表现元素，水分的饱和度、量度、积水的痕迹都会形成画面的幻想和造化。干湿程度的变化会让画面凝结色块，水的泼洒会形成斑斑颗粒状。偶然产生的画面效果，水色交融，清新趣味，明亮的美和松柔的灰构成了一幅和谐的画面。这是其他画种材质难以表达的。同样水彩的调色有着自身独特的魅力，很多灰色系高雅、有味。水彩色感的提升不单单是靠水彩画练习，更多的是感悟人生、品味生活、文化阅历、审美提高等，作品中吸收了光线元素，色彩的重叠，光源的选择，虚实的意境，斑驳的水迹都是其他画种欲求而达不到的境界。（二）水彩画的艺术观念。水彩画与其他绘画门类虽各有特点、趣味有殊，但作为表现性艺术的发展，同样发挥着同等重要的作用和价值。水彩画甚至一度因本身特殊性被所有艺术家追捧，其原因是材料工具便捷，绘画时瞬间表现力强，便于融合其他元素和媒介。自水彩画传入中国之始，其水彩发展风格和视觉观念逐步发生改变。特别对于近代艺术的推动产生着潜移默化的影响。传统水彩绘画在其表现上有着明显的弱势，作品题材过于庸俗，表现力度不够，创作思想落后。随着20世纪到来，涌现出大批水彩专业毕业生，视觉观念的意义凸现出来，不少作品已明显具有水彩画独特语言特征和审美趣味。新时期尤其是世纪之交以来，许多水彩艺术作品被广泛关注，在技法媒材上的创新、观念构象的提升、描述性语言的应用，使得水彩画艺术性表现上升到一个新高度。如何在表现力度上发挥，需要进一步加强水韵和形式语言的结合。必须发挥“水”的特征的同时，结合媒介和辅佐材料进行融合。水的可溶、水油分离、水的厚度、水的干湿等，使颜料在画纸上富有节奏变化呈现出应有的格局分布，使得水彩画作品效果变化无穷，层次分明。相应的技巧和笔触，使得作品飞白横空、流痕天趣，带来的是欣赏者更多的愉悦感、舒适感、新鲜感。（三）水彩画的中国韵味。水彩，让人一看便会联想到中国水墨画，中国水彩的发展确实吸收了许多中国画元素。早期专业圈子里，素有北有关广志，南有李剑晨之说。关老师在水彩画探索上一直强调利用西方透明、亮丽的水彩特点，运用传统笔法气韵相合。李老师的水彩作品中更多的是凸显色彩本身的力量。中国式水彩画家代表王肇民老师，他的水彩作品更具有中国画的笔法，诗的境界是他画面所追求的效果。利用“水”活泼、灵动、洒脱、润泽是水彩画艺术情感的真实流露的体现。水彩画离不开水。水的添加，令水彩画呈现出千变万化的效果，水给作品带来的不仅仅是水色交融和笔浸润彩的视觉美感，更赋予了艺术作品的生命力和人文哲学及文化内涵。水彩画艺术家常常被大伙喊成“水军”。对水性不同程度的运用或侧重点不同，使得水彩画家都有一套自己的作画方法和技巧，水与透明的色融合，画面感觉立刻变得深蕴、旷达，令欣赏者无限遐想。反之，色融于水，色彩颗粒得以转变，促使画面当中的景物产生深浅、浓淡等节奏韵律，从而描绘出空间、层次、虚实的视觉效果。水彩的发展、成熟，依赖于对水质特性认识的程度，画家会根据自己的创作题材、创作形式、创作表现调和自己作品中的色彩明度和灰度，更是以水自喻，不断思考人生，涵纳万物，只有心中有“活水”，笔下才能盘活一幅作品，作品才能赋予灵魂，涵盖韵味、情趣、意境、神韵。

三、水彩画艺术的本体语言

水彩画个体语言多采用光与影的结合，以富有诗情画意、清新意境的旋律为创作手法，发挥“水与色”的结合，利用水彩画的特性和形式感表现不同的风貌。一般根据不同的材料、工具材质、画面效果不同来定义画种的类别。水彩画作为西画的一种，在中国艺术圈内被称之为水性材料绘画。其定义大致为通过水这种特殊媒介来表现透明、清爽、湿润的画面。传达情感当中的流动性、偶然性、透明性就是水彩画种的本体语言，是水彩画独特魅力所在。（一）从媒介方面来看水彩画的本体语言。画种的界定首先在于其表现媒材，不同媒材、不同技巧创造出不同效果，从而形成不同画种各自的风貌。水彩画作为一个独立的画种，它的面目首先就是取决于材料：水﹑溶于水的透明颜料﹑具有吸水性能的特制纸张以及可以充分蘸水的羊毛笔等。正是水彩画这独特的物质媒材，构成了水彩画有别于其他画种的材质美感，水的流动性﹑色的透明性﹑水色交融的偶然性，由此而产生明亮、流畅、轻快﹑滋润等艺术情趣，既是水彩画独特魅力之所在，也是水彩画个体语言的首要因素。正是水彩画种的特殊性，当下水彩画制作过程中也会遇到难把握、难控制、难刻画等一系列问题，因此专业的水彩画家会掺用各种媒介在颜料中或者利用有机玻璃的材质使之在绘画创作中让水变得稳定，颜色的叠加也使之画面不易于脏、灰、干等。（二）从技法方面来看水彩画的本体语言。在艺术逐渐多元化的今天，我们如何看待水彩画的本体语言，怎样重新认识水彩画自身语言是极为重要的。一方面，我们不断探索新的表现方法来拓展水彩画的语言。根据表现不同对象或材质质感，有时选用粗砂来表现泥潭或沙漠的效果，有时选用牛胆汁或阿拉伯胶来表现金属和木材的质感，有时选用玻璃或塑料随意泼洒在印制画面上产生斑驳的痕迹，利用不同材料的特殊性和表现技法拓展水彩画语言的表现力度。画家刘寿祥的水彩画在创作中借鉴了国画的技法表现和国画矿物质颜料材质的效果，利用国画颜料的沉淀效果和易洗刷的性能来表现作品最初的大效果。这样的绘画方式可以更好地表现物体的质感。在完成作品的百分之八十的时候利用清水洗刷，留下国画矿物质的画痕，再使用透明性水彩颜料韵染，使欣赏者看到描绘的作品当中简约而不简单，层次丰富、微妙而精致。近些年他在《鲜果》艺术作品中，为了让其质感的表现更为真实，他选用广告厚重颜料进行初稿铺底，不清洗而直接进行水彩透明颜料渲染，这时候的画面会产生更加鲜亮写实的质感。另一方面，绘画创作当中清水和色彩的恰到好处的运用永远是水彩画发展中比较高的一个境界，利用水的干湿、虚实、浓淡、色彩之间的分离造诣出物体的形状和结构，这也是水彩画不同于其他绘画的根本。正如吴冠中先生所说：“水彩，其特点就在于水和色彩的结合，不发挥水的长处，它比不上油画和粉画的表现力强；不发挥彩的特点，比之水墨画的神韵又见逊色。但它妙在水与彩的结合”。（三）从形式方面来看水彩画的本体语言。对于日常视觉经验表达的破坏或超越，被看作是艺术当代性探索的重要特征。艺术家在创中应该将自身驱驾于传统水彩之上，将创作视为一次冒险，超出既定的框架，很多不确定因素会使画面具有新的形式定义，处于个人修养和品味，通过观察和探索当下，把未来作为一种超视觉的可能性表现出来。众所周知，后现代社会是以网络信息生产与传播为主体的社会，在这样一个信息发达的社会里，人们对于水彩画艺术的追求早已不是昔日传统方式的认知。而始终处于即时的、互动的、也同时是穿越时空的一种错位或错觉。因此水彩本质的语言随之被打破，在很大程度上形成物质装置与观念的新媒体艺术形式，超越心理的表现，呈现出架上绘画本体语言，一种超验性探索的艺术。

四、水彩画的当代形态及未来发展趋势

绘画艺术创新求变，是一个永恒的主题，有观念形态的变、题材样式的变及材料技法的变，新的材料和技法的产生，是创造更富有表现力、时代感、艺术个性，以及绘画新品种、新形式、新视觉所不可缺少的条件。百余年来，经历了几代艺术家的孜孜求索，水彩画艺术在中国逐渐实现了由“水彩”至“中国水彩”的转变。尤其是1982年杭州水彩大展后，中国水彩日益呈现出形式多样、题材广泛、寓意新颖的艺术作品。首先，从创作材料来说，最早水彩作品创作都是在水彩纸上创作，会利用水的脱胶性能处理画面水迹，来表达新式的水彩技法效果。现在水彩画家在创作选材上已经开始选用白板纸、有色卡纸、宣纸、手工用纸，有些会选用特制毛卡纸或者在三合板、广告板及各类画布上。由于这些材料对颜色的附着力和吸水性能各异，以及质地的粗细不同，使之在展现出来的作品当中会产生耳目一新的效果。其次，在颜料的使用方面，水彩画抛开了传统国产颜料，近几年像鲁本斯、美国水彩颜料QOR等颜料也被广泛使用，其色彩的透明度和光泽度非常明亮。再次，艺术的技法方面，水彩画的创作借鉴了油画的色彩和媒介、版画的构图和形式、综合绘画的材料表现，形成当下意识形态的新格局绘画。在材质上突破形式美而创作新艺术层的美感，如利用棉布、保鲜膜、塑料袋飞溅或粘贴做底，再进行色彩结合。随着各画种互相渗透和借鉴，这也使水彩画有了一个更广阔的发展空间。新式水彩画作品在题材上从单一的空间渐渐转变为重组、幻境、多层次的画面格局模式，颜色和画面含义中更多融入个人的主观思维，已不只是单纯表达个人情绪或想法，而是研究事物的发展规律和艺术创造的原理，歌颂民族、阐述生活，去描绘、隐喻许多已经发生或将要发生的事情，希望通过自己的语言在观看中发现线索或找到关联，以至于无法给当代艺术作品下一个确切的定义，在那时而张扬、时而讽刺、忽然悲伤的时刻，却不是带着欣赏者走向极端。那是将各种情绪交汇融合，去抓住那个勾起欲望表达的点，避免固有化概念和传统技法的捆绑，也试图剥离表象，挖掘新事物，发现更深层的艺术真实。许多当代艺术家在继承西洋水彩画的基本特质的同时，结合各国民族特色进行进一步升华来创作属于自己风格的艺术作品。近些年笔者在创作当代艺术作品中非常注重媒介的关系。媒介在艺术家创作时是一种艺术的物质基础，在传统绘画当中，媒介更多的是依附于画面需求而存在。而现代艺术的发展，媒介的独立性越发重要。它的产生，突破了传统观念的画种规约，逐步形成艺术家精神表达的一种传递手段。单纯的水彩画已经满足不了很多艺术家创作的欲望和冲动。抽象、装置、拼贴、工艺、行为等艺术样式跨越了传统艺术的边缘，融入到表现艺术的语境中。媒介与写实手法之间的关系，并不是单纯的脱离基本绘画定义，而是传达视觉效果，例如绘画作品远看写实，近看写意的灵动效果。在当代水彩画的发展上，传统技法并没有被抛弃，只是利用媒介材料突破创作局限，进而创作出具有当代性的水彩作品。水彩画通过水的作用在纸质上描述，利用自身的透明性写生创作。事物的发展往往都具有两面性，优势很可能是发展的局限性，画种的某些地方的束缚往往可以被看作是专业提升的突破口。很多艺术家根据画材、颜色的成分、吸水性的强弱来进行探索。其实很多时候艺术的发展根据艺术家心理世界的自然关系，通过个人感悟和理解，将媒材通向传统观念当中，驰骋当代艺术领域。艺术品的发展会更多地趋向于共性中的个性，周边的环境变化、图像时代的视觉刺激、城市化的加速发展，都将改变艺术的发展方向。固守描绘过去的方式已经不适合当下社会现实的发展，在尊重客观规律、民族文化的前提下，需要寻求新的创作体系，这就是水彩画在当代艺术形态下的发展趋势，重新定义水彩媒介和表现对象的统一关系。从而赋予当代水彩画新的定义，感受物质、感受媒材、感受社会，融入现实的生活方式、情感阅历、视觉经验，将这种复杂而又综合的感受寄托于当代水彩画创作的作品当中。笔者相信在这些认知的驱动下，重新回到对于媒介的理解，经历文化、历史、美学知识构建新生命的框架，便是当今所谓的当代水彩作品。

参考文献：

[1]王维新.水彩的艺术表现[M].北京：人民美术出版社，2000.

[2]周刚.水彩画研究[M].杭州：中国美术学院出版社，2000.

[3]中国美术家协会水彩画艺术委员会.中国水彩[M].南宁：广西美术出版社，2000.

水彩画范文篇2

具体而言，水彩画的艺术特色可分为以下四大层面予以解读：

A．造型的集中性

水彩画同中外所有的绘画艺术一样，都是造型艺术，这是毫无疑义的。但是水彩画更加强调造型的集中性，这种集中性，又具体通过以下几大手法来体现：

其一是以平面显立体。水彩画同所有的绘画一样，都是平面（二维空间）造型艺术，但它并不是孤立呆板、单调僵化的平面艺术，而是以平面显立体的艺术，即以二维空间表现三维空间的艺术。绘画作品只有长与宽，而没有高，只能从正面通过视角进行观赏。这的确是绘画艺术之短，但作为水彩画，却可以扬长避短，甚至以短见长，即通过观赏者的第一视觉印象的联想与想像，获得最大的艺术信息量，创造出一个更为广阔的立体空间，获得审美的极致。

其二是以瞬间显永恒。水彩画选取的是瞬间的物象，但却以这瞬间的物象显示了人物或事物的永恒。狄德罗说：“画家的笔只有一个顷刻：他不能同时画两个顷刻，也不能同时画两个动作。”①莱辛也说：“绘画要选择最富于孕育性的那一顷刻，使得前后都可以从一顷刻中得到最清楚的理解。”②因此，水彩画选择的瞬间形象，应当是事物发展与人的感觉的顶点，因为顶点就意味着止境。莱辛认为：在一种激情的整个过程里，最不能显出这种好处的莫过于它的顶点，到了顶点就到了止境，眼睛就不能再朝远处去看，想像也就会停止了。水彩画画出这人世间的瞬间物象，它又被圈定下来，显示出人世间事物的永恒。

其三是以静止显动态。水彩画是静止的艺术，但它却通过静止的画面表现动态性特征。例如大海的波涛在画面上是静止的，但它却显示出动态的汹涌之姿；蓝天上的白云也是静止的，它也显示出不断飘动的意象。

由此可见，水彩画正是通过以平面显立体、以瞬间显永恒、以静止显动态的辨证统一的艺术手法，来实现它的集中性的。

B．形象的多样性

水彩画的绘画形象，也是多种多样的。它既有人物形象，又有动物形象，还有景物形象、器物（静物）形象，具体可分为肖像画、风景画、风俗画、静物画、动物画、宗教画、历史画、壁画、年画、儿童画等各种形式。

而且更为重要的是，在这些形象之中，还饱含着画家深刻的思想与深厚的情感。也就是说，水彩画的形象，是主观与客观的有机统一，也是形与意的有机统一。例如一幅蓝天大海的风景水彩画，其形象是碧海、蓝天、白云、海鸥、帆船等等，而在这些形象的背后，又透出画家对自然景色的喜爱之情与渴望飞向更广阔的天地的向往之心和理想之趣。

由此可见，水彩画的形象，是多样的，这种多样性，既表现在物象本身的多样性，又表现在物象之外的多样性，即所谓“象外之象”、“画外之画”。用我国传统的绘画理论而言，就是“诗中有画，画外有诗”。因此，水彩画的学习与创作，都要仔细品味、认真揣摩、全面把握由形象性所形成的这种“味外之旨”、“弦外之音”、“画外之蕴”。

C．风格的写实性

水彩画作为西方绘画的品种，属于写实主义范畴。从美学原则与艺术精神的视角考量，它是受西方传统美学原则与传统艺术精神所制约的。正如当代著名美学家彭吉象先生所概括的那样：“中国传统美学强调美与善的统一，注重艺术的伦理价值；西方传统美学则强调美与真的统一，更加重视艺术的认识价值。中国传统美学强调艺术的表现、抒情、言志；西方传统美学是强调艺术的再现、模仿、写实。我们从中西美学史上可以发现，‘模仿说’是古希腊美学的普遍原则，亚里士多德以模仿的基础建立起的《诗学》体系，在欧洲雄霸了两千年。而‘表现说’则成为中国先秦美学的核心，‘言志’、‘缘情’是我国诗论重视表现的最早见解，在情与理的统一中，将‘天人合一’的审美境界作为最高境界。”

作为写实主义风格的水彩画，主要通过明暗处理与焦点透视来得以具体体现。通过光影与明暗的不同，通过近大远小成比例的焦点透视法，来加强其真实感。

水彩画范文篇3

关键词：水彩画特殊性水色结合透明随机与肌理

有人认为：绘画主要是表达他的艺术性、审美意志和相关的个人关照世界的方式。从这个角度看，无所谓艺术家用何种媒介材料来表达其意图。他可以选择任何一种或多种是以的媒材随心所欲地宣泄。是指绘画这种平面型的艺术渐渐与空间的雕塑、装置或与实践性的影像、电子媒介相结合。艺术越来越没有清晰的分界，一切只为意图服务，但各画种分类依旧存在。

既然有分类，相应的各画种的媒介材料，并由此产生的特殊的艺术语言就是他们存在的主要的依据。正确理解一个画种的概念既不是单纯地以不同的工具来加以区分的，而是主要依据在通过特殊的思维方式下，运用能体现媒材性能的操作方式，表现出一种独一无二的具有审美价值的特性即一种绘画艺术的新格调，一种独特的“味”。其中对媒材的挖掘、开拓、利用也都是根据这一艺术格调的要求来进行的。由此可以看出作为各画种的固有特征的重要性。水彩绘画亦是如此。水彩的发展过程中，可以借鉴其他画种的表现方式或形式技巧，但最根本的一条就是不能丧失自己的固有特征。在历届全国水彩、粉画展中不乏优秀的作品，有的追求油画的厚重，有的追求挂画的韵味，但都是在水彩的本身的基础上，有“度”的借鉴。第六届全国水彩、粉画展中的金奖作品《天使餐厅》给遗失在使人眼花缭乱的水彩样式中的画者以极大的启示。这幅作品充分的体现了水彩的特色：透明、水分、清灵等等，是对当下轻视水彩特征现象的纠正。它让我们思考我们究竟在用什么作画？水彩在绘画中的独立价值是什么？水彩的固有特征是我们不断研究、探索的对象，对其的把握也应是画家最关键的创作能力之一。

一、水彩材料的特质

任何画种的材料和媒介，限定它的绘画特性，并由此外化出特定的艺术效果，这也是支撑其存在和发展的基点。

正因为水彩颜料的透明性，所以在条配颜料颜色时，除了混合的方法之外，透叠成为重要的调色手段。直接调出的颜色与透叠后产生的颜色也许在色相上趋于一致，但所表现出的质感、量感都会有很大的不同。这种涂层与涂层之间的错落搭配会产生微妙的视觉，乃至心理上的丰富的感受。洁白的基底透过薄厚不同的涂层视乎是深邃永恒的光芒所在。

对于画笔，重要的是要看笔的储水力和湿润后的弹性。这与色彩的饱和度、水分的控制以及作画时留到画面的笔触息息相关，甚至影响到画家的艺术风格。

水彩画纸会对创作和作品的最终效果有很大的影响。例如19世纪初，水彩画的创作的兴盛是与纸制造工艺的发展联系在一起的。比过去那些粗糙、质地不匀的纸，该时期的制造的纸，更利于颜色的薄涂。这对早期的现代水彩画大师们的风格产生了很深的影响，使鲜明的色彩、绝妙的薄涂成为诸如透纳这样的艺术家的独有特色。水彩纸的质地（纹理）不同也会产生丰富的肌理变化。如何创造出耐人寻味的肌理效果已成为许多画家的现实命题。现代的水彩纸有各种品牌，因为制作工艺的差别，不同品牌的水彩纸会有不同的特性。这给现代水彩的探索和发展留有很大的余地，各种不同的表现手法应与这些纸的特性相得益彰，以表达艺术家的审美意图。

水彩材质的特性导致水彩艺术的特殊性。水与色相互交融，在水彩纸上形成了水与彩的斑迹与色痕带有很强的随机性与抒情性，形成着奇妙的变奏关系，沉声了酣畅、淋漓、清新的视觉效果，与自然保持了和谐的灵动之美，构成了水彩画的个性特征，产生独特的不可替代的水彩艺术。这也是它存在了500多年并依旧有其探索空间的理由。

二、水彩的艺术特性

1、水色结合

水彩除了在一些基本的绘画规律和油画有共同之处外，它应该归属于水彩自身的表现手法和欣赏趣味，有着水彩之所以能成为一个独立画种的独特特征。17~18世纪的英国风景画，它的源头是16世纪的英国地形图。尽管地形图形成简单，色彩单一，但因为它是用水做媒介来绘制成的图画，所以成了今后水彩画的发展的基础。水彩画也是正是在特殊的媒介物——水的伴随下，开始了它漫长的历程。

古典时期的水彩画一直是按照油画的模式来绘制的。作为一个独立的画种看，水彩的独特性并不十分明显。水作为水彩画中的特殊媒介，它的特性还没充分的得到发挥，反而只是单纯地作为调和剂来调和颜色，采用层层叠加颜色的技法，像油画那样来描绘对象。但就其充分发挥水的特质，突出水彩画的鲜明个性来说，它还是处于萌芽时期。不能否认的是以水做媒介，水的一些特征在水彩画中会很自然地流露出来。透明、淡雅是这一时期水彩中最显著的特征。在水的其他特质——渗透、流动、融合还未在画面显示以前，透明，作为水的一种基本特征，一直在支撑着水彩画的发展。也正因为这一特性，才使得早期的水彩画和油画有着分别存在的审美价值。

从18世纪中叶起水彩画作为独立的画种一步步地走向成熟。成熟的标志：在发展古典时期的色彩效果的基础上，加深了对水的特质的认识、理解和运用。长期的经验使画家认识到，水除了有调和颜色这一基本功能外，它还有渗透、流动等特征。色彩和水有机地结合在一起，可使色粒随着水分的流动，颜色在画面的分布富于节奏变化和自然天趣。水不仅仅作为调和剂来运用了。很多画家懂得了利用水的易渗易透易流动的特征，渲染出画面的整个气氛和表达内心的感受。“湿画法”是对水的特质进一步认识的必然结果。在有水的白纸上，用笔自由地挥洒，水与色的相互融合、渗透、流动最易发挥水质的美感。另一方面，由“湿画法”派生出来的“渲染”、“擦洗”、“笔触”等技法应运而生，从而基本完成了水彩画自身性质的构建。水彩画真正地脱离了油画，按照自身的轨迹发展。

在现代水彩画中，水被赋予了新的意义。它不仅仅是单纯地用来调和颜色或渲染内心的感受，而是在此基础上，进一步地充分发挥出水的特质。水融色的干湿浓淡变化以及在画纸上的渗透效果使水彩画具有很强的表现力。水可使笔和色间枯、焦、润、湿产生变化，直到泼、积、破的应用。这也是画家处心积虑，不知疲倦探索的问题。

水这一物质心态作为水彩的调和剂，它依赖颜色，依赖形象保持着自身的特质。水色形成那种难以名状、自然天成、亦幻亦真、神奇美妙的艺术效果。水的灵性、水的品格为水彩画带来了俏丽明快、清新的深情画意之美。善用水者，水随人意。在特定的创意精神驱动下，让情感的律动借助水色流淌、扩散、在聚集和分解过程中，纵情挥洒，畅叙请回，自如家奴，随机调控，因势利导，浑然天成；其色或浓或淡，虚实相间，朦胧飘渺。由于水性的“透明”和“流动”的特点，才产生了水色的渗融、湿润、朦胧、迷离、柔和、飘逸、洗练、洒脱以及沉淀肌理等艺术效果，这种独特的特性，可称之为“水性特性”。吴冠中曾论水彩“水彩，水彩，其特点就是在‘水’和‘彩’。不发挥水的长处，它就比不上油画和粉画的表现力度，不发挥彩的特点，比之水墨画的神韵又见逊色。但它妙在水色结合……”①水彩画独特魅力就在于水色结合，水色的变幻产生无限与勃勃的生机。水和水的交接，色和色的渗透，产生了奇妙的变奏。它使绘画过程更加奇异多变，相应的技巧也更加复杂。画家要充分利用水色的优越性，既利用水色的透明，以渲染浸润等技巧充分表现气韵、气势、意境这样的典型东方审美内容；有利用水色的流畅创造无以相匹的运笔艺术和造型工夫。水的特殊性、多样性为水彩艺术的多样性提供了可能。水彩淋漓挥洒的笔触，朦胧诗意的情境，表现大气的普所迷离，光芒的闪烁不定，极尽优美之能事。对现代水彩画的真正开山祖师透纳作品的第一印象是明亮的朦胧，但其中依稀隐藏着莫测。他的色彩明朗、稀薄而光滑，浓淡变化神秘莫测，水彩澄明清纯，似乎之留下眼花瞭乱的色彩漩涡和光辉闪烁的光波运动。他善于运用水彩和透明的油彩表现天光水色和迷茫动荡的烟雾，以至于康斯太勃尔认为他他是在以“有色的光流”②作画。水彩艺术家的个性特征也是和水质的多样性联系在一起的。对水性不同程度的运用或侧重点不同，使得水彩画家都有一套自己的作画方法和技巧。

水彩的发展、成熟，依赖于对水质特性认识的程度，对水性调和剂和有幸调和剂本质的区别。从不自觉到自觉到能动地利用水质的种种特性，构成水彩画历史的发展轨迹。

2、透明

透明的特质的水彩艺术产生依赖的标志性的特征之一。透明之感其实是利用光的透射作用发挥光色作用。

通过对色彩的条配，透叠、重置、晕染等手段的运用，使整个画面的色彩交错、混合，白色的基底忽隐忽现。涂层的交错使画面产生薄厚的对比，明亮与灰暗的对比。

水性调和剂具有易溶、易渍、易流的特性，透明的调和剂使色粒光波清晰，色粒在水中流动与渗透更使这些光波交相辉映，从而在洁白的纸面上呈现出明净淡雅之美。经验证明：覆盖性绘画往往重视全部铺垫后的最后一笔，非覆盖性绘画往往重视代表饱和亮部的最先一笔；前者用浓稠坚挺的颜色绘制受光物体，当然富有质感和力度，后者用渐次变深的透明重叠“让”出物体的亮部，更加璀璨而令人神往。

透明也是把握水彩艺术的极限的“度”。如果在求新求变中超越这一限定的“度”，可能失去水彩画存在的价值，成为其他画种的辅助手段，或者成为一个新画种。水彩画的诸多传统技法，作画方式乃至观察方式，以及它们所显示出的独特表现力及其美学特征，均由此透明特质而生。透明这种特质的表现不仅可以表达抒情、轻快、流畅、明丽、淋漓等优美的情愫，而且亦可表现雄浑、遒劲、苍茫、厚重等壮阔的情怀。

3、随机性与肌理

由水色及透明的特质产生的诸如画面的随机性、偶然性和肌理等的特性都是水彩艺术的丰富性的表现。水色的流动往往产生某些意料之外的效果，最难控制却能产生天成的画意。譬如漫流法就是利用水色的流动随机产生的痕迹，因势利导，完成作者的意图。这似乎是自然幻化的美妙画面，令人怦然心动。

水彩画肌理的产生是画家在作画过程中，随着各自不同的气质、风格和心境的发挥，以及各种媒介物的自然规律的作用而形成的炒作痕迹。水的流动，水的浸润，水的沉淀与冲刷，是画面孕育出新的视觉生命形态，这种人意与天气相结合的形态就是水彩画的肌理美。肌理之美是水彩画的独特风格的重要部分。种种肌理现象无不关系着人们的心里效应。如果将各种肌理纹样作为一种视觉信息转化成绘画语言，兼而传情达意，无疑将会丰富和提高绘画艺术的表现力，那么水彩画恰恰在绘画语言与心里效应之间达到了高度的吻合。肌理本身本身形成的形式美感，有相对独立的审美意义。这种特性使得市场在某种成都上存在一定的抽象性，人们“能够从这个概念中发生出一种意象，这种意象应比概念自身提供的意象更加完美”。③画家通过多种手段使用各种工具材料创造出特异的、幻觉的、力量的、冲动的、材质感的各种各样的水彩画技法肌理。美国著名的水彩画家、美术评论家乔雷思金说过，水彩画在画家的处理下，水滴和它明快性质所形成的幻想与造化，溅泼的痕迹，凝结的色快以及斑驳的粒状，虽然对于话的表现没有什么意义，但由于偶然产生的的梦境似的造化，清新的趣味，明丽的色调与轻柔的感觉，是其他材料所没有的。这也许不敬意地起到了使观察者“从透明的记忆仓库中唤出的知识和情感的导火线的作用”。④当代一些水彩画家除了运用传统的技法外，在水彩创造中还引进了新材料、符号语汇，充分关注色彩、材质、造型自身的表现性和直观性。例如他们采用中国画的宣纸、表面不吸水的卡纸、布、处理过的板材等来作画，靠表面的肌理而产生特殊表现效果。材料不同因此形成许多新的肌理形状，产生更多的艺术格调。在现代水彩画中，对水的特殊性的把握是主要的、能动的。肌理的制作，就是对水质能动性认识的结果。在水分还没有完全干透以前，利用不同的工具材料，比如：撒盐、喷水、渗进油性材料等等，制成不同形状的水痕，形成不同的肌理效果。它不仅能深刻地表现对象的质感，同时重复的水迹符号，不规则的排列组合，使人们从中感悟到水的特殊美感。

三、小结

随着艺术视野的更加开阔，水彩艺术其自身应该与其他艺术形式保持距离，使之走向水彩艺术特征的丰富性和独立性。特征的探索与把握是建构和完善，提高水彩艺术品质的关键。水彩画家就可以把握这一特征的底线上，在其之上艺术的表现自由翱翔。

注释

①袁振藻.中国水彩画史[M].第71页。上海：上海画报出版社，2000.2.

②常又明.水彩画的起源及其在英国的发展[J].第71页。世界美术，1981.5.

③鲁道夫.阿恩海姆.视觉思维——审美直觉心理学[M].第231页。成都：四川人民出版社，1998.3.

④鲁道夫.阿恩海姆.艺术与视知觉[M].第609页。成都：四川人民出版社，1998.1.

参考书目

[1]中国美术家协会水彩画艺术委员会.中国水彩期刊丛书——中国水彩（11）.广西：广西美术出版社，1999.9。

水彩画范文篇4

关键词：水彩画创作;技法语言;综合材料;运用

一、水彩画概述

（一）水彩画的概念与欧洲水彩画起源。水彩画是以水作为媒介，调和水性材料作画，并通过有序的表意符码，体现主体的审美意象，从而产生透明、清新、湿润的独特艺术效果。水彩画技法有干画法、湿画法、浸接法、点彩法等等多种且不固定的画法。在一幅作品中，所展现的画面虚实、色彩浓淡的变化以及清新的视觉感染力，这种独有的视觉艺术效果能使人感受到与其它画种不同的韵味和别样的审美情趣。水彩画与其它画种相比，算是最古老的画种。原始社会在洞窟以及石壁上进行绘画，就是以水调色的方法。当然，在古代也有用蛋清来调色彩的，这样可以使颜色又光泽、保存时间长久，但在制作作品时却有局限性，然而水是没有这个弊端的，也更具有实用性。在水彩画初期的表现方法是非常单一的，在素描上涂以水彩，仅仅是借助水调和水性颜料层层叠加来作画。水彩画真正登上艺术的殿堂是在18世纪后的英国，因为在这以前的水彩画主要表现空间层次和透明的光感，缺乏色彩的浓淡干湿变化。在18世纪后期的英国水彩画家大量进行研究，画家发现水的流动性，不确定性进行绘画，将技法升级。这以后逐渐增加其艺术上的表现效果，加强了色彩的运用，逐渐建立起一套独特而丰富的技法。并且将不同的笔法也运用于画面中,使其变成了多彩的水彩世界。目前，水彩画的发展正趋向多元化，面貌和形式丰富多彩，利用水的特性加上不同的用笔技法，并运用干湿画法使画面更加空灵、通透、流畅。作画方式也不再拘泥于传统，各种不同工具制造的肌理效果慢慢被广泛使用，能使画面具有丰富的艺术魅力。现代的艺术家们能主动地、自觉地去不断尝试与综合材料相混合取得各种不同的视觉艺术效果，变单一的视觉语言为多维的创造性视觉语言。（二）水彩画的艺术特性。1.水色交融。水具有流动性和包容性，在画面上留下了不同的痕迹，使画面丰富多彩，这就是人们常说的水彩画的水色交融。水彩画中的水能够很自然地把多种色彩紧密地结合起来，而且可以在两种色彩的交界处形成自然的调色效果，就产生了水彩画独有的水色交融。水彩画中水与颜料的碰撞，可以用千变万化的表现技法来进行创作，使画面产生奇妙无穷的效果。可以说水色交融是水彩画的灵魂所在，也使得水彩画作充满了生机与活力，水彩画的色彩愈发悦目，具有一定的艺术感染力。2.透明性。水与色的结合，正是由于水这种无色透明的液体，加上水彩颜料的半透明性，就赋予了水彩画异于寻常的特性———透明性。正是因为这样的特性，通过画家对于自然物象的再创造，达到更为纯净的境界。所以水彩画总是会给人们带来清新明丽、通透的视觉感受。透明的水彩画会使颜色提亮受光，加强质感。3.偶然性与肌理。水彩画由于其材料的特殊性，所以它是变化最多且不可预估的艺术形式。水彩画技法的表现形式非常多样和不可预测，它不像别的画种那样有一套相对稳定成熟的方法来继承和学习。从创作到随心挥洒，看似漫不经意地下笔，其实是精心策划的，这种挣脱了反映客观对象和传统技法，偶然中总会出现奇迹。任何表面都有其特定的纹理变化，一个物体上高低不平、纵横交错、粗糙平滑等的纹理变化，那么这个物体表面上的这些纹理就是肌理。特殊的纹理变化表现出惊人的视觉体验，这是水彩画艺术所追求的肌理效果。水彩画中的肌理很多，其中包括有笔迹、水痕、画纸露出的底色、材料的质地以及表面颗粒和局部细节等微观效果，从而使色彩外在的表层结构发生不同的视觉效果，就像木头的表面质感。水彩画的肌理特点不同于其它画种，水与色的互溶、分解的过程中产生意想部到的不同的艺术效果，形成了只有水彩画才有的抽象和写意的肌理特点。它极大地丰富和提高了水彩画艺术语言的表现力。

二、综合材料在水彩画毕业创作过程中的运用

（一）综合材料的概念界定。综合材料是创作中运用各类媒介材质，丰富视觉表达，包括各种性质及各式各样的材料。它属于一个宽泛的材料范畴。水彩画综合材料是能够融合水彩语言或适合水彩画表现的所有材料，运用不同材料表现不同风格面貌的水彩画作品。形式与内容上有别于传统的水彩画。（二）综合材料在水彩画毕业创作中的实践运用。现在的水彩画风格多种多样,探索什么样的材料能产生什么样的画面艺术效果，敢于运用各种可以表现绘画观念的水性材料和综合技法手段进行外在视觉与内在精神相统一的艺术创作，将水彩画材料与多种技法融合运用，实现创作意图和创作形式在材料技法上的诉求和统一，这就需要在水性材料和综合技法上大胆尝试和灵活运用，作品中表现色彩、造型、材质自身的特性和直观性，通过水性综合材料的介入表达自己内心的真实感受，体现出时代性，这极大地丰富了水彩画的表现手段，拓展了水彩画毕业创作的艺术语言表现形式，提高现代水彩画的艺术表现力。在水彩画毕业创作过程中，运用滴水，泼洒、点染、浸润、冲洗、喷雾等常用的基本技法使画面形成轻松活泼的情趣。学生们依托基本的技法对材质进行了收集、分析和分类，比如其与水融不融，会形成什么效果与肌理，并掌握对不同的材质进行拼、印、贴、剪、刮、擦等手法构成不同形态。考虑通过哪几种材料的综合运用来实现肌理的效果，达到创作主题的需要，这些都已被高年级学生们所重视。有的学生为了表现对象丰富的质感，油、刀片、食盐、酒精、胶、丙烯、塑性膏等等材料被用于水彩画的操作中。学生作品中有在水和颜色混合后加松节油,泼在玻璃上再对印到画面上,水与油相渗，利用水和油互相不融的特性所产生的斑斑驳驳，表现出了一种沧桑、远古的主题；有的用砂纸打磨，增加画面颗粒肌理，表现沙地等；用美工刀的刀片，笔头刮出线条，表现自然的植被；还有在湿底上喷溅，泼洒酒精，形成帅气的笔触和浅色的水痕。利用水可融化盐的特性，在湿的底色上撒上盐粒，盐粒在融化的时候将颜色推开，形成了一片片类似雪花状的小白点在飞舞，自然生动。这些技法都可以说是学生们年轻的绘画生命里的突破和成长。在纸张和画笔的选用上更加灵活，除水彩纸外，学生们还试着用宣纸在水彩纸上拼贴后进行绘画，表现出半立体绘画的感觉；也有的在画面上喷洒沙粒、色粉、糖等，形成千变万化的肌理。虽然学生们的作品有的非常成功，有的不太理想，但这些综合材料的辅助参与都已将水彩画带入了一个别样的天地，今后它所能开发出的潜力空间是广阔的，经过材料的综合表达的可能性与时代文化想融合，将有可能成为现代水彩画发展的推动力，也可能成为水彩画艺术发展的提升空间。因此，综合材料它作为一种表现形式，在充分发挥和挖掘水彩画的艺术特色基础之上，进一步拓宽水彩画的外延氛围，以不断丰富和完善水彩画艺术的形式语言，积极主动将综合材料运用在水彩画创作中，增加艺术格调、个性化和创新精神。

参考文献：

[1]蒋跃.东西方绘画的交汇———中国当代水彩画研究[M]北京:中国轻工业出版社,2007.

[2]袁振藻.中国水彩画史[M].上海:上海画报出版社,2000.

[3][美]鲁道夫•阿恩海姆.艺术与视知觉新编[M].长沙:湖南美术出版社,2008.

[4]孙莉群.对当代中国水彩艺术的思考[J].水彩艺术,北京:人民美术出版社,2001,(02).

水彩画范文篇5

水彩画的写生成功率很低，满意之作就更少了。画好一幅水彩画写生是要付出很大劳动的。一幅好的水彩风景写生表达出一种意境、一种情调，溶汇了作者的情绪在内。我画写生的目的十分简单明确：提高观察力，训练眼和手，迅速抓住大自然中瞬间光和色的变化，掌握规律，锻炼户外色彩表达能力，同时解决构图、调子、用笔等诸多问题。关于写生，我认为不可过分地强调真实，那会使作品变得淡而无味。如果一幅写生能解决一点点问题那便是莫大的收获了。

2画幅大小和时间

由于写生目的的明确，也因此就牵涉到了一个时间和画幅大小的问题，因自然光线变化速度极快，所以作画时间我控制在一到二个小时，甚至半小时。时间过长，光线变化了，生动的第一感觉也就消失了。因此画幅我由原来的对开，4开规格大小的水彩纸改为现在的16开乃至32开写生，原因是我想在有限的时间内画得更完整一些。

3选景

在选景过程中，我常常像考察者探路似的利用一整天的时间把当地的风光仔细地“搜寻”一遍，并选择好自己感兴趣的角度和地点，这样在下一阶段写生时就不需要花很多时间再去找景了。在作画前，我常常一个人默默地静思片刻，仔细地回味自然中给我感受最深的瞬间，让它在我的脑海内有一个清晰的轮廓才下笔，做到心中有数，我体会到，写生时既要激动，又要冷静，既要有对生活对大自然的激情又有艺术思维的沉稳。有人说传统写意中国画是讲究“心手双畅”的过程，而对水彩画者来说，可能有时你并不能“心手双畅”，你面对的是把冲动的情感先放一放，去考虑先画什么，后画什么，什么地方用干画法，什么地方用湿画法的作画过程。

其实我觉得，画到一定程度，绘画的对象已经不再是第一位的，而重要的是对物象的重新编排，该怎么画的问题。歌德说过，“不是生活中缺少美，而是我们缺少发现美的眼睛。”一个真正的艺术家不应该只是生活的奴隶，而应该是美的创造者。

4水彩写生中的技术问题

水彩画的用笔和中国画没有什么区别，一般使用狼毫和羊毫笔为宜。大中小号的笔都要准备齐全，另外，再准备一两支大羊毫或者小板刷。水彩画颜料市面有多个牌子可用，在使用前不要挤出太多，以免干硬不易溶解。

作画时，颜色要调足，使之够用，避免不够再另调同样色调。每笔都要蘸色饱满，画出的色彩效果才能透明润泽。画法上，一般常用干湿混合画法，即先用湿画法画出天空、云雾、江湖……，而后在湿画的基础上用干画法塑造物象，使画面层次丰富，色彩效果饱满和谐。总之，水彩写生用笔必须大胆、肯定、概括、简洁、不拖泥带水。

5水彩默写

水彩画范文篇6

抽象绘画已有百年的历史，在二十世纪四五十年代已成为西方国家的主流艺术。其中著名的“抽象表现主义”、“行动画派”都曾从书法艺术中获得创意和灵感，形成一波又一波的艺术思潮。其中法国人乔治??马提厄开创了西方“书法画”，美国人马克?托贝潜心研究中国书法创造了一种“白色的书写法”，现代艺术大师波洛克则几乎是对书法线条生命的展示。英国美术评论家赫伯特?里德在他的名著《现代绘画简史》中认为：“一个新的绘画运动已经崛起，这个运动至少部分地是直接受到中国书法的启示”。

在抽象绘画中，法籍华人赵无极也曾学习过书法艺术，他以西方现代绘画的形式和油画的色彩技巧，参与中国传统文化艺术的意蕴，创造了色彩变幻、笔触有力、富有韵律感和光感的新绘画空间，被称为西方现代抒情抽象派的代表。《最初的抽象水彩画》是1913年康定斯基创作的最早的抽象水彩画，也是现代非具象绘画的最早范例。绘画观念的转变使艺术家的思想变得更加自由、开放，推动了绘画艺术的发展，丰富了艺术表达的形式。但是我国的抽象绘画相对西方国家比较落后，在国内却还是-fq相对陌生的艺术，在抽象绘画中我们的大多数画家还是他们的追随者、模仿者。虽然我国八十年代以前是没有抽象水彩画的，但是我国抽象艺术存在已经很久远，它寄居、隐藏在若干领域如：园林建筑和书画作品中，其中书法是最高层面。艺术是特定时代的特殊产物，每一个时代的相应环境下就会有什么样的艺术作品产生。当代社会是开放、多元性的，人的生活方式轻松、随意，强调人自身的个性。在艺术作品中越来越重视创新、强调视觉效果或人文情怀。历史上的仰韶彩陶、魏晋书法、唐诗宋词，都是那个时代的精品，但是现在我们后人无法超越和再创造的。我们的任务是把他们传承下来，吸取精华然后打造我们这个时代的艺术。中国文化与西方文化接触后，在文艺的各各领域都发生了变化，产生了丰富多彩的当代艺术。但书法艺术的当代性相比其他艺术来说，发展的相对缓慢。从外因来看是因为西方没有这种艺术，对高深的中国传统文化了解的也不够，无法领会书法艺术之美，所以书法艺术还只是在亚洲一些国家受到人们的喜爱。从我们自身来说受传统文化的影响太深，文人似乎不屑与当代艺术接轨，认为书法就应该是传统的好，排斥当代流行书风和当代艺术，固守着文人的精神家园。当然，从传统文化的继承这一方面来说，这是值得我们尊重的。但是对于从事当代艺术创作的艺术家的角度来看，应该有百花齐放的艺术观念和敢于打破传统的勇气。

中国的汉字从早期的象形文字，然后又逐渐抽象，以至离开了客观物象的具体特征，发展成为有纯符号性质的现代文字，几千年的发展和演变过程凝结了前人的高度智慧，形成了较为完整的理论和美学体系。由于这样的原因在中国一直就有“书画同源”之说，也正是由于汉字与图形的紧密渊源关系，中国的书法艺术才成为一种具有深厚美学传统的艺术。书法艺术中的笔法、结字、章法等要素和绘画艺术中的原则有很多的相通性，而且书法本身也是一种非常高度的抽象艺术。水彩画虽然是从西方传过来的绘画艺术，但是水彩画具有中国传统美学的审美特性。清新、明快和上水色交融的特殊效果产生不同的韵味，本身是非常适合作为抽象绘画的一种表达方式。水彩画与中国传统书画在审美和表达上有一些相通之处，在国内又有广泛的群众基础，加上书法本身是最高层面的抽象艺术，和水彩画结合创作出来的抽象水彩画一定能取得成功。

相信跨边界的探求是必要的，也是极有意义的。艺术上的一切进步都是通过不断地探索和创新来实现的，纵观中西方美术史，每一种风格流派的形成和每一个艺术大师的成就大多都是通过这种方式来实现的。艺术不能脱离传统，也要在传统的基础上进行创新，只有这样才能创作出符合当代社会标准的艺术，才能更好的推动艺术的发展。当代艺术是全球政治、经济、文化最直接的表现形式，是竞争的主要战场，我们不能固步自封的只讲究传统，要用当代的眼光来审视我们的传统。作为中国传统文化中的书法艺术源远流长、博大精深，有丰厚的资源可以供我们去参考和借鉴。我们应该充分挖掘和利用书法艺术，把书法艺术的一些元素应用到当代抽象水彩画的创作中，找到两种艺术结合和表达的最佳方式，探索一种崭新的艺术表达形式，创作出具有中国书法意味的抽象水彩画，从而推动中国抽象水彩画的发展，把书法艺术融入到当代美术潮流中。

水彩画范文篇7

关键词：茶画风格；水彩画艺术；创作价值；文化传承；艺术体系

茶画艺术是整个茶文化体系的重要内容，成熟而完善的茶画艺术中，不仅向我们展示的是一种成熟而系统化文化内涵，同时更重要的是其中也将系统化的艺术思维和精神理念融入其中，从而赋予了茶画艺术更为浓厚和成熟的精神内涵。

1寻找茶画艺术的真谛：茶文化的艺术化诠释

理解茶画艺术的基础是对其背后的茶文化体系形成深层次理解。因此，如果我们对茶文化的具体内涵特征形成全面了解及感知，不难看到，茶文化的多样化内涵，除了具体的物质元素外，还有相应的艺术表现机制。尤其是在今天，茶文化的价值理念被大众所具体认可，所以合适的茶文化元素对于我们当前更好理解茶画艺术提供了有效支撑。1.1茶画艺术的基础是艺术。通过分析传统茶画艺术产生的历史背景，看出茶画艺术更多是对茶文化的艺术表现，所以厚重的茶文化，可以在整个茶文化体系中得以表现。就茶画艺术的实质性表现看，文人是其创造主力。因此，在经典的茶画中，它解释和表达了茶文化的综合观念。实际上对整个茶画艺术来说，其全面的阐释了人文色彩。当然，茶画艺术的基础实质是以茶和茶文化等为主要绘画素材的艺术体系。1.2茶画艺术的核心是文化。中国传统的茶画艺术不仅是一种艺术风格，更是一种文化形式的全面传承与创新突破，通过将优秀的茶画艺术作品与文化体系相结合，我们可以认识到茶画艺术是以精湛的绘画技艺为基础和前提的。我们可以从茶画艺术中，深刻而全面的感受和理解具体的艺术意境和人文底蕴，这是我们对整个茶画艺术形成核心认知的基础。传统茶画艺术作为茶文化的载体，以其独特的艺术和文化表现力，为我们认知茶文化，提供了重要载体。浓郁的茶文化不仅是茶画创作的前提，也通过其中所蕴含的精神理念为茶画的品质塑造提，供了必要的支撑。1.3茶画艺术的关键是美学。“文化自信”的今天，在传统的艺术体系中，找到合理的情感也就发展为我们认识和利用传统文化的关键。茶画艺术作为茶文化体系的核心，其中表达的既是艺术体系，也是茶文化的风格展示。尤其是茶画艺术的人文属性，加上其独特的创作风格，其中包含和诠释了诸多极具特色的美学特征。

2茶画风格的本质与内涵：文化与艺术的层次化诠释

在茶文化机制中，茶画是其中非常重要的内涵和艺术特征。特别是在当前发展与融入的背景下，茶画的艺术文化特征更加全面。对传统茶画艺术风格进行层次化分析，以及对茶画整体表现形式形成综合认识和合理运用，是现阶段真正有效地运用和感知茶画艺术的关键要求。在文化深度融合和广泛推广的当前，我们看到合理应用传统的绘画艺术的基础点在于对其中所包含的内涵和本质进行本质化理解。2.1茶画风格展现的本质是具体的茶文化。事实上，在茶画风格展现的背后，集中的表达了茶文化的系统观念。将茶文化与具体的茶画风格展现相结合，实际上是一种基于具体美学视角的艺术表达。所以，如果我们能够仔细分析茶画特征，并通过详细理解，进而对茶画艺术的价值内涵，形成全面认识。在任何茶画艺术中，它有效地引导我们从绘画艺术的特征理解出发，并且形成全面而深刻的茶画艺术理解和感知。因此，鉴别传统茶画作品时，本质上也是基于艺术和人文色彩两个方面对茶画艺术形成全面认识的关键前提。2.2茶画风格展现的关键是国画艺术人文风格。茶画艺术是我国文化的艺术化表达，其中融入和包含了茶文化与绘画艺术等诸多理念，因此，可以说茶画艺术的具体内容是多元的，许多文化因素是茶画的重要组成。茶画艺术作为具体的茶文化体系与整个绘画艺术之间的深层次结合，其存在创新压力，如何为其找到适当的传承动力。就需要我们在艺术认知的基础上，深化茶画艺术的认知思维，通过对茶画艺术的风格理解，从而探索茶画艺术的时代化机制。茶画多为传统水墨国画，从内容看茶画作品是文人画的典范，从特点看，影响茶画品质的要素主要有：自身的才华、艺术境界和绘画知识、绘画技巧等，只有绘画者掌握了相应技巧，并形成独立认知，才能实现茶画艺术的最佳表达。茶文化整体儒雅，尤其是在茶叶产地，其有着优美环境，极佳生态，能够成为绘画创作的素材。就很多茶画艺术作品看，其中都描述优美的自然环境中，与茶相关的系列化活动。最为典型的作品之一，比如《惠山茶会图》等，通过以具体的山水素材为创作背景，从而将品茶人的生活理念，融入茶画艺术作品中，充满了生活乐趣。

3基于茶画风格的水彩画艺术创作机制探究

艺术无距离，任何艺术体系之间都可以在互相交流的基础上，实现最大传承价值。总的来说，茶画艺术作为茶文化与具体绘画之间的深度结合，其为当前我国茶文化的具体发展，提供了重要的内涵支撑，因此，借鉴与茶画风格特点相似的艺术机制，将为当前我们更好开展水彩画艺术创作提供本质化指引。结合水彩画艺术的经典作品，我们看到其画面中，通常有通透的视觉感和水流动的绘画特性两种形式，通过具体技巧表达，从而向我们具体展现自然洒脱的艺术特点。3.1水彩画艺术创作的基础特点分析。水彩画艺术是一种使用水调及透明颜料作画的绘画艺术，通常我们也将其简称为水彩艺术。在该艺术展现过程中，因为整个水彩的透明色彩，从而使得不同颜色层在具体覆盖之后，能够产生各种不同类型的艺术效果。但是，我们也要看到如果调色过多，或者覆盖的层次过多之后，其很容易让色彩变脏，且加快水彩干燥速度，因此，在利用水彩画艺术时，不太适合做较大幅的绘画艺术作品，通常被应用于清新画作的加工制作之中。与其他绘画艺术相比，水彩画艺术中更多重视的表现技法，水彩画中常用的颜料也携带便捷，能够被广泛应用与整个速写过程中的素材搜集之中。茶画艺术的魅力和艺术被大众认可，研究茶画艺术中所包含的艺术性和人文色彩，并且尝试性寻找到茶画艺术中，适合应用于今天水彩画艺术创作的具体思维，就至关重要。3.2水彩画艺术创作需要注重融入情感内涵。水彩画艺术想要更好的表达和诠释自身的艺术特点，实现最佳创作，就必须充分注重融入系统化的精神理念和情感思维。因此，在其创作机制全面创新时，必须充分注重系统化诠释相应情感和人文理念，尤其是要结合人文化创作意识，集中打造极具竞争力的水彩画艺术形式。对于绘画艺术作品来说，其更多是反映和诠释个人心态及价值理念的作品。所以，如果在水彩画艺术创作过程中，能够将浓厚的情感思维融入其中，其都会使得整个绘画作品的艺术理念和人文色彩得以全面加强。最后在水彩画艺术作品中，通过对情感理念的有效诠释与独立抒发，从而为我们深层次了解认识该艺术作品提供了重要支撑。3.3水彩画艺术创作需要注重合理选材。今天水彩画艺术创作也呈现了全新特点，其不仅具体展示了整个艺术形式的清新欢快特点，同时也将浑厚、特色的精神认知融入其中，尤其是该艺术在具体创作时，通过对其他绘画艺术中所使用的技巧和相关艺术风格相融合，从而在全面丰富和提升水彩画艺术水平的同时，更好的诠释了水彩画艺术中所诠释的独特风貌。当然，在该艺术创作活动实施过程中，其通过合理选材，从而实现绘画语言与绘画素材的本质化融合。

4结语

结合我国茶文化体系的整体内涵看，其中所诠释的生态特征和人文思维，都能够为当前我们更好创作水彩画艺术提供有效启迪。茶画艺术实质上是文化与艺术之间的深度融合，茶画艺术也是我国传统国画艺术中的重要组成部分，所以无论是具体的茶画艺术创作过程，还是其中所系统化诠释的艺术风格，都与我国传统绘画艺术之间有着本质化一致性。水彩画艺术创作过程中，其通过巧妙合理的使用绘画技巧，结合具体的布局设置，从而让茶画艺术中所期待表达的内容得以全面呈现。

参考文献

[1]王万宜,黄惠宁.在宋代山水画的意境里找寻当代建筑之路———以董豫赣、王澍的思考与实践为例[J].哈尔滨师范大学学报(社会科学版).,2015,(06):247-249.

[2]彭立,王诗雨.CG时代定格动画电影角色造型的艺术性与工艺性——以《通灵男孩诺曼》为例[J].南京工业职业技术学院学报,2016,(05):232-234.

水彩画范文篇8

摘要:水彩画进入中国后，由于受西方水彩画的影响，中国的水墨画的发展出现了西方水彩画的痕迹，水彩画中的以色破色，色墨结合，色墨相融的水彩技法在画水墨画中被运用了，水彩画和中国水墨画的用色，用水，用墨的接近，有些中国画家便把水彩画水色鲜艳的效果引用于水墨画之中，色彩艳丽，趣味清新，变幻丰富是水彩画独有的特色。

关键词:水彩画;水墨画;自然主义;气品和气韵

水彩的生命，是作者在体现自身的灵魂，抒发自身感悟，意境思想，构图，轮廓，调子在一幅画中的人生思索，是直觉的智慧思维的挖掘再现，那样的话，作者的整个意图便立现于画幅之中了，那么内容和形式之中流动着笔法的清新抒情，水彩作品产生了，成了游离于思想和意境之间的文字了，因此，我们对水彩艺术的了解和理解应该从水彩艺术的发展来说起了。水彩是什么，缘起何时?便成了我们要思索的问题了。水彩画始于十五世纪的欧洲，是拿水彩画颜料和水质媒介调和比例分配来溶解颜料形成的绘画形式，在发展中形成了与其他画种截然不同的技法，同时随着社会科学的进步，光色的运用及素描光影等造型因素的结合，使画面充分发挥了水的作用，形成了独特的审美趣味。在西画中，与大家都熟悉的油画，粉画存在较大的区别，油画有油画颜料和油画布，粉画有粉画颜料和粉画纸，而水彩画亦有水彩颜料和水彩纸，每一个画种，都有它存在于画法上的特定的技法和特有的工具，体现着每一个画种特有的笔法笔力趣味，各自的艺术语言。18世纪的英国工业革命带来了近代水彩画的繁荣，19世纪末才由西方传入中国。在世界各国中，描画水彩最早的国家是英国，因此在英国产生了大量的水彩画家，如透纳，格尔丁等。描写大胆的色彩变化，展现了写意的印象水彩画，这样，水彩画便展现了水，墨，色之间相互影响渗透灵动酣畅的融合，渲染效果了。水彩画画面明亮、轻快、颜色纯净、用色透明、用笔肯定。不必要的修改都会使画面减损水彩画的光辉。水彩画的水与色的完美结合，更能突显出绝妙的艺术境界。水彩最重要的就是水和色，强调以水为脉，以色为魂，以光为神，以心为本，水和水交融，色与色的渗透，光与影的变幻，于是便形成了水彩画语言的独到之处。水彩画进入中国后，由于受西方水彩画的影响，中国的水墨画的发展出现了西方水彩画的痕迹，水彩画中的以色破色，色墨结合，色墨相融的水彩技法在画水墨画中被运用了，水彩画和中国水墨画的用色，用水，用墨的接近，有些中国画家便把水彩画水色鲜艳的效果引用于水墨画之中，因此在近代众多的中国画的名家中，像任伯年，吴昌硕，齐百石，黄宾虹他们的作品都融入了西方水彩画的技法和效果元素，来增加水墨画的表现力和水墨，色彩的交相辉映。水彩画的笔力涌现，也是通过其特有的线条笔法来显现诠释的，水彩画的生命，是需要画家像中国水墨画那样体现出笔法中的笔力工夫，融化情感和自然于绘画的作品之中，通过长期习练“搜尽奇峰打草稿”练就的胸中丘豁撒于笔端，淌于纸上，成就画家的笔力和气品，在水与色的流淌流动中，驾驭笔触描写的痕迹，不论是画树，画山，画岩石，画花草都是色与色相互相连而成为一个整体，因此水彩画的许多地方，有国画的写法，国画上的笔力和气品，水彩画中也有体现。我们的国画中的没骨法，就和水彩表现没有什么区别，有时在表现水彩画中的具体物象时，我们同样可用国画线条来刻画，总之，水彩画在水和颜色，在色与色之间，可以渲染、融合、混晕中，靠画者手中笔法笔力，消融成趣，显出妙味，这是水彩画在笔力技法上的特色，色彩艳丽，趣味清新，变幻丰富是水彩画独有的特色。

在风景中表现诗情画意，是中国画的又一项独有，画面体现诗意，是艺术家艺术思维和智慧的结晶，但是只在画上题诗恐不能达意，通过绘画幻境来描写思潮，传情达意，直抒旨意，应是绘画精华所在，笔法所指，笔力尽现，涌现气品和气韵。所谓气品和气韵，是一副画中诗意的结晶体，于画中，观森严幽妙神境。在向西方学习西洋水彩画的基础上融进了本民族的精髓，积水墨技法与西洋光色关系为一体，从而使水彩画更加丰富多样，如老一辈水彩画家吴冠中、李剑晨、崔豫章等大师的作品。水彩画很精致，竭力追求光色关系与质感，中国水彩画在这方面有过之而无不及。公务员之家

西方的风景写生在十七世纪萌芽，英国的水彩画家，也长于风景描写，在大自然面前，这些自然主义画家，大量表达自然风景的瀑布，溪流，断壁，桥梁，植物，云雾，海水，岩石。把前人那些生硬的摹写抛诸脑后了，更加注重研究自然，师法自然，水彩画用透明的水溶性颜料来描写事物，在画时要充分利用透明性来表现事物的趣味，水彩画善于表现风云即逝的景物，画面朦胧，变化莫测，颜色层层叠加也能透其灵气，这种灵气尤其如山涧源头活水透彻纯净，一尘不染。水彩画是用色和水相混合，互为渗透，生生不息，加入光与影的跳跃，起伏变化。再加上水彩画采用毛笔沾水，水色酣畅，自由随意的描写事物，用笔的缓与急、重与轻、干与湿、动与静、正与奇等对比，大笔挥洒，力求准、稳、狠，飘逸洒脱、自由丰富。用笔概括、准确、简练，尽力呈现一种超脱。又能彰现笔力与笔痕的妙味，所以水彩画和国画很相似，水彩画在中国的发展过程中人、性、意上都得到了充分发挥。从单一情趣，到具有丰富的表现力，无疑是扩大了水彩画的创作空间，拓展了视野，中国是水、墨、彩的最好衍生地，水彩画和中国画发展到今天，各种技法的应用也不再那么的泾渭分明了。

水彩画范文篇9

摘要:水彩画进入中国后，由于受西方水彩画的影响，中国的水墨画的发展出现了西方水彩画的痕迹，水彩画中的以色破色，色墨结合，色墨相融的水彩技法在画水墨画中被运用了，水彩画和中国水墨画的用色，用水，用墨的接近，有些中国画家便把水彩画水色鲜艳的效果引用于水墨画之中，色彩艳丽，趣味清新，变幻丰富是水彩画独有的特色。

关键词:水彩画;水墨画;自然主义;气品和气韵

水彩的生命，是作者在体现自身的灵魂，抒发自身感悟，意境思想，构图，轮廓，调子在一幅画中的人生思索，是直觉的智慧思维的挖掘再现，那样的话，作者的整个意图便立现于画幅之中了，那么内容和形式之中流动着笔法的清新抒情，水彩作品产生了，成了游离于思想和意境之间的文字了，因此，我们对水彩艺术的了解和理解应该从水彩艺术的发展来说起了。水彩是什么，缘起何时?便成了我们要思索的问题了。水彩画始于十五世纪的欧洲，是拿水彩画颜料和水质媒介调和比例分配来溶解颜料形成的绘画形式，在发展中形成了与其他画种截然不同的技法，同时随着社会科学的进步，光色的运用及素描光影等造型因素的结合，使画面充分发挥了水的作用，形成了独特的审美趣味。在西画中，与大家都熟悉的油画，粉画存在较大的区别，油画有油画颜料和油画布，粉画有粉画颜料和粉画纸，而水彩画亦有水彩颜料和水彩纸，每一个画种，都有它存在于画法上的特定的技法和特有的工具，体现着每一个画种特有的笔法笔力趣味，各自的艺术语言。18世纪的英国工业革命带来了近代水彩画的繁荣，19世纪末才由西方传入中国。在世界各国中，描画水彩最早的国家是英国，因此在英国产生了大量的水彩画家，如透纳，格尔丁等。描写大胆的色彩变化，展现了写意的印象水彩画，这样，水彩画便展现了水，墨，色之间相互影响渗透灵动酣畅的融合，渲染效果了。水彩画画面明亮、轻快、颜色纯净、用色透明、用笔肯定。不必要的修改都会使画面减损水彩画的光辉。水彩画的水与色的完美结合，更能突显出绝妙的艺术境界。水彩最重要的就是水和色，强调以水为脉，以色为魂，以光为神，以心为本，水和水交融，色与色的渗透，光与影的变幻，于是便形成了水彩画语言的独到之处。水彩画进入中国后，由于受西方水彩画的影响，中国的水墨画的发展出现了西方水彩画的痕迹，水彩画中的以色破色，色墨结合，色墨相融的水彩技法在画水墨画中被运用了，水彩画和中国水墨画的用色，用水，用墨的接近，有些中国画家便把水彩画水色鲜艳的效果引用于水墨画之中，因此在近代众多的中国画的名家中，像任伯年，吴昌硕，齐百石，黄宾虹他们的作品都融入了西方水彩画的技法和效果元素，来增加水墨画的表现力和水墨，色彩的交相辉映。水彩画的笔力涌现，也是通过其特有的线条笔法来显现诠释的，水彩画的生命，是需要画家像中国水墨画那样体现出笔法中的笔力工夫，融化情感和自然于绘画的作品之中，通过长期习练“搜尽奇峰打草稿”练就的胸中丘豁撒于笔端，淌于纸上，成就画家的笔力和气品，在水与色的流淌流动中，驾驭笔触描写的痕迹，不论是画树，画山，画岩石，画花草都是色与色相互相连而成为一个整体，因此水彩画的许多地方，有国画的写法，国画上的笔力和气品，水彩画中也有体现。我们的国画中的没骨法，就和水彩表现没有什么区别，有时在表现水彩画中的具体物象时，我们同样可用国画线条来刻画，总之，水彩画在水和颜色，在色与色之间，可以渲染、融合、混晕中，靠画者手中笔法笔力，消融成趣，显出妙味，这是水彩画在笔力技法上的特色，色彩艳丽，趣味清新，变幻丰富是水彩画独有的特色。

在风景中表现诗情画意，是中国画的又一项独有，画面体现诗意，是艺术家艺术思维和智慧的结晶，但是只在画上题诗恐不能达意，通过绘画幻境来描写思潮，传情达意，直抒旨意，应是绘画精华所在，笔法所指，笔力尽现，涌现气品和气韵。所谓气品和气韵，是一副画中诗意的结晶体，于画中，观森严幽妙神境。在向西方学习西洋水彩画的基础上融进了本民族的精髓，积水墨技法与西洋光色关系为一体，从而使水彩画更加丰富多样，如老一辈水彩画家吴冠中、李剑晨、崔豫章等大师的作品。水彩画很精致，竭力追求光色关系与质感，中国水彩画在这方面有过之而无不及。

西方的风景写生在十七世纪萌芽，英国的水彩画家，也长于风景描写，在大自然面前，这些自然主义画家，大量表达自然风景的瀑布，溪流，断壁，桥梁，植物，云雾，海水，岩石。把前人那些生硬的摹写抛诸脑后了，更加注重研究自然，师法自然，水彩画用透明的水溶性颜料来描写事物，在画时要充分利用透明性来表现事物的趣味，水彩画善于表现风云即逝的景物，画面朦胧，变化莫测，颜色层层叠加也能透其灵气，这种灵气尤其如山涧源头活水透彻纯净，一尘不染。水彩画是用色和水相混合，互为渗透，生生不息，加入光与影的跳跃，起伏变化。再加上水彩画采用毛笔沾水，水色酣畅，自由随意的描写事物，用笔的缓与急、重与轻、干与湿、动与静、正与奇等对比，大笔挥洒，力求准、稳、狠，飘逸洒脱、自由丰富。用笔概括、准确、简练，尽力呈现一种超脱。又能彰现笔力与笔痕的妙味，所以水彩画和国画很相似，水彩画在中国的发展过程中人、性、意上都得到了充分发挥。从单一情趣，到具有丰富的表现力，无疑是扩大了水彩画的创作空间，拓展了视野，中国是水、墨、彩的最好衍生地，水彩画和中国画发展到今天，各种技法的应用也不再那么的泾渭分明了。

水彩画范文篇10

关键词：水彩画发展史创作创造性思维

水彩画在中国的历史不长，到目前为止也不过百余年时间，但由于该画种与中国含蓄潇洒的审美心理相吻合而很快落地生根。中国水彩画至今经历了几代画家的艰辛探索与努力，从而获得了现在多方并存、繁荣发展的局面。从目前中国水彩画创作作品展示的内容和画家创作心态来看，在艺术观念和创作行为上有四个方面的倾向：一是继承英国水彩画传统基础上不断拓展与创新。二是汲取中华艺术的精华，在创作的作品中有较强的民族文化意识和中国水墨画的表现形式。三是注重艺术本身的探究，作品内容和作品表达形式与手段有现代前卫的艺术创作倾向。四是纯粹的自我意识或浮躁的狂热创作倾向。近二十年中国水彩画的创作发展很快，但有许多画家把注意力放在了对水彩画单纯技法的研究上，沉迷于对水彩画技法所特有的明快、轻柔和流畅的玩味上，导致了水彩画创作中存在不理想的状况。多年来，中国水彩艺术作品是以小品形式出现的，很少有思想深刻、艺术感染力强的力作出现。久而久之，不少水彩画家也就自认为水彩画创作是以静物、风景和人物写生为主，谈及创作也是相对意义上的创作。由于这种思维的存在,导致了一些奇怪现象,其一，认为水彩画不适合创作，不适合表现思想深刻的大型作品；其二，创作就是抄照片；其三，使越来越多的水彩画的初学者，陷入到技法的框框中，热衷于表现效果的处理。水彩画创作要摆脱这些奇怪现象，从真正意义上的振兴，笔者认为要注意以下两个方面：一是正确认识水彩画的发展史,改变思想观念;二是注重创造性思维的培养。

一、正确认识水彩画的发展史

西洋近代水彩画始于16世纪。从德国绘画巨匠丢勒起，他善用水彩铺底，以水粉描绘的方法画动物、植物、风景；鲁本斯运用明暗法画水彩速写；伦勃朗在素描上画淡彩；18世纪和19世纪的法国画家德拉克洛瓦、西班牙的戈雅，也都用水彩画工具材料作过诗意浓郁的风景或肖像画等等。对这一时期的大师们从事水彩画的状态和作品作分析，就不难看出：（一）画水彩是业余性的，花费时间少；（二）画面内容多是速写性的风景、静物、肖像等，没有主题性创作，是为油画创作而作的草图；（三）用水彩画工具材料，表现油画创作所要的模拟效果；（四）画幅小；（五）轻视水彩画语言，重视油画语言，因此水彩画也未能在这一时期成为一个独立画种。

到19世纪，水彩画在英国成为一个真正独立的画种，得力于一批水彩画家的努力。他们认识到了水彩与众不同的艺术效果，同时在创作中对工具材料更新，形成了一套水彩画创作技法，使得水彩画得到了前所未有的发展，涌现出了如泰纳、康斯泰勃尔、波宁顿等等—大批著名的水彩画家。但水彩画始终未能与油画平起平坐，当时的画家偏爱油画的审美价值和版画的经济价值而对水彩画存有偏见。这对水彩画的发展产生了消极的影响，以致在19世纪以后，虽然英国画水彩画的画家增多，但专注于画水彩画的画家却不多。许多画家从事油画、版画、壁画创作，兼画水彩画，难免会影响水彩画的艺术质量，表现为题材狭小，以风景为主，缺乏主题性创作，未能认识和发挥水彩画的社会作用。

水彩画仅是绘画手段中的一种形式，它的产生，以及它所具有的能量的大小是由人们在艺术实践或艺术生产中的能力大小所表现出来的。正确认识水彩画发展史，可以帮助我们明白，水彩画“小品论”的产生，是由于在某一阶段因人们对水彩画认识上的不足和偏差，及表现能力、创作能力上的缺乏所表现出的一种缺陷，断然归结为水彩画这种载体能量小，即片面认为水彩画只能画小品，不适合创作。事实上，用水彩来表现什么样的内容与题材、画多大、以什么风格，是由画家的创造性思维来决定的，而不是画种本身。因此从事水彩画创作应注重创造性思维的培养。

二、注重创造性思维的培养

纵观20世纪艺术发展的轨迹不难发现，各种艺术语言不再是以传统的、单一的艺术表达方式进行着。水彩这个画种也是一样，一个水彩画家如想在水彩画方面别开生面、推陈出新，就必须在技术与艺术创造性上下功夫。其艺术思维方式也要从画上拓展开来，从工具、材质、技巧、视觉审美上拓展开来，用创造性的眼光和思维去体验和分辨传统艺术与现代艺术中优秀的东西。对于水彩画创作，首先必须强调创造力的培养，而创造力的培养有赖于创造性思维的培养。在这里创造性思维指的是一种相对高级的人类心理活动，也是每个从事艺术创作的人必须具备的一种素质。创造性思维可分为传统的自然思维和开放的辐射思维两种。自然思维是遵循规律性的逻辑思维，在绘画中表现为对技能的训练。比如我们进行水彩创作，怎样将一个东西画真、画像，如何处理好一组画面的载体效果等等，这些问题同样需要我们思考。那么对这类问题思考，所涉及到的思维方式就是传统的自然思维方式，也是一种定式的思维。这种思维定式在水彩画创作中还表现为，以相同的思维套路及同样的观察方法在面对不同的对象，甚至是不同的创作题材时以同样的表现技法、同样的构图方式等去进行创作。这种思维方法是以总结前人的或过去已有的直接经验中引伸出来的一种解决问题的思维方式，表现为人们对过去成功经验的反复应用。运用这种思维方式进行水彩画创作，偏重于一种稳定的审美趣味，表现为对既成技法的迷恋，不擅于对意外效果的驾驭，在思维和表现手法上经常落入俗套、缺乏新意。纵观近十几年的水彩画创作，其中不乏新颖与技艺精湛的作品，但普遍还存在着思维方式的局限性而影响到作品的艺术性的问题。不少水彩画家的作品缺乏创作的思维深度和艺术作品的表现力度。如：视野狭窄、题材雷同、手法单一、过于小品化，缺乏精神内涵等等，使得水彩画创作者陷入一个很不利的环境中。

对于水彩创作而言，开放的纵横辐射思维就是多视角、广视野的参与创作思维。它最大的特点是突破了传统自然思维方法的狭小视野，扩展了思维空间。我们进行水彩画创作的思维路径应该是多向性的、纵深性的，它应是打破常规的，甚至可以是怪异的，这种思维在水彩画创作中是非常积极而健康的。在水彩创作中开放的纵横辐射的思维方式，对突破“传统水彩”的面貌是十分有效的。它要求每一个水彩画创作者都站在艺术的高度去驾驭水彩画，要求摆脱既成技法的束缚，无限扩展思维广度和深度，以便能够获得更多的艺术表现内容和表现手法，并由此构成具有思想深度和题材、表现手法独特的画面。水彩画是一门独立的艺术画种，既然是画就必然会在题材、风格、形式、技法等方面，受到各种绘画艺术的影响；同时，它也必然会寻找这些绘画形式技能与水彩画的特性来作比较，从中发现自身的不足和长处，只有这样才能加强水彩画的艺术趣味和绘画性。如油画的用色、构图、造型，特别是印象派绘画中有关光与色的应用，这是非常值得我们借鉴和学习的。还有中国画中有关笔法的应用、泼墨的艺术表现、用水的把握，以及画面留白的讲究等等，都与水彩有着相通之处，都可以借鉴并为我所用。各种艺术语言都是相通相融的，水彩也是一样，它的多种技法、风格与其他种种艺术语言、艺术流派的技法、审美要求都是相通共存和融洽的。艺术的这种生存状态，给水彩画创作提供了一个足够广阔、足够深远的发展空间，为水彩画的发展提供了无限的可能性，同时它也使得水彩画创作者，站在一个艺术的角度来审视和启示水彩画创作。水彩画创作涉及到艺术上的诸多问题，如创作者自身文化修养的高度、艺术风格的变化、创作手法的把握等等,这些都有待于作者在创作中进行锤炼和充实。

综上所述，在水彩画创作中正确认识水彩画的发展史，改变思想观念,注重创造性思维的培养，是非常重要的。因为创造性思维层次的高低是衡量画家艺术修养及各个方面能力的重要环节。

参考文献：

[1]水彩艺术委员会编著《中国水彩》，第7期，广西美术出版社，1998年12月