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川端康成范文10篇

时间：2023-03-23 23:12:44

川端康成范文篇1

【论文摘要】：川端康成说："无言的死，就是无尽的生"1972年4月16日，川端康成在工作室含煤气管自杀，未留下只字遗书。后人评价说川端康成代表的是一种沉重。无论是其文学作品所表现出来的死亡思想或者说死亡情结还是其最后选择的以决绝的自杀来告别人生都留给了我们无尽的话题和探讨空间。文章试图探讨的即是在川端康成在其作品中所表现出来的那种死亡之美和其死亡情结。

川端康成（1899-1972）生于京都附近的大阪府，2岁丧父，3岁丧母，幼失怙恃，由祖父母扶养。由于身体孱弱，川端康成的幼年生活是封闭式的，几乎没有与外界的接触，这种过分的保护造就了他忧郁、扭曲的性格。上学后这种生活有所变化，但不幸又接踵而来，8岁时祖母去世，12岁时姐姐去世，16时岁祖父亦亡。孤儿的遭遇、童年的封闭，以及亲人相继过世的经历，使他感到生命的孤独和脆弱，对他以后的文学创作产生了巨大影响，也直接导致了他作品中的死亡之美和他人生观中的死亡情结。

川端康成的文学中，死具有重要的美学意义。他近三分之一的作品都是与死亡联系着。如在《雪国》中有这样几处关于死亡的描写：行男之死，秋虫之死，叶子之死。这三者之间的一个共同的特点，就是安静得感觉不到一丝悲伤。首先，行男之死，文中连一句直接描写都没有，只是从叶子的口里得知他将死去，随后，他也就这么没有留下只言片语的死去。第二，秋虫之死。小说中有这么一段描写："有些飞蛾，看起来老贴在纱窗上，其实是已经死掉了。有的像枯叶似的飘散，也有的打在墙壁上落下来。岛村把它们放在手上，心想：为什么会生得这么美呢？"①秋虫的生命虽然很渺小，但生命本身是美丽的。它们在悄然无声中死去，虽惊不起一丝波澜，但也无失为一种静美。第三，叶子之死：叶子是在一场意外的火灾中坠楼而死，这个短短坠落的瞬间，川端却写得极其详细。叶子在坠楼的瞬间"僵直了的身体在半空中落下，变得柔软了"②"由于失去生命而显得自由了"③这也是生死转换的一瞬间，所以"生与死仿佛也停歇了。"④然而"她内在的生命在变形，变成另一种东西。"⑤叶子在转化为新的生命，在这个肉体生命消失的同时她的新生命也诞生了。岛村目睹了这一切之后"站稳了脚跟，抬头望去银河好象哗啦一声，向他的心坎倾泻下来。"⑥这仿佛是岛村在悲伤之后，看清了一切，银河是巨大的宇宙生命，叶子的生命融入了宇宙，每一个生命都是那么渺小，死亡，是永恒必然的，它是生命本身的过程。在川端康成眼里，生命与死亡同样的美丽，既是对生命的礼赞，又是对死亡的歌颂，反映了一种自然的美。

川端康成文学作品中的"死亡情结"除了如《雪国》那样对死亡充满了神圣和静穆的赞美，同样充满了时间轮回和人不免一死的感叹，也充满了关于死亡意义的梦幻、沉思和哀感，包含着神秘、余情、哀伤和冷艳。例如他战后杰出的作品《千只鹤》、《山之音》等等。

川端康成之所以对死亡如此关注，之所以如此执着于死亡情结，首先源于童年、少年时期痛苦体验。诚如弗洛伊德强调的那样，"童年的痛苦体验对艺术家的影响是深刻的、内在的，它造就了艺术家的心理结构和意向结构，艺术家一生的体验都要经过这个结构的过滤和折光，因此即使不是直接表现，也常常会作为一种基调渗透在作品中。"⑦"童年的创伤性经验"对川端康成的一生起了至关重要的作用，极大的影响了川端康成的文学和现实生活。

其次就源于他在生命旅途中逐渐形成的佛教禅宗思想。从其作品中我们不难发现其中弥漫的东方宿命色彩与轮回观念。川端康成说："我是在强烈的佛教气氛中成长的。"他在继承日本古典传统的"物哀精神"的同时，也受到了佛教禅宗"生-灭-生"的无常思想的影响。首先，川端康成崇尚"无"，在穷极的"无"中凝视无常世界的实相。他所崇尚的"无"，或曰"空"，不是指什么都没有的状态，而是以"无"是最大的"有"，"无"是产生"有"的精神本质，是所有生命的源泉。所以他感叹道："在这个世界上，没有什么比轮回转世的教诲交织出的童话故事般的梦境更丰富多彩。"其次，他认为生存与虚无都是具有意义的。"虚无作为精神最高悬浮状态，是主体对一切艺术存在的怀疑和否定，是精神无限可能性对于客观现实性的介入和改造，也是精神对现实的功利和概念顽强拒绝的审美活动。"这里，川端康成没有把死视作人的终点，而是起点；他试图将一切都归于"虚无"，这种虚无即是"死亡的美"，从这种"物"的死灭中才能更深地体会到"心"的深邃，即在"无"中充满"心"，在"无"表现中"以心传心"，因此他强调要寻求闲寂的内省世界，保持一种超脱的心灵境界，以"顿悟成佛"，达到"西方净土的永生。"从审美角度来说，川端康成夸大了宿命论和神秘力量，遁入了空洞的玄思和情感的迷幻，怀疑否定了世界的现实性及存在的价值，以为死是最高的艺术，是美的一种表现，创造出了一个"空诸一切"的审美境界。正是体悟到了这种"生死不灭"，才导致川端康成在心理上更加迷恋死亡，在小说创作中偏爱描写和表现死亡，最终揭示出死亡的神秘意义和深刻内涵，赋予了它诗意的阐释和丰蕴的美学意义。在东方"死"的观念中，生和死是在同一个变化的过程，"方生方死"，生命是在不断的转换的。在这种轮回转生的学说中淡化了生与死的界限。所以川端康成笔下所描写的死亡只是生命的转化，如蝴蝶破茧时，那么的安详美丽。在他看来，死亡是具有美学性质和神秘的诗意内涵的。在川端康成的思维逻辑里，死亡是对精神家园的回溯，是对美的极致的归返，更是对生命状态的复归，这样才促成了他潜意识和意识之间对死亡赋予了美学的意义，予以诗意的眼光来阐释和对待，凸显出对死亡的迷恋情结。

最后对美与艺术的终极追求最终促使他选择自杀来最后完成他在作品中所执着表现的死亡情结。弗洛伊德分析："在人的无意识心理中，存在着两种相反的本能冲动，一种是生的动向，一种是死的动向，当某一种动向占上风时，心理就追随它而发挥主导性功能。"⑧川端康成认为，死亡是一种最高的艺术，是美的表现，是代表一种精神的诗意存在方式。因此在小说创作中，川端康成便把这种死亡意识转换成审美情感体验可能把握的艺术对象，并按照自己的思维形式和情感逻辑去阐释和抒写着死亡。在他描写死亡的过程中，已经使艺术与死亡哲学达到了一种近乎完美的契合与和谐，死亡意识也成为他小说创作的最高问题，也成为最高的美学问题。

总之，川端康成的小说创作对于死亡的勾画均不同程度地赋予了哲学意味，它所呈现的死亡意识凸显出独特的艺术格调和美学品位。正是这种对美与艺术的终极追求，不仅影响了他的小说创作倾向，也制约了他的人生态度，最终使他选择以含煤气管自杀的方式为自己的生命画上了最后的句号！

参考文献

[1]①②③④⑤⑥川端康成,著.雪国,叶渭渠,唐月梅,译.广西师范大学出版社,2002.

[2]⑦⑧弗洛伊德.弗洛伊德心理哲学,杨绍刚,等译.九州图书出版社,2003.

[3]付红妹,张虹.论川端康成的童年经验对其小说创作的影响,华北电力大学学,2007,04.

[4]吴舜立.佛禅的无常观与川端康成的"虚无"及自杀,宁夏社会科学,2006,04.

川端康成范文篇2

[关键词]川端康成掌上小说文学研究

1968年10月，川端康成继泰戈尔之后，成为第二个获得诺贝尔文学奖的东方文人，使世界各地的读者对日本文学刮目相看。长谷川泉评价说：“川端康成文学，作为世界文学确定了其权威性。诺贝尔文学奖的天窗被川端康成打开了。诺贝尔文学奖的天窗，经川端康成的手被日本文学打开了。”德纳尔德•金也评价为：“将诺贝尔文学奖授予川端康成氏，对于日本的小说传统、世界最古老的传统列入世界作品群中具有重要的意义”。川端康成的掌上小说创作，大体上是与他的小说创作发展的基本趋向是相呼应的，包含了他的小说创作的基本特色和一切要素，可以说是川端康成全部创作的缩影。

一、创作掌上小说的由来及其研究

所谓的“掌上小说”，即极为短小的小说。匈牙利称一分钟小说，日本称掌上小说，美

国称瞬间小说，中国占主导名称的是小小说、微型小说以及台湾的超短篇。日本小小说是有其悠久传统的。最早称为“掌上小说”，除了在亿良伸称为“写在手掌上的小说”的称呼之外，还有各种称呼。比如：冈田三郎氏的“二十行小说”、中河与一氏的“十行小说”、武野藤介氏的“一页小说”等。同时还有来自于法语的“コント”这个名字。“掌上小说”这个名是中河与一氏给在《文艺时代》集录的新人作家们写的极为短小的小说起的名字。日语中掌上小说有两个读音即：“てのひら”，“たなごころ”。那么到底读作什么呢？伊藤整、山本健吉等人对其读法产生了分歧。川端获得诺贝尔文学奖后，借首届川端康成展览会开幕之际，长谷川泉先生直接请教了川端康成，川端康成十分尊重语音典雅读法，认为掌上小说应读作“てのひら”。我认为我们应该尊重川端的这一主张。

在《文艺时代》的同人中，川端所创作的掌上小说最多，共有147篇，其中有四分之三

是初期创作的。取得的成果也最卓越。发表了五本之多掌上小说集。有《感情装饰》、《我的标本室》、《川端康成选集第一卷》，和1939年砂子屋出版的“黑白丛书”中《短篇集》、以及1948年青龙社出版的《一草一花》等。这些掌上小说专集大都是川端自选的，集名不都以作品命名。

川端经历了日俄战争、日本资本主义迅速发展期、日本资本主义衰落期、二战失败等岁月，切实体验到了生活的悲欢疾苦。还有自幼就受到失去父亲、母亲、祖母、姐姐、祖父等亲人的一连串打击，使原本就凄苦哀愁的川端，内心变得更加悲凉孤寂和自我压抑。从小川端就孜孜不倦地埋头于翰林书海，志向于文学。并且从中学开始就尝试着向报刊投稿，开始时屡屡失败，后来产生一种自卑感，对从事文学创作产生动摇。转而想报考东京帝国大学，成为一个国文学学者。在此期间，他一直没有放弃对文学的热爱和追求，与志向文学的同窗石滨金作、铃木彦次郎等人，一起谈论文学和议论文坛现状而受益匪浅。

对其最早进行总体展望的是涉川骁的《掌上小说》（昭和32年2月《国文学解释与鉴赏》特集《川端康成•作家论•作品论与资料》），还有松坂俊夫的《掌上小说——研究之序章》（昭和48年1月八木书店出版）及后来出版的《川端康成〈掌上小说〉研究》，长谷川泉编著《增订川端康成作品研究》也有提及。目前国内的研究也尚不充分，除了叶渭渠先生有一定程度的研究外，其他学者对此研究还没有更广泛的开展。川端康成掌上小说的研究应成为一个非常重要的课题。、研究川端掌上小说的意义和价值

20世纪文学在人类文学历史的长河中占有重要地位。这是一个文学思潮流派蜂拥而

起，异彩纷呈。出现了遐迩闻名的文学大家。其中，川端康成就是被称为20世纪文学泰斗的文学家之一。他以自己的卓越才华，不懈的笔耕为日本文学的发展、为东西方文学的交流，及丰富源远流长的人类文学宝库，作出了巨大而卓越的贡献。川端的作品广为人知的应该是获得诺贝尔文学奖的《雪国》、《古都》、《千鹤》三部小说和短篇小说《伊豆舞女》等。在川端文学中，掌上小说容易被一些人忽视甚至淡忘，实际上这是最能体现川端文学风格的一部分。川端文学研究家长谷川泉先生说：“川端的掌上小说是川端文学的重要道标。”“叩开川端文学之门的钥匙不是《伊豆舞女》，而是掌上小说”。他的掌上小说集在发表之初受到社会极高评价，被当时的文艺界评论为“川端氏无论是在创作上还是在评论上，总是站在文艺战线的前沿，为新兴文艺吐万丈之气。”长谷川泉称这些作品“显示出一种题材、手法纷呈，像魔术师一样的艺术本质”。川端的掌上小说曾经受到岛木健作的极力推崇，这些玲珑而深刻的小短篇能令人既广而深地感受人生，有着与大文学不同的韵味。岛木说：“它们对人类的脉脉温情能直透读者心怀”，“在心灵被洗涤的清纯中，美好情怀，让人喜悦又令人悲悯的人生展现于眼前，多么富有诗意。”“过着疏远文学的忙碌生活的人们，若能每天一篇，读一读这些‘掌上小说’该有多好。”川端本人说掌上小说是旧作中“最让我怀念、最喜爱、现在仍最想赠送给许多人”的作品。在许多文学家以写诗歌打探文学之路的潮流中，川端却是“写掌上小说替诗了”，他的“年轻时的诗魂大多生机勃勃活跃于其中”。并且川端自己也承认“写了一百篇以上，这大概是其他作家所不曾有过的吧！”他认为“这些掌上小说是难以从我的过去消抹掉的”，并且他“期待着读者们，在游山玩水的旅途，或乘车或睡前，在那么一丁点的时间里也能够一篇一篇好好享受它”。

川端对掌上小说情有独衷。他认为：“能把小说变成如同昔日的和歌和俳句那样的普通百姓的东西，恐怕只有掌上小说了”。川端在《关于掌上小说》中明确指出，掌上小说“合乎日本人的口味。对此，只要考虑一下日本文学的传统和日本的国民性就会明白”。

三、川端掌上小说与川端创作的关系

川端的许多小说都是先经掌上小说的发酵、酿造、然后提炼、改造而形成的。甚至可以

说是他小说的基础特色和一切要素，是川端全部创作的缩影。象散文诗一样优美的一朵一朵的小浪花，竟能展现出巨大的文学世界所要表现的深刻内涵。

川端掌上小说创作，就其思想倾向来说，大体上同其全部小说创作三个时期的基本倾向互相呼应，运行在同一个轨迹上。其题材比川端的中长篇小说题材要广泛的多。主要分为以下几大类：

1．川端早期大部分的掌上小说，带有强烈的自叙传色彩。如：《油》、《拾遗骨》、《向阳》、《合掌》、《母》等。《拾遗骨》主要写了祖父病逝，他伤心至极，引起流鼻血，孤寂地躺在山冈上，被人叫回，带到火葬场拾祖父遗骨的情景。这些作品基本上都是作家泪的回忆，描写了自己沉重悲哀和寂寞的童年，无疑例外地刻下不可磨灭的痛苦生活的痕迹。

2．以川端个人的爱情生活为题材的掌上小说：《脆弱的器皿》、《她走向火海》、《照片》、《雨伞》等，表达了对昔日恋人的怀念之情。又有《向阳》、《锯与分娩》、《处女作作崇》、《生命保险》、《近冬》等，都是以川端本人的恋爱失意为素材的。他执着地把自己的感情献给已经背叛自己的恋人。这不是一种甜美而是苦涩、忧郁的感情。

3．川端也注意把自己的笔触伸向社会底层的小人物，表现了对他们辛酸生活的叹息与同情。掌上小说集《我的标本室》大多是属于这类题材。如：《玻璃》、《海》《脸》、《结发》、《仇敌》、《谢谢》、《早晨的趾甲》、《故乡》、《母亲的眼睛》、《偷茱萸的人》等。作品中的人物——女保姆、偷东西的少女、艺妓、女艺人、乞丐、卖身的少女、筑路劳工、捡破烂的、代书人、穷学生、穷画家等都是川端的关注所在。他从细微处剪影式地反映生活在社会底层的各种人物的侧面。

4．其中最多的描写的是男女之间，特别是少男少女之间的纯情。《金琵琶和蝗虫》、《树上》、《白马》、《秋雨》、《石榴》、《娘家》、《夏与冬》等，都描写了女性纯情的悲哀。还有描写夫妻由相爱到离异，最后双双情死的故事的《殉情》，以及描写一个穷画家的不正常的婚外恋的《金丝雀》。展示了川端描写男女爱情的小说世界。

5．《竹叶舟》、《五角硬币》、《山茶花》、《反桥》、《秋雨》、《住吉》等，描写了战争给人们的生活和爱情带来的创伤和投下的阴影。

6．《人的脚步声》、《不笑的男人》等揭示了纷繁复杂的都市生活人际关系的丑恶一面。另外，还有一些超现实主义的作品，通过梦幻与现实、具体与抽象、过去与现在，表现了生与死的主题。如《信》等。

川端苦涩、忧郁、寂寞的情感反复在掌上小说中体现出来，表现了他对爱的渴望和这种渴望不能实现的悲哀。从川端康成掌上小说的种种创作倾向来看，它们与川端的整个创作倾向是一脉相承的。其创作形式便捷和轻灵，既要求内容凝练，意境含蓄，构思精巧，语言简洁等。这些创作要求似乎比短篇小说更为严格。而且其形式多样、题材丰富，在这一点上，川端对掌上小说的运用是独树一帜的。

[参考文献]

[1]长谷川泉著孟庆枢译《长谷川泉文学论著选川端康成论》时代文艺出版社1993.6

[2]川端康成著叶渭渠译《川端康成文集•掌上小说全集》中国社会科学出版社1996.4

[3]叶渭渠著《冷艳文士川端康成传》中国社会科学出版社1996.8

川端康成范文篇3

【关键词】:川端康成小说伊豆舞女爱情诗化

《伊豆的舞女》是诺贝尔文学奖获得者日本作家川端康成的成名作,也是他前期重要的代表作之一。1926年小说在《文艺时代》刊物上发表后引起强烈反响。有人称它是“一首纯洁的爱情之歌”,“一首日本式古典抒情美的佳作”,“一股源于心泉的清流”......作品情节简单,讲述了一次风雨人生路上的美丽相遇!描写了一段发生在青春期的朦胧的初恋,伊豆的青山秀水与少男少女间纯净的爱慕之情交织在一起,互相辉映,给了读者一份清新之感,也净化了读者的心灵,把他们带入一个空灵美好的唯美世界。这段感情由于主人公之间独特的身份和差异而具有了一种诱人的美,赋予了少男少女纯洁爱情的唯美诗意化。《伊豆的舞女》就象一首意蕴深厚、回味悠长的叙事诗,感伤、精致而又清新淡雅。

薰子这个日本姑娘的名字淹没在“伊豆的舞女"这一曼妙动人的称谓之下。是的,她叫薰子,一个十四岁的巡游艺伎,有着丰厚漆黑的秀发和像鲜花似娇美的面孔,她的眼角处涂抹着古色胭脂红。这是川端康成先生为我们描述的。

主人公“我”是一个二十岁的高中学生,性情孤僻。一次,在去伊豆的旅行途中,遇到一队乡村巡迥演出的艺人,并与之结伴同行。认识了一个十四岁左右的美貌舞女,对她产生了爱慕之情。“我”为舞女迷人的姿色所吸引,甚至还产生过占有她的邪念。但“我”不愿这种无瑕的美受到沾污和损害。一方面,“我”为自己难以抑制的冲动而苦恼,更为少女夜晚可能受到侮辱而惴惴不安。当“我”在男女公共浴场看到她裸露着少女纯洁的肉体,欢叫着朝“我”迎面跑来时,从那天真无瑕的神态中,感到了无限的宽慰。舞女也对“我”一见钟情。几天后,“我”的旅费耗尽,不得不和这队艺人分别了。临行前,来送“我”的舞女默默无言,心中有说不出的难受。船开了,舞女的身姿渐渐远去,消隐。“我”沮丧地躺在床上,眼泪扑簌扑簌地往下淌,产生了无限的惆怅和眷恋......

准确地说,这只是一个忘情的故事。邂逅和告别,告别也就是永别,这中间是一个情窦初开和自持自省的过程,什么都没有开始就结束了。整个故事就像一朵蓓蕾,叫人不忍心又不甘心。这个爱情故事跟日本人心爱的樱花一样,蓬勃而短暂,鲜艳而凄伤,所以,它获得了永生。在川端康成的笔下,少男少女的主人公,即使是萍水相逢,也以爱相待,表达了纯真的爱情。“我”带着对纯真无邪、朴实可爱的舞女薰子的眷恋,义无反顾地跟随下层艺人巡游伊豆半岛。这眷恋谈不上纯粹的爱情,又恰似爱情,既不敢紧紧地把握,又惧怕它从手边无情地溜走。如此便产生了淡淡的哀伤,“我”

沐在哀伤中,惴惴而行。

作为处在社会上层地位的大学生“我”,与浪迹天涯、身世浮萍的艺人们不可避免地存在着社会歧视造成的无形的隔裂。“我”感到迷惘和无奈,而天真的舞女因此更加愁闷。就在这样的压抑与挣扎中,“我”不得不因囊中羞涩、盘缠无着而登舟辞别。本来无所执,亦即无所失,但远行仍让表面佯装坚强的“我”

十分伤感,同时,舞女无声中也蕴着莫名的哀怨:“她依然紧闭双唇,凝视着一个方向,我抓住舷边的绳梯,回过头去,她似乎想说;‘再见’,可话到嘴边又咽了回去,然后再次深深地点了点头”

一次凄美的邂逅,一段山重水复的心路旅程,因离别,成了永远的回忆,而回忆里依稀是清纯含蓄的舞女的身影。少男少女纯真的爱情犹如潺潺春雨夜,悄然开放的一些株淡淡的紫花,在没有月色的冷静风里独自忧戚。

川端康成范文篇4

1.学习本文定景换点，从不同侧面描写景物，使景物特征毕现的写法。

2.体会文章准确、生动的用词以及多种修辞的作用。

3.理解作者寄情于景表达的对“独立的、安静的”生活的向往和热爱大自然的情怀。

教学重点

通过语言的赏析和结构的疏通鉴赏意境之美。

教学难点

通过学生自读，体会作者对自然美的认识。

教学时数

1课时

教学过程

一、导入新课

散文追求的最高境界是诗情画意，即具有诗一般的语言，画一般的意境，还有深蕴的人生哲理；我们今天要自主学习的这篇日本作家川端康成先生写的《花未眠》就是一篇融诗情、画意和哲理为一炉的绝妙好文。

二、感知课文

1．创设美好情境，进行配乐自读。

2．点拨：文章由一偶然的发现——海棠花未眠，联想开来，引发对人生和艺术的思考和感悟。由于花未眠，作者感受到人的一生中感受到的美是有限的，而自然的美是无限的；人们感受美的能力需要艺术品作为启迪，艺术美让人们更好地领略社会的真实美；发现美还得需要一定的条件。

文章形散神聚，画家雷诺阿的话、罗丹和玛伊约尔的作品、繁二郎的画、长次郎的茶碗、真正黄昏的天空等内容都是由“花未眠”引发的对艺术的感悟。

三、重点提示

鉴赏一些语言优美的散文，重在体味语言，这是把握意境的一把钥匙。本文语言优美，通过对语言的具体分析，使学生感知作者的美好的情怀。课后再找一些美文来体会。

①如何理解“如果说，一朵花很美；那么我有时就会不由自主地自语道：要活下去！”这句话的含义。

点拨：海棠花怒放，作者从中感受到了它的旺盛的生命力，自己的生命意识受到了强烈震撼，他认识到一个人无论处在什么样的境地，有多少艰难困苦，都要努力地做下去，完成自己的人生美丽，所以，他说“有时就会不由自主地自语道：要活下去！”

②如何理解“一朵花也是好的”这句话的含义？

点拨：从文中第三段中“花未眠这众所周知的事，忽然成了新发现花的机缘”句和文中“一件古美术作品，成了美的启迪，成了美的开光”句，结合起来看，这句话是从自然之物对于美的启迪说的，因而，这句话的意思是：“一朵花”也可以发展人感受美的能力，引发人发现自然之美，所以说“一朵花也是好的”。

③文章第四段引述了雷诺阿、米开朗基罗的例子，其意图怎样理解？

结合上下文，应从对美的感受能力的角度来理解，并注意两人引言中的“死亡”及上文中的“无限”两词。“死亡”意味着终结，意味着“进步”的停止，它与前文中的“有限”是同样的意思。至此，作者引述两例的意图显而易见。

他的意图是：以这两个优秀的艺术家为代表，说明人对美的感受能力是有限的。

④为什么说“它盛放，含有一种哀伤的美”？

点拨：海棠花怒放，向人展示了它全部的生命，全部的美，当然是美丽的，给人以美感；但花之盛放，也就意味着它的衰落、凋零，再加上川端康成深受日本传统美学中哀婉、幽玄、虚幻因素的影响，并且他的性格又有些忧郁，所以他认为盛放的花，“含有一种哀伤的美”。

四、深入了解

川端康成，日本小说家。1899年6月14日生于大阪，1972年4月16日在工作室自杀身亡。

生平

川端康成2岁丧父，3岁丧母，7岁祖母亡，15岁时祖父亡，孤儿的遭遇使他的童年郁悲凉，也对他以后的文学创作产生了巨大影响。1920年9月，他进入东京大学英文系，第二年转入国文系。在大学期间，热心文学事业，积极参加编辑同人杂志《新思潮》（第六届），并在该刊发表短篇小说若干篇，其中《招魂节一景》获得意处好评，打开了他走上文坛的大门。大学毕业后踏入文坛，成为专业作家。同年10月，他与横光利一等人共同创办同人杂志《文艺时代》。1927年5月《文艺时代》停刊后，川端又先后参加了《近代生活》杂志、十三人俱乐部和《文学》杂志的活动。进入30年代以后，日本军国主义势力疯狂推行战争政策。川端大部分时间过着半隐居的生活，继续写作几乎与战争无关的作品。

由于在创作方面不断取得成果，川端在战后获得了多种荣誉头衔和奖金奖章。1968年10月，瑞典决定将当年诺贝尔文学奖授给他，表彰他以卓越的感受和高超的技巧，表现了日本人内心精髓。1972年4月16日，川端康成在他的工室里用煤气自杀。

创作

川端康成范文篇5

第一，日本文学形式在近代前大都是短小的，结构单纯。从古代开始，短歌形式的文学最为发达，后来发展为连歌、俳谐、俳句等，迄今不衰。日语音节、古调单纯，诗的形式不具备押韵的条件，因而日本诗歌极易与散文混同，形成散文诗化。日本随笔、日记文学，都很讲求文体的优美。散文的发展促进了短篇小说形式的物语的发达。十一世纪初出现的长篇小说《源氏物语》，其结构是由短篇小说连贯而成的，前后衔接松散，叙述简单，时间推移与人物性格变化没有必然的联系。在日本，即使长篇小说，其结构也是由短小形式组成的。这一特点贯穿于整部日本文学史，成为一种传统。江户时期井原西鹤的浮世草子《好色一代男》等长篇小说，也都是由短篇故事组合而成的。现代作家川端康成的长篇小说《雪国》，明显地具有《源氏物语》的那种结构和描写方法。第二，文学性格纤细、含蓄。自古以来日本自上而下的改革，对文学产生深刻的影响。明治维新以前，在日本文学中几乎听不到强烈的社会抗议的呼声。古希腊悲剧的那种雄伟崇高的观念，也不是日本作家追求的对象。他们追求的多是感情上的纤细的体验，表现的主要是日常的平淡的生活，在平淡朴素的生活中表达对社会对人生的冷静的思考。日本文学除很少例外，与激烈的阶级冲突一般都没有联系。即使是少数例外，作家的表现方法往往也是含蓄的，曲折的。第三，日本的文艺观是以“真”、“哀”、“艳”、“寂”为基础的。从“真事”始，平安时期的“物哀”，镰仓、室町时期的“幽玄”，江户时期的“闲寂”，主要是在和歌的基础上发展和提炼出来的。这些理论都是和作家向往的优美境界联系在一起的。而“余情”论为这种优美的境界提供了广阔的天地。

2日本文学史概述

2．1古代文学

包括奈良时代和平安王朝时代的文学。这一时期古代处于奴隶制的社会条件下，经历了大和时代的口头文学，奈良时代确立起借用汉字汉文的书面文学。氏族时代的英雄故事和传说说，在《古事记》、《日本书纪》、《风土记》中被记录下来，同时创作了开日本汉诗文先河的《怀风藻》和《凌云集》等。《万叶集》集录长歌二百六十余首，短歌四千余首，深刻地表现了大化革新前后日本社会变革的状貌，成为奈良文学的顶峰。延历十三年(794)，京城由平城京迁至平安京，文学随之进入王朝时代。《古今和歌集》确立了日本短歌的基本形式，成为敕撰集之始。除短歌外，物语在这一时代也有长足的发展、出现了《竹取物语》、《落洼物语》、《字津保物语》等“虚构物语”和《伊势物语》、《大和物语》等“歌物语”，以及集两者大成者的《源氏物语》。这一时代随笔、日记文学也很发达，代表作有《枕草子》、《蜻蛉日记》等。

2．2现代文学

现代文学始于第一次世界大战的结束，指大正后期、昭和年代及平成年代的文学。在十月革命影响下，上世纪二十年代和三十年代初日本工人运动很发达，从而推动无产阶级文艺运动走向高潮。叶山嘉树的《海上的人们》，小林多喜二的《一九二八年三月十五日》、《蟹工船》，中野重治的诗集，德永直的《没有太阳的街》等，极大地鼓舞了广大革命群众。与无产阶级文艺对垒的新感觉派，主要作家作品有横光利一的《太阳》、《机械》、川端康成的《伊豆的舞女》、《雪国》等其后新兴艺术派的井伏缚二、林芙美子等人，一度很活跃；新心理主义文学出现了堀辰雄、伊藤整等新人。

3从日本文学看日本国民的残酷性

读清少纳言的《枕草子》，你会被她那颗纤尘不染的唯美的天才之心所倾倒，会被她所构筑的那个清澈透明的世界所陶醉。你也一定会明白，沉淀在日本文化传统中的精髓、根本和内涵，是如何植根于中国文化的肥沃土壤中，而又有着和中国文化完全不同的性情特质的。我们确实可以从清少纳育在《枕草子》演绎着日本的凄美的细微里，深刻体会到日本固有的阴柔和纤细，颓废和哀痛，又这么极为融洽地体现到一个民族的历史上。川I端康成反复陈述的“日本之美”。而所谓的“日本之美”又究竟是什么呢?上世纪六十年代，JIf端康成在诺贝尔文学奖授奖仪式上发表的那篇著名讲演，虽然谈论的是风花雪月、禅意诗情，但透露出的清寂幽玄的意境，迷蒙着的淡淡哀怨，就是日本之美的核心，这样塑造出来的“美丽的日本”，暗合着当时的日本在经历战败的迷茫之后，重新审视日本文化，并从中寻回了自信，这种微妙的自信结合了日本被占领的事实，而逐渐膨胀起来了一股民族主义思潮，是一种极端自负而被迫接受现实的微妙心理。日本人极端矛盾的两种禀性和价值观，也从日本文化中得到滋养，转化成危险的暴戾，形成了桀骜不驯、不可理喻、好斗黩武、倨大自尊而又善于向强者低头的日本国民性格。

川端康成范文篇6

一、局限于字面意义所造成的误译

所谓局限于字面意义所造成的误译，其实就是我们俗话里所讲的“望文生义”。“望文生义”往往是从中文“先入为主”，原封不动照搬其词而引起的误译。或者为了图省事，译者常会想当然地进行翻译，文字看着类似，但含义但相差千里。从而使译文大打折扣。

1．「気違い。往復一里もある。」(川端康成「雪国」)译文:“你疯了，来回足有一里地呀。”分析:日语中的「里」，是日里，约合3．9公里，所以翻译时不能照搬，应译为"将近八里"。

2．余の右足は突然坐りの悪い角石の端を踏み損った。(夏目漱石「草枕」)译文:我的右足突然碰在不能坐的角石尖上。分析:应该译成我的右脚忽然踩了没有摆稳的带棱角的石头边。

3．毛よりも細い麻糸は天然の雪の湿気がないとあつかひにくく(川端康成「雪国」)译文:比毛线还细的麻纱，若缺少雪天的天然潮湿，就很难办了。分析:日语的「毛」有多种意思，其中就有“头发”跟“毛线”两种意思，但比喻细的时候，无论是按照汉语的习惯还是日语的习惯，都应该是“头发”的意思，因为毛线有粗细之分。而能织成高档衣料的麻纱，应该比发丝还细才行。所以这句话应改译为:比头发还细的麻纱，如果没有天然的雪的湿气，难以编织。

4．七日間の山の健康を簡単に洗濯しようと思ひついたのも、実は初めにこの清潔な女を見たからだったらろうかと、島村は今になって気がついた。(川端康成「雪国」)译文:岛村以为在山上待了七天，只是为了恢复恢复健康，如今才发觉实际上是由于头一回遇见了这样一个隽秀婀娜的女子。分析:原译文读来不知所云，没有译出原文的隐含义。「健康を簡単に洗濯しよう」，字面意思是"简单地洗掉健康"，它是一种含蓄的说法，其实是要把在山中七天养蓄的精力发泄一番。这句话可改译为:岛村这才发觉，想到要把在山中养蓄七天的精力，轻松地渲泄一番，其实也许是因为起初见到了这位洁净的女子。当然这几个文学作品中的误译只是这类误译现象的一个代表而已。为了避免这种错误，译者，包括广大学生在对自己不确切掌握的日语汉字词，不能投机取巧，首先要把它当外文对待，要像查日语生词一样去查、去问，搞清楚之后再译。既要查它的日语原义，又要查汉语中有无这种汉字词。查日语原义可以避免错误理解，查汉语中有无这种用法可以避免译文中出现似是而非的日化汉语词汇。

二、由句子结构的误判所引发的误译

由句子结构的误判所引发的误译简而言之就是不理解原文的语法意义。翻译虽然不等同于语法分析，但是，如果没有较强的语法分析能力，就不可能完全正确地把握住原文的信息内容及其内涵。因为有一部分信息内涵不是通过语境，也不是通过词汇，而是通过语法体现出来的。所在，只要译者对原文里出现的语法现象有一处理解错误的，往往就会使译文出现或大或小的问题。对原文语法意义的理解在翻译中显然占有举足轻重的地位。美国翻译理论家奈达也曾经说过“语法分析是翻译过程中极其重要的一环”。

5．何年ぶりかで見た菜穂子は何か目に立って憔悴していた。白い毛の外套に身を包んで、並んで歩いている彼女よりも背の低い夫には無頓着そうに、考え事でもしているように、真っ直ぐを見たままで足早に歩いていた。(堀辰雄「菜穂子」)译文:几年不见，菜穗子明显憔悴了，她裹着白色毛皮大衣，并肩走着。比她矮小的丈夫看上去衣冠不整，好像在考虑什么问题似的，两眼盯着前方，快步地走着。分析:……并肩走着。比她矮小的丈夫看上去衣冠不整……显然是误译。例文出自堀辰雄的《菜穗子》小说中的一节。误译的问题在于它没有完全弄清句子的结构。译文中“她裹着白色毛皮大衣，并肩走着。比她矮小的丈夫看上去衣冠不整”的表达方式给人一种异样的感觉，句中出现了两个主语，即“菜穗子”与“丈夫”。它似乎在描写两个人所处的某种状态。纵观例文，我们不难看出，它的整个句子是用来描写菜穗子的。句子的基本结构为「菜穂子は～憔悴していた。(菜穂子は)～に身を包んで、～には無頓着そうに、～でもしているように、～ままで足早に歩いていた」。

6．六助も新子をきらいではない。しかし「好きです……好きなんだわ……」と宣言される覚えは毛頭ないはずだった……(石坂洋二郎「青い山脈」)译文一:六助也并不是不喜欢新子。但是，说什么“爱你，我爱你呀”，这又有点过于轻率。译文二:六助也不是不喜欢新子。但是他一点也不记得新子对他说过“我爱你，我爱你呀”。分析:译文一里译者显然忽视了原文中的被动态和女性用语“わ”。如果注意到其中的一点，就不至于把说话人译反。译文二中说话者是译对了，但是，译文容易产生歧义，让人以为六助彻底忘了新子的爱情表白。然后，原文并不是这个意思。原文是个表示否定的存在句，否定的是(新子に)……宣言される覚え，即新子并没有对他表白过爱情。换言之，就是他记得新子不曾对他表白过爱情。因此，如果译文二的歧义不能通过上下文加以澄清，原文就应重译，如译作"他一点儿也没有记错，新子并没有对他说过＇我爱你，我爱你呀＇"。笔者认为，要解决这类翻译误区，应该要在动手翻译前反复阅读日语原文，有必要将句子主干提炼出来，细细体味中日两种语言在结构上的差异，辨别句子的主语。真正吃透原文的意图。在做到"神似"的同时又忠实于原文。

三、没有完全理解原文意义所造成的误译

对原文的正确理解是翻译过程中的一个重要步骤，这将会在译文于原文的忠实程度以及准确性起到重要的影响。

7．これでもう何度目かにその半ば傾いたベンチの上に腰掛けたまま、その最後の夏の日のそう云う情景を自分の内によみ返らせながら、永久にこっちを振り向いてくれそうもない少女のことをもう一遍考えかけたとき、明は急に立ち上って、もうここへ再び来まいと決心した。(堀辰雄「菜穂子」)译文:都筑明有好多次坐在那张半倾的长椅上，一边回忆着在O村的最后一个夏天，与三村夫人的那段谈话，一边思索着看来永远不可能再回头的菜穗子。有一次，他刚想起菜穗子，就突然站起身来，下决心再也不来这儿了。分析，这段文章为一个长句，从总段文章的脉络来看，男主角在长椅上回忆往事与下决心"再也不来这里"应该是同一个时间点。译者的这个“有一次”，明显是将这两个动作的时间段分开了，对原文理解有误。最后一句可以译成:“想到那个场景，他总是猛然起身，决心再也不上这里来了”。

8．僕はそんな空気のかたまりを身のうちに感じながら十八歳の春を送っていた。でもそれと同時に深刻になるまいとも努力していた。深刻になることは必ずしも真実に近づくことと同義ではないと僕はうすうす感じ取っていたからだ。しかしどう考えてみたところで死は深刻な事実だった。(村上春樹「ノルウェイの森」)译文:我在切身感受那一团薄雾样的东西的朝朝暮暮里送走了十八岁的春天，同时努力使自己避免陷入深刻。我隐约感觉到，深刻未必是接近真实的同义词。但无论我怎么认为，死都是深刻的事实。分析:单凭译文恐怕很难理解作者想要表达的意思。而问题的关键在于原文里出现的三个“深刻”。而且这三个“深刻”在文章中并不是同样的用法。第一次出现的“深刻になるまい”表示的是“我”不杨过于严肃地深入思考朋友的死这件事实。之后第二次出现的“深刻になる”的用法和前者相同。而第三次出现的“死は深刻な事実だった”中的“深刻”，应试是“严重”的意思。总结起来，应该可以翻译成这样:“与此同时，我努力避免使自己的思考过于沉重。因为我隐约感到:沉重地思考也并非就能接近事情的真实。然而，无论我怎样想，朋友的死都是沉重的事实。”类似例子，不胜枚举。无庸置疑，汉日两种语言在词汇、句法、篇章结构等多方面存在着很大的差异，这也给我们的翻译带给了一定的不便与难度。“信”、“达”、“雅”三者是有机联系在一起的。其中“信”是基础，也就是说翻译中最基础的是要做到忠实于原文，而要很好地做到这一点，就必须真正地读懂原文，如果对原文中字、词、句型的理解存在任何一点误解，都可能造成误译。这都将在译文中反映出来，造成译文的不“信”。因此，要准确地将日文翻译成中文，应该切实掌握日语的基础知识，而这些基础知识包括词汇的多种含义，日语句型的理解以及日本的一些文化知识，并能够综合运用这些基础知识和理论指导对日语原文的阅读。

川端康成范文篇7

可以说，近代以来私小说一直是日本文坛的主流。它深深根植于日本文学和文化的传统中，作为一种文学形式可以追溯到古代平安时期的女性日记学。其纤细的风格，细腻的心理描写和较强的写实性，代表了日本文学的一个传统方向。许多私小说作家创作的目的就是为了追求“自我”的表露。通过小说创作实现对自我的再认识，再现自己人生经历的部分片段，实现艺术的最高价值。因此，私小说作家认为：“自我”是一切艺术的基础，应该把这个“自我”不加掩饰而且朴素地表现出来。由此可见“自我”是私小说作品的核心，是了解私小说的关键所在。拙文尝试对私小说在张扬“自我”的创作实践中所体现的几个明显特征从真实性、传统性、封闭性、社会性缺失几个方面进行解读，以求对当今中国和日本文坛流行的私小说创作提供一个参照。

一、“自我”真实性

左拉说：“小说家最高的品格就是真实感”。他否定小说的“虚构”，而崇奉近乎绝对的“写实”。田山花袋的重要论作《露骨的描写》仅有三千多字，却是日本自然主义文学的一个宣言，是左拉创作真实感的延续。他在文章中称，当时的日本文学为“技巧时代”的文学，重词句、重华丽、重结构、重人物，认为这种文学时尚无法产生具有天衣无缝或行云流水般自然趣旨的浑圆之作。他主张文学摒弃虚饰的文风，而更加真切地表达“自我”。他关于露骨而大胆描写的主张，给当时的日本文坛及读者带来了巨大的震撼。田山花袋断言：“我认为，虽然在技巧论者眼中，‘露骨的描写’或‘大胆的描写’是笨拙的和支离破碎的。但实际上，这却是日本文坛的一种进步，或生命力跃动的体现。那些持否定意见的批评家，其实已大大地落后于时代。”作为这种理论的实践《棉被》在个体“自我”性心理的表现上具有独到之处，小说引起了极大关注。可以说，从明治维新的新文学起步到岛崎藤村的《破戒》，还没有任何一位作家能够这般真切而赤裸裸地表现个体“自我”的深层性心理。诺贝尔文学奖获得者大江健三郎在他的创作中也自觉或不自觉地带有“私小说”的印迹。通过“自我暴露”、“自我忏悔”再现了一段时期内自己的心迹。由于残疾儿“光”的出生和对广岛原子弹爆炸的调查,使大江的内心体会到前所未有的震撼和苦恼。由此创作了《个人的体验》。作品写我面对残障儿的内心斗争:完全抛弃他，良心将不得安宁；正视他、接纳他,又缺乏足够的勇气和信心，于是“我”选择了让他“自然消亡”这条道路，暗示医生用糖水代替牛奶……“我”经过了“地狱”般的磨难后终于面对事实，勇敢地承担起了父亲的责任。大江通过自身的经历，披露了自己隐秘的内心世界，通过暴露实现忏悔，从而实现了内心世界的净化和平衡。

二、“自我”的传统性民族文化基础

每个民族都有其独特的传统文化底蕴和审美价值取向。这种价值取向蕴涵于民族文化的深层结构之中,并且影响着文化现象的产生和发展。私小说之所以能占据日本文坛的主流，是因为日本传统文化中存在着能使私小说产生的文化底蕴。“日本人的思想根本，认为真正的生活不在公共面而在私人面”。“日本的艺术正好带有愈成为艺术时其私人性格愈强，而公众性格愈趋于消失的特征”。日本文学艺术的这种特征，从古至今都贯穿于日本文学文本之中。日本古典文学的最高杰作《源氏物语》是以描写源氏“自我”私生活的变化为主线来表现没落贵族社会全貌的，其中大量掺杂了紫氏部个人对贵族社会衰落而产生的隐蔽心迹。以《紫氏部日记》为代表的女性日记文学也都是以作者的亲身经历和身边琐事为题材进行创作的，作品中的“自我”倾向极为明显。至于田山花袋、德田秋生、永井荷风、谷崎润一郎等人的作品自不待言，甚至诺贝尔奖获得者川端康成的《雪国》、《千羽鹤》、《古都》中所表现的也都是“日本人的内心精华”。纵观日本文学史我们可以说，自古至今尽管作家经历的时代不同，但在创作实践上却具有一个共同的特点，即取材于身边的琐事或自身生活，在对男女私情和“自我”私生活的展示上具有自我欣赏的倾向。在实践上始终贯彻了日本自古以来的“私小说精神”。这种精神一直影响着近代以来的私小说创作及创作中“自我”价值的实现。

三、“自我”的封闭性

私小说不同于通常意义上的小说：通过虚构塑造高于现实生活的艺术性，作家与作品中的人物是创造与被创造的关系。私小说最明显的特征是主人公一般是作者本人，即“自我”。“自我”是一种孤立于社会的存在，一般都拘泥于个人的身边世界，作品题材一般只限于作家个人的家庭和生活圈子。既不需要虚构生动曲折的情节，也不需要架设巧妙精致的结构，作家只是在写自己的生活，在孤零零地写“自我”。因而作品存在着视野狭隘、封闭的弊端。

日本私小说作家一味在内心深处咀嚼着孤独与感伤。他们的苦闷与其说来自于社会的压迫，还不如说更多的来自于家庭贫困、疾病和恋爱的烦恼。作家抒发的往往是一种感伤的情怀。如作家葛西善藏一生困苦，历经坎坷，曾做过列车乘务员、淘金人的挑夫。多年的贫困与流浪剥蚀了他的健康，以致抑郁而死。这样的生活经历深刻地体现在他的作品中。比如，其处女作《可怜的父亲》中的主人公是一个年轻的男性，他远离妻儿，流落在阴暗潮湿而且周围都是病人的郊区公寓里，遭受着难以忍受的煎熬，用酗酒来打发疾病和不安的日子。葛西善藏以自己忧郁、孤独和贫困的生活为题材还写了十几篇私小说。这些私小说往往不着眼于外部事件的描写，不注重情节结构，而偏重于对“自我”心境的刻画。岛崎藤村在谈到自己的创作时就曾说过：“我写《家》的时候，一切都只限于屋内的光景，写了厨房，写了大门，写了庭院,只有到了能够听到河水响声的房子里才写到河……”。这充分表明了私小说作家共同而自觉的追求：取材于身边琐事和作家私生活，不顾及他人及社会大环境的特点。

川端康成范文篇8

我是一个起点很低的老师。我的起始学历只是中师。但一个中师生不但可以教小学、初中，也可以教高中，最近承蒙领导看重，我还两次走上师训讲台，也没被学员轰下台来，这一切，都得益于我爱读书。可以说，是读书改变了我的命运，是读书坚强了我的意志，是读书开阔了我的心胸，是读书成就了我在教书育人上的追求。

不知道各位是否有过同我一样的困惑：教师工作辛苦，教师工资低廉，学生象皇帝一样难伺候，家长象上帝一样挑剔，压力象大军压境一样严峻……不瞒大家说我当年痛感痛感人生暗淡，教育无望。特别是初到实验学校，有一段时间，我心力交瘁，要不是意志还算坚定，理想还没破灭，我也早跟那些老师一样，打点行装，打道回府了。什么“省优秀民办学校”，什么“市素质教育示范学校”，简直就是教师特别是班主任的炼狱嘛。

这时，是魏书生的〈教学工作漫谈〉深深地打动了我。从他琐琐碎碎的叙述中，我明白对现实的抱怨是弱者的象征，真正的强者是积极想办法的。命运把他仍到天空，他就做鹰；把他扔到草原，他就做狼；把他扔到山林，他就做虎；把他扔到大海，他就做鲨。他的“多改变自己，少埋怨环境”、“选择积极角色进入生活”，“多抢挑重担，少推卸责任”、“提高笑对人生的能力”……犹如一泓清泉，流入我久旱的心田，从此，我知道，做一个好老师，要从好心态开始。方法可以学，摆正心态是关键。

正如德国诗人歌德所言：读一本好书就是和许多高尚的人交谈。从此，教学之余，我把更多的时间和精力用于跟大师“交谈”。我在《爱心与教育》里与李镇西老师交谈，李老师的对学生倾洒的拳拳爱心让我明白“教师可以而且应该成为学生的朋友”；我在《给教师的100条建议》里与苏霍姆林斯基交谈，那生动的实际事例，那精辟的理论分析，使我若醍醐灌顶，甘露洒心。让我明白，教书育人不是一件简单的工作，而是一项值得用毕生心血经营的大事业；我在《教育文集》里与朱永新教授“交谈”，他对教育的诗性论述让我心潮澎湃，深情向往：“教育是一首诗”，“诗的名字叫热爱/在每个孩子的瞳孔里/有一颗母亲的心”；“教育是一首诗”，“诗的名字叫未来/在传承文明的长河里/有一条破浪的船”。

无数次的阅读，无数次的“交谈“，我懂了，教育，其实就是要让教师和他的学生感觉到教育的幸福；教师，就是那个给学生积极引导、永远让学生记住并学习的人。我豁然开朗了，我不再为分到差班而沮丧，因为我会把分到的差班当作最好的班级来经营；我不在为学生淘气而生气，因为学生的淘气恰恰是给我提供一个教育他的机会；我不再为工作繁重而忧愁，因为我明白，工作着并努力工作着的人是美丽的。

你有在仅有的一天周假中作过家访吗?我有。你有在学生与家长闹矛盾时既教育学生与教育家长的经历吗?我有。你有学生自己恋爱了或是家长要离婚了也告诉你的吗?我有。你有学生吸烟、打架、逃学、把尿撒到别人热水瓶里还会一如既往关注他、甚至给他煮鸡蛋吃的经历吗?我有……“知我者谓我心忧，不知我者谓我何求”我之所以能做到这样，全是因为受了大师的感召。我前年发表在《湘中教研》上的《爱学生，先要懂学生》就写到了这一点。

我在实验学校当过六年班主任，什么酸甜苦辣我都尝过，但我受到了家长和学生的爱戴，这是不容辩驳的事实。现在不当班主任了，还有很多学生来找我，告诉我他们的秘密，向我倾诉，请我指路。他们认为我值得信任，我觉得能为他们排忧解难很幸福。今年四月，我有幸在安徽安庆，参加了“全国班主任创新论坛”，有幸聆听了全国模范班主任高金英、窦桂梅、黄静华、任小艾等老师的精彩报告，其中《人民教育》副主编任小艾老师讲到名师成长的“七个学会”，就热情洋溢地呼吁全国教师“学会”读书，并推荐了一长串书目。

川端康成范文篇9

这时，是魏书生的〈教学工作漫谈〉深深地打动了我。从他琐琐碎碎的叙述中，我明白对现实的抱怨是弱者的象征，真正的强者是积极想办法的。命运把他仍到天空，他就做鹰;把他扔到草原，他就做狼;把他扔到山林，他就做虎;把他扔到大海，他就做鲨。他的“多改变自己，少埋怨环境”、“选择积极角色进入生活”，“多抢挑重担，少推卸责任”、“提高笑对人生的能力”……犹如一泓清泉，流入我久旱的心田，从此，我知道，做一个好老师，要从好心态开始。方法可以学，摆正心态是关键。

正如德国诗人歌德所言：读一本好书就是和许多高尚的人交谈。从此，教学之余，我把更多的时间和精力用于跟大师“交谈”。我在《爱心与教育》里与李镇西老师交谈，李老师的对学生倾洒的拳拳爱心让我明白“教师可以而且应该成为学生的朋友”;我在《给教师的100条建议》里与苏霍姆林斯基交谈，那生动的实际事例，那精辟的理论分析，使我若醍醐灌顶，甘露洒心。让我明白，教书育人不是一件简单的工作，而是一项值得用毕生心血经营的大事业;我在《教育文集》里与朱永新教授“交谈”，他对教育的诗性论述让我心潮澎湃，深情向往：“教育是一首诗”，“诗的名字叫热爱/在每个孩子的瞳孔里/有一颗母亲的心”;“教育是一首诗”，“诗的名字叫未来/在传承文明的长河里/有一条破浪的船”。……

无数次的阅读，无数次的“交谈“，我懂了，教育，其实就是要让教师和他的学生感觉到教育的幸福;教师，就是那个给学生积极引导、永远让学生记住并学习的人。我豁然开朗了，我不再为分到差班而沮丧，因为我会把分到的差班当作最好的班级来经营;我不在为学生淘气而生气，因为学生的淘气恰恰是给我提供一个教育他的机会;我不再为工作繁重而忧愁，因为我明白，工作着并努力工作着的人是美丽的。

川端康成范文篇10

关键词：日本作家;三岛由纪夫;怪异的文学;产生的原因

三岛由纪夫是日本战后派文学的著名作家，也是日本现代最有才华的文学大师之一。他两次被提名为“诺贝尔文学奖”的候选人，被称为“日本的海明威”，他也是日本近代少有的全能型的文学大师。他是杰出的小说作家，也是优秀的诗人；他是著名的剧作家，也是优秀的文学评论家；他是著名的电影制片人，也是优秀的记者和电影演员。他创作的小说、诗歌、散文、评论、戏剧、电影都十分优秀。但是，这位极具才华的全能型文学大师却有着与众不同的怪异人生和文学风格。纵观他的人生经历.文学风格和人生结局,都称得上是日本文学史上的千古一絕。本文将分析和论述三岛由纪夫怪异的文学和产生的原因。

一.三岛由纪夫怪异文学的主要特点

无数的事例证明：不同平凡的人生经历往往都会影响到作家的创作和作品的风格，使他们的作品能够独树一帜和特点鲜明。三岛由纪夫就是这样的。三岛由纪夫之所以被全世界公认为怪异的文学大师，是由于他的文学理念﹑写作方式和文学作品特别怪异，与众不同。1.怪异的文学理念三岛由纪夫是日本文坛最有才华的作家，其文学成就是辉煌的。但他又是日本文坛精神最怪异的作家，他具有文士和武士的双重性格，因而他写出的作品也具有怪异的文学风格。三岛由纪夫的文学理念与众不同，首先他推崇忠君美，他崇尚武士道精神，把切腹自杀视为“樱花凋谢之美”；他主张“忠君”，把对天皇和国家的忠诚，视为文学的纯粹之美。其次他推崇男性美，喜欢描写男性的阳刚﹑健壮和勇敢，他的这种美学观在日本文坛是独树一帜的。2.怪异的写作方式三岛由纪夫的写作方式也别具一格。他采用的是“文武两道”的写作方式，文道的作品充满柔情和温馨，武道的作品则充满血腥和毁灭。他强调文学创作要表现人的肉体和精神的完美统一，但他写出的作品却完全不统一。他最喜欢的写作方式是逆反，他喜欢描写逆反的，也喜欢描写异常的性欲，因而他的写作方式变化多端，反复无常，这在世界文坛上也是罕见的。3.怪异的文学作品。三岛由纪夫的文学作品也与众不同。他的作品主要分为两类。第一类作品是主要描写青年男女的性苦闷和浪漫的爱情故事，写得十分优美和动人，代表作是《潮骚》等。第二类作品则是充满了血、火、死亡和自我毁灭，写得十分阴暗和血腥，代表作是《金阁寺》、《丰饶的海》等。两类作品反差极大，让人很难相信这是出自同一作家之手。也许是作品的特点鲜明和独树一帜，使三岛由纪夫成为了日本现代最受国内外读者喜爱的作家之一。在国内，他的作品很受青年人的喜爱，使他成为了战后日本青年人崇拜的偶像。在世界，058他是最有影响力的日本作家，他的作品深受世界各国的读者喜爱，他是作品被翻译为外国语版最多的日本现代作家。

二.三岛由纪夫怪异文学的产生原因

三岛由纪夫的文学为什么如此怪异？其主要原因是：他和众多的作家不同，他有着怪异的人生经历﹑怪异的精神状态和变异的民族精神。1.怪异的人生经历日本文学界有这样一个奇特的现象，凡属有成就的作家，都有着不同平凡的人生经历，例如大江健三郎、曲亭马琴、樋口一叶和井上靖等等都是这样的。

三岛由纪夫的人生经历也是与众不同的，1925年，三岛由纪夫出生

于东京的一个官僚家庭，本名平岗公威。因为生来病弱，从小就随祖父母生活。他的祖父曾任桦太厅长官（相当于现在北海道的最高行政首长）。他的祖母夏子具有皇室血统，是水户藩藩主的外孙女，曾在日本皇室有栖川宫家里学习过礼仪，是一个充满威仪、固执和神经质的女人。三岛自幼受到祖母的偏爱和严格管教，不许外出玩耍、不许与男孩交往，他身边的人几乎全是女性。这种与世隔绝的生活，这种过分的保护与管教，造成了他贫弱的体质、孤独的性格和女性化的气质。这也许是造成他怪异文学的最大原因。2.怪异的精神状态也许是幼年时的精神压抑，使三岛由纪夫有着怪异的精神状态，他的文学思维与众不同，他是用一种逆反的心态进行文学创作；他写作的风格反复无常，时而温柔，时而血腥；他写作的热情是近似疯狂，真是又多又快。三岛由纪夫6岁时进入皇族学校—学习院读书，一读就是13年。12岁开始写作，主要写诗歌和散文。二战结束后，他师从于大师川端康成，开始从事小说、诗歌、评论、戏剧等文学创作，写出一批在日本和世界都具有重大影响的作品。三岛由纪夫是日本现代作品最多的作家，在他进入文坛的20年中，共创作了不同体裁的文学作品300多部，仅“新潮社”一家就出版了他的36卷全集。他的众多小说，都被改编为电影和戏剧。另外，他还写了千余篇文学评论。成为了日本近代少有的全能型的文学大师。谁都没有想到三岛由纪夫竟在文学成就极为辉煌的时候，却选择了自杀的道路。他的自杀身亡,震惊了整个日本,同时也震惊了世界整个文坛。3.怪异的民族精神三岛由纪夫是一位爱国者，他希望战后的日本强大，但他的民族精神却是独特和变异的。开始，他是想通过文学作品来唤起战后民众的武士道精神，重整日本军队的雄风，但他认为效果令人失望。其后，他试图通过政变来改变政府和军队的无能，失败后，他选择了切腹自杀，力图用自己的死来唤醒人们的醒悟。1970年11月25日,三岛交付了《丰饶之海》的最后一部之后，带领4名武装人员在日本陆上自卫队东部总监部将师团长绑架为人质。三岛在总监部阳台上向800多名自卫队士官发表演说，呼吁“真的武士”随他发动兵变，推翻否定日本拥有军队的宪法，使自卫队成为真的军队以保卫天皇和日本的传统，但是没有人响应。绝望之下，三岛随后从阳台退入室内，按照日本传统仪式切腹自杀。三岛由纪夫自杀时，正是他的文学创作走向顶峰的时候，他之所以有这样怪异的人生结局，也许就是他变异的人生经历和怪异的精神状态所产生的最后结果。通过以上的分析和论述，笔者得出这样三个结论：第一，三岛由纪夫是日本现代极具才华的全能型文学大师，他一生写下了众多优秀作品，对日本文学的发展有着重要的贡献。第二，由于他具有怪异的人生经历和怪异的精神状态，所以他的作品也具有怪异的文学风格，从而使他成为一名特点鲜明和独树一帜的文学大师。第三，事实证明，人生的经历和人的精神世界，会影响到作家的文学风格。