新古典艺术特点十篇

新古典艺术特点篇1

关键词：中国古典舞

中国古典舞是我国舞蹈艺术家在中国传统舞蹈基础上，借鉴芭蕾舞的训练手法，结合我国的戏曲、武术、杂耍等多种艺术彤式，经过专业的提炼、加工、整理、创造、并经过较长时间的艺术实践检验，流传下来的具有一定典范意义及古典风格特色的舞蹈。中国古典舞的建构依据十分庞大，从文化内蕴到现在的学科建设，从形态特征到审美追求，它经历了坎坷，同时也收获了辉煌。

戏曲：中国古典舞的推力

中国是一个历史悠久的国家，它在上下五千年的文明历史中孕育着其独特的文化，在这个庞大的传统文化下，又滋生了很多具有中国特色的艺术文化，而戏曲就是其中最为璀璨的一颗明珠。中国的戏曲舞蹈源远流长，根深叶茂，有着深厚的民族根基。它以实际人生活动的戏剧形态，保存了我们这个民族的许多历史文化特征。二十世纪五十年代初，中国舞蹈界开始大规模学习戏曲舞蹈，并对其进行整合、创新，逐渐创立了中国古典舞体系。

正因为此，中国古典舞曾一度被人称作“戏曲舞蹈”。其实它本身就是介于戏曲与舞蹈之间的混合物，中国古典舞中很多强烈、夸张的表现手法，都是和戏曲舞蹈十分一致的。它们都是通过艺术化、舞蹈化了的外部形象特征，来表现生活、展现形象、刻画个性，并通过独特的民族形式、具有中国民族风格和民族气派的手段来加以表现的。可以说，中国古典舞是从中国戏曲舞蹈这一母体中脱颖而出的一种新的艺术表演形式，戏曲舞蹈是中国古典舞诞生的强大推力。中国古典舞一方面保留了戏曲舞蹈中的一些基本表演动作，另一方面摆脱了戏曲舞蹈的行当性和戏剧性，形成了一个足以代表我们民族古代文化特色的艺术体系。它是表演者对于戏曲舞蹈求新求变、钻研创新的产物。

身段：中国古典舞的缘起

身段一词从字意来讲，“身”是指身体，“段”当术讲。身段就是形体动作的艺术，侧重指外部的舞蹈技术，在传统戏曲“唱念做打”的四功中，不论哪一功都是由内而外，通过形体来表现情节，表达人物思想感情的外部动作的。从最简单的比拟手势到复杂的武打技巧，都蕴含着极丰富的舞蹈动作，这些都称之为身段。中国舞蹈最大的特点，就是姿态上的变化特别丰富，手的运用很巧妙，通过手、眼、身法的配合运用，在艺术上达到高度的统一性和完整性。

“身段”从新的意义上来讲，就是舞蹈的姿态，也就是更美化、更精细的舞蹈技巧。身段的素材主要来自于戏曲舞蹈，在戏曲舞蹈原有的基础上把它提炼、加工转化为舞蹈，不按戏曲的规范，而是根据舞蹈的特性，按照舞蹈的要求，把它们升华为舞蹈，把技术性的内容，转化为艺术性的内容。

身段不仅抓住了戏曲舞蹈的动律精华，而且加上其与神韵、劲力、节奏、节律等特点的相结合，更是充分体现了中国古典舞的民族特性和民族美学特征。

身韵：中国古典舞的精髓

身韵从字面上解释，是“身法”与“韵律”的总称。“身法”属于外部的技法范畴，“韵律”则属于艺术的内涵神采，只有将二者有机结合和渗透，才能真正体现出中国古典舞的风貌及审美精髓。

任何艺术创作都要遵循自己统一的表现手段，中国古典舞的创作亦是如此。做为中国古典舞的一种新型表现方式，身韵无疑使中国古典舞创作有了新的气象。

身韵是对戏曲身段的不断提炼的成果，它使中国古典舞摆脱了之前“拘于形”的桎梏，实现了从“形”到“神”的飞跃，完成了戏曲舞蹈从外在形态到内在意蕴的升华。

身韵的推出，使古典舞的动作、造型和舞姿丰富多彩，它将训练身法和陶冶神韵相结合，把“形神劲律”做为古典舞的动作元素并结为一体，为“神形兼备”做了完美的诠释。它以动作舞态的丰富多彩，以及很强的舞蹈性与民族审美性相结合的特点，深得众多中国舞编导们的青眯，并被充分运用到创作当中，使中国古典舞在创作上有了很大进步，为古典舞的发展提供了取之不尽用之不竭的宝贵资源。

芭蕾：中国古典舞的升华

中国古典舞是在戏曲舞蹈和中华武术的基础上，贯彻吸收多种艺术形式发展和建立起来的。一种优秀的舞蹈体系不仅仅要具备传统舞蹈特定的艺术规范，更应该在审美特征的要求下突破创新，广采博收其它舞种的优点，根据已有动作元素剖析、分解或综合创新出更多好看而有难度的优美舞姿。

中国古典舞在其起落沉浮的发展过程中，无论是从戏曲中提取、还是从武术和民间舞中寻找，面对社会的溶合、进化，它都需要重新树立和建构其崭新的形象面貌。因此，在对人类舞蹈文化大环境的考察、协作中，自然包容了很多其它的艺术成份，这是人类不断发展的艺术意识的需要，也是中国古典舞建构所必须涉及的问题。而芭蕾的引入，则是中国古典舞发展历程中不可抹杀的一笔。

芭蕾舞蹈的介入，终止了之前中国古典舞“全盘戏曲化”的训练模式，为其补充了新鲜的内容，包括基本舞姿、跳跃、出腿、转、跳等训练动作，难能可贵的是，我国的优秀艺术表演家们，将中国古典舞精髓融入芭蕾舞中，创造出了极具民族风格的芭蕾作品，这也使中国古典舞蹈升华到了一个全新的阶段！

武术：中国古典舞的意蕴

武术是中华文化艺术的瑰宝和基石，更是构成中国古典舞形态与理念的重要内容。武术对于中国古典舞蹈的影响主要表现在：

1.武术动作的融入使中国古典舞动作舞风更加粗狂、刚武、劲头十足，实现了其在“形”和“劲”上的重要突破。

2.武术中讲究“精气神”“ 手眼身法步”等，这为中国古典舞的吸收和发展提供了一个广阔的天地。

3.武术动作中的静立与流动的对比， 高与低的对比、内与外的对比等等， 在中国古典舞技巧动作中都得到了淋漓尽致的展现。如空中闪身、高低起伏、腾空大跃步等等。

4.中国古典舞中典型的动作斜探海、射雁等，正是运用了太极中审美原则的“ 中和”“以和为美”的含蓄特点，构成了阴阳相生的体态造型。

中国古典舞中武术的引入，不仅增强了古典舞的造型性、技巧性、灵活性与节奏性，而且昭示了中国古典舞的精神气质，使古典舞的审美标准日趋完善。

中国古典舞融合了中华舞蹈文化神韵的精华，在中国舞蹈史上占有非常重要的地位，它经过漫长的艺术长河的淘濯，通过与其他姐妹艺术的融合和创新，以其特有的艺术特征和审美特性的运用，形成了自己独特的韵律和美的规律。“以神领形、以形传神”这是中国古典舞的艺术灵魂所在，也是促其不断发展的强大动力。中国古典舞蹈的长远发展，需要我们每位舞蹈工作者能够不断的在实践中摸索，不断地去拓展它，使其真正成为具有中国传统文化韵味的，更为贴近中国舞蹈历史的艺术形式，使其一步一个脚印的走下去，并且把它的艺术生命一直延续下去……

参考文献：

[1]唐满城.论中国古典舞身韵的形、神、劲、律.载于中国舞蹈家协会《舞蹈论丛》，1989(2).

新古典艺术特点篇2

关键词:现代艺术;舞蹈;当代舞;古典舞

一、引言

随着中国经济的快速发展，人们生活水平得到了很大程度上的提高，舞蹈作为一种艺术形式也在不断地更新换代。现代舞蹈是艺术领域的一个重要分支，它以一种独特、新颖而又别致的角度展现人类对大自然以及社会生活的热爱和向往。在中国当代有许多优秀艺术家为我们提供了很多宝贵经验，这些艺术家所带领着我国广大人民群众一起参加各种文艺活动并且取得了巨大成就与辉煌地位;也正是因为如此舞蹈艺术才受到世界上各艺术家青睐，并逐渐发展成为一门独立学科，被广泛地应用于各个领域之中并发挥作用。

二、现代舞蹈对中国当代舞发展的影响

(一)现代舞蹈的发展与演变

从19世纪初，在西方舞蹈的发展过程中，现代主义艺术开始传入中国。随着时代变迁和现代化社会的不断进步与完善以及外来思潮对人们思想观念产生的影响，现代舞已逐渐成为一种新时尚、潮流文化形态之一。它以崭新面貌出现于大众生活当中并受到广大群众欢迎;其具有鲜明民族特色，是一个充满着强烈感染力又富有激情的舞蹈艺术创作类型。现代舞蹈的发展与演变，主要是以西方的舞蹈艺术为基础，通过对传统文化、民间特色等因素进行深入研究和分析。随着时代进步以及人们审美意识不断提高而出现各种新思潮、新流派等都是现代舞发展与演变的产物，其中包括舞蹈形式上也是多种多样:例如戏曲剧种、民间歌曲等。现代舞蹈是在西方的艺术背景下出现，并逐渐发展起来。中国古典舞从19世纪50年代起就开始了蓬勃发展。经过近些年不断地探索与创新后形成具有我国特色的古典舞蹈体系和风格流派;在2000年前后出现许多现代西方艺术所特有的表演方式。

(二)现代舞蹈对中国古典舞的体现

在当代的舞蹈作品中，古典舞是中国传统文化和民族精神高度融合，与现代社会生活息息相关。因此我们要充分理解古典芭蕾、西方芭蕾舞等表现形式。从这些艺术中可以看到许多具有代表性的现代风格元素被融入了其中并对我国当代舞蹈产生深刻影响;例如:北京奥运会开幕式采用芭蕾舞进行表演时运用了大量的爵士音乐与西洋乐。现代舞蹈的发展，对其表现方式也产生了一定程度上影响，其中主要表现在三个方面:一是在中国古典舞中融入现代元素。传统意义上将舞蹈艺术同精神文化、历史等因素紧密联系在一起。但是随着社会的不断进步和变迁以及人们生活水平与审美观念发生改变之后就出现了许多新思潮。二是在西方国家盛行开来进行创作和表演，而现代主义风格也逐渐被部分艺术家所接受并运用到其中。中国古典舞蹈的表现形式与其他艺术一样，是以传统表演为核心，融合了多种文化内涵。从现代舞来看其体现了以下几个特点:首先它不是简单地模仿16影音舞蹈自然形态而更多的是追求一种“美”;其次它所展现出来的不仅仅只是单纯的肢体语言、道具和服装等方面来表达创作者内心情感世界和思想观念等。

(三)现代舞蹈对传统文化传承的拓展

现代舞蹈的发展，不仅仅是对传统文化和艺术形式进行创新，更多的是在不断吸收优秀民族元素，使其符合当代社会需求。从我国古典舞剧目来看:中国戏曲中很多都是具有代表性的作品。例如《锦线》《穆桂英挂帅》等经典戏都有很强的代表意义;再如杨丽萍曾说过“曲艺表演也是民间舞蹈”这句话就非常形象地概括了这一点。现代舞蹈的特点是其具有鲜明时代特征，它在传统基础上，借鉴了外来艺术，并结合西方文化和本土民族特色。从内容来看:古典舞、芭蕾舞等都有自己独特的表演方式;而当代又融入一些新元素来表现中国古典风格;例如:戏曲中经常出现戏曲里角色扮演者不同动作所展现出的神态美等特点也是现代舞蹈发展过程当中不可忽视一个重要部分，因此在创作时我们要将传统民族文化和西方艺术相结合。

三、现代舞蹈中的文化内涵及其产生与原因

(一)现代舞蹈中的艺术内涵和形式

现代舞的产生与发展，是由舞蹈艺术本身所具有的特征和审美价值决定。从形式上分析，当代古典舞蹈以“抽象性”“象征性”以及现实感为主要表现手段;以现实生活作为创作对象为基础进行表演;在内容方面则更注重于对生活本质及文化内涵等多方面的表达。首先从形式上来讲现代舞主要有两个基本元素:一是艺术语言与动作技巧，二是音乐和服装色彩变化。现代舞蹈的形式和内容在不断地变化，但是它们并没有完全脱离传统，也有了很大程度上的丰富。首先是中国古典舞中艺术内涵。从西方舞蹈来看:它不仅仅具有表演性、娱乐化等特征而且还具备着观赏性;同时又有着强烈而深刻精神文化方面含义。其次是中国古代戏曲艺术以及民间音乐等现代元素被运用到其中后，所展现出的是一种独特风格和审美意识，并在一定程度上对传统的戏剧形式进行了创新与发展。

(二)现代舞蹈中的文化内涵是当代古典舞创作

和艺术产生重要手段现代舞蹈的创作过程中，通过对传统文化、民间艺术以及外来因素等多方面进行充分挖掘和研究，将中国古典舞从原来单纯作为一门独立学科发展到现在成为一种集音乐、体育为一体的综合性艺术。这种融合多种元素于一体之后所形成的新形式与西方芭蕾基式相结合是当代古典舞最明显也是最为显著的特征之一。当代古典舞的创作和艺术产生主要是通过舞蹈作品来表达，它所反映的是一个民族文化内涵。从中国古代文学、历史典籍中寻找素材与现代生活相结合。从当代舞蹈的创作和艺术产生开始，现代舞就已经在文化上得到了很大程度的发展，尤其是西方现代主义思潮对中国古典舞蹈产生了影响。而这些新思潮又给我们带来一种全新感受:“文化”“生活方式”以及新媒体等多种形式将成为未来古典舞创作中一个非常重要的话题和方向;现代艺术也可以，让我国本土的民间戏曲艺术得到更好地发展，使其能够在一定程度上适应时代性特征。

四、现代舞蹈对中国当代古典舞发展的思考

(一)现代舞蹈对中国古典舞发展的作用

现代舞蹈在中国传统艺术中占有重要的地位，其功能是传承中华民族优秀文化，弘扬民族精神，使我国各方面发展都能紧跟时代步伐。首先古典舞对我国民间舞蹈产生了巨大影响。从1979年开始到现在已有三十多年历史:最初的时候人们只是单纯地去模仿一些民间动作来进行表演和表达;随着时间慢慢推移出现了许多具有现代意义上的新元素融入其中以表现艺术形式、舞蹈方式，使我国传统文化得到不断创新与发展。从中国古典舞的发展历程来看，其艺术特征和审美特点，是与时代相结合，不断创新而形成的。在现代舞蹈发展中西方现代主义风格对我国传统文化元素进行了融合、吸收并发扬光大。首先我们要坚持民族性原则:中华民族具有深厚历史底蕴及精神内涵丰富多样等优势;其次从中国古典舞自身所特有的表演方式来分析其表现形式和内容，并以此为依据提出发展策略。现代舞的发展，不仅仅是舞蹈动作，更多的是对中国当代舞蹈事业产生了深远影响。在当今时代背景下我国民族传统文化面临严峻挑战。“艺术源于生活又高于生活”这句话很好地说明了一个国家和人民群众审美观念的变化过程中所带来深刻改变，艺术来源于现实生活也反映于社会现实，由过去的物质文明到现在具有精神内涵。

(二)中国传统文化在现代舞蹈中的运用

当代舞蹈作品的创作是艺术创造中重要环节，在中国古代，“舞”就是一种表演形式。从汉代开始就有了民间歌舞表演。到唐代时期出现了一些具有代表性和特殊性的民族艺术作品如:戏曲、民歌等戏剧演出也逐渐增多起来;明清时代流行于各个地方并逐步发展为现代舞蹈表现手法;民国时期兴起以西方歌剧为主体音乐形式为代表的艺术思潮也随之传入国内，中国古典舞在舞台上得到空前绝后地繁荣与传播是必然趋势。中国传统文化的精髓不仅是在舞蹈创作中体现，也体现在现代舞表演和舞台设计上。从艺术审美角度来看，古典芭蕾作为我国民族民间的一种独特舞蹈形式受到了西方芭蕾舞、西服等很多风格流派及主流演出方式影响。随着时展进步以及人们生活水平提高与观念转变，需对传统戏曲元素进行创新性改造以适应新时期对中国文化的需求与追求，所以说现代舞在中国当代传统文化上也是有所体现和借鉴。

五、现代舞蹈艺术对中国古典舞发展的思考

在中国现代艺术的发展过程中，古典舞作为一种舞蹈，它不仅具有一般表演形式所不具备的特点和魅力，同时又有着深厚文化内涵。但是随着社会经济、生活方式以及人们审美观念等方面不断变化与进步，当代艺术对我国传统民族民间戏曲产生了巨大冲击。现代舞作为一种艺术形式，是将舞蹈的表现手法与美学相结合，并以舞蹈表演为内容来进行创作和传播。从某种意义上说这种文化内涵对中国古典文艺产生了巨大影响。我们不能一味地照搬他国风格特色艺术形式和文化符号而没有自己的本土化语言。目前，我国古典艺术的发展受到了各种因素影响。比如现代设计理念、文化背景和西方现代主义思潮等。我们应该学习西方国家那些先进和科学的方法来发展我国当代古典舞蹈事业，并且对这些优秀作品进行研究与分析后为我所用，这也是现代舞蹈在中国传统文化中运用的意义所在。我们必须重视并加强对现代舞蹈元素进行研究学习和探索，促进我国民族民间审美意识、情感以及价值观念的发展变化;另外一方面还要注意的是要注重在中国传统文化中融入具有时代特色并且能够反映出当下社会现实情况，使之成为一种流行性艺术形式，从而为古典舞创造一个良好环境。

六、总结

现代艺术的发展，使中国传统文化发生了巨大变化，也给我国舞蹈教育带来新的机遇与挑战。文章主要从当代艺术风格入手分析其对古典舞剧表演模式、演出方式和创作手法等方面所产生的影响。

参考文献:

［1］张欣欣．“后发”的抽象:当代中国抽象艺术的多元之路［D］．天津:天津美术学院，2010．

［2］丛亮．街舞与现代舞的差异［J］．群文天地，2011(12):107．

［3］盛宁．对“现代主义”在中国影响的再思考［J］．文学评论，2012(1):5－15．

［4］郑予顺．浅析现代舞欣赏的角度［J］．剑南文学:经典教苑，2012(7):172．

新古典艺术特点篇3

【关键词】川剧；中国古典舞；行当；功法

一、引言

20世纪50年代，欧阳予倩先生首次提出中国古典舞概念，主张“从戏曲中保留下来的舞蹈入手去研究整理中国古典舞”，奠定了中国古典舞与戏曲密不可分的关系。80年代以后，李正一与唐满城二位教授在不懈努力之下，成功从戏曲中提取了身韵元素，编写了身韵教材，拟定了教学大纲，中国古典舞教学从此走上正轨，更加民族化、系统化、科学化。虽然现在中国古典舞学派多样，但新古典舞以它特有的身段形态、身韵风格在古典舞中独领，仍是各高校主要学习体系。由于本人从小居住在四川，因此对川剧尤为关注，同时一直学习和钻研中国古典舞，对一些成功运用川剧元素创作的中国古典舞剧目深感兴趣（如《俏花旦》《百花争妍》《纸扇书生》等），坚信其艺术风格能为未来中国古典舞的可持续性发展提供强有力的支撑。

二、川剧综述

（一）川剧概念。川剧俗称川戏，是中国传统戏曲剧种之一，被列为部级非物质文化遗产艺术，流行于四川、重庆及贵州、云南部分地区。川剧集昆腔、高腔、胡琴、弹戏、灯调这五种声腔于一体，其中尤以帮、打、唱相结合的高腔最具特色。（二）川剧现状。川剧形成至今,其发展历史可以划分为多个阶段。由于本论文重点不在于此，仅简单说明一下它的现状。近十几年，由于受到外国文化的冲击，同时随着时代的日益变化，人们的审美意识及审美观念都有所改变，中国传统文化遭到严重的打击，这其中不免涵盖了川剧。国办剧团大量解体，至今仍有所传承的川剧团不到20个；从业队伍急剧萎缩，老一辈的艺术家已垂垂老矣，而年轻一代对川剧并不感兴趣，人才断层极其严重，技艺濒临失传；传统剧目成批流失，历史上川剧的剧目有“唐三千，宋八百、数不完的三列国”之说,而当下能演的寥寥无几。针对这一现象，国家在2006年将川剧纳入非物质文化遗产并进行保护，这足以说明川剧所具备的文化底蕴及艺术风格是被全国认可的。近年来，川剧与旅游产业及其他姊妹艺术的有机融合，逐渐受到大众的喜爱。每当游客来西部地区时，总不忘领略一下川剧风采，无不为变脸、喷火等高超技艺所惊叹，川剧已成巴蜀地区特有的文化标志。此外，将川剧元素融入中国古典舞剧目创作之中，也深受大众好评。如刘凌莉老师编创的优秀作品《俏花旦》《百花争妍》《英姿》，分别采用了川剧的花旦、青衣旦、刀马旦的形象，一登春晚，其新颖大胆的舞蹈创作就吸引了观众的注意。笔者坚信未来川剧定能走可持续发展道路，其发展势头将会再次复苏，其前景也会越来越宽。

三、中国古典舞综述

（一）中国古典舞概念。中国古典舞实为当代人所创，对中国古典舞这一概念的认知，首先要从“古典”二字入手，“古”从字面上理解为传统的意思，“典”可解释为典范、经典。许多学者认为古典舞只能表现古代舞蹈，应极力将古代舞蹈复现，将“古典”与“古代”混为一谈。中国古典舞是在借鉴传统艺术戏曲、武术的基础上，遵循舞蹈艺术本体的特性和规律，结合当代人的审美特征，建立的具有鲜明民族性、舞蹈性、科学性、时代性的新型艺术样式。在20世纪80年代，不仅有以身韵为核心的新古典舞，同时还出现了根据壁画、画像砖等文物为创造依据来还原古代舞蹈、揭露古代风貌的敦煌舞蹈流派和汉唐古典舞流派。“百花争鸣，百家齐放”这种现象是好的，我们应提倡多元文化并存，但无论中国古典舞未来的分支有多少，它的表达内容都应着眼于“古典精神”，其实质并没有发生改变，只是表达方式有所不同。（二）中国古典舞创建发展历程。中国古典舞创建历程可大致分为奠基时期、建设时期、升华时期、成熟时期。奠基时期及建设时期主要以欧阳予倩、崔承喜、叶宁为代表，他们提出了一系列的观点并进行艺术实践。这一期间最为重要的是叶宁带领成员于1960年完成了《中国古典舞教学法》（大绿本）的撰写工作，初步形成了中国古典舞教材。这一教学法是在戏曲、武术的基础上，进行分析、提炼、整理，同时借鉴芭蕾舞蹈科学的训练体系，由浅入深地进行训练。80年代身韵的构建则是其升华期，身韵是“身法”和“韵律”的总称，二者有机融合，令中国古典舞实现了民族性、科学性、系统性的统一，是李正一老师和唐满城老师历经30多年探索出来的训练体系。身韵使得中国古典舞彻底摆脱偏离于民族特性的纯功能训练的影响，它包含形神兼备、内外统一等要求，其特征主要体现在“形、神、劲、律”这四个字上，同时身韵的外在形态则以“拧、倾、圆、曲”为其衡量标准，以三圆（平圆、立圆、八字圆）为主要运动路线。90年代之前中国古典舞是从无到有，90年代以后中国古典舞则是从有变多，逐渐步入成熟阶段。这一期间中国古典舞无论是教学体系，还是剧目创作，都越来越完善，并逐渐得到国内和国际的认可，同时其艺术风格也越来越多样。当前我国古典舞呈现三足鼎立的局面，分别是李正一、唐满城创建的新古典舞，孙颖创建的汉唐古典舞以及高金荣创建的敦煌古典舞。其中，新古典舞是对中国戏曲舞蹈的继承发展；汉唐古典舞致力于在古代文献与文物中发现具有代表性的舞蹈语汇，同时将创作的视野扩展至古代文化的各个方面，包括文学、哲学等，以此来把握某一古典时期的整体文化风貌与美学精神，通过舞蹈呈现一种古典文化意蕴和人文情怀；敦煌派古典舞的动作特征以壁画形象为依据，对壁画中静止的形象和造型进行临摹，并借助舞蹈的基本规律使得这些画像与雕塑流动、鲜活起来。由于“一体多元”的现象越发显著，反而令大家想要找到中国古典舞唯一的“核心”，对古典舞的定义产生了疑惑。其实从马克思主义哲学的角度来说，这是一种对立统一的现象，是同源分流的必然结果，当下中国古典舞一体多元的发展模式是不以人的意志而转移的，是当代人依据自己的审美观念、理解诠释的不同而呈现的多元化现象。而在这“一体多元”的背后就不免包含了中国古典舞与川剧的有机结合，虽没有完整的教学体系，但已出现了不少的优秀舞蹈剧目，笔者坚信在未来它将会成为中国古典舞强有力的分支，形成具有西部特色的中国古典舞。

四、川剧对中国古典舞剧目创作的影响

从目前蕴涵川剧元素的中国古典舞成功案例中，我们可以看出川剧与中国古典舞的有机融合所产生的“新产物”深得业界的肯定与赞扬。因此，笔者认为可以从中总结成功的创作经验，这些宝贵的财富对于未来二者形成的“新产物”提供了一条有效快捷的道路。（一）从川剧行当入手创作人物形象。川剧有小生、须生、旦角、花脸、丑角这五个著名行当，而每一行当之中又有不同的分行。这就需要编导在塑造人物形象时，阅读大量相关书籍并深入川剧院去体会其性格的不同，之后在舞蹈创作中所塑造的艺术形象才更具真实性，才可追溯其舞蹈形象“母体”是源自川剧，而不是京剧、昆曲等其他戏曲。所以在提取行当特点时，一定要找到其独特性，这一点是其他戏曲无法替代的，也只有这样才真正属于川剧与中国古典舞二者产生的“新产物”。我们可以先从成功案例——舞蹈作品《俏花旦》中去找寻如何令艺术形象更富有独特性。首先是动作语汇，俗话说“一方水土养一方人”，刘老师在创作该作品之前，先向老川剧家们学习相关知识，寻找其特有性格及动作语汇，才形成了舞台上舞者那般争奇斗艳、不时地向对手发起挑战的场面，好像在说“你能吗？”那富有孩子气的“洋洋得意”的形象，不由得让人发笑。成功演绎了巴蜀少女之间美好的情谊以及她们不服输的品格，将巴蜀少女的生活场景巧妙地升华到艺术境界之中。其次，在作品中巧妙地采用了川剧的翎子功，它不仅象征着花旦特有的身份，同时将花旦的内在情感借由翎子外化，更加清晰地展现在人们眼前。技与艺的结合，既提高了该作品的观赏性，令观众产生兴趣及油然的惊叹，同时又具有艺术价值，能引发观众与编导、演员的情感共鸣。最后，编导在音乐的选择上也极具地方特色，一出场就采用了巴蜀方言直接点明该作品的主题思想，同时还采用“肉锣鼓”来打出节拍，赋予整个作品欢快、富有乐趣的基调。音乐的有效辅助，表现出巴蜀妹子聪慧、泼辣、真善美的个性，给观众描绘了一幅地方性民俗特色的画卷。《俏花旦》这一作品在古典舞的基础进行艺术创新，融入了地方戏曲川剧的旦角形象以及特有的翎子功，打破了中国古典舞传统剧目创作的固有模式。该作品的产生有效地改变了川剧与中国古典舞的发展窘境，带来了新的发展契机，更加符合当代人的审美，同时又没有丢失传统文化底蕴。这无论是对中国古典舞剧目还是对教学体系中人物形象的塑造的培养，都是一个极为重要的艺术典范，形成了另一股分流，虽其流动不如其他三者那么汹涌澎湃，却蓄势待发，其发展势头不可估量。在川剧丑角这一行当，近几年也创作了《滚灯》舞蹈作品。从动作角度进行分析，因为是丑角，是小人物，所以整体动作的编排不需要多么的正派、大气，需要抓住人物的主要动作特征及情绪心理。例如，剧目中有一组独特的动作是一群小徒弟捏着兰花指、扭着身体、跳着后踢步，在该作品中可谓点睛之笔，既有效准确地塑造了人物形象，还令观众印象深刻。试想一下，如果在其他作品或现实生活中，看到一群高大的男人做类似的动作，可能会令人质疑甚至无法接受。因此同一动作语言放在不同地方所起到的艺术效果大有不同。同时编导在对师徒二人的形象上也定位准确——是具有川剧丑角特色的师徒关系，不是京剧的，不是昆曲的，也不是其他任何川剧行当的师徒关系。作品为了体现徒弟与师傅的关系以及徒弟特有的年龄思想，通过表现徒弟在学艺过程中爱耍小聪明，与师傅“斗智斗勇”，上演了一场别开生面的滑稽场景。舞蹈《滚灯》在服装和化妆上也对川剧《滚灯》有所借鉴：在服装设计上,徒弟们身着不同颜色的肚兜、宽松收腿裤、腰扎彩绸、脚蹬绣球鞋；在化妆上，则是光头、白鼻梁、红鼻头、红脸蛋。[1]所以在古典舞作品中塑造川剧形象时，最为重要的一点就是找到它的独特性，那么如何富有独特性呢？首先落实在动作语言中，因为在舞蹈艺术作品中动作是传递人物内心情感及性格的有效途径；其次，在川剧中每一行当都含有自己特有的功法技法，可通过一些道具功法来有效塑造其人物形象；最后可借助音乐、服饰、妆容等外在手段进行人物形象的刻画（二）从川剧功法入手创新中国古典舞语汇。川剧的专用功法对于中国古典舞作品的动作语汇创新及行当形象塑造都起着有效促进作用。它是指一些行当或角色类型，为表达内心复杂的情绪情感，借由一些特殊技能和技法来有效传递给观众。川剧功法一般有翎子功、髯口功、褶子功、水袖功、扇子功、踩跷功、矮子功等。上文已谈到川剧的专用功法对舞蹈形象的促进作用，若将这些功法技法进行有效整理，与中国古典舞身法韵律相融合，形成新的古典舞语汇，也是隶属于二者的“新产物”。例如刘凌莉老师编创的《百花争妍》作品，其中的舞蹈语汇采用了川剧的水袖功，将川剧水袖功的表意性及技艺性特点在作品中淋漓尽致地传达出来。将水袖异化为争奇斗艳的鲜花，表现出四川年轻女子如花般的年纪，散发其特有魅力以及骨子里透露出的不服输的气质。这一作品在动作语汇上也给中国古典舞服饰水袖课程带来了一定的思考，如何创作出更为丰富的袖舞语言？如何将袖技与中国古典舞的技术有机融合？如何使袖技更具表意性？胡岩老师编创的《纸扇书生》舞蹈作品，是以川剧折扇为道具创作的中国古典舞男子群舞。作品分为三部分，分别表现了雅致闲逸的仪节风度、妙趣横生的自娱态度和狂放不羁的逍遥气度等中国古代文人的典型特征。该作品的初衷是希望从不同角度展现一个立体全面的书生形象。作为一个编导，不能以“形而上学”的眼光看待表面现象，而应以辩证统一的方式多角度地塑造一个艺术形象。因此编导着重从“趣”、“雅”、“狂”三个角度去塑造古代书生形象。“趣”“雅”“狂”既是不同文人之间迥异的性格特征，也是同一文人形象在不同人生阶段的不同心态，更是不同时代不同文化环境下文人的不同情感诉求。[2]运用川剧扇子功的形式表现古代书生的形象，而并不局限于川剧中小生这一行当。该作品中部分动作编排与折扇技法的运用都借鉴了川剧，其源头可追溯至2006年北京舞蹈学院中国古典舞系主任王伟老师组织的一次川剧小生扇子功进修课，他们跟随著名川剧演员肖德美老师进行学习。在学习过程中，肖老师不仅从理论方面细致分析了川剧小生运用折扇时的“手眼身法步”以及极具特色的扇子功法动作语汇，更重要的是把各种不同的扇子用法规范成扇法术语，并编排成短句进行教授。这次的学习极大引发了胡岩老师对川剧小生形象的喜爱以及对折扇技法的兴趣。之后北京舞蹈学院将折扇技法融入古典舞组合课中，丰富了中国古典舞服饰道具课程的内容，更加注重加强学生的身法韵律、对多样人物形象的把握以及对古代传统道具技术的熟练掌握。技艺性和艺术性的有机结合为中国古典舞的学科发展和创作提供了宽阔的道路。随着对川剧书生形象逐渐深入的认识以及对折扇技法的熟练掌握，胡岩老师历经十年，最终明确了编创动机，希望通过该作品多角度去展现古代书生的人物形象，进而折射出古代传统文化精神。这一作品的创作历程可以作为一个成功的案例，为以后中国古典舞从川剧艺术汲取养分提供有效参考。在2019年，胡岩老师还出版了著作《中国古典舞扇舞研究》，形成了一套完整的中国古典舞折扇训练教程，为中国古典舞服饰道具课程又增添了一抹亮丽色彩。因此，川剧专用功法不仅为舞蹈作品（尤其形成特有的古典舞语汇）增添了焕然一新之感，而且也为中国古典舞未来服饰道具课程的发展指明了一条行之有效的道路。

五、结语

本文从现有成果来分析和总结中国古典舞从川剧艺术中汲取养分的有效路径，希望能有效解决川剧（传播度与受众度）与中国古典舞（民族化与语言的匮乏）现有的窘境，同时能为西部舞蹈高校建设中国古典舞学科提供有效参考。笔者坚信在未来，将川剧元素巧妙融入中国古典舞教材建设与剧目创作当中将获得瞩目成绩。

参考文献：

[1]吕莹.浅析舞蹈作品<滚灯>[J].齐鲁艺苑,2017.

新古典艺术特点篇4

【摘要】古典舞技术技巧对古典舞来说十分的重要，它的好坏直接影响到古典舞艺术水平。好的古典舞技术技巧影响古典舞艺术良好发展的重要部分，因此我国的古典舞基础技术技巧的要求非常高。所以这就要求古典舞表演者有较强的基础技术技巧才能推动古典舞的发展，实现古典舞的艺术价值。

【关键词】古典舞 训练 技术技巧 发展

古典舞是中国舞蹈中极具特点的一种类型，古典舞的表演方式主要是以民族的审美观为主。传统的舞蹈技巧吸取了古代戏曲和中国武术的精华，又随着时代的推移融入了大量西方舞蹈艺术，这样吸古融今的舞蹈发展，既适应了现代的发展需求，又传承了古典舞的魅力。本文就是通过对古典舞技术技巧的研究，有效的促进古典舞的发展。

一.古典舞技术技巧的发展

男女性舞蹈表演者的人w生理结构和运用规律不同，所以在舞蹈技术技巧的运用中要分类对待。舞蹈技巧的训练应根据不同的问题来突破它的局限性，有效保障教学模式与舞蹈表演者的良好互补，保障共性化发展，推动古典舞蹈技术技巧的优良发展。近几年技术神韵化成为古典舞艺术发展的一种趋势，融入神韵化的古典舞其风格更具特色，技术神韵化扎根于古典舞技术技巧、风格韵律、舞蹈表演中，能够有效将古典舞艺术的美感发挥出来。这也是现代古典舞艺术发展的重要内容。随着舞蹈艺术教育的科学化、规范化，古典舞蹈技术技巧也应顺应其而改变。为了有效发挥技术技巧在舞蹈艺术作品中的作用，古典舞技术技巧的训练形式应从新定义技术极限化发展形式出发，制定一致的发展目标，将技术与艺术有效结合，实现古典舞的艺术价值。技术技巧也是古典舞的一项重要部分技术技巧局限于人体的结构，为避免出现俗套的现象，就要摆脱传统单一的技术技巧，将高难度，具有特点的技巧融入作品中，多变的技术技巧，会给观众一种视觉冲击，有效推动古典舞技术技巧发展。

古典舞表演者要提升自己的技术技巧就应在训练中注重跳、转、翻这三项内容进行科学，正确的训练方式。舞蹈表演者还应紧随古典舞的发展趋势，不但要提升自身能力，还应推动古典舞发展。

二、古典舞技术技巧的科学训练内容

（一）古典舞技术技巧中跳的训练

舞蹈中的跳和现实中是不同的，他是将力量、速度、协调性和灵巧性融合于一体的综合性弹跳能力。人身体骨骼肌肉力量的大小、肌肉收缩快慢的速度都是影响表演者弹跳的因素。弹跳的关键主要是大腿力量和弹跳协调性构成。古典舞的弹跳技巧是以一种循序渐进的方式进行的，由简到难，这样不但可以提高表演者的弹跳技巧，也为表演者学习其他舞蹈技术技巧奠定基础。蹲的训练是提高弹跳能力的必学之课，把杆上的一、二、五位蹲训练都是给舞蹈表演者提高弹跳能力做的基础训练内容。从而保障跳达到舞蹈艺术的标准。轻腿训练可以有效的保障舞蹈表演者在最短时间内达到标准。

（二）古典舞技术技巧中转的训练

古典舞中旋转是一个重要的部分，而协调性也是旋转中最基础的一部分，舞蹈表演者旋转的好与坏，绝大多数是协调性所控制的。古典舞的转吸取了大量芭蕾舞的艺术，但又不同于芭蕾。芭蕾的旋转是在直立状态下完成的，而古典舞则将民族特色融入其中，在直立状态下还要保持腰背收紧，注意头的摆动速度和重心的把握。身韵独有的韵律和特点也十分重要，注重身韵的表现才能保障舞蹈更具流畅性，更具吸引力。

（三）古典舞技术技巧中翻的训练

古典舞对表演者腰部动作的要求非常高。因为腰部动作是完成翻身的重要部分。翻身的训练主要以跨为中心轴，在身体保持倾斜状态下进行的，翻身训练中表演者的身体协调性十分重要。翻的动作要将表演者身、眼、手、步有机的协调在一起，因为表演者在训练翻时要求十分严格。只要按照一定规律进行翻身动作，才能保障身体动作的一致性与流畅性。

参考文献：

[1]杨成.舞蹈中跳、转、翻技术技巧训练的特点与运用――以中国古典舞为例[J].艺术研究.2015（02）

[2]吕碧.浅谈中国古典舞技术技巧的训练与应用[J].戏剧之家.2015（21）

[3]张云艳.关于中国古典舞中旋转技巧的基础训练研究[J].黄河之声.2013（20）

[4]朱晓峰.论中国古典舞旋转技巧训练及应用韵[J].艺海.2013（06）

[5]寇文.谈当代中国古典舞的技巧训练[J].艺术科技.2013（03）

[6]赵志连.中国古典舞旋转能力的培养[J].乐府新声（沈阳音乐学院学报）.2010（02）

新古典艺术特点篇5

18世纪中期到19世纪初期法国出现了新古典主义绘画，新古典主义绘画与古典主义绘画相似，都崇尚理性，注重素描和轮廓的精准。新古典主义绘画作品中很少表现出艺术家的主观情感，一切都是从理性出发，遵循着唯理主义的观点。新古典主义同样对素描有着严格的要求，强调造型的精准完美，也同样追求作品的和谐、庄严和典雅，但他们却反对巴洛克和罗可可的艺术风格。 “新古典主义”的“新”就在于借用古代绘画的表现形式来直接描绘现实中的重大事件，宣扬一种革命精神，绘画更倾向于现实化。

法国古典主义绘画形成于17世纪，它的美学理论在当时的影响特别大，甚至于波及到欧洲各国，掀起欧洲艺术的又一个高潮。18世纪中期，随着启蒙运动和资产阶级大革命的到来，法国又出现了新古典主义绘画。新古典主义有意的模仿了古典主义。新古典主义绘画和古典主义绘画都一致崇拜古希腊古罗马时期的优秀艺术传统。特别是二者都非常注重轮廓的严谨和素描的重要性。

首先，古典主义者坚定地认为，只有通过素描他们的思想才能够得到表现。普桑是古典主义时期最具代表性的绘画大师，他主张艺术家应该从理性出发，支配素材。他想通过理性的空间描述来保持结构的均衡、形式的完整，使得他的造型能力又上升了一个高度，绘画作品更为写实。

新古典主义这一时期的安格尔，对艺术形式进行了大量的研究，追求一种永恒的纯粹的美，他的艺术精美而典雅。安格尔认为：“在一切形中，最美的是圆形”。安格尔特别注重画面中素描的作用，他的作品都彰显出线条和素描的关系。他的油画用笔细腻，使得画面显得洁净又有光泽，极为优雅同时也表现出素描关系和形体结构的严谨，是古典主义艺术的集大成者。

新古典主义能够取代洛可可艺术，原因是多方面的。18世纪末19世纪初，法国出现了一些启蒙运动以及法国资产阶级大革命，使得法国社会动荡不安。资产阶级取得革命的胜利，在反对君主制的同时也反对君主专制时期艺术风格的陈腐。新古典主义通过新的绘画艺术来宣扬革命精神，追求自由平等，其实他们也就是借古喻今。新古典主义者们用他们的艺术激励着人们的爱国热忱，使人们树立起勇于牺牲的英雄主义气概。正是在这样的历史条件下，产生了以启蒙思想和大革命为指导思想，在形式上借代古典主义的新古典主义。

新古典主义是相对于古典主义而言的，它并非是古典主义的重复，而是对古典的再次利用，完全借用了古典主义的表现形式，但在题材选择、美学思想等方面二者还是存有不同的。

在题材的选择上，十七世纪法国是由路易十四执政的，这一时期的艺术都服务于国王和精英，这时期的艺术崇尚古典精神，追求古希腊和文艺复兴时期庄严、静穆、典雅的艺术风格，因此绘画题材也多以神话、圣经以及古代历史故事为主，很少选择描绘现实生活的题材。

新古典主义的艺术家们在经历了法国大革命之后，反对罗可可的艺术，而渴望能够通过古希腊古罗马时期的艺术表现形式来表现他们的艺术，从而宣扬一种不怕牺牲，奋力卫国的革命精神和爱国热忱，他们对历史的精准性特别的看重。因此新古典主义都是借用古代英雄主义题材和表现形式，直接描绘现实斗争中的重大事件。新古典主义时期最代表性的人物就是大卫和安格尔。大卫因投身于法国大革命，所以他所创作的作品也几乎都和法国大革命时所发生的重大事件相关。安格尔也是新古典主义的大师，只不过安格尔更侧重于华丽和唯美的表现。由此可见，由于产生的时期不同，社会背景不同，新古典主义绘画与古典主义绘画在题材选择上也有所不同。古典主义绘画大多以希腊神话、圣经为主要题材，而新古典主义时期的绘画主要以重大历史事迹为题材，多与法国大革命相关。

从美学思想方面，随着时代的变革，法国新古典主义绘画的美学思想与古典主义时期有所不同。

新古典主义代表大师大卫，他的作品中所塑造的人物形象都展现出一种坚强刚毅、不怕牺牲的爱国主义精神。他的成名作《贺拉斯兄弟的宣誓》，激励着人们的爱国热忱。大卫将人物安排在一个舞台般的空间里，宣誓的三兄弟坚毅勇敢，与右侧痛苦的女性形成了鲜明的对比。人物古典雕塑般的造型一扫罗可可艺术中慵懒柔靡的感觉。大卫的作品大多宣传着一种视死如归的革命精神，为法国历史做出了很大的贡献。大卫熟练的绘画技巧以及严谨的画风都表现出对罗可可艺术的轻佻柔媚的反对。

新古典艺术特点篇6

摘 要：中国的古典诗词是中国古代文学之瑰宝，古典诗词歌曲则是将文学和音乐进行了精彩的结合，给人带来丰富的艺术享受和精神启迪，具有极高的艺术价值。在大力弘扬中国传统文化的今天，探索中国古典诗词歌曲的发展过程有着重要的意义。本文从古典诗词歌曲创作的角度将古诗词歌曲的发展概括为三条脉络，并对当前古典诗词歌曲为越来越多的人所接受良好发展趋势进行简要阐释。

关键词：古典诗词艺术歌曲 发展脉络 发展现状

翻开中华民族上下五千年的历史画卷，我们看到了灿烂辉煌的古代文化。其中，有着精深的内涵和超高的艺术价值的古典诗词便是这文化宝库中的一枝奇葩。古典诗词，从第一部传承至今的诗歌总集《诗经》算起，至今已有三千多年的历史，可谓源远流长。其在思想和艺术方面都取得了巨大的成就。而中国古典诗词从起源到发展一直都与音乐紧密结合，相互影响。由于古诗词的格律性与音乐有着天然相近的亲联关系，在音乐中，我们会感受到诗词的意境，在诗词中，我们会体验到音乐的韵律美。音乐与诗词的相互渗透、相互结合。

如果说古典诗词是中国古代文学的华彩乐章，那么以古典诗词为词谱曲而成的艺术歌曲则可以说是中国声乐史上一颗璀璨的明珠。

中国古典诗词艺术歌曲有着极为悠久的发展历史，它与中国传统文化有着密切的联系。古典诗词艺术歌曲属于中国传统音乐中的文人词调音乐，在古代是配合着词进行歌唱的一种音乐体裁形式。这类歌曲是由历代具有一定文化修养的知识阶层人士所创作或参与创作的，歌词大都采用历代文人的诗词佳作,故具有很强的文学性。因文人音乐的存在和发展，许多文人所撰写的古典诗词在历史上都有入乐的传统，其中大部分即是中国古代词调音乐所遗存下来的歌词。最早的诗歌集《诗经》就是第一部把流传在民间的歌曲用文字记录下来的诗歌总集，因此也可以称它为最早的中国古典诗词艺术歌曲集。它包含了上古时期各类歌曲的精华。到了唐代，诗歌发展达到鼎盛时期，唐代诗人作品的入乐歌唱已成为当时的一种风尚，许多诗人的诗作都被谱成歌章在宴会上传唱。后来，又逐渐出现了曲子词，宋代的曲子词作是我国长短句的鼎盛时期，这种长短句文词高雅并且易于传唱，其与音乐的结合比诗句更为自由灵活。元曲则是一个可与唐诗宋词并驾齐驱的具时代标志的文学艺术形式，它利用音乐曲牌来叙事、写景、抒情的一种清唱形式，倾向于通俗化。

其实以上所述皆可以概括为我国古典诗词艺术歌曲的发展的第一条脉络。即由古代文人传谱的古典诗词艺术歌曲。我们知道从公元前周代的《诗经》，战国时期的《楚辞》，汉代的《相和歌》，到唐代的格律诗、绝句，宋代的长短句、曲子词，元明清的散曲、琴歌等种种古体诗诗词，皆是可以读、吟、诵、唱的。但由于记谱法的滞后，以及各朝的战乱变迁，社会动荡，绝大多数优秀的音乐歌谱未能得到很好的保存和流传，更多的仅是限于文字的记载、徒以文学的形式流传了下来。现今得以流传下来的古代文人传谱的古典诗词艺术歌曲极为少数。其实，唐宋时期的姜夔、何满子、李龟年、田顺郎等文人均可称之为音乐人。他们懂得音律，自行按词牌或自己读词谱曲，谱写出的歌曲作品音韵优美，格调清新，是名副其实的中国古代的古典诗词艺术歌曲。

中国古典诗词艺术歌曲发展的第二条脉络，就是由近现代作曲家为中国古典诗词谱曲的艺术歌曲。20世纪初期，随着五四新文化运动的兴起，新音乐运动随之而来，效仿西方创造新音乐的趋势明显增强，中国古典诗词歌曲得到进一步的发展。1920年，留学德国的作曲家青主运用西洋作曲理论技法，创作出了至今仍脍炙人口的歌曲《大江东去》（宋，苏轼词)，实现了由传统的学堂乐歌创作向艺术歌曲创作的转变。这首古典诗词艺术歌曲正因与古诗词的结合，使之具有浓了厚的韵味和特点而拥有了强大的生命力。此后，黄自、刘雪庵等一批作曲家也尝试并创作出了大量的艺术歌曲作品。这些作品中大部分的歌曲曲词来源于古典诗词，如黄自的《花非花》(唐，白居易诗)，刘雪庵的《春夜洛城闻笛》(唐，李白诗)等。此外，冼星海1944年《古诗十首》歌集的创作完成，黎英海1982年《唐诗三首》的创作完成更是充分体现了中国古典诗词歌曲创作的又一发展。它的创作，彰显出了中国近现代作曲家对中国古典诗词的浓厚兴趣和极大重视。

第三条脉络则是由作曲家借用古典诗词体裁加以谱曲为现代人而创作的艺术歌曲。中国现代意义上的艺术歌曲是中国古典诗词与西方艺术歌曲相交融的形式。当代作曲家们在继承前辈对古诗词歌曲良好创作的同时对西方成熟的作曲技法手段加以运用，并把具有中国特色的人声、韵律等元素融入作品中，独创性的创作和发展出了具有中国民族音乐风格特点的古诗词艺术歌曲。还有很多词作家尝试结合历史内容创作古体诗，在曲作家的配曲下，呈现出中国味儿十足的现代古典诗词艺术歌曲。如韩静霆、徐沛东的《梅花引》，姚明、付林的《孔雀东南飞》等等。这些当代的古典诗词艺术歌曲作品曲调旋律优美动听，成功的继承发展和创新了中国古典诗词艺术歌曲的艺术魅力。

虽然当代社会流行音乐相当盛行，但作为中华民族独有的文化杰作――中国古典诗词歌曲毕竟有着上千年的深厚历史，是中华民族音乐的母语，具有深厚的文化内涵和独特的艺术魅力。当一首脍炙人口的古典诗词，找到了美妙动听而又能准确揭示其思想内涵的旋律及其演唱来表达时就会很快的为欣赏者所喜爱，并且能够通过对中国古典诗词歌曲的浏览与欣赏，拓宽自己的艺术视野，提升自身音乐修养与内涵。同时，中国古典诗词音乐也给流行音乐的创作带来了一股古朴的清香。一些流行歌手发行的歌曲专辑中借鉴了古典诗词歌曲的元素，其作品中流露出的浓郁的古典韵味及丰富的文化蕴含受到了越来越多人们的喜爱。而这些新型的古典诗词歌曲之所以能够得到大众的欢迎和喜爱，也更加显示出了它独特的艺术魅力和文化价值。在百花争鸣多元文化并存的今天，这独具特色的中国古典诗词歌曲艺术依然散发着蓬勃的朝气，具有旺盛的生命力。艺术的发展没有穷尽，中国古典诗词歌曲也必将继续发展下去，不断弘扬我国传统文化精神，与时俱进，开拓创新，相信必会拥有一片宽阔的前景。

参考文献：

[1]《中国艺术歌曲论》李曙明主编 上海音乐出版社2009

[2]《古诗词艺术歌曲的概念问题》郝建红 古典音乐(1994一2007)

新古典艺术特点篇7

“爱美之心，人皆有之”，在人类自然生活中，人们欣赏美、表达美、追求美。什么是“美”？就像歌德所说：“美如自然一样，丰富多彩。”也就是说，对于美的说法众多，且各不相同。但是都没有说到美的“本质”和“内涵”。科学的含义应该说：美是世界上自然、社会、意识形态的一切事物“好”的总和。

舞蹈艺术是美的艺术，中国古典舞隶属于中国各类舞蹈艺术中，这一舞种最初起源于戏曲舞蹈，体系衍生于当代，最终在中国民族民间传统舞蹈的基础上，经过提炼、整理、加工、创造，以及长期艺术实践的检验流传下来的具有典范意义和古典风格特色的舞蹈，中华的审美与美学智慧造就了中国古典舞的美学思想。

一、中国古典舞的起源与发展

中国古典舞是一个特指的概念，这里的“古典”并不是指“古代”，而是代表着“经典”，中国古代舞蹈艺术经过长期发展最终积累形成的一种具有典范性的表演艺术。20世纪50年代，新中国成立初期，老一辈舞蹈艺术家们开始对中国古典舞蹈进行挖掘与恢复。戏曲舞蹈家欧阳予倩最早提出了“中国古典舞”这一概念，并得到舞界响应由此传开。

中国古典舞集百家之长，即向艺术美学中的各类艺术之长处学习，提高舞蹈艺术的水平和质量。在百花齐放、推陈出新的文艺大花园中，舞蹈艺术向戏曲艺术学舞蹈，向武术学习“精”、“气”、“神”，学手法、眼法、身法、步发、韵律、劲头等，使舞蹈艺术有了飞速的提高。创建者结合中国戏曲、武术的美学理论，概括了中国古典舞的新理论。创建者总结了中国古典舞身韵的四大基本动作要素――“形、神、劲、律”，这四个字高度概括了身韵的全部内涵。形，外部一切动作，包含舞姿造型及其动作连接路线。神，即内在的意蕴，以神领形，起主导支配作用。劲，即处理舞蹈动作长短、轻重、强弱、缓急等特点的力。律，是指动作本身的运动规律。四大要素之间相互协调，经过劲、律达到形神兼备，内外统一。最终确定了“心与意合、意与气合、气与力合、力与形合”的美学规律。

二、中国古典舞的审美意蕴与内涵

中国古典舞有明显的两大美学意蕴：一、回旋、圆转的形势美；二、在舞蹈动作的内在心动中体现和谐与协调之美。

（一）“圆”的形势美。中国古典舞内在的韵律感与意蕴可以用一个“圆”字概括。其运动规律，身体及手臂的运动轨迹都遵循着三种圆形在运动（平圆、立圆与8字圆），这就是著名的“三圆运动”的理论。

中国古典舞通过外部看得见的“形”与路线的“圆”来展现形体的美，演化出形形色色的体态、千变万化的动作与动作的衔接。“形”作为古典舞之美的传达媒介是形象艺术最基本的特征，是中国古典舞之灵魂。这种“形”贯穿于中国古典舞的典型动作： 大小五花、穿手、云手、大刀花、风火轮、燕子穿林、青龙探爪等等。表现了古典舞者丰富的身法性和鲜明的风格性，极具生命力和艺术表现力。

古典舞“圆”的形势美主要表现为圆、游、变、幻之美，因此，中国古典舞又常以“行云流水”、“龙飞凤舞”、“曲回婉转”、“闪展腾挪”等形象化的词语加以描述与赞誉。中国古典舞身韵中有七大动作元素：“提、沉、冲、靠、含、腆、移”，这些动作的贯穿与运用形成了“逢冲必靠、欲左先右、逢开必合、欲前先后、欲纵必收、欲提先沉”的律韵之态势，派生出古典舞更丰富、更典型的“形”。

（二）内在的“心动”与意蕴美。舞蹈既可用来表现人们的情感，又能表现人们的思想。普列汉诺夫在谈到艺术的主要特点时曾说：“艺术既表现人们的感情，又表现人们的思想，但是并非抽象的表现，而是用生动的形象。”

新古典艺术特点篇8

记者：上任以后，您提出要着力培育壮大特色产业，当前仙游对古典工艺家具产业如何下苦功、求突破?

郑瑞锦：仙游古典工艺家具产业目前已初具规模，行业体系初步形成，工艺美术市场日趋成熟，但仍处在改造提升阶段，上任后我提出要着力培育壮大特色产业，加快推进基础设施、博览城、企业厂房和配套服务设施建设，形成热火朝天的施工场面。当前我们主要在六个方面破题：一是督促榜头镇政府加快坝下工艺走廊立面改造，打造“现代版”古典工艺家具展示区。二是现场办公协调，推动古典工艺博览城8月1日实现实质性开工，人驻企业陆续动工建设。三是从县直单位抽调17人工作骨干进驻盖尾镇，全力以赴推进征迁工作，在短短两个月内基本完成盖尾工艺产业园征地工作。四是全力抓好海西华南城项目前期工作，积极打造全省最大的工业原料及商品交易中心、综合商业物流基地、红木原材料批发中心和全球最大的红木家具城。五是加快推进李耕故里艺雕区和大济工艺生产集中区建设，启动郊尾文化创意产业园前期工作。六是积极争创“中国古玩之乡”品牌，支持赖店通过集镇立面改造形成古玩工艺走廊，启动海峡古玩城项目前期工作。

记者：五年作为一个重要的节点和里程碑，新一届的县委，对今后五年仙游古典工艺家具产业的发展，有着怎样的目标规划和产业布局?

郑瑞锦：仙游要突出抓好古典工艺家具产业发展，争取“十二五”末形成以重点产区为中心、重点产品为骨干的产业体系，规模以上古典工艺家具产业年产值将达到300亿元，生产厂家超过3000家，年超亿元产值企业15家，税收达到6亿，从业人员达到20万人。

为了实现这一宏伟目标，今后五年我们将加快平台建设，优化产业发展环境，着力打造―个大市场、三条走廊、五个中心与六大园区。

一个大市场。建设国内大市场，使仙游古典工艺家具市场成为继北京、广东大涌与浙江东阳的全国三大专业市场后的又一大市场。

三条走廊。建成三条工艺美术产业走廊，即仙游县城－工艺产业园－坝下－连天红、县城－赖店－郊尾和县城－大济－度尾三条工艺走廊。

五个中心。建设工艺美术展示中心、研发中心、检验检测中心、人才培训中心以及工艺美术博物馆，使仙游成为国内有名的工艺美术展示销售、购物、精品拍卖、物流、技术研发和人才教育培训中心。

六大园区。六大园区是以仙游工艺产业园为核心，五大园区环绕的产业空间布局，俗称“一都五园”。继续按照“高起点规划、高标准建设、园林化设计、专业化布局、功能化开发、循环化利用”的要求，将仙游工艺产业园建成全国最有影响力的工艺美术产业基地；在坝下现有的产业基础上，建设集仿古与现代气息相结合的工艺产业园；借助于连天红的品牌与市场优势，建设连天红现代工艺制品产业园；在度尾李耕故里绘画与雕刻工艺基础上，建设度尾李耕故里艺雕产业园；借助赖店古玩的产业发展基础，建设赖店古玩产业园；借助仙游画工的技艺基础，建设油画国画产业园。

记者：对于县域经济发展，利用地方文化优势发展特色产业是一条捷径。下一步，仙游将如何推动特色产业集聚发展，形成完整的产业链，实现从资源优势到产业崛起?

郑瑞锦：仙游文化底蕴深厚，是中国绘画之乡、戏剧之乡、武术之乡、工艺美术之多和梦文化之乡，我们将充分利用地方文化优势，进一步挖掘工艺美术资源，做大做强“仙作”创意文化产业，全力打造集古典工艺家具产业、城镇、旅游、文化创意为一体的城市综合体，叫响“中国古典工艺家具之都”品牌。

当前，“仙作”家具消费成为一种投资行为，从而推动了特色产业链的拓展延伸，带动了本地商贸、物流、城建、金融等相关行业的加速发展；催生了名贵树木种植、珍贵木材营销，全县有几百家木材公司应运而生，形成了较完善的原材料供应网络，成为全国名贵术材的流通集散地；古典工艺家具还派生出工艺设计、电脑雕花、电工机械等组成的产业链。这些产业链条，成为县域经济发展的新亮点、新动力、新引擎。

今后，我们将统筹发展石雕、油画、国画、布艺、古玩等产业，推动家居文化产业的兴起。积极扶持油画产业的发展，规划建设油画村，造就万名本地户籍的画家、画师，批量生产装饰画、家居装饰艺术品，打造成为全国油画的主要生产基地之一。着力挖掘石雕文化资源，发展石雕产业，扩大“仙游石”品牌影响力。通过古玩专业市场、古玩城、古玩一条街、特色商业街建设，大力发展古玩工艺产业，通过打造中国古玩之乡特色区域品牌，延伸以工艺带旅游、以旅游促工艺的新型旅游产业链，打响工艺文化旅游品牌，成为县域经济新的增长点。

记者：现在国内的古典工艺家具市场，除了仙游，浙江东阳发展也十分迅速。在下一个五年当中，仙游面临着不少外部竞争对手的挑战。您如何看待外部竞争?如何保持产业竞争力?

郑瑞锦：现在“中国红木家具生产专业镇”中山大涌、“中国木雕之都”浙江东阳、“中国古典红木家具产业基地”河北大城等地的古典家具产业都呈现出蓬勃发展的态势，可谓是“沉舟测畔千帆过，病树前头万木春”。面对新一轮区域竞争态势，仙游古典家具产业必须加快“转型升级”，不进则退，慢进也是退。

仙游古典工艺家具产业要拥有长期稳定的竞争优势和持续发展的内在成长能力，首要任务是大力实施品牌战略。以仙游工艺产业园为依托，加快研发中心和检验检测中心建设，为古典工艺家具产品提供技术支撑和科技含量，创造出一批国内外知名的古典工艺家具地域性品牌，争取列入国家名牌目录，推进中国名牌集群形成，促进古典家具申报国家和世界“非物质文化遗产”，提升仙游古典工艺家具的美誉度。

提高古典家具企业开发创新能力。进一步帮助企业建立研发中心和设计中心，并在企业融资、技术改造、新产品开发等方面予以支持，推动企业扩大与利研院所、国内大公司和著名厂家在技术、产品研究和市场开发方面的合作，积极引导企业参与修订古典工艺家具部级标准，运用新技术、新工艺、新材料、新设备创新古典工艺家具产品，增加产品功能和样式品种，提高产品档次，增强古典工艺家具产业发展后劲。

新古典艺术特点篇9

关键词：古典舞；古典舞表演；神韵

0 引言

古典舞在博大精深的舞文化中占据重要地位。自古以来便备受观者的推崇，在当今时代依然有着深刻而广泛的影响。在当下社会我们崇尚古典舞，不外乎两种原因，第一是传承古老文化、保护文化遗产。第二是在新时代背景和要求下，对古典舞进行革故鼎新，使其紧跟时代步伐，适应时展。伴随各种各样新的舞蹈形式的衍生，古典舞被继承和发扬，取其精华弃其糟粕。以下就古典舞的神韵，我们将古典舞表演的特点和实际要求有机融合并进行分析指导，为表演者提供参考。

1 古典舞表演神韵的概念与意义

1.1 概念

古典舞之所以具有特殊的吸引力，主要在于它对舞蹈神韵的重视与突出表现。神韵即舞蹈者本身想要展现给观众的，在演出中透过舞者的肢体抒发出来的艺术性和韵味。身法则是舞者的肢体动作与对音韵的表达。舞者在演出时，透过舞蹈表现出来的内蕴有很多，除了手、眼、身、法、步，还有形、神、劲、律等。只有牢牢把握住这些重点，才能充分展现出古典舞的精华和无穷魅力。

1.2 意义

对于古典舞的表演和演出，要想深层次理解其中的内蕴和表达的内容，完美地诠释对古典舞的表演，必须把握科学有效的学习法、必须把握舞蹈演出的神韵。神韵是舞蹈表演万万不可忽略的重点，它对于舞蹈者熟练把握技巧、熟练掌握动作要领有指示作用，能让舞者更深入地投入到学习中。另一方面，只有牢固掌握对神韵的理解与作用，才能深入体会到古典舞的深刻魅力，为古典舞的继承与发扬、摒弃与创新提供动力，通过时代新要求进行再创造。从而不断提升古典舞的艺术魅力和影响力，为更好的服务大众提供源源不断的动力。

2 古典舞表演神韵的体现与展示

2.1 古典舞线的流程

线即在进行表演时舞者形态与动作的连贯性、流动性，常常和刚硬、缠绵的形象相交融，带给观众一种流畅美，淋漓尽致地诠释出古典舞的艺术魅力。从线的流程来看，古典舞在表现线时通过空中的流连缠绵，给人以行云流水之感。古诗词中“翩若惊鸿，矫若游龙”大抵就是描述线的美吧！古典舞与各种各样、分门别类的艺术有着相同之处，可谓博众家之长。像武术、戏曲、书画、杂技等，都和古典舞同气连枝。在齐白石的作品中，他的每一幅画均一笔成型，线条流畅。作画过程中他早已将身体和画笔结合起来，创造出一种“人笔合一”的境界。在书法创作过程中，伴随每一个字由点到线的运动，我们可以清晰地看到书法的整体性，感受到书法铮铮有力的流畅与圆滑。线在书画界的地位至高无上，每一幅优秀的书画都会将线条的流畅表现得完美，古典舞中线的流动恰恰与此不谋而合。在神韵的表现上，同样不可或缺。我们要注意的是，在表演和训练时，一定要做到点、线清晰，这样才能给观者带来刚劲有力、清脆错落的美感。

线被用来诠释连结动作的韵律。在古典舞中通常用线来表现和展示韵律，也是用线来达到各个动作的联结。像《爱莲说》古典舞演出时，舞蹈者要想达到完美的演出效果，充分展示出莲花“出淤泥而不染，濯清涟而不妖”的高洁品质和清丽姿态，就必须要充分利用线的表现力。在表演古典舞时，要用线将舞者的每一个动作、姿态联结起来，表现出莲花的美丽与柔韧。而伴随着舞者对动作的完美结合，更展示出莲花动静不同特点的美感。在错落有致的音乐配合下，舞者随之翩翩起舞，动作张弛有度，将舞蹈动作与音乐节拍有机融合，打造出唯美的氛围，给观者带来强烈的身心共鸣。而在舞者表演过程中通过一些有意识的不明显舞蹈动作能表现出充斥在内心深处的矛盾，缓和流畅的动作则能使观者切身感受到古代女子温婉如水的神韵。这样整个舞蹈表演不仅刚柔并济、动静结合，更带给观众行云流水之感，大大提升了舞蹈自身的艺术魅力及演出效果。

2.2 古典舞圆的形态

有着划圆艺术别称的起承转合，是我国古典舞显著的特性。舞蹈演出在不同阶段不同的动作过渡中，可以将古典舞的神韵和特点展现得淋漓尽致。对推动舞蹈情节的延展、人物形象的塑造、思想感情的抒发等有举足轻重的作用。而古典舞又以圆作为中心思想，推崇舞蹈的流动性及空间感，且有着兼容并包的内在。细说之下，古典舞中圆的又成分有仰、移、靠、冲等。

圆的内在与艺术感染力。在古典舞表演中，圆有着举足轻重的地位，从基本功练习到舞蹈剧目演出，圆均占有相当大的比例。圆最基本的内容有八字圆、平圆、立圆三类。从这三大类衍生出转、翻等基本功练习，在舞蹈表演中的地位不可小觑。而“云间转腰”作为圆的一个动作，做起来非常困难但又必不可少，它和戏曲需求息息相关，在古典舞动作练习中非常重要。它除了可以锻炼舞者腰肢的灵活柔软程度，更是平圆所有系列动作的来源，舞者要想具备能充分展示出古典舞艺术感染力和神韵的能力，得到观者的认可和赞赏，必须熟练把握“云间转腰”这个动作的舞蹈要领。

2.3 古典舞韵的内核

古典舞的审美观念和别的艺术形态大致相同，都崇尚气韵生动原则。例如，古典舞表演中非常显著的方面“线”与“圆”，这两者的内核思想均为气韵。气韵作为展现舞者内心思想情感的艺术手法，在舞蹈练习上要求有的放矢地用动作来指导语言，而非毫无目的地训练。这样有利于把古典舞的形和神有机结合起来，增强艺术效果和感染力。每一次舞蹈动作的练习和每一个细小动作的联结，均发挥着审美和展现神韵的作用。神韵在古典舞表演中起着至关重要的作用，神与韵的表现一定得从情感、练习、琢磨中把握，进而挖掘出古典舞的魅力之所在。在表演中，需把神韵和肢体动作、神态相结合，才可以达到悠远、浑厚的境界，展现古典舞的艺术美，展现古典舞的精髓。

韵律之美。古典舞典型代表作《扇舞丹青》，该舞蹈的表演形式即凭借纸扇来延伸手臂的作用。此外，这个舞蹈更表现出书法作品的韵律和谐之美。舞者在舞台上从每个动作的一张一弛，配合栩栩如生的韵律，给观众奉上一种端庄、典雅、饱含文化底蕴的艺术表演形式，将古典舞与书法、纸扇、剑器相互结合、相互交融，相得益彰。更给人以和大自然相交融的感受，打造出行云流水的恬淡与闲适的境界，充分表现出传统文化的精华。舞蹈中配合剑舞、扇舞，用闪、转、挪等动作，把古典舞的神韵展现得淋漓尽致。

古典舞的内核与灵魂即韵。神韵追求一种精神与肢体的交融，表现出人们对古典舞的敬仰，展现出古典舞的文化底蕴和艺术气息。因而古典舞练习要推崇神韵，从而使其思想与核心内容得以展现。

3 结语

要进行舞蹈表演、提升古典舞的舞台效果和魅力离不开对神韵感知。在古典舞的表演和练习中，要充分掌握古典舞的神韵，培育舞者对神韵的感知能力，从而提升古典舞的表现力，稳固古典舞在观者心目中的地位。

参考文献：

[1] 陈苗.中国古典舞的文化内涵与审美理念[J].江汉大学学报，2007，26（2）：110-112.

新古典艺术特点篇10

关 键 词：哥特式艺术风格 巴洛克艺术风格 洛可可艺术风格 新古典主义艺术风格 女装风格

每个时期都有不同的艺术风格流派，它们表现在建筑、美术、音乐、文学及染织艺术等各个艺术领域，对人们的社会生活、精神生活产生影响。在欧洲的艺术史上哥特式艺术风格、巴洛克艺术风格、洛可可艺术风格、新古典主义艺术风格占据着举足轻重的地位，同样地影响到同时期的服装风格。

一、四大艺术风格的特点

哥特式艺术风格 “哥特式”原本是起源于一种极具特色的建筑风格——笔直的立柱，高挑的天顶，多尖的拱门，这些均可见于中世纪的一种以尖顶大教堂，特点为尖拱、小尖塔、垛墙、飞扶壁和彩色玻璃镶嵌等典型元素。这种风格影响到整个欧洲，反映在不同的艺术领域，如绘画、雕刻、装饰、音乐等艺术形式上。其特点是夸张的、不对称的、奇特的、轻盈的、复杂的和多装饰的，以频繁使用纵向延伸的线条为其一大特征。

巴洛克艺术风格 巴洛克代表了路易十四的精神。它具有气势雄伟、生气勃勃、色彩艳丽、线条优美、富丽豪华的风格。它把人类精神从古典主义的枷锁中解放出来，使其沉溺于无边无际的、令人神往的梦幻之中。它一开始主要针对17世纪意大利的建筑风格。后来，巴洛克风格影响到建筑、美术、音乐、文学及染织艺术各个领域。巴洛克艺术风格最基本的特点是打破文艺复兴时期的严肃、含蓄和均衡，崇尚豪华和气派。

洛可可艺术风格18世纪的法国仍是西欧的文化艺术中心，由于沙龙文化在法国的蓬勃兴起，使女性成为了男性世界注目焦点，形成了一种不同于巴洛克时期那种庄重豪华、拘泥虚礼的宫廷文化的文化形态，那就是洛可可艺术风格。洛可可风格的鼎盛时期是路易十五时代，它主要是指路易十五时代的一种室内装饰风格：c形、s形曲线或漩涡状花纹的装饰风格。另一个特色则是甜美轻快、精巧华丽，而没有巴洛克艺术的宗教气息和夸张的情感表现。这种特色影响到当时的服装，甚至以“洛可可”一词代表法国大革命之前18世纪的服装款式。

新古典主义艺术风格 新古典主义艺术风格兴起于18世纪的中期，其精神是针对巴洛克与洛可可艺术风格所进行的一种强烈的反叛。它主要是力求恢复古希腊罗马所强烈追求的“庄重与宁静感”之题材与形式，并融入理性主义美学。

二、四大风格对同期女装风格的影响

哥特式风格 哥特式风格深深地影响了中世纪法国服装的服饰审美及服饰创造。受建筑风格的影响，哥特式服装风格主要体现在服饰形象是高高的冠戴、尖头的鞋、衣襟下端呈尖形和锯齿等锐角，在面料上表现出与哥特式教堂内彩色玻璃的效果是一致的光泽和鲜明的色调。裙饰多采用纵向的造型线和褶皱，使穿着者显得修长，并通过加高式帽来增加人体的高度，给人一种轻盈向上的感觉。女装上装紧身合体，下半身的裙子宽大、上轻下重，形成一种圆锥状造型，具有极强的装饰性。尖尖的埃宁帽就像一个小尖塔，还有两个裤腿颜色各异的紧身裤，尖尖的翘头鞋，饰以不对称图案的上衣等。

巴洛克风格 由于受到巴洛克艺术风格的影响，在西洋服装史上，“巴洛克风格”代称17世纪欧洲的服装款式。其着装特点是大量的使用蕾丝、花边，并配以奢侈豪华的装饰，如丝绸带、大扣子、刺绣、珠宝等，所以这种风格的时装和配饰表现出来的尽是奢华和古典的面貌。

裙子是巴洛克女装的重点。衣裙特点是松垂、多褶、曳长，比文艺复兴时期柔和、自然、大方、富有浪漫气息，更显出女性自然的妩媚。女性除了外边的罗布以外，还要穿三条不同颜色的裙子(即衬裙、内裙和外裙)，以取代裙撑架。下裙穿多层肥大而多褶的裙子，使下体显得鼓大，以增添体积感和层次感。服装上不论是整体造型还是局部造型，都是更多地强调曲线，展露出女士特有的性别魅力。

洛可可风格 作为一种服装的风格，洛可可风格的特点是极致的优雅和精致，它打破了文艺复兴以来左右对称的模式，创造出一种非对称的，带有轻快、优雅的运动感的，自由奔放而又纤细、轻巧、华丽、繁琐的装饰样式。

女性服装内穿束身马甲，裙撑架再度兴起，此时裙撑架的形式为前后扁平、左右对称，要在裙撑外穿一条华丽的衬裙，外穿罗布，一般前开，领口成一个大的u字型，上面露出紧身的胸衣，胸衣自上而下按大小顺序排列着一排缎带蝴蝶结，罗布下面也成a字型打开。衬裙外露，衬裙和罗布上也都装饰着曲曲弯弯的皱褶飞边、蕾丝、缎带蝴蝶结和鲜花。袖长到肘部，袖口也有三层的蕾丝花边。

新古典主义风格 1790年到1820年， 新古典主义思潮兴盛，使女装向古希腊、古罗马那种自然样式倾斜，以自然简单的款式，取代华丽而夸张的服装款式。robe chemise就是这一时期的典型样式。这是一种白色棉布制作的宽松的衬裙式连衣裙，连衣裙的腰际线提升到胸部下面，使人体的比例更加好看，胸部的内侧有护胸层，取代了紧身胸衣，解除了对女性身体的束缚。袖子很短，露出手臂；裙子很长，一直垂到地上，使女性着装又一次回归到淡雅、自然之美。

三、四大艺术风格对现代女装风格的影响

当今时装界，欧洲古典的艺术风格流派仍然是很多服装设计师们的灵感来源，设计师们高举复古风的旗帜,在许多细节设计上都回归到了几个世纪之前。

gucci就曾以哥特式风格为灵感设计的系列服装，非常性感。黑色摇滚女郎，带有上个世纪30年代好莱坞女星的味道：裤子为宽裤脚，剪裁紧身、修长，配搭绑带、高跟鞋，性感中带个性，使得女郎带有哥特式的神秘色彩。

巴洛克风格也被时装设计大师们所宠爱。ysl设计师tom ford以巴洛克风格为灵感来源，把法式蕾丝、领结、宽袖，重新演绎成现代服饰。他所采用的材质，展现出既成熟又性感的女人形象。绑带是设计中的细节重点，常常出现在上衣、裙子、鞋子上，还有宽袖口、领结，以及以黑色为主调，华丽的绣花，古典的收腰外形，不禁令人遥想几百年前的法国宫廷圣罗兰女人的万种风情。

d&g2008年春夏礼服系列，是时装界回归洛可可风格的一个高潮。印花布料和夸张的裙撑、打折的花边、繁复的缀饰、低胸衬裙的造型设计以古典优美的x形轮廓为中心并强调裙及袖的层次和质量。在色泽选择上，将草绿、粉红、鹅黄等富丽堂皇的色彩一一呈现，顿现轻巧而华丽。

2008年雅莹和2008—2009秋冬专场会以新古典主义为灵感来源。其服饰将女性形体间的极佳比例完美呈现，通过立体剪裁、抽褶、滚边等勾勒出极具视觉效果的空间感，并配以夸张的蝴蝶结、复古的宽腰带和金属饰物。饰物色彩上以黑金、米黄为主体色，略施点缀玫瑰红和暗橘、墨绿等色，从而显出经典的华丽与高贵。

结语

欧洲艺术风格不仅仅有这四类。多样的文化必然会造就社会多彩多姿的艺术形式，而服饰更是时代的一面镜子，它不仅反映出人与自然以及社会的关系，且折射出一个时代的氛围和人们的精神面貌。

参考文献：