工艺美术发展史范文

导语：如何才能写好一篇工艺美术发展史，这就需要搜集整理更多的资料和文献，欢迎阅读由公文云整理的十篇范文，供你借鉴。

篇1

公共艺术对城市发展的美化作用

公共艺术是伴随着城市的发展而发展的。现代社会之前，公共艺术也是存在于城市环境中的，只是当时生产力水平低下，人们最主要的是解决温饱问题。相对来讲，公共艺术的美化作用就弱了下来，但是也是存在的。伴随着经济的高速发展，人们的社会和经济需求也不断地提高，发展到现在的公共艺术，是为了美化城市环境，提升城市形象，满足人类的审美需求。公共艺术的审美性引导着大众的审美取向，而社会文明的进步也会促进公共艺术向着更高的层面发展。现代生活中，越来越多的公共艺术出现在我们的生活环境中，比如公园、商业街、广场等等，这些公共艺术作品在满足基本的功能需求同时，还美化了城市环境，也满足了人们的审美需求。它们采用不同的材料，有的采用玉石、有的是钢材、有的是塑料、还有的是木材，这些不同的材质让公共艺术品呈现出不同的特征，也使我们生活的生活变得不再单调乏味而是充满趣味。公共艺术作品，是在一定的特定的生活环境下产生的，大到城市的景观环境设计，小到公园的一草一木，公共艺术作品一定程度上反映着当地的生活习惯和风俗特征，因此，优秀的公共艺术作品可以塑造和提升城市的品牌形象。公共艺术的特点之一就是公众参与。当今社会，伴随着经济的发展，人们的各种压力都随之而来，好的公共艺术作品，可以使人放松心情，释放压力，好的艺术可以给人带来极大的愉悦感。公共艺术在满足人类正常功能需求的同时，也极大地丰富了人们的生活。

公共艺术对城市发展的经济效益

改革开放以来，中国的经济取得了突飞猛进的发展，世界多元文化的交流和融合以及人们经济能力和生活水平的提高使得人们对生活环境提出了更高的要求。公共艺术作为一种公众参与的艺术形式也越来越多的受到人们的关注。虽然我国的城市化形象和公共艺术的发展还处于初级阶段，但是自20世纪90年代以来，越来越多的艺术家和创作者投入到了公共艺术的领域，其中也不乏优秀的作品，这对公共艺术的发展有着很大的积极作用。公共艺术也一度跟“行为艺术”一样被称为流行艺术。公共艺术之所以在社会上带来广泛的影响，除了它本身的功能特征外，也是由于公共艺术反映了一个城市的文化传承和城市特色，它代表着一个城市的形象，可以提高城市的知名度和吸引力。另一面，它有巨大的凝聚向心力，它所散发的艺术魅力使得每一个居民都在潜移默化中受到影响。优秀的公共艺术作品，可以提高城市的知名度，树立品牌形象，给城市带来极大的经济效益。许多城市的标志性雕塑作为城市的名片在城市的旅游事业中有着重要的作用。比如，到北京，我们一定会去参观人民英雄纪念碑，这件雕塑作品因为反应特定的历史事件，因此具有独特的艺术魅力。城市商业街的设计也属于公共艺术的范畴。随着人们消费能力和水平的提高，人们对商业街消费的文化需要也有所提高。再也不仅仅满足于购物的需求，而更多的是满足人们视觉、心理、生理上的需求。一个充满艺术气息的购物环境，可以让人放松心情，轻松愉快地购物，从而给商家带来巨大的经济效益。协调好公共艺术与商业环境的关系，可以营造一个充满艺术氛围的商业环境，给消费者带来轻松愉悦的购物体验，在商业环境中融入公共艺术，塑造独特的商业空间，以促进当地商业的繁荣与发展。

公共艺术对城市发展的教化功能

篇2

entitled “Absorbing Ancient Nutrition ・Forging Ahead

into Today”， is unveiled in Shanghai Vocational College

of Arts and Crafts. This exhibition not only presents this

master’s rare classical works， but also shows historical

evolution materials and photos of jade tablets by means

of academic research and professional display. Master’s

artistic life， creation notes， precious drawings， publications

and others are also on exhibit. This exhibition is first-ever

one launched by Liu Zongrong， which attracts widespread

concern from all walks of life.

《汲古・开今》刘忠荣玉牌艺术文献展于2014年6月7日在上海工艺美术职业学院揭幕，展览呈现了平时难得一见的大师经典作品，更以提纲挈领的学术梳理和专业展陈方式，展示玉牌演进的背景史料、图照；以及作品背后大师的艺术人生、创作笔记、珍贵画稿、出版物等。无论大师个体还是玉雕行业，这样的展览还是第一次，因而引发圈内外广泛关注。刘大师当年三届劳模的奖章、奖状，让参展的美院学子印象深刻；在与大师的对话互动中，更使大学生们立体地认识了大师成就卓然的理由，成为了一堂学习的励志课。

6月20日，作为本次文献展的系列活动之一，《玉雕研究与文献》研讨会假座刘忠荣创办的忠荣玉典工作室举行。来自相关协会、学会、非遗保护主管部门、博物馆、高等院校的专家、学者、教授10余人热烈发言，高度评价本次文献展的特殊意义与价值，强调关注和积累文献之于玉雕艺术研究的重要性。

上海宝玉石协会副会长钱振峰认为：“ 这是一个很有创意的展览，其价值意义可以归纳为1、记载了历史的真实，还原了历史真实。 2、记载了行业发展的脉络。大师的这些资料虽然不是很全，虽然是个体积累的片段、零碎的资料，但却是上海玉雕发展的一个佐证。上海玉雕的发展以及海派玉雕艺人的传承，将海派玉雕的海纳百川，包容创新穿成一线 ，它浓缩了一位成功的大师从艰辛走向辉煌的历程。3、记载了大师创作技艺成长的历程。这给今天学玉的学子们带来丰富的启迪。劳动模范小小的奖章，为什么引起参观者特别的关注，这至少证明了在我们玉雕行业，大师不仅仅是艺术的精英，也是做人的模范，因此我们提倡德艺双馨，所以这些奖章、奖状其实就是一个很好的励志教材。4、完全进入了一个与玉对话的高境界，在读玉、读史中赏玉、析玉，心物交融 。刘大师总结了他的六面围雕、双面凹凸雕等不断创新的雕刻技巧。这也是一个非常突出的一个范本，极大丰富了玉雕的艺术表达语言。”

上海工艺美术职业学院王敏副院长指出：“玉牌是玉雕艺术的一个品类，一个点，但通过玉牌，我们看到的是整个玉雕艺术的演进；而在玉雕作品后面，就是做玉雕的人。所谓的文献，展现的是文脉，通过这些东西把脉络找出来，对玉器，无论你喜欢也好，崇拜也罢，它其实是一种精神，我们今天对非物质文化遗产的保护，不只是保护技艺，更应关注艺人，关注精神，揭示“玉人”身上体现的一种“玉风”。手艺反映的是人的精神，留住手艺是留住精神，这是中国工艺文化教育的价值。今天非遗保护，要求保护实物以外，更要保护艺人对艺术的一种精神，而刘忠荣大师正是这方面的典范。”

上海非遗保护中心常务副主任、研究员高春明认为：“研讨的立意很好。我们来到忠荣玉典，门一开，是企业，看到的是玉器，是物质的；门一关，研讨学术，是非物质的。通过文献，揭示玉背后的精神，研究中国文化的DNA。今天从文献研究谈玉雕，这是很好的角度。可以更深入地认识刘大师的作品，认识刘大师其人。我想了几个问题，一个是技术，一个是理论研究，一个是媒体宣传，一个是产权保护。日本在工艺记录方面，在文献的整理方面值得我们学习。现在是一个信息化的时代，除了文字，应当把刘大师雕刻技艺的每一个过程都拍下来，做好数字化保护。另外，我觉得在媒体宣传上，我们有点误区，工艺大师并不是要成为所谓的明星，是要自己能在这个行业里认可，我们应该把精力放在专业的宣传上。关于理论，我们很多的艺已经超越了过去，达到了高峰，但是我们依旧存在着理论滞后的问题。在古代要求文武相配，像刘大师如此精美的雕刻，值得做理论的研究阐发。关于原创和知识产权，又是一个值得展开的内容。真正的知识产权要靠自己来维护，还有很长的路。总之，这次文献展给我们提供了多重视角，值得总结。我很希望我们的文献研究再继续深入、升华，不求形式上的轰轰烈烈，而要扎扎实实地做事情。”

上海博物馆古玉研究专家张蔚指出：“以物见人”很重要。古代玉器的研究，我们通过研究“物”后面的“人”，研究人是如何凭借他的艺术构思和精神、他的技艺来构造这个“物”的，这正是需要我们去学习和传承的。这种非物质文化遗产，是一种形而上、形而下的东西。形而下是讲“器”，形而上就是论“道”，这个境界就不同了。我们讲的通过“器”来见人、见精神。这个层次就不一样了。文献研究要落到实处，要有专门管理文献材料的部门机构，要有专门经费，使这些史料的研究有持续性和延续性，落实到保护，落实到人才行。

上海同济大学周正宇博士强调：“文献让我想到了桥梁的作用，想到文献研究的顺乎逻辑的体现，那就是当好社会公众的桥梁，历史公众的桥梁，艺术公众的桥梁、学术公众的桥梁。工艺展品只诠释材质工艺，是远远不够的。桥梁的作用就是让大家知道更多的东西，文献到最后是不是可以满足这四个桥梁的需要？对文献材料的研究，我们可以有各自的见解，但留下大师们作品的真实性和权威性的材料，留下最好的最真的最精的东西，这是最重要的。”

资深文艺理论家方立平说：“从研究和文献的两个角度来看是并列的两个方向。文献有文化理解的需要，有历史性的认定，但我们面临的是对社会产生的热点，因为任何一个事情成为热点，它都有道理的，包括历史、文化，经济等诸多方面都是有关联的。刘大师是一个非常典型的深入研究的点，是推进文献研究中一个非常好的个案。文献研究推进工作一定离不开两个层面：一是个案；二是社会层面的文化形态， 从个案，到更多个案，汇集成一个形态，这两个方面要连接。今天的研讨会很明确地思考两点，一是对个案的重视，除了刘大师以外可以进行共同的探讨的个案，二是要有理念的先导性，即一个预设的标准，一个比照的标准，文献保存上面就是有一个社会研究的需求与过程，那么我们从个案到整个行业的推进中就有依据可说，这两点如果有的话，我们汲古开今的研究，就可以梳理出一个研究的思路和一个文献的整理框架，也许我们平常经常讲的整体判断，那么我们玉文化的梳理就能够更加的清晰准确。”

篇3

关键词:工艺美术;科技;发展

中图分类号:J0-05文献标识码:A 文章编号:1005-5312(2010)18-0109-01

中国古代工艺美术是人民为满足自己的物质需要和精神需要,在不同的历史条件下,采用各种物质材料和工艺技术所创造的人工造物的总称,是通过一定的技术,运用特定的材料所进行的造物艺术活动,即科学技术与艺术相结合的产物。

纵观中国古代工艺美术整个的造物历史进程来看,其发生与发展跟同时代的科技水平是并列前行的。在不同的历史时期,造物活动所用的材料、功能、造型、装饰和采用的工艺技术都有着很大的差异和进步,这是人类对自然物认识水平的提高、科技的进步以及审美观念、审美情趣变化的结果。工艺美术作为艺术质的生产活动,它始终受到生产力和生产关系的制约,它呈现出明显的阶段性和飞跃性发展的特征,体现出古代先民对造物科技水平掌握的提高与应用。

首先,科技进步对中国古代工艺美术的促进作用,不仅在具体的工艺美术领域随处可见,而且对于工艺美术理论也起了重要的塑造作用。

在中国古代,科技进步不仅开拓了人们所“知”的世界,而且以技术手段不断创造新的工艺美术形式。一部中国古代工艺美术发展史,几乎伴随着重大的技术进步和发明:没有冶铜技术,就没有青铜工艺美术;没有纺织技术,就没有服饰工艺美术;没有制陶制瓷技术,就没有陶瓷工艺美术;至于以各种材质命名的雕刻工艺美术,诸如骨雕、木雕、牙雕、石雕、竹雕等等,更是与掌握各种材料的技术技巧的结果。科技的进步,也改变和影响着古代中国工匠艺人们的劳动方式。如陶瓷工艺美术,陶车的出现改变了过去单纯人力劳作的局面,不同程度地使用了机械工具。

在古代中国,技术水平的高低很大程度上成为工艺美术发展的“量尺”,技术的进步会促进工艺美术发展,乃至取得质的飞跃。

此外,科学技术的进步也丰富了工艺美术理论。技术的进步不仅促使工艺美术领域在内涵上日益丰富,而且外延也不断扩大。中国古代的技术及其重视经验积累和总结,往往与材料学、物理学、化学、建筑学以及人体工程学的基础理论有着密切的联系,不仅为上述学科提供了科学发展的技术基础,它们也反过来促进工艺美术理论的初创和成熟完善。比如作为先秦时期一部重要的科技专著的《考工记》,是中国目前所见年代最早的手工业技术文献,书中保留有先秦大量的手工业生产技术、工艺美术资料,记载了一系列的生产管理和营建制度,内容涉及先秦时代的制车、兵器、礼器、钟磬、建筑、水利等手工业技术,还涉及天文、生物、数学、物理、化学等自然科学知识。又如成书于明代的《髹饰录》作为我国古代惟一传世的漆器工艺专著,是我国制漆技术发展的理论总结。再如,明末造园家计成所著的《园冶》,作为一部系统地论述园林建筑的专著,当然离不开建筑造园科技的长期积累。

其次,中国古代工艺美术的发展反过来也促进了科技的进步。

一方面,工艺美术的发展影响了科学技术的价值评判标准。比如春秋战国时期,我国工艺造物的进入全面发展阶段,针对造物、科技等话题,诸子百家竞相发表言论,表现出了对人类命运的关切,展现出了对科学技术及其应用社会价值的冷静思考力量。如孔子主张“文质兼备”,以为“质胜文则野,文胜质则史”,强调内容与形式并重;道家提出了“虚无观”,对工艺美术造物利用“空间”起到积极作用;而墨家重工艺美术的功利性,重视造物实践。而此时期正是人们对于科技的作用、对于科技的目的等方面价值体系建立的时期,他们所形成的工艺美术价值观对科技的的价值评判标准起到一定的影响作用。特别是与民生农业有关的科技,获得了突出的发展。

另一方面,工艺美术的发展也为中国古代科学技术的传播提供了有效形式。科学是对隐藏在诸多自然与社会现象背后规律的的概括和总结,因其抽象性,往往难于理解,而工艺美术凭借具体的形象,帮助人们理解,这为科学技术的传播提供了方便。比如,张衡设计的世界上第一台用来测量地震的地动仪,便是一件工艺美术品,它借助工艺美术造型,把抽象的科学原理具体化了:它由精铜铸成,外形如一大酒壶,仪器的外表刻有篆文以及山、龟、鸟、兽等图形,仪体外部周围铸有八条龙。而工艺美术中的书籍装帧,各种科技笺谱的设计,更是对古代科技的传播起到巨大的作用。

综上所述,科技是工艺美术造型的手段,科技的进步带来了中国古代工艺美术形态的丰富化,使工艺美术品的实用功能更加合理化。而工艺美术的发展,也通过工艺匠人的技艺经验积累以及对于技术经验归纳的分析、通过对科学技术的价值评判标准的影响、通过科技传播工艺品的设计,促进了技术的发展。

参考文献:

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论文摘要：我国传统工艺美术在世界工艺美术发展史上曾处于领先地位,对世界工艺美术发展产生了深远的影响。现今,日本及一些欧美国家已经取代了中国工艺美术的领先地位,走在世界工艺美术的前列,这一现状尤为值得深思。笔者以促进我国传统工艺美术的发展为主要目标,通过分析当今传统工艺美术在美术本科教育中的现状,提出了一些促进传统工艺美术教育发展的措施。 

 

一万年前原始社会新石器时代已经开始出现了真正意义上的工艺美术,从新石器时展至1911年清朝灭亡,我们的祖先创造出了种类繁多、技艺精湛的工艺美术作品,为我国在世界上赢得了“丝国”、“瓷国”、“漆国”的美誉。 [1]但令人惋惜的是,我国工艺美术的发展现状与古代在世界上占绝对优势的领先地位相比已经大相径庭。就陶瓷而言,在创意设计上日本和一些欧美国家已经走在了世界的前列。日本在陶艺普及教育上更是做到在每一个市、县的公民馆设立陶艺班,甚至一些普通老百姓的家里,也设有简单的陶艺家庭作坊;再就漆器而言,在漆器工艺界内谈到漆器,更多人认同日本已经成为漆器发展的领头羊。 

通过查阅多种工艺美术类书籍,笔者发现我国介绍制作工艺和制作方法的精品书籍比较缺乏,而作品鉴赏的书籍居多,导致制作传统工艺得不到较好的传承与提高。介绍传统工艺作品的书籍,尽管登载了非常多的作品图例,却没有对作品使用的原材料以及制作工艺进行详细描述,若增加对制作工艺介绍能更好的帮助读者进行传统工艺的学习。 

 

一、本科工艺美术教育现状及对策 

 

1.在我国开办美术专业的本科院校中,工艺美术教育相对与其他美术专业发展较为缓慢,特别是综合类大学中的工艺美术本科教育发展得更加缓慢,而迅猛发展的电脑美术教育与此构成鲜明的对比。在政策上,电脑美术教育得到了国家教育机关的大力支持,同时学生个人电脑的普及也成为电脑美术推广的有利条件。以广州大学为例,所有学生宿舍都配备了电脑专用书桌和互联网接入端口,而大多数美术专业的学生在宿舍放置了个人电脑,从他们日常操作电脑的熟练程度可以看出,使用电脑进行美术创作对于电脑美术专业学生已不是难事,而非电脑美术专业的学生也能使用电脑辅助制作自己的艺术作品。事实上,我国本科院校工艺美术教育的普及化远远不如电脑美术教育。动手能力方面,相当一部分在读的本科大学生由于在日常生活中缺少使用锯子、钉锤、铁丝等工具的经验,在工艺美术课上容易因操作不当而受伤,使部分学生对工艺品制作产生抵触心理。此外,从就业问题而言,多数学生认为如今已是科技日新月异的时代,觉得使用电脑进行创作设计,比手工艺品制作更适合社会需求,而电脑美术设计的就业面和薪酬更符合个人要求。因此我国工艺美术教育的发展在一定程度上受到了社会因素制约。 

即使在工艺美术教育普及化程度较高的日本,在科技高度发达的今天,也存在着手工制作传统工艺传承问题的担忧。日本工艺美术教育学者春日明夫说过:“由于我们过多沉浸于太便利的生活中,往往失去了人类把东西制作出来它本来的意义所在。”,“正是处于信息时代,我们才更有必要再重新认识人类根源性的行为中用手制作东西的重要性。”[2] 而中国有句古话“温故而知新”,通过学习我国传统工艺制品的制作过程,感受人与自然的关系对培养创造型思维能力有很大帮助,也有利于继承和发扬我国传统工艺美术事业。 

2.本科院校工艺美术实验室设备设施基本存在数量不足的问题,授课时往往不能满足一个班的学生同时进行操作。由于实验室设备数量不足,学生把宝贵的时间花费在等待上,使得本来就不多的操作设备的机会进一步减少。为了增加学生动手制作机会,提高他们的动手能力,为工艺美术实验室配备充足的设备设施是很有必要的。 

3.由于多数传统工艺文化相关的书籍缺乏制作工艺说明,需要专业教师在课堂内不但要进行理论讲解,而且要多对制作工艺、原理进行说明与操作示范。若有条件,更应带领学生参观民间传统工艺作坊的作品制作过程,甚至亲身体验工艺品制作。身在工艺美术本科实验教学第一线的教师,应该考虑如何增加学生与传统工艺美术艺人的接触机会,不仅能使学生加深对制作工艺的认识,更扩大学生的视野,提高艺术鉴赏能力。当然,本科工艺美术教育并不是以培养传统工艺艺术家为目标,事实上,无论成为哪一门传统工艺的艺术家一般都需要5年以上的钻研时间,本科教育阶段并不足以实现这个目标,本科教育培养目标是使学生在课堂内外通过对艺术家的了解认识,建立自己的人生观、树立艺术家的世界观、审美观,为日后的艺术生涯打下良好的基础。 

 

二、本科工艺美术教育展望 

 

本科美术专业的学生一般都生活在校园环境内,生活往往是单一的两点一线往返于教室与宿舍之间,客观条件的限制使多数学生对学校周边以及所在的地方区域人们的生活状况及其文化背景的了解并不多。倘若本科教育能让学生领会到从身边学起、从生活学起,充分利用周边的资源学习传统工艺,实地观察、学习,则有利于学生对自己所处的环境和人群生存状况产生真实感情,从而激发艺术创作灵感,使艺术作品得到升华。即使本科教育只让学生学习到传统工艺美术一些基本技法与工艺工序,也能为学生的艺术生涯打下基础,对学生日后创造性的学习工艺美术知识与技能产生很大的帮助。只有源源不断的新鲜血液输入到传统工艺美术领域里,我国的传统工艺美术才能得到持续的发展,希望我国传统工艺美术能重现昔日雄风。 

 

参考文献: 

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关键词：新媒介；工艺美术绘画；应用

0 引言

媒介作为信息的承载者，对社会的发展有着重要的作用，每一种新媒介的出现都会影响到一个时代的发展，对于工艺美术绘画也是如此。新媒介是一个比较宽泛的概念，是指利用数字技术、网络技术等信息技术通过各种电子产品向用户提供信息和娱乐化服务的传播形态。新媒介的发展对工艺美术绘画有着巨大的作用，推动着工艺美术绘画的发展，使得工艺美术绘画的传播有了另一层次，从而进一步发展了工艺美术绘画。新媒介的发展带给社会巨大的财富，给这个社会带来了很多的变化，同时也带给工艺美术很多的变化。新媒介在工艺美术绘画中的运用从而使得平常百姓能够欣赏到艺术的美、能够增添生活的乐趣，可见，新媒介的发展对加快工艺美术绘画艺术的平民化、大众化具有重要的作用。本文基于新媒介的发展，从事例中突出新媒介对工艺美术绘画的表现，并从中发现新媒介与工艺美术绘画的融合还需要较长一段时间的发展。

1 新媒介的发展

郭炜华认为：“新媒介与传统媒介最大的区别，在于传播状态的改变：由一点对多点变为多点对多点。[1]从传播学的角度来分析，新媒介传播有四个特点――每个人都可以进行大众传播；信息与意义无关；受众的主动性大大增强；大众传播的小众化。”由于有新媒介的参与，工艺美术绘画在与新媒介的融合过程中呈现得更加具体和直观，声音和视频的运用使得绘画跳出了传统平面的局限性。同时也让读者可以直接与创作者进行对话，这是传统工艺美术绘画所做不到的。新媒介技术的出现不可阻挡地改变着工艺美术绘画，改变了美术创作者的工作方式，并对绘画具有开创性。新媒介的产生正改变着工艺美术绘画的发展，通过新媒介，工艺美术绘画的产生、传播等都发生了重大变化。人们可以在无时无刻、无处不在的信息技术中寻找到自己所需要的工艺美术绘画作品，使得工艺美术绘画作品的传播更快。工艺美术绘画作品的完成首先需要艺术家提出自己的想法观念，然后再由艺术家带来好的解决方法-即媒介，通过媒介将其完成。对艺术家而言，选择创作的新媒介不是任意的，而是选择符合自己艺术特点，并通过该新媒介创造性地完成自己的作品。艺术家要想表达自己的艺术，需要通过新媒介来实现，这说明新媒介在整个艺术活动中的重要作用。

2 新媒介在工艺美术绘画中的应用

相比西方新媒介在艺术中的运用，我国的起步要晚的多。我国的新媒介在艺术创作中的运用，可以分为以下四个时期：第一，新媒介艺术的混合形态；第二，新媒介艺术的统一形态；第三，新媒介的分离形态；第四，新媒介艺术的综合形态。在工艺美术绘画领域，艺术家通过新媒介的使用，创作除了很多“当代”和“另类”的作品，这使得当代艺术具有自身所特有的个性。值得一提的是，蒙古族绘画中的新媒介的运用。蒙古族绘画发展史非常悠久，其艺术家多出于牧人家庭，在大草原中生活，工作主要在北方少数民族地区。蒙古族工艺美术作品中的装饰绘画有着自身的特色，尤其是在工艺品瓷板砖、金银器等的使用，这些的绘画作品有着非常优美的意境，传播着蒙古族的绘画艺术，表达着蒙古族人们对生活的热爱。

新世纪以来，很多的工艺品不再仅仅强调与时代、生活的互动，人们更加注重各类新兴艺术的借鉴，如对非艺术作品的借鉴等。新时期的艺术家们强调对多种传媒技术的使用，对艺术创作的多元化结合，最终呈现完整的艺术作品。“综合材料”作为美术界的专业术语，是指一件美术作品的创作过程使用了各种材料，通常包含有绘画颜料以外的材料。通常，综合材料绘画作品也不仅仅再局限于二维平面的表现上，也包括三维立体空间的发展上。综合材料的使用使得人们在观看艺术作品时有了实体、立体的感觉，使得物质性的材料转化成情感的视觉材料。

在当代的艺术创作中，新材料、新工艺的大量应用，不断地丰富着工艺美术的新样式。由于当代工艺美术作品新媒介的多样化带来工艺美术形式与观念的多元化。艺术家们挖空心思地考虑如何引进新的媒介，而不是致力于对艺术作品本身的创作，新媒介的到来带来了当代工艺美术至关重要的影响。工艺美术绘画被广泛应用于人们生活中，艺术家创作出的作品往往走向百姓家。比如瓷板画，人们对生活质量的要求越来越高，在瓷板砖上的绘画，通过新媒介，艺术家的作品被带进千家万户，为人们的生活增添艺术性。再比如金银器上的绘画。现如今的社会对艺术的审美要求高，对金银器的款式和样式要求也非常高，艺术家通过新媒介把自身所创造的艺术作品放进金银器的刻画中，使得金银器的艺术价值更高。工艺美术创作者通过使用新媒介把自己的绘画创作传播进千家万户，从而带动了人们生活的质量水平，也发展了工艺美术。

3 新媒介为其带来的发展

当前，我国处于经济快速发展的时期，艺术的发展正处于一个调整和转变的混乱时期。相比传统艺术而言，当代新媒介的发展对当代艺术作品的参与和影响比较深刻。媒介的改变，新媒介的到来，必然会带来很多的方法和技术规则的变化，从此可以看出，新媒介的到来带动着艺术的变革。这个时期的艺术家往往追求强烈的视觉冲击力，制作一些现实生活中不存在的东西。新媒介的出现改变了人们对艺术评价的标准，从而使得新媒体艺术创作和实现的过程没有一个统一的标准和参考。当代新媒介的运用，改变了人们对工艺美术作品的视觉经验，具体而言，新媒介被艺术家运用于工艺美术的创造，不仅丰富了传统的视觉形式，而且也改变了艺术的观念。新媒介的运用在艺术表现形式、观念表达等上面，都使得人类的艺术史迈出了重要的一步。新媒介的运用在工艺美术中的价值是显而易见的，毫无疑问也给艺术史的发展带来了光明。然而，随着新媒介的发展，新媒介在工艺美术中的运用从单一的媒介到多元化的媒介，从工艺美术绘画观念的创新到工艺美术绘画形式的追逐，这些都是新媒介在工艺美术绘画中出现的重要问题。这些问题的出现，也不断地叩问人们新媒介与工艺美术绘画到底该怎么结合，二者孰重孰轻？

新媒介时代的到来，给工艺美术绘画带来而天翻地覆的改变，同时也带了很多的挑战和机遇。新媒介的运用对于工艺美术不仅仅是机遇，也是其自身的发展机遇。瓷板砖的绘画、金银器的绘画等工艺美术作品进入我们的生活，提高了我们生活的艺术感，增加了我们生活的情趣。随着社会的发展，人们的生活水平逐渐提高，社会对工艺美术产品的需求会越来越多，对新媒介的运用也有了更高的要求。同时工艺美术的进步也间接地推动了新媒介的发展，给传统的工艺美术注入了新的活力和生机。

参考文献：

[1] 赵莹.新媒体的社会责任研究[D].武汉：华中科技大学，2008.

[2] 岳源.浅谈综合绘画材料与媒介[J].科技信息，2009（16）：266+268.

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关键词：宋代；素髹漆器；瓷器；工艺

中图分类号：J527　文献标识码：A　文章编号：1005-5312（2012）33-0107-01

两宋工艺美术以典雅优美著称。宋代漆器成就主要体现为技术的成熟，圈叠胎工艺流行，雕漆、戗金银、描金、螺钿等长足发展，后世主要漆器品类已基本齐备。高档品一般保存较完整，技术或艺术上皆能代表时代手工艺最高成就，然其毕竟总数有限，且造作年代相对集中（以南宋中后期为主），无论造型、纹样均较单一，对髹漆工艺研究本身固然极珍贵，却很难反映宋代工艺美术的整体风貌。两宋素髹不但留存多，时间跨度大，且技术、艺术皆极考究，在历代素髹漆器中堪为典范。工艺美术研究之要义是以具体作品或现象为出发点，进而把握时代审美风尚及其演进规律。若论揭示时代风格，形制既与生活方式联系，也同社会风尚、审美情趣有关，显然更为重要。两宋的瓷器工艺在当时也是相当的精湛。宋朝瓷器，以其古朴深沉、素雅简洁，同时又千姿百态气象为我们中华民族在世界工艺发展史上矗立起一座让世人景仰的丰碑。主要有以下几个特点：1、突破“南青北白”的局面。2、品类繁多，器型多样。最受欢迎的有“梅瓶”、“玉壶春”等。3、釉色优美，以典雅含蓄，高贵朴实，有类玉的效果，以单色瓷为主（除钧窑）。体现了儒文化所提倡的简洁素雅之美，有明显的民族精神体现。4、装饰方法有印花、画花、刻花、剔花、贴花、镂花等，图案以花鸟虫鱼等为主，造型，色彩，纹样追求完整、意境、气韵。两宋的漆器和瓷器是有着必然的联系。同时在某些方面也相互制约，影响着。

一、宋代的漆器

宋代漆器工艺发展的另一个突出成就是雕漆的兴起。据文献记载，唐代已有雕漆，遗憾的是至今并未见到唐代的雕漆实物。宋代雕漆是迄今所见到的最早的雕漆作品。历代文人对宋代的雕漆著录颇多，极尽推崇与赞誉。雕漆的制作方法是，在已做好的木胎或金银胎上层层髹漆，待达到一定的厚度时，再按所需图案雕刻出花纹，其纹饰具有层次分明、主题突出的浮雕效果。因其所雕漆色不同，雕漆又分为剔红、剔黄、剔黑、剔彩、剔犀等若干品种。宋代雕漆只有剔黑、剔犀两个品种。

二、宋代的瓷器

宋代瓷器是中国艺术史上的一次大变革，它一改唐五代瓷器富丽饱满的艺术风范，展现了清秀典雅的美学气质。宋代瓷器包含了细腻质朴的灵魂，展露了淡雅隽秀的外表，吸取了清新含蓄的文化智慧，表现出宁静、典雅的艺术风格与特征。宋代瓷器文化的积淀，已成为一个时代的象征，一个物质的灵魂。宋代瓷器虽然已是永恒的经典，但我们还是可以从中感受到可资再造的空间。我们今天的研究创新，是缘于我们民族的文脉与情结；是因为我们需要创造设计独特又兼具内涵的民族产品来满足时代的召唤。宋代瓷器，囿于中国设计文化的传统，它可散射的空间外延形式与内涵依然广阔和丰厚，具有重要的美学价值。

三、宋代漆器与瓷器的相互影响

五代到宋这段时期，漆器变得更为精致。此时的漆器能够看出贵族化倾向，主要是为贵族准备的。贵族总要有一点儿标新立异的东西，显得跟人家不一样。当大部分人使用瓷碗的时候，贵族愿意用漆碗。所以宋代出土的漆器大部分都跟生活有关，碗盘一类为多。这部分漆器在出土的时候，造型高贵周正，往往跟墓主人的身份是相符的。比如江苏出土了大量宋代漆器，墓主人在当时都算有钱有势的人。

宋墓中出土的漆器造型多样，有花口碗、花口碟、海棠形碗等等，跟当时的瓷器非常接近，宋瓷中也有花口碗、海棠形碗。那么，宋瓷中有紫定、红耀州，都是紫褐色的瓷器，这种紫褐色瓷器其实就是深受漆器的影响。贵族使用漆器表明自己的社会地位，那么这种仿漆器效果的瓷器也算是一种比较高档的瓷器。

再有，定器有芒，口上带有涩圈，是为了镶金属边。今天出土的大量宋代漆器都镶有银边，明显是受到瓷器的影响。通过这种横向比较，可见当时各种工艺相互之间有着非常强烈且明确的影响。不是各干各的，是横向关联紧密。

此外，宋代红漆戗金的漆器非常流行，在红色的漆器上用针或锥等利器先画出图案，再涂上金粉。虽然当时这种戗金漆器也属于高档漆器，但它非常世俗化。它不是宫廷所用，而是民间所用。比如上面常出现的沽酒图、花卉图，都符合宋代人的大众审美。

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关键词：现代建筑设计构想；工艺美术；设计思想；创新应用

建筑设计是建筑施工顺利展开的一个基础，建筑设计在建筑行业发展的过程中存在着十分积极的作用，同时社会经济在不断的发展，同时科学技术水平也有了非常显著的提高，而随着我国的建筑行业不断发展，设计的质量和水平也有了非常显著的提升，这也为我国建筑行业的发展与完善提供良好的基础。

1 现代建筑设计概述

1.1 现代建筑设计的进步

为了更好的体现出建筑设计的改善，在设计的过程中主要是通过现代建筑和传统建筑设计的对比分析来达到这一目的的，如果从设计方式来说，传统的建筑设计通常是对以往的设计工作中所积累的经验进行归纳和总结。将设计的规范当做是设计的主要根据，但是当代建筑设计的过程中个比较重视的是对信号的预测和分析以及对空间中不同元素进行合理的组合，如果站在设计的性质上来讲，传统设计的过程中更加重视的是对技术的应用，而现代的技术当中更加重视的是对技术水平和社会环境以及人们实际需求的综合考量，这样也就充分的体现出了其工程性的特征。

1.2 现代建筑设计的创新

当前人们对现代建筑的要求越来越严格，同时建筑的设计水平也在这一过程中得到了充分的提升，所以在这一过程中，只有采取有效的措施对现代的建筑设计进行改进和创新，才能更好的满足现代建筑设计的需要，比如建筑企业可以在建筑设计工作中充分的借鉴来自国外的一些先进的经验，只有这样，才能更好的进行理论上的创新，建筑设计的过程中要和城市设计充分的融合在一起，在这一过程中也应该使用更多的现代化和先进技术，从而使得其功能性和艺术性得以充分的结合，这也使得数字信息技术在建筑设计的过程中得到了非常广泛的应用。一些建筑设计人员在对建筑进行设计的时候也将电脑软件当中的设计能力进行充分的应用和发展，在空间和形体设计的过程也有非常好的成效。

2 应用工艺美术设计思想的创新意义

2.1 提高了设计产品的科技含量

为了对设计思想进行改进和创新，设计人员一定要在这一过程中获取与之相关的信息，只有这样才能更好的对思想进行改进和创新。在建筑设计的时候，一定要保证产品身上要体现出时代的特征。首先是在这一过程中需要充分的应用信息技术和与之相关的知识和经验。从某个角度上来说，对科学技术知识的应用在很大程度上是工艺美术设计思想创新当中的一个非常重要的内容，它也是对传统造型工艺的一种巨大的冲击，在应用了信息技术之后，工艺美术设计创新的思想在设计的过程中也得到了非常好的体现，所以它在很大程度上也使得建筑物本身的科技含量大大的提升。

2.2 提高了建筑设计的水平

当前的一些比较主流的建筑设计思想是在传统的设计思想当中加入了一些全新的设计思想，充分的利用了这一过程中所发展出的先进技术，产品设计的过程中科技的含量也有了非常显著的提升。工艺美术设计思想的发展和创新在应用和发展的过程中加入了更多不同的因素，所以它是更有现代特征的一种方式，在建筑设计发展史上也是一个不容忽视的阶段，建筑的设计水平在这一过程中得到了十分显著的提升，使得现代建筑设计质量得到了非常显著的提升。

3 工艺美术设计思想的创新应用

工艺美术设计在当今的社会中，有着广泛的应用，已经在人们的生活中实现了完全融合，对人们的生活有着一定的影响。在新的环境中，工艺美术设计在应用的过程中，逐渐得到了完善。

3.1 工艺美术设计思想特征的应用

在工艺美术设计中实现对设计思想的创新，主要是指在工艺美术设计中应用创新思维，促进工艺美术设计的发展。对工艺美术设计思想进行创新之后，一般会具有一些特征。例如，工艺美术设计的创新思想，会体现出的特征有形象思维、抽象思维、发散思维和逆向思维等。在这些不同的思维过程中，应用比较广泛的就是形象思维。形象思维属于一种直觉性的思维，主要是用具体的形象思维内容作为主要的工艺美术设计状态。在现代建筑设计构想中，实现对工艺美术设计思想的创新应用，可以在形象思维的基础上，结合自己的阅历和一些特殊的感受，捕捉一些具有深刻意义和特点的形象事物，完成对建筑物的创新设计。如果建筑物的设计缺乏形象，没有一定的思维状态和语言表达，整个建筑物看起来就会缺乏生气。

3.2 工艺美术设计思想创新应用的具体表现

创新思维在工艺美术设计的应用中，具有一定的具体表现，主要是对图形和色彩的创新。在工艺美术设计中实现对设计思想的创新，主要模式就是通过建筑物传达出设计的含义和内容。在实际的设计过程中，可以增加其他的设计元素进行创新和渲染，使视觉效果更加完美。在现代建筑设计构想中实现对工艺美术设计的创新应用，可以在建筑设计的图形和色彩等因素上实现。例如，在工艺美术的设计中，图形具有重要的意义，是设计的灵魂。我们在日常生活中所看到的很多产品设计，一般都是通过造型的方式展现出来的。图形是建筑设计中比较常用的一种视觉语言，在建筑设计中也有着广泛的运用，可以体现出设计师的感情。

3.3 工艺美术设计思想创新应用的作用

建筑设计已经成为我国社会发展中的一项重要标志，在新的时期中需要采取有效的措施，不断的完善和提高建筑设计水平。工艺美术设计在应用的过程中，正在逐步完善。在现代化的建筑设计中实现对工艺美术设计思想的创新应用，增加了建筑设计的设计理念和设计元素，为现代建筑设计的构想提供了一些灵感和动力，促进了现代建筑设计的发展。建筑不仅是一种具有观赏性的空间，还是人们的工作和生活的空间。因此，在建筑设计的过程中，设计师实现对工艺美术设计思想的创新应用，为建筑造型提供了广大的空间和理论技术支持，有利于建筑设计的现代化发展。

结束语

现代建筑设计思想是建筑设计的一个重要的思想基础，为了更好的体现出建筑设计中的现代性，我们必须要对工艺美术设计不断的创新和应用，只有这样，建筑设计的过程中才能融入越来越多不同的因素，在这样的情况下也就可以很好的体现出建筑自身的时代特征，这种思想的发展和完善在一定程度上也就会使得我国的建筑设计质量和水平得以充分的提升，现代建筑业在这一过程中得到了更好的发展。

参考文献

[1]许爱民.浅谈工艺美术设计的创新性[J].中国校外教育，2013（20）.

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紫砂壶文化艺术自明清以来就深受文人雅士所青睐，正所谓“人间珠宝何足取，宜兴紫砂最要得”。紫砂壶是集诗词、书画、雕刻、手工制作于一体的陶土工艺品，其泥质天然肌理蕴含的古雅质感与艺术完美结合，再加上紫砂壶透气不透水以及富含矿物质的实用妙处以及茶禅一味的文化底韵，综合赋予了紫砂高贵典雅的品质。近年来，紫砂壶市场在经历市场泡沫期和净化调整期的阵痛以后，紫砂壶收藏市场又出上升的势头，紫砂壶市场价值偏离艺术价值和实用价值的问题正逐步修正，理性收藏深入人心，市场对“有意味的紫砂壶”也更加崇尚。

紫砂壶市场泡沫正在破除

近年来，紫砂壶文化艺术行业涌现出一大批的专家、大师，紫砂壶收藏爱好者队伍也日益庞大，加之紫砂壶具有很高的投资价值，使得紫砂壶收藏市场格外繁荣，甚至演绎出一个泥土与黄金等价的神话。个别名家名壶的价格飙升，一些当代紫砂艺人的作品价格，甚至超过了很多明清时期的老壶。

越来越多的人将紫砂壶称为“紫砂艺术”，无论是大师还是新秀，在介绍其作品时，无不称为“某某的紫砂艺术”。而市场上似乎也对此称谓欣然接受，价位也似乎在迫不及待地证明紫砂壶就是艺术，动辄几百万元的价位屡见不鲜。不少自称为大师级的人物，他们做的壶部分是代工壶，他自己不做，叫子女、徒弟做，做完之后拿他的印盖上去，就当自己的作品卖。还有相当一部分人就是用灌浆法、用模具法去做。这两个因素伤了收藏者的心，很多收藏紫砂壶的人收藏的积极性减弱了。

国家级工艺美术师张剑先生认为，在经历市场泡沫期和净化调整期的阵痛以后，紫砂壶收藏市场又出现了上升的势头。紫砂壶市场价值偏离艺术价值和实用价值的问题正逐步修正，泡沫破除后，紫砂壶行情也逐步回归理性这是行业内的共识。

1990年，张剑先生从江苏大学美术系毕业后，师从紫砂工艺厂高级技师谈碧云（师承裴石民，王寅春，顾景舟）。其紫砂壶艺在学习传统的基础上，深受其父《江苏省陶瓷志》总纂张志泉先生思想的影响，在传承和创新的同时，平和、谦逊的张剑先生一直潜心钻研技艺，其风格造型奇正、内涵丰富、极具文人气质，其作品屡屡获奖：作品《渴望》获“中国工艺美术百花奖”铜奖；《广场舞组壶》获“江苏省陶协陶艺作品创新评比”优秀奖；《守望》获“第十四届中国工艺美术大师精品博览会”金奖；《涅》获“中国陶协第七届中陶奖”最佳创意奖；作品《春江水暖》获中国轻工业联合会、中国陶协“第六届大地奖”金奖；作品《支点》获第六届中国工艺美术“国艺杯”金奖。

张剑先生是少有的学者型紫砂艺术实践者，对当代紫砂艺术的现状及发展，有着深刻的思考和见解，并提出了诸多中肯的评论。他陆续发表了多篇关于紫砂壶文化艺术的论文，诸如：《紫砂壶的造型设计》、《浅谈紫砂壶光器的几何构成》、《浅谈紫砂壶艺的继承和创新》等。张剑先生对紫砂文化的发展演变也有较深入的研究，并在理论上对紫砂文化作了大量思索与总结，编撰完稿有《紫砂壶筋纹器》、《紫砂壶花塑器》、《宜兴蜀山窑发展史》等。

人文价值是紫砂文化之魂

紫砂壶自古就有“泡茶不走味、储茶不变色、盛暑不易馊、常用会包浆”的特点。紫砂壶泡茶独特的优点是显而易见的，喝茶用紫砂壶所带来的感受也是独特而美妙的。“实用为根，艺术为魂！”这里所言美妙，不仅仅包括紫砂泡茶的韵味充足，还有紫砂壶所表现出来的文人品味。

张剑先生告诉记者：“有一种审美形式是没有意味、没有表达的，犹如一个停止了思想、没有了精神而只有肉体生命迹象的植物人，尽管也会有玲珑的曲线、白皙的肌肤，甚至可以美得让你发抖，你却无法与其交流沟通，她维持生命的唯一意义，就是让你感觉到她存在，寄托你的感情和希望。这样的审美形式就是工艺美术”。

在张剑先生看来，工艺美术是利用一些特殊的材料，通过一系列设计，采用一些特殊的工艺，塑造某种形式，以激发起人类心中对美的感受，但是却并不打算揭示什么。它既不表达人生状态，也不进行哲理探索，它甚至杜绝任何不美的东西，它所强调的是设计的合理性、协调感，呈现的是材质美和工艺美。并且，绝大部分的工艺美术品还具有实用功能。

宜兴紫砂壶延续至今，已有数百年的历史了，其造型特别丰富。紫砂壶应宋、明茶道的发展而生，其初创便着眼于实用，发挥紫砂泥优良的发茶性。其色泽古朴，极符合明时文人的审美，因此而深受文人喜爱，自然，其造型设计也受文人影响而极具文人气质。由于古时科技落后，制壶主要依靠全手工成型工艺，往往在一些细节的处理上，会有一些瑕疵，显得较为随意，而使得工艺上不到位。然而恰恰是这些瑕疵和不到位，却真实地反映出制壶者的秉性、气度、修养，使紫砂壶拥有了一定的艺术性，具备较高的人文价值，但并不能因此而判定其就是艺术品。

张剑认为，市场上能称之为艺术品的紫砂壶并非人们想象的那么多。由于市场上对紫砂壶普遍的鉴赏能力偏低，先行致富的一些“大师”们因为历史的原因，文化程度较低，艺术素养略显粗鄙，致使对紫砂壶的鉴赏始终停留于“料、形、工、款”的低等级层次，片面地追求工艺的精益求精。在设计上东拼西凑、乏善可陈。

市场需要有意味的紫砂壶

随着人民生活水平的提高、审美水平的提高，加之人民对生活品味的追求，市场对具有艺术价值的高水平制作的紫砂壶的需求量在不断上升，只要是好的东西，就不愁没市场。而有意味的紫砂壶正是市场所需要的。

宜兴紫砂壶传承发展了几百年。纵观历史，文化价值最高的应是那些堪称艺术品的文人壶。到了当代，随着科技的发展，有了许多更为科学的制作手段，这使得紫砂壶的制作工艺，可以说是历史上水平最高的，然而其艺术内涵却是最为苍白的，这需要尽快引起我们的警觉，应该好好思考什么是真正的“紫砂艺术”，紫砂壶艺应如何发展。

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关键词：雕塑艺术；工艺美术；设计艺术

中图分类号：K203文献标识码：A文章编号：1005-5312（2011）12-0106-01

中国古代设计艺术的发展，有着一脉相承的连贯性，又有融会各族文化和各种外来文化的包容性，形成了博大精深的艺术设计体系。这样一种文化的继承性和相容性在唐朝时期和宋朝时期设计艺术的发展史上体现的淋漓精致。唐朝和宋朝是中国古代设计发展史上的十分重要历史时期，他们的审美趣味和艺术主张在中国的设计艺术史上都有着很重要的影响。

一、雕塑艺术

（一）唐朝雕塑

唐朝是中国文化史上的黄金时代，经济文化十分发达，唐朝雕塑艺术史中国雕塑发展也是史上的鼎盛时期，主要表现在陵墓石刻和佛教石刻两个方面。同时唐代的陶俑制也有不小的进步，其中塑造得最成功的是骆驼、马俑和侍女俑。石雕艺术中的陵墓石刻最为杰出则以唐太忠的昭陵、高宗及武则天的乾陵和武则天母亲的顺陵为代表。佛教雕刻在这个时展到了极致，其著名代表是有 高大的如四川乐山弥勒佛石雕像，陕西彬县大佛寺的阿弥陀佛石雕像，敦煌莫高窟的弥勒佛彩塑像；小的如苏州虎丘云岩寺塔出土，都是唐代的杰作。在唐代的雕刻艺术中还有一个很特殊的品种，俗称“唐三彩”。“唐三彩”中一个成功的题材是贵族仕女像，她们的装束大胆艳丽，体现出唐代宫廷贵族的审美趣味，《三彩歌舞伎》是“唐三彩”仕女像中的一件珍品。这件作品以写实的手法将歌舞俑塑造的如此神形兼备，显示出了唐三彩的辉煌成就。

（二）宋朝雕塑

两宋时期的雕塑艺术，有了明显的变化。这一时期宗教雕塑，主要是佛教雕塑占了重要的地位，但是由于受到禅宗盛行的影响，佛教雕塑的那种神圣性和理想性已经明显的减少了，石刻雕塑只要表现在陵墓、寺庙的仪卫性，雕刻在样式和手法上都有新的创新。石刻艺术，由唐之盛而衰，如敦煌、麦积山石窟在这些地方的建造是极少的，但是在个别地区，仍出现了浩大的造像工程，如四川大足石窟和陕北石窟。由于受到禅宗的影响，这也是宋代的寺庙以及以后的寺庙造像特别发达的原因，代表有山西晋城青莲寺十六罗汉塑像和山东灵岩寺的彩塑等。

二、服装工艺

唐代的服装工艺非常的雍荣华丽，宋代的服装特色则是非常的朴素优雅，唐朝凸显出一种情感上的升华，而宋代则充满了理性的色彩，从美学的角度来说唐朝的服装工艺富于情趣化,宋朝的服装艺术较之唐朝是高雅的。

（一）唐朝的服装

唐朝时期的服装，在经济文化十分繁荣的背景下，服装的发展无论衣料还是衣式，都呈现出一片灿烂的景象。唐朝改革服装制度，用颜色来区分天子和百官的等级，用花纹表示官阶。唐代以柘黄色为最高贵，红紫、蓝绿、黑褐等而广泛。[4]白色则是最没有地位的。唐代男子的服装的主要特点是上层人物为长袍，百姓着短衫，阶级划分十分的明显。女性装饰则十分富有时代性，尤其是宫廷妇女服装样式，流传到民间，妇女之间纷纷效仿，并且咋自身发展的同时十分注重和其他民族文化的交流与融合，其风格特色也受到了周边民族的影响而别具一格。尤其是到了盛唐时期，女子最盛行的服装是上面短衣下面长裙即襦裙，盛唐时期的妇女体态丰满，女服宽大拖曳，服装特点是宽袖，袖子的宽度竟大过四尺，长裙拖地四五寸。唐朝服侍的材料多选用丝绸，并经过多种工艺处理而成。

（二）宋朝的服装

在长期战争的背景下，各民族的服装有了很大程度的交流与融合，衣服仍然有等级之分，宋代男装上层人物多穿整齐的袍杉，长度可以掩足，平民大众则衣着变的很短，农民和渔民一开始还被称作“短衣汉子”。宋代女装则一改唐风，将就瘦长，一显露身材之苗条。新式的旋袄、胡服等，有着大方朴素的特点，一般贵族的妇女，服装颜色也不及唐代的华丽，但是用色大胆，已经打破唐代时期青、碧、红、蓝为主色的习惯，更多的使用一种复杂而且和谐的颜色搭配；花纹也突破了唐代对称图案，生色折枝花色尤为时尚。

三、总结

通过雕塑设计和工艺美术设计的对比分析，唐朝的设计艺术和宋朝的设计艺术都有着极大的发展，但是由于所处的文化背景和经济发展的不同，因此各有特色，以至于设计艺术也有很大的差别，总的来说唐代的丰满华丽，宋代的朴素优雅，他们的美共同构成了中国古代设计艺术史上两个华丽的篇章。

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关键词：紫砂壶；传统；变化；造型

中国分类号：J528文献标识码：A文章编号：2095-4115（2014）05-222-1

紫砂壶是世界上特有的民族工艺品，它具有浓厚的中国民族文化的特征，是古老的中国民族文化陶艺中的一个分支，它凝结着中华民族的精神、哲理和气质。在传统工艺美术艺苑中独树一帜。宜兴紫砂壶，历史悠久，以其实用性和观赏性而著称于世。紫砂壶素面素心，而且造型古朴优美，富有民族风格，紫砂壶色泽含蕴，制作缜密精巧。在五千里漫长的历史长河中，历代壶艺家们素以遵循传统而沿袭至今，在紫砂壶的造型艺术上更趋完美丰富，成为实用性与工艺价值都很高的艺术产品。一把仿古、一把掇只、一把石瓢……不仅器型经典，还有着历史的厚重感，散发出紫砂独特的文化魅力。

近年来，随着紫砂热的不断升温，特别是在文人、艺术家的参与下，各种创作手法层出不穷，文化艺术含量不断增加，使紫砂壶逐渐演化为集陶、茶文化、书画篆刻等于一体的具有地方特色的艺术产物。紫砂壶的变化不能脱离传统性、实用性和民族性。传统壶的变化规律可分几个方面来理解。

首先，可以吸取借鉴其他艺术手法，不一而同，对传统壶进行装饰，或刻字画，或泥绘装点等，使紫砂壶文化内涵倍增，使传统壶呈现多种风格。例如著名的“曼生壶”就是陈曼生与杨氏家族的合作范例，这些作品都是“壶以字贵，字以壶传”的传世之作。现代工艺美术大师，顾景舟，对文学、书法、茶艺等均有研究，与著名书画家吴湖帆、江寒汀等，都有合作，使传统紫砂壶融入了智慧与文化，使传统紫砂壶的艺术价值倍增。

其次，可利用中国民间各种吉祥图案，对壶身、壶盖、嘴把或摘手进行艺术加工处理。对中国人而言，吉祥观念是一个熟悉而容易理解的概念，它一直是中国传统装饰艺术中的重要主题，如金钱币型、如意、回纹等的运用。以“祝福”紫砂壶为例，“竹”与“祝”字谐音，“蝠”与“福”音同，故在紫砂壶中以竹和蝠作为题材，竹节及竹叶用以装饰壶身、壶嘴、壶把、壶钮等，蝙蝠伏于壶盖之上，主次分明，通过独特的造型方法将其巧妙地安排在紫砂壶的空间内，以“竹”“蝠”二字的谐音共同表现“祝福”的吉祥意愿，有效地突出了作品的主题，该作品也成为传统器形中的经典款式，深受人们的青睐。还有一种书法艺术塑紫砂壶的整体造型，如福字壶、禄字壶、寿字壶等，将抽象意念具体化，生动而又深刻地展示了人们向往“福禄寿”的独特生活意愿和精神追求。以上这些作品质感的润泽，给人古朴之美，更具有民族的传统。

再次，传统紫砂壶大都是一种几何形体或两种以上几何形体叠加的产物，大都成轴对称形态。从数学的角度可变化出许多实用的壶型。利用线条将其切割成圆形、方形、筋纹器等形态。在实际操作中也可使圆形变成椭圆形，长轴加嘴把，菱形变成椭圆菱形等，做到与众不同，别具一格，线的装饰就更多了，如口线、双口线、云肩线、底线等名目繁多。这其中应做到线条清晰、爽朗、规整及与主体贴妥、自然。至于线的添加，是指利用线的粗放形态，与壶身成混筋，可对壶身进行贴、堆的一种手法。可使壶体形成六分、八分等凹凸有致、玲珑剔透。再结合紫砂泥质朴的特性，配以紫砂泥丰富的色彩，使传统壶更加千姿百态。

我国传统陶瓷产品的造型，不同的历史时期则风格与艺术特点也不一样，如商代的威严庄重、周代的秩序、战国的清新、汉代的凝重、六朝的清瘦、唐代的丰满华丽、宋代的理性美、元代的粗壮豪放、明代的敦厚和清代的纤巧。宜兴紫砂壶的造型及样式，其数量难以统计。但可分为“抽象图案造型”和“具象图案造型”两种。抽象图形即在几何形体的基础上，点、线、面的结合。“圆器”“方器”是基本造型。花货就其制作技术而言也可称为“塑器”。这些称呼，是历代紫砂艺人实践的总结。

中华民族是伟大、勤劳、智慧的民族，有着深厚的文化历史底蕴，这种长达5000多年的文化积淀为紫砂艺术的发展提供了丰富的营养和创作佳作的源泉。综观各个时期紫砂壶的生产和制作，在数百年中逐渐形成的这个民族工艺瑰宝，它所创造的业绩，它的发展和沿革的轨迹，以及当今人们所创造的崭新的艺术风格，无不反映传统的精华和现实的创新。总之，我们在传统壶上的变化，既要追求新意，又不能脱离传统。

参考文献：

[1]中央工艺美术学院编著.工艺美术辞典[M].哈尔滨：黑龙江人民出版社，1988，10.

[2]钱剑华.紫砂茶壶的造型与鉴赏[M].南京：江苏人民出版社，1997，3.