迪士尼动画十篇

迪士尼动画篇1

算得上动画大片鼻祖的迪士尼，近些年来却一直风雨飘摇。先是传统动画少人问津，人才流失惨重，后是后辈梦工厂和皮克斯的倔起让它腹背受敌。《冰雪奇缘》以全球狂卷十亿美元且还在继续的劲头，让他们看到了复兴的希望，何况它在奥斯卡上打败的还是同样好评如潮的《疯狂原始人》和《神偷奶爸2》。如今的迪士尼，无论影片主创还是表达方式，都超出了过去几十年来公司的一贯风格，而是变得更新、更炫、更潮也更3D。显然，低迷了20年之后，迪士尼迎来了一次突破和融合的复兴。难怪伊戈尔会想到2013年11月27日电影首映时的场面，并说“这是我出任首席执行官以来最自豪的时刻”。也难怪有人说他一定会“笑得跟只柴郡猫一样”。

曾经

在洛杉矶之前，美国的娱乐圣地是芝加哥。在一百多年前那些歌舞升平的年代里，有一个叫做华特・迪士尼的年轻人热衷于在纸上涂涂画画。他创造过一只叫做奥斯瓦尔德的长耳兔形象，1928年和其他动画设计师一起，将这只兔子的耳朵变圆，给短裤加上纽扣，给大脚穿上鞋子，还安了一条可爱的尾巴……于是，兔子被变成了老鼠，而他的妻子莉莉连恩则给它取名“Micky Mouse （米奇老鼠）”。

从米奇开始，迪士尼开始了自己对于动画世界的统治。1938年，迪士尼公司的第一部动画长片《白雪公主和七个小矮人》几乎奠定了人们对于动画片的全部理解―纯真、美好、正义和“幸福地生活在一起”。这是最经典的迪士尼电影之一，是世界上第一部有剧情的长篇动画电影。凭借着电影的良好基础，他们还在世界上第一次发行了电影原声音乐唱片，同样在市场上大卖。

慢慢地，“迪士尼”成了一个象征―他们所拍摄的影片除了能够吸引儿童之外，还能够安抚那个经济动荡年代的成年人。迪士尼本人也成为全球Icon，他所主持的“迪士尼奇妙世界”风靡全球。此外，在他执掌公司的年代里，公司生产的所有影片都能横扫全美影院，创造当年的票房奇迹。而他自己也在1939年拿到了奥斯卡的终身成就奖。那是一座大金人加上七个小金人，象征着白雪公主和七个小矮人。值得一提的是，为他颁奖的正是著名童星秀兰・邓波儿。

随着迪士尼以及迪士尼公司在电影领域里的成功，白雪公主、匹诺曹、米奇老鼠、唐老鸭等耳熟能详的角色被带到了现实当中，开办迪士尼乐园成为可能。乐园于1956年在加利福尼亚州的安纳罕市城里建立，距离洛杉矶市中心大约有20分钟的车程。随后，它又先后在佛罗里达、法国巴黎、日本东京、中国香港落户，每年都要为迪士尼公司带来超过百亿元的收入。

在华特・迪士尼本人所统领的迪士尼时代，这家全球最先进最顶级的动画公司享有所有的荣耀，并且为动画以及周边产品所带来的巨额利润而感到满足。“如果我们有勇气去追求梦想，那么所有的梦想都会成真。”这位公司创始人无论是在对员工发表演讲还是上直播节目时，都对未来怀揣着强大的信心。在他看来，迪士尼和其他电影公司不同，它的成长过程中几乎完全不需要去担心资金。“是的，无论如何，你都不应该过多地去关注金钱。因为所有和它有关的问题都会自然而然地得到解决，只要你在过程中尽了自己最大的努力。”

困境

1985年迪士尼公司被总裁弗兰克・威尔斯和董事长迈克尔・艾斯纳所领导，他们花了3000万美元为公司做宣传，还向新闻界多达3000人提供免费机票和迪士尼乐园的宾馆。尽管在1992年该公司的股价一度上升至每股100美元，可1994年威尔斯坠机身亡则导致了剧烈的人事动荡。

一批高级管理人员相继离去，电视部的老资格主管比尔・麦卡尼克跳槽到福克斯电影担当业务执行主管，公司电视总裁鲍勃・杰奎明休了长假，总顾问乔・莎比罗也因病辞职。最值得一提的，是电影制作主管杰夫利・卡森伯格―他原本希望自己能够接替威尔斯成为总裁，却被艾斯纳认为“只是一个出色的制片人而已”。一怒之下，他离开了迪士尼，和大导演斯皮尔伯格等人一起，组建了梦工厂。

另起炉灶是众多行业里见怪不怪的场面，而卡森伯格在离开的同时还高薪聘请那些已经结束或者即将结束和迪士尼合作的人员。眼看着大厦将倾，艾斯纳赶快用300万美元的合同挽留住音乐主管克里斯，同时也为其他高管加薪。可即使如此，也没有办法制止住迪士尼这座大船下沉的速度。20世纪90年代，艾斯纳用190亿美元收购美国广播公司（ABC），没想到签约后后者的收视率瞬间下跌8个百分点，广告市场也下跌3%。

更让人难以接受的是，人们已经开始不满于迪士尼所提供的二维动画。即使《狮子王》带来了“哈库呐玛塔塔”的经典台词，即使《花木兰》有着强烈的东方元素，即使《人猿泰山》讲述了人类对于自由的追求，但迪士尼动画在创作手法和价值观方面的老套已经完全暴露出来。

“现在迪士尼的领导者们完全没有办法理解他们的前任华特・迪士尼，”洛杉矶的本地媒体率先注意到了这一点，“是的，他们不知道他想要的东西到底是什么，只是想着‘哦，接下来我们可别把这件事情搞砸了！’但是，华特会怎么想呢？他会把看到的一切都变化成令人兴奋的东西，无论是2D还是3D，无论是传统绘画还是电脑科技。”

此外，从20世纪90年代初就开始的人才流失还在继续。出生于1957年的布拉德・博德早在14岁的时候就受到迪士尼注意，他的绘画天赋以及对于电影制作的热爱让公司高层以为挖到了一块璞玉。他们派出九大元老之一的米尔特・卡尔对其进行指导，并且早早就为他在公司留了一个职位。

但是长大后在迪士尼工作了几年后，有一次博德却在一次会议中因为忍无可忍而“早退”。“因为一个四十几岁的动画导演对我们所有人说：‘我来这里就是教你们的，我对自己做的事情很满意。’”他回忆道，“早年的迪士尼动画师们无论多牛，都不会说这样的话！对他们来说，动画创作是一条永远不会满足的路。”

那天之后，博德就加入了皮克斯。那是乔治・卢卡斯的皮克斯，是史蒂夫・乔布斯的皮克斯，是一盏能够启发并且点亮人生智慧的小台灯。

危机

经济上的困顿、人才的流失，加上无法跟上日益发展的人类科技和审美，迪士尼在20世纪末以及本世纪初的20年里就像是一部被抛锚在风雨当中的经典版凯迪拉克―每个人都看得到它的美，但却只能任其日渐衰老。

“我制作电影不是为了赚钱，我赚钱是为了制作电影。”这曾经是华特・迪士尼的口头禅，也是当年鼎盛时期的迪士尼和衰老的迪士尼之间的根本不同。因为对于追求想象力的公司来说，赚钱并不是能够激发内部灵感的基础。幸好那些当年从迪士尼出来的人们还记得这一点，无论是梦工厂还是皮克斯都在继承和传播华特・迪士尼精神方面走得很远。

梦工厂建立于1994年10月，就是杰夫利・卡森伯格离开迪士尼的同一年。和斯皮尔伯格以及大卫・格芬一起，他们的“Dream Works SKG”里有每个人姓氏的缩写。虽然这是三个无论是从性情还是行事作风上来说都是相当迥异的人，但在影星汤姆・汉克斯眼里，他们却总是能够摒弃异见达成一致。“格芬通常说话时间很短，语气温和；斯皮尔伯格有一种漫画家的思维，他能够把所有的东西都画到纸上，然后再把纸上的东西变成现实；而卡森伯格则是一个‘实际问题’先生，他总是会把会议的时间严格控制在22分钟之内。”

这样的三个人联手制作了《怪物史莱克》，它颠覆了传统动画片里“帅王子和美公主从此以后过上幸福生活”的桥段，有着喇叭耳朵和绿色皮肤的史莱克成为新时代的另类英雄。加上麦克・迈尔斯、卡梅伦・迪亚兹、艾迪・墨菲的配音阵容，本片获得了2.67亿美元的票房，成为当时最卖座的动画片。同时，它还获得了2002年底74届奥斯卡最佳动画长片奖以及2001年的第54届英国电影和电视艺术学院奖等等。

当迪士尼用3年的时间才能制作出一部电影而且还激不起任何波澜的时候，他的另外一个竞争对手皮克斯却每年推出一部动画长片，约翰・拉赛特、安德鲁・斯坦顿、皮特・多科特以及从迪士尼出来的布拉德・博德这个“核心集团”拍摄出了一系列叫好又叫座的动画电影：全球首部全CG动画影片《玩具总动员》系列每次上映都会打破之前的票房纪录，而《海底总动员》获得第76届奥斯卡最佳动画长片奖。

就在梦工厂和皮克斯不断在各大奖项中刷存在感的时候，迪士尼在做什么呢？他们也学着皮克斯搞CG动画，但是2005年首部以1.5亿美元成本拍摄的《鸡仔总动员》却在全球只拿到3.14亿美元的票房。而且，从影片风格来看，完全是对于梦工厂恶搞的模仿，彻底失去了当年迪士尼的特色。在烂番茄上，其好评率竟然只有38%，这无疑是扇了动画巨头的一个响亮的耳光。

逆袭

眼看着这世界已经不再属于自己，迪士尼在2004年作出了一个壮士断腕的决定―关闭佛罗里达的手绘动画工作室。两年之后，他们将皮克斯纳入自己的大家庭。有人认为迪士尼其实是因为想要复制“小台灯”的成功，所以才“强娶”对方。但他们只说对了一半，因为皮克斯自己也对未来独立开发电脑动画缺乏必要的信心，双方的“结合”来自于天然的需求。

迪士尼为收购皮克斯支付了74亿美元，当时新上任的首席执行官伊戈尔被认为“做出了最勇敢的决定”。于是，从那一年开始，皮克斯联合创始人当中的约翰・拉赛特和埃德・卡特莫尔开始进入到迪士尼公司，着手分配他们在两家工作室的工作时间，前者更是现兼任迪士尼动画和皮克斯的首席创意官。“我们不是要尝试着将皮克斯的文化移植到迪士尼，而是要重振后者。”拉赛特这样给自己的工作定位，并且让两家公司自始至终保持着独立性。

2009年2月，梦工厂也加入到了迪士尼的大家庭当中。和皮克斯不同，斯皮尔伯格的这次举动有些不得已而为之的味道。因为遭遇金融风暴的冲击，离开派拉蒙公司本打算转投环球影业的他们却遭遇了对方的“悔婚”。于是，危急时刻大导演只得求助于动画片鼻祖迪士尼，而后者同意合作则印证了这家老牌公司已经基本上摆脱了十几二十年前的困顿。

而真正意义上的迪士尼复兴，还是在2014年的奥斯卡颁奖礼上。通过姐妹情深来“追寻自我”、“找回自己”的《冰雪奇缘》突破以往迪士尼的故事构架，从皮克斯那里学来的3D效果也获得一致好评，为公司赢得了有史以来第一个最佳动画长片奖。那些亲赴挪威采访时的辛苦、每一帧都要耗时超过130小时的细致以及被从分子层面解析的雪片，被证明都是值得的。“很多人以为动画电影的制作很简单，但实际上其诞生要经过很多年的锤炼。”导演克里斯・李在获得奥斯卡后解释说，“时代和技术一直在改变，最后我们选择用CG动画来表现。和手绘动画相比，它最大的好处是能够呈现冰雪的晶莹剔透。”

迪士尼动画篇2

Classic artwork[图片] from Disney Animation will be put on display at the National Museum of China （NMC） starting from June 30th.

“Drawn from Life： the Art of Disney Animation Studios” features[展出] more than 300 items， including scenes from Steamboat Willie， Mickey Mouse， Snow White and the Seven Dwarfs and The Lion King， created in the past 90 years of the studio’s history.

The exhibition[展览会] consists of[由……组成] four themes： friendship， family， courage and love. Many sketches[草图，素描] have not been shown to the public before.

It’s easy to forget that behind each final Disney animated film is a collection of thousands of sketches. But when the filming wraps[使完成拍摄]， they are often archived[把……存档] and overlooked[忽视]. Mary Walsh， managing director[常务董事] of the Disney Animation Research Library， said such exhibitions are like walking into Disney history.

NMC’s deputy curator[副馆长] Chen Lyusheng said Mickey Mouse and Donald Duck were the first animated figures to appear on TV in China in the 1980s. And Chinese audiences have been in love with Disney animation ever since .

The exhibition will last until August 18th before moving to Shanghai.

自今年6月30日起，华特迪士尼工作室将在中国国家博物馆（NMC）展出其经典动画原稿。

“生命之绘―迪士尼经典动画艺术展”展出了超过三百件展品，其中包括《蒸汽船威利》《米老鼠》《白雪公主与七个小矮人》和《狮子王》等在迪士尼工作室过去90年历史中诞生的经典场景。

此次展会分成“友谊、家庭、勇气和爱”四个主题展出。许多原稿此前并未对外展出。

人们很容易会忘记，每一部迪士尼动画电影成品的背后是成千上万张草图。但当电影拍摄完成后，它们通常会被收集归档，被人忽略。迪士尼动画研究所常务董事玛丽・沃什说：“这样的展览让人仿佛走进了迪士尼历史。”

中国国家博物馆副馆长陈履生表示，上世纪80年代，米老鼠和唐老鸭进入中国，成为首次出现在中国荧屏上的动画形象。自那时起，迪士尼动画便深受中国观众的喜爱。

该展览将持续到8月18日，随后会到上海展出。

自测题――你是迪士尼铁粉吗？

1. 以下哪部有声动画短片是米奇的银幕首秀？

A.《蒸汽船威利》

B.《麋鹿猎人》

C.《米奇的房车》

2. 以下哪个迪士尼动画角色是穿裤子的？

A. 小熊维尼 B. 米奇 C. 唐老鸭

3. 引发全球翻唱热潮的《Let It Go》是以下哪部迪士尼动画电影的主题曲？

A.《灰姑娘》 B.《小美人鱼》 C.《冰雪奇缘》

4. 谁是小熊维尼的好朋友？

A. 跳跳虎 B. 巧虎 C. 胖虎

5. 以下哪个角色没有出现在电影《狮子王》中？

A. 辛巴 B. 胡巴 C. 刀疤

6. 迪士尼第一部长篇动画影片是以下哪一部？

A.《白雪公主与七个小矮人》

B.《木偶奇遇记》

C.《小鹿斑比》

7. 公主系列是迪士尼知名系列之一，以下人物与作品对应错误的是？

A. 爱丽儿公主――《小美人鱼》

B. 贝儿公主――《睡美人》

C. 艾莎公主――《冰雪奇缘》

8. 迪士尼电影也出现过不少经典台词，以下对应错误的是？

A. “死亡是一场华丽异常的冒险。”――彼得・潘

迪士尼动画篇3

[关键词]动画电影　《奇妙仙子》　艺术魅力

今年2月，中央电视台电影频道在“佳片有约”栏目中播放了迪士尼动画电影《奇妙仙子》(Tinker Bell)。“佳片有约”作为一个品牌栏目，以传播世界各国的经典艺术大片而著称，在这样一个声誉卓著的经典栏目中播放一部仅50分钟左右的动画电影，这本身就是令人惊异的事。然而影片一经播出，便在观众，尤其是孩子和喜爱动画艺术的年轻人中引起强烈反响《奇妙仙子》以英国作家詹姆斯・马・巴里创作的《小飞侠》故事中的叮当小仙子为艺术原型，以2005年迪士尼公司推出的“迪士尼仙子”(Disney Fairies)中的叮当小仙女领衔主演的动画新片，于2008年10月底在美国以直接发行影音产品的方式推出。在影片中，迪斯尼的动画大师们充分综合了文学、影视、绘画、音乐等艺术形式，以动画手段为我们展现了充满独特艺术魅力的精灵世界。

魅力之一：充满人性之美，层次分明的积极主题

《奇妙仙子》的故事内容取材于纽博瑞文学奖得主于Gail Carson Levine2005年创作的首部迪士尼仙子小说《超凡小仙子》，但在剧情上已经“面目全非”。影片主要讲述了伴随着初生婴儿的第一次欢笑而诞生的奇妙仙子，来到仙子王国后被认定为修补仙子，负责用自己的创造帮助其他仙子制作或修补他们不可或缺的工具。但她觉得自己的工作不像其他仙子的工作那样充满新奇、特别和富有创意，于是她一心想要更换自己的工作，并在几位仙子朋友的帮助下进行了一次次冒险尝试，设想到这样的尝试却给仙子王国造成了灾难，差点搞砸了筹备已久的春天准备工作，经过一番波折，奇妙仙子终于明白：只有正确认识自己的天赋，尊重自己的天赋，才能真正地发挥所长。

“认识你自己”、“认识自己的天赋”这样充满哲学意味但又与每一位个体都息息相关的基本主题，随着奇妙仙子的言行和思想变迁而清晰地呈现出来，让观众们心悦诚服且又受益匪浅。

在“认识自己的天赋，尊重自己的天赋”这样的基本主题下，该片还隐含着一层“人高于神，人间比精灵世界更充满魅力”的人本主义思想。在四季更替之际，只有负责四季更替的仙子才有机会去人间，奇妙仙子来到仙子王国时，正值负责春天的仙子们在为人间的春天作准备。奇妙仙子不仅为自己身为修补匠而懊恼。更为自己不能去往人间而深感遗憾。“人间，这地方我连做梦都想去”，抑制不住对人间的渴望，奇妙仙子不顾仙子王国的定律。立志改变自己的才能，并为此付出了艰辛的努力。尽管这样的改变显得如此冲动，甚至给仙子王国带来了灾难，但奇妙仙子对人间的向往，以及为此而付出的种种艰辛的努力，无不令人动容，彰显出熠熠的人性光辉。

魅力之二：性格鲜明、形象可亲可爱的人性化角色

仙子的世界存在于人们的想象之中，这也就决定了仙子的形象只能是假定性形象。而动画电影与真人电影的差别就在其拍摄对象本身不是生命体，而是用造型艺术手段制作的假定性形象。如何才能让假定性形象得到观众的喜爱和认可呢?迪斯尼的艺术家们为此做出了不懈努力，他们从生活出发去设置和塑造角色，不在角色形象的奇特上下功夫，而是倾力打造性格鲜明的人型化角色，并赋予角色极具人缘的亲和力，形成了迪斯尼动画电影在角色塑造上的又一特色。

影片中的主要角色奇妙仙子形象可爱。性格鲜明。她身材娇小玲珑，一头金发。穿着性感可爱：她极富创造力，一件肥硕的修补匠服在她手里三下五除二就变成了一件漂亮、时尚的裙装：她向往人间，乐于学习，敢于冒险，但脾气有点倔，不能正确认识和对待自己的天赋，看不起自己所从事的修补匠工作。影片立体化地展示了她性格中的优缺点，并动态地展现出其思想、性格的变化与成熟，她仿佛就是我们邻家可爱又调皮的小妹妹，让观众尤其是儿童从中仿佛看到了自己的影子，具有很强的亲和力和感召力。

影片中的几个二线角色在形象和性格上也极具人性化。如奇妙仙子的好朋友园艺仙子、水仙子等等，还有同为修补仙子的波波和“胖子”。他们热心于自己的修补工作，但有时又很贪玩，调皮捣蛋。然而正是这样优缺点共存、极富人性化的角色性格，使得角色形象光芒四射、深入人心。

仙子王国并不都是美好，也有丑恶和阴暗。影片中还设置了一个相对的反派角色薇蒂亚。她骄傲自负，善用心计，利用奇妙仙子想改变自己才能的迫切心理，处处捉弄奇妙仙子，使得事情越来越糟，最终咎由自取，被惩罚去侍弄最棘手的“旋风蓟草”。

此外还值得称道的是。影片中不仅人型化角色让人过目不忘，其他的动植物形象也让人开怀。如可爱的小老鼠“芝土”。跳跃排队的洋葱头、到处惹是生非的“旋风蓟草”等。不仅重视人型化角色，在动植物形象上也精工细作。这种力求尽善尽美的创作态度实在令人折服!

魅力之三：想象奇特、风景奇异的精灵世界

这部动画电影是迪土尼卡通片厂转型后的全新作品，以电脑动画方式制作，不仅呈现出全新风貌的小仙女造型。更带领我们超越想象的极限，一窥仙子王国的奇异风貌，领略精灵世界的独特魅力。

大自然奇妙无穷，是谁将大自然的魔法带八人间的呢?当然是仙子。影片立足于大自然，从仙子的角度进行想象，设计了以仙粉树为中心的仙子王国，仙粉树的树根漫延到整个仙子王国，整个仙子王国都沉浸在仙粉的魔法中。在构思仙子王国时，如何让精致小巧的仙子与周遭的事物联系互动呢?迪斯尼的艺术家们充分运用自己超凡的想象和来自大自然的灵感。利用制图的尺寸比例变化。在技术上充分综合二维和三维动画效果，营造出奇幻的仙子世界。为了配合仙子们的小巧精致，他们用枫树种子作仙子屋顶的风扇，并用它来运送物品：用树叶作仙子的屋顶，用南瓜、香菇甚至贝壳做门窗；用玫瑰花瓣和大海的颜色为仙子们搭配服装……这样的想象和创作使得仙子们就像是大自然的―部分。

迪士尼动画篇4

【摘要】新媒体技术不断发展催生3D动画电影并促进其推陈出新。横跨影视制作、音像发行、衍生品售卖、主题公园等多行业的迪士尼已经进驻3D动画电影领域长达20多年。以往学者更关注迪士尼的运营生产链研究和3D动画电影内容、故事架构的探讨。本文试图对在新媒体技术影响下迪士尼3D动画电影的创作生产环节进行梳理；对基于3D动画电影衍生电子游戏产品开发形成巨大的生产、经营、宣传推广的创新模式进行探究。

关键词 新媒体；3D动画电影；跨领域终端；全媒体推广

新技术广泛应用于通讯、交通运输、影视娱乐等行业使得全球范围的传播成为可能，麦克卢汉预言的“地球村”已经将世界压缩为一个共同的生活社区，使生活在这一社区的人们真真切切地感受这一变化，3D动画电影也应运而生。商业巨鳄迪士尼第一部在院线上映的真正的3D动画电影——《玩具总动员》由皮克斯提供技术支持着手制作，迪士尼投资发行，最终于1995年11月22日上映。

时至今日距《玩具总动员》制作生产已经有20多年。在这段时间里，从技术层面看，迪士尼通过自主创新动画形象，兼并收购具有竞争力的制作创意公司，成立创意团队，合作经营生产等诸多方式发展3D动画电影事业；在行销层面，迪士尼通过拓宽广播电视产业，宣传发行子公司的配合，确立经典动画形象到最终端的衍生品售卖和主题公园建构的梦幻王国等侧面不断推陈出新。在新媒体时代下，3D技术的开发应用呈现出新的样态，配合电影上映相关媒体网站立体化推广；流媒体视频终端拓宽增加点击播放量；基于3D动画电影的游戏开发等最终形成巨大的生产、经营、宣传推广的创新模式。

一、迪士尼3D动画电影投资收益与脉络梳理

据不完全统计，截至目前印有迪士尼3D动画电影标签的影片一共有36部，以平均每年1.2部的高产量位居3D动画电影生产前列，3D动画电影要从人物创意、情节、结构、技术生产制作等一系列环节通过反复实验才能最终问世。

根据1995年至2015年迪士尼3D动画电影投资与票房收益走势统计数据，笔者从中梳理迪士尼3D动画发展脉络不难发现以下几个问题。

（一）差异化的逐年增加的投资

高质量的动画电影需要资金的支持和保证。迪士尼第一部3D动画电影《玩具总动员》投资高达3000万，这是毫无长篇3D动画电影制作经验的迪士尼第一次冒险。最终《玩具总动员》不仅获得了高出投资12倍的票房收益，也将当时的奥斯卡特别贡献收获囊中。电影高投资带来了更高的市场回报，2013年上映的《冰雪奇缘》总投资为1.5亿美元，全球的票房总收益为12.7亿美元。

（二）不同层面的探索和创新

对于迪士尼来讲上映的3D动画并不全是“稳赚不赔”的买卖。其中2010年上映《长发公主》总投资高达2.6亿美元。是截至目前所有迪士尼3D动画投资最高的影片，但其全球5.9亿的票房仅仅是投资的2.3倍，迪士尼的常青树——“公主系列”似乎受到了市场的质疑，这是迪士尼3D动画电影高投入低产出最失衡的一次。不尽如人意的票房促使迪士尼开始寻求其他发展路径。

二、新媒体技术下的发展路径

（一）寻求多元合作伙伴

根据美国著名市场营销学家菲利普·科特勒所主张的品牌周期理论，一个产品的生命经历着导入期到成长期、成熟期最后是衰退期的历程。一个品牌对于迪士尼或者迪士尼的3D动画形象而言，要想保持持久的生命活力就必须从自身内部的系统中寻找突破点，从系统之外汲取新鲜力量。从而不停地给受众新鲜刺激，保持持续的关注度。

核心力量——迪士尼动画工作室。在迪士尼已经上映的36部3D动画电影之中15部是由迪士尼动画工作室独立制作。作为鼻祖级的核心力量策源一个又一个经典形象，通过系列动画片、电影、卡通音像制品以及衍生品、主题乐园等方式使得迪士尼的卡通形象不仅是梦幻乐园的建造者、快乐传递的使者，也成为娱乐产业巨头迪士尼的支撑力量和灵魂性产品。

迪士尼在全球范围内搜罗新鲜血液注入自己品牌DNA。同迪士尼合作过的团队包括皮克斯动画（占全部3D动画电影的39%）、导演米基斯的ImageMoversDigital工作室(占全部3D动画电影的6%)、Vanguard工作室、加拿大最大的动画制作公司Starz工作室、多伦多C.O.R.E.FeatureAnimationl作室、印度雅什一拉吉影片公司、罗斯电影等电影制作公司（占全部3D动画电影的13%）。合作方式为两种：一是迪士尼作为创意方，寻找技术支持为迪士尼的创意制作具体的动画形象，迪士尼负责发行；二是迪士尼作为投资方，寻求具有市场价值的动画剧本通过购买版权和深化合作加工，使动画角色更丰满充实符合迪士尼对于自身核心竞争力的定位。

其中除了皮克斯动画是长期合作方之外其他都是短期1到2部电影的合作，影片一旦结束制作并最终下线双方随即便解除合作关系。正是这种短期的合作方式构成了迪士尼动画形象的丰富性，也成为一块又一块动画产业试验田，为日后的投资发展指明方向。

（二）并购优质团队

核心竞争力是指“一个组织擅长的东西”，通过品牌特征、技术领先、高端研发以及客户服务来判定一个品牌是否具有核心竞争力。迪士尼通过不断并购优质团队提高自身的核心竞争力：2006年收购技术先驱皮克斯、2009年收购“创意引擎”漫威、2010年收购卢卡斯，三次大动作完成了自己在技术层面、创意层面和卡通资源层面的整合形成全新的协作关系，巨大的3D动画孵化基地就此产生。

三、票房秘密——3D动画电影想象性空间的叠加关系

在电影院，观影者与电影的关系并不是简单的看与被看的关系而是通过置身于电影之中和电影剧情、角色共同经历的假象性主体关系。“场域是由不同位置之间形成的客观关系网络构成的开放型结构。不同的权利或资本对应于一个位置。”所以位置的变换引起关系的变化，从而支配关系可能转换为对峙关系，而处于屈从位置可能一跃而上成为了支配主体，引起关系网和权利系统的改变。

观看3D电影时空间更加个人化了，戴上眼镜之后的观众不再和其他观众产生存在于影院空间范围内的短暂性联系，每一个人像是实验的客体，但同时又是影片自我感知上的主体，只与电影之中的人物同呼吸共命运。他能深刻感受电影之中角色的喜怒哀乐，能清晰地看到电影主角的掌纹，甚至通过主观镜头的处理能迫切感受到人物所面临的威胁，如飞来的利剑和乘坐列车即将撞毁时的即视感不禁让观众心跳加速。3D动画和二维的呈现方式不同，作为看客，在二维空间内只是通过紧张的故事节奏和影片音响的配合调动观众感受，受众永远是处于一个偷窥者的角色之中，而偷窥在满足人的发现欲和感知欲外不禁产生罪恶感，这也就导致一定程度上并不能完全集中注意力或者说在无意识地抵抗这种注意力的集中。3D技术的应用巧妙地解决了这一点，让受众更加安全地立足于一个隐形的空间，在这里，在迪士尼3D动画电影所营造的故事情节中受众像是一个拥有了魔法的精灵，披着隐形的外衣更加强烈地置身于电影情节之中感受电影所带来的快感。

四、全媒体推广

（一）依托自身强大全网媒体资源的立体化推广

迪士尼的3D影片宣传模式一般是依托迪士尼已有的发行公司发行。试金石公司、华特迪士尼电影工作室等专业电影运营部门，整合迪士尼ABC电视集团、迪士尼电台、娱乐体育节目网公司等依托电视、广播、网络甚至是迪士尼主题乐园实体呈现的方式实现全媒体立体化宣传、从电影脚本确定到选择配音演员、导演等相关人员配备和故事情节及技术创新卖点等方面不断制造话题，延续受众关注热度。影片上映后相关衍生品相继面市，角色进驻主题乐园，进入到迪士尼消费模式的循环链中。

（二）全媒体网络终端的跨领域合作

当代社会视觉文化成为压倒性的文化， “读图时代”来临使人被困于影像魔咒之中。电影和游戏的结合依附新媒体技术的多终端呈现使得创意产业进入跨领域的全新消费模式。3D电影带给人的感官体验在离开电影院之后便大大减少，观影者除了依稀记得部分紧张的故事情节和几个印象深刻的镜头之外就像是一个失去了超能力的英雄。在跨领域合作平台的今天如何让这种假象性关系延续，使得在电影院里的短暂体验消费形成常态，迪士尼做了两方面的努力。

1．流媒体播放平台整合

迪士尼于2014年11月推出一款同时兼容iOS系统和Android系统的程序，用户可以通过智能手机、平板电脑及其他数字设备终端在苹果或谷歌商店在线购买迪士尼、皮克斯和漫威所有出版的电影，并且可以实现ituns账号同步。这一整合了苹果和谷歌强大网民资源的研发终端应用以载体的方式再次呈现迪士尼的3D动画内容构成新一轮的售卖，迪士尼3D电影爱好者可以以在线支付的方式购买自己喜欢的3D动画片。全媒体多平台的整合利用配合捆绑式出售政策刺激购买之后，根据三方协议只要谷歌和苹果公司盈利就必须将每部影片的批发价格支付给迪士尼。这种无形商品的有形售卖形式，褪去了DVD老式音像制品的外衣，裹挟着新媒体技术，利用更广泛的平台，将3D电影全网传播。

2．依托于3D动画电影的游戏开发

从2000年至2014年，至少有24款热门视频游戏被改编为电影，“2014年第一季度，在iOS应用商店和Google Play数字商店内，游戏下载占据总体应用下载量的近40%。而iOS应用商店当季度收入也比去年同期增长了1.7倍。”。这愈演愈烈的趋势表明，票房的成功和电影评分已经不是衡量电影是否成功的唯一标准，基于3D电影的游戏改编成为电影盈利的又一重要途径。

迪士尼在这一横跨多屏幕的数字娱乐产品的开发上下足了功夫，2014年推出的《迪士尼无限》以1亿美元的制作成本位列全球最高的游戏制作成本前十名。迪士尼3D动画电影改编成游戏较为炙手可热的《冰雪奇缘》《怪兽大学》等为横跨多屏幕的数字娱乐产品带来了巨大的收益。根据迪士尼官方透露，其中《迪士尼无限》能带来高达10亿美元的产值，大大扭转了2008到2013年迪士尼视频游戏部门高达14亿美元的亏损状态。

拥有品牌认可度和忠诚度的迪士尼将3D电影改编成为3D互动式游戏，依托电影故事原本，游戏的场景和隋节都进行较大幅度的改变，改头换面之后成为3D电影的电子衍生产品。基于电影的追随者，改编游戏不仅可以延续电影创造的梦幻空间、保持追捧热度，在情节的再创作和人物置换的角度可以让玩家有更深刻的互动体验。玩家游戏排名机制、购买游戏装备、解锁游戏人物技能的相关功能开发形成玩家之间的虚拟关系网和虚拟竞争关系，买家就心甘情愿地将自己口袋的钱放进迪士尼的腰包里。

结语

新技术的发展应用再次将麦克卢汉关于“媒介即人的延伸”的预测证实，人类凭借媒介技术延伸自身功能并改变着自己的行为习惯：看得更远更精细，听得多更真切，宛如“超级人”一样的存在。更广泛更深刻调动人类视觉和听觉的3D动画电影让人类异想天开的世界借助新技术呈现在世人面前：拥有魔法的精灵和风华绝代的公主和人们一起承受着世间的喜怒哀乐；肩负拯救世界使命的超能英雄和骑着白马的王子就隐藏在市井深处等待解救处于水深火热的人，产生与人们同在的错觉。

近年来我国国内的3D动画电影也呈现了从无到有，从泛到精的发展态势。《冲锋号》《魔幻仙踪》《秦时明月大电影之龙腾万里》《猪猪侠》《大头儿子小头爸爸之秘密计划》《魁拔》系列等以及近年来名声大噪的《喜羊羊与灰太狼》系列和《熊出没》系列。可以说2010年到2015年这几年，国内的3D动画电影呈现了一个井喷的态势，取材范围广泛、类型多样，吸引了很多受众走进电影院。但从迪士尼的成功之路之中能得到以下几点启示：

（一）创作典型形象，增强纵横联系

一个典型的动画人物可以确立稳固的品牌价值，比如漫威的超级英雄形象深入人心，也成就了漫威这一超级英雄生产营。而且不同人物之间以复杂的人物关系和故事为纽带，为动漫形象打造横向的联系，使漫威的动漫人物成为一个有机的整体。这样一方面强化了典型人物的价值，有了清晰的叙述主线；另一方面为重新创造不同的角色提供一个有机的训练场，当配角的形象反响超出预期时，可以另起炉灶全力打造新的形象。《复仇者联盟》虽然不是3D动画却也在这方面做得非常突出，梦工厂出品的《马达加斯加》和衍生影片《马达加斯加的企鹅》也是这一策略的印证。

国产的3D动画电影多努力创造主角，主要角色和次要角色之间的层级关系相对模糊，次要角色人物形象单薄而没有再创作的价值。比如《喜洋洋和灰太狼》3D动画影片创作的狼和羊群的对峙关系，引入新的角色也仅仅是停留在为这一关系的张弛度服务层面；《熊出没》3D动画影片中存在的同样是这一问题，伐木工人和护林使者与熊大熊二的对峙关系。另外，虽然塑造了性格鲜明的喜羊羊、灰太狼、熊大熊二、光头强等角色，但由于人物没有个人化的故事由来，所以也就失去了继续讲故事的动力，失去了典型的价值，更没有了复杂的纵横联系。其实我国动漫产业在此之前做过相关的探究，比如从《西游记》衍生出的系列动画片《天上掉下来个猪八戒》脱胎于《西游记》故事原型，因为有名著经典铺陈的丰富形象焕发了活力。

（二）重新衡量受众定位，拓宽推广脉络，完善产业链

我国的动漫产业普遍将受众定位在青少年甚至是儿童，受众定位过于窄化导致了动漫人物形象设置单纯化、低龄化，而这种受众的购买力是相对薄弱的。相较之下，迪士尼3D动画电影产业受众定位是从儿童青少年辐射到成年人甚至是中年人年龄层面，成为为人们生产想象力的梦工厂。在推广层面不管是游戏生产还是衍生产品开发和售卖，目标受众群直指极具消费能力的成人。借鉴此策，配合行之有效的宣传和深入人心的动漫形象从而扩展末端环节，使影片产生指数性的价值。

迪士尼为了延伸电影院中产生的3D动漫人物“与我同在”的错觉，一方面是跨终端流媒体播放资源整合和基于3D动画电影终端互动体验的游戏产品开发形成全新的“终端呈现-网络售卖”模式；另一方面配合迪士尼成熟的实物衍生品售卖行业和迪士尼主题公园的再次吸引性消费。从固定场所的刺激消费到营造一种触手可及的感官体验售卖模式。 “从体验到互动”将全网媒体资源进行整合的同时不断创造全新动画形象，并购优质团队囊括创意和技术到自身体系当中，进入迪士尼新媒体时代的产业新循环当中。

迪士尼动画篇5

[关键词] 迪士尼动画 创意设计原则 创意特点 动画灵魂

迪士尼公司是动画史上一个传奇的公司，它开创了动画的先河，从1937年迪士尼第一部长篇动画《白雪公主与七个小矮人》到现在，该公司共创作了56部动画，其中包括迪士尼经典手绘动画、迪士尼真人动画和迪士尼计算机动画和迪士尼模型动画等。在历届奥斯卡评选中，迪士尼动画影片共获133项提名，50个奖项。迪士尼的动画大都成为经典之作，究其原因还在于迪士尼动画的独特创意。

一、迪士尼动画创意设计的原则

1.娱乐性

娱乐性是动画创意最基本的一个原则。早在上个世纪初，动画的出现就是以娱乐大众为目的。弗洛伊德说过“人类总是寻求快乐，避免不快乐”。儿童需要欢笑和快乐，有助于身心健康成长。成人在繁重的社会压力下，也需要娱乐放松自我，从而选择一部轻松，幽默的动画电影，在欢笑之余，放松自我、调节情绪、缓解压力。据研究表明，放松自我和娱乐消遣是观众观看动画的主要目的，在梦幻世界中追求欢乐成为受众接受动画艺术的心理基础[1]。娱乐性是创作者在创作动画艺术最简单、也是最有效的原动力。

作为“欢乐巨人”的迪士尼本人及其公司，在遭遇种种坎坷时，始终不忘创造可爱的形像、动人的故事、美好的人性、完美的结局，愉悦观众、抚慰精神，逐渐成就了举世神往的娱乐王国[2]。在早期米老鼠系列动画短片中，娱乐性是迪士尼的主要目的，而在后期的影片中，迪士尼创作者都会采用盛大的场面和欢快的音乐来传递出这种快乐向上的气氛。

2.教化性

动画不仅具有娱乐性，还可以通过综合视听语言，阐述具有深刻意义的道理，带给人们在娱乐之后的思考，有一定的教育和感化作用。具有哲理性的动画作品可以潜移默化地净化观众的心灵，其中所渗透的人文内涵对意识形态的作用也是不可低估的。

迪士尼动画是寓教于乐的典范之作，它所宣扬的勇敢、坚强与努力的精神曾影响几代人的价值观。1941年出品的《小飞象》传递给观众一个信念：每个人都有自己的潜力，不要因为外在的缺陷就感到自卑，放弃自我。要充分发挥自己的潜力，化弱势为优势，赢得他人的认可，获得自我价值的体现。1961年作品《101忠狗》围绕“皮衣材料”的矛盾展开，引发观众对生命价值的思考，提出狗是人类忠实的朋友，我们应该尊重动物，保护动物，热爱生命。2001年出品的《怪物电力公司》教育孩子不要害怕黑暗和孤独，告诫家长要在欢乐轻松气氛下教导孩子，不能使用暴力和恐吓，要让世界上充满爱和欢笑。一部动画片承载了创作者的多重思想和教育意义。迪士尼动画作品的主题立意具有思想高度和思想价值，这是动画创作的思想基础。

3.情感性

情感性既可以满足观众欣赏作品的心理需求，也是动画创意的主要源泉。动画创作者常常通过内心情感的表达，让观众体会、感受和共情。

迪士尼动画中常以多个角色的情感为主线，为观众呈现出一个个感人至深的故事。如获第76届奥斯卡奖的《海底总动员》，讲述的是子女和父母之间爱与被爱的关系。由于妻子丧命于鲨鱼之口，故事中的爸爸马林是一只羸弱胆小的小丑鱼，一直努力保护顽皮的儿子尼莫。但是在尼莫被人类捕捉之后，爸爸开始艰苦的寻子历程，途中遭遇过大白鲨和水母群的攻击，经历了海鸥、下水道甚至人类的威胁，最终马林凭着父爱爆发出强烈的勇气和毅力，感染了儿子，父子得以团聚。创意者将一个庞大的海洋与一条细小的小丑鱼作为对比，将爸爸软弱胆小的个性和寻子途中遇到的种种困难形成鲜明的情感冲突，凸显出了父爱的厚重和温暖。这对父子在相互的思念和寻找中，凭借深厚的爱和超人的勇气，战胜了内心的恐惧和怯懦。本片在这条以亲情为主线的故事中，还穿插着马林和蓝藻鱼多莉的奇妙爱情，以及尼莫在鱼缸中和各种海洋生物的友情。可见，好的动画作品中，情感创意是不可缺少的部分，是推动故事发展的根本动力。

4.积极性

迪士尼动画片整体采用了健康的、符合道德规范的主题，这种积极乐观，努力上进的基调，给观众一种快乐向上的力量，充满信心地面对困难和明天。

1966年华特·迪士尼因病去世，媒体这样评价他：“迪士尼是一位富有创造力的天才，他为全世界的人带来了欢笑。但若我们仅仅从这一方面去判断他所作出的贡献，仍是不够的。迪士尼在医治、安慰人类心灵方面所作的贡献，也许比世界上任何一位心理医生都要大。”[3]

1933年正值美国经济大萧条时期，迪士尼出品的《三只小猪》给全美带去不一样的鼓舞。片中的大灰狼无疑成为经济大萧条的缩影，三只小猪化险为夷，全力对抗的乐观顽强的态度极大地抚慰了恐慌的人心。又如1989年出品的《小美人鱼》，迪士尼公司把安徒生童话故事中凄美的悲剧结尾改为美满的大团圆，让有情人终成眷属，这样的结局旨在鼓励那些勇于追求和实现自己梦想的人们。再如根据《巴黎圣母院》改编的动画片《钟楼怪人》，迪士尼创作者将原有的悲惨结局改成坏人得到应用的惩罚，有情人幸福生活在一起的喜剧结尾，将原来沉重的基调转变为阳光般的旋律。

善与恶的冲突往往是迪士尼动画的基本线索，诸如白雪公主和皇后，灰姑娘和后母，小狮子辛巴和叔叔刀疤。故事在最后的结局往往是惩恶扬善，正义战胜了邪恶，是对正确价值观和世界观的宣扬。迪士尼动画还具有维护社会道德标准，重燃人性之美的作用。

二、迪士尼动画创意分析

1.题材多样性、全球化

迪士尼公司坚持在全世界寻找经典故事作为动画或短片的基础题材，再加以改编形成自己的作品。例如，《小美人鱼》改编于安徒生童话《海的女儿》；《大力士》来源于著名的希腊神话；《钟楼怪人》改编于世界名著《巴黎圣母院》；《狮子王》灵感源于英国著名戏剧家莎士比亚的名作《哈姆雷特》等。这些经典故事早已经历了时间的考验，可以降低制作风险。其次，这样的题材使观众充满亲切感，更利于观众接受和喜爱。

美国作为世界上最大的移民国家，其文化中融入了世界各国的文化特征。迪士尼一直致力于从各种不同的背景和文化中寻找新的、有趣的角色，使得其影片不流于雷同。纵观迪士尼动画，其主人公既有北欧的小美人鱼、非洲的狮子王，也有中国的花木兰、印度的森林王子，还有中东的阿拉丁、美洲的风中奇缘。不同的地域、不同的民族、不同的文化传统发生着不一样的故事。迪士尼的创意取材趋于全球化，这既能使得动画内容形式更加丰富，又能满足全世界各种人群的需求，从而推动了迪士尼全球化的进程。

2.本土化加工

迪士尼公司在借用经典故事时，并不是简单的挪用，而是努力地将其改编成美国乃至全球的文化产品。影片一方面保留故事的异域风格，另一方面又注入鲜明的美国文化元素。如动画片《花木兰》取材于的中国传统民间故事“木兰替父从军”，在创作技法中借鉴了中国水墨动画中的虚实结合、工笔画和水墨画相结合的特点，在人物和场景的绘制上透着浓浓的中国味。但是仔细品来，创作者在主人公木兰的身上倾入了浓重的美国精神。木兰不再是那个受儒家思想影响的传统东方女性，而是一个具有独立意识、独立个性的现代女性。她从军不是在“忠孝”的驱动下自我牺牲，而是克服困难，自我实现的故事。[4]花木兰的成功，证明了在男女不平等的封建社会下，女子一样可以通过自身的努力实现自身价值，甚至改变国家的命运。可见迪士尼的创意绝不仅仅是简单的照搬和挪用，无论是文化重构，还是文化侵略，迪士尼无疑都成功地将自己的风格和本土文化深深的印记在其作品中。

3.亦师亦友的主角伙伴

一部优秀的作品中必然会有性格特征鲜明的主人公。然而在迪士尼动画中，给人留下深刻印象的不仅仅是这些主角， 那些出现在主角身边，扮演亦师亦友的伙伴们同样让人不能忘怀。 迪士尼动画创意者常在主角旁边精心安置各类与其嘻哈打闹的伙伴，成为逗趣的对象。这些配角大多形象怪异夸张，性格活泼好动，不断闯祸、出丑，博君一笑，但总在危机时给主角正确的指导，助主角化险为夷。例如在《花木兰》中， 创意者为了强化夸张滑稽的风格，特意给花木兰配上木须龙形象，为龙不尊，犹如小丑，惹人捧腹。它既缓解了木兰遭难时的紧张气氛，又推动了情节的发展。再如《美女与野兽》中，座钟管家和烛台仆人之间一唱一和，配合得天衣无缝，其神情和举动令人拍案叫绝。茶壶妈妈和小茶壶生动的形象，让观众不得不感叹设计者的无穷创意。创意者还专给小茶壶设计一个小缺口，突显孩子的顽皮和可爱，让人忍俊不禁。这些配角的出场在很大程度上丰富了动画的观赏性，他们夸张好动的性格特点衬托出主角的沉着稳重，他们平民化特征衬托出主角的英雄特点，他们滑稽的言行举止和不适时候的闯祸，增添了故事的趣味性。[5]各配角的精心塑造也是迪士尼动画成功的秘诀所在。

4.音乐的推陈出新

音乐是迪士尼动画在表达内心情感方面的独特优势。历数迪士尼奥斯卡获奖情况，仅在电影音乐方面的提名就达69项之多。从某种意义上说，音乐元素是迪士尼动画电影的制胜法宝。迪士尼几乎每一部动画都有大篇幅的音乐场面的运用。这些音乐场景不仅使动画更加生动，也更能抒发人物情感、烘托气氛、推动情节发展。迪士尼动画音乐强烈明快的节奏配合华丽壮观的场景，表现出一种排山倒海的气势。

在动画《幻想曲》中，迪士尼巧妙地将古典音乐和动画紧密的结合起来，使其成为“一部可以‘听’动画并且‘看’古典音乐的作品。”这是用动画诠释音乐的一次重要尝试，该片也获得奥斯卡最佳原创音乐奖和最佳电影歌曲奖。在1989年出品的《小美人鱼》中，创意人将百老汇歌舞融入到此片中，将歌曲音乐和剧情完美的融合；其后的《美女与野兽》中，创作者又将热闹的摇滚乐和夸张的百老汇音乐相结合，形成一种新颖的迪士尼音乐场景模式。由席琳·狄翁演唱的主题曲Beauty and the Beast也开创了迪士尼请当红歌星为主题曲演唱的先河。在《狮子王》中，辛巴和娜娜在溪水边相互嬉戏、共浴爱河的一场戏中，角色没有对白，只是配上温馨浪漫的音乐Can You Feel the Love Tonight，却深深的感动了观众。辛巴和伙伴在丛林中那首幽默诙谐的Hakuna Matata也让人津津乐道。可以说，音乐成就了迪士尼动画，迪士尼动画也捧红了多首流行歌曲。

5.反常规的创意理念

创意就是打破人们的思维定势，在不可能的情况下发展故事情节。迪士尼动画中将这种反常规创意理念发挥到了极致。

影片《料理鼠王》将主角定为一只梦想当顶级厨师的老鼠，这一定位颠覆了大家对于常规的理解，以全新的视角向观众展示这个长毛的小东西。重新评估了鼠类所具备的惊人天分和品质，让观众在幽默搞笑之余有了思考的余地，那就是：任何人都有拥有梦想的权利，并应该为之努力奋斗。

影片《怪物电力公司》的故事构思来源于美国儿童的“房间独处恐惧症”，但影片并没有以父母的角度教育孩子走出恐惧，而是以幽默诙谐又具诡秘的视角，向观众展示了另外一个有趣的怪物世界。迪士尼也没把受众群局限在儿童世界里，其内容对成人也有深刻的教育意义，这也是该动画成功的原因。[5]

而在庆祝第二次世界大战胜利60周年之际，迪士尼应景推出的励志影片《战鸽快飞》，不同于各类纪录片和史实片，而是从一群信鸽的角度去描写这场战争。这一立意正体现出迪士尼的反常规的创意理念。那只虽然娇小但勇敢的信鸽出色的完成了任务的故事也深深感染了观众。

三、结语

创意是动画灵魂，没有创意，动画作品就失去了观众。迪士尼每部作品都包涵创意者丰富有趣的想象和独特新颖的视角。一个捧腹大笑的桥段，一首脍炙人口的歌曲，一个寓意丰富的故事，一个令人温暖的瞬间，都成为迪士尼留给观众的美好享受和独特记忆。随着国际同行的竞争压力日趋增大，越来越多的优秀的动画作品挑战着迪士尼动画王国的地位。但无疑出彩的创意永远是优秀动画的必备因素和迪士尼公司的创作出路。

参考文献

[1]彭玲．动画创作与创意[M]．上海：复旦大学出版社，2007：56．

[2]汪少明，刘砚硕．动画片的娱乐性[J] ．电影文学，2008（24）：32．

[3]孙立军，马华．美国迪士尼动画研究[M]．北京：京华出版社，2010：83．

[4]张静．迪士尼动画《花木兰》创意手法研究[J]．青年文学家，2010（06）：26．

[5]李旭，孟辉．世界经典动漫设计[M]．湖南：湖南大学出版社，2010：85．

迪士尼动画篇6

由华特·迪士尼在美国建立的迪士尼公司是全球最大的娱乐及媒体公司之一也是全球最受尊敬的娱乐媒体公司，迪士尼一直坚持着创新的传统自1928年推出《威利汽船》以来，已经历了近80年的发展，先后推出了百余部经典动画片如《狮子王》、《白雪公主与七个小矮人》、《星际宝贝》、《小熊维尼》、《阿拉丁》等等，每一部的故事都会给人带来欢乐和启发。

当今的迪士尼已经远远不止于从事动画电影这一个行业。迪士尼现已拥有影视娱乐、主题乐园及度假区、媒体网络、消费品四大经营领域，并将品牌推广到了书籍、杂志、文具、玩具、服装、家居装饰、和食品饮料、电子等行业。然而，已经拥有众多经典动画片的迪士尼，自然不会浪费众多经典动画形象这一资源，迪士尼已着力开发动画片中经典形象的商业作用，以此为基础大力发展动漫衍生品。动漫衍生品就是根据动漫中的卡通形象，经过专业的设计而生产出的一系列动漫相关产品，如米奇造型的水壶、唐老鸭图案的服饰等。

迪士尼的动漫衍生品在中国市场已有十几年的历史，以迪士尼的卡通形象设计出的消费品每年的市场额度都以18%～20%的速度增长。相关数据显示，迪士尼授权商品每年在中国的交易额已达4亿多美元。同时，迪士尼也注重同其他领域的合作。例如：2007年，广州派浪体育用品有限公司取得了迪士尼公司米奇系列、公主系列、小熊维尼系列等迪士尼标准卡通图像使用权，并允许在中国大陆、香港、澳门、印度和阿根廷范围内生产及销售迪士尼全系列体育用品，成为全球第一家及唯一一家被授权全系列体育用品的授权商。

除此之外，在发展其他领域的同时，迪士尼也在逐步拓宽其在动画行业的发展空间。迪士尼先后收购了皮克斯与漫威动画，这之后迪士尼也收购了卢卡斯影视，将《星球大战》纳为麾下。通过经营“星战”衍生品，已经使《星球大战》老东家卢卡斯影视挣到了大约2.15亿美元。这部科幻电影的故事中涵括了1.7万个分布在数千颗不同星球上的不同角色，时间跨度长达2万年，开发衍生产品的潜力之大可想而知。通过收购卢卡斯影业，迪士尼可以利用卢卡斯影视的每一个部门，来充分挖掘“星球大战”这个品牌。可以预计，未来将有更多的“星战”影视作品、书籍和衍生产品面市。

估计未来几年迪士尼会将动漫衍生品规模进一步做大，其目光将定位到包括社交游戏和网络游戏在内的网络游戏领域以及迪士尼电视频道Disney XD。

迪士尼动画篇7

位于纽约布鲁克林的巴克莱中心，在2014年11月变身为冰雪世界，连续整整1周都在上演一场名为Disney On Ice：Frozen（冰上迪士尼：冰雪奇缘）的演出。大多数前来观看的小女孩都穿着动画电影《冰雪奇缘》里主角的服饰，她们忍耐不住几个小时都坐在观众席上，不时跳起来欢快呼叫，想和下面的演员一起跳舞。

过去1年内的娱乐明星，事实上就是这两个虚拟的公主形象Anna和Elsa。《冰雪奇缘》的诞生，可能是自1994年《狮子王》出现以来，作为缔造者的迪士尼动画工作室（Walt Disney Animation Studios）最为颠覆性的举动。

这种热潮不仅仅发生在美国。它的影响力很快波及到上映过这部电影的各个国家。如果你有个女儿，或者身边人有的话，会发现日常生活中多了两个公主和一首循环反复的背景歌曲Let it Go。

2013年的圣诞季，《冰雪奇缘》为迪士尼带来了高达12.7亿美元的票房收益，成为迪士尼史上最卖座的电影，还拿到了当年的金球奖和两个奥斯卡奖项。但它的吸引力远远没有停留在银幕上。比一部电影的可观票房更加重要的是，迪士尼借此找回了它长久以来的商业魔杖。

如果有心留意的话，你会觉得这一幕像是发生在去年，《冰雪奇缘》热度丝毫不减，继续成为了刚刚结束的2014年圣诞季中最受欢迎的礼物。根据美国国家零售协会的统计，两个公主的吸引力甚至超过了历史更为悠久的芭比娃娃。玩具制造商美泰也从中受益。沃尔玛和玩具反斗城分别拥有700种和300种不同类型的冰雪奇缘玩具，eBay上的一些产品已经卖断了货。

“不夸张地说，迪士尼创造了20世纪电影产业的商业法则，”《好莱坞的经济法则》作者Edward Jay Epstein对《第一财经周刊》如此评论，“如果要说其中的秘密，就是它们一直靠角色授权赚钱。《冰雪奇缘》再次证明了这一点，它从衍生品中获得的收益会远远超过电影本身。”

早在1929年开始，当华特・迪士尼将一个米奇形象放到写字板上，迪士尼就已经开始产品授权，这家公司如今向生产商授权137个门类当中超过160万种产品。米奇和公主们依然在为迪士尼源源不断地赚钱。

2013年11月27日首映的《冰雪奇缘》至今已经在北美售出了超过300万件服装，这个数字大概等于北美4岁女孩的数量。电影本身也成为亚马逊上销量最好的儿童电影DVD。不仅如此，它还跨越了各个年龄阶层，在Twitter上，有个专门形容《冰雪奇缘》的流行标签#TheColdNeverBotheredMeAnyway（寒冷永远不能令我困扰）#。

这种爆发式需求甚至超越了迪士尼自身的预计。位于洛杉矶附近的迪士尼乐园入口处急切地建立起了《冰雪奇缘》衍生品主题零售店，它也成为人群最为集中的地方。根据Google提供的数据，《冰雪奇缘》是过去1年中搜索最多的电影。短片《冰雪奇缘热》很快将在3月，相应的百老汇音乐剧也在筹划之中。夏季，还会出现价值5000美元的因这部电影诞生的挪威之旅―电影中的Arendelle王国，根据现实中挪威的一个小镇 Arendal命名。

对于开头中提到的《冰上迪士尼：冰雪奇缘》的幕后制作者、长于打造冰上娱乐的家族企业Feld Entertainment来说，和迪士尼的合作最早开始于1981年。很多年前，迪士尼如今的首席创意官约翰・拉塞特（John Lasseter）就告诉过家族中三个女儿之一的Nicole，正在计划制作一部冰雪电影。这一次，《冰雪奇缘》打破了Feld Entertainment此前所有和迪士尼合作的纪录，首日售出25万张演出票。迪士尼可以从这一合作中享受到10%的收益。

这个话题看来会一直持续下去，像《冰雪奇缘》的故事结局一样，两位公主不仅为她们的家园解除冰封，也改变了迪士尼长久以来无精打采的面孔，人们不再只是提到米奇和狮子王两个像是博物馆中的角色。过去一年，迪士尼的股价上涨了25%，市值终于超过了1500亿美元。

“它看上去的确已经不是妈妈那个年代的迪士尼了，而是个年轻人、老年人都喜欢的迪士尼。”Digital Media Wire咨询委员会成员Mike Vorhaus如此评论。

2014年10月中旬来到位于洛杉矶伯班克的迪士尼动画工作室的时候，这里显得有些冷清。这是这些创意人士一年当中最轻松的时刻，圣诞季上映的迪士尼年度新片《超能陆战队》（Big Hero 6）刚刚完成，大多数人会选择在这个时候度假。当天晚上，迪士尼恰好利用这个空档，邀请了很多粉丝来参观这个非常神秘的魔力诞生地。

不仅整个动画工作室的入口被装饰为《超能陆战队》中机器人Baymax的模样，内部场景也像是从电影中随手剪出的一帧。这种“情景设置”是个传统，它会伴随每部新片的创作过程。1年之前，这里的主旋律正是《冰雪奇缘》，强烈的代入感令人像是走入了一个微型的迪士尼乐园。

《冰雪奇缘》的联合导演Chris Buck并没有休假，在向我们形容“冰雪奇缘”的轰动现象时，他也觉得“有点疯狂”。这个1年前问世的动画角色，仍然占据着孩子们的世界。

早在5年前，Chris Buck就向拉塞特讲述过这部电影的故事原型。更早的时候，包括华特・迪士尼在内很多人都试图改编过安徒生童话中“冰雪女王”这一原型。最终《冰雪奇缘》的这一版本是反复琢磨的结果。“如果你看到最初的故事，你可能根本认不出它来。”Chris Buck回忆说。

在Chris Buck与联合导演Jennifer Lee和拉塞特的不间断沟通之中，他们希望人物形象能比过去的迪士尼角色更复杂一点。Elsa一度是邪恶的，Elsa和Anna姐妹之间情感微妙，王子并不太喜欢与人交流，亲情用来替代传统“王子一吻”的浪漫情感，这些调整都让整部电影更为细腻，而最终也让更多人接受。更独立的女性气质让它先是获得了成人的认可，又受到了孩子的欢迎。

Jennifee Lee曾对媒体表示，自己喜欢的迪士尼形象是灰姑娘，但她并不认为自己内心像灰姑娘，她希望创作出一个让自己有认同感的角色。强调《冰雪奇缘》的独特性，正是这部电影营销上最初的重点。它看似是传统的“公主电影”，却因为并不完美的角色设计让很多人找到了情感认同。“迪士尼很努力让它适合每个人。”Chris Buck说。

适合每个人是那种近乎不可能的任务，为此迪士尼得非常努力。无论从海报到预告片到电影名字，都在强烈地印证这一点。律师也并没有干涉主题曲在社交网络上的传播，让这个故事被不断讲述。

尽管如此，任何时候对一部电影能否成功的预测都显得徒劳。从迪士尼上一次的类似轰动迄今，已经经历了近20年。

迪士尼历史上常有失败之作，虽然这在电影业司空见惯。Chris Buck此前也担心，人们是否会为这样一部音乐电影而走进影院。“电影工业本质上并不是好生意，它是一个需要巨额投入但收益甚微的生意。你很难预测什么能够成功，很多年来，我们不断学习的正是如何规避风险。”Dean Valentine对《第一财经周刊》说。

Dean Valentine曾在1990年代担任迪士尼电视部和电视动画总裁。他于1988年加入这间公司，1年之后就被提升为电视部的高级副总裁。在迈克尔・艾斯纳和卡森伯格执掌这间公司的时候，他每周都会和他们见面，当时他们被塞在一个会议室内，这也是这个公司发生很多变化的时期。但在他的印象中，除了一次幸运的对ABC的收购，囊括了ESPN这个利润机器，迪士尼整体上陷入了显著的迷茫时期。

2004年，迪士尼股价跌至历史谷底，迪士尼动画工作室令人失望，它的灵感似乎停留在博物馆和故纸堆当中。这也让他们感受到，历史带来的不仅仅都是遗产，还会产生陈旧的刻板印象。

尽管并称好莱坞六大电影公司，但迪士尼和其他公司相比存在显著不同。迪士尼的高管虽然和其他大公司的同样年长，但它们能创造出年轻一点的形象。“六大电影工作室里边，只有迪士尼这些年没有发生明显变化。大家都试图改变过，MGM曾经做过音乐剧，Fox做过电影频道。”在Epstein看来，这种对传统的固守也巩固了它的形象，“当你提到Fox或是派拉蒙，总要介绍一下，但是提到迪士尼，不用解释，大家自然知道你讲的是什么。”

Epstein认为，这种“简短对话+动作”的动画方式非常有效，因为添加字幕非常容易，“容易在各个国家传播”。“从一开始它就不喜欢签约明星和买电影院，而是靠那只米老鼠和其他卡通角色授权给玩具、书籍和报纸使用取得收入。迪士尼一直在为这个行业开拓新的规则，”Epstein评论道，“它最早创立了这种可以授权形象的电影，创立了主题公园，把电影出售给电视网，创造了视频行业以及成功的卡通短片。”

不过，在整个1990年代，无论电影、电视还是主题乐园，迪士尼都进入了缓慢增长阶段。这个品牌尽管开始蒙尘，但是人们依然热爱它。“没有人在意一部电影是派拉蒙或是福克斯出品的，公众往往忽略这点，但迪士尼对孩子们来讲非常不一样。”Dean Valentine回忆说，“迪士尼动画在很长时间内占据主导地位，一代人就是看它成长起来的。迪士尼产品和主题乐园都和这间动画公司关联密切。我们一直非常在意做些与众不同的事情。大概有些人觉得这种说法挺傲慢的，但事实就是如此。”

“Michael（前任总裁迈克尔・艾斯纳）不喜欢改变，但是Bob（现任总裁罗伯特・艾格）不同，”Valentine表示，“Bob的并购之路无疑是对的一招。他本来要退休，后来又延期，这也是因为当他离开之后可能很难找到一个合适的继任者。”

罗伯特・艾格上任以来，迪士尼用了近10年的时间渐渐回归，重新创造出一个有惊人影响力的新角色。而这距离它收购另一传奇的动画工作室皮克斯已有7年时间，拉塞特的加入，成为创造力重现的开始。迪士尼自此具备了最有才华的动画团队。

“创造力第一，商业第二，”Valentine说，“我想这是迪士尼过去20年做得最对的一件事。皮克斯是非常必要的一步。在此之前，迪士尼已经用尽了它的创造力。而即便是主题乐园，也永远需要内容和创造力。”

“迪士尼越来越像皮克斯，皮克斯反而开始像迪士尼。”这开始成为皮克斯在2006年被迪士尼收入囊中之后的一句普遍性评价。如此评价对于这家公司来说有些尴尬。因为它们都共同属于皮克斯原来的联合创始人、迪士尼创意总监约翰・拉塞特的掌管之下。在说服保留迪士尼品牌之后，他担负着重振这间动画公司的责任。

一段时间以来，这是手绘动画和电脑动画之间的争夺。曾经因为主张电脑动画被驱逐出迪士尼的拉塞特，把那些手工艺人又重新请回到工作室内。而《冰雪奇缘》中女主角Elsa用魔法建造城堡的过程，正是由50位动画师和4000台电脑同时完成的。

不仅在技术本身，这两间公司长期处于一种相互独立又彼此合作的微妙关系。在收购皮克斯之前，这家公司的电影发行也由迪士尼负责，它可以为此获得50%的收入。这也使得《连线》对于《冰雪奇缘》的成功如此评论，“对约翰・拉塞特而言，这非常具有意义，它意味着魔力在这里被保留了。”但对于皮克斯本身来说，2013年的一个不幸消息是它裁员67人，并推迟了一部长片The Good Dinosaur的。

对皮克斯收购的真正价值在《冰雪奇缘》身上充分体现出来。Valentine对角色的理解是代表着“和每代人之间的关联”。“迪士尼一直倚赖于它的角色，它需要为每代人制作新的角色。它为这一代人制作了冰雪奇缘，这是非常女性化的视角，音乐上也更现代。如果《冰雪奇缘》做得不好，迪士尼什么都得不到。”他说。

成功收购皮克斯之后，影迷们似乎更加放心将漫威和卢卡斯交付给它。迪士尼和漫威出品的《银河护卫队》在全球收获了7.72亿美元的票房。在未来3年，迪士尼打算推出21部大制作影片。

迪士尼开始进入盈利的黄金时代。迪士尼主席和首席执行官罗伯特・艾格认为过去一年是“这间公司历史上表现最好的一年”，“连续第四年破纪录表现”。

迪士尼麾下的这些角色就像画廊签约的艺术家，对它们的精心维护为这间公司衍生中更多商业和创造力上的可能性。考虑到2015年将会是《星球大战7》《复仇者联盟2》以及人们等待了很久的皮克斯动画工作室新作Inside Out的之年，以及迪士尼已经宣布在2017年6月16日第四部由拉塞特导演的《玩具总动员》电影，它在未来几年的表现显然值得期待。

“《冰雪奇缘》的确非比寻常，很快就会有续集。它会成为一架利润机器。这也是迪士尼的荣耀，”Valentine说，“它比我在的时候要成功得多。”

Valentine认为，迪士尼动画最适合的定位是“做最好的家庭动画片”。《冰雪奇缘》在这一点上超过了此前所有电影，它同时在全球范围内获得强烈反响。“你可以做一部像《里约大冒险》那样的成功之作，但是它不会像《冰雪奇缘》这样强烈地激发个人情感。”

迪士尼动画篇8

【关键词】主题公园 发展模式 迪士尼

一、引言

作为全球第二大传媒公司，迪士尼在主题创意、快乐体验、产业链延伸等方面有着成熟的经营模式，在提供文化产品和服务方面暂时无人能及。迪士尼的主题创意始终定位在快乐和理想，造就了如米老鼠、唐老鸭、维尼等一批动漫形象。以这些为起点，迪士尼在核心业务中不断延伸产业链，造就一个强大的文化集团。

二、主题公园及迪士尼乐园

主题公园是一种以游乐为目的的环境体验塑造，也称模拟景观呈现。主题公园最早可以追溯到古希腊、罗马时的集市杂耍，通过音乐、舞蹈等吸引观众。随着工商业城市的大量出现，小型流动的集市逐步演化为以户外为主的游乐场所。

随着科技的发展，在欧美形成了文化景观的创新，如“童话乐园”、“探险乐园”等。1955年，美国洛杉矶建立起第一个现代意义上的主题公园――迪士尼乐园并大获成功，以主题公园为代表的文化旅游业开始在世界各地迅速发展。

迪士尼公司名字取自创始人沃尔特？迪士尼，总部设在美国。1923年 沃尔特？迪士尼与哥哥罗伊成立迪士尼兄弟制片厂。九十多年来，迪士尼公司秉承高质量创意与传奇故事，创造与众不同的娱乐体验，发展为以主题公园、传媒为主的跨国公司。制造一个产品，拥有一批客户，塑造一个品牌，占有一片市场，成为迪士尼发展特征。

三、迪士尼公司产业链

（一）动画影视

1928年迪士尼先后创作出三部以米老鼠为主人公的卡通片：《飞机迷》、《飞奔的高卓人》和《汽船威利号》。1932年迪士尼公司制作的第一部彩色有声动画片《花儿与树》获得当年奥斯卡奖。此后，迪士尼先后推出《三只小猪》、、《狮子王》、《花木兰》、《玩具总动员》等出色的影片。

至此迪士尼公司逐步建立起了自己在动画创作领域的领导地位。而动画是迪士尼产品链的源头，影片内容的成功与否直接关系到后续产品的市场前景和品牌质量，保证迪士尼公司的成功。

（二）媒体广播

1955年10月沃尔特利用电视推出米老鼠俱乐部节目，在当时掀起了米老鼠热。1983年，迪士尼拥有了迪士尼频道，播放迪士尼自己制作的影片来获得广告收入。

1995年，迪斯公司以190亿美元兼并ABC公司，随后又收购ESPN频道。2001年9月，ABC电视网络拥有226家电视台；广播网络有4600个广播台，覆盖半数美国市场。

迪士尼公司的媒体网络产业价值在于利用媒体的传播功能，传递迪士尼公司成功的卡通形象，并宣传新的文化创意、书籍等相关产品，为迪士尼乐园揽客起到了较好的宣传效果。

（三）主题公园

1955年7月17日，位于洛杉矶的首座迪士尼乐园正式建成。它标志着迪士尼公司的经营范围从单一的文化产业，扩张到相关的亚文化产业―主题公园文化旅游业。

体验式营销是迪士尼乐园的生存之道，创造欢乐则是迪士尼乐园的主题。迪士尼乐园第一次把观众对电影的虚拟体验变成了可玩、可感的现实体验。米老鼠等动画人物搬到迪士尼乐园里建造新的场景，使游客与影片中的角色和情景亲密接触。

迪士尼乐园包括魔术王国、迪士尼影城等若干主题公园。迪士尼在全世界开设4个度假地，经营11座主题公园、35座主题酒店、度假村。除此以外还有迪士尼市区、迪士尼俱乐部、迪士尼酒店、迪士尼邮轮。迪士尼乐园的收人约占迪士尼公司利润的40%。基于迪士尼动画，迪士尼乐园带动相关联的服务行业，使产业链的各部分的收入滚雪球似的膨胀。

四、迪士尼乐园品牌管理

（一）三三制维护

迪士尼有句口号“永远建不完的迪士尼”，在经营项目上一直采用“三三制”，即每年淘汰1/3的设备，新建1/3的项目。对于主题公园，加快新产品开发可延长其生命周期，增加顾客再访率。因此迪士尼采取循环更新的模式，即在运营期间不断投资、更换游戏设施。

例如：东京迪士尼用14年吸引2亿人次游客，游客重玩比例超过90%。园内不断的新意是它保持高重游率的关键，园内每年投资100亿日元，用于增设新的游乐设施及表演活动，使其永远新鲜。

（二）品牌宣传维护

迪士尼公司在品牌经营方面有独特的商业模式：它不追求在影视、主题公园和传媒各自领域第一，而是在以上活动中都要有迪士尼品牌，最大限度发挥迪士尼品牌整合营销的市场影响力。

迪士尼每推出一部新片，整个集团全力发动迪士尼电视网、网站、乐园、专卖店，并与电影院、麦当劳、可口可乐等合作，充分利用集团庞大的经营网络，迅速在其经营领域形成联动效果。

（三）细节管理

作为目前全球优秀的体验品牌，迪士尼有许多令人称赞的经营细节。园中每项细节都是优质服务的体现。公司将“给游客以欢乐”的经营理念，落实到每一个具体工作中，成为员工服务承诺。

乐园里的员工必须接受培训，如学习使用最先进的照相机，以备随时帮游客照相。员工还必须蹲下来和孩子说话，因为蹲下后可以不让孩子抬着头去跟员工讲话。迪士尼乐园的每个细节服务费尽心思，为游客带来极大的方便和快乐。

五、结语

以迪士尼乐园为代表的美国主题公园的创意和发展，是一种典型的创意产业从创意产生到产业化的形成过程，分析他们的成功经验，剖析他们的发展模式，可以对主题公园在中国的生存、发展取得借鉴。

参考文献：

[1]李世丁.销售欢乐[M ].广州：广东旅游出版社，1998.

[2]蒉凯频.卖法与卖点的完美结合-论迪士尼的经营模式[J].国际商业技术， 2007， （3）.

[3]赵玉莲等.迪士尼乐园体验式营销的成功实践者[J].中国市场， 2008， （9）.

迪士尼动画篇9

迪士尼在发展过程中形成了自己独特的产业链模式。首先，迪士尼的动漫影视制作一直是公司的品牌支柱，是其产业链经营的源头。其次，迪士尼乐园将动漫影视中出名的动画人物、故事场景等以主题公园的形式进入人们的现实生活，发展“体验式营销”。再次，随着媒体科技的进步，迪士尼公司将业务拓展到媒体网络，给迪士尼产业链增加筹码。最后，迪士尼的产业链还包括它的特许经营与衍生消费品，该部分收入是产业链中最稳定的部分。虽然目前迪士尼在中国仅有衍生消费品这一业务，包括百货专柜、专卖店以及综合店等，出售各种卡通形象玩偶，但随着迪士尼乐园入驻上海，其整个产业链将很快扩张至中国。

一、迪士尼产业链与经营模式的研究

迪士尼产业链方面，谢婉若（2006）指出，迪士尼的产业链是一个开放的呈钻石状的立体交叉模式，它不仅以动漫影视为龙头，还将相关业务扩展到三个主要领域，构成了集团的链身部分，但其产业链模式并非单一的直线结构，各部分发挥“交叉促销”的效用。胡晓梅、徐静（2008）从五个方面分析了迪士尼的创意发展模式，并指出逐步完善的创意产业价值链造就了迪士尼覆盖动画制作、公园与度假村、消费产品、媒体网络四大领域的庞大的娱乐帝国。蔡君平（2007）在其硕士论文中重点分析了迪士尼的动漫衍生产业链，并指出迪士尼公司是一个“品牌乘数型企业”，即用品牌做乘数，在后面乘上各种不同的经营手段以此获得更大的经济利益。

经营与管理模式方面，张燕（2004）较早对迪士尼集团的运营模式进行了动态和静态分析，简要概述了迪士尼的四个主要业务领域——影视娱乐、媒体网络、主题公园和相关消费产品。褚劲风（2008）从迪士尼公司经营战略管理的发展历程、企业组织构成与创意产品分类出发,分析了基于好莱坞影视业空间集聚品牌优势的迪士尼影业创意管理、标准化与多样化结合的迪士尼主题公园与旅游度假业品牌效应、知识产权保护主导下的迪士尼消费产品、数字技术支持下的迪士尼传媒网络等四大创意产业板块。李玉梅（2008）在其硕士论文中介绍了迪士尼的娱乐营销策略，即卓越的成品、灵动的价格、娱乐促销（包括明星效应和整合营销传播）以及完美的服务理念，并指出迪士尼从整合营销传播中得到的巨大收益。申毅（2008）在其硕士论文中重点从外部环境、内部条件、后续延伸等方面对迪士尼的特许经营消费品进行了分析，并指出在迪士尼整个价值链中，消费品这块的份额虽然一直徘徊在10%左右，但是这块利润比较稳定，风险相对较小，在整体价值链中担当稳定保值的功能。

二、迪士尼进入上海的机遇

（一）主题公园市场

普华永道的《2007—2011年全球娱乐和媒体前瞻报告》认为：亚太地区将成为全球主题公园消费增长最快的地区，总消费年增幅为5.5%。世界旅游组织预测，2020年，中国将成为世界第一大旅游目的地，每年将吸引国际游客1.4亿人次；美国经济研究事务所ERA的研究人员表示，中国的主题公园每年至少有1亿人次的潜力目前还未开发。种种的数据和预测表明，未来的几十年中，随着经济和社会发展，中国的主题公园市场需求也会进入快速释放期，市场潜力巨大。不断增加的主题公园市场需求是迪士尼进入上海的市场基础，主题公园游客也是迪士尼需要首要吸引的客户群体。

（二）动漫消费市场

根据艺恩咨询的数据统计，预计到2015 年，中国1—12 岁儿童人口将达到2.02 亿人。随着消费结构和方式的不断提升，这将是世界上最大、最固定的动画产业消费群体，拥有全球最大的动画目标消费市场。另外，据《2006年中国动漫产业年度报告》:中国动画产业拥有200亿元的大市场，其中仅上海、北京、广州三地13岁至30岁青少年的动画消费就达13亿元之多。此外，中国动漫衍生品市场也有较大潜力。据统计，我国文具的年销售额约为600亿元，儿童食品年销售额为326亿元(1999年)，玩具年销售额为200亿元(2000年)，儿童服装销量超过10亿件，市场规模达900亿元(2003)，这些均是卡通授权产品的潜在市场。数量庞大的动漫消费人群和潜力增大的动漫衍生品消费市场为迪士尼进入上海提供了巨大的市场机遇，也是其产业链延伸的关键。

（三）电视市场

中国目前已经成为世界上最大的电视用户市场，令世界传媒巨头们山现俞见。在电视市场方面，迪士尼现在只为中国电视台提供时间有限的节目内容。迪士尼公司控制的ESS公司现已成为亚洲最大的卫星和有线体育电视网，为亚洲25个国家和地区的用户提供服务，其中包括中国的33家有线电视台。除了提供节目和转播，ESS还寻求与中国电视台进行更多更深的合作，参与体育节目的制作。他们己经开始与湖南电视台共同制作足球节目，甚至试图与地方有线电视台合作转播中国的甲A联赛。此外，迪士尼还把这种共同制作电视节目的合作方式延伸到电影制作领域，这是迪斯尼的长项所在。可以预见，迪士尼可能将在电视电影领域更多地渗透中国市场。

三、迪斯尼进入上海的挑战

迪士尼动画篇10

迪士尼：卡通品牌挽救一家公司

动漫营销带动经济甚至挽救企业危机的案例，在20世纪的美国，就已经成功地上演过。在全美经济不景气时，赖恩公司是一家已向法院申请破产的制造电动玩具火车的企业，一个偶然的机会，获得迪士尼公司授权生产米老鼠造型的火车玩具，投入市场4个月就卖了25万部，这家公司因此奇迹般地起死回生。由此可见健康知名的卡通形象可以提升一个产品的美誉度，这就是品牌的魅力所在。迪土尼作为风靡全球的卡通航母如今正处在品牌释放期。作为品牌授权的鼻祖，他们的成功，也是市场选择的结果。在米老鼠成名不久，一个家具商人找到迪士尼公司，以300美元换取了把米老鼠形象印在自己公司写字台上的权利。这300美元是迪士尼公司收到的第一笔授权费，这笔生意也让迪士尼发明了品牌授权和迪士尼主题乐园这两种生意模式。

现在，没有谁可以再拿300美元来获得迪士尼的品牌授权了，但是在全球3000多家帮助迪士尼成功的授权商中，大多数公司依然认为自己与迪士尼的这笔生意非常划算。

变形金刚：动画片不过是玩具的广告

日本的动漫产业，已经成为日本国内第三大支柱产业，其动漫产品的极大丰富和成熟产业链的形成，让他们将整个国际动漫消费市场操作得游刃有余。通过多年的摸索与经验的积累，日本动漫一直注重原创性漫画形象的创造，各种漫画杂志市场定位明确、市场细分完善。当漫画形象获得成功之后才会以漫画形象为主角制作动画电视连续剧、动画电影等，然后发展动漫衍生产品市场，诸如动画人物的使用授权、动画人物的玩具制造等。甚至很多动画片，在制作之初，就已经成为了某种产品的广告。以世界知名的变形金刚为例，在动画片尚未播出之前，玩具商已经将变形金刚制作出来，当动画片引进中国的时候，甚至是免费送给各个电视台进行播放，当人们逐渐喜爱上这些汽车人的时候，再将之前生产的玩具出口给中国。也就是说，动画片发行所得的利益已经不重要了，经营者早就将盈利的重点放在了衍生品的销售上。