二胡演奏范文10篇

二胡演奏范文篇1

1在乐曲与“情”中体味表演

现代二胡演奏艺术和传统的艺术样式相比有了一些变化，由于大量西方音乐元素和教学方法的加入，二胡在演奏技术上有了较大的发展，这些元素拓宽了传统二胡的内在表现力，观众更加喜闻乐见。演奏者在出场之前，对一首以往未演奏过的乐曲，先要客观地分析作品，将自身思维模式和乐曲联系起来，业内称为“二度创作”，以乐谱为依据，结果自身的思考，体味作曲家的创作意图，与此同时，演奏者在热身时必须严格按照曲谱及其标记进行视奏，力求能够准确、忠实地体现出作曲家的创作意图。随后的练习表演中，使自己对乐曲的把握臻于成熟，由此演奏进入熟练状态。要想在舞台表演中对音乐作品进行忠实的再现，必须对乐曲呈现的信息进行全面的分析和研究。笔者在二胡的舞台演奏中，积累了一些表“情”的经验。

舞台演奏的前提是音乐表演者美好的舞台形象和良好心理素质，这样能够保证演出的正常有序进行。当然，演奏者的舞台形象不是最主要的表现成分，除了演奏者在表演时要做到体态端庄、自然高雅之外，就要注意娴熟的演奏技术了。在白居易的《琵琶行》中，琵琶女未开始弹琵琶就已经让观众动情了，实属艺高一筹。现场演奏时，演奏者必须要努力做到一点：尽快投入准备阶段业已安排好的音乐情境和音乐角色，做到“未成曲调先有情”。除此之外，演奏者要把握分寸，除了深深投入感情，依然要记得演出的第一要义，保证技巧的日常发挥。

既要把握准自己的情感分寸、也要把握好音准节奏，更要锤炼曲谱间的情感起伏。忘我和唯我二者要做到统一，所谓“忘我”是指演奏中必须要把精神和情感不遗余力地投入音乐，而“唯我”是指曲谱，听众，舞台等元素尽在自己的掌控之中。二胡以及其他音乐种类的特殊性在于，听众到达现场，表演者和观众就呈现一种互相观看的模式，这和在家听音乐或者在后台苦练不同，听众和表演者在演出的维系下成为整体。他们之间的紧密联系生成了新的需求，那就是艺术感染力的极大膨胀，对于二胡表演，无论是“演”出的神情还是“奏”出的琴声，听众都急切需要一种艺术感染力，而演奏者，需要投入感情，才能给予这些感染力。而感染力一旦生成，听众愈加陶醉，对感染力的需要变成一种良性循环，由此形成了现场音乐表的最佳境界。

2在乐曲与“韵”中体味表演乐曲的另一要素是内在韵律。

音乐工作者不可以忘记二胡演奏中最基本的原则，以韵为本，乐曲之“韵”的表现必须始终贯穿其中，正如“文以载道”一般，二胡演奏也必须和“韵”有着密切关系。中国传统民间音乐的“韵’，和音乐之“情”是共生的关系。二胡的演奏技巧，必须做到继承传统，以乐传情。二胡演奏艺术中，演出者对“韵”的实现并非易事。中国传统音乐的韵和西方之“韵”有很大区别。中国古代认为“拍可无定值”，认为音乐中的每个音有它独立的意义，在国外友人的眼中，二胡等传统乐种的旋律是一个“充满感受和印象的世界”，这就是指音乐的“韵”和“意”。中国的音乐没有数字传统，也不曾有哲学和理学的精密浸染，因此演奏者是自由和灵动的。

舞台演出中，一些节奏比较自由的民族乐曲，有着更松散跳跃的节拍，需要演奏者传神地处理，二胡演奏的“散板”和许多“弹性变速节奏”和机械的匀速运动不同，演奏者需要随时变化实现二胡演奏的韵味。从宏观节奏来看，“韵”在二胡演奏乐谱的分布中依然有着显著的体现。因此，演奏者通过“散一慢一中一快一散”等变速节奏组织具有中国化韵味的音乐，是值得提倡的。二胡和中国艺术传统的结合点如果通过演奏者被联系在一起，那么演出就是成功的。特殊情况也可能存在，例如演奏戏剧等曲种，演奏者如果能够结合“散起一入调一入慢一复起一尾声”的布局方式去彰显唱腔和版式，演奏效果更为突出。二胡的舞台演奏中，需要注意摇声的运用和节奏时值的转变。演奏者需要随机应变地处理左右手配合中出现的问题。如左手按弦的时候，装饰性的技巧被完成，但是右手运弓也是必不可少的。总之，韵作为二胡演奏的灵魂所在，突出表现在个体音素上，滑音的处理对银音色的影响极大。中国音乐的特征正在于此。

二胡演奏范文篇2

一、增强自信心理学的原则和方法，对于教学来说具有重要意义，对于艺术教学则更有其特殊作用，因为感觉、记忆、想象、思维等等认知过程，也就是心理活动的过程。不少学生和求教者在学习中出现的问题，大多是心理因素所致，或者出于缺乏自信，或者急于求成，从而表现为焦虑、畏惧、紧张等等，使之不能轻松自如，成了演奏水平的提高重大障碍。更有甚者会出现职业病，愈练手愈僵硬，或者手痛，最后不得不终止练琴。根据学生的不同情况，找出他们的各自的心理特点，在教学中结合心理治疗，往往能收到事半功倍的效果。

若是一味强调苦练而不帮助排除心理障碍，就难以增强自信心，进而产生悲观或厌倦情绪。上台慌张的毛病首先表现在整个技术体系中的最弱部分。如果在平时练习缺乏足够的科学训练，就会造成技术体系的缺陷，对于那些对乐曲技术难点缺乏理智分析的演奏者来说，仅凭模糊的感觉，在舞台演奏时，这些技术难关便会造成心理阴影。演奏者为了演奏正确无误而小心翼翼，大脑就会紧张地指挥手，然而平时没有记忆足够清晰完整的技术信息，也没有形成稳定的惯性动作，这就会导致情绪高度紧张。对这种紧张情绪没有解决的捷径，必须首先解决技术问题。正所谓“艺高人胆大”，只有通过充分的扎实的练习和对表演曲目的纯熟掌握，才能建立音乐表演的充分信心，克服临场紧张状态。

二、调控放松所谓放松，就是用最省力、最自然的方式奏出最佳的音响。这就要求将力用得集中、准确、均匀、适度、通畅，即达到所谓“四两拨千斤”的境地。要想克服紧张情绪达到放松状态，首先要清楚什么是演奏中的放松。通常意义的完全的放松是指肌肉处于休息状态，精神处于平和状态，演奏中的放松是一种协调的松紧有序的运动状态。演奏时要学会调节，做到有张有弛、忙里偷闲、节约消耗，注意劳逸结合。就是说在比较容易的片段时就该及时放松一些，它包括情绪、动作和心理。而在某些自己感到难度较大的地方，就要调动全部力量来完成任务，这时精神状态会非常紧张，思想也高度集中，所以运动强度很大，精神也是紧张的。这完全符合音乐作品的一般发展逻辑，即紧张———放松——再紧张———再放松。演奏者需要从理智上认识到这一观点。

三、投情演奏表演中，演奏家是否需要应对乐曲变化，投入情感，这在音乐演奏或者说戏剧表演中历来争论不休，并导致“激情派”和“形式派”两种演奏风格的划分。德国音乐家C·P·E巴赫主张音乐家除非自己也受感动，否则就不能感动别人。意大利音乐家布卓尼说：“假如一位艺术家想使别人感动，他自己就一定不能感动———否则在关键时刻，他将无法控制他的技术。”这个问题应该看演奏的是什么类型的作品。对于技术很难，又是首次演出的曲目，应该更多地保证演奏的完整性。四、适应环境变化值得注意的是，一些学生平时练琴时演奏得很不错，可一旦到了考场或演出时就紧张，结果导致失败。

二胡演奏范文篇3

我们欣喜地看到加人到二胡艺术行列中的人，正像星星之火一样，逐步壮大。一首二胡曲，无论它体裁是怎样的，篇幅是大的或是小的，也无论它的技术层面有多么的复杂，我想，只要有一定“琴龄”的人都能将其完成。但这个“完成”，只是一个简单谱面的完成，要将其主题，根据作曲家的要求，准确无误地演绎出来，却绝非一件简单的事情，它涉及到演奏者的文学素养，对乐曲的理解与驾驭能力，对音色的处理与变化，掌控乐曲张弛的能力，以及演奏者本身的乐感等等。

一、常见的两种典型的不良演奏现象

我们平时在观赏一些个人二胡音乐会时，常常会看到两种情形，一种是平淡空洞演奏型，这种演奏者只是一种类似演奏机器的操作，也许可以说，他的演奏技巧无可挑剔，但他的面部却毫无表情可言，身体僵硬，目光呆滞，没有丝毫对乐曲的理解和应有的表达。或许在他(她)的演奏中，理智占了上风，他(她)也许会认为乐曲是依据技巧来展示的，只要完满、娴熟地完成乐曲中的演奏技术，其他一切也都水到渠成了。可他(她)却忽略了一个基本的常识，那就是“音乐家除非自己也受感动，否则就不能感动别人。”

演奏者只有当自己与乐曲中的主人公一样，和他(她)一起，随着乐曲的发展进人角色，他(她)的一切喜、怒、哀、乐都如同你本人一样感同身受，否则就无法使听者与之产生共鸣，或许等到他(她)中场休息时，剧场内的观众就寥寥无几了。普列汉诺夫曾经在《没有地址的信中》写道:“文艺既表现人们的感情，也表现人们的思想，但是并非抽象地表现，而是用生动的形象来表现，艺术的最主要的特点就在于此”;另一种是过度张扬演奏型，此种演奏者无论演奏什么风格的乐曲，哀怨的、抒情的、亦或热烈奔放的，均是摇头晃脑，一幅陶醉自得的神情，那种超出乐曲本身内涵的夸张，使人不敢恭维。也许当他(她)演奏完第一首乐曲时，人们普遍还是认同的，甚至赞许有加的，但随着第二、第三首乐曲的往下演奏，观众却无法忍耐了，相同的音色，相同的揉弦，无论乐曲是兴奋还是悲哀，是热烈还是恬静，均是一成不变的表现方式，使得人们产生了一种审美疲劳，情感上无法接受。

是啊，一桌筵席中十几、二十多个菜，均是一个风味，你能说这桌菜肴很好吃么?综合上述各种情况，实际上都是反映了演奏者除了缺乏对乐曲的正确理解，以及对乐曲情与理的合理安排不当外，还集中体现了演奏者在演奏中缺乏掌控乐曲张弛度的能力，并长期养成了一种看似自然，实质上却是一种不良的演奏习惯。我们说，有张有弛，或者一张一弛，在人们的日常生活或工作、学习中屡见不鲜。一个人如果只知道埋头学习或拼命工作，而不知道掌握学习和工作的方法、注意休息，不知道适当地调节自己的生活、学习或工作方式，那他(她)生活、学习、工作的质量与效率都不会高。音乐演奏也是如此，一首完整的乐曲，若演奏者对它缺乏整体的构思与安排，对作曲家的整个乐曲每个部分或段落缺乏足够的认识与理解，一味地采用自己那种一层不变的表演形式去演奏它，那肯定是成不了一个合格的演奏员。

二、二胡演奏中，掌控好张与弛、情与理的关系，是取得演奏成功的关键所在。

在二胡演奏中，正确把握好张与弛、情与理的关系，是完美演绎音乐作品的关键所在，它们是一个辩证的、对立统一的关系，哪一方在作品中处于主导地位，两者之间又是如何巧妙结合在一起，相映生辉，这的确是需要每一个二胡演奏者潜心研究的课题。我们说，在音乐作品中，感情是思想的载体，而思想又必须指挥着感情，通过亦张亦弛的演奏方式，准确无误地将其表达清楚。所以说演奏者要演奏好一个音乐作品，首先必须透彻地领悟该作品的主题，通过深刻、细腻地表现其情感内容，才能在演奏中暗示出作品的思想内容，把艺术指令传达给观(听)众。下面，我们再从一些具体乐曲中，作进一步的说明。

二胡演奏范文篇4

可以通过以下几种方法加以练习：

（1）在练习过程中注重各调音阶练习、音程及其换把练习；

（2）在练习中运用内心听觉预先行的方法；

（3）加强视唱练耳的练习，提高耳朵的听力准确性；

（4）在平时练习过程中，对自己严格要求，发现不准，及时纠正，养成良好的练琴习惯。

2节奏音乐中音的四大要素的第二个是音的长短，长短在音乐中就是节奏，如果把一堆不同高低的音放在一起，没有节奏来连接，那根本就不能称其为音乐，所以，节奏好比房子的柱和梁，节奏不稳，就像房子歪斜不成的样子，音乐的节奏又要随着音乐快慢强弱来进行，在二胡的演奏过程中，时常也会有节奏不稳定的表现，有的人在演奏速度较快的乐段时，慌慌张张、局促不安，越拉越快，以致听起来呼吸不稳、急躁，乱糟糟的，还有些人在演奏慢速段落时，沉不住气，总往前赶，以至演奏出的旋律总让人觉得味道不足，缺乏感染力，所以节奏不稳，往往反映出一个演奏者的音乐修养和艺术水平。这也要求在平时练习中多注意多种节奏型练习，及其不规则的节奏练习。特备在乐曲的散板乐段，应该深刻理解乐曲后根据情感需要而进行变化组合，这样才会有美的意境。

3音质和音色什么是好的音质和音色呢?音质是指音乐的本质而言，如：纯净、清晰、粗糙、浑浊、虚实饱满、干净等等。而音色是指声音的色彩，通常用来区分乐器种类，如，二胡音色、小提琴、大提琴的音色等，通过音色来区分某种乐器所具有的特色音质。音色、就二胡而言，发出怎样的音才是好听的音呢?大致可以用以下几个词可以代替：纯净、结实、清晰、强而不噪、弱而不虚、快而不杂、慢而不滞、松而有神、有韵味，然而，简单的几个词语确实不容易完全做到，在二胡演奏上要获得好的音质，首先要选择一把好琴，这是客观原因；

其次，重要的是按弦方法和拉弓方法，按弦力度的大小，揉弦力度的均匀与否直接影响每个音的发音质量。以揉弦为例:按弦时，表面上看手指是用力在挤压琴弦运动，其实，手掌是放松的，手指是富有弹性的落在弦上，而非用力去按，导致整个手掌过分紧张，发出紧张。抖动的声音，音色肯定是不动听的。二胡是拉弦乐器，运弓的好坏也将直接影响声音的动听程度。二胡在演奏运弓中，要把握好运弓的力度和速度的配合，运弓时，手臂要松弛，关键是手腕与肘部不能僵硬，手持弓的松紧度与运弓的力度大小成正比，乐曲段落要求力度大时，持弓稍紧，力度小时，持弓稍松。根据乐曲情绪的变化而改变拉弓的长短与力度的大小。在平时练习时，也要不断追求好的声音和好的音质和音色。不断的揣摩。多欣赏好的作品，提高对好的音质。音色的辨别，把握住好的运弓感觉。

4情感我们在演唱和演奏时，要富有表情和情感，如唱歌时要求“声情并茂”，有情感的唱歌，才能让听众引起共鸣，感到美的享受，如何能够达到感情投入，首先在演奏一首作品之前，要一定要深刻理解乐谱的内涵，内心读谱，与作曲家进行情感的交流，产生共鸣，发挥想象，能够达到第一自我与第二自我的统一。如在演奏乐曲《二泉映月》之前，需要对作者阿炳本人、生活背景及他的人生经历进行研究、这样才更能了解《二泉映月》的表达的内容和音乐性格特点。例如《二泉映月》的引子656432———这一句叹息音调，将阿炳心中的郁闷，心头的重压通过音节下行的一系列乐音转化为深深的一声长叹，演奏主题必须领悟、体会到，心中才迸发出这种相同的情感，才能把手中之音表达心中之情，音乐表演中忽视“情”音乐毫无生机。只有充满情感，加上好的音质的演奏，才能产生感人至深的强烈的艺术效果。

5创造性作曲家所创作出的作品，也仅仅是在曲谱上的东西，经过表演者来音乐表现出来，演奏变成了二度创作，要想使乐曲表演的生动、有很强的艺术感染力，演奏者必须要在理解作品内容和了解作曲家的意图后，要通过丰富的演奏经验和音乐修养，进行二度创造性，加入自己的感情，在尊重原作的前提下，创作出有时代性、富有自己个性的音乐。

只有自己主动去参与在乐曲的创造，使一度创作能与自身的二度创作相互融合，又在乐曲中加入了自己个性的特点，时代性，有了主动的创造性，在演奏中才会有忘我的境界，艺术会与欣赏者产生共鸣，有强烈的艺术感染力。进行再创造有着一个学习过程，首先；先学习别人的经验，多听演奏家的演奏，学习优秀演奏家的长处。练熟之后，随着对乐曲的深刻理解认识，吸收演奏家的长处后，再加上自己的理解和感受，通过改变演奏手法进行再创造，创造出富有新意的意境。创造性能够推动艺术发展的步伐，学习是为创造准备条件，而创造则是学习的目的。

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音乐演奏与呼吸有着密切的联系，呼吸是生命体的一种本能，呼吸停止也意味着生命的终止。在日常生活中我们的呼吸总是配合语言的内容在适当的位置停顿，同样一句话一经改变呼吸停顿的位置，语义就可能发生变化。音乐是一种表达内心情感的方式，要将作曲家的所感正确的传达给听众，就应该认真的对待音乐中的呼吸问题，在正确的位置呼吸才不会言不达意。

二胡演奏中呼吸的重要性是我在近几年的学习中所体会到的，经常所奏的乐曲并没什么明显的错误，但听起来却觉得生硬、缺乏动人之处。在很长一段时间的摸索之后，我明白了音乐中的那份生硬是来自于对音乐呼吸的缺乏。就好比一个没有呼吸的生命，还如何展现出生命的灵动呢？所以，演奏出好的音乐需要学会在演奏中呼吸。演奏中的呼吸是对人的自然呼吸的模仿，两者既有相似之处又不尽相同。自然的呼吸是人与生俱来的本能，无需学习与练习，而音乐演奏中的呼吸则需要我们去学习，在一定时间的练习之后才能够掌握，是与所演奏的音乐融于一体的呼吸。

根据音乐表现内容的不同，演奏时呼吸的状态也是不相同，这类似在不同的情绪下人的呼吸也不相同。例如，在优美平缓的乐段中我们演奏时呼吸也相应平缓均匀，在快速热烈或是惊愕的乐段中我们演奏时呼吸就需要抢吸、慢呼。总的来说二胡演奏中的呼吸包括这样两个方面：有意识的生理呼吸和音乐中的乐句呼吸。前者是具体而有形的，后者是则是出于对音乐的理解。

有意识的生理呼吸沉气与提气：沉气是将气息在意念的指引下下沉至小腹部（丹田）。从气息角度来看，沉气可以使动作松弛畅通，所奏出的音色流畅柔和，很多慢速的乐段都需要运用这样的呼吸。在沉气的引导下我们的用力和发音也会随之放松流畅。在临演奏时气沉丹田还可以调节心理的紧张情绪，让演奏者精神状态放松沉静。然而在实际的运用中两者是有所分别的，演奏前的沉气需要更深一些才能够调节紧张情绪，而演奏中的沉气更接近于一种感觉上的沉，气息并不太深。在气功中有两种常用的调气方法“深呼吸”和“意守法”。

深呼吸指吸气时犹如闻花香一般，将气息导入小腹的部位直至小腹渐鼓，呼气时渐收小腹，将气息送出体外。而意守法则是自然呼吸，吸气时不需使用意念，呼气时则将意念集中至丹田。借鉴至二胡的演奏中，就是在临演奏时使用的是“深呼吸法”，而演奏中使用的是“意守法”。还有一种相对应的气息称为提气，即快速吸气将气息提升至胸腔，并暂时屏气最后慢慢呼出。提气适合拉奏出具有爆发力且干净利落的音色。快吸慢呼：在演奏我们的呼吸大多具有吸气快、呼气慢的特点，尤其是在歌唱性旋律相对鲜明的音乐中，吸气需要控制在乐句间的连接处。

二胡演奏范文篇6

1继承传统,以本为源二胡演奏技巧在20世纪的发展,大致可分为四个阶段:

(1)20年代至40年代;(2)50年代至60年代初;

(3)60年代后期至70年代末;

(4)80年代至世纪末。

20世纪初,周少梅在发展二胡演奏艺术诸方面作出了开创性的贡献。“周少梅三把头胡琴”的名称,来源于他敢于在二胡上突破旧时手指限于在上把位活动的传统,创新运用了手指在上、中、下三个把位内换把的演奏技法。国乐大师刘天华将二胡演奏引入高等专业教育,正式确立二胡为独奏乐器,并创作了《月夜》、《闲居吟》、《光明行》等十大二胡名曲和47首二胡练习曲。

另一位杰出的民间音乐家华彦钧,他的创作是直接用二胡来演奏,其作品《二泉映月》、《听松》、《寒春风曲》是他一生坎坷经历的写照,从而形成了他自己独特的演奏风格。建国后的五六十年代,乃至“”期间,二胡演奏艺术都得到了很大发展。尤其是1963年第四届“上海之春”推介出来的一大批二胡曲目与演奏家,使二胡的演奏技巧得到了空前的发挥。

从80年代起,二胡作品的创作有三个类别:(1)二胡协奏曲;(2)移植改编曲;(3“)新潮派”作品。此三类作品使二胡演奏技巧获得了多重性的发展,把二胡的演奏艺术推向了又一个新的台阶。通过研究传统的二胡演奏技巧,探索民间风格二胡曲在演奏技法上的规律和特点,吸取中国传统音乐的精华,准确而恰当地运用演奏技术手段为达到更高境界的艺术表现服务,对促进二胡演奏艺术的发展无疑是有益和必要的。

2它山之石,可以攻玉二胡是中国民族乐器中较为古老的乐器之一,至今已有近千年的历史。

但在漫长的发展过程中,二胡一直是为戏曲、曲艺和民歌等民间音乐伴奏或与一些丝竹、弦索乐合奏的乐器,发展极为缓慢,没有卓然而立的独立地位。二胡的乐曲积累、演奏技艺、理论文献、审美价值几乎是一片空白。直至20世纪初刘天华先生和他的10首二胡曲的出现,才彻底改变了二胡自生自灭的状况。刘天华先生一生致力于“改进国乐”,提出“中西融合”的音乐理论,借鉴西洋作曲手法和小提琴等乐器的演奏技法进行创作,终于使二胡这件乐器有了自己独奏的作品。通过研究、借鉴小提琴的优点来改进国乐,特别是改进二胡音乐。

他在继承二胡传统演奏技法的基础上,大胆借鉴西洋乐器的演奏技法,将小提琴的演奏技法创造性地融进二胡演奏中。他还将传统二胡的三把位扩展到七把位以上,扩宽了二胡的音域,发展了二胡的弓法和指法,并把二胡的记谱和演奏技巧规范化。这些努力极大地提高和丰富了二胡的音乐表现力。移植、改编是二胡音乐创作的重要形式之一。二胡移植、改编乐曲在二胡音乐中占有很大的比例。大致可划分为以中国音乐作品为移植或改编的对象和以西洋器乐曲等外国音乐作品为移植或改编的对象两大类。

这两类二胡作品对二胡演奏艺术有不可低估的影响,它不仅丰富了二胡曲目和音乐风格,推动了二胡高难度演奏技巧的发展,而且将二胡的艺术表现力提高到新的阶段。事物总有不同的两个方面:有“难”必有“易”有“长”必有“短”并且是相辅相成,方能构成一事物的整体。它山之石,可以攻玉。二胡演奏从对传统技法的继承到演奏技法的借鉴、创新与发展,经历了一段漫长而艰辛的道路,在这条道路上,借鉴吸收为二胡演奏艺术做出了重要的贡献。中国博大精深的文化底蕴和历代音乐家们对二胡艺术孜孜不倦的追求,使得二胡飞速发展,演奏方法更加科学化、系统化,尤其是演奏技巧相当丰富,应用也更加广泛,值得我们探究。

3以变为流,发展当下20世纪音乐的发展进入了一个崭新的时期,也是器乐演奏技巧的发展一个重要时期。

音乐的语言更加抽象化,基本抛弃了原有观念的束缚,二胡也不例外。就现代二胡演奏技术方面而言,主要有两种趋向,一种是一般性技巧的拓展,另一种是全新技法的产生。首先,一般性技巧的拓展性应用有了新的突破。以右手慢长弓为例,现代作曲家打破了常规演奏时的基本要求,使这种长期以来都在力求悦耳的乐音演奏法创造性地变化成一种“嗓音”的演奏法。

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一、娴熟过硬的演奏技术是完成二胡艺术演奏的前提

1.娴熟的演奏技术是成功完成作品演奏的基础二胡演奏离不开对音准、揉弦、换把及各种弓法技巧的准确掌握，但二胡演奏的每一种技巧都不是孤立地存在的，各种技巧在演奏中应根据作品的需要，有机地结合，才能准确生动地表现音乐内容。如：《病中吟》《闲居吟》《光明行》等乐曲的演奏中需要有大量的颤音、滑音、顿弓、颤弓等技巧，我们在实际演奏过程中一定要认真研究他们的分寸，比如颤音的轻重快慢、滑音的不同方式及不同音程、顿弓及颤弓的双手配合分寸、左指触弦面的大小等，使相同技巧在不同乐曲及不同情绪中合理地变化，恰如其分地表现作品的内涵。

2.先进的演奏技术是提升二胡艺术表现力的前提现代二胡学派的创始人刘天华先生十分重视二胡演奏技术的创新，如：《光明行》中的转调及大段的颤弓、《独弦操》中的一弦格、《空山鸟语》中的左手轮指及模拟鸟鸣的滑音等在二胡上都是首次被运用。这种创新对于当时技巧贫乏、表现力低下的二胡演奏来说，无疑是一次大大的革命，对现代二胡演奏艺术的发展的起了开拓性的作用。建国以后，二胡的演奏技术得到了极大的发展。刘文金创作的《豫北叙事曲》《三门峡畅想曲》率先将快速跳把、自然跳弓、频繁的转调等二胡的高难技巧应用于演奏之中；陈耀星创作的《战马奔腾》中模仿马蹄声的大击弓、模仿人喊马嘶的半音阶模进以及模仿骏马嘶鸣的双弦颤指和飞弓等新技法等极大地提高了二胡艺术表现力。

3.多变的演奏手法是提高二胡艺术感染力的保障以弓法为例，在实际演奏中，演奏者可以将相同的弓法通过细微的变化，使不同情绪、不同风格的旋律表现的更加充分、更加准确。如颤弓：《二泉映月》中的颤弓旋律既要表现微波荡漾的意境，又要刻画出作者内心深处的不平静。因此，开始用快频率和小幅度的颤动，运弓部位靠近弓尖，这样演奏出的颤弓音色细腻，随着旋律的渐强再逐渐加大运弓范围，同时配合配合旋律适当突出音头，这种随音乐的起伏而变化的颤弓才能比较准确地表现作者借景抒情的心情。而《三门峡畅想曲》中的颤弓旋律则要表现强烈激昂的情绪，因此在渐强旋律的推动下，一开始就要使用大幅度、快频率的运弓，以加强乐曲的艺术表现力。

二、真切到位的情感意境是提升二胡艺术魅力的保障

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一、了解音乐作品的创作背景与内涵我们要培养自己的艺术思维，对要演奏的作品就要了解其创作背景和内涵，并且要尽可能全面而系统，只有了解了这些以后，才能把握作品的演奏基调。举例来说，《三门峡畅想曲》描写的是年代水库工地的生活情景，讴歌社会主义建设的巨大成就，赞颂建设者们忘我劳动的崇高境界和英雄气概，抒发的劳动者们对伟大祖国无比热爱的深情厚意，了解了这个背景，自然就清楚，该曲的音乐基调应该是激情洋溢的；《赛马》是描写内蒙人民在欢庆节日时举行赛马活动的激动人心的场面，节日的背景决定了其音乐基调是热烈欢快的。

这两首乐曲就其共同点而言，显然都属于快速激情类作品，然而，这只不过是比较表面的理解，它们的基调和内涵实际上有很大区别的，如果没有对此理解，将二者演奏成同样的感觉，无疑就会失去原曲本该具有的韵味，对于作曲者的创作意图也是一种曲解。由此看来，准确了解音乐作品的创作背景与内涵，不是无所轻重的，而是演奏者必须的要做的工作。

二、用心设计作品结构造型有人说，在结构方面，二胡作品跟建筑有许多相似之处，“小型乐曲如农舍一间，小桥流水、自然质朴；中型乐曲似别墅一座，花园洋楼、布局各异；大型作品像大厦一幢，起落有序、结构复杂。”的确如此。这种特点决定了我们在演奏时，必须认真设计一首乐曲的结构造型，进行理性分析。例如演奏《二泉映月》，首先就要思考其结构布局，并且了解它是以一个音乐主题为基础，运用变奏体曲式结构，进行了五次变奏和发展，这种结构方式是我国民间音乐中最常见的。概括而言，即由引子、六个段落及结束句组成，变奏体曲式。

三、用音色变化呈现音乐作品色彩在二胡演奏中，对于音色的处理，也需要演奏者用艺术思维来进行有效地设计安排。就发音而言，二胡有刚柔、虚实、浓淡、厚薄等区分，对演奏者而言，就必须用不同的声音色彩来表现不同的音乐作品。举例来说，《阳光照耀在塔什库尔干》中的高音区歌唱性旋律，音色应该是清亮的，似有远方飘来之感；《月夜》给人的感觉应该是晶莹剔透、轻盈飘舞；《春诗》的声音应该具有银色的质感，并且体现出一种灵动性。二胡的音色千变万化，这种变化体现了二胡表现手段的丰富多彩，而且是二胡艺术能向更高更深的境界发展的关键所在。作为二胡演奏者，具有自己独特的千变万化的声音色彩，是成功的前提。

四、表现出作品描写的地域特点我们知道，我国地域辽阔，二胡历史悠久，运用范围之广、涵盖地区之多是不言而喻的。地域不同，乐曲所表现出来特色绝不可能相同。怎样表现作品的地区特点，就要演奏者通过艺术思维，设计出最佳处理方案，从而真正体现出地方特色。《草原新牧民》具有内蒙风味，这是地域特点决定了的。它在艺术处理上，使用三度颤音和特有的装饰音体现了内蒙特色乐器马头琴的演奏技法，似乎一下子把听众带到辽阔的大草原上；《陕北抒怀》大量运用快速垫指滑音，目的是为了体现别具一格的陕北风味；《一枝花》中运用极具个性的大幅度滑揉，模仿的是坠琴演奏技法，同时滑揉和滑音也很具有唢呐的演奏特色，目的在于表现地道的山东特色，所以说二胡是一件颇具人性化的乐器。

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一、创作背景

早在1928年的时候，刘天华就谈了自己注重发展二胡的原因，对社会上轻视二胡的旧观念给以批评和反驳。他说“……自来很少有人将它作为一件正式的乐器讨论，这真是胡琴的不幸。然而环顾国内：皮簧、梆子、高腔、汉调以及各地小曲、丝竹合奏等等，哪一种离得了它。它在国乐史上可与琴、琵琶、三弦、笛的位置相等。要是它自身没有点价值，哪能得到如此地位？有人以为胡琴上的音乐，大都粗鄙，不足登大雅之堂。

此诚不明音乐之论。要知音乐的粗鄙与文雅，全在演奏者的思想与技术及乐曲的组织，故同一乐器上，七情俱能表现，胡琴又何能例外？”①刘天华不仅为二胡大鸣不平，而且还提出了音乐艺术的价值高低并不在乐器，而是在音乐作品和演奏。《光明行》是他在事业上遭受挫折的时候而创作的，他下了很大的功夫，结合运用民族音乐创作技法规律和西洋音乐作曲技法，并借鉴了小提琴在乐曲演奏中的一些技法，为二胡创作了表现雄壮的进行曲，表达了中华民族向往光明的决心，振奋了人民的思想，同时也开拓了民族器乐演奏雄壮音乐的先河，丰富了二胡的表现力。

二、《光明行》的演奏分析

技法特点《光明行》在演奏技法上是借鉴小提琴的某些演奏法而创作的，综合自己对该作品的演奏实践，了解了该乐曲的一些技法特点，分述如下：

1、顿弓顿弓是二胡的常用弓法之一，《光明行》4个小节的引子、第一段的前面4小节以及A1的第9小节至第一段结束等，都是应用了顿弓，它是演奏顿音的弓法，可分为分顿弓和连顿弓。连顿弓是一弓演奏两个音以上，弓段的分配要合理，要使每个顿音都能有一定的弓段，同时，要避免前面的顿音弓子用得过多而导致后面的顿音弓子不够用。如谱例七分顿弓是一弓奏一个顿音，一般运用弓子的中部；如谱例八在二胡中顿弓还分为外弦顿弓和内弦顿弓，在演奏外弦顿弓时，右手要轻轻的左右转动，中指向外顶弓杆，使弓毛紧贴外弦，对弓杆施加力度，使弓子进行短促的拉推运动而发出有弹性的声音；

如谱例八在演奏内弦顿弓时，中指和无名指指向内弦有弹性的勾住弓毛，使弓毛紧贴内弦，对弓杆施加力度，使弓子进行短促的拉推运动而发出有弹性的声音。如谱例九在演奏顿弓的时候，手腕的位置要适中，不能偏外或往内，运弓的动作要自然，不能紧张僵硬，运弓时，弓子只能左右平直运动，不能把弓子往内或往下压，以避免音色发硬并发出杂音。

二胡演奏范文篇10

二胡演奏专业技能课如何培养学生？“台上一分钟台下十年功”，笔者认为首先要从二胡演奏的基本功训练和舞台演奏的心理素质训练着手。二胡演奏随着大批量新作品的问世与演奏技艺的不断提高，使得其艺术表现力更加丰富多彩，也更加严格地考验了演奏者的基本功。然而，基本功的训练往往是艰苦的、枯燥的、单调的。但是缺乏扎实深厚的基本功艺术表现就会成为空话。之所以强调基本功在二胡演奏中的作用，主要是为了更好地把握作曲家的创作意图，表现音乐的情趣。那么基本功指的是什么呢?很多人认为：基本功不就是指掌握技术上音准、节奏的准确性吗?其实不然，音准、节奏仅仅是音乐最表层需要掌握的“对”的基础，而真正的音乐是要给予人们“美”的享受。只是“对”的音乐，还是不“美”的。但是，我们首先要使音乐是“对”的，然后才能表达出她的“美”。二胡演奏的基本功也是如此，既包括了技术上“对”的基本功，还包括了艺术上“美”的基本功。二胡演奏技术上的基本功包括了：

1.音准的基本功。要求善于辨别十二平均律、五度相生律、纯律在乐曲演奏中的不同特点，毫厘不差地掌握各种调的音阶、琶音、音程模进；音的大小跳进，各种变化音，半音阶以及乐曲中旋律进行跌宕的按音准确。

2.节奏的基本功。演奏中能准确的表现各种节拍、节奏、板式、速度的变化能力。正板、散板泾渭分明，和谐统一；重音、强拍随其节奏变化而运用自如。不管板式变化何等复杂，节奏、节拍如何错综多样，始终持之均衡，做到快而不乱，慢而不拖，快慢相间而速度稳健；徐缓得速，有条不紊。

3.指法的基本功。包括了各种按音、滑音(上滑音、下滑音、回滑音、垫指滑音)、揉弦(滚揉、压揉、抠压揉、滑揉)、颤音、波音、装饰音、泛音(自然泛音、人工泛音)、保留指及各种换把的娴熟和准确，手指触弦富有弹性，力度变化相间，抬落指干净利索。

4.弓法的基本功。包括了有长弓、短弓、分弓、连弓、快弓、换弦、顿弓、断弓、抛弓、跳弓、颤弓、波弓、敲击弓等及各种弓法的混合使用。并有在音乐中进行改变、调整弓向以及在不同作品中设计不同弓法的能力。

二胡演奏艺术表现的基本功则包括了：

1.音色的基本功。强调发音纯正、圆润、浑厚、清亮。具有较强的空间穿透力。运用弓法、指法的技能使琴音产生不同的变化，以表现乐曲思想感情的不同需要。吟揉多变，刚劲中蕴纤细，柔美中露奔放，给人以声音悦耳、动听，音色和谐、秀美之感。

2.演奏力度的基本功。驾驭音乐作品各种力度表现的能力。根据乐曲的要求，能做到强弱对比鲜明，渐强、渐弱变化自然，突强、突弱得心应手。演奏中“爆发力”的控制恰到好处。做到强而不噪，弱而不虚；抑扬有制，各显其妙。

3.音乐表现的基本功。即对音乐的各种形态的反应敏锐，能利用各种手段、技巧表现作品思想内容，进行再创作，达到主客观的统一，以掀动欣赏者的心灵，更好地发挥音乐审美的能力。还包括了对作品曲式的详尽分析，风格特点的了解掌握，才能对乐曲进行艺术处理等。二胡基本功训练是个非常重要的学习过程，但是，做任何事情都要讲究途径、方法。练琴也是，我们应该如何去练习基本功呢?首先，学习者应该是发自内心要自愿地去练习，并在练习中有意识地去寻找乐趣；其次，练琴要讲究方法：先练习基本功，再练练习曲，最后才练乐曲，其中注意避免一遍又一遍盲目地“过”曲子，要有针对性，对其难点要单独抽出采重点练习；再次，练琴一定要精神集中，由浅入深、由易到难，宁慢勿错，可对着节拍器由慢到快地练习；接着，合理分配练琴时间，练习时要开动脑筋、寻找突破口、更新观念等等。另外，要想掌握好二胡演奏的基本功，在学习过程中还需具备恒心、耐心、信心、决心。在学习的过程中要做到多问、多记、多思、多听、多看、多练，只有这样才能使自己的知识逐渐丰富，演奏技术才会不断提高，练习效果才会显著。

以上都是一般的学习方法，其实无论是运用什么方法，归根到底主要是找到合适自己的方法，有针对性地去练习，效果肯定能有提高，存在的问题也能得以解决。只要是适合自己的，就是最好的方法。针对自己存在的问题，努力花心思去解决。其实，真正的练琴，不能只停留在表面的“练手”阶段，还要“练心”。“练手”或许我们只要通过掌握正确的学习方法，只要勤奋多练就能达到。然而，“练心”，却需要我们投入更大的精力去学习，更需要我们平时的积累，去多听、多看、多思考。艺术的领域是无穷尽的，都是相通的，不仅仅只是音乐方面，也包括美术、诗歌、文学、影视等。如果说学二胡的人只会关注二胡，而对其他艺术一概拒之门外，那么他的音乐是肤浅的。例如，就音乐方面讲，平时的多听，不要仅仅只局限在与本专业上，其他只要是好的音乐，都必须听。优秀的作品，能够培养我们内心的音乐感觉，提高我们的音乐修养，修炼我们的心灵。像听到一部优秀的交响乐，里面激情的乐章气势磅礴，令人振奋；抒情的乐章细腻婉转，让人回味。当我们心中积累有这些美妙的感觉，在演奏时，也能下意识地去美化音乐，我们的艺术表现力自然也就大大提高了。完整的技术、技巧与完美的音乐表现是相辅相成的。

技术、技巧的不过关，音乐表现无从谈起；而缺乏生动的艺术表现力，演奏出来的音乐也是索然无味。这就是音乐艺术表现的妙谛。优秀的作品都是具有很强的时代性和民族性，都是一定社会、政治、经济、文化的再现，都有及其深刻的思想内涵和浓郁的情感。所以仅仅练习音准、节奏以及弓指法是远远不够的。平时要积累丰富的生活知识，学会练琴的同时也学会“练心”，发挥主观能动性，多思考、多观察、多学习、多实践，训练艺术想象力，提高审美意识，丰富艺术内涵，培养高尚情操。演奏乐曲时，我们也不再局限在基本的音准节奏中，而是要深一层去了解曲名的含义、作者的生平、时代背景、作品的风格特点、曲式结构、表现的思想感情等等，再根据自己的理解和设想，大胆合理地对乐曲进行更细致的处理和加工。艺术表现的二度创造，需要拥有独特的见解和判别能力，在正确地理解作品时进行再创造，加入合理丰富的想象，形成独特的艺术风格，拉出独特的韵味，而不是千篇一律，缺乏想法和演奏风格。同时，舞台演奏的心理素质训练也很重要。众所周知，一位优秀的二胡演奏者除了要具备过硬的基本功、良好的音乐艺术感觉、还要具备良好的心理素质。因为良好的心理素质不仅可为表演者带来宽广的表现空间，正确完整的传达创作者的精神，诠释作品的内涵，而且可以实现在创作者精神基础上的二次创作，使原作品具有升华性的创造意义。