弹奏范文10篇

弹奏范文篇1

一、教材的选取应当以传统实用为主，趣味为辅

学习钢琴弹奏应该根据教学的需要来选择教材，一些优秀传统的教材如：拜厄钢琴基本教程、钢琴基础教程和车尔尼钢琴教程等，来学习如何放松、触键、怎样转动手臂等弹奏的基本技能。教学过程中可以将有音阶、琶音、和弦等弹奏技巧的练习曲掌握，再根据其中的教学的内容来进行拓展，如：练习曲中左手和弦的各种弹奏音型在以后的歌曲伴奏学习中会经常用到，在学习练习曲的课堂里随即学弹一首简单的儿歌可使得学习的知识得到灵活运用，发挥教材的实用性。钢琴课程对于高职高专学前教育专业的学生是必修课，不可能像专业院校的学生花费大量的自习时间来进行钢琴专业练习。所以，钢琴课应该在选取传统教材的基础上，根据需要再添加一些趣味性更浓的内容，使学生的学习更有兴趣和效率，对知识的掌握更为全面和主动。同时教学要做到有目的、有计划地进行。

二、教学中授课方式的安排以集体课和小组课相结合，加上对学生进行个别辅导

在传统教学中，学生在每一周大多只上一次的钢琴课，平均给每位学生也仅是十几分钟，由于时间限制等诸多原因，学生收获较少。另外全班学生弹奏的曲目大多是相同的，又显得特别单调。教师上课主要是检查学生弹奏上周布置的钢琴作业并做简要指导，再就是布置下一周需要练习的钢琴作业并讲解指导练习的方法和要点。因此在这样传统的上课形式下，学生的学习积极性是很难得到提高，同时也耽误了一些对钢琴有特别兴趣的学生的学习。在教学中，对授课方式进行科学合理地安排是必要的。集体课教学可以安排对钢琴弹奏技巧的训练有指导意义的理论和示范演奏，还可以培养学生的键盘的综合能力，如：视奏唱谱教学、移调教学、伴奏创编能力教学等，有增加授课容量并拓展知识面的优势。小组课教学可以将弹奏程度相当的学生编成一组进行统一指导，使学生的弹奏有相互促进的动力。对学生进行个别辅导的教学能够因人而异，教师能够细致观察到并解决学生钢琴学习中存在的问题，还可根据学生的学习程度采用不同的教材或不同的曲目。因此，采用集体课和小组课相结合，加上对学生进行个别辅导的授课方式，在教学中可收到良好的效果。

三、教学内容首先应注重基础训练

在钢琴弹奏中，要求弹奏者能以熟练的弹奏技巧来表现乐思，要求弹奏者具备较高的音乐素养。因此，在学生学习弹奏的第一个阶段，教师首先要注重基础训练，要强调钢琴弹奏理论和技能，要让学生掌握弹奏的基本概念和奏法，如：断奏、连奏、跳奏、重量弹奏法、左右手交替奏法、乐曲分句时的换气奏法等。在进入钢琴弹奏的触键学习时，手臂放松训练显得很重要。如果不注意这方面的训练，学生就会陷入一种困境，不知道怎样来控制各种弹奏动作。在训练学生手腕抬起时，整个手臂应处于彻底放松状态，身体要端坐在键盘前面，手臂要自然地从肩部往下垂，手指落到琴键上面的同时，大臂力量透到指尖，使指尖牢牢地落在键子上，然后放松。这样来进行练习放松，为后阶段的钢琴学习，打下坚实的基础。教师在布置弹奏基本练习曲和小乐曲的同时，还可以安排学习各调音阶、琶音、和弦以及双音等技巧的训练，可从一个八度的音阶、琶音、和弦开始，增加到两个八度的练习，直到四个八度的练习。通过这些基础训练，能使学生在练习过程中体会到科学的弹奏方法，同时训练手指的独立性、灵活性。钢琴的基础训练中，指法应严格要求。指法训练在初学钢琴课的时候，就要求学生严格按照乐谱上设计的指法进行练习，促使学生体会出指法运用的规律，不至于给自己的弹奏增加不必要的困难。在指法顺利的状况下，有利于配合看谱和唱谱。这样可以培养学生良好的弹奏习惯，使学生的弹奏更加连贯、流畅。在教学的过程中教师要不断提高学生对钢琴基础训练的认识，使学生意识到为将来胜任学前教育工作，进行音乐教学活动而加强学习钢琴弹奏的技能。

四、教学方法要注意科学有效

弹奏范文篇2

关键词：开发潜能弹奏的基本方法强化训练

钢琴课是幼师音乐专业班的必修专业课。无论是教钢琴，还是学钢琴的人都知道，钢琴演奏是一个复杂的脑体结合的活动过程。在一瞬间，将乐谱上的东西通过视觉反映到脑海，大脑马上指挥手指在键盘上弹奏，耳朵还要同时对演奏的声音进行检查，不断地调整和改进。这是全面的训练过程，不仅要训练识谱、听觉，学习音乐知识以提高音乐理解能力，还要花力气掌握弹奏技能，把眼睛看到的、脑子理解的音乐形象得心应手地表现出来。作为一名钢琴老师，应该如何使学生演绎好每一部钢琴作品呢？笔者在教学中尝试了以下几点改革措施。

一、开掘学生潜能，提高学琴兴趣

爱因斯坦有句名言：爱好是最好的老师。也就是说，兴趣是人类潜能的“原动力”。钢琴是一种技艺性很强的乐器，它不仅涵盖的技巧和技术内容繁难，它积累的作品文献更是浩如烟海。在学习过程中，老师如果不能注意提高学生对音乐的兴趣，而是一味地强压，弹琴在学生的心中会渐渐变得枯燥起来，兴趣减退了，练琴的效率就会大大降低。

在传统钢琴教学中，老师注重的是课堂上的讲授教学，而对课下学生练习情况不大过问。事实上，课堂教学和学生课下练习是不可分割的两个方面，缺一不可，从某种意义上讲，后者更重要。在教学改革中，笔者常常布置一些既不是很难又有趣味的作品让学生练习，学生越弹越想弹，从而培养了学习的兴趣。老师在指导时要不断加强学生的信心，以鼓励为主，循序渐进，不断激发其练琴的勇气。利用和选择一些曲目来发挥学生的潜力，提高他们学琴的乐趣，切忌拔苗助长。

此外，要引导学生了解作曲家的经历、创作动机、创作背景、风格流派等，从而真正了解作品的内涵，这种指导学生主动学习的方法也是挖掘学生潜能的一个重要方面。

二、训练学生聆听与思考

音乐不仅仅是人类用音符、旋律、节奏创造出来的艺术形式，更是集理性、激情、秩序于一体的精神产品。丛林中鸟雀的婉转啼鸣、山间流水的浅吟低唱及江河大海的轰然澎湃，都会令人心醉神迷，而一部好的音乐作品，就更能直接打动人的心灵。可以说，音乐是通过“听”才可以掌握的一种艺术，而钢琴弹奏在“听”这一方面更是非常重要和必要的。笔者在教学中比较注重训练学生的听觉能力，并从以下两方面去加强、启发学生的音乐想象力。

1.听自己弹琴。通过“听”自己弹琴来逐渐强化、提高内心的听觉感受。

2.听录音。听录音是一种很好的学习方法。根据学生的实际承受能力和理解水平，笔者一般挑选一些浅显、优美、短小的作品录音给学生听，并且以中国作品为主，例如贺绿汀的《牧童短笛》《绣金匾》《共产儿童团歌——简易变奏曲》等等，让学生随着音乐在脑海中产生一些画面和想象，甚至产生共鸣，在潜移默化中提高欣赏水平。

此外，还要加强理解。在教学中要求学生对弹奏作品进行思考、分析，并展开讨论。幼师生比起少儿，在思考方面更有优势，如好好利用这一优势，便会受益匪浅。笔者建议学生采取“观想”的方法，把弹奏的曲目在脑中像实际演奏一样过一遍。然后，针对某一问题反复体会，找出“症结”。通过尝试，这种方法在实践中起到了作用，有些学生的“痛疾”就是这样医好的。

思考后就要进行分析，分析创作的时代背景、曲式结构、和声手法、演奏风格等。在分析过程中，笔者常让学生展开讨论，举一反三。例如弹奏《绣金匾》（王建中改编）时，笔者让学生讨论该曲是什么性质的歌曲（中国陕北民歌）；旋律加花及变奏、高低音声对应，既保持了原民歌的质朴流畅，又发挥了钢琴乐器性能，弹出来的效果应是轻巧、声音干净、玲珑精致、亲切如歌。经过以上分析讨论，学生便可以主动、自如地发挥了。

三、歌曲伴奏和即兴伴奏有机结合

幼师班的音乐教学，培养目标是幼儿音乐教师。即兴伴奏是钢琴教学中的一个重要环节。据了解，以往的即兴伴奏都是在学生快毕业的那个学期集中学习的。笔者在教学中，尝试打破这一常规。布置学生弹奏《车尔尼练习曲599》作品时，每学习一种新的音型，便配合一些简单的歌曲，经老师讲解启发学生设计好织体进行伴奏，这样有利于学生实际伴奏水平的提高。比如《车尔尼599》中第28首练习曲，学到1535│7525│的音型，笔者让学生把这种音型用在了儿歌《兰花草》上，学生弹得津津有味，而且记忆牢固。

四、加强视奏能力训练，掌握正确的弹奏方法

钢琴是一种技艺性很强的乐器。正确良好的弹奏方法，富于层次感的触键方式，较好的音阶、琶音、和弦、八度技术，以及钢琴踏板的合理使用等等，均是弹好歌曲钢琴即兴伴奏的基础。

首先，要指导学生掌握正确的练习方法。从弹奏技巧来说，歌曲钢琴即兴伴奏可高可低，可繁可简，在各自技能的基础上自由发挥，不必做大量的机械性技巧练习，但要练习脑的反应，不论何时何地，反复思考配弹方案，在内心视觉的“键盘”上配弹，用内心听觉感觉、感受配弹的音响，最后上琴检验配弹效果。

其次，特别要加强视奏训练。要加强键盘的直觉感，使眼前有个键盘，看谱上的音符时眼的视线在前，手指弹第一小节时眼睛已看到第二三小节，心里数拍子保持节拍的稳定和节奏的正确。不仅如此，还要加强视谱的正确性，培养看谱弹奏时必须仔细看清谱号、调号、音符位置、节奏及变音记号、力度记号等，养成正确、良好的读谱习惯。要注意和声配置，时刻注意倾听各类和弦的不同音响色彩，以及用不同方式连接而产生的不同效果。

最后，要坚持让学生做移调练习。一首短小的歌曲，移到七个常用调上配弹。练习的步骤可从最简单的音阶开始，熟练掌握七个常用调的基本和弦配置，建立起键盘上牢固的调性思维，削弱固定位置的弹奏概念。

当然，训练要耐心，用慢速练习持之以恒地坚持下去，不可操之过急，所谓“台上一分钟，台下十年功”，掌握正确的弹奏技巧是需要长期艰苦、坚持不懈的努力方能巩固和完善的。教学得法，学生配合默契是成功的法宝。也许教学中困难较多，生源差距较大，进步不一，但只要通过系统的、科学规范的、合乎实际的教学，学生的弹奏能力就会有不同程度的提高和进步。

参考文献：

[1]约·霍夫曼.论钢琴演奏［M］.北京：人民音乐出版社,2000

弹奏范文篇3

钢琴是一门独奏性很强的乐器。随着科学的进步、乐器质量的改进，钢琴的表现手段和音色的变化更加丰富起来。钢琴演奏法和技巧随着钢琴艺术的发展而发展起来的。古典乐派的钢琴作品主要是手指的艺术，追求音色的清晰明亮，颗粒性强而且均匀；浪漫派时期的钢琴艺术侧重表现人内心的情感，因而音色更加具有情感色彩，显得甜美而深沉、辉煌而华丽；以肖邦、李斯特为代表，他们在技巧上继承了古典派，在手指技巧的基础上使用了手腕、手臂以及整个躯体。到了现代派时期，不同作品在技巧上要求变化很多，更细腻，个性也更强烈。

一、钢琴技巧是通过手指、手腕、手臂等各个部分科学的、严格的训练而获得的

1.课堂上老师传授的是钢琴技巧和音乐的途径，而掌握技术只有通过练习来实现。有了正确的弹奏方法，才能获得表达情感的手段。有多少音乐就有多少技术。如果说，钢琴技巧训练主要分为手指和手腕两部分的话，那么弹奏的决定因素是手指。因为它直接与键盘接触而发声，因而加强手指独立性的训练，使指尖力量集中，并能很好地控制键盘，这是完全必要的。只有手指训练好才能弹出既清晰又明亮的声音。但只有手指良好的触键，而手腕过于坚硬，则发音会干涩、单薄。相反，如果只有手腕的松弛而没有手指的独立性，声音也会缺乏颗粒性而含糊不清。因而，钢琴的良好触键必须是手指独立、手腕松弛灵活及整个手臂重量互相协调作用的结果。声音的效果与弹奏方法是一致的。所以，在基本功练习中，必须重视手指与手腕的训练。每一个想学好钢琴的人在学习过程中会遇到许多问题，如怎样发出好的声音，怎样训练好的基本功。但弹琴放松是必要条件。有了手腕的放松、胳膊的放松、身体的放松等条件，才能弹奏出好的、动听的乐曲。

2.手腕的放松是获得弹奏的关键。手腕是保证手指能有效并自如去适应弹奏中千变万化的关键部位，是连接手指与手臂的纽带。弹奏的力量如果“通”“透”，很容易把手臂的自然力量送到指尖，这就要通过手腕这一关节。如果手腕抬得过高或过于僵硬，力量就会停留在小臂上，时间稍长会感到累。如果把手腕放低一些，尽量松弛，力量也就自然地被送到指尖了。重量弹奏的倡导者波兰著名钢琴家利·戈多夫斯基说：“重力弹奏的特征是指尖紧紧靠在键盘上，尽量保持和键盘最小的距离，用这样的方法弹奏手腕是很放松的。”假如键盘从手下移开的话，手就会自然下落；要声音“通”“透”，触键的最佳状态是手、指尖和键盘三点成垂直线。弹奏时手在键盘上的位置是不断变化的。要获得良好的声音就要靠手腕的调整，使手保持最佳的触键状态。手指技术完全要靠腕的灵活来决定，在训练手指独立性时，高抬指是为了打开掌关节，使手指有力触键，而要快速清楚就需要手腕的灵活性来协调，只有手腕放松，手指的跑动才能灵活、持久。

初学者在学习《哈农》、音阶、琶音的时候，首先会历经慢速——快速——慢速这样的循环过程。这是整个钢琴技术的基础。学生每次上课时必然得到教师在音乐技术上具体的指导，每次老师所留的作业是根据学生的掌握程度安排的，学生在课后必须对回课时反映出的不足之处认真练习。音乐技术的提高是从对旧功课的改进中得到的，因为旧功课中有新目标。如果不认真改正缺点，只练新功课，常此下去不可能有进步。课下常听到有些学生探讨自己的弹琴速度该如何提高、怎样才能放松、如何运用手腕等问题花费了他们大量的时间也没效果。一些学生为此失去信心，甚至还有了放弃钢琴学习的念头。老师应该在此时鼓励学生，告诉他们学习任何一门技术都要持之以恒，不能半途而废，如果再坚持一下，掌握好学习要领，坚持不懈，任何辛苦的付出都会有很好的收获。这样，老师在以后的教学中，也会因此给学生带来很大的影响力和感染力。

二、在弹奏过程中,演奏者的腕、臂、肩及整个上身应注重保持放松、自然的状态

1.钢琴演奏中,放松是对紧张而言的。它的最高体现是自然。通俗的说就是在手指落键后,应立刻找到放松的感觉。如果手指还保持在键盘上，但指间部位的肌肉及手臂已经处于弹性状态了，而不是死压在键盘上,这就是放松。指尖只要恢复到把琴键保持在键盘的底上就够了。因此，只有很好的、全面的掌握基本演奏方法，弹奏技巧才能提高。钢琴的音色是比较优美动听的，它常给人以极强的艺术感染力。在课堂上，老师应教导学生要有好的手形并加以保持，同时掌握正确坐姿。其实，这一切都是为了能够更好地放松并可以弹奏出钢琴的自然音色。伟大的钢琴家亨利·涅高兹，把弹奏的整只手形象地比做一座“吊桥”。“桥”的一端固定在肩关节上而另一端则固定在接触键盘的手指上。“桥身”灵活而富有弹性，它的支柱牢固、稳定。当“桥身”向上、下、左、右摆动旋转时，按住琴键的手指却始终不放开。这样可获得良好的松弛感。只要指尖触键正确、稳定、有把握，那么，弹奏者的整个手的动作就是非常灵活的，就会富有弹性。

2.放松是一种感觉，看不见也摸不着，只有通过听觉才能感受到弹奏时饱满、洪亮有力的声音，感受弱奏时优美、安静、柔和的节奏变化。而这，也正是所谓手腕的功能所产生的结果。比如有些学生在刚开始学弹琴的时候，整个身体僵硬，全身处于紧张状态，手腕也不够放松，特别是在触键时经常是用手腕部去敲打键盘。其实，在音乐中，没有绝对的放松，也没有绝对的僵硬，做到松中有紧、紧中有松，这才是恰如其分的弹奏表现。但是，在学习过程中，容易让人矛盾的是：当手指用力，手腕、手臂会随之紧张；手腕放松，手指也会随之软弱无力。若要二者尽力协调统一，就应该是让手指用力而手腕尽量放松。

3.钢琴弹奏的过程就是从紧张——放松——紧张的过程，要自然的放松就要一丝不苟的练习，认真练并知道自己在弹什么。其次，慢速练习。当曲速放慢时，这种从“紧——松——紧”的过程也就拉长了，这时也可以体会放松的感觉。在训练过程中，手腕不可高于手掌，因为这样弹出的音必是轻飘、模糊，缺乏颗粒感的。还有时，在乐曲练习中，有的弹奏者花费好长时间也没有效果，还会感到手僵硬而不灵活。有的人手指在一定程度上能动，但是一到变化转折的地方就不适应，不是减速就是托拍或者弹错音，这也是学习钢琴过程中最容易出错的地方。所以，根本原因就都是因为手腕完全不知道如何运动，就好像铁板一样没有灵活性，弹奏者不懂得用放松手腕来解决自己的问题，这样，技术也就无法得到发展。三、解决手腕放松问题

要解决手腕放松问题，就是要明确手腕的一些主要活动方向。在乐曲弹奏中,一般使用手腕的主要动作有三种：上下动作；左右动作；上下左右综合动作。

1.“落滚”动作的练习，可使手臂、手腕与手指协调一致。僵硬的手腕往往可以通过这种方式的活动得到解决，变得柔韧。“落滚”式的动作由整个手臂协调带动上下运动，比如在两个音的小连线时，弹第一个音之前，手腕结合手臂先提起来，把手指带动起来，然后指尖冲键盘落下去，一发出声音手立刻放松，并一直保持正确的手形，在琴键上停一会儿再根据音符的时值弹第二个音。“落滚式”的上下动作可以使手腕变得灵活、柔和、自如，弹出的音乐也更加优美、丰满。对僵硬的手来说，这种方式经过理解和练习一定会有很大的改观。它只是手腕的一种动作，多用于弹奏柔和及歌唱性的旋律，而在弹奏轻快活泼的音乐时不适宜。所以说，合理、合宜运用手腕的动作，可以避免因手腕扭动过多而带来不良的影响。

2.手腕左右动作是一种非常必要的动作。简单的道理是,每一个手指弹的时候,手腕必须左右调节位置，以使手指处于最有利于弹奏的位置。涅高兹把手指比喻为在前方作战的士兵，把臂、腕、身体喻为大后方对前方的支援。根据这一比喻，我们可以体会到腕臂的主动积极配合和调节的重要性。不少学生在弹琴时完全不知道手腕应左右灵活、左右调节。而是单靠手指孤军奋战，去弹一些较复杂或多变的位置。手指在没有任何配合和支援的情况下即便竭尽全力，但还是力不能及。手臂想要配合手指必须通过手腕才能起到作用，所以，关键在于手腕的合理调节。而手腕原则在于每个手指弹奏时要让手指处于基本直对着键盘的方向。这种角度和方向最容易把手臂上传下来的重量自然地送进键盘去。如果手指在每个音上能自如地接受到自然的重量，手指将变得轻松、自如。要做到这一点，就要求手腕左右非常灵活，随时作微调。这种微调在开始时需要人为地通过脑子指挥而有意识地去做到，但是，慢慢的养成习惯就能自如地去控制了。这种动作对手小的学生更为必需。有的学生手很小，但非常灵活、机敏，能把手指放入任何不顺利的位置，这关键就在于他们善于调节。手腕的左右灵活对手小的学生来说是必需的，因为他们不用手腕去帮忙，有些开张位置是难以完成的。手大的学生因为不用太多调节便能够得着开张的位置，就不太注意手腕的左右调节，时间长了手就比较僵硬。所以，对手大的学生同样也进行手腕左右动作的训练，这样对弹琴的协调、技术的发展都有长远益处。

3.在手腕的上下和左右动作的综合动作中，常见的是手腕圆圈式的动作，一般用于一些规律性分组的技术性段落。如四个音一组或六个音一组等同类织体的十六分音符，像《车尔尼299》的第六首，就是每拍四个音符，根据音的高低和手的左右位置，打一个手腕的扁圆圈动作。这个好像是划一个圆圈的手腕的动作，即是手腕的上下和左右结合来完成的。当拇指弹时，因为是重音位置，因此手腕往上左动，并处于低的位置。第二个音到四指，手腕立刻向右挪动过去，在第二个音到第四个音手指从右往左动，并作一个弧形的波动，从而到第二组再做同样的动作，循环往复。只有这样的解决方法才能使弹奏质量得到改进，使技术得到提高。但是，特别提出一点，手腕圆圈式动作只是一个特定的解决手腕僵硬的一种手段，而不能作为弹奏快速乐曲时采用的方法，那样弹奏速度是上不去的。

要较好地完成一首钢琴作品是需要花费很长时间的。这不仅是技巧、音符的问题，还有一定的情感。音乐家冼星海说过：“音乐是人生最大的快乐，是生活的一股清泉，是陶冶性情的熔炉。”因而，每位音乐工作者都应做到，假如音乐是清泉，就让它流得更欢；假如音乐是熔炉，就让它烧得更旺。我们可以看到世界上众多的钢琴家、作曲家专门为钢琴写作，为世人提供了极其珍贵的文化财富。有很多人奉献了自己毕生的精力去掌握钢琴的演奏技巧，使钢琴演奏成为人们迫切需求的一种有深度、有吸引力的高雅艺术。今后，还会有更多的钢琴演奏人才不断涌现，我国的钢琴演奏艺术事业也必定会获得更大的发展。

参考文献：

[1]童道锦，孙明珠编选.钢琴教学与演奏艺术.北京人民出版社，2000年.

弹奏范文篇4

人在日常生活和工作的各种活动都是在心理作用的调节和支配下开始和完成的，因此，良好的心理素质，是人类完成自身活动的必要条件。在演奏过程中，演奏者不仅要具备良好的技术与艺术修养，同时还要具备良好的心理素质。心理素质能够调节和控制人的情感，能够对外来的突发因素进行调节和适应。钢琴演奏的全过程是视觉，听觉和触觉统一作用的十分复杂的心理过程，动作和心理统一作用的过程。

1.1视觉。视觉是演奏必要因素，钢琴谱的视觉的阅读量会很大，关注的范围也会比较复杂。演奏者在钢琴独奏中，多以背谱方式弹奏，对识谱能力的要求多在练习过程中，但是，如果是室内乐协奏或者伴奏，就对识谱能力要求非常高了。因此，在这种情况下，视觉的速度、阅谱能力的强弱主要受演奏者瞬间记忆能力的影响。眼要始终走在手的前面，这样才能保证演奏的连贯性。

1.2听觉。听觉是判断乐曲演奏质量高低的关键，在钢琴演奏过程中，听觉主要由三个层次构成：第一是对乐曲的辨别能力，主要针对音乐的错音和不协和音或节奏等的识别和认知，这点要配合触键来加以修正；第二是深藏于内心的听觉，也就是对音乐音响的预听，应该在演奏前预知接下来得演奏效果，从而运用这种内心听觉来指导触键及手指运动使钢琴演奏更加趋于完美。这种听觉是居于最高层次，是人对于音乐感情的升华，是音乐与内心的共鸣，有内心的畅想，感受更深层次的内在音乐美。

1.3触觉。一般意义上讲，触觉是钢琴演奏者心理活动的外在表现，触觉主要是指演奏者手指的运动也就是触键，同时还包括演奏过程中手腕和手臂的运动，以及踏板的运动，是一种手、腕、臂、足相互协调的运动过程。钢琴演奏者通过对前面所提到的视觉听觉上收集的信息，来指导身体的恰当的运动演奏出符合演奏者的音乐审美需求的声音。

2、影响钢琴演奏的心理问题

2.1自卑心理。有自卑心理的人在遇到问题时往往会潜移默化的失去自己的自信心，原本能够完成的事，在自信心缺乏的情况下便难以出色的完成了，甚至对一些非常简单的事情也难以胜任。这一点在钢琴演奏过程中表现得十分突出，特别是对舞台的经验比较少的人来说，观众和音乐厅往往会给演奏者带来无形的压力，使演奏者难以全神贯注的完成演奏，严重影响演奏者的水平发挥，甚至出现忘谱等情况，导致演奏不完整。

2.2胆怯心理。胆怯就是胆小，既有先天的因素，同时也有后天的影响。在钢琴演奏方面表现为怯场，在众多观众面无法自如演奏，演奏者的畏惧心理会使整个演出显得十分拘谨，忘记事先在练习时需要记住的问题，演奏变得僵硬，不能正常发挥。

2.3紧张心理。紧张心理是影响人们生活最大的心理障碍。应当说，紧张心理遍布于人们日常生活的各个角落。紧张心理会使演奏者精神严重涣散，大脑出现空白，身体协调性下降，致使钢琴演奏者在乐曲演奏的过程中失误频出，演奏者的情绪不能完全投入，其对于音乐表现力也会严重缺乏，最终导致演出的失败。

3、培养良好的钢琴演奏心理素质的有效途径

3.1增强演奏者的自信心。自信心是每个演奏者必须具有的成功法宝，演奏者的任务不仅是要将乐曲成功完成，同时还要依靠乐曲自身的内在张力与欣赏者产生共鸣感。因此演奏者在演奏过程中必须具有十足的自信心，教师在日常教学的过程中要时刻注意培养学生的自信心，以鼓励的方式进行说教，要让学生饱满的自信征服每个作品，征服每个舞台，征服每位听众，以自信心促进演奏者良好的心理素质的培养和保持。

弹奏范文篇5

关键词：音乐教育专业；综合弹奏；音色；钢琴技巧

新近结束的2018年全国普通高等学校音乐教育专业本科学生基本功比赛赛制有较大改动，总体大致呈现以下内容：项目分为音乐教学能力、“微课”展示和社会实践三部分。音乐教学能力包括歌唱与钢琴伴奏、自弹自唱、合唱指挥、中外乐器演奏、舞蹈展示五项内容，以上各项提倡和鼓励展示中国作品。所有参展学生均须参加上述三个项目。其中，音乐教学能力所有参展学生均须参加歌唱与钢琴伴奏、自弹自唱两项。针对音乐教育专业学生的重要术科钢琴来说，我们可以发现：之前占分较重的钢琴独奏一项被取消了，或许能明显感觉到，高校音乐教育专业的教学越来越注重与实际教学工作的结合，综合弹奏能力，是音乐教育专业学生钢琴课教学的基本出发点。基于此，笔者对于提高音教学生综合弹奏能力提出以下几点想法：

一、建立正确的弹奏理念非舍本逐末

强调综合弹奏能力并不意味着可以忽略钢琴弹奏技巧，不意味着只注重伴奏能力，音教毕业生的就业面决定了，一方面进入学校进行课堂音乐教学只是毕业生中的一部分，还有不少的一部分学生会进入一些培训机构进行初中级钢琴教学、其它乐器教学以及唱歌教学等工作，另一方面，哪怕是用于伴奏也需要有良好的音色、声音层次，以及具有科学地发力制造综合音响的能力来更好地促进歌唱，综上所述，都需要拥有正确的弹奏理念和技巧。谈正确的弹奏理念首先应探讨音色。著名钢琴教育家鲍里斯.贝尔曼指出：漠视音色，就像视觉艺术忽略了颜色的存在或行为艺术忽略肢体运动一样让人感到奇怪；掌控音色，从广义上来说应属于技术的一部分，是比那种把音符弹奏得既快又平均的能力更高一筹的技艺。对音乐风格的认知表现在对速度、节奏、乐句划分和触键法的恰如其分的选择上，而且，这种风格上的认识也必须与特定音色的运用相匹配。从学生进校起，对他们的弹奏状态进行一些朝向规范性，从练指、音阶和弦琶音等基础训练弹奏要领的讲解入手，输入音色、触键和发力等概念，为学生积累钢琴弹奏的知识和技术储备是我较为常用的做法。我常在音阶弹奏中提出既有颗粒性又连的概念，以纠正和防止一些由于掌关节懈怠而造成的有些粗、干、硬的声音，强调连续弹奏中对各指即将弹奏状态进行积极调动的重要性；在琶音弹奏中譬如遇见四指张开位受到手指独立性差造成力量不足时引导学生学会合理地调动一些手掌以及手臂的推力来巧妙地对力量加以补充。鲍里斯.贝尔曼指出钢琴技巧的良好基础有两个重要基石，“经济原则”和“延伸原则”，“经济原则”要求演奏者的动作最经济化、实用，当小幅动作可满足演奏时，绝不去动用大关节——手指、手掌、小臂、整条手臂。“延伸原则”要求将钢琴演奏中运用到的各种身体部位（手指、手、小臂、手臂）视为相邻部位的延伸体，每一独立的部分总是时刻准备着为其他部分提供支持并分担其演奏动作。这些部分的相互合作是省力的关键所在。在钢琴演奏中必须培养一种大关节为小关节提供默默无闻的支持的感觉，培养肌肉流延续性的感觉。与演奏无关的关节绝无紧张的必要，相反，它们必须保持主动放松的状态，时刻准备着加入到演奏的行列之中。以上提出音色以及“经济原则”、“延伸原则”我认为是钢琴弹奏中极其重要的环节，在此基础上还可进一步就声音层次、科学地综合发力等问题进行进一步的探讨和讲解，以期最终使学生理论与实践相结合，获得弹奏水平的全面提升。

二、培养自学能力，授之以渔

360百科对于自学能力是这样解释的：自学能力是一个人最优秀的品质。能力，与知识、经验、和个性特质共同构成人的素质，成为胜任某项任务的条件。能力，就是指顺利完成某一活动所必需的主观条件。能力是直接影响活动效率，并使活动顺利完成的个性心理特征。在钢琴教学中，从选曲开始就可以让学生积极参与，结合他们自身的兴趣点和需要补充的营养，教师可以给出学生大致方向，例如：让学生关注某几位作曲家的某几个作品集，具体曲目可由学生听赏后再具体选择，这个听赏和选择的过程其实是给脑中增添了大量音乐语汇，同时也提高了音乐审美能力，益处大大的。与学生共同选好作品后，教师可布置学生通过网络和书籍等收集有关该作品的文字资料，并在琴课上进行融会贯通而又简明扼要的概述，教师进行点评和补充阐释，这样做可以进一步调动学生学习的积极性和主观能动性。学生学习该作品过程中，可引导学生广泛收集该曲好的演奏版本，课堂上带着学生一起听赏，教师结合谱面进行讲解，也可对演奏录音进行一些比对，进一步让学生提高对该作品演绎的认知水平，学生的综合素养也在无形中得到了提高。经验和学识不是一蹴而就的，传授知识的过程是个积累和涵养的过程，通过钢琴课不只是精练、细致处理了几首作品，而是真正提高理解作品、把控作品的能力和综合弹奏技巧，如此，学生的收获更大。

三、授课方式重研讨，从现象看本质

笔者认为音教学生的钢琴课进行一些小组课观摩和研讨非常有必要，关键在于观看之后的研讨和互评，教师的总结和补充亦十分重要，这个过程有利于使学生感性认识和理性认识共同成长，也利于让学生循着现象摸清本质，从而使练琴时方向更明确，效率更高。这里的观摩和研讨可以是音阶和弦琶音的弹奏技术、可以是即兴伴奏的设计样式，也可以认识一些自己未涉足过的作品，可谓营养丰富也！这个过程积累起来的经验对一些日后从事钢琴初中级教学的学生来说，尤为有益。

四、重视视奏环节，通过浏览作品汲取营养

弹奏范文篇6

一、节奏

节奏是音乐的骨架，找到了主要的节奏也就是找到了主题，但是老年人在学习新曲时，往往忽略节奏，拿来就弹，几分音符也不看准，使乐曲旋律支离破碎，最好的方法是，不要急于弹奏，先大至看一下，对整体有一个了解，找出主题，特殊的难弹的节奏型，先把它的图示画出来，打准节奏、再整体的把整首乐曲的节奏弄通弄懂，这样无论对开始的对谱还是以后的弹奏都是有益的，也能提高老年人的节奏感。

二、分句分段弹

从头至尾一遍一遍弹乐曲，几乎是所有老年人的通病，如同一百个单词从头至尾读一遍，第一个单词是什么几乎已经忘光了，但是却花费了大量的时间。老年人在弹奏乐曲时，要把难点的乐节和乐句先解决了，再整体的练习，这样无论对于识谱还是对于技术的锤炼，都是大有好处的。采用这样的方法可以大大加快读谱速度，节省时间，提高效率，事半功倍。

三、指法

正确合理的指法符合手指键盘，音符、乐句之间的关系，它可以使手指的弹奏有逻辑、有规律不忙乱。老年人在弹奏乐曲时往往忽略正确的指法弹奏，不看谱、随意地弹，一点依据也没有弹出的旋律，反而不流畅，断音不连贯，手指弹得也显笨拙。老年人如果运用了正确的指法，就会提高跑动的速度，使演奏的乐句流畅、通顺。指法也可以发挥每个手指的特点，克服技术的困难，更准确的背谱。有些乐曲不按照谱中的指法就会无法流畅的完成弹奏。当老年人使用错误的指法时，就会发现乐句还有一个音时，手指不够用了，或者穿指跨指的次数多了，大指、小指被迫弹黑键，所以指法在读谱过程中是非常重要的。

四、符号

乐谱中有大量的音乐表情与力度、速度符号，这些符号往往是音乐家留在谱子上的路标，它提醒音乐家的创作意图与走向是不可忽视的，老年人在弹奏乐曲时往往整用一个力度，也不看书中的各种符号，使乐曲弹的呆板生硬，没有一点音乐的表现，这些符号中演奏者的演奏是否有亮点、是否可以打动人，就在于是否正确的了解作家的创作意图，就是通过这些符号告诉我们老年朋友们。例如，连线不仅表达此乐句要连贯之外，还告诉了乐句的呼吸与断句，诸如此类的还有重音、保持音、跳音等等。因此，老年人一定要重示这些符号的表现。

五、正确率

弹奏范文篇7

关键词：钢琴教学；弹奏技巧；中职学校；运用分析

钢琴教学课堂中所采取的教学方式也应该推陈出新，才能配合时代的发展理念，充分培养学生的钢琴演奏技巧。每个学生从小接触到的学习环境和音乐作品不同，对钢琴旋律的感知和理解也会有所差异。教师要从多层次、多角度出发，制定符合学生学习发展的钢琴教学方案，帮助每个学生找到适合自己的演奏规律和弹奏风格。

一、注重钢琴教学理念，培养学生的演奏意识

钢琴作为一种时代的艺术，在各种乐器中十分重要的角色。无论从音色上，还是演奏风格上，它的表现力都是十分丰富的。中职生刚接触到钢琴这种乐器，对其演奏方法和弹奏技巧还不是很了解。所以在日常的教学活动中，教师要引导和关爱学生，让他们学会从琴声中感受到创作者的创作情怀，不断探索一些钢琴演奏的实际。扩展中职学校的钢琴教学课程活动，是当前新形势、新社会下的教学目标和方向。教师要加强和学生之间的有效合作，帮助和引导他们建立起自主、合作的探究模式，全方面的培养学生的艺术价值观和生活价值观。这种教学理念不仅遵照了大纲的精神，而且能训练学生的钢琴演奏技巧和审美情趣，激发了学生的主动性。教师也能在这个过程中感受到教育的意义和价值，在引入各种文化活动的同时培养学生学习和探究音乐的能力。钢琴教学是一个循序渐进的过程。想要培养学生熟练的钢琴演奏技巧，教师要先引导学生，让他们明确钢琴学习的目的和价值，从基本弹奏的标准姿势与触键方法入门，让学生掌握重点钢琴演奏的理论基础。对于钢琴的初学者来说，“弹奏手法”是至关重要的一步，也是教师的基础教学环节。但学生在进行钢琴演奏的手法训练时往往是“心有余而力不足”，这极大的降低了教学的成效。为了缓解学生的心理压力，教师要鼓励和支持孩子们的内心想法，让他们学会在演奏中表达自己内心的真情实感，循序渐进的提升自己的演奏技巧。

二、强化钢琴教学力度，提升学生的演奏能力

为了强化钢琴课程的教学力度，教师要经常和学生沟通交流，掌握他们的内心感受以及情感状态，以便及时修改授课方案，帮助每个学生寻找钢琴弹奏带来的快乐。训练学生的钢琴演奏能力是一个循环往复的过程。为了提高学生的弹奏技巧，让他们学会用不一样长的十个手指在钢琴键盘上来回拨弄，弹得均匀，就必须对每个学生进行严格的基本训练，通过日常的教学活动激励他们奋发向上，克服钢琴演奏中的技术难点。从一个长远的发展角度来说，钢琴的教学也是为了能激发学生的创造性意识，培养学生高尚的情趣和情操，使其将自己的性格特征和艺术特点融入到钢琴弹奏的过程中。基于此点，教师和学生既是课堂合作的关系，也是生活中的好朋友。当学生遇到生活或学习上的困难，教师要耐心的引导和帮助他们，带他们走出疑惑，客观地认识到钢琴弹奏技巧的重要性；当教师出现课堂策略制定的问题，学生也要和教师沟通交流，师生携手共创良好的学习氛围。只有这样才能发挥“双赢”的教学成效，通过课堂的互动教学，展现中国钢琴音乐创作的发展历程。

三、运用钢琴教学实例，扩展学生的演奏技能

一些著名的钢琴曲目非常有教学价值，教师可以在课堂中做适当的引入，以加强学生对钢琴发展历史的感触和了解，使其在欣赏和掌握音乐技能的同时有效的进行思考，在训练钢琴弹奏技能的过程中情感得到升华。比如舒伯特的《圣母颂》、马水龙的《雨港素描》、英国诗人瓦尔特•司各特的叙事长诗《湖上美人》中的《爱伦之歌》《抒情小曲集》等，这些都是极具艺术价值的钢琴曲目，能帮助学生提升对钢琴这门艺术的赏析能力和思考技巧，并自觉的配合全身身体的运作，协调一致地演奏出美妙绝伦的钢琴作品。教师在这个实例引入的过程中，也应当充当“领路人”的角色，不断的推陈出新出有效的钢琴教学策略，将“弹奏”与“音乐”相结合，让每个学生都能把实质的钢琴音色有效的激发出来。只有切实可行的教学方案和钢琴弹奏引导，才能促使学生快速进入到弹奏的氛围中，在演奏时引发听众的情感共鸣，营造出灵活多变的舞台表演形式。此外，由于学生对钢琴音色的感知力和实际演奏能力各不相同，每个人的弹奏优势和各自存在的问题也不一样。在必要的时候，我们可以采取特殊的教学环节，对学生展开多层次、多角度的引导，加强钢琴演奏的教学实际，以便满足各个基础层次学生的学习需求。无论是学生个人独自体会学习，还是在师生之间、学生小组合作的模式下进行探究，教师都要鼓励和引导学生，让他们将自身的听觉和视觉观结合起来，在日常的训练中感受各种钢琴作品的创作特点，学习钢琴演奏过程中的艺术情怀。

随着各大高校不断更新教学理念，许多新颖的钢琴弹奏教学方法也层出不穷。为了满足中职学生的心理需求，促进我国音乐教学发展，当前的音乐教师要从新的教学角度出发，让学生主动爱上音乐、学习音乐、感受音乐。在引导学生学习的过程中，教师要注重一定的方法和策略，同时注重钢琴教学理念，培养学生的演奏意识。只有不断的强化钢琴教学力度，提升学生在钢琴曲目的演奏能力，才能丰富钢琴的教学实例，全方面的扩展学生的钢琴演奏技能。

[参考文献]

[1]李岩.中职钢琴教学中弹奏技巧训练之我见(一)[J].现代职业教育,2017,11.

弹奏范文篇8

关键词：钢琴教学；弹奏技巧；左手训练

娴熟的钢琴演奏技巧能够更好的将钢琴曲目的精髓弹奏出来，而钢琴属于多音节乐器，对于它的演奏需要双手灵活的配合。但就目前来看，大多数钢琴演奏者都以右手演奏为主，长此以往，会造成左手演奏能力逐渐弱化，所以，在开展钢琴教学时，应当加强学生左手演奏技巧的训练，促使他们在今后的演奏中做到双手协调发展。

一、钢琴教学中左手弹奏训练的重要性

现今钢琴演奏已成为一种大众化艺术，在钢琴学习的过程中教师应当为学生提供一套科学的教学方法。一名优秀的钢琴家他的双手能够做到来回交替，所以在实际教学过程中，教师应当加强对学生左手训练。左手训练的重要性主要体现在：（1）左手主要负责弹奏伴奏声部，能够烘托整首钢琴曲目的演奏氛围，以此满足大众的音乐需求；（2）左手常在古典主义奏鸣曲中使用固定音型，突显主旋律的音乐魅力；（3）左手负责和声转换、低音演奏、转调等，能让右手演奏更具有表现力，尤其在演奏抒情曲或者摇篮曲时，左手伴奏时对和弦的分解等能让右手演奏的旋律体现的更加优质，以此丰富曲目的真情实感。

二、在钢琴教学中提高左手弹奏技巧的策略

（一）采用科学的训练方法。在钢琴教学过程中，教师应当结合学生的实际情况为他们提供针对性训练方法。帮助学生感受左手演奏时的节奏感，让其能够达到与右手一样灵活的地步。具体方法如下：（1）抬高手指与落键训练，在学生进行钢琴演奏时，要确保手指抬高与落键都要足够稳定，尤其对于无名指与小拇指的要求要更高一些。教师还应当时刻观察学生在演奏时手指是否足够灵活，很多时候，演奏时常出现手指紧张现象。所以，教师可以通过增强学生手指控制力及落键频率来保证左手五指都在同一八度内操作；（2）提高左手手指独立性，在钢琴演奏时，要让每个手指都能独立完成曲目内容。教师应当强化左手手指力量，确保曲目能够稳定均匀的进行演奏。以《十一月》为例，其中51小结为主题部分，教师应指导学生运用左手完成演奏，以此增强左手手指熟练度[1]。（二）选用适合的教材资源。目前，对于钢琴教学左手训练的教材资源相对较少，为了改善这一状况，教师与学生都应当积极扩大自身钢琴曲目阅读范围，深度挖掘适合左手训练的资源，同时通过左手的反复练习，提高左手手指演奏技巧。其中针对钢琴左手训练的曲目较有优势的有车尼尔练习曲，学生可利用颤音、装饰音的训练来培养左手演奏特性，还有尼桑专门为左手训练而创作的六首练习曲，以《无穷动》为例，它的节奏为三八拍，主要以十六分音符均匀且快速流动的变化为主，它的调性由E大调转入G大调，在音区上呈现出上升趋势，之后又转入b小调，如此鲜明的音调能让左手伴奏在其中起到重要的补充作用，从而增加左手演奏的参与度，让左手演奏能够在曲目中发挥出真正的价值。同时，《哈农钢琴练指法》在钢琴教学中也得到了广泛的应用，它是不可缺少的教学资源，这其中的曲目大多需左右手同时训练，教师应当激发学生运用左手演奏的热情，并适当采取合理的考核方式，对学生左手演奏技巧的掌握度进行考查，并根据实际情况及时选择适合学生演奏的钢琴曲目[2]。（三）强化学生左手弹奏训练。教师在钢琴教学中强化学生左手弹奏训练，需充分应用复调曲目。因为在复调曲目中，必须通过左右手完美的配合，才能保证曲目的完整性。日常教学中，教师可通过加大复调曲目的训练强度来提高学生左手利用率，提高左手演奏能力。另外，教师也可以采取左右手分开训练的方法，让左右手分别掌握演奏技巧，由于左手演奏技巧相比右手更为简单，所以只需掌握复调曲目的关键音调即可，进而提高学生左手操作能力。（四）提升左手手指操作技巧。左手手指在钢琴训练中发挥着重要作用，因此需对左手手指进行针对性训练，主要包括以下三个方面：（1）手指均匀操作性，手指只有足够均匀才能弹奏出统一稳定的钢琴曲目。在进行钢琴左手训练时，需要依靠慢练来循序渐进增强左手对音乐节奏的感触，或通过重音来加强训练，以四音为一组音阶，让每个重音的变化出现在左手手指上，让每个手指都能得到很好的运用。此外，还需对学生弱指进行强化训练，增加弱指力度，确保弱指能力能够得到提升；（2）手指爆发力，左手常负责伴奏七和弦与三和弦，在处理音乐情感时需要具有爆发力的技巧，因此需加强手指爆发力训练，通过长期的训练可以让手指对不同音型样式具有一定的伸张准备；（3）手指放松性，只要学生能够在训练中摆脱手指紧张现象，就能灵活的掌握左手演奏技巧，教师应指导学生在训练中保持手臂弹性状态，然后用指尖接触键盘底，从而提升演奏水平。

三、结语

综上所述，一首美妙的钢琴曲需要演奏者做到左右手的协调配合。而在开展钢琴教学过程中，教师应当采取科学的教学方法，提高学生对左手演奏的重视度，以便提升学生的演奏水平，将钢琴艺术的魅力充分展现在大众面前。同时，教师还应当在实际训练中有针对性的教授左手演奏技巧，从而增强学生左手演奏能力。

[参考文献]

[1]刘慧媛.圣桑《六首为左手而作的钢琴练习曲》的创作及演奏探究[J].音乐创作,2017,08:160-162.

弹奏范文篇9

【关键词】高职院校;钢琴教学;音乐表现力;培养

钢琴集体课之所以无法取代个别课的重要地位，这是由钢琴教学任务的本质特点决定的。钢琴教学的最高境界是引导学生用钢琴技能去表现钢琴音乐和钢琴艺术，而钢琴音乐和钢琴艺术的核心是音乐美感。美感是人们对客观事物的主观体验，是受人的审美知识经验和个人需要、立场和观点制约的，是极端个性化的[1]。钢琴集体课只适用于基础性和共同性的钢琴教学目标，如钢琴基础知识和基本技能教学等，而对于艺术性和个性化的教学目标是无能为力的。

高职院校钢琴教学的特点

1.钢琴教学是一般教学活动的一种形式。钢琴教学不是独立于一般教学活动之外的教学活动，相反，它是属于一般教学活动的一种形式，具有一切教学活动所具有的基本特点。例如钢琴教学也是由教师、学生和教材等因素构成的，作为学校教育工作的一个组成部分，它也具有与学校教育相一致的功能。钢琴教学在促进学生德、智、体、美等全面发展方面，有其特殊的、独到的作用。钢琴教学和其他一切教学形态一样，是一种有着明确的目的性、计划性、系统性、连贯性和培养性的教学活动[2]。2.钢琴教学是一种技能教学。钢琴教学的主要特点在于，它是一种以钢琴这种大型乐器为依托的技能教学。按照心理学的观点，人的学习可分为三类：一是概念学习，二是技能学习，三是品德学习。钢琴技能的学习无疑属于技能范畴，虽然在钢琴知识方面会涉及概念学习，但钢琴教学最主要的部分还是技能教学，而且，钢琴知识的教学也完全是为了钢琴技能教学的需要进行的。钢琴技能教学不能离开钢琴音乐和钢琴艺术，但后两者也是以钢琴技能的发展水平为载体的。离开钢琴技能，既谈不上钢琴音乐，更谈不上钢琴艺术。3.高职院校钢琴教学是一种与音乐紧密相连的教学。它不仅需要合理的音响控制、音色的对比变化、繁简有致的节奏、逻辑严密的结构、丰富多样的织体等专业知识，演奏者更需要从艺术的深层次上主动地创造音乐美，表现和再现钢琴作品和演奏者的精神气质、情感特征和想象联想，使钢琴音响更具有感染力和艺术活力，更富有想象力和创造精神，更包含异彩纷呈的个性魅力和艺术享受空间。完美的钢琴艺术形式、感人肺腑的美妙旋律、动听悦耳音色的形成，都是音乐技巧与艺术修养的有机结合、高度统一的结果。高职院校钢琴教学与弹奏中音乐表现力培养的缺失长期以来，高职院校钢琴教学中都是突出钢琴演奏技巧，较少关注艺术能力的培养，许多师生认为钢琴技术就是钢琴教学的一切，将技术与艺术画上等号，这是错误的。但也有部分老师认为钢琴技巧侧重的不是艺术能力的培养，而是训练手指运动的速度、力量、灵敏度，以及全身力量的协调度等外在操作能力。钢琴艺术则是将钢琴技巧转化为有生命力的钢琴音色，再由各种千变万化的音色组合成特定的、具有一定艺术表现力的钢琴音响[3]。有了技巧不一定有艺术化的钢琴音色，但没有技巧则肯定谈不上钢琴音色艺术化。在各类高难度的钢琴练习曲中，主要以鲜明的技术音型为主题，在技术上保持良好的均匀和统一，使艺术性和技术性有机统一结合。

高职院校钢琴教学与弹奏中音乐表现力的培养途径

1.以引导的方式让学生自行发现问题。除了讲授钢琴弹奏的方法之外，也要让学生清楚用哪些方法练习才能克服技巧上的难题，应该教导学生自行推敲学习的意义，让学生要求自己达到最高的程度，因此，一位好的教师不须将学生的问题直接陈列出来，应该以引导的方式让学生自行发现问题。通过自我纠正，才能发挥学习的实际效用，并且在钢琴教学过程当中，引导学生思考问题，发现答案并且表达自己的意见是很重要的。教师除了提供学生音乐知识以及技巧的实际辅导之外，更应该随时启发学生自主思考以及表达能力，而教学的最终目的是协助学生能脱离教师独立，因此，音乐教学最重要的是启发学生思索如何思考、为何思考，并鼓励学生自由、真实表达。音乐的指导应秉持循序渐进的原则，并提供给学生广泛的音乐学习内容，在教导学生钢琴弹奏之前应培养学生的音乐表现能力和优秀的内在听觉能力，拓展学生多方面的音乐能力，并且通过启发方式培养学生具备独立思考、解决问题的能力[4]。2.引导并鼓励学生多参与音乐会。引导学生练习分为四个阶段：包括先建立学生读谱的正确习惯，再帮助学生从乐谱中找出音乐的语言，指导学生正确的弹奏技巧以及完整的音乐呈现与诠释，高校钢琴的学习可先由听唱开始，渐渐通过唱、弹奏加强音乐感受力，之后进行到读谱、视唱，最后可以进行视奏、内在音响、音符形象的领悟及记忆、背谱的能力培养[5]。具备良好的音乐表现能力对于一个钢琴弹奏者而言是非常重要的，弹奏美好的声音除了必须具备完善的技巧外，更要培养音乐表现力，要弹出美好的音色取决于学生对于某种优美声音的强烈期待，并将这种期待灌注于肢体各相关部位。因此，教师应该引导并鼓励学生多参与音乐会，并且在自己演奏或是聆听一场音乐会时，要让自己专心于一种想要倾听的状态，听的同时，将自身置身于作品当中，默唱并辨识调式、调性、节奏以及维度上的变化，听见各个声部、线调、结构。能够有效地培养学生对于音乐的注意力和记忆力。公开演奏具有多方面的教育功能，它既有利于学生钢琴技能的提升，又有利于学生心理素质的优化。它可以用来检验学生的水平，为他们的学业成绩评定提供根据；也可以作为一种奖励形式对成绩优异的学生进行褒扬[6]。3.善于倾听。倾听在练习钢琴的过程当中是极为重要的心理活动，演奏钢琴要像指挥一样，能够掌握音色细微的变化，而这当中最重要的就是倾听的能力，而自我倾听的能力可通过以下几种方法建立：（1）弹奏复音音乐，分部背谱，弹其中一个声部，唱另一个声部。（2）弹出和声进行，唱出旋律，并做移调练习。（3）在内心想象音响后再弹奏出来。（4）担任伴奏或是参与室内演奏，从合奏当中养成倾听的习惯[7]。教师应该以正确的练习方式来教导学生，例如从放慢速度、分手练习、找出正确指法、了解乐曲形式、懂得正确分段、制订练习计划，并且清楚明白每次练习的目标，好的练习是学习过程中非常重要的一环，却常常被多数的教师所忽略，而让学生有计划地参加教学活动是正确的、有效率的练习，是教学上最基本而重要的原则，应避免漫不经心、反复练习的习惯。对于曲目的练习方式、内容以及程序为何如此安排，教师应该设法让学生明白。另外，要学习有效分配练习项目，依照曲目的个别难易状况，设定长期、中期、短期的目标，落实在每天的练习当中。训练视觉对于乐谱产生内在的音乐听觉，以及外在键盘音程感和距离感，通过想象产生肢体的运作，再运用分析、理解、背谱来加强乐谱的影像以及琴键运作的稳定感与安全感[8]。

钢琴音乐是一种表演艺术，必须通过演奏才能为听众所感受，从而产生艺术效果。因此，钢琴教学的最终目标是让学生能在演奏会上顺利地完成钢琴演奏。音感是对音的感觉的简称。培养音感就是要通过训练来提高学生对音的感觉水平，使学生能对音的各种特性——音高、音响和音色进行精确的辨识。

作者:宁静 单位:陕西职业技术学院

参考文献：

[1]张瑜：《浅谈高职学前教育专业钢琴教学存在的问题及对策》，《艺术科技》2017年第21（01）期，第405页。

[2]黄雅芸：《从两套教材的对比看国内高师钢琴教学的新趋势》，《钢琴艺术》2016年第23（12）期，第22-27页。

[3]吴研：《翻转课堂在高校钢琴教学中的应用》，《艺术教育》2016年第25（12）期，第106-107页。

[4]胡琼方：《钢琴二重奏在钢琴教学中的应用思考》，《音乐时空》2016年第11（06）期，第134-135页。

[5]徐婷婷：《钢琴伴奏在初中音乐歌唱教学中的作用》，《黄河之声》2016年第15（07）期，第31页。

[6]罗婷：《钢琴教学中的师生情感交流——以“互联网+钢琴”教学方式为例》，《大众文艺》2016年第12（03）期，第250页。

弹奏范文篇10

关键词：乐感：培养；弹奏技巧

乐感是指人对音乐的感受能力与理解能力。通常表现为人在音乐欣赏或音乐表现时对音乐作品的审美感受能力。前者的表现是隐性的，潜在于人的内心活动；而后者则将这种内心活动付诸音响传达出来。而钢琴演奏中的乐感是指对钢琴音乐作品内在涵义的深刻表现能力。人们常讲要用“内心歌唱”，要“有表情地”弹奏，亦即此意，就是指演奏要有乐感。它是音乐表演艺术(演唱，演奏)的灵魂，更是钢琴演奏的关键性因素，也是决定青年钢琴家成为艺术家的关键。乐感的状况对于钢琴表演艺术具有重要意义。

1乐感需要天赋，更需要培养

在音乐欣赏中，一个人若难以或不能真切地感受到音乐的美，便认为他的乐感不好；同样，在音乐表现中，一个人若难以或不能贴切地传达音乐的美，我们也会认为他的乐感不好，因而乐感这一概念的涵义应当包括对音乐的感受与理解两方面。

在钢琴演奏中，演奏家面对现成的曲词作品要追思音乐原旨，发掘其中真谛，也要结合自己的理解感受，用手指在琴上将之表现出来，将带有自己鲜明个性色彩的对生活的感受、愿望化为音乐叙述以示他人，进行由知而感的创造。可以这么说，支配着手指的是对乐曲的感受能力和理解能力，起决定性作用的是弹奏者的乐感状况。

对于乐感的来源，历来有两种不同的观点。有人认为乐感是先天性的，父母给的，有人则认为乐感是后天性的，经过学习得来的。前一种观点可以由此而决定一个人可否从事音乐艺术表演事业；后一种观点是任何人都可通过勤学苦练而获得演奏艺术所必备的乐感条件。以上两种观点，中外古今无数事实证明，无论先天论还是后天论都是片面的。应该承认，人的大脑器官对于音乐的感知反应是有差别的。听到同一音乐片段，有人能浮想联翩，有人却充耳不闻；有人可手舞足蹈，有人却无动于衷。显然对于非音乐的耳朵，再动听的音乐也是没有价值的。然而，玉不琢不成器。对于音乐具有良好的乐感，只是具备了从事钢琴表演艺术的某一方面的先天条件。钢琴演奏所需要的乐感，是需要经过一定专业训练的，是需要通过演奏技巧来表达的，达到一定专业程度的、具有艺术价值的乐感。这种有别于自然状态的乐感需要一定的天赋，但更需要有目的的培养。

2乐感的培养

(1)首先要注重文化知识与中外音乐理论知识的学习，全面提高文化与艺术方面的修养。文化修养与对外部事物的接受能力、理解能力直接有关。文化修养不足的演奏者，在表达作品意境、诠释作品内涵的程度必然受到一定局限。音乐作品与文学作品有着相同之处，在产生背景、社会功效、创作与欣赏均需形象思维与逻辑思维。许多钢琴音乐作品与文学作品有关甚至是直接受文学作品启迪而创作的。古今中外优秀的钢琴音乐作品是世界文化艺术宝库中的珍奇、人类文明与智慧的精华。各个流派、各个时代、各种类型的钢琴音乐往往特色各具、意境迥然，对它们的感受的理解离不开一定的社会背景、文化氛围。这是文艺作品“源于生活、高于生活”的创作原则的具体反映，也是钢琴演奏家借以阐释作品、揭示内涵的基本依据。纵观古今中外享誉乐坛的钢琴演奏大师，无不自幼受到文化艺术方面的严格教育与浓郁熏陶，无不具有深厚而扎实文学艺术修养。钢琴演奏这棵大树只有深深植根于艺术与文化的肥沃土壤，方可枝叶茂盛，果实累累。

(2)其次要注重和声、复调、曲式、配器等音乐理论的学习，不断提高宏观把握、微观分析钢琴音乐作品的能力。钢琴是和声与复调类的乐器，钢琴作品在某种程度上是乐队作品的浓缩。如同指挥家指挥乐队(无论管弦乐队还是民族乐队)需要音乐理论这一基础知识一样，钢琴家驾驭钢琴同样离不开音乐基本理论。否则，便无法通晓钢琴作品的和声配置、复调形式、织体特点、曲式结构，便无法做到胸有成竹，不仅直接影响对具体作品的感受、理解与表达，而且还会影响钢琴演奏整体水平的提高。中外古今音乐史上，不少钢琴家同时身兼作曲家或指挥家的例子举不胜举；即使专职演奏家或教师，对诸多部钢琴作品了如指掌亦比比皆是。这其中的奥妙当然并非他们超人一等，而是对音乐理论的熟练掌握与运用密切相关。

(3)要注重对于一切优秀音乐作品，包括中外钢琴音乐、交响音乐、民族民间音乐的欣赏，特别要注重对于优秀钢琴演奏家的演奏的欣赏，以便博采众长、融会贯通，逐步形成自己独具特色的演奏风格。音乐是听觉的艺术，运用听觉器官大量欣赏，可以直接有效地吸取艺术精华、培养良好的感受与理解音乐作品的能力、领略作品的韵味与内涵、洞悉作品的情绪与意境。欣赏优秀的钢琴音乐，可以深入地体味作品处理方面的细微差异；欣赏中外管弦乐与民族管弦乐，可以有益于发挥钢琴演奏和声与复调的独特作用；欣赏民族民间音乐，可以更准确地表现中国钢琴音乐的东方神韵。而当今高度发达的现代科技、传播媒介，则为音乐作品的传播普及开辟了多种途径。录音录相、广播电视、舞台演出、电影放映等形式使音乐欣赏成为举手之劳。

一切有志于钢琴演奏者，应该利用可能的传播工具，自由遨游音乐的海洋，不断扩大艺术视野，努力深化音乐的造诣，对培养钢琴演奏所必备的良好乐感是有必要的。

3乐感的理解与表达

一个钢琴弹奏者有了良好的乐感，并不一定都成为优秀的钢琴家。在具体的演奏实践中，还必须在良好乐感的基础上，注意对具体作品的正确理解和精妙表达。乐感的理解和表达涉及许多方面，但有二点是必须注意的。

一是要认识到乐感理解是因人而异的，它受不同时代、环境、个人遭遇的影响，又被不同个性、兴趣、愿望所左右。19世纪是古典音乐大师辈出的年代，但众多大师的风格几乎没有什么雷同。因此，在借鉴他人乐感理解的基础上，须有自己的独特的、散发着个人魅力的乐感理解。只有这样，你的乐感才是你自己的，你的乐感表达才是有创造性的。二是要注意将乐感的理解和表达与娴熟的演奏技术有机结合起来。